Ważne miejsce w kulturze XVIII wieku. zajmowała się sztuką dekoracyjną i użytkową. Rokokowy wystrój wnętrz sprawiał, że przestrzeń była jasna, ściany wydawały się cienkie, ukryte za ozdobnymi panelami i lustrami, odbijającymi się w sobie, ważną rolę odgrywały ekrany. Meble nabierają elegancji, wydają się kruche, nabierają dziwacznych konturów. W kolorystyce tapet i mebli dominują kolory pastelowe.
Pomieszczenie miało sprawiać wrażenie buduaru, (pomieszczenie przeznaczone do komunikowania się tylko z bliskimi osobami).
Wnętrza rokokowe często uzupełniano albo autentycznymi chińskimi wyrobami: parawanami, porcelaną, malowidłami z laki, czy też kompozycjami dekoracyjnymi stylizowanymi na malarstwo chińskie.
Od połowy XVIIIw. wraz z rozwojem neoklasycyzmu wystrój wnętrz stał się prosty i raczej surowy. Jeśli wnętrza francuskie były wzorem rokoka, to wnętrza angielskie były wzorem neoklasycyzmu. Szczególnie znane były wnętrza angielskiego architekta Roberta Adama(1728-1792). Tworząc dworki, artysta ozdabiał je kolumnami, pilastrami i rzeźbami. Ten styl nazywa się „stylem Adama”. Wyróżnia się elegancją, dekoracyjnością, organicznie obejmującą czasem autentyczne przedmioty antyczne.
W ubraniach i fryzurach z XVIII wieku. wykrywane są również zmiany stylu. W epoce Ludwika XV wygląd człowieka stał się dziełem sztuki: toalety szlachty były pretensjonalne i wyrafinowane, fantastyczne fryzury (peruki weszły w modę), czarne muchy na upudrowanej twarzy stały się szczególnym językiem w miłości dialog. „Kobieta wystrojona i uczesana jak zabawka, w wąskich bucikach na obcasach musiała bardzo ostrożnie stąpać, by zachować równowagę i nie rozpaść się – to wykształciło nawyk płynnego chodu i płynnych ruchów menueta . Chcieli zobaczyć kobietę jako cenną lalkę, rajskiego ptaka, wspaniały kwiat. Takie stworzenia pasowały do fantastycznego i kapryśnie przewiewnego otoczenia wnętrz rocaille” (2, 45).
Kostium, zwłaszcza dla kobiet, staje się dziełem sztuki. Taki garnitur był niewygodny i niepraktyczny, ale niezwykle atrakcyjny.
Męski garnitur był równie elegancki jak damski, zdecydowano się na delikatne odcienie pastelowych barw.
Miłość do wszystkiego, co eleganckie, przyczyniła się do rozkwitu biżuterii i porcelany.
Okres rozkwitu europejskiej sztuki porcelanowej przypada również na połowę XVIII wieku. i związany ze stylem rokoko. Najbardziej znane to francuska porcelana z miasta Sevres i niemiecka porcelana z Miśni (Saksonia). Miśnieńscy mistrzowie przedstawiali w swoich kompozycjach „szalencyjne uroczystości” – wyrafinowaną rozrywkę arystokratów.
Rokoko nie było stylem takim jak gotyk i barok, nie stało się dużym i holistycznym ruchem artystycznym. Rozpowszechnianie się gustów epoki Regentów przygotował sam los francuskiej szlachty, której w XVIII wieku powodziło się dobrze. tylko w jednym – w ułożeniu bezpiecznego i szczęśliwego życia. Było to bezczynne życie otoczone eleganckim luksusem. Sztuka była ozdobą próżnego życia francuskiej szlachty.
Szczególną rolę odgrywa rzemiosło artystyczne (nawet gastronomię podniesiono do rangi sztuki).
Głównym zadaniem sztuki jest podobać się, sama sztuka utożsamiana jest z luksusem, figlarnością i kpiną.
Lustra stają się ulubioną dekoracją ścienną, są ustawione naprzeciw siebie, dając nieskończoną ilość odbić.
Zapotrzebowanie na dobra luksusowe stworzyło we Francji całe gałęzie produkcji artystycznej dzięki pracy meblarzy, tkaczy, rzeźbiarzy, jubilerów i hafciarzy.
Ulubionymi motywami zdobniczymi rokoka są muszle, łodygi i kwiaty.
W dziedzinie wystroju neoklasycyzm zwrócił się ku wnętrzom sal, które urządzono na sposób antyczny. Wyczyny armii napoleońskiej przyniosły nowe motywy zdobnicze: miecze, chorągwie. W epoce napoleońskiej zmiany zachodzą w ubraniach i fryzurach. Upowszechnia się moda na wszystko, co antyczne: od sylwetki i kroju sukienek, przypominających chitony i tuniki, po swobodnie opadające luźne loki. Zniknęły nie tylko krynoliny i fizmy, ale i diamenty, rzeźbione kamienie oprawione w ramy (klejnoty) stały się modne.
W przeciwieństwie do innych form sztuki w muzyce XVIII wieku. barok jako kierunek stylistyczny był nadal szeroko reprezentowany. Największymi mistrzami muzyki epoki baroku byli Bach i Handel.
Jana Sebastiana Bacha(1685-1750) był największym muzykiem XVIII wieku, a wpływy jego muzyki wciąż rosną. Jego twórczość kompozytorska była zaskakująco wszechstronna mimo pozornie skromnego życia (był kantorem - liderem i dyrygentem chóru kościelnego). Od dzieciństwa Bach był głęboko religijny i wyznawał wiarę protestancką. To reformacja w Niemczech zapoczątkowała gorliwość śpiewu protestanckiego (śpiewu chóralnego). Upraszczając ceremonię kościelną i czyniąc ją bardziej rygorystyczną, protestantyzm zwiększył w niej znaczenie muzyki. Kościół stał się centrum sztuki muzycznej, a kościelny organista był jego przedstawicielem. Sztuka organowa była w Niemczech niezwykle rozpowszechniona, nic więc dziwnego, że organy towarzyszyły Bachowi przez całe życie. Jego dziedzictwo organowe obejmuje kilka gatunków, wśród których wyróżniają się preludia chorałowe i dwuczęściowe cykle polifoniczne. l fuga. Muzyka Bacha wyraża pokorę religijną, patos, liryzm i porywczość. Wraz z naturalnością i prostotą, w jego pismach tkwi wzniosłość i doniosłość. Wśród muzycznych dzieł Bacha znajduje się ogromna liczba prawdziwych arcydzieł, które zyskały światowe uznanie.
Obok Bacha wznosi się kolejna ważna postać muzycznego baroku — Georga Friedricha Haendla(1685-1759). Swoje życie spędził w dużych miastach europejskich, otrzymał doskonałe wykształcenie muzyczne. Pierwsza opera, Rinaldo, wystawiona w Londynie, przyniosła Handelowi sławę. Handel pisał muzykę z różnych gatunków, ale oratoria (duże utwory wokalno-symfoniczne z rozwiniętą fabułą) stanowią szczyt jego spuścizny. Źródłem literackim najsłynniejszych oratoriów kompozytora była pierwsza część Biblii – Stary Testament. Handel mieszkał w Anglii i wydarzenia z jej historii politycznej, a także epicki zakres opowieści biblijnych nie mogły nie wzbudzić jego zainteresowania.
Kompozytor charakteryzował się przede wszystkim tematami cywilnymi. Wybierając tematy biblijne, Haendel podziwia siłę ludzkich namiętności. To właśnie pasja, dynamizm, obraz konfrontacji były charakterystyczne dla baroku.
Jeśli pierwsza połowa XVIII wieku. w muzyce barok został zdefiniowany jako styl muzyczny, następnie jego druga połowa stała się okresem rozkwitu kompozytorów wiedeńskiej szkoły klasycznej:
Glucka, Haydna, Mozarta i Beethovena. Największe osiągnięcia klasycyzmu wiązano z Wiedniem, stolicą rozległego Cesarstwa Austriackiego, miastem na wskroś przesyconym muzyką.
