Korzenie baletu rosyjskiego, jak każdej formy sztuki, tkwią w folklorze tanecznym. Najprawdopodobniej były to tańce kultowe (wszelkiego rodzaju tańce okrągłe) i tańce z gier („Taniec”, „Kuma, gdzie byłeś” itp.). Balet