Motywy religijne są dość popularne wśród współczesnych Rafaela. Jednak główna różnica między tym obrazem a podobnymi to pełnia żywych emocji, połączona z dość prostą fabułą.

Kompozycja

W centrum uwagi znajduje się kobieca postać Madonny trzymającej w ramionach małego synka. Twarz dziewczyny jest pełna smutku, jakby z góry wiedziała, co czeka jej syna w przyszłości, ale dziecko, wręcz przeciwnie, pokazuje jasne, pozytywne emocje.

Dziewica z nowonarodzonym Zbawicielem w ramionach nie chodzi po podłodze, ale po chmurach, co symbolizuje jej wniebowstąpienie. Przecież to ona przyniosła Błogosławieństwo ziemi grzeszników! Twarz matki z dzieckiem w ramionach jest jasna i przemyślana w najdrobniejszych szczegółach, a jeśli przyjrzysz się twarzy dziecka, możesz zauważyć dorosły wyraz twarzy, pomimo jego bardzo młodego wieku.

Przedstawiając Boskie dziecko i jego matkę jak najbardziej po ludzku i prosto, ale jednocześnie chodząc po chmurach, autor podkreślił fakt, że niezależnie od tego, czy jest to boski syn, czy ludzki, wszyscy rodzimy się tacy sami. W ten sposób artysta przekazał ideę, że tylko dzięki prawym myślom i celom można znaleźć dla siebie odpowiednie miejsce w Niebie.

Technika, wykonanie, techniki

Światowej klasy arcydzieło, ten obraz zawiera rzeczy całkowicie nie do pogodzenia, takie jak ludzkie śmiertelne ciało i świętość ducha. Kontrast uzupełniają jasne kolory i wyraźne linie detali. Nie ma zbędnych elementów, tło jest blade i zawiera wizerunki innych duchów światła lub śpiewających aniołów za Madonną.

Obok kobiety i dziecka ukazani są święci, którzy kłaniają się Zbawicielowi i jego matce – arcykapłanowi i świętej Barbarze. Ale wydają się podkreślać równość wszystkich postaci na obrazie, pomimo klęczącej postawy.

Poniżej znajdują się dwa zabawne anioły, które stały się prawdziwym symbolem nie tylko tego obrazu, ale całej twórczości autora. Są mali, a zamyślonymi minami z samego dołu obrazu obserwują to, co dzieje się w życiu Madonny, jej niezwykłego syna i ludzi.

Obraz wciąż budzi wiele kontrowersji wśród ekspertów. Na przykład fakt, że nie ma zgody co do liczby palców na dłoni papieża, jest uważany za bardzo interesujący. Niektórzy widzą na zdjęciu nie pięć, ale sześć palców. Ciekawe jest również to, że według legendy artysta namalował Madonnę od swojej kochanki Margherity Luti. Ale z kim narysowano dziecko, nie wiadomo, ale istnieje możliwość, że autor namalował twarz dziecka od osoby dorosłej.

Napisano ogromną liczbę książek, utworów muzycznych na temat Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, nakręcono wiele filmów.
Ten temat jest naprawdę niewyczerpany, ponieważ zmienił życie kilkudziesięciu milionów ludzi, podzielił je na „przed” i „po”.

Niestety nie wszystkie matki, żony i córki czekały na swoich synów, mężów, ojców z frontu, z pól bitewnych.
Uważam, że tylko niewielka część bólu i cierpienia, jakie ludzie musieli znosić w tamtych latach, może być oddana w obrazach lub za pomocą innych środków artystycznych.

Jeden z tych losów stał się podstawą obrazu V. Igosheva „Ona wciąż czeka na syna”.
Przedstawia starszą kobietę stojącą przy otwartej bramie swojego starego domu.
Jej oczy są pełne tęsknoty, smutku, oczekiwania, cierpienia.
Myślę, że była w tej pozycji przez długi czas.
Kobieta codziennie udaje się w to miejsce w nadziei, że jej ukochany syn wróci żywy i cały.
Niezmiennie patrzy w dal, ale niestety cud się nie zdarza.
Być może sama rozumie, że nie ma sensu cierpieć i czekać, ale nie może się powstrzymać.
Na tym sprowadza się cały sens jej powojennego życia.

Za babcią jest dom z czystym, otwartym oknem.
Na parapecie są kwiaty, a opaski są pomalowane na niebiesko.
Kobieta stara się jak może, aby utrzymać ją w dobrym stanie, jednak z roku na rok staje się to dla niej coraz trudniejsze.
Obok okna autor namalował cienkie, białe brzozy, jakby przypominając nam, że trzeba żyć dalej, bez względu na wszystko.

Mimo tragizmu obrazu kobieta ukazana jest w białej bluzce i szaliku oraz czarnej spódnicy.
Spod chusty widzimy siwe włosy bohaterki.
Jej twarz jest pomarszczona, a oczy zmrużone.
Możemy się tylko domyślać, jakie myśli nawiedzają w tej chwili jej siwowłosą głowę.
Może pamięta, jak jej syn poszedł na front, jak dorastał… W każdym razie myśli jej tylko o jednym – o własnym, jedynym dziecku, którego już nigdy nie zobaczy.

Władimir Jegorowicz Makowski (1846-1920) urodził się w rodzinie o bogatych tradycjach kulturowych. Jego ojciec, E. I. Makovsky, był jednym z założycieli słynnej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury w Moskwie, z której wywodziło się wielu wybitnych mistrzów sztuki.

W domu rodziców często gromadzili się ludzie, którzy byli już znani ze swojego wkładu w sztukę - kompozytor M. I. Glinka, pisarz N. V. Gogol, aktor M. S. Shchepkin, artyści K. P. Bryullov, V. A. Tropinin i inni . Matka Władimira Jegorowicza grała i śpiewała. Nic więc dziwnego, że dzieci, które dorosły

w atmosferze sztuki – oprócz Włodzimierza w rodzinie było jeszcze dwóch synów i dwie córki – z czasem stali się też ludźmi kreatywnymi. Wszyscy trzej bracia zostali artystami, a ich młodsza siostra Maria została piosenkarką. Sam Władimir Jegorowicz również miał piękny głos odziedziczony po matce, grał na gitarze i skrzypcach. Chłopiec zainteresował się rysowaniem w młodym wieku, a później zainteresowanie to przerodziło się w biznes na całe życie.

Pierwsze lekcje rysunku dał Vladimirowi Makovsky'emu słynny artysta V. A. Tropinin. Makovsky studiował u niego później, stając się studentem Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Młody człowiek ukończył tę placówkę edukacyjną ze srebrnym medalem.

