Malarstwo rosyjskie jako odzwierciedlenie światopoglądu narodu rosyjskiego i jego wielowiekowej historii. Rozwój malarstwa w XIII - XV wieku

Od redaktora wydania rosyjskiego Wydawnictwo „Tekst” w różnych latach wydało następujące książki związane z życiem i twórczością Marca Chagalla: Marc Chagall o sztuce i kulturze. Benjamina Harshavy i Marca Chagalla. Mój świat. Pierwsza autobiografia Chagalla, wyd. Benzoes

Za początek historii malarstwa rosyjskiego uważa się epokę przyjęcia chrześcijaństwa - koniec X wieku. Wraz z ideologią chrześcijaństwa na Rusi rozpowszechniły się tradycje malarstwa bizantyjskiego, które będą dominować aż do XV wieku. Obrazy Musiy (musiy - wykonane na farbującym drzewie) są najpierw wykonywane przez przyjezdnych mistrzów z Grecji, którzy szkolą utalentowaną rosyjską młodzież. Jednym z nich jest mnich Alympius z jaskiń, pierwszy rosyjski malarz ikon.

Ścisły nadzór władz kościelnych, pozwalający jedynie na kopiowanie greckich wzorców i tłumienie wszelkich prób odstępstw od kanonu, na długo spowalnia rozwój sztuki malarskiej. Do XV wieku istniała tylko jedna szkoła malarstwa – korsuńska (grecka). Jednak w XV wieku sytuacja uległa zmianie w związku z rozpowszechnieniem się europejskich, ozdobionych politypami i rycinami. Okres ten obejmuje twórczość Andrieja Rublowa, przedstawiciela szkoły bizantyjskiej, autora malowideł ściennych moskiewskiej katedry Zwiastowania, katedr Ławry Świętej Trójcy Sergiusza itp.

W XVII wieku zacofanie rosyjskiej szkoły ikonograficznej stało się oczywiste nawet dla władz kościelnych. Suwerenny Aleksiej Michajłowicz zaprasza zachodnich mistrzów, którzy potrafią malować z życia, do malowania komnat pałacowych - takiej umiejętności absolutnie nie było w szkole domowej. Szymon Uszakow, królewski malarz ikon, próbuje połączyć techniki bizantyjskie i europejskie, tworząc nowy styl malowania ikon - Fryażski.
XVII wiek. Początek rozwoju malarstwa świeckiego
Od XVII wieku na Rusi zaczęło się rozwijać malarstwo świeckie, szczególnie zdecydowanie - za panowania Piotra Wielkiego. We Włoszech i Holandii bracia Matwiejew, Zacharow i Nikitin studiują zachodni styl pisania, w Akademii Nauk otwierane są zajęcia z grawerowania i rysunku.

Moda, pragnienie luksusu stały się przyczyną dużego popytu na malarstwo w czasach Elżbiety Pietrowna. Ale prace zagranicznych artystów są poszukiwane - rosyjscy malarze są daleko w tyle pod względem umiejętności.

W 1757 roku w Petersburgu powstała Akademia Sztuk Pięknych z 5 wydziałami: malarstwa, rzeźby i rzeźby, rytownictwa, medalierstwa (wyrób monet i medali) oraz architektury. Przyjmowano do niej ludzi wszystkich warstw społecznych, a nawet kobiety (za zgodą ojca lub męża) - taka była potrzeba talentów domowych. Jednak francuskie kierownictwo pedagogiczne przez długi czas określało główne rodzaje malarstwa - pejzaż historyczny i heroiczny w stylu Poussinsa i Claude'a Lorraina, co powodowało monotonię i wysoką konwencjonalność obrazów.

Ale rozwój, choć powolny, postępuje. W portretach najlepszych artystów tamtych czasów, Lewickiego, Borowikowskiego, Rokotowa, Kiprenskiego, prawdziwość natury staje się coraz wyraźniejsza. D. G. Levitsky staje się najmodniejszym portrecistą czasów Katarzyny II. Jego ceremonialne, bardzo piękne prace są bardzo poszukiwane w środowisku arystokratycznym, charakterystycznym przykładem manier Lewickiego jest pełnometrażowy portret Katarzyny II. Orest Kiprensky zaliczany jest do najlepszych rosyjskich portrecistów. Jego najlepsze prace to portret Thordvalsena, obrazy „Sybil Tiburtinskaya”, „Dziewczyna z owocami” itp.

Przez bardzo długi czas, aż do pierwszej połowy XIX wieku, malarstwo rosyjskie pozostawało głównie imitacyjne. Malarze kopiowali techniki i tematy mistrzów francuskich, włoskich (bolońskich). Powodem było wykształcenie akademickie i świecka prośba, która podobnie jak władze kościelne zaszczepiła idee naśladownictwa.

Pierwszymi artystami, którzy zrobili krok w stronę samodzielności i ożywienia obrazu byli Basin, Warnek, Bruni. Zasadniczego zerwania z tradycją klasycyzmu dokonuje jednak Karl Bryullov, który napisał Ostatni dzień Pompejów. Bryullovowi udało się wzbudzić zainteresowanie żywą sztuką w społeczeństwie, a jego romantyczny styl pisania stał się zwiastunem rosyjskiego realizmu.

XIX wiek. Powstanie malarstwa narodowego
Druga połowa XIX wieku charakteryzuje się ciągłym wzrostem miłości i prostego zainteresowania sztuką. Jest wiele wystaw. Pojawiają się bogaci koneserzy, skupują płótna i tworzą prywatne galerie. Istnieją prywatne szkoły rysunku.

W 1825 r. zorganizowano w Ermitażu ogólnodostępny wydział malarstwa rosyjskiego. Zerwanie z naśladowczym akademizmem wyraża się w odwoływaniu się do życia codziennego i chłopskiego, wątków prostej rzeczywistości. I choć w obrazach Wenecjanowa jest to raczej poszukiwanie piękna niż poszukiwanie piękna, mają one ogromne znaczenie dla kształtowania się rosyjskiej szkoły realistycznej.

W 1863 r. Grupa artystów kierowana przez Kramskoja, potępiająca politykę Akademii Sztuk, opuściła swój skład, aw 1872 r. Utworzyli „stowarzyszenie wystaw objazdowych”, w przyszłości - centrum narodowej rosyjskiej szkoły malarstwa . Z czasem dołączają do nich najbardziej utalentowani i oryginalni artyści.

W tych latach pojawiła się Galeria Trietiakowska, wiele muzeów nie tylko w obu stolicach, ale także w miastach prowincjonalnych. Dominującym kierunkiem staje się społecznie tendencyjny, mający na celu portretowanie, wywieranie wpływu, walkę, potępianie i głoszenie kazań. Idee literatury i myśli społecznej inspirowały obrazy Perowa, Pukirewa, Pryanisznikowa, Korzuchina, Sawickiego, Miasojedowa, Kłodta.

Czas nazmianę

Koniec XIX - początek XX wieku to czas rewolucyjnych przemian i oczekiwania na odrodzenie Rosji. W tym okresie pojawili się słynni „Bogatyrowie” Wasniecowa i „Kozacy” Repina, „Przeprawa Suworowa przez Alpy” Surikowa. Obrazy wyrażają patriotyczne idee wielkości narodowej i najgłębszą myśl o jej odrodzeniu.

Ale nie tylko odwoływanie się do wielkich kart historii jest charakterystyczne dla czasu wielkich zmian. Młodsi Wędrowcy - S. Korovin, S. Ivanov, N. Kasatkin i inni - zwracają się ku życiu głuchych, tworząc ostro społeczne, rewolucyjne w swojej prawdomówności płótna.

Błyskotliwy rozkwit kultury rosyjskiej w drugiej połowie XIX wieku przejawiał się też wyraźnie w sztukach plastycznych, sztuce realistycznej, prawdziwie ludowej, głęboko narodowej. To właśnie sztuka humanistyczna, przesiąknięta ideami rewolucyjnego ruchu wyzwoleńczego, odzwierciedlająca walkę lat sześćdziesiątych i populistów z pańszczyzną i samowładztwem, odbiła się szerokim echem w demokratycznych kręgach rosyjskiej inteligencji. Poświęcony ludziom, przemawiał do nich prawdziwym, prostym i jasnym językiem. Nigdy wcześniej rosyjscy artyści nie mieli tak ogromnej i wdzięcznej publiczności.

Sztuka piękna była przesiąknięta ideami walki wyzwoleńczej ludu, odpowiadała na wymagania życia i aktywnie atakowała życie. W sztukach wizualnych ostatecznie zadomowił się realizm - prawdziwe i wszechstronne odzwierciedlenie życia ludzi, pragnienie odbudowy tego życia w oparciu o równość i sprawiedliwość. Druga połowa XIX wieku była ważnym etapem w rozwoju rosyjskich sztuk plastycznych. Stał się naprawdę wielki, aktywnie wdzierając się w życie i odzwierciedlając je lub rozwiązując problemy, jakie stawia czas.