Wiedeńska szkoła klasyczna odpowiadała na nastroje i idee Oświecenia. Sztuka muzyczna odzwierciedlała duchowe poszukiwania i sprzeczne procesy artystyczne swoich czasów. Na przykład Lessing wywarł wpływ na twórczość Mozarta.
Zasady klasycyzmu znalazły swoje ucieleśnienie w muzyce oświecenia.
Christopha Willibalda Glucka(1714-1787) wszedł do historii muzyki jako reformator sztuki operowej, który położył podwaliny pod nowy styl operowy. Opery napisane przez Glucka były niezwykłe zarówno pod względem treści, jak i sposobu wyrażania uczuć bohaterów. Działalność Glucka miała miejsce w Wiedniu i Paryżu i wiązała się także z kontrowersjami w filozofii i estetyce, w które zaangażowani byli oświeceniowcy. Krytykowali operę dworską i uważali, że antyczny teatr idealnie łączył muzykę, plastyczność i recytację.
Gluck starał się dramatyzować operę, nadać jej prawdziwości i naturalności. Wszystkie najlepsze opery Glucka, poczynając od Orfeusza, zostały napisane właśnie na tematy antyczne, w których kompozytor odnajdywał silne charaktery i silne namiętności. Za życia Glucka jego opery wywoływały zaciekłe kontrowersje, ale czas pokazał słuszność tych zasad i nieprzypadkowo wcielali je w życie inni wybitni kompozytorzy.
Józefa Haydna(1732-1809) przez prawie trzy dekady pozostał kapelmistrzem (kierownikiem chóru i kaplicy orkiestrowej), a komponowaniu muzyki poświęcał jedynie wolny czas. Jeśli Gluck zreformował operę, to Haydn stworzył doskonałe symfonie. Jego droga twórcza przebiegała przez różne epoki artystyczne, jednak twórczość kompozytora związana była właśnie z epoką oświecenia. Oświeceni wierzyli w postęp społeczeństwa i człowieka, a muzyka Haydna wyraża optymizm i dążenie do szczęścia. Twórczość Haydna jest dość racjonalistyczna: odznacza się rozwagą i harmonią, co jest również zgodne z racjonalistycznymi zasadami Oświecenia.
W swoich oratoriach Haydn podejmuje temat natury, której kult był charakterystyczny dla takiego pedagoga jak Rousseau. To Haydn stał się najjaśniejszym kompozytorem Oświecenia.
Wolfgang Amadeusz Mozart(1756-1791) wcześnie zaczął komponować, dużo podróżował, wcześnie zyskał sławę. Podobnie jak Gluck, Mozart stał się wielkim reformatorem opery, nie tylko symfonizując ją, ale i aktualizując. Wybierając takie sztuki jak Szalony dzień czy Wesele Figara, Mozart pokazał swoje zaangażowanie w idee wychowawcze. W Czarodziejskim flecie kompozytor przedstawia swoistą utopię, bliską wierze oświecających w moralny postęp ludzkości. Muzyka Mozarta zaskakująco łączy w sobie naturalność i harmonię, szczerość i doskonałość, nieskazitelną klarowność i drżące podniecenie. Najwyższym osiągnięciem muzyki Mozarta było słynne „Requiem” – jego ostatnia kompozycja.
Niemiecki kompozytor Ludwig van Beethoven(1770-1827) większość życia spędził w Wiedniu. Jego pisma również noszą piętno Oświecenia. Kompozytor objawił się właśnie w gatunkach sonaty i symfonii, które ostatecznie ukształtowały się właśnie w tej epoce. Jego prace ujawniają przemyślany pomysł i poszczególne detale, wyrazistość form.
W jego najsłynniejszych utworach ucieleśnia się temat heroiczny, temat walki, co wiąże się zarówno z osobowością samego kompozytora, jak i osobliwościami jego biografii: wydarzenia Wielkiej Rewolucji Francuskiej przeżył jako dziewiętnasto- letnia młodzież. Choć idee Oświecenia były charakterystyczne dla muzyki Beethovena, to już on reprezentuje nową epokę, antycypującą romantyzm. Styl muzyczny kompozytora różni się od sztuki innych klasyków wiedeńskich rozmachem, dramatyzmem i siłą emocjonalną. Takimi są „Sonata żałosna”, III Symfonia („Heroiczna”), V i IX Symfonia, zwłaszcza „Oda do radości”, która dopełnia ostatnią. Cała spuścizna Beethovena jako całości wywarła ogromny wpływ na rozwój muzyki, zwłaszcza na kształtowanie się romantyzmu.
Zmiany w życiu codziennym i ich wpływ na sztukę i rzemiosło. Cechy ornamentu i wystroju stylów artystycznych baroku, rokoka, klasycyzmu.
Biznes srebrny i złoty: szkoła petersburska, moskiewscy rzemieślnicy i manufaktury, czarne srebro Veliky Ustyug. Nowe rodzaje zastawy stołowej z metali szlachetnych i kolorowych: imbryki, dzbanki do kawy, buliony, samowary. Naczynia domowe i kościelne. Regalia państwowe. Ordery i medale. emalie. Artyści emaliowani AG Ovsov, GS Musikisky.
Pojawienie się rosyjskiej porcelany. DI Winogradow. Cesarskie i prywatne fabryki porcelany. Majolika, fajans. Szkło artystyczne. Tkaniny dekoracyjne i gobeliny. Nowe w ciuchach. Meble gabinetowe i typoszeregowe. Intarsja. Rzeźba w drewnie we wnętrzach cywilnych i kościelnych. Załogi. Kamień dekoracyjny. kamee.
Artystyczne rzemiosło ludowe. Rzeźbione i inkrustowane donety Gorodca. Rzeźba kości Kholmogor. Złoty haft prowincji Twer. Koronka Galicza i Wołogdy. Ceramika Gzhel.
Muzyka i teatr w XVIII wieku
Wielogłosowy śpiew chóralny. Kanty. Muzyka instrumentalna i orkiestry. Sztuka operowa. Balet. Muzyka w życiu dworskim, miejskim i chłopskim. Powstanie narodowej szkoły kompozytorów. EI Fomin. I.E.Khandoshkin. DS Bortnyansky. MS Bieriezowski. AO Kozłowski.
Próby stworzenia publicznego teatru publicznego za czasów Piotra Wielkiego. Amatorskie występy na korcie. Teatry szkolne w duchowych i świeckich placówkach oświatowych. Profesjonalne zespoły aktorów zagranicznych.
Dramaturgia rosyjskiego klasycyzmu: tragedie i komedie. Wpływ sentymentalizmu na repertuar teatralny. Pojawienie się dramatu i opery komicznej na rosyjskiej scenie. A.P. Sumarokov - dramaturg i postać teatralna. Założyciel rosyjskiego teatru zawodowego, aktor i reżyser F. G. Wołkow. Jego przyjaciel i naśladowca I.A. Dmitrevsky. Masowe przedstawienia teatralne.
Teatr forteczny. Trupa hrabiego PB Szeremietiew. PI Kovaleva-Zhemchugova, TV Shlykova-Granatova i inni artyści. Pałac-teatr w Ostankinie. Teatr Ludowy.