W swojej pracy Makovsky przypisał znaczące miejsce zwykłym ludziom. Artysta najczęściej brał wątki do obrazów z życia, wybierając takie momenty, w których charaktery i relacje między ludźmi ujawniały się najdobitniej. Kiedy w 1873 r. Makovsky otrzymał tytuł akademika za obraz „Kochankowie Sołowiowa”, a obraz był wystawiany na Wystawie Światowej w Wiedniu, pisarz F. M. Dostojewski opisał to następująco: „… na tych małych obrazkach, w moim zdaniem, istnieje nawet miłość do ludzkości, nie tylko do Rosjan w szczególności, ale nawet w ogóle.

Makovsky był aktywnym uczestnikiem, a nawet został wybrany członkiem zarządu Stowarzyszenia Objazdowych Wystaw Artystycznych, które miały na celu udostępnianie sztuki szerokiej publiczności. Wykładał w Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury w Moskwie, następnie w Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, później został jej rektorem. Stworzył kilka szkiców do malowania Soboru Chrystusa Zbawiciela w Moskwie. Wśród uczniów V. E. Makovsky'ego są artyści A. E. Arkhipov, V. N. Baksheev, E. M. Cheptsov.

Podobnie jak większość dzieł Makowskiego, obraz „Matka zastępcza i kochana” jest oparty na prawdziwych wydarzeniach. Obraz nabył samarski kupiec Szichobałow, filantrop i przyjaciel Makowskiego. Przez pewien czas płótno znajdowało się w kolekcji Szichobałowa, a po rewolucji 1917 r. Kolekcja ta trafiła do funduszu Muzeum Miejskiego w Samarze. Teraz jest to Muzeum Sztuki Samara, obraz nadal tam jest.

Sam autor obrazu powiedział Shikhobalovowi, że wydarzenie przedstawione na zdjęciu miało miejsce w rodzinie jego znajomego artysty. Ta rodzina adoptowała kiedyś chłopca, syna prostej wieśniaczki, i wychowała go jak własnego syna. Ale pewnego dnia pojawiła się własna matka dziecka i zażądała swoich praw do syna.

Zdjęcie emocjonalnie oddaje moment, w którym pojawia się ta kobieta. Rodzina właśnie siedziała przy stole. Służący, wystrój pokoju, ubrania członków rodziny jednoznacznie świadczą o materialnym bogactwie. Stół nakryty jest białym obrusem, stoją na nim drogie naczynia. Okna mają jasne białe zasłony i ciężkie draperie od sufitu do podłogi. Na jednej ze ścian, za plecami przybyłej wieśniaczki, wiszą obrazy. Przybrani rodzice chłopca są elegancko ubrani: ojciec w ciemnym garniturze, matka w białej sukni z dużym kołnierzem obszytym bujną falbanką. Oprócz przybranych rodziców, chłopca i własnej matki, w głębi sali stoi starsza kobieta w białym czepku i lekkiej sukience, na którą narzucony jest duży czarny szal - prawdopodobnie jest to niania dziecka .

Artystka barwnie przedstawiła szok, jaki przeżyła przybrana matka i niania, a także samo dziecko. Niania złożyła ręce, przybrana matka konwulsyjnie przyciska do siebie dziecko. A sam chłopiec, sądząc po tym, jak przylgnął do swojej przybranej matki iz niedowierzaniem, nieśmiałością patrzy na własną matkę, najwyraźniej nie ma ochoty wychodzić z domu, który uważał za swój. I tu nie chodzi tylko o dobrobyt, choć oczywiste jest oczywiście, że chłopiec jest dobrze odżywiony i ubrany. Przy stole stoi wiklinowy fotel z serwetką - podobno to zwykle miejsce chłopca przy stole. Pewnie ma swój pokój i zabawki, których wiejskie dzieci nawet nie widziały. Ale najważniejsze jest to, że chłopiec jest tutaj kochany, stał się rodzimy dla tych ludzi, którzy się nim opiekują. I przyzwyczaił się do nich i zakochał się w nich, uważał ich za swoich rodziców. Nie wiadomo, czy pamięta swoją biologiczną matkę; sądząc po sposobie, w jaki przylgnął do swojej przybranej matki, jest mało prawdopodobne, aby ta kobieta, która nagle pojawiła się w domu, była dla niego po prostu czyjąś ciotką, nie jest jasne, dlaczego chce go odebrać i zabrać nikt wie gdzie.

Wieśniaczka, matka dziecka, nie wydaje się specjalnie zawstydzona, bo włamała się do cudzego domu, kiedyś zostawiła syna, a teraz tak naprawdę wdziera się w jego szczęśliwe życie, brutalnie je przerywa. Nie wiadomo, co skłoniło ją do przyjścia po dziecko. Jej twarz nie wyraża żadnych uczuć do syna - jedynie presję i pewność, że ma prawo go zabrać.

Przeciwwagą dla konsternacji przybranej matki i samego dziecka jest stanowczość ojca. Pali cygaro, spokojnie patrząc na kobietę, która wpadła do jego domu. Nie zamierza się jej poddać. Prawdopodobnie zamierza zaoferować jej pieniądze, aby nie przeszkadzała już jego rodzinie. Przyszła też po chłopca, być może w nadziei, że teraz, gdy dorośnie, zacznie dla niej pracować.

Własna matka chłopca nie jest bogato ubrana. Ubrana jest w ciemną odzież wierzchnią, spod której widać rąbek brązowej spódnicy i długi fartuch w pstrokate paski, noszony przez wieśniaczki. Na głowie zawiązana czerwona chusta. W jednej ręce kobieta trzyma małą torebkę z rzeczami, w drugiej kartkę papieru, najwyraźniej dokument potwierdzający jej prawo do dziecka.

Możesz odgadnąć, jak wydarzenia potoczą się dalej. Dziecko pozostanie w rodzinie, wieśniaczka, która go opuściła, weźmie pieniądze zaoferowane przez przybranego ojca i odejdzie. Ale spokój i cisza ludzi mieszkających w tym domu jest nadal zniszczona. Kobieta, która wychowała dziecko, jest przyzwyczajona do uważania go za swojego, boi się na myśl, że zostanie jej odebrany. Być może dziecko nawet nie podejrzewało, że jego ojciec i matka nie są jego krewnymi. Jak długo potrwa, zanim opadnie mentalna burza, spowodowana pojawieniem się czyjejś ciotki, która nazywa siebie jego matką?

Nie sposób nie przyznać, że artysta umiejętnie ukazał najgłębsze przeżycia ludzi, których uchwycił w dramatycznym dla nich momencie.