W malarstwie rosyjskim istniały dwa główne nurty, które zwykle nazywane są „akademickimi”, wyrażającymi poglądy szlachecko-mieszczańskie, oraz „wędrowne”, czyli demokratyczne.

Uosobieniem rutyny była Akademia Sztuk Pięknych, zależna od kręgów dworskich, która okazała się zdystansowana wobec rozkwitu świadomości społecznej. Akademia stała na straży przestarzałych tradycji, „wysokiego” stylu i „wysokich” tematów – od mitologii antycznej, religijnej, pseudohistorycznej. Bała się bliskiego kontaktu sztuki ze współczesnym życiem.

W obrazach z rosyjskiej rzeczywistości, pojawiających się coraz liczniej od końca lat 50. i początku lat 60., nasilają się cechy oskarżycielskie; rośnie krytyczny realizm, chęć ingerowania w życie i wpływania na nie w interesie ludu.

Druga połowa XIX wieku to czas kształtowania się realistycznego, narodowego, demokratycznego kierunku w sztukach wizualnych, to czas życia i twórczości wybitnych artystów rosyjskich, którzy wnieśli ogromny wkład w rozwój rosyjskiej sztuki piękne.

Typowa dla malarstwa lat 60. była postać W. G. Perowa (1833-1882). Jest najjaśniejszym przedstawicielem oskarżycielskiego nurtu w malarstwie. Jego rola w rozwoju narodowej sztuki realistycznej była bardzo znacząca zarówno przed, jak i zwłaszcza po latach 60. XX wieku. Nazwisko Perowa stało się popularne od ostatnich lat przedreformacyjnych, kiedy to zaczęły pojawiać się kolejno jego płótna, poświęcone różnym aspektom rosyjskiego życia, przedstawiające różne typy społeczne, ostro piętnujące biurokrację, duchowieństwo („Przyjazd policjanta na dochodzenie”, 1857; „Pierwszy stopień”, 1860 ; w latach 1861-1862 - „Wiejska procesja religijna na Wielkanoc”, „Kazanie we wsi”, „Picie herbaty w Mytiszczach”). W latach 1865-1868. Pojawiły się obrazy Perowa „Widząc umarlaka”, „Trojkę”, „Przybycie guwernantki do domu kupca”, „Utopiona kobieta”, „Ostatnia tawerna na posterunku”, w których uwagę artysty zwrócono na trudny los chłopstwa, ofiarom niesprawiedliwości społecznej. Sympatia artysty jest niewątpliwie po stronie chłopa, którego wizerunek jest wyraźnie wyidealizowany. Później Perow przeszedł do neutralnych w odbiorze publicznym tematów gatunkowych („Łapacz ptaków”, „Odpoczywający myśliwi”), okazał się też znakomitym portrecistą (portrety A. N. Ostrowskiego, V. I. Dahla, M. P. Pogodina, I. S. Turgieniewa, słynny portret F. M. Dostojewskiego jest jednym ze szczytów portretu). Dzieło V. G. Perova wyróżnia się nieprzekupną prawdomównością, głębokim uczuciem, darem penetracji psychologicznej.

Na klimat ideowo-społeczny epoki wpłynęły pamiętne wydarzenia 1863 roku, które doprowadziły do ​​zerwania z Akademią Sztuk Pięknych grona młodych, zdolnych artystów.

Grupa artystów składała się z trzynastu malarzy (I. N. Kramskoy, A. I. Korzukhin, A. I. Morozov, F. S. Zhuravlev, K. E. Makovsky i inni) oraz jeden rzeźbiarz (V. P. Kreytan) . Inspiratorem i liderem był I. N. Kramskoj (1837-1887).

„Bunt” czternastki, ich decyzja o zorganizowaniu się w wolny artel artystyczny zaalarmowały rząd. „Najwyższe dowództwo” monitorowało „poczynania tych młodych ludzi” i „kierunek tworzonego przez nich społeczeństwa”. Artel petersburskich artystów był stowarzyszeniem zawodowym, realizującym wszelkiego rodzaju zamówienia, a jednocześnie gminą domową i, co najważniejsze, ośrodkiem ideowym i artystycznym; tutaj niejako na tym etapie ukształtowała się opinia publiczna środowiska artystycznego. Artel urządzał wystawy malarstwa, które cieszyły się dużym zainteresowaniem publiczności.

Praca artelu okazała się trudna i złożona: motywy ekonomiczne dla niektórych jego członków ostatecznie stały się dominujące, podczas gdy strona pryncypialna zeszła na dalszy plan. W artelu zaczęły pojawiać się tarcia. W 1870 r. Kramskoj opuścił artel; trwała jeszcze kilka lat, ale nie miała już swojego dawnego znaczenia. Warto zauważyć, że w połowie lat 60. w Petersburgu przez pewien czas istniał drugi artel artystyczny, który powstał na wzór inicjatywy Kramskoja i jego towarzyszy. Należeli do niego V. M. Maksimov, A. A. Kiselev (przyszli Wędrowcy), N. A. Koshelev i inni.

Członkowie obu arteli, w szczególności pierwszego, w dużej mierze zdeterminowali charakter malarstwa lat 60., zwrócili się ku rosyjskiej rzeczywistości, przepojonej serdeczną uwagą do życia i doświadczeń zwykłych ludzi. Nie wyczerpują one jednak kręgu twórców nowej szkoły realistycznej lat sześćdziesiątych. Najlepsze obrazy N. V. Nevreva (1830-1904), spokrewnionego duchem z Perowem, jak „Torg” (sprzedaż młodej wieśniaczki przez właściciela ziemskiego) i cykl obrazów pochodzą z lat 60. W tym samym okresie rozwinęła się twórczość satyryka, codziennego pisarza miejskiej biedoty L. I. Solomatkina (1837–1883). V. G. Schwartz (1838-1869) przecierał nowe szlaki w malarstwie historycznym, wprowadzając do niego cechy realizmu, psychologizmu i do pewnego stopnia oskarżenia; jest właścicielem wybitnego obrazu „Wiosenny pociąg królowej w pielgrzymce pod cara Aleksieja Michajłowicza” (1868), szereg dzieł z czasów Iwana IV. Inny malarz historyczny K.D. Flavitsky (1830-1866), który pozostał w ramach akademickiego kierunku, niemniej jednak w sensacyjnym obrazie „Księżniczka Tarakanowa” (1864), był pod wpływem demokratycznej szkoły malarstwa.

Ruch artystyczny lat 60. utorował drogę do powstania wspólnoty objazdowych wystaw sztuki.

Inicjatywa powstania tego stowarzyszenia, które odegrało ogromną rolę w kulturze rosyjskiej, wyszła od G. G. Miasojedowa (1834 lub 1835-1911). W listopadzie 1870 r. zatwierdzono statut Towarzystwa, rok później otwarto jego pierwszą wystawę w Petersburgu. Zakres działalności Stowarzyszenia stopniowo się rozszerzał. Liczba miast odwiedzanych przez wystawę Wędrowców wzrosła kilkukrotnie do lat 80-tych. Ważna sama w sobie idea ruchomych wystaw, przybliżających sztukę mniej lub bardziej szerokim kręgom społeczeństwa, nie tylko rosyjskim, ale także ukraińskim, litewskim, łotewskim itp., nie wyczerpała jeszcze zadań nowej, wciąż jeszcze bezprecedensowe w swej naturze stowarzyszenie, które, nie wyróżniając się całkowitą wewnętrzną jednością wszystkich uczestników, zostało jednak utworzone i faktycznie działało na podstawie pewnych zasadniczych ogólnych zasad i aspiracji. Stowarzyszenie konsekwentnie broniło zasad krytycznego realizmu i narodowości.

Ludzie byli bohaterami wielu obrazów Wędrowców. Niektórzy Wędrowcy przywiązywali wielką wagę do życia miasta. Od połowy lat 70. w sztuce Wędrowca pojawiają się prace poświęcone pracy robotników i typów pracujących. Wybitne kręgi społeczne spotkały się z wyjątkowym zainteresowaniem i sympatią powstania Stowarzyszenia Wędrowców. Przeciwnie, środowiska reakcyjne wykazywały nieprzyjazny stosunek do Wędrowców. Najbardziej udane wystawy przekształciły się w wielkie wydarzenia nie tylko artystyczne, ale i społeczne. W ciągu pierwszego ćwierćwiecza ich istnienia wystawy objazdowe odwiedziło ponad milion osób.

W dziedzinie gatunku pracowali tacy Wędrowcy, jak Myasojedow (głównie na pierwszym etapie ich twórczości), Maksimov, Savitsky i inni, a najbardziej widoczne miejsce w obrazach rodzajowych zajmował temat chłopski.