SKRÓTY NAZW NAJWAŻNIEJSZYCH ZBIORÓW MUZEUM WYMIENIONYCH W WYKAZIE ZABYTKÓW KULTURY
BAN - Biblioteka Rosyjskiej Akademii Nauk (St. Petersburg)
VMDPNI - Ogólnorosyjskie Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej (Moskwa)
GIM - Państwowe Muzeum Historyczne (Moskwa)
GMGS - Państwowe Muzeum Rzeźby Miejskiej (Petersburg)
GMMK - Państwowe Muzea Kremla Moskiewskiego (Moskwa)
GNIMA – Państwowe Badawcze Muzeum Architektury (Moskwa)
GOP - Państwowa Izba Zbrojowni (Moskwa)
Państwowe Muzeum Rosyjskie - Państwowe Muzeum Rosyjskie (St.Petersburg)
Państwowa Galeria Trietiakowska - Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
Państwowe Muzeum Ermitażu (Petersburg)
ZIKhMZ - dawny Zagorsk (obecnie Siergijew-Posad) muzeum-rezerwat historyczny i artystyczny (Siergijew Posad, obwód moskiewski)
MIDU - Muzeum Historycznych Skarbów Ukrainy (Kijów)
MPIB - Muzeum Sztuki Użytkowej i Życia XVII wieku „Katedra Dwunastu Apostołów i komnaty patriarchalne na Kremlu moskiewskim” (Moskwa)
NGM - Rezerwat Muzeum Stanów Zjednoczonych w Nowogrodzie (Nowogród)
NGP - Nowogrodzka Izba Faset (Nowogród)
SHM - Muzeum Sztuki Samara (Samara)
ZABYTKI KULTURY ROSYJSKIEJ
ROZDZIAŁ I. HISTORIA KULTURY ROSYJSKIEJ STAROŻYTNYCH I ŚREDNIOWIECZNYCH
(PRZED KOŃCEM XVII WIEKU)
LUDOWA ARCHITEKTURA DREWNIANA
BUDYNKI RELIGIJNE
1. Kościoły Klet: Cerkiew Łazarza z klasztoru Murom (XIV-XVI w.) - rezerwat przyrody Kiży; Cerkiew Złożenia Szat ze wsi Borodowo (XV w.) - Rezerwat Muzeum Kirillo-Belozersky; Cerkiew Przemienienia Pańskiego ze wsi Spas-Vezhi (XVII w.) - Muzeum-Rezerwat Kostroma; Cerkiew św. Mikołaja ze wsi Tuchola (XVII w.) - Nowogródzki rezerwat muzealny „Witosławiacy”; kaplica Michała Archanioła ze wsi Lelikozero (XVIII w.) - Muzeum-Rezerwat Kiży; Cerkiew św. Mikołaja ze wsi Głotowa (XVIII w.) - Muzeum-Rezerwat Suzdal.
2. Kościoły namiotowe: Cerkiew św. Mikołaja we wsi Lyavlya (XVI w.); cerkiew św. Jerzego ze wsi Wierszyna (XVII w.) – Archangielski Muzeum-Rezerwat „Mały Koreły”; Kościół Zmartwychwstania Pańskiego ze wsi Patakino (XVIII w.) - Muzeum-Rezerwat Suzdal; Kościół Wniebowzięcia NMP (XVIII w.) w mieście Kondopoga.
W drugiej połowie XVIII wieku rosyjska sztuka użytkowa osiągnęła znaczny rozkwit. Sprzyjał temu rozwój gospodarki, handlu, nauki i techniki oraz w dużej mierze bliskie związki z architekturą i sztukami plastycznymi. Rosła liczba dużych i małych fabryk, zakładów, warsztatów produkujących tkaniny, szkło, porcelanę, meble. Właściciele ziemscy w swoich majątkach organizowali różne warsztaty oparte na pracy pańszczyźnianej.
Humanistyczne idee Oświecenia znalazły swoje szczególne odzwierciedlenie w sztuce użytkowej końca XVIII wieku. Mistrzowie tego czasu wyróżniali się dbałością o osobiste gusta i potrzeby osoby, poszukiwaniem wygody w otoczeniu.
Nowy styl – klasycyzm rosyjski – na przełomie lat 70. i 80. XVIII w. zadomowił się we wszystkich rodzajach sztuki użytkowej. Architekci M. F. Kazakov, I. E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A. N. Voronikhin stworzyli wnętrza w duchu szlachetnej prostoty i powściągliwości z wyraźnym podziałem części, z uzasadnionym konstrukcyjnie układem zarówno plastycznego, jak i malowniczego wystroju architektonicznego.
Na tych samych zasadach projektowano meble, kandelabry, żyrandole dla pomieszczeń pałacowych. W ornamentyce mebli, naczyń, tkanin budowanych w wyraźnym rytmie pojawiały się motywy antyczne – akanty, meandry, joniki, barwnie interpretowane kwiaty, girlandy, wizerunki amorków, sfinksów. Złocenie, kolory stały się bardziej miękkie i powściągliwe niż w połowie XVIII wieku.
Pod koniec XVIII wieku zamiłowanie do starożytności zmusiło do porzucenia nawet skomplikowanego i wspaniałego stroju. Modne stały się lekkie luźne sukienki z płynnymi fałdami, z wysokim paskiem w stylu antycznym (V. L. Borowikowski. „Portret M. I. Lopukhina.” 1797).
Synteza sztuk w rosyjskim klasycyzmie opiera się na zasadzie harmonijnego łączenia wszystkich rodzajów sztuk.
Meble. W okresie klasycyzmu jego formy są proste, wyważone, wyraźnie zbudowane, rytmy spokojne. Kontury zachowały jeszcze pewną miękkość, krągłość, ale pionowe i poziome linie już się wyróżniały. Zdobienia (niskie płaskorzeźby, malowidła, onlaye z brązu i mosiądzu) podkreślały wyrazistość budowli. Bardziej chodziło o wygodę. Dla pomieszczeń frontowych o różnym przeznaczeniu zaprojektowano zestawy: salon, gabinet, sypialnia frontowa, hol. Powstały nowe formy meblowe: stoliki do gier karcianych, rękodzieło, lekkie przenośne stoliki bobbie (z pokrywą w kształcie fasoli), różnego rodzaju komody. Sofy były szeroko stosowane, aw meblach biurowych sekretarzyki, biurko z cylindryczną rolowaną pokrywą.
Podobnie jak w poprzednich okresach, meble rosyjskie są bardziej masywne, bardziej uogólnione, prostsze w szczegółach niż meble zachodnie. Materiałem do jej wykonania były miejscowe gatunki drewna – lipa, brzoza (ze złoceniami i bejcami na jasne kolory), orzech, dąb, topola, jesion, grusza, dąb bagienny. Pod koniec XVIII wieku zaczęto stosować brzozę karelską oraz importowane barwione drewno mahoniu, amarantusa, palisandru i innych gatunków. Mistrzowie potrafili pokazać ich piękno, strukturę, kolor, blask, umiejętnie podkreślone przez polerowanie.
Rosyjscy rzemieślnicy osiągnęli wielkie osiągnięcia w technice składu (intarsji). Jej istotą jest komponowanie ornamentów i całych obrazów (zwykle z rycin) na powierzchni przedmiotów drewnianych z kawałków kolorowego drewna. Dzieła tego rodzaju znane są nie tylko stołecznym stołecznym stołecznym meblom dworskim, ale także byłym chłopom pańszczyźnianym, którzy pracowali w Moskwie i obwodzie moskiewskim: Nikiforowi Wasiljewowi (ryc. 78), Matwiejowi Wierietennikowowi oraz bezimiennym mistrzom twerskim, archangielskim, którzy wprowadzili kość słoniowa morsa do zestawu. Próbki wysokiej sztuki rzeźbienia mebli Pałacu Ostankino należą do chłopów pańszczyźnianych Iwana Mochalina, Gawryły Niemkowa i innych. W Petersburgu słynęły meble i rzeźby rzemieślników z Ochty, przeniesionych do stolicy z różnych miejsc za czasów Piotra I.
Tekstylia. Spośród wszystkich gałęzi przemysłu w drugiej połowie XVIII wieku najlepiej rozwijał się przemysł włókienniczy (Moskwa, Iwanowo, Jarosław, gubernia włodzimierska). O jego powstaniu zadecydowały nie tylko wielkie manufaktury, ale także drobne przedsiębiorstwa chłopskie. Szczególną doskonałość osiągnęli rzemieślnicy w nowych wzorzystych tkaninach lnianych o skomplikowanych splotach, z grą naturalnych srebrno-białych odcieni lnu. Tutaj tradycje tkactwa chłopskiego, głębokie zrozumienie dotkniętego materiału. Produkowano również masowo tanią pstrokaciznę i krasheninę. Znacznie poprawiły się walory dekoracyjne tkanin kolorowych i wełnianych.