Słowniczek:

- esej oparty na obrazie Makovsky'ego dwie matki

- opis obrazu w Makovsky dwie matki, przybrana matka i rodzima

- Makovsky opis dwóch matek na zdjęciu

– Ekspozycja dwóch matek

- Makovsky dwie matki

Inne prace na ten temat:

1. W 1883 roku Władimir Makowski maluje słynny obraz „Data”. Na pierwszy rzut oka, na podstawie nazwy, może się wydawać, że na płótnie jest coś romantycznego, może...
2. Jakie miejsce wśród naszych krewnych, przyjaciół, znajomych zajmuje matka - to problem, który rozważa I. F. Goncharov. Znany rosyjski nauczyciel przekonuje nas, czytelników, o ...
3. Wiele dzieł V.E. Makovsky'ego świadczy o jego zainteresowaniu „małym człowiekiem”. Przypominał widzowi o ludzkiej niesprawiedliwości, o „poniżanych i obrażanych”. Współczujący życiu...
4. Artyści, którzy tworzyli swoje arcydzieła w latach 60. i 70. XIX wieku, starali się przekazać w swoich pracach rewolucyjny nastrój panujący wówczas w Rosji. Pośród wielu...
5. Vladimir Yegorovich Makovsky to wspaniały artysta, niezrównany mistrz scen rodzajowych. Od dzieciństwa młody Makovsky był otoczony kreatywnymi ludźmi, ponieważ jego ojciec był jednym z ...

Olga SKURATOW,
nauczyciel w szkole nr 199 w Moskwie

Borys Michajłowicz Niemenski – artysta i wojownik

Borys Michajłowicz Niemenski - Artysta Ludowy Rosji, uczestnik Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, członek korespondent Rosyjskiej Akademii Sztuk, członek rzeczywisty Rosyjskiej Akademii Edukacji, kierownik katedry sztuk plastycznych i pedagogiki artystycznej, profesor, laureat Państwowej Nagrody im. Nagrody i Nagrody Prezydenta Federacji Rosyjskiej, twórcy innowacyjnego systemu powszechnej edukacji artystycznej, Komandora Orderu „Obrońca Sprawiedliwości” za wielki wkład w działalność oświatową, wychowawczą i kulturalną na rzecz Rosji, przyznane przez Rada Narodów Zjednoczonych ds. Nagród Publicznych.

Prace B.M. Niemenskiego znajdują się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskim, a także w innych rosyjskich i zagranicznych muzeach, zdobią prywatne kolekcje w Niemczech, Anglii, Francji, Japonii.

Pierwsze kroki

Borys Michajłowicz Niemenski urodził się 24 grudnia 1922 roku w Moskwie. Jego matka, Wiera Siemionowna, była dentystką, a ojciec, Michaił Iljicz, był finansistą, który po rewolucji przez długi czas pracował w Radzie Komisarzy Ludowych. Ci wybitni ludzie wnieśli w życie swojego syna niesamowite połączenie dwóch kultur: naród rosyjski przyszedł przez matkę - córkę wiejskiego księdza, miasto Raznochinnaya przez ojca - młodego mężczyznę z Presnyi. To w rodzinie rozpoczął się złożony proces kształtowania osobowości artysty.

Całe życie Borysa Niemenskiego jest związane z Moskwą. Na Sretence w sercu stolicy spędził dzieciństwo. Tutaj stawiano pierwsze kroki w świat sztuki w pracowni Pałacu Pionierów, prowadzonej przez młodego utalentowanego artystę i nauczyciela A.M. Michajłow. Entuzjazm tej osoby, jego entuzjazm do wprowadzenia studentów pracowni w kreatywność były wielkie: spotkania i rozmowy ze znanymi artystami, pierwsza wystawa prac w Galerii Trietiakowskiej i wiele innych pozostawiło niezatarty ślad w duszach chłopaków, wpłynęło na dalszy wybór drogi życiowej. Rodzice Borysa Michajłowicza uważnie, choć z pewnym niepokojem, podążali za pasją syna. Po pewnych wątpliwościach co do słuszności obranej drogi, spotkaniu z K. Yuonem, ojciec poradził synowi, aby poszedł do szkoły artystycznej ku pamięci 1905 roku. W 1940 roku Borys Niemenski został od razu przyjęty na trzeci rok.

Z przodu

Wszelkie plany na spokojne życie pokrzyżowała wojna. Młody artysta został zmuszony do ukończenia Szkoły Artystycznej już podczas ewakuacji w Saratowie, w 1942 roku. Ale młody człowiek nie skorzystał z kierunku kontynuowania studiów w Instytucie Surikowa, ewakuowany do Azji Środkowej, wrócił do rodzinnego miasta. W Moskwie żołnierz Nemensky został powołany do służby w Pracowni Artystów Wojskowych im. M.B. Grekow. Artyści z tego studia szli na front, wykonywali szkice z natury na polach bitew w samym środku wojny. Żadna znacząca operacja wojskowa nie była kompletna bez udziału artystów studyjnych. Ich szkice, szkice, obrazy brały udział w wystawach objazdowych organizowanych w oddziałach. Większość z tych dzieł nie zachowała się, a te, które przeżyły, znajdują się w rosyjskich muzeach i kolekcjach prywatnych.

Pierwsze miesiące służby w pracowni Grekowa nie były dla młodego człowieka łatwe. W końcu sztuka jest własnym sądem o życiu, a on jeszcze nie znał tego życia. Trudno jest zabrać się do pracy, naprawdę się sprawdzić, oceniając front tylko z opowiadań i prac starszych towarzyszy. Młodemu artyście w ogóle się nie powiodło, często wzywano go na „dywan” do władz, pojawiała się nawet kwestia wyrzucenia z pracowni.

Pierwsza podróż służbowa wypadła w przededniu 1943 r. na Front Kaliniński w rejonie Wielkich Łuk. Młodzieńczy maksymalizm wzywał na linię frontu, tam, gdzie toczyły się walki, gdzie, jak się wydawało, działo się „prawdziwe”. Z tej podróży Borys Michajłowicz przywiózł szkice i szkice, ale według samego autora zagubiły się one wśród prac bardziej doświadczonych pracowników studia. Jednak obfitość wrażeń, ciągła praca z naturą, umiejętność uczenia się od starszych towarzyszy zrobiła swoje: etiudy i rysunki za każdym razem stawały się poważniejsze, bardziej kompetentne.

Wiele lat później artysta B.M. Nemensky będzie żałował, że za militarną „egzotyką” ataków i bitew początkowo nie widział najważniejszego - żołnierza, prostego człowieka w płaszczu, który decydował o losie zwycięstwa, jego wewnętrznym świecie, uczuciach, myślach . I to właśnie ta główna rzecz z każdą kolejną wyprawą na front będzie coraz głębiej wypełniać myśli i serce artysty, a wtedy będzie jednym z najważniejszych tematów jego twórczości. To właśnie front stanie się dla mistrza „szkołą życia i sztuki”, pomagając lepiej zrozumieć ludzi i samego siebie, stawiać nowe odważne kroki w zawodzie.