W przeciwieństwie do Maksimowa czy Miasojedowa V. E. Makovsky (1846-1920) poświęcił się głównie gatunkowi miejskiemu. Nazwisko artysty N. A. Yaroshenko (1846-1898) jest również związane z rozwojem gatunku miejskiego. Był jednym z ideowych przywódców Związku. Należał do tych artystów, którzy najściślej związali swoją twórczość z ruchem społeczno-politycznym epoki.

Należy podkreślić, że portretowanie zajmowało znaczące, aw niektórych przypadkach główne miejsce w twórczości wielu Wędrowców. Wybitnym mistrzem portretu był I.N. Kramskoj. Praca nad portretem otworzyła przed nim, podobnie jak przed innymi Wędrowcami, możliwość ukazania pozytywnej postaci naszych czasów – przede wszystkim wybitnych przedstawicieli kultury.

Na początku lat 70. swoje pierwsze większe dzieła stworzył wielki artysta I. E. Repin (1844-1930).Błyskotliwy mistrz rysunku i kompozycji, nieustannie dążący do doskonalenia, artysta o wielkim temperamencie, Repin szczególnie podkreślał rolę idei, treść w art.

Wiele gatunków Repina jest przepojonych szczerym współczuciem dla wyczynu rewolucyjnych bojowników („Pod strażą”, 1876; „Aresztowanie propagandysty”, 1878–1892; „Odmowa spowiedzi”, 1879–1885; „Nie zrobili tego czekaj", 1883 i 1884-1888 itd.). Wielki dar psychologiczny Repina znalazł odzwierciedlenie w ogromnej i różnorodnej galerii portretów, które stworzył. Repin, portrecista, z niepowtarzalną głębią, siłą, dokładnością uchwycił wygląd najwybitniejszych przedstawicieli literatury i publiczności, muzyki, malarstwa i teatru. Elitę rządzącą carskiej Rosji na przełomie dwóch stuleci z bezlitosną prawdomównością Repin przedstawił w zbiorowym portrecie „Uroczyste posiedzenie Rady Państwa” oraz w szkicach do niego. Repin należy do wybitnych rosyjskich malarzy historycznych.

Na początku lat 90. ukończono obraz „Kozacy układający list do sułtana tureckiego” (w najsłynniejszej wersji) (drugi obraz na ten sam temat artysta ukończył w 1896 r.). Ideą artysty przy tworzeniu obrazu było gloryfikowanie umiłowania wolności ludzi, podniesienia ducha i energii, których doświadczali w walce o niepodległość i wolność.

Historia rosyjskiego malarstwa zna wielu bardzo utalentowanych artystów. Ale nie było ani jednego, w którego obrazach głębia myśli i uczuć byłaby połączona z takimi umiejętnościami malarskimi jak Repin. Repin jest najgłębszym, najbardziej ekscytującym spośród wszystkich mistrzów rosyjskiego malarstwa niedawnej przeszłości, aw historii naszej sztuki zajął bardzo szczególne miejsce. Stasov opisał go w następujący sposób: „Ma swój własny, szczególny wygląd i uczucie, i tylko wtedy jest silny i znaczący, kiedy wyraża to uczucie. A to uczucie polega na zrozumieniu i przekazaniu masom ludzi.

Malarstwo historyczne nadano głównie twórczości innego wielkiego artysty, V. I. Surikow (1848-1916). Największy rozkwit jego sił twórczych przypada na lata 80-90. Panie z XIX wieku Surikow był artystą mas. Masa, tłum Surikowa nigdy nie był bez twarzy, obdarzył każdego z uczestników głęboko indywidualnymi cechami.

Na długo przed pojawieniem się historycznych obrazów bitewnych Surikowa V. V. Vereshchagin (1842-1904) zdobył światową sławę w malarstwie bitewnym. Vereshchagin osobiście uczestniczył w operacjach wojsk rosyjskich w Azji Środkowej w latach 60., na Bałkanach pod koniec lat 70. Tworzył cykle obrazów poświęconych działaniom wojennym w Turkiestanie i wojnie rosyjsko-tureckiej. Twórczość Vereshchagina wyznaczyła nowy etap w rosyjskim i światowym malarstwie bitewnym. Stasow opisał go następująco: „... malarz takiego magazynu, którego nikt wcześniej nie widział ani nie słyszał o nim ani tutaj, ani w Europie”. Postawił sobie za cel ujawnienie wojny jako narzędzia przemocy, strasznej katastrofy dla ludzkości.

Nowość, którą wprowadził Vereshchagin, polegała oczywiście również na tym, że interesował go przede wszystkim nie szczyty armii, ale szeregowcy. Vereshchagin uczynił ludzi bohaterami swoich obrazów. Jego praca potępiająca wojnę wywarła poważny wpływ na umysły. Dużym zainteresowaniem cieszy się seria obrazów stworzonych przez Vereshchagina w latach 90. o Wojnie Ojczyźnianej z 1812 roku. Wcześniej malowane przez Vereshchagina obrazy i szkice z cyklu indyjskiego.

V. M. Vasnetsov (1848-1926) powiedział swoje szczególne słowo w malarstwie rosyjskim, w szczególności w malarstwie historycznym. Wszedł do historii malarstwa jako artysta rosyjskiej epopei ludowej, epopei, baśni. Na podstawie Opowieści o wyprawie Igora namalowano obraz „Po bitwie Igora Światosławicza z Połowcami” (1878-1880), następnie „Bitwa Rosjan z Scytami” (1879-1881), „Rycerz na rozdrożu” (1878-1882). Słynna „Alyonushka”, jedno z najbardziej szczerych dzieł malarskich, pojawiła się na wystawie objazdowej w 1881 roku. Przez około dwie dekady Wasniecow pracował nad obrazem „Bogatyrs” (ukończonym w 1898 roku), który dał szczególnie kompletną personifikację postaci. piękno, moc, znaczenie naszych rodzimych obrazów, naszą rosyjską naturę i człowieka, których wyrażanie artysta uznał za zadanie sztuki. Do 1882-1885. Wybitne dzieło Vasnetsova w dziedzinie malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego należy do malarstwa sali z epoki kamienia w Muzeum Historycznym w Moskwie. Przez kilka lat (1885-1896) Wasniecow był zajęty malowaniem katedry Włodzimierza w Kijowie. I w tym rabacie przejawiały się wysokie umiejętności artysty.

Bogatym działem plastyki epoki było malarstwo pejzażowe. Wybitne walory w dziedzinie pejzażu tworzyło wielu artystów niebędących „specjalistami” od malarstwa pejzażowego, dla których pejzaż pełnił zwykle rolę tła obrazu. Niekiedy pejzaż okazywał się najbardziej rozpoznawalną stroną twórczości artysty. Równocześnie pejzaż był samodzielną dziedziną sztuki, której wiele postaci oddało całe swoje siły.

Honorowe miejsce w rozwoju malarstwa pejzażowego zajął realistyczny pejzaż Wędrowców. Cechuje je odwoływanie się do rodzimej natury. Zamiast egzotycznych, „ceremonialnych” krajobrazów (włoskich, szwajcarskich itp.), do których skłaniali się artyści akademiccy, Wędrowcy ustanowili w krajobrazie motyw narodowy, ujawniając piękno otaczającej ich na co dzień prostoty i natury. W pejzażach Wędrowców często odczuwano i dostrzegano rodzaj społecznego podtekstu. Widz, podążając za artystą, widział i czuł tych ludzi, tę masę ludzi, którzy żyli w otoczeniu namalowanej na płótnie natury.

Jednym z założycieli wędrownego krajobrazu był I. I. Shishkin (1832-1898). Najważniejszy przedstawiciel epickiej linii w malarstwie pejzażowym, Shishkin, z wyjątkową wiedzą i umiejętnościami malował z rzadką miłością głównie lasy środkowej i północnej Rosji, ukazując bogactwo, szerokość, moc natury Ojczyzny. „Las sosnowy” (1872), „Żyto” (1878), „Wśród płaskiej doliny” (1883), „Sosny oświetlone słońcem” (1886), „Poranek w sosnowym lesie” (1889), „ Ship Grove” (1898) należą do najpopularniejszych obrazów Shishkina, artysty ludowego widywano w katarach.

Inny z założycieli malarstwa pejzażowego, Wędrowcy, A. K. Savrasov (1830-1897). Savrasov otworzył liryczną linię rosyjskiego krajobrazu. Jego obraz „Przybyły gawrony!”, pokazany na I wystawie objazdowej, został uznany za objawienie ze względu na niespotykaną szczerość, poezję, skromność i naturalne piękno. Obrazy "Wiejska droga" (1873), "Tęcza" (1875) podtrzymywały sławę artysty-poety, jednocześnie utalentowanego nauczyciela, który odegrał dużą rolę w wykształceniu całej galaktyki malarzy.