Szybko rozwijała się produkcja jedwabnych tkanin na suknie i tkaniny dekoracyjne, chusty, wstążki (il. 80). Pod koniec XVIII wieku nie ustępowały jakością francuskim - najlepszym w Europie. Rosyjscy tkacze nauczyli się używać różnorodnych nici, najbardziej skomplikowanych tkackich, przypominających hafty. Techniki kompozycyjne, bogactwo palety tkanin dekoracyjnych osiągnęły przeniesienie przestrzeni, subtelność przejść tonalnych, dokładność wzoru kwiatów, ptaków, pejzaży. Takie tkaniny były używane do dekoracji pałaców, wysyłanych jako prezenty za granicę.
Aż do lat 80. i 90. XVIII wieku wzory ze złożonych, falistych girland kwiatowych, wstążek i koralików były używane w tkaninach na suknie, zwłaszcza w tkaninach letnich. Ale stopniowo girlandy zostały zastąpione paskami, wzory stały się prostsze, ich rytmy wygładzone, kolorystyka jaśniejsza, bardziej miękka.
W latach 1750-1760 w Petersburgu, a później w Moskwie, we wsi. Iwanowo (obecnie miasto Iwanowo) rozwinęło produkcję perkalu (tkanina bawełniana z nadrukowanym wzorem z kremem, nieblaknącymi farbami i późniejszym polerowaniem). We wzorach z perkalu rzemieślnicy, zwłaszcza z Iwanowa, w szczególny sposób przerabiali motywy jedwabnych tkanin. Opierając się na ludowym obcasie, połączyli soczystą plamę malowniczą z graficznym cięciem (zarysy deseni, kraty, kropki tła). Początkowo perkale były bardzo drogie. Pod koniec XVIII wieku zaczęto produkować ich tanie odmiany.
Porcelana. Pod koniec XVIII wieku rosyjska porcelana stała się jedną z najlepszych w Europie. Państwowa Fabryka Porcelany z powodzeniem działała w Petersburgu. Jego wyroby wyróżniała lekko ciepła biel, lśniące szkliwo i wysoka jakość techniczna. Formy naczyń, wazonów, ich malowanie nie były gorsze od zachodnich.
Powstaje najważniejsza z usług – arabeska na przyjęcia dworskie (1784, il. 77). Dekoracja stołu tego zestawu dziewięciu alegorycznych rzeźb gloryfikuje aneksję Gruzji i Krymu, „cnotę” Katarzyny II (rzeźbiarz Zh. D. Rashet). Dominują w nim spokojne pozy charakterystyczne dla klasycyzmu końca XVIII wieku, lekkie złocenia, ścisłe proporcje zastawy malowane w formie arabesek, wzorowane na antycznej ornamentyce.
W latach osiemdziesiątych XVIII wieku powstała seria rzeźb „Ludy Rosji” (twórcza obróbka rycin) - jaskrawo dekoracyjna, z charakterystycznymi wizerunkami - przedstawicieli poszczególnych narodowości (Jakut, Samoyed, Tatar). Powstawały rzeźbiarskie figurki ulicznych handlarzy, rzemieślników przedstawianych w ruchu i przy pracy. Rzeźba porcelanowa od wielu dziesięcioleci stała się ulubioną ozdobą szlacheckich wnętrz.
Spośród prywatnych fabryk porcelany najbardziej rentowna jest fabryka Franza Gardnera (1765) (wieś Werbilki pod Moskwą). Już pod koniec XVIII wieku wykonywał scenografie dla dworu królewskiego z oryginalnym wykorzystaniem w obrazach motywów zakonów ruskich. Stosunkowo tania porcelana Gardnera, wyróżniająca się prostotą formy i bogatym, bliskim tradycjom ludowym malowidłem kwiatowym, odniosła sukces zarówno w stolicy, jak i na prowincji (il. 79).
Szkło. Kolorowe szkło przynosi prawdziwą chwałę szkłu rosyjskiemu w ostatniej trzeciej połowie XVIII wieku. MV Łomonosow swoją pracą nad teorią koloru i technologią kolorowych szkieł otworzył nowe ścieżki dla rosyjskiego szklarstwa, wzbogacił paletę szkła i ożywił rosyjskie mozaiki. Zorganizował fabrykę do produkcji smaltu, koralików i szkła we wsi Ust-Ruditsa w prowincji Petersburg. Łomonosow przeszkolił mistrzów Państwowej Fabryki w Petersburgu Drużynin i Kiriłłow w topieniu kolorowego szkła. Zakład opanował produkcję szkła o głębokich i czystych odcieniach - niebieskim, fioletowym, różowo-czerwonym, szmaragdowym. Teraz jego produkcja nie jest już zdominowana przez grawerowany kryształ, ale przez cienkie kolorowe i bezbarwne szkło. Szklanki, kielichy, karafki nabierają gładkich kształtów, w których korpus płynnie przechodzi w nogę, tworząc miękkie, pełne wdzięku kontury. Złote i srebrne obrazy girland, kokard, gwiazd, monogramów są spokojne w rytmie i podkreślają plastyczną objętość naczyń.
Produkowane jest również tzw. mlecznobiałe szkło (kubki, karafki, przedmioty sakralne), przypominające wyglądem i charakterem malowidła ścienne z droższej porcelany.
Pod koniec XVIII wieku prywatne huty szkła Bachmietiewa w prowincji Penza, Malcewów w guberniach włodzimierskiej i orłowskiej oraz wielu innych rozwijały się i odnosiły wielkie sukcesy. Ich bezbarwne i kolorowe szkło kryształowe są szeroko rozpowszechnione w całej Rosji.
Artystyczna obróbka metalu. Rozkwit sztuki jubilerskiej w Rosji rozpoczyna się w połowie XVIII wieku i trwa przez całe stulecie. Posiada materiały artystyczne o niezwykłej urodzie: diamenty, szmaragdy, szafiry i inne kamienie szlachetne i półszlachetne, emalie malowane, metale nieżelazne (złoto, srebro, platyna, stopy). Sztuka cięcia kamieni osiąga wysoki stopień doskonałości. Aby poprawić grę kamienia, jubilerzy znajdują różnorodne artystyczne i techniczne techniki mocowania ruchomych części. Artyści jubilerscy tworzą fantazyjne kształty, wielobarwną biżuterię: kolczyki, pierścionki, tabakierki, sprzączki do butów, guziki do luksusowych garniturów damskich i męskich.
W ostatniej tercji XVIII wieku formy biżuterii nabierają równowagi, gama kolorystyczna kamieni szlachetnych zaostrza się.
W tym okresie złotnicy odnieśli wielki sukces. Zgodnie z nowymi gustami formy srebrnych zestawów są proste i czytelne. Zdobione są fletami, antycznymi ornamentami. Na srebrnych kieliszkach i tabakierkach mistrzowie Veliky Ustyug odtwarzają z rycin obrazy starożytnych scen, zwycięstw wojsk rosyjskich.
Wyjątkowym fenomenem w sztuce użytkowej XVIII wieku są wyroby stalowe mistrzów z Tuły: meble, szkatułki, świeczniki, guziki, sprzączki, tabakiery. Dekoracyjny efekt swoich prac budują na opozycji gładkiej jasnej stali i zdobień w postaci fasetowanych bryłek mieniących się jak diamenty. Rzemieślnicy stosują nagniatanie (obróbka cieplna w piecu w różnych temperaturach) metalu, co daje różne odcienie - zielony, niebieski, fioletowy, od grubych do jasnych. Tradycje sztuki ludowej znajdują odzwierciedlenie w zamiłowaniu do jasnego koloru, w głębokim zrozumieniu materiału.