Artyści od czasu do czasu wracali z regularnych oddziałów do dowództwa linii frontu - Domu Oficerskiego im. Monińskiego pod Moskwą - aby przekazać gotowe prace i wymienić się doświadczeniami. W ciągu tych tygodni młody artysta próbuje swoich sił w malarstwie sztalugowym, szuka własnego stylu, pracuje nad pomysłem. Pomysł na pierwsze zdjęcie (moment przenoszenia rannego pilota przez sanitariuszy) i jego realizacja zajęła około miesiąca. Już po wojnie Borys Michajłowicz przypomni sobie, że chęć zrobienia „wszystko jest w porządku” w rozwiązaniu kompozycyjnym i obrazowym, „prawdy faktu”, podyktowana wymogami wojny, przyćmiła „pojemność treści”.

Wraz ze swoim przyjacielem Michaiłem Gawriłowem podejmuje nową próbę: rodzi się pomysł namalowania płótna o deportacji ludności radzieckiej do Niemiec. Ale ostatecznie współautorzy opuścili pracę, zdając sobie sprawę, że obraz okazuje się nieciekawy i mało wyrazisty. Narodziła się nowa, bardziej znana fabuła - „Powrót do swoich rodzinnych miejsc”. Radość tworzenia i gorycz rozczarowania nie raz nawiedzą Borysa Niemenskiego. W tym okresie zaczyna docierać do nas świadomość, że w sztuce jest mało wiedzy i zrozumienia, potrzeba czegoś więcej - własnych przeżyć, własnego bólu i radości.

Wiele lat później to prawo stanie się głównym w nowym systemie edukacji estetycznej, który B.M. Niemenski. „Nie można pożyczyć ani grama uczucia: w końcu każdy obraz jest wyznaniem. Autentyczność uczuć musi w nim żyć, inaczej chłód załatwi, w najlepszym razie, tylko przysmak profesjonalizmu, fajerwerki.

Wiosna Zwycięstwa

Cała sytuacja frontowa i wewnętrzne nastroje uczestników wydarzeń wymagały prawdy i przekonywania, co nakładało na artystę wojskowego szczególną odpowiedzialność, którego twórczość była poszukiwana i rozumiana w trudnych czasach, kiedy wydawałoby się, że Muzy powinny były milczeć. "Pamiętam, że kiedyś siedziałem cały dzień w głębokim i miękkim fotelu, stojąc na samym środku jednej z ulic prowadzących do centrum Berlina. Na skrzyżowaniu toczyła się bójka... Po obu stronach ulicy, jak dwa długie kominy wulkaniczne tworzyły nieprzenikniony, brzęczący namiot nad ogniem i dymem. A po ulicy chodzili tam iz powrotem, biegali żołnierze z nabojami, wynosząc rannych, ruszający się sprzęt. Gdy posuwaliśmy się naprzód i płonące domy zawalały się, bojownicy ciągnęli moje krzesło coraz dalej i dalej. „Tutaj, no dalej, żołnierzu, naszkicuj, jak pali się legowisko Hitlera, tego właśnie potrzebują!” (1-6)

(1)

(2)

(3)

(4)

(5)

(6)

8 maja 1945 r. - koniec wojny... Radując się, wszędzie grupki żołnierzy radzieckich świętujących długo oczekiwane zwycięstwo, fajerwerki z karabinów maszynowych... A na Bramie Brandenburskiej, wspinając się po drabinach szturmowych, artysta w żołnierskim mundurze Płaszcz siedzi i rysuje miasto wciąż dymiące miejscami, starając się uchwycić i uchwycić w kolorze niesamowite uczucie bolesnej radości ze zwycięstwa. Ten szkic niestety się nie zachował, ale ostatnie prace frontowe wykonane w kwietniu-maju 1945 r. są przechowywane w warsztacie Borysa Michajłowicza. (7-8) Czują pewien zamęt, jak po zakończeniu wielkiego czynu, gdy nadchodzi długo oczekiwana chwila spokoju. Surowość zwycięstwa miesza się z jasnym uczuciem oczekiwania na nowe radosne życie, „kiedy tchnienie wiosny stało się nie tylko tchnieniem wiosny, ale tchnieniem spokojnego życia, które przezwyciężyło wojnę, kiedy nieświadomie wydawało się, że zaraz po wojnie wszystko na ziemi byłoby tak dobre, jak nigdy dotąd”.

(7)

(8)

Zwycięski rok 1945 będzie także rokiem pierwszego twórczego zwycięstwa Borysa Niemenskiego. Obraz „Matka” (9), namalowany przez dwudziestodwuletniego młodzieńca, nie tylko od razu zwróci na siebie uwagę, ale stanie się początkiem kształtowania się metody twórczej artysty i zajmie szczególne miejsce w historia malarstwa rosyjskiego.

Matka . (1945 )

(9)

Obraz ten od razu nikogo nie pozostawił obojętnym, ani krytyków, ani widzów, tryskając tęsknotą za domem, cichą czułością do matki i synów rozdzielonych wojną. Częsty motyw tamtych czasów: żołnierze śpiący na podłodze w chłopskiej chacie. Ale zabrzmiało to w nowy sposób pod pędzlem młodego artysty. Chęć namalowania obrazu o zwykłych Rosjankach, które matczynie spotykały żołnierzy w każdej wsi, w każdym mieście, chęć napisania o swojej matce, która również otoczyła opieką greckich artystów w swoim moskiewskim mieszkaniu przed lub po wyjazdach na front , zaowocowało wyrazem wdzięczności dla kobiet-matek, „wielką wdzięcznością dla zwykłych Rosjanek, które ogrzewały nas macierzyńską miłością, kobiet, których żalu i zasług dla Ojczyzny nie sposób ani zmierzyć, ani wynagrodzić”. To nie przypadek, że na obrazie młodego żołnierza, starannie okrytego ciepłym szalikiem, odgaduje się rysy autora. Wystawiony na Ogólnounijnej Wystawie obraz natychmiast stał się sławny i został przejęty przez Galerię Trietiakowską.

Prace B.M. Nemensky to obrazy-medytacje wypełnione polifonicznymi treściami. Proces ich tworzenia jest zawsze długi, ale to nie znaczy, że samo płótno jest malowane przez długi czas, jego artysta po prostu stara się „pisać szybko, jednym tchem”. To proces złożony i czasem bolesny - od narodzin pomysłu do jego dojrzewania: liczne szkice, szkice, szkice, wątpliwości.