II Lewitan (1860-1900) należy do młodszego pokolenia artystów. Lewitan entuzjastycznie kochał swoją rodzimą naturę, głęboko odczuwał „nieskończone piękno środowiska”. Z wszechogarniającą mocą oddawał uczucia i nastroje, jakie natura budzi w człowieku. Najbardziej złożony zakres doświadczeń wyraża się w jego płótnach. Lewitan rozumiał uczucia postępowych ludzi swojej epoki, ich ból z powodu cierpień ojczyzny. Temat obywatelski znalazł szczególnie żywe, choć swoiste w naturze malarstwo pejzażowe, odzwierciedlenie w słynnym obrazie „Włodzimierz” (1892), inspirowanym losami tysięcy zesłańców. Do ulubionych dzieł ludu Lewitana należą także „Wieczór nad Wołgą” (1888), „Na basenie” (1892), „Ponad wiecznym pokojem” (1894), „Złota jesień” (1895), „Letni wieczór” (1899 ), „Jezioro. Rusi” (1899-1900).

W drugiej połowie XIX wieku. działalność słynnego malarza morskiego I. K. Aivazovsky'ego, która rozpoczęła się w latach 30., była kontynuowana. Pod jego wpływem rozwinął się talent innego artysty morskiego, jednocześnie artysty-historiografa floty rosyjskiej A.P. Bogolubowa (1824-1896).

Osiągnięcia malarstwa pejzażowego zachwyciły miłośników sztuki. Ale z drugiej strony stały wzrost proporcji krajobrazu pod koniec stulecia budził pewien niepokój. W prasie wyrażano niepokój, zwłaszcza w związku z mniej lub bardziej zauważalnym zubożeniem gatunku społecznego. W zubożeniu gatunku, w tym, że na wystawach objazdowych rzadziej pojawiały się ostre, emocjonujące obrazy z życia współczesnego, wpłynęło na pewne obniżenie poziomu ideowego i społecznego działalności Towarzystwa Wędrowców. Z kolei ta ostatnia okoliczność zależała od całej sytuacji społeczno-politycznej. Stowarzyszenie Wędrowców wykazało wahanie, zamiłowanie do tematów „neutralnych”. Jeśli niektórzy dawni Wędrowcy byli w mniejszym lub większym stopniu zdezorientowani, to wśród młodego pokolenia Wędrowców pojawili się artyści wrażliwi na nowe zjawiska społeczne. Nie ograniczali się do tego, co osiągnęli ich poprzednicy, starając się poszerzać i odnawiać zakres tematów i obrazów.

S. A. Korovin (1858-1908), artysta o tematyce chłopskiej i częściowo żołnierskiej, w słynnym obrazie „O świecie” oraz licznych szkicach i szkicach do niego (1883-1893) artystycznie i przekonująco odzwierciedlił rozwarstwienie społeczne na stanowisku - wieś reformowana. Tematyka chłopska dominowała w twórczości jednego z największych mistrzów przełomu XIX i XX wieku. AE Arkhipov (1862-1930), malarz gatunkowy i pejzażowy. W młodym pokoleniu artystów związanych w pewnym okresie ze Stowarzyszeniem Wędrowców bardzo wcześnie zarysowała się postać V.A. Sierowa (1865-1911). Valentin Serov, już w wieku 22-23 lat, stworzył takie arcydzieła, jak „Dziewczyna z brzoskwiniami” (portret Very Mamontovej, 1887), „Dziewczyna oświetlona słońcem”, autentyczne wiersze o jasnej młodości. Serow jest genialnym mistrzem, który pracował w różnych dziedzinach sztuki.

Era „Wędrowców” była późna w stosunku do początków realizmu artystycznego w literaturze; ale kończy się mniej więcej w tym samym czasie, w latach 80. i 90., przed tą samą presją nowej generacji. Nowe zerwanie z tradycją i bunt młodzieży lat 90. powtarza bunt samych Wędrowców przeciwko poprzedzającemu je pokoleniu akademików. Ale to powstanie przyjęło za hasło utworzenie rosyjskiej szkoły narodowej. Powstanie młodzieży w latach 90 staje się pod sztandarem kosmopolityzmu. Trzeba powiedzieć, że sami Wędrowcy bardzo ułatwili protest przeciwko sobie, który narastał w nowym pokoleniu. W połowie lat 70. nie byli już tymi wyzywającymi protestantami i bojownikami, którzy byli organizatorami „Artelu” lat 60. Ich zapał opadł wraz z sukcesem.

Jednak sympatie rozwiniętego społeczeństwa rosyjskiego były niezmiennie po stronie Wędrowców, gdyż w ich twórczości inteligencja rosyjska i prości ludzie widzieli rzeczników swoich interesów. Osiągnięcia i podboje malarstwa rosyjskiego drugiej połowy XIX wieku, w których pokazali się rosyjscy artyści, mają ogromne znaczenie i wyjątkową wartość w rosyjskiej sztuce pięknej. Malownicze dzieła stworzone przez rosyjskich artystów na zawsze wzbogaciły rosyjską kulturę.

Federalna Agencja Transportu Kolejowego

Syberyjski Państwowy Uniwersytet Transportu

Krzesło " Filozofia i kulturoznawstwo»

(nazwa wydziału)

Wielkie nazwiska malarstwa rosyjskiego

abstrakcyjny

W dyscyplinie „Kulturologia”

Głowa zaprojektowana

uczeń gr. D-113

Bystrowa A.N. ____________ Fitkowa I.V.

(podpis) (podpis)

_______________ ______________

(data kontroli) (data przedłożenia do kontroli)

2011

1. Wstęp ………………………………………………………………...2
2. Rozwój sztuki w XIII……………………4
3. Sztuka przełomu XI V-XV ………………………………………....5
4. Sztuka XVI……………………………..7
5. Rozwój sztuki w X V II wiek………………………………………..7
6. Sztuka w XV III…………………………...10
7. Sztuka XIX - początek XX wieku…………………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………………………………………………………………
8. Rozwój sztuki w okresie rewolucyjnym ZSRR…………………16
9. Podsumowanie…………………………………………………………………17
10. Referencje…………………………..18

Wstęp

Kochajcie malarstwo, poeci!

Tylko ona, jedyna, jest dana

Dusze o zmiennym znaku

Przenieś na płótno.

Mikołaj Zabołocki.

Nikolai Zabolotsky całkiem słusznie zauważa, że ​​wszelkie zmiany w przestrzeni społecznej znajdują odzwierciedlenie w twórczości poetów, pisarzy, malarzy, osób publicznych

Wśród wielu rodzajów sztuki są trzy szczególne, moim zdaniem najbardziej główne: literatura, muzyka, sztuki piękne. Słowo, dźwięk, obraz - wszystkie inne formy sztuki są bez nich niemożliwe: ani spektakl, ani film, ani koncert rewiowy. Słuchają muzyki, czytelnicy wyobrażają sobie bohaterów utworów literackich mentalnie, w swojej wyobraźni. I widzimy dzieła sztuki na własne oczy. Jest najstarszym z trzech głównych, których ludzie jeszcze nie umieli mówić, ale obrazy już powstawały, na przykład malowidła naskalne. Sztukę piękną tworzą artyści. Przedstawiają świat tak, jak wszyscy go widzimy, i tak, jak widzi go jedna osoba, sam artysta. Zobrazować można wszystko: widzialny świat przedmiotów, ludzi, zwierząt, niewidzialny świat uczuć – radość i smutek, prawdę i kłamstwo, dobro i zło. . Historię naszego państwa można badać nie tylko na podstawie dokumentów, na podstawie artefaktów, ale także na artystycznym dziedzictwie wielkich przodków. Malarstwo nie jest wyjątkiem. Do napisania eseju wykorzystałem „Eseje o kulturze rosyjskiej IX-XVIIwieków” (autorzy A.V. Muravyov, A.M. Sacharow), „Eseje o historii kultury rosyjskiej XVIIIwieku” B.I. Krasnobaeva, „Historia sztuki rosyjskiej” V.N. Aleksandrowa. Książki te przedstawiają główne etapy historii kultury naszego kraju, ich cechy i cechy charakterystyczne. Rozwój kultury jest uważany za część historii, co pomaga ujawnić obiektywne wzorce procesu historycznego. W różnych epokach w Rosji tak wybitni malarze, jak Andriej Rublow, Dionizy, Lewicki i Rokotow, Kiprensky i Fiedotow, Bryułow i Iwanow, Repin i Surikow, Wrubel i Serow oraz wielu innych mistrzów, którzy przynieśli rosyjskiej kulturze artystycznej prawdziwą i niekwestionowaną chwałę.

Malarstwo rosyjskie przeszło wiele zmian w trakcie swojego powstawania, ale zachowało swoją oryginalność, w ramach tego projektu uważam za konieczne prześledzenie procesu kształtowania się rosyjskiej tradycji w malarstwie.