Kolorowy kamień. W drugiej połowie XVIII wieku odkryto złoża marmurów, wiśniowo-różowego orła na Uralu, różnobarwnych jaspisów, różnobarwnych brekcji, porfirów ałtajskich i błękitnego lapis lazuli bajkalskiego. Oprócz Peterhofu (1722-1723) i Jekaterynburga (początek lat 30. XVIII wieku), w samym sercu Ałtaju, w 1787 r. Zaczęła działać fabryka Loktevskaya (od 1802 r. Została zastąpiona przez Kolyvanskaya). Istnieje wiele możliwości wykorzystania kolorowego kamienia w dekoracji i dekoracji dzieł monumentalnych i zdobniczych wnętrz pałacowych.
Zdolność do ujawnienia walorów estetycznych materiału zawsze wyróżniała rosyjskich mistrzów, ale szczególnie wyraźnie wyrażała się w sztuce cięcia kamienia. Pracując według projektów architektów, kamieniarze plastycznie wydobywają bajeczne piękno kamienia, jego naturalny wzór, niezwykłe odcienie koloru, blask, uwydatniając je doskonałym polerowaniem. Złocony brąz w formie uchwytów, głowica tylko dopełnia i podkreśla kształt. Projekty wyrobów kamieniarskich, obelisków, waz, które wzorowano na antycznych formach, stworzyli Quarenghi i Voronikhin.
Rozkwit rosyjskiej sztuki użytkowej XVIII wieku wiązał się z twórczością architektów Kazakowa, Starowa, Quarenghiego, Camerona, Woronikhina i wielu wykształconych artystów ludowych. Ale jego prawdziwą świetność stworzyli w większości pozostali nieznani rzemieślnicy pańszczyźniani - stolarze mebli, rzeźbiarze, tkacze, kamieniarze, jubilerzy, szklarze, ceramicy.
Wyślij swoją dobrą pracę w bazie wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza
Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Wam bardzo wdzięczni.
Wysłany dnia http://www.allbest.ru//
Wysłany dnia http://www.allbest.ru//
„Sztuka dekoracyjna i użytkowa XVIII wieku”.
Wstęp
W drugiej połowie XVIII wieku rosyjska sztuka użytkowa osiągnęła znaczny rozkwit. Sprzyjał temu rozwój gospodarki, handlu, nauki i techniki oraz w dużej mierze bliskie związki z architekturą i sztukami plastycznymi. Rosła liczba dużych i małych fabryk, zakładów, warsztatów produkujących tkaniny, szkło, porcelanę, meble. Właściciele ziemscy w swoich majątkach organizowali różne warsztaty oparte na pracy pańszczyźnianej.
Jednym z najjaśniejszych zjawisk kultury rosyjskiej jest rosyjska sztuka ludowa, której historia ma tyle wieków, ile człowiek żyje na ziemi.
Rosyjska sztuka i rzemiosło, rzemiosło ludowe to oryginalne zjawiska, które nie mają odpowiednika w kulturze światowej. Od niepamiętnych czasów ziemia rosyjska słynęła z rzemieślników, ludzi, którzy potrafią tworzyć i tworzyć prawdziwe piękno własnymi rękami. Poprzez sztukę rzemiosła ludowego śledzony jest związek między przeszłością a teraźniejszością.
Rzemiosło ludowe jest dokładnie tym, co czyni naszą kulturę bogatą i wyjątkową. Malowane przedmioty, zabawki i wyroby z tkanin są wywożone przez zagranicznych turystów na pamiątkę naszego kraju. Prawie każdy zakątek Rosji ma swój własny rodzaj robótek ręcznych.
Główne rodzaje robótek ręcznych
ZABAWKA DYMKOWO
Zabawka Dymkovo (zabawka Vyatka, Kirov), rosyjskie rzemiosło ludowe; od dawna istnieje w osadzie Dymkowo (obecnie w mieście Kirow). Zabawka Dymkovo jest formowana z gliny, wypalana i malowana na ziemi temperą, w tym złotem płatkowym. Przedstawia zwierzęta, jeźdźców, damy w krynolinach, sceny baśniowe, codzienne. O artystycznej oryginalności zabawki Dymkovo decyduje masywna lakoniczna plastyczność, podkreślona przez harmonijne malowanie dekoracyjne w postaci dużego geometrycznego ornamentu (koła w różnych kolorach, komórki itp.).
Zabawka Dymkovo jest najbardziej znanym z glinianych rzemiosł w Rosji. Wyróżnia się niezwykle prostą i wyraźną formą plastyczną, uogólnioną sylwetką oraz jaskrawym ornamentalnym malowaniem na białym tle.
Tradycyjnie przemysł zabawkarski Dymkovo nie ma masowej produkcji w linii.
Khokhloma to stare rosyjskie rzemiosło ludowe, które powstało w XVII wieku w regionie Trans-Wołgi (wieś Semino, obwód Niżny Nowogród). To chyba najbardziej znany rodzaj rosyjskiego malarstwa ludowego. Jest to dekoracyjny obraz na drewnianych naczyniach i meblach, wykonany w tonacji czerwieni i czerni (rzadko zielonej) oraz złota na złotym tle. Zaskakujące jest to, że podczas malowania drzewa stosuje się nie złoto, ale srebrny proszek cyny. Następnie produkt jest powlekany specjalną kompozycją i przetwarzany trzy lub cztery razy w piecu. To właśnie wtedy pojawia się ten zachwycający miodowo-złoty kolor, dzięki któremu jasne drewniane naczynia wydają się masywne.
ZABAWKA BOGORODSKA
Kolorowe drewniane kury na stojaku, figurki kowali, mężczyzny i niedźwiedzia - pociągnij za drążek, a będą stukać młotkami w małe kowadło... Zabawne zabawki, znane na Rusi od niepamiętnych czasów, stały się głównym elementem ludowym rzemiosło dla mieszkańców wsi Bogorodskoje pod Moskwą.
„Zabawka Bogorodskaya” zawdzięcza swoje narodziny wsi Bogorodskoye, obecnie położonej w dzielnicy Siergijew Posad w obwodzie moskiewskim. W XV wieku słynny moskiewski bojar M.B. Pleshcheev, po którego śmierci wieś wraz z chłopami odziedziczył jego najstarszy syn Andriej, a następnie wnuk Fedor.
Od 1595 r. Wieś Bogorodskoje stała się własnością klasztoru Trójcy Sergiusza, a chłopi stali się poddanymi zakonnymi. To chłopi położyli podwaliny pod rzeźbę w drewnie w XVI-XVII wieku, która gloryfikowała Bogorodskoje, obecną „stolicę królestwa zabawek”, na cały świat.
MATRYOSZKA
Matryoszka to najsłynniejsza i najbardziej ukochana rosyjska pamiątka, fenomen na skalę światową. Pierwsza rosyjska lalka matrioszka pojawiła się pod koniec XIX wieku, mimo to zyskała bezprecedensowe uznanie jako jeden z wszechogarniających obrazów Rosji, symbol rosyjskiej sztuki ludowej. Poprzednikiem i pierwowzorem rosyjskiej lalki lęgowej była postać dobrodusznego, łysego starca, buddyjskiego mędrca Fukuruma, w którym było jeszcze kilka postaci zagnieżdżonych jedna w drugiej. Ta figurka została przywieziona z wyspy Honsiu. Nawiasem mówiąc, Japończycy twierdzą, że nieznany rosyjski mnich jako pierwszy wyrzeźbił taką zabawkę na wyspie Honsiu.
Rosyjska drewniana odłączana lalka nazywała się matrioszka. W przedrewolucyjnej prowincji imię Matryona, Matryosh było uważane za jedno z najczęstszych imion rosyjskich, które opiera się na łacińskim słowie „mater”, oznaczającym matkę. Imię to kojarzyło się z matką wielodzietnej rodziny, o dobrym zdrowiu i korpulentnej sylwetce. Następnie stało się słowem domowym i zaczęło oznaczać obracający się, kolorowo pomalowany drewniany produkt. Ale do dziś matrioszka pozostaje symbolem macierzyństwa, płodności, ponieważ lalka z dużą rodziną lalek doskonale wyraża symboliczną podstawę tego starożytnego symbolu ludzkiej kultury.