Nemensky stopniowo rozwija własny styl pracy nad dziełem. Specjalna metoda twórcza artysty zaczyna nabierać kształtu. W poszukiwaniu kompozycji nie koryguje starych płócien, ale pisze nowe, co „przyspiesza proces pracy, nadaje jej lekkość bezpośredniości”. Jeśli artysta najpierw zniszczył stare płótna, z czasem doszedł do wniosku, że są one przydatne do porównywania w procesie pracy.

Instytut Surikowa

Po zakończeniu wojny, będąc już członkiem Związku Artystów ZSRR, Borys Michajłowicz kontynuował naukę, zostając studentem Moskiewskiego Instytutu Sztuki im. Surikow. Nieoczekiwanie wraz z początkiem studiów zaczęły się trudności. Przy pierwszym obejrzeniu studentowi Borysowi Niemenskiemu powiedziano, że jego ścieżka jest zła, że ​​trzeba „zapomnieć o wszystkim i uczyć się od nowa”. Wyraźnie zarysowane zostały sprzeczności między proponowanymi zasadami pracy a wewnętrznymi odczuciami artysty.

W trzecim roku szkice nowej kompozycji zaproponowane przez Niemenskiego ponownie nie uzyskały aprobaty. Ale już wykształcona pozycja wewnętrzna – większe zaufanie do siebie, swoich odczuć i doświadczenia w pracy – daje młodemu artyście siłę, by bez względu na wszystko przystąpić do pracy. Zaledwie sześć miesięcy później student B. Nemensky otrzyma Nagrodę Państwową za obraz „O dalekich i bliskich”.

O dalekich i bliskich (1950)

(10)

Materiałem do obrazu były wrażenia i przeżycia z pierwszego wyjazdu służbowego greckiego studenta pod koniec 1942 roku do czynnej jednostki, która zajmowała przyczółek głęboko wcinający się w pozycje wroga. Pocztę polową dostarczano rzadko i nieregularnie na ten odcinek frontu. W takich warunkach listy, które żołnierze wielokrotnie i głośno czytali, nabierały szczególnej wartości. Praca na tym płótnie ujawniła talent artysty, który nie tylko kocha, ale także wie, jak rozwikłać ludzką twarz. Znany historyk sztuki N.A. Dmitrieva zwraca uwagę na szczególną jakość tej pracy - „umiejętność delikatnego, starannego pisania, umiejętność rzeźbienia i opracowywania twarzy na małą skalę, przekazywania… cieni ukrytego uczucia”.

Zaproponowany przez artystę szkic do pracy dyplomowej również został odrzucony do kompozycji „elementarnej”. Ta liryczna praca o siostrze miłosierdzia, pełna poezji, zostanie napisana po maturze.

Masza (1956)

Wizerunek siostry szpitala polowego, prawie dziewczynki, stał się ulubieńcem wielu widzów. Obraz urzeka życzliwością, szczerością i lekką nutą smutku, „żyje obrazem bajki, opowiedzianej na swój sposób, jak żołnierz, zgodnie z prawdą, bez artyzmu, szczerze” (L.A. Nemenskaya). W podwójnym oświetleniu zimnego poranka okna i lampki stołowej postać dziewczyny wydaje się bardzo wzruszająca. Jej wzrok skierowany jest gdzieś do wewnątrz, skupiony na subtelnych, ulotnych wspomnieniach lub snach. Autorowi udało się oddać niesamowity stan „między snem a rzeczywistością, między rzeczywistością a snem”. Twórcze poszukiwania były długie, zapisano wiele twarzy. W rezultacie obraz okazał się tak przenikliwy, że wielu żołnierzy, którzy przeszli przez wojnę, zapewniało, że to pielęgniarka, która ich uratowała, została przedstawiona na obrazie.

Przeszłość teraźniejszość przyszłość

Wszystkie pierwsze obrazy Borysa Michajłowicza Niemenskiego o tematyce wojskowej miały określonego adresata - ludzi, którzy przeszli przez tygiel Wielkiej Wojny Ojczyźnianej. Uczucia i wspomnienia artysty splatały się z wrażeniami życiowymi publiczności, wychodząc na odwieczny temat żołnierskiej miłości do ojczyzny, były to prace „nie o tym, jak walczył, ale o tym, dlaczego walczył, dokąd zaprowadził siła duchowa."

Ale czas mijał, Wielka Wojna Ojczyźniana stopniowo zaczęła przechodzić do historii, dorastał nowy widz, który już o tym nie pamiętał. Jednak w latach 50. temat wojny związał się nie tylko z przeszłością, ale także z przyszłością, przeplatając się z ówczesnymi problemami politycznymi. Dla artysty ponowne przemyślenie roli motywu militarnego w sztuce rozpoczęło się od dyskusji wokół, jak się wydaje, jednego z najbardziej lirycznych obrazów o wojnie - „Oddechu wiosny”.

Oddech wiosny.

Jak wszystkie dzieła mistrza, fabuła obrazu jest autobiograficzna. Z pamiętnika z 15 maja 1944 z Frontu Ukraińskiego:

„Ogrody kwitną! A w lesie, w którym się zatrzymaliśmy, niesamowity gwar ptaków - zwłaszcza o świcie... I kwiaty - jakieś bladoniebieskie kwiaty na szarej, jeszcze pokrytej zeszłorocznym listowiem ziemi. Uwielbialiśmy wstawać przed wszystkimi, słuchać i oglądać tę muzykę. To jednak dziwne: czy naprawdę trzeba zostać żołnierzem, aby zobaczyć i zrozumieć całe to rodzime piękno? »

Kto wtedy mógł wiedzieć, że temat ten nie tylko urzeka artystę, ale stając się duchową udręką i radością, będzie tematem obrazu po wojnie.

Kruchy świat budzącej się wiosennej przyrody otwiera się przed młodym wojownikiem, wyczulonym wsłuchującym się w ciszę poranka, w chwili wytchnienia między walkami: płynące we mgle brzozy, wierzbowe krople, złote olchy... takie odkrycie miesza się z niepokojem. Według wspomnień B. Nemensky'ego właśnie w takich chwilach na froncie młodzieńcy odzyskali poczucie ojczyzny i wzmocniła się osobista odpowiedzialność za jej losy.