Cel: dokonać przeglądu twórczości wielkich artystów rosyjskich (od XIV do XX wieku) w kontekście społeczno-kulturowej charakterystyki okresu twórczości artysty. Teoretyczny przedmiot badań: przedstawiciele malarstwa rosyjskiego reprezentowani przez artystów, szkoły, nurty

Rozwój sztuki w XIII

Sztuka rosyjska w ogóle, a malarstwo rosyjskie w szczególności, wyłoniło się ze sztuki Rusi Kijowskiej, której nadal nie można nazwać całkowicie oryginalną, ponieważ wraz z chrześcijaństwem książę Włodzimierz przywiózł tradycje artystyczne z Bizancjum. Są misternie splecione z kulturą pogańską, stopniowo zmieniając się w czasie. Najważniejszymi źródłami sztuki rosyjskiej na etapie jej powstawania były ludowe rzemiosło dekoracyjne i plastyczne, a także próbki bizantyjskie. Szybki rozwój społeczny, polityczny i kulturalny ziem rosyjskich prowadzi do twórczego przetworzenia tych źródeł i powstania oryginalnego i majestatycznego stylu w architekturze, freskach i sztuce dekoracyjnej na Rusi. Rozpoczyna się rozwój oryginalnego rosyjskiego malarstwa ikonowego. Ale w XIII wieku, w związku z najazdem mongolsko-tatarskim, te procesy w kulturze spowolniły, a nawet zatrzymały, znaczna część zabytków kultury przedmongolskiej Rosji została bezpowrotnie utracona. Najazd Mongołów, niszcząc wiele rosyjskich miast, wyrządził ogromne szkody rosyjskiej kulturze miejskiej, ale od połowy XI V wieki naznaczone są znakami odrodzenia. Na przełomie XI V-XV Przez wieki Moskwa znała nie tylko dzieła mistrzów z Konstantynopola, ale i artystów południowosłowiańskich: pracował tu jeden z najwybitniejszych malarzy tamtych czasów, Grek Teofan, który przybył z Nowogrodu jako uznany mistrz. Umiejętności Greka Teofana sprawiły, że malarze moskiewscy zapragnęli go naśladować. Wiele dzieł Greka Teofanesa nie zachowało się do naszych czasów, z wyjątkiem ikon katedry Zwiastowania.

Sztuka przełomu XI V-XV

Powstanie sztuki moskiewskiej przygotowało dzieło wielkiego rosyjskiego artysty Andrieja Rublowa. Najważniejszy kamień milowy w sztuce przełomu XI V-XV wieków było powstanie moskiewskiej szkoły malarstwa, na czele której stał wybitny artysta Andriej Rublow. W swoich ikonach i obrazach Rublow rozwinął tak doskonały język artystyczny, że w XV wieku jego styl stał się wiodącym.

Niestety nie wiadomo dokładnie, kiedy urodził się Andriej Rublow. Większość badaczy warunkowo uważa rok 1360 za datę urodzenia artysty. Andriej Rublow był mnichem z klasztorów Trójcy-Sergiusza, a następnie z klasztorów Spas-Andronikow. W 1405 wraz z Teofanem Grekiem i Prochorem z Gorodca namalował Sobór Zwiastowania. Dominujący, surowy, emocjonalnie bogaty język obrazkowy Teofana, naruszający tradycyjne schematy ikonograficzne, niezwykła zmiana obrazów, nie mógł nie wywrzeć głębokiego wrażenia na Rublowie. Znamienne jest, że nazwisko Rublowa w ówczesnych annałach wymieniane jest na trzecim miejscu. Z tego możemy wywnioskować, że w tym czasie Andriej Rublow był nie tylko najmłodszym, ale także najmniej znanym autorem.

Andriej Rublow i pod jego kierownictwem namalował wiele świątyń, a także namalował szereg ikon deesis, świątecznych i proroczych.

W 1425 14 27 Rublow razem z Daniel Czerny i malowali inni mistrzowieKatedra Świętej Trójcy w klasztorze Trinity-Sergiusi stworzył ikony jego ikonostasu. Ikony zostały zachowane; są wykonywane na różne sposoby i nie mają równych walorów artystycznych. Czas, w którym na Rusi czaiły się nowe wojny wewnętrzne i wypracowany w poprzednim okresie harmonijny ideał człowieka, nie znalazł oparcia w rzeczywistości i wpłynął na twórczość Rublowa. W wielu pracach Rublowowi udało się stworzyć imponujące obrazy, wyczuwają dramatyczne nuty, które wcześniej nie były dla niego charakterystyczne („Apostoł Paweł”). Niektóre źródła nazywają obraz katedry SpasskiegoKlasztor Andronikowski(wiosną 1428 r.; zachowały się jedynie fragmenty ozdób) przy ostatnim dziele Rublowa.

Przypisuje mu się także szereg dzieł, których przynależność do pędzla Rublowa nie została do końca udowodniona: freskiSobór Wniebowzięcia Najświętszej Marii Panny na „Gorodku”w Zvenigorodzie (koniec XIV, początek XV w.; zachowały się fragmenty), ikony Matki Boskiej Włodzimierskiej (ok. 1409 , Katedra Wniebowzięcia, Włodzimierz), „Zbawiciel w mocy” ( 1408 , Galeria Trietiakowska), część ikon obrzędu świątecznego („Zwiastowanie”, „Narodziny Chrystusa”, „Spotkanie”, „Chrzest”, „Zmartwychwstanie Łazarza”, „Przemienienie”, „Wejście do Jerozolimy” wszystko o 1405 ) Sobór Zwiastowania Kremla moskiewskiego (ikonostas tej katedry, według najnowszych badań, pochodzi zKlasztor Szymonowski), część miniaturek ”Ewangelia Chitrowo„(około 1395 r., Rosyjska Biblioteka Państwowa, Moskwa).

Dzieło Rublowa jest jednym ze szczytów kultury rosyjskiej i światowej. Najbardziej znanym dziełem Rublowa jest ikona „Trójca”, napisana w latach 1425–1427 dla klasztoru Trójcy Sergiusza. Fabuła oparta jest na biblijnej legendzie, która opowiada o tym, jak starszemu Abrahamowi ukazało się trzech pięknych młodzieńców i jak on wraz z żoną Sarą potraktował ich pod baldachimem dębu mamryjskiego. W ikonie Rublowa odrzuca się wszystko, co drugorzędne i nieistotne, nie ma postaci Abrahama i Sary, liczne naczynia, pozostają tylko trzy postacie aniołów. Pośrodku aniołów jest Chrystus. Wszystkie trzy postacie tworzą okrąg. Obraz jest bardzo spokojny, ale jednocześnie spójny i wyraźny rytm ruchu okrężnego, któremu podporządkowana jest cała kompozycja, kolory są czyste i harmonijne. Połączenie zieleni, błękitu i żółci wybrane przez Rublowa, a także kolor dojrzałego żyta, nigdy wcześniej nie brzmiało tak jasno w rosyjskim malarstwie.

Tak więc moskiewska szkoła malowania ikon różni się od ikon nowogrodzkich duchowością obrazów, elastycznością postaci i harmoniczną konsystencją koloru. W przeciwieństwie do energetycznych czerwieni, żółci, bieli, granatów i oliwkowych zieleni, do których nieustannie sięgają nowogrodzcy mistrzowie, w malarstwie moskiewskim dominują jasne, przezroczyste odcienie i odcienie niebieskiego, złocistobrązowego, bladozielonego, wiśniowego i liliowego.

W twórczości Andrieja Rublowa sztuka rosyjska zrobiła ogromny i bardzo ważny krok w kierunku ukształtowania realistycznego początku z indywidualną swobodą twórczości artystycznej, przezwyciężono surową ascetyczną tradycję sztuki bizantyjskiej. Twórczość Andrieja Rublowa jest humanistyczna, ukazuje piękno i siłę ludzkiej duszy, jest przepojona miłością do człowieka.

Sztuka XVI

W latach 80. XV wieku powstaje scentralizowane państwo rosyjskie i znikają pozostałości zależności od chanów mongolsko-tatarskich, Moskwa staje się stolicą dużego państwa. Rośnie jego znaczenie jako ośrodka spajającego dziedzictwo kulturowe zjednoczonych ziem. Głównym zadaniem sztuki jest gloryfikowanie Rusi, co nadaje polityczny sens wielu dziełom sztuki. XV I wiek. Wiodąca pozycja w malarstwie pod koniec X V wiek był okupowany przez szkołę moskiewską. Centralizacja władzy i wzmocnienie roli kościoła w życiu państwa doprowadziły do ​​jeszcze większego podporządkowania sztuki oficjalnej ideologii. Zjawiska te w pewnym stopniu przejawiały się w twórczości największego moskiewskiego mistrza późnego X V początek X V I wieku - Dionizy. Urodził się najprawdopodobniej w 1440 roku, w przeciwieństwie do Andrieja Rublowa nie był mnichem. Jego dwaj synowie Władimir i Teodozjusz również byli malarzami i pomagali mu w pracy. Twórcza działalność Dionizego była ściśle związana z najwyższymi świeckimi i duchowymi kręgami państwa. Mistrz wypełniał najważniejsze rozkazy metropolity i wielkiego księcia, w szczególności w związku ze zwycięstwem odniesionym w 1480 r. nad wojskami tatarskiego chana Achmata. Z największą kompletnością twórczości Dionizego znalazło to odzwierciedlenie w malowidłach ściennych klasztoru Ferapontowa, obraz ten poświęcony jest tematowi uwielbienia Matki Bożej. Jasne kombinacje kolorów, kolorowe wzory ubrań, dużo ziół i kwiatów przedstawione tworzą odświętne i uroczyste wrażenie. Sztuka Dionizjusza, z całym swoim blaskiem, traci pewne niezwykłe cechy w porównaniu z epoką Rublowa: jeśli Rublow interesował się przede wszystkim wewnętrznym, duchowym światem człowieka, Dionizy ma pragnienie zewnętrznego piękna i dekoracyjnego blasku.