Pierwsza rosyjska lalka matrioszka, wyrzeźbiona przez Wasilija Zvezdochkina i namalowana przez Siergieja Maliutina, składała się z ośmiu sztuk: chłopiec podążał za dziewczyną z czarnym kogutem, potem kolejna dziewczyna i tak dalej. Wszystkie figurki różniły się od siebie, a ostatnia, ósma, przedstawiała owinięte w pieluszki niemowlę.
SZAL PUCHOWY ORENBURG
Podstawy sztuki użytkowej, dzięki której Orenburg stał się znany całemu światu, położyły kozackie żony pod koniec XVII wieku, kiedy rosyjscy pionierzy, zdobywając przyczółek na Uralu, nawiązali stosunki handlowe z miejscową ludnością.
Surowy klimat tych miejsc wymagał ciepłej, ale lekkiej odzieży. Kozaczki z łatwością przyjęły robótki ręczne z koziego puchu od Kazachów i Kałmuków. Tylko sposób robienia na drutach wśród mieszkańców stepu był ciągły, a żony Yaik zaczęły używać rosyjskich ozdób koronkowych.
PAWŁOPOSADSKI SZAL
Jasne i lekkie, kobiece szale Pavloposad są zawsze modne i odpowiednie. A dzisiaj oryginalne rysunki uzupełniają różne elementy, takie jak grzywka, stworzone w różnych kolorach i pozostają doskonałym dodatkiem do niemal każdego wyglądu.
Drukowane, wełniane i półwełniane szale Pavlovsky Posad, ozdobione tradycyjnymi kolorowymi nadrukami, powstały w mieście Pavlovsky Posad pod Moskwą w latach 1860-80. Obszar Pavlovsky Posad (terytorium dawnego powiatu Bogorodskiego) jest jednym z najstarszych rosyjskich ośrodków włókienniczych. W XVIII - pierwszej połowie XIX wieku. Bogorodskie szale i tkaniny sarafanowe wyróżniały się szczególnym pięknem ornamentu tkanego złotą nicią. Później szeroko rozpowszechniło się tu tkactwo jedwabiu, a od lat 60. XIX wieku. rozpoczęto produkcję szali wełnianych i półwełnianych, zdobionych kolorowymi nadrukami. Stopniowo produkcja rosła i nabierała wyraźnego charakteru narodowego.
Emalia ROSTOV
Emalia rostowska to wyjątkowe tradycyjne rzemiosło ludowe, które powstało w drugiej połowie XVIII wieku. jako ikonografia. W tej serii jest spokrewniony z Palechem, Mstyorą, Chołujem, tylko materiał jest dość rzadki - malowanie na emalii. „Szkliwo” pochodzi od greckiego rzeczownika tsEggpt (phengos), oznaczającego „migotanie”. Specjalne farby (wynalezione w 1632 r. przez francuskiego jubilera Jeana Tutina) na bazie szkła z dodatkiem tlenków metali nakłada się na podłoże metalowe (blacha stalowa, miedziana, srebrna, złota) i utrwala poprzez wypalanie w piecu. Emalia rostowska jest jednym z dziesięciu najlepszych rzemiosł ludowych w Rosji.
Gzhel to nazwa malowniczego regionu niedaleko Moskwy, oddalonego od Moskwy o 60 kilometrów. Słowo „Gzhel” jest dziś niezwykle popularne. Kojarzy się z pięknem harmonii, baśni i rzeczywistości. Porcelana z eleganckim niebieskim malowaniem i wielobarwną majoliką jest obecnie znana nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Produkty Gzhel przyciągają wszystkich, którzy kochają piękno, bogatą wyobraźnię i harmonię, wysoki profesjonalizm ich twórców. Gzhel jest kolebką i głównym ośrodkiem rosyjskiej ceramiki. Tutaj kształtowały się jego najlepsze cechy i manifestowały się najwyższe osiągnięcia sztuki ludowej.
Ile lat ma to rosyjskie rzemiosło ludowe? Badania archeologiczne na terenie Gzhel potwierdzają istnienie tu ceramiki od początku XIV wieku. I nie jest to zaskakujące, ziemia Gzhel od dawna jest bogata w lasy, rzeki, wysokiej jakości gliny… „których nigdzie nie widziałem o doskonałej bieli”. Od tego czasu, w swojej ponad sześciu wiekach historii, Gżel przeżywał różne okresy.
Koniec XIX - początek XX wieku stał się okresem głębokiego kryzysu. Wydawało się, że sztuka Gzhel została utracona na zawsze.
Okres powojenny wiąże się z początkiem odrodzenia rzemiosła i poszukiwaniem własnego języka figuratywnego. Zajęło to lata żmudnej i niestrudzonej pracy, szkolenia nowych mistrzów. W rezultacie doprowadziło to do sukcesu. Zastosowano zabawkę Dymkovo matrioszkę Gzhel
W 1972 r. powstało stowarzyszenie Gzhel, oparte na sześciu małych zakładach przemysłowych zlokalizowanych w kilku wsiach. Zespoły kreatywne opracowały nowe projekty. Powstały zupełnie nowe formy produktów. Obraz stał się bogatszy i odpowiada artystycznym wymaganiom współczesności.
TACKA TAGILI
Malowanie laką uralską na metalu powstało w XVIII wieku. w zakładach Niżny Tagil. Taca Tagil jest starsza niż ta Zhostovo. To Niżny Tagil jest uważany za miejsce narodzin rosyjskiego malarstwa metalowego. Uralscy hodowcy Demidovs, będący głównymi odbiorcami produktów malowanych, wspierali rzemiosło lakiernicze w każdy możliwy sposób. Malarstwa Tagil na metalu nie da się pomylić z żadnym innym: cechuje go bogactwo barw, czystość i elegancja w obróbce barw, kompletność kompozycji, wyrafinowana ligatura ornamentów.
Malarstwo Zhostovo to ludowe rzemiosło artystycznego malowania metalowych tac, istniejące we wsi Zhostovo, rejon Mytishchi, obwód moskiewski. Rzemiosło malowanych metalowych tacek powstało w połowie XVIII wieku. na Uralu, gdzie znajdowały się zakłady metalurgiczne Demidovów. Dopiero w pierwszej połowie XIX wieku. tace zaczęto produkować we wsiach prowincji moskiewskiej - Żhostow, Troitsky, Novoseltsevo. Rybołówstwo regionu moskiewskiego wkrótce stało się wiodącym.
Tace Zhostovo to obrazy, głównie z ornamentami roślinnymi, których twórcami byli zwykli rosyjscy chłopi. Wnieśli do malowania lakieru jasną radość kolorów, prostotę i zrozumiałość obrazów, dokładność cech, przejrzystość rysunku.
Malowanie odbywa się swobodnym pociągnięciem pędzla, bez wstępnego rysunku. Najczęściej używane czarne tło. Objętości kwiatów i liści wydają się wyrastać z głębi tła. Odbywa się to poprzez stopniowe przechodzenie od ciemnych tonów do jaśniejszych. Kwiaty na obrazie wydają się ożywać.
Nowoczesna technologia wytwarzania tacek niewiele różni się od tej stosowanej wcześniej przez mistrzów wsi Zhostovo. Cienką blachę żelazną prasuje się w pożądany kształt, krawędzie tacy zawija się w celu usztywnienia, a powierzchnię wyrównuje. Przednia powierzchnia tacy jest zagruntowana i szpachlowana, a następnie szlifowana i pokryta czarnym (rzadko w innym kolorze) lakierem. Blachy suszone są w piecach w temperaturze do 90 st. C. Lakierowanie wykonuje się trzykrotnie, po czym zabarwiona powierzchnia blaszki nabiera połysku.
FEDOSKINO
Miniatura Fedoskino , rodzaj tradycyjnego rosyjskiego malarstwa miniaturowego laki farbami olejnymi na papierze-mache, który ukształtował się pod koniec XVIII wieku. we wsi Fedoskino pod Moskwą.