Ale właśnie ta głębia i człowieczeństwo obrazu wywołały poważne ataki krytyków, zarzucano artyście brak patriotyzmu i słabość koncepcji ideowej, „nadmierny entuzjazm” dla przeżyć wewnętrznych swoich bohaterów. Publiczność stanęła w obronie artysty, poruszona do głębi obrazem płynącym z serca. Wypełniali księgi gości, brali udział w dyskusjach podczas wystaw, pisali listy do gazet. „Odsłania duszę żołnierza” — mówili niektórzy. „Wiele obrazów przedstawia to, co jest na powierzchni, ale trzeba przedstawiać to, co jest w środku… Niemenski stworzył głęboki obraz osoby radzieckiej, obraz wzięty z życia…” - podchwycili inni. (jedenaście)

(11)

Ziemia jest spalona. (1957)

Obraz ten jest początkiem nowego etapu w twórczości artysty (12). Nie tylko przywraca widza do wydarzeń z minionej wojny, ale skłania do zastanowienia się, czy to się nie powtórzy. Artysta zaczyna myśleć wielkoformatowymi, uogólnionymi obrazami, prowadząc widzów do uniwersalnych, ponadczasowych problemów.

(12)

Podziurawiona eksplozjami, wyrzeźbiona przez gąsienice, spalona ziemia jest pełnoprawnym bohaterem tego obrazu. Krzyczący kolor podkreśla cały dramatyzm wydarzeń, jest to nie tyle kolor ziemi, co kolor tragicznych przeżyć. „To płótno najprawdopodobniej dotyczy ziemi stworzonej pod uprawę, radość i pracę, o wojnie, która zamienia ją w piekielne podobieństwo obcej, martwej, niezamieszkałej planety, w strefę pustynną” – pisze autor. Ludzie nie są nawet od razu zauważalni w przerwaniu rowu. Artysta stara się przekazać widzom uczucie zmęczenia tych żołnierzy i pokazać ich odporność na wszystko. W sercu tego żołnierza żyje nieokiełznana żądza świata, pracy, ojczyzny, żyje wszystko, co daje siłę do wytrwania i wytrwania. Obraz chłopskiego wojownika trzymającego w dłoni kilka ocalałych ziaren na dnie rowu, według N.A. Dmitrieva, „jedno z najwyższych osiągnięć Niemenskiego i być może jeden z najpotężniejszych obrazów ludzkich w malarstwie sowieckim”.

„Ojcowie żołnierze”

Jednym z głównych tematów, do których B.M. Nemensky, - temat ojcostwa: „Niepewność, łatwowierność, otwartość dzieciństwa - i siła, prawo i najtrudniejszy obowiązek ojca do decydowania i odpowiadania”. Pamięć uczuć powraca do pierwszych dni wojny, kiedy to w zamarzniętym mieście praktycznie zmiecionym z powierzchni ziemi przez wycofujących się faszystów bojownicy odnaleźli cudem ocalałą dziewczynę. Była cała pomarszczona jak stara kobieta i nie mogła nawet płakać. „Pamiętam, ile troski i bólu było we wszystkich działaniach żołnierzy w stosunku do dziewczynki. Ile niezręcznej czułości ... i ledwo powstrzymywanej nienawiści: sprawcy katastrofy byli tuż za rogiem ”- pisze artysta w swoich wspomnieniach.

W obrazie prawdziwa historia nabiera symbolicznego brzmienia: żołnierz jest zbawcą życia, uczucia żołnierza, podobnie jak uczucia ojca, są pragnieniem ochrony. Na tle zniszczonych pieców i kraterów po pociskach maleńka dziewczynka otoczona przez żołnierzy jest jak iskierka ocalonego życia w gęstym pierścieniu ochronnym. Światło wydobywa się z małej postaci, oświetlając twarze żołnierzy, to on „rozgrzewa ich serca, dodaje sił do dalszej misji” (13).

(13)

Symbol smutku

Wątki związane z wojną w twórczości B.M. Twórczość Nemensky'ego staje się apelem nie tylko do przeszłości, ale także do teraźniejszości i przyszłości, przeplatanych niepokojącymi problemami świata. Artysta porusza problematykę stosunku do wojny, do życia, do człowieka: „Widziałem pola uprawne zamienione w pustynię, płonące miasta i wsie na ziemiach rosyjskich, ukraińskich, polskich, niemieckich. Nawet świadomością – nienawidzę wojny każdą komórką ciała. Nienawidzę tego, co to przynosi i co do tego prowadzi: głupiej nienawiści człowieka do człowieka, ludzi do ludzi, karmionej przez faszyzm, wciąż karmionej!”

nienazwany wzrost. (To my, Panie!) 1960–1995.

Ta praca jest ulubionym pomysłem artysty. W pierwszej wersji, która pojawiła się na wystawie, obraz nosił tytuł „Bezimienna wysokość” (ryc. 22), aw ostatniej „To my, Panie” (ryc. 23). Autor wielokrotnie wracał do tego tematu. „Cały proces pracy okazał się niejako wewnętrznym sporem, wyciskaniem z siebie nagromadzonej przez lata wojny nienawiści i nieufności, procesem rozczłonkowania niejako jednej idei: niemieckiego jest faszystą”. W sumie istnieje pięć gotowych wersji tego dzieła, w każdej z których artysta odsłania temat w nowy sposób.

Fabuła obrazu wywodzi się z frontowego odcinka pierwszej wyprawy na pole walki w Wielkich Łukach. „Szedłem pieszo, w pełnym rynsztunku żołnierza-artysty. Szedłem długo, zmęczony. I siadał na wystającym spod śniegu kamieniu lub pniaku, żeby przeżuć krakersa i dać odpocząć nogom. Nagle zauważyłem, że śnieg kołysze trawę tuż pode mną. Ale trawa zimą nie jest miękka, nie może się kołysać od lekkiego wiatru. Spojrzałem w górę i wstałem. Okazało się, że siedziałem na martwym niemieckim żołnierzu - prawie całkowicie zakrytym. Rudawe włosy kołysały się ... I byłem zdumiony - chłopiec, młody mężczyzna w moim wieku, a nawet coś takiego jak ja ... ”

Fabuła obrazu to dwaj młodzi żołnierze, którzy zginęli w bitwie, Rosjanin i Niemiec. „Wojna skróciła ich życie, rozkładając ich ciała na wiosennej ziemi. Jeden - w lekkiej, spranej tunice, twarzą do nieba, rozłożony w odwrócony krucyfiks. Drugi, wsuwając ramię pod siebie, zakopał nos. Są autentyczni jak żołnierze, ale jednocześnie widać, jak wyglądają jak śpiące dzieci” (L.A. Nemenskaya).