Rozwój sztuki w X VI wiek.

W malarstwie rosyjskim X VI wieku zauważane są radosne innowacje sprzyjające dalszemu rozwojowi sztuki. Rosyjscy mistrzowie po raz pierwszy zaczynają reprodukować obrazy życia codziennego, przyrody i ludzi w ich nowoczesnej formie. W malarstwie XVI wieku pojawiają się więc cechy, które przygotowały rozwój realistycznych początków X wieku. VI wiek.

Przez długi czas w literaturze pogląd X V II w., podobnie jak w czasach schyłku malarstwa staroruskiego, sztuka tego czasu, w porównaniu z czasami Andrieja Rublowa i Teofana Greka, uznawana była za niższą pod względem siły i środków artystycznego przedstawienia.Rzeczywiście w malarstwie X V II wieku nie ma dzieł odznaczających się taką doskonałością warsztatu malarskiego i duchowości kompozycji, jak w dziełach wielkich mistrzów XV w. V-XV I wieki. Czas kłopotów, „wiek buntu”, schizma kościelna, wszystkie te wydarzenia wpłynęły na rozwój sztuki rosyjskiej X VI wiek.

XV II wiek to przełom w dziejach malarstwa, wówczas miały miejsce niezwykle ważne procesy, przede wszystkim dążenie do „laicyzacji”, umacnianie się elementów świeckich i tendencja do realizmu.

Najwyższy etap rozwoju sztuki malarskiej w X VII wieku wiąże się z działalnością wybitnego artysty Szymona Uszakowa (1626-1686). Pochodzący z mieszczan Szymon Uszakow pracował w Zbrojowni i został wyniesiony do rangi szlacheckiej. Znaczenie tego mistrza nie ogranicza się do licznych tworzonych przez niego dzieł, w których dążył do przezwyciężenia artystycznych dogmatów i uzyskania obrazu zgodnego z prawdą – „jak to w życiu bywa”.

Dowodem zaawansowanych poglądów Uszakowa jest napisane przez niego, oczywiście, w latach 60. „Słowo do miłośnika malarstwa ikon”. W tym traktacie Uszakow bardzo docenia powołanie artysty, który jest w stanie stworzyć obrazy „wszystkich inteligentnych stworzeń i rzeczy… aby stworzyć te obrazy z różną doskonałością i za pomocą różnych sztuk, aby intencja była łatwo widoczna”.

Przede wszystkim „sztuki istniejące na ziemi” Uszakow uważa malarstwo, które „ponieważ przewyższa wszystkie inne rodzaje, ponieważ przedstawia przedmiot przedstawiony delikatniej i wyraźniej, oddając wszystkie jego cechy wyraźniej…”.
Uszakow porównuje malarstwo do lustra, w którym odbija się życie i wszystkie przedmioty

„Słowo do miłośnika malarstwa ikonowego” Uszakowowie zadedykowali Józefowi Władimirowiczowi, pochodzącemu z Jarosławia moskiewskiemu malarzowi, który w latach 40. i 60. cieszył się dużą sławą. Iosif Vladimirov jest autorem wcześniejszego traktatu o malarstwie ikon, w którym, choć nie tak wyraźnie jak Uszakow, również deklarował się: zwolennikiem nowatorstwa i postulował większą żywotność w sztuce.

Uszakow – artysta, naukowiec, teolog, nauczyciel – był człowiekiem nowej epoki, nowego typu myśliciela i twórcy. Będąc innowatorem w sztuce, jednocześnie rozumiał wartość starożytnych tradycji kultury rosyjskiej i pilnie ich strzegł. Właśnie dzięki tym cechom, charakteryzującym się rzadkim rozmachem poglądów, mógł stać na czele rosyjskiej sztuki przez ponad trzydzieści lat.

Angażując się w kształcenie studentów i starając się w każdy możliwy sposób przekazać im swoją wiedzę, wpadł nawet na pomysł wydania szczegółowego atlasu anatomicznego. „Mając talent malowania ikon od Pana Boga… nie chciałem tego ukrywać w ziemi… ale starałem się… umiejętnym malowaniem ikon wypełnić ów alfabet sztuki, który obejmuje wszystkich członków ludzkiego ciała, które są wymagane w różnych przypadkach w naszej sztuce, i postanowił wyrzeźbić je na miedzianych tablicach…” Uszakow pisał o swoim planie, ale atlasu najwyraźniej nie opublikowano.

Od pierwszych lat niezależnej twórczości determinowało zainteresowanie Uszakowa przedstawianiem ludzkiej twarzy. Słynnym dziełem Uszakowa jest jego „Zbawiciel nie stworzony rękami”, w którym artysta przedstawił klasycznie poprawną twarz, jego objętość jest bardzo dobrze oddana, tkanina, na której, zgodnie z darem kościoła, powstał obraz Chrystusa.

Uparcie powtarzając ten temat, artysta dążył do wyrwania się z konwencjonalnych kanonów obrazu ikonopisarskiego i uzyskania cielistej karnacji, powściągliwej, ale wyraźnie wyrażonej trójwymiarowości i niemal klasycznej regularności rysów. To prawda, że ​​​​ikonom Zbawiciela Uszakowa brakuje duchowości rosyjskich ikon z XIV-XV wieku, ale jest to do pewnego stopnia odkupione szczerym wysiłkiem artysty, aby odtworzyć żywą ludzką twarz na ikonie tak wiarygodnie, jak to możliwe .

Uszakow namalował ikonę Matki Boskiej Włodzimierskiej, zwaną „Sadzenie drzewa państwa rosyjskiego” (1668). Tę ikonę należy uznać za obraz triumfu rosyjskiej państwowości. W jego dolnej części przedstawiono mur Kremla moskiewskiego, za nim Sobór Wniebowzięcia NMP, główne sanktuarium państwa rosyjskiego. U stóp katedry poborca ​​ziem rosyjskich książę Iwan Kalita i metropolita Piotr, który jako pierwszy przeniósł stolicę metropolitalną z Włodzimierza do Moskwy, sadzą drzewo państwa rosyjskiego. Na jej gałęziach znajdują się medaliony z portretami wszystkich najważniejszych postaci politycznych starożytnej Rusi. W centralnym, największym medalionie umieszczono ikonę Matki Boskiej Włodzimierskiej, czczonej jako patronka Moskwy. Poniżej, na murze Kremla, car Aleksiej Michajłowicz i caryca Maria Iljiniczna z carewiczem Aleksiejem i Fiodorem. Portrety króla i królowej Uszakowa starały się być może bardziej podobne.

Zachowały się informacje o wielu portretach namalowanych przez Uszakowa. Część z nich została wykonana w technice malarstwa olejnego, nowej w sztuce starożytnej Rosji. Niestety, do tej pory żaden z tych portretów nie został odnaleziony. Aby scharakteryzować niezwykle wszechstronną osobowość Uszakowa, należy zauważyć, że był on nie tylko teoretykiem, malarzem, rysownikiem - „sygnatariuszem”, autorem wielu rysunków do rycin reprodukowanych przez rosyjskich rytowników drugiej połowy XVII wieku, ale , najwyraźniej wyrył: przypisuje mu się arkusze „Ojczyzna” (Trójca) i „Siedem grzechów głównych” wygrawerowane w latach 60. na miedzi suchą igłą.

Uszakow wywarł wielki wpływ na rozwój malarstwa rosyjskiego pod koniec X V II wiek, kiedy jego uczniowie Grigorij Zinowjew, Tichon Filatiew, Fiodor Zubow wykonali szereg dzieł w duchu tradycji Uszakowa. Niezwykłe zjawisko w historii sztuki rosyjskiej X V II wiek był szkołą mistrzów Jarosławia. Wyraźnie ujawniły się tu wpływy kultury świeckiej, mieszczańskiej. Zakres wątków rozszerzył się, świecki początek zdecydowanie wdziera się w kościelno-dogmatyczny. Artyści odważnie wykorzystują znane obrazy rosyjskiego życia w scenach świętej historii: chłopski koń jest przedstawiony w scenie orki Kaina, żniwiarze w różowych i niebieskich koszulach wymachują rosyjskimi sierpami. Kościół zaciekle opierał się nowemu kierunkowi w malarstwie, ale to już nie mogło przeszkodzić mu w uwolnieniu się od kościelnych tradycji malarstwa ikonowego.