Produkcja wyrobów z papieru-mache powstała w 1798 r., Kiedy kupiec P.I. Korobov zorganizował produkcję atutową we wsi Daniłkow, którą kupił (obecnie część Fedoskinu). Kilka lat później Korobov odwiedził fabrykę Johanna Stobwassera w Brauschweigu, zaadoptował tam technologię wyrobów z papier-mache i rozpoczął w swojej fabryce produkcję popularnych wówczas tabakierek, zdobionych rycinami naklejanymi na wieku, czasem malowanymi i lakierowanymi . W drugiej ćwierci XIX wieku tabakierki, paciorki, szkatułki i inne przedmioty zaczęto ozdabiać miniaturami malarskimi wykonanymi farbami olejnymi w klasyczny sposób malarski.
Mistrzowie pracowali w fabryce najemnie, wielu z nich pochodziło z pracowni malarstwa ikon Siergijewa Posada i Moskwy, niektórzy mieli wykształcenie artystyczne zdobyte w Szkole Stroganowa. Znane są nazwiska niektórych z nich - S. I. Borodkin, A. A. Shavrin, A. V. Tikhomirov, D. A. Krylov i inni.
Ulubionymi motywami malarstwa fiedoskińskich miniaturzystów były popularne w tym czasie tematy: „trojki”, „herbatki”, sceny z życia rosyjskiego i małoruskiego chłopa. Najbardziej cenione skrzynie zdobiły złożone, wielopostaciowe kompozycje - kopie obrazów artystów rosyjskich i zachodnioeuropejskich.
Miniatura Fedoskino wykonywana jest farbami olejnymi w trzech lub czterech warstwach – kolejno wykonywane jest malowanie (ogólny szkic kompozycji), pisanie lub przemalowywanie (opracowanie szczegółowe), lazurowanie (modelowanie obrazu farbami transparentnymi) i odblaski (dopełnienie pracować z jasnymi kolorami, które oddają odblaski na przedmiotach).
Miniatura Palekh nie ma odpowiedników na całym świecie. Jest wykonywany na papierze-mache i dopiero potem przenoszony na powierzchnię szkatułek o różnych kształtach i rozmiarach.
Osobliwa i delikatna sztuka miniatury lakowej Palecha opierała się na zasadach starożytnego rosyjskiego malarstwa i sztuki ludowej. Obecnie miniatura Palecha jest integralną częścią krajowej sztuki i rzemiosła w ogóle. Wraz z rozwojem starożytnych tradycji niesie ze sobą poetycką wizję świata, charakterystyczną dla rosyjskich podań i pieśni ludowych.
Narodziny tej sztuki w Palechu nie są przypadkowe. Było to naturalną konsekwencją rozwoju wielowiekowych tradycji w nowych warunkach historycznych, odziedziczywszy kunszt wielu pokoleń malarzy ikon. Stare doświadczenie Palecha jest bogate i różnorodne. Od niepamiętnych czasów w Palechu badano i zachowywano tradycje starożytnej sztuki rosyjskiej.
Niezależny styl malowania ikon Palekh powstał dopiero w połowie XVIII wieku. Wchłonął i rozwinął podstawowe zasady i elementy szkoły nowogrodzkiej i stroganowskiej oraz malarstwa nadwołżańskiego drugiej połowy XVII wieku. W XVII-XIX wieku mistrzowie Palecha wielokrotnie realizowali zamówienia na ikony w stylu nowogrodzkim lub w charakterze moskiewskiego fryaza.
Wniosek
Umiejętność wydobycia walorów estetycznych materiału zawsze wyróżniała rosyjskich mistrzów, co przejawiało się we wszystkich sferach życia, od życia codziennego po architekturę, gdzie kunszt wyrażał się w sztuce cięcia kamienia.
Rozkwit sztuki jubilerskiej w Rosji rozpoczyna się w połowie XVIII wieku i trwa przez całe stulecie.
W tym okresie złotnicy odnieśli wielki sukces. Zgodnie z nowymi gustami formy srebrnych zestawów są proste i czytelne. Zdobione są fletami, antycznymi ornamentami. Na srebrnych kieliszkach i tabakierkach mistrzowie Veliky Ustyug odtwarzają z rycin obrazy starożytnych scen, zwycięstw wojsk rosyjskich.
Wyjątkowym fenomenem w sztuce użytkowej XVIII wieku są wyroby stalowe mistrzów z Tuły: meble, szkatułki, świeczniki, guziki, sprzączki, tabakiery.
Rozkwit rosyjskiej sztuki użytkowej XVIII wieku wiązał się z twórczością architektów Kazakowa, Starowa, Quarenghiego, Camerona, Woronikhina i wielu wykształconych artystów ludowych. Ale jego prawdziwą chwałę stworzyli w większości pozostali nieznani rzemieślnicy pańszczyźniani - meblarze, rzeźbiarze, tkacze, kamieniarze, jubilerzy, szklarze, ceramicy ....
Literatura
Historia sztuki rosyjskiej. Redaktorzy zarządzający I.A. Bartenev, RI Własowa - M., 1987
Historia sztuki rosyjskiej. wyd. TJ. Grabar. V. 1-12 (działy rzemiosł artystycznych). M.: 1953-1961
Rosyjska sztuka i rzemiosło. wyd. sztuczna inteligencja Leonowa. T. 1-3. M.: 1962-1965
Rybakow B.A. Rosyjska sztuka użytkowa X-XIII wieku. Ł.: 1971
Wasilenko V.M. Rosyjska sztuka użytkowa. Geneza i formacja. I wiek PNE. - XIII wiek. OGŁOSZENIE M.: 1977
Hostowane na Allbest.ru
...Podobne dokumenty
Tradycje wytwarzania wyrobów artystycznych. Wyroby artystyczne z kory brzozowej. Bogorodsk rzeźbiona zabawka. Abramtsevo-Kudrinskaya lub rzeźba w drewnie Khotkovskaya. Malowanie lakierem Palekh i Fedoskino. Prawdziwa rosyjska piękność to matrioszka.
streszczenie, dodano 24.06.2009
Etnografia oraz sztuka i rzemiosło Ałtajów końca XIX - początku XX wieku. Jubilerstwo i obróbka metali. Obróbka filcu i miękkich materiałów tekstylnych. Sztuka dekoracyjna i użytkowa Kazachów. Charakterystyka rzemiosła ludowego.
praca semestralna, dodano 06.07.2014
Architektura XVIII wieku. Rzeźba z XVIII wieku. Malarstwo pierwszej połowy XVIII wieku. Malarstwo drugiej połowy XVIII wieku. Rycina z pierwszej połowy XVIII wieku. Rycina z drugiej połowy XVIII wieku. Sztuka użytkowa pierwszej połowy XVIII wieku.
praca semestralna, dodano 26.10.2002
Okres zderzenia wzajemnie wykluczających się aspiracji artystycznych w XVII-XVIII wieku. Manifestacja cech sztuki świeckiej w rosyjskim malarstwie ikonowym. Otwarcie pracowni malowania ikon w Zbrojowni na Kremlu. Malarstwo freskowe, gatunek historyczny.
prezentacja, dodano 25.12.2013
Sztuka dekoracyjna i użytkowa. Sekret orientalnej porcelany. Wygląd fajansu i majoliki. Ceramika w Rosji. Ceramika ludowa. Gzhel, zabawka Dymkovo. Produkcja zabawek na początku XIX wieku. Kierunki ceramiki rosyjskiej.
prezentacja, dodano 18.12.2014
Ceramika i zabawki Skopino, historia rozwoju. Ceramika sezonowa na lokalnych glinach czerwonych we wsiach powiatu kargopolskiego. Zabawki Dymkovo, Vyatka i Kirov, jego najczęstsze wątki. Sztuka rzemieślniczek Filimonowa.