Obraz, który pojawił się na Ogólnounijnej Wystawie, wywołał wiele kontrowersji, dyskusje toczyły się w Związku Artystów, w Związku Pisarzy, na łamach magazynu „Artysta”, obraz był pokazywany na wystawach w siedmiu miastach kraju, w którym widzowie pozostawili swoje opinie. Jednym z głównych zarzutów oficjalnej krytyki jest „pacyfizm” i „abstrakcyjny humanizm”. Ale widz nie zgodził się z krytykami. Słynny pisarz Konstantin Simonow również wspierał artystę w trudnych czasach. W przedmowie do jednego z albumów mistrza pisał: „O czym artysta chciał nam powiedzieć tym swoim obrazem? O wyczynie młodego człowieka, który bronił i bronił swojej sowieckiej ziemi w tej nieludzkiej wojnie? Tak, o tym. Ale nie tylko o tym. I moim zdaniem także, nie kwestionując piękna ludzkich czynów na wojnie, nie wolno nam zapominać, że wojna sama w sobie nie jest najlepszym sposobem rozstrzygania sporów między ludźmi... No więc - patrzę na obrazek... i pomyślcie, że to osobiste doświadczenie wojny wymagało od Niemenskiego stworzenia tego obrazu, dalekiego od pacyfizmu, ale władczego przypominającego nam, że nie powinno być nowej wojny, nie ma ona prawa być. Podzielam to uczucie, uwielbiam to zdjęcie, które koresponduje nie tylko z moimi wspomnieniami, ale także z moimi przemyśleniami na temat przyszłości.

W 1986 roku obraz był wystawiany na osobistej wystawie artysty w Moskwie. LA. Nemenskaya wspomina, że ​​​​uwagę autora przyciągnął jeden widz, który przez długi czas nie opuszczał pustej, zacienionej sali. Jak się okazało, był to człowiek, który walczył w ramach kontyngentu wojsk radzieckich w Afganistanie. Obraz odzwierciedlał także jego osobiste tragiczne doświadczenia. A dziesięć lat później, kiedy nowa wersja obrazu zostanie wystawiona w Muzeum Wojny Ojczyźnianej na Pokłonnej Wzgórzu, podobne spotkanie odbędzie się z weteranami wojny czeczeńskiej.

Obraz „Bezimienny wzrost” przez długi czas „zarejestrował się” w pracowni artysty, nie znalazł się dla niego w żadnej stałej ekspozycji muzealnej. W 1985 roku prawie umarła z powodu gorącej wody tryskającej z pękniętej rury. A potem Nemensky zgodził się przenieść płótno do Niemiec, do Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Akwizgranie. Słynny niemiecki kolekcjoner P. Ludwig, szczerze pasjonujący się sztuką rosyjską, przekonał artystkę, że zobaczy ją tam znacznie więcej widzów. Jednak miesiąc później Borys Michajłowicz postanawia odtworzyć płótno, nazywając je „To my, Panie”. W tej ostatniej wersji autor zminimalizował znamiona konkretnej wojny, przez co postawiony problem nabrał nowego rozmachu, poza czasem i przestrzenią. (czternaście)

(14)

Temat losów okaleczonych przez wojnę kobiet zabrzmiał szczególnie tragicznie kilkadziesiąt lat po zakończeniu wojny. „Szczególnie martwił mnie motyw kobiecej samotności wywołany przez wojnę – temat narzeczonych i żon zmarłych żołnierzy. Błogosławiły swoich mężów za wyczyn, pomagały w trudnych chwilach i nadal czynią wyczyn, będą to robić aż do śmierci. (15-16)

(15)

(16)

Straty (1963–1969)

Obraz jest częścią kwadryptyku poświęconego tragicznym losom kobiet. To symbol smutku i samotności, opłakiwania szczęścia, które przeminęło na zawsze, albo na niewielkim kopcu grobowym, albo na „bezimiennej wyżynie”. Według wspomnień autorki, "nad obrazami płakały nie tylko Rosjanki, ale także Niemki i Japonki (jedna - czerwona - wersja pozostała w Tokio po wystawie)".

Odwoływanie się do uczuć widza, impuls do refleksji nad życiem są charakterystyczne nie tylko dla prac sztalugowych, ale także dla martwych natur Borysa Niemenskiego. Te prace są zawsze filozoficzne, bardzo zwięzłe, nie ma na nich przypadkowych przedmiotów, wszystko tutaj niesie ze sobą pewien ładunek semantyczny.

Pamięć ziemi smoleńskiej. (1993)

Przez wiele lat Borys Michajłowicz nie zwracał się do gatunku martwej natury, chociaż świat przedmiotów żył w wielu jego obrazach. Ale dawni studenci jakimś cudem przywieźli artyście spod Smoleńska przebity żołnierski hełm i garść zużytych nabojów. Przedmioty te, będące echem wydarzeń z przeszłości, które leżały w ziemi przez dziesięciolecia, zrodziły łańcuch skojarzeń. Artysta przypomniał sobie popękany żelazny piecyk, który widział w ocalałym piecu rosyjskiej wsi spalony doszczętnie, a na obrazie pojawiły się dwa podobne zaokrąglone metalowe przedmioty: jeden jako echo spokojnego życia, drugi z płomieni wojny . Zastygły jak na piedestale, na blacie - martwa natura-pomnik minionej tragedii. Artysta nie dodał nic do kompozycji, rękawy były potrzebne tylko do zaprojektowania ramy (17).

(17)

Wszelkie życiowe impresje znajdują w twórczości artystki żywą, natychmiastową reakcję. (Il. 28-32) „Czasami w duszy, zmęczonej myślami i urazami, pojawia się pilna potrzeba dotknięcia światła, radości. Wtedy przede wszystkim starasz się zanurzyć pędzlem, uczuciem nie w dysharmonii złożonych problemów naszych czasów, ale w harmonii miłości, rodziny i dzieciństwa. Borys Michajłowicz tworzy jasne, kruche, poetyckie dzieła. Tak rodzą się sceny rodzajowe i portrety, bliskie sercu pejzaże północnej i centralnej Rosji. „Poezja przenika wszystkie pory naszego życia. Można tego nie zauważać, nie rozumieć, ale bez poetyckiego „wirusa” prawie nic by się nie wydarzyło – czy to uprawa ziemniaków, kwiaty, czy dziecko. W rzeczywistości jest to podstawa właśnie ludzkich uczuć - uczłowieczonych przez wieki, podstawa normalności - podkreślam, nie specjalne, ale normalne, nasze stosunki. Do rodziny, natury, pracy czy społeczeństwa.

Artysta-nauczyciel

Działalność artysty B. Nemensky'ego od pięćdziesięciu lat jest nierozerwalnie związana z działalnością nauczyciela B. Nemensky'ego. W 1957 rozpoczął pracę pedagogiczną w Moskiewskim Państwowym Instytucie Pedagogicznym. W I. Lenina, a od 1966 roku wykłada na wydziale artystycznym WGIK. Z biegiem lat B. M. Nemensky wychował całą plejadę ciekawych, oryginalnych artystów. Wśród nich są A. Akiłow, M. Abakumov, V. Balabanov, A. Bedina, V. Braginsky, G. Guseinov, V. Chumakov, A. Petrov i inni.Borys Michajłowicz jest dyrektorem kreatywnym wydziału artystycznego Uniwersytetu Rosyjskiej Akademii Pedagogicznej, dyrektor Centrum ustawicznej edukacji artystycznej w Moskwie.