Sztuka w X V III

Pod koniec X V II początek X V III wieku sztuka rosyjska przechodzi decydujący zwrot, następuje przejście od średniowiecznych form religijnych do świeckich, bliskich sztuce europejskiej czasów nowożytnych. Rosyjscy artyści, szybko opanowując wzorce europejskie, wprowadzając do nich swoje rozumienie formy i narodowej treści. W 1757 r. powstała Cesarska Akademia Sztuk Pięknych, która podjęła się kształcenia wysoko wykwalifikowanych artystów, łączących w swojej twórczości doświadczenie i spuściznę artystyczną poprzednich pokoleń z potrzebami rosyjskiego życia artystycznego. Styl barokowy staje się powszechny w sztuce Rosji, wiodącym gatunkiem malarstwa i grafiki staje się portret, znacznie rozwijają się również gatunki historyczne i pejzażowe.

Chciałbym bardziej szczegółowo omówić twórczość Dmitrija Grigoriewicza Lewickiego (1735–1822).Już we wczesnych pracach dał się poznać jako pierwszorzędny mistrz portretu formalnego, umiejący znaleźć wyrazistą pozę i gest, łączyć intensywność koloru z tonalną jednością i bogactwem odcieni.

Sława przyszła do artysty w 1770 r., Kiedy na wystawie w Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu publiczność zobaczyła 6 pierwszorzędnych portretów jego pędzla. Wśród nich szczególną uwagę zwrócił ceremonialny portret architekta A.F. Kokorinowa (1769), autora projektu gmachu Akademii Sztuk Pięknych i jej pierwszego dyrektora.

Za ten portret Levitsky otrzymał tytuł akademika malarstwa. Następnie zaproponowano mu kierowanie klasą portretu Akademii Sztuk Pięknych, której kierownikiem pozostał do 1788 roku. Stworzona przez artystę galeria portretów współczesnych mu przyniosła mu zasłużoną sławę.

W latach osiemdziesiątych XVIII wieku artysta stworzył wyjątkową galerię portretów postaci kultury rosyjskiej. Szczególnie ciepłe są intymne portrety Lewickiego, powstałe w okresie rozkwitu twórczości artysty (połowa lat 70. i 80. XVIII wieku). Także w 1773 mistrz namalował portret D. Diderota, który zaimponował współczesnym sobie żywą perswazją, wyjątkową prawdomównością w odtwarzaniu wizerunku filozofa. Encyklopedystę, pisarza i krytyka Levitsky pokazuje bardzo prosto: Diderot jest przedstawiony bez peruki, łysy, z fałdami skóry pod oczami, ale na pierwszy plan wysuwa się silna i złożona natura osoby ukrytej za zewnętrznymi cechami. Twarz świadczy o twórczym talencie, odwadze, harcie ducha i dociekliwym umyśle. Jednym z najlepszych dzieł Lewickiego jest portret młodej M. Diakowej (1778), poetycki, wesoły, namalowany w bogatej gamie ciepłych kolorów.

Realizm i humanistyczny charakter zaawansowanej sztuki rosyjskiej XV III stulecia zostały w pełni zamanifestowane w pracach D.G. Levitsky'ego.

Sztuka XIX - początek XX wieku

W pierwszej połowie XIX wieku na rozwój sztuki w Rosji znaczący wpływ miały procesy społeczno-historyczne - zryw narodowo-patriotyczny związany ze zwycięstwem nad Napoleonem w wojnie ojczyźnianej 1812 r. oraz pojawienie się ruchu antymonarchistycznego , co zaowocowało powstaniem dekabrystów w 1825 r. W malarstwie pojawiły się tendencje romantyczne (portret, gatunek historyczny), a do połowy wieku nasilił się demokratyczny kierunek sztuki (gatunek codzienny). W systemie gatunkowym Akademii Sztuk malarstwa codziennego nadano drugorzędne znaczenie, ale postępowy artysta rosyjski Wenecjanow Aleksiej Gawriłowicz (1780-1847) uznał gatunek codzienny i malarstwo realistyczne w ogóle za równorzędną i ważną dziedzinę sztuki.

Pędzel Wenecjanowa należy do galerii portretów jego współczesnych: artysta namalował N. V. Gogola (1834), V. P. Kochubeya (1830), N. M. Karamzina (1828). Aby uzyskać tytuł akademika, Venetsianov został poproszony o namalowanie portretu inspektora Szkoły Edukacyjnej Akademii, K. I. Golovachevsky'ego. A. G. Venetsianov przedstawił go w otoczeniu trzech chłopców, symbolizując połączenie „trzech najszlachetniejszych sztuk”: malarstwa, rzeźby i architektury. Jednak A. G. Wenecjanow był najbardziej znany z malowanych przez siebie wizerunków chłopów. „Żniwiarze”„Śpiący pasterz”, „Zakharka”, „Młocarnia”, „W żniwach”. Jednym z najlepszych portretów chłopskich Wenecjanowa jest „Dziewczyna z chabrami”. Z przenikliwym liryzmem Wenecjanow dotyka najsubtelniejszych nut intymnych przeżyć człowieka, odsłania jego rozedrgany duchowy świat. To sprawia, że ​​stworzony przez niego obraz jest duchowy i piękny.

Najważniejszym miejscem w malarstwie Rosji jest środek XIX wiek zajmuje artysta Karl Pavlovich Bryullov, który stworzył portrety hrabiny Samoilovej, E.P. Saltykovej, OP Ferzen, K.A. Tonny, A.N. Lwowa, namalował ponad 80 portretów. Jego charakterystyczne dramatyczne postrzeganie życia zostało ucieleśnione w obrazie „Ostatni dzień Pompei” (1830-1833).

Szerzenie się ideałów demokratycznych wśród rosyjskiej inteligencji doprowadziło do powstania nowych poglądów estetycznych. Artyści włączyli się w walkę o sprawiedliwy ład społeczny, w malarstwie upowszechnił się krytyczny realizm.

Ważną rolę w życiu artystycznym kraju w drugiej połowie XIX wieku odgrywało Towarzystwo Objazdowych Wystaw Artystycznych, założone w 1870 roku.

Spółka skupiała wokół siebie wszystkich najwybitniejszych malarzy i rzeźbiarzy drugiej połowy XIX - początku XX wieku. Są to Perow i Kramskoj, Miasojedow i W. Makowski, Sawicki i Maksimow, Pryanishnikov i Ge, Sawrasow i Szyszkin, Kuindzhi i Dubovskoy, V. Vasnetsov i Polenov, Kostandi i Pimonenko, Gun i Nevrev, Repin i Surikov, Serow i Lewitan, Jaroszenko i Niestierow, Kasatkin i S. Iwanow, Poznań i Andriejew, Popow i Arkhipow, Bakszejew i Bialinicki-Birula i wielu innych. Antokolsky, Vereshchagin, K. Korovin, S. Korovin, Malyavin i inni uczestniczyli jako wystawcy w niektórych wystawach Wędrowców.
W latach 70-tych i 80-tych działalność Spółki osiągnęła swój szczyt. Wiodące miejsce na wystawach objazdowych zajmowały obrazy Repina, a także Surikowa, Kramskoja, Polenowa, Niestierowa, Miasojedowa, Makowskiego, Perowa. W swojej twórczości odzwierciedlali najistotniejsze zjawiska otaczającej rzeczywistości w całej ich złożoności i sprzeczności. Wędrowcy wywarli ogromny wpływ na wszystkie aspekty życia artystycznego Rosji, na powstawanie narodowych szkół artystycznych. Wśród członków Stowarzyszenia i wystawców byli artyści różnych narodowości. Wielu z nich stało się twórcami realistycznej, demokratycznej sztuki swoich narodów.

Na początku lat 70. po raz pierwszy jasno i mocno ujawnił się talent jednego z wielkich malarzy XIX wieku.Repin Ilja Efimowicz (1844-1930). Jednym z pierwszych obrazów Repina, który zyskał szerokie uznanie, był duży portret grupowy Słowiańska kompozytorów na zlecenie przedsiębiorcyA. A. Porokhovshchikova.

w 1872 roku za pracę programową „Zmartwychwstanie Córki Jaira” otrzymał Wielki Złoty Medal i prawo do 6-letnich studiów we Włoszech i Francji, gdzie ukończył edukację artystyczną.

Od 1873 r Repin wyjeżdża za granicę jakoemeryt Akademii. W Paryżu pisze „Paris Cafe” i bajeczne „Sadko”.