streszczenie, dodano 15.06.2012
Kierunki rozwoju malarstwa rosyjskiego, opanowanie perspektywy linearnej przez artystów. Rozpowszechnienie technik malarstwa olejnego, pojawienie się nowych gatunków. Szczególne miejsce dla portretu, rozwój nurtu realistycznego w malarstwie rosyjskim XVIII wieku.
prezentacja, dodano 30.11.2011
Sztuka i rzemiosło ludowe. Sztuka i rzemiosło ludowe. Robienie ceramiki. Zabawka Czernyszynskiego. Jak starożytna zabawka ożyła. Wystawa zabawek ludowych. Jak rodzi się piękno. Twórczość Evdokii Ilyinichna Lukyanova.
test, dodano 21.08.2008
Analiza twórczości rosyjskich malarzy końca XVIII wieku: Rokotowa, Lewickiego, Borowikowskiego. Najwybitniejsi przedstawiciele malarstwa rosyjskiego XIX wieku: Kiprensky, Tropinin, Venetsianov, Bryullov, Fedotov, Ivanov. Zmiany w technologii i rozwój gatunku portretowego.
praca semestralna, dodano 21.09.2012
Czas rozkwitu świadomości społecznej i myśli społecznej, rozkwitu sztuki. Obrazy rosyjskich artystów - Rokotowa, Lewickiego, Borowikowskiego, Łosenko, Szibanowa. Przewaga kierunku realistycznego, historycznego, pejzażowego, codziennego.
W ramach obchodów 35-lecia Wszechrosyjskie Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej otwiera odnowioną stałą wystawę „Sztuka dekoracyjna i użytkowa Rosji w XVIII - pierwszej tercji XIX wieku”.
„Piotr Wielki rzucił Rosji wyzwanie, a ona odpowiedziała mu Puszkinem” – hasło A. N. Hercena najdokładniej określa znaczenie i granice epoki, której poświęcona jest ekspozycja tych sal. Prezentowane tu obiekty to żywe kamienie milowe, które zaznaczyły kształtowanie się i rozkwit kultury rosyjskiej na łonie europejskiej tradycji kulturowej czasów nowożytnych. Przedstawiają zmiany w sposobie życia i orientacjach artystycznych, przemiany starych i powstawanie nowych form tematycznych, technik, a nawet rodzajów sztuki zdobniczej i użytkowej.
Projekt nowej ekspozycji opiera się na zasadzie eksponowania eksponatów jako unikatowych obiektów artystycznych, które łączą się w bloki tematyczne, stylistyczne i typologiczne. Decyzja ta pozwala ocenić wartość każdego przedmiotu pod względem czasu, stylu, rozwoju określonego rodzaju sztuki zdobniczej i użytkowej oraz skupia się na jego wartości artystycznej samej w sobie.
Scenariusz oględzin budowany jest w oparciu o rozwiązanie przestrzenne ekspozycji, nie tylko pod względem treściowym (pod względem typologii, tematyki, stylu i chronologii), ale także wizualnej – od czasów Piotra Wielkiego do Biedermeieru.
Terrina (waza) z pokrywką 1795
Tematami przewodnimi nowej ekspozycji są: „Wiek Przemian: Przełom XVII-XVIII wieku”, do którego dołączają tzw. czas w formach sztuki tradycyjnej; „Klasycy rosyjscy XVIII wieku”, reprezentujący epokę od Piotra do Pawła w wybitnych przykładach sztuki dworskiej, a także „Imperium rosyjskie” i „W pokojach”, ukazujące dwa oblicza kultury rosyjskiej pierwszej tercji XIX wieku wieku – genialny styl imperialny i kształtowanie się kultury życia prywatnego, skorelowane z niemieckim fenomenem biedermeieru. Jednocześnie ekspozycja umożliwia oglądanie prac w zwykły sposób - według rodzaju sztuki, z wyróżnieniem mebli, metalu artystycznego, szkła, porcelany, ceramiki, sztuki kamieniarskiej, kości i koralików.
Na szczególną uwagę zasługują tak unikatowe przedmioty sakralne, jak Krzyż Relikwiarz i Panagia, które pochodzą z XVII wieku. Wykonano je kosztowną wówczas techniką - emalią na filigranie. Do najwcześniejszych eksponatów należą skrzynie z metalowymi okuciami i ozdobnymi wykończeniami, kałamarze, uralskie naczynia mosiężne z XVII - początku XVIII wieku. Mosiężne kubki z fabryki Demidov na Uralu są uderzającym przykładem reprezentatywnych ceremonialnych metalowych przyborów do nakrywania stołu.
Elementy nakrycia stołu i elementy do serwowania zostały następnie wykonane przy użyciu różnych technik. Na przykład dwa szklane, ciemnoniebieskie kielichy z monogramami „EML” i „WGS”, produkowane przez Cesarską Hutę Szkła, są rzadkim przykładem przedmiotów malowanych z przełomu XVIII i XIX wieku. Łacińskie monogramy na kielichach należą do posła szwedzkiego do Rosji w 1793 roku, Wernera Gottloba von Schweniera – „WGS” – i jego matki Ebbe Marii Lagerbring – „EML”. Puchary były przechowywane przez ponad dwa stulecia w zamku Skarhult w Skanii (Szwecja), będąc rodzinnym skarbem.
Na ekspozycji prezentowane będą unikatowe próbki ruskiego wyposażenia pałacowego XVIII-XIX w., wśród których na szczególną uwagę zasługują wykonane w technice intarsji stoły szachowe i karciane. Wśród eksponatów mebli typowych dla pierwszej połowy XIX wieku zwracają uwagę dwie rzadko spotykane jakościowo prowadnice typu jacobskiego. Z tego samego okresu pochodzą również dwa fotele, zaprojektowane przez Osipa Iwanowicza Bove. Interesujące są zegary kominkowe Minin i Pozharsky, wykonane przez paryskiego brązownika Pierre-Philippe'a Thomire'a oraz odtwarzający w formacie wnętrz słynny pomnik Ivana Martosa, stojący na Placu Czerwonym.
Bove I.O. Fotel Pierwsza ćwierć XIX wieku
Szczególne miejsce w ekspozycji zajmuje gobelin „Na ratunek rybakom”, który powstał we Flandrii w nieznanym warsztacie w drugiej połowie XVII – na początku XVIII wieku. Do VMDPNI weszła w 1999 roku ze zbiorami Muzeum Sztuki Ludowej. S. T. Morozowa. Fabuła gobelinu została zapożyczona z Biblii: pośrodku kompozycji przedstawiony jest jeden z cudów - „Chodzenie po wodach”. Gobelin był restaurowany w kilku etapach - częściowo odrestaurowali go specjaliści z Muzeum Sztuki Ludowej. S. T. Morozowa, a już w 2014 roku konserwatorzy Wszechrosyjskiego Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej zakończyli kompletną renowację. Tym samym arras zyskał nowe życie i po raz pierwszy zostanie zaprezentowany na wystawie.
W odpowiednich działach tematycznych prezentowane są oprawy oświetleniowe wykonane ze szkła i kryształu, elementy wyposażenia wnętrz wykonane z porcelany i brązu z przełomu XVIII i XIX wieku. Każdy eksponat jest wzorcowym przykładem określonego stylu, oddaje ducha swoich czasów i prezentuje możliwości umiejętności artystycznych i technicznych.
Takie rozwiązanie przestrzenne ekspozycji pozwoli muzeum na jak najefektywniejszą i najciekawszą organizację wycieczek i programów specjalnych. Najciekawsze i najbardziej znaczące eksponaty zostaną opatrzone rozbudowanymi adnotacjami, a także kodami QR, dzięki którym zwiedzający będą mogli uzyskać bardziej szczegółowe informacje. Ekspozycja wyposażona jest w nowoczesny system oświetlenia. Dzięki dużej interaktywności nowa ekspozycja zapowiada się żywsza i ciekawsza, a także sprzyjająca twórczemu dialogowi ze zwiedzającymi, zwłaszcza z odbiorcami dziecięcymi i młodzieżowymi.