Ponad trzydzieści lat temu w szkole ogólnokształcącej pojawił się program B. Nemensky'ego „Sztuki piękne i praca artystyczna”. Artysta jest przekonany, że zwykła umiejętność czytania i pisania w dowolnej dziedzinie, nawet artystycznej, jest jedynie dowodem opanowania pewnego poziomu rzemiosła, co, jak pokazuje praktyka, wcale nie gwarantuje duchowego rozwoju i bogactwa duchowego człowieka. Nowy program po raz pierwszy traktował sztukę jako prawdziwy sposób wychowania jednostki. BM Nemensky po raz pierwszy ogłosił znaczenie edukacji artystycznej w systemie ogólnoszkolnej edukacji uczuć dziecka - wcześniej sfera emocjonalno-zmysłowa pozostawała przedmiotem zajęć pozalekcyjnych uczniów. Komunikacja ze sztuką poza emocjami jest niemożliwa (dotyczy to zarówno artysty, jak i widza), dlatego sztuka kształtuje osobisty stosunek człowieka do świata. „Ludzkie emocje są glebą, na której przekonania i nawyki są najmocniej osadzone, a szczególnie silne - na całe życie - nabywane są w dzieciństwie, okresie dojrzewania, młodości, ponieważ w tym czasie światopogląd człowieka jest najbardziej emocjonalny”. Ponieważ pamięć emocjonalna jest znacznie silniejsza niż pamięć racjonalna, to właśnie poprzez sztukę dziecko może najskuteczniej opanować doświadczenie społeczne, którego treść aktywnie wpływa na kształtowanie się światopoglądu człowieka.

„Możemy i musimy mierzyć naszą drogę… przyszłością. Musimy porównywać nasze czyny nie z tym, co było, ale z tym, co powinno być. W końcu przyszłość potrzebuje nie tylko większości, ale całego narodu, aby jedna osoba została wprowadzona w kulturę, w duchowe bogactwo i mądrość nagromadzoną przez wieki w sztuce ”- tak artysta, nauczyciel, filozof Borys Michajłowicz Niemenski widzi cel sztuki.

Zaproponowany materiał został z powodzeniem wykorzystany w pracy z uczniami klasy V na lekcjach plastyki, poświęconych ujawnieniu tematyki Wielkiej Wojny Ojczyźnianej w malarstwie sztalugowym. Znajomość dzieci z twórczością B.M. Nemensky jako czołowy artysta i autor programu, według którego studiują od pięciu lat, wywiera silny wpływ emocjonalny.

Literatura

Dmitrieva NA Borys Michajłowicz Niemenski. - M., 1971.
Niemenskaja LA Borys Niemenski. - M.: Białe miasto, 2005.
Niemenski B.M. Zaufanie. - M.: Młoda Gwardia, 1984.
Niemenski B.M. Mądrość piękna. - M.: Oświecenie, 1987.
Niemenski B.M. Znajomość sztuki. - M.:. Wydawnictwo URAO, 2000.
Niemenski B.M. Otwórz okno. - M.: Młoda Gwardia, 1974.

Jeśli rozumiesz, że potrzebujesz pomocy charytatywnej, zwróć uwagę na ten artykuł.
Ci, którzy bez Twojego udziału mogą stracić pasjonujący biznes, zwrócili się do Ciebie o pomoc.
Wiele dzieci, chłopców i dziewcząt, marzy o zostaniu pilotami na torze.
Chodzą na zajęcia, gdzie pod okiem doświadczonego trenera poznają techniki jazdy z dużą prędkością.
Tylko ciągłe ćwiczenia pozwalają na prawidłowe wyprzedzanie, budowanie trajektorii i dobieranie prędkości.
Podstawą zwycięstwa na torze są dobre kwalifikacje. I oczywiście karty zawodowe.
Dzieci uczęszczające do klubów są całkowicie zależne od dorosłych, gdyż brak pieniędzy i zepsute części nie pozwalają im na udział w zawodach.
Ileż przyjemności i nowych doznań doświadczają faceci, gdy siadają za kierownicą i rozpoczynają jazdę samochodem.
Może w takim kręgu wyrastają nie tylko mistrzowie Rosji, ale nawet przyszli mistrzowie świata w tym sporcie?!
Możesz pomóc dziecięcej sekcji kartingu, która znajduje się w mieście Syzrań. Są teraz w tragicznej sytuacji. Wszystko zależy od entuzjazmu lidera: Siergieja Krasnowa.
Przeczytaj mój list i obejrzyj zdjęcia. Zwróćcie uwagę na pasję, z jaką pracują moi podopieczni.
Kochają ten rozwijający się sport i bardzo chcą kontynuować swoją edukację.
Zwracam się do Państwa z prośbą o pomoc w przetrwaniu sekcji kartingowej w mieście Syzrań.
Wcześniej w mieście były DWA stacje młodych techników, a każda z nich miała sekcję kartingową. Karting był także w Pałacu Pionierów. Teraz w mieście nie ma ani jednej stacji, zniszczone zostało również koło w Pałacu Pionierów. Zamknięte - nie odwraca się, aby powiedzieć, po prostu zniszczone!
Walczyliśmy, pisaliśmy listy, wszędzie dostawali tę samą odpowiedź. Jakieś pięć lat temu poszedłem na przyjęcie do gubernatora regionu Samara. Nie przyjął, ale zastępca przyjął mnie.
Następnie dostaliśmy pokój, w którym mieszkaliśmy. Mamy dużo dzieci, które chcą jeździć na kartingu, ale bardzo złe warunki materialne nie pozwalają na rekrutację dzieci.
A większość gokartów wymaga naprawy. W takim położeniu znajduje się nasz krąg.
Zwróciliśmy się również o pomoc do burmistrza miasta Syzran. Czekamy na pomoc już drugi rok. Postanowiliśmy skontaktować się z Tobą przez Internet w celu uzyskania pomocy.
Skontaktuj się ze mną, adres PAKIETÓW, 446012 Samara region, Syzran, ulica Nowosybirsk 47, możesz skontaktować się za pośrednictwem sieci społecznościowych SERGEY IVANOVICH KRASNOV. [e-mail chroniony] Zawsze będąc na fali sukcesu trzeba czynić uczynki miłosierdzia, dawać jałmużnę. A jeśli Pan pomaga w trudnych okolicznościach, to nie zapomnij później o wdzięczności. Wtedy nie zapomni o twoich potrzebach.