Dziełem, które od razu postawiło Repina w pierwszym rzędzie rosyjskich artystów, był obraz „Wozy barkowe nad Wołgą” (1870–1873), który wzbudził współczucie dla ludzi uciskanych przez niewolniczą siłę roboczą. Po powrocie Repina w 1876 roku z Francji rozpoczyna się okres największego rozkwitu jego twórczości. Działa jako portrecista, mistrz malarstwa codziennego i historycznego. Portret był nie tylko wiodącym gatunkiem, ale także podstawą twórczości Repina w ogóle. Tworzy galerię wizerunków wybitnych przedstawicieli rosyjskiej myśli społecznej, nauki i kultury. W swoich najlepszych portretach V.V. Stasova, L.N. Tołstoja, M.P. Musorgski Repin osiąga pełnię życia i wszechstronność charakteryzacji dzięki niesamowitej figuratywności kompozycyjnej i aktywności środków obrazowych. Tendencja do dramatu psychologicznego w przedstawianiu sytuacji znajduje również odzwierciedlenie w historycznym obrazie Repina: „Iwan Groźny i jego syn Iwan”, „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana”.

Przejrzystość i przystępność najbardziej obrazowego języka, najwyższy kunszt realistyczny, prawdziwość postaci, zainteresowanie palącymi problemami naszych czasów gwarancją nieprzemijającej wartości sztuki RepinaOczywiście historia malarstwa rosyjskiego na tym się nie kończy. Koniec XIX i początek XX wieku był punktem zwrotnym we wszystkich sferach życia społecznego, politycznego i duchowego Rosji. Wszystkie rodzaje sztuki opowiadały się za aktualizacją języka artystycznego, ukształtował się styl, który wpłynął na wszystkie sztuki plastyczne, który nazwano Art Nouveau. Ważną rolę w popularyzacji sztuki krajowej i zachodnioeuropejskiej odegrali artyści stowarzyszenia „Świat sztuki” (1898–1924), „Związek Artystów Rosyjskich” (1903–1923). Na początku XX wieku do sztuki rosyjskiej przeniknęły najnowsze tendencje Zachodu - symbolizm, prymitywizm, różne nurty w sztuce modernistycznej. Pojawiają się awangardowe stowarzyszenia artystów „Blue Rose”, „Jack of Diamonds”, „Donkey's Tail”, szerzy się kubofuturyzm i abstrakcjonizm.

Zastanówmy się nad twórczością Malewicza Kazimierza Sewerynowicza (1878-1935). KS Malewicz - Rosyjski artysta awangardowy , pedagog, teoretyk sztuki, filozof, założyciel Kierunek suprematyzmu w Sztuka abstrakcyjna, połączenie kolorowych prostych kształtów geometrycznych (kwadrat, koło, trójkąt), a także form wolumetrycznych nałożonych na płaszczyznę.

Malewicz lubił impresjonizm. Przykładem jest seriazdjęcia wiosennego ogrodu: „Kwitnące jabłonie”, „Wiosna”, „Wiosenny ogród kwitnący”.W twórczości Malewicza pod koniec pierwszej dekady XX wieku współistnieją różne nurty. To impresjonizm, połączony z cezanneizmem ("Rzeka w lesie") i secesją, która przejawiała się w szkicach malarstwa freskowego ("Triumf nieba") oraz coraz liczniejszymi elementami ekspresjonizmu i fowizmu. To zagęszczenie, nakładanie się na siebie różnych stylów i maniery jest charakterystyczne zarówno dla najnowszej sztuki rosyjskiej, jak i dla twórczości Malewicza.

Na drugiej „Ostatniej Wystawie Malarstwa Futurystycznego” w 1915 r., Zatytułowanej „0,10 (zero-dziesięć)”, która odbyła się w Piotrogrodzie, Malewicz pokazał 39 nowych obrazów. Były to prace nieobiektywne prezentowane pod tytułem „Nowy realizm obrazowy”. Wśród obrazów był słynny Czarny kwadrat. „Czarny kwadrat”, według koncepcji Malewicza, ucieleśnia ideę nowej duchowości, jest rodzajem ikony, plastikowego symbolu nowej religii. To był początek suprematyzmu.

Malewicz zmarł 15 maja 1935 r. Urna z jego prochami została zakopana w pobliżu daczy w Niemczynowce. Lokacja jest oznaczona białą kostką z czarnym kwadratem.

Sztuka lat przedrewolucyjnych w Rosji charakteryzuje się niezwykłą złożonością i niekonsekwencją poszukiwań artystycznych, ale wraz z eksperymentatorami w dziedzinie form abstrakcyjnych „Świat sztuki”, „Niedźwiedzie niebieskie”, „sojusznicy” kontynuowali praca w sztuce rosyjskiej tamtych czasów. Był też potężny nurt nurtów neoklasycznych, czego przykładem jest twórczość Zinaidy Evgenievny Serebryakovej. Ma swoje korzenie w wysokich narodowych tradycjach sztuki rosyjskiej, przede wszystkim Wenecjanow - „Chłopi” (1914), „Żniwa” (1915), „Wybielanie płótna” (1917)

Rozwój sztuki w epoce rewolucyjnej ZSRR

Era rewolucyjna zajmuje szczególne miejsce w historii sztuki rosyjskiej. Całkowite przemiany życia społeczno-gospodarczego i politycznego przyczyniły się do wejścia na arenę życia artystycznego najbardziej radykalnych dziedzin sztuki. Liczne grupy i indywidualni mistrzowie uczynili z eksperymentu główną zasadę swojej twórczości. Ta sztuka otrzymała później ogólną nazwę rosyjskiej awangardy. (Dzieła PN Filonov, AM Rodchenko).

Na początku lat 30. władze wprowadziły ścisłą kontrolę nad sztuką. Lata stalinizmu to jeden z najtragiczniejszych okresów w historii Rosji i jej sztuki. Naruszona została wolność wypowiedzi artysty, ukształtowała się metoda realizmu socjalistycznego, artyści musieli gloryfikować ideę socjalizmu, triumf zbiorowej świadomości. Jednocześnie wraz z początkiem Wielkiej Wojny Ojczyźnianej artyści biorą czynny udział w walce z wrogiem, demonstrując swoją postawę obywatelską i patriotyzm. Okres ten obejmuje twórczość takich artystów jak A.A. Plastow, S.V. Gierasimow, A.A. Deineka. W ostatnich latach wojny jeden z ich najlepszych obrazów został stworzony przez Kukryniksy (związek trzech artystów M.V. Kupriyanov, P.N. Krylov, N.A. Sokolova) „Ucieczka nazistów z Nowogrodu”.

W reakcji na odrzucenie socrealizmu na początku lat 60. w malarstwie ukształtował się „styl surowy”. Artyści P. Nikonov, N. Andronov, V. Popkov, O. Filatchev, M. Savitsky i inni, w poszukiwaniu prawdy życia, zwrócili się ku powściągliwej formie warunkowej, odrzucając wszelkie opisy. Heroiczny początek w utworach „sytuacji surowej” rodzi się z prawdomówności w przekazywaniu stąd ciężkich dni pracy i nazwy. V. Popkov „Budowniczy Brackiej Elektrowni Wodnej”. P. Nikonov „Nasza codzienność” i inne.

Wniosek

Po przestudiowaniu wskazanej literatury zapoznałem się z twórczością wielkich artystów rosyjskich XV-XX wieku i doszedłem do wniosku:

Przestarzałe formy organizacji społecznej odeszły na zawsze w przeszłość, zmieniła się struktura życia i poglądy ludzi, ale tak jak kilkaset lat temu, współczesnego człowieka fascynują wspaniałe twory kultury duchowej stworzonej dawno temu;

Cechą charakterystyczną artystów rosyjskich, a przede wszystkim wielkich mistrzów, było ścisłe nierozerwalne powiązanie ich sztuki z życiem społecznym, postępową myślą naukową;

Wzbogacali tradycje sztuki rosyjskiej, potwierdzali jej narodowość i humanizm, wysokie ideały moralne;

Sztuka rosyjska zawsze wyróżniała się obywatelstwem i patriotyzmem.

Uważam, że poznanie i pokochanie wszystkiego, co bezcenne, co stworzyli swoim talentem wybitni mistrzowie Rosji, jest nie tylko obowiązkiem, ale także obowiązkiem każdego współczesnego wykształconego człowieka.

Dzięki pracy nad tym tematem zbliżyłem się do świata sztuki.

Bibliografia

1. BI Krasnobajew. „Eseje o historii kultury rosyjskiej XVIII wieku” Moskwa: Edukacja, 1987.

2. AV Murawjow, A.M. cukry. „Eseje o historii kultury rosyjskiej w IX-XVII wieku” Moskwa: Oświecenie, 1984

3. V.N. Aleksandrow. „Historia sztuki rosyjskiej” Mińsk: Żniwa, 2007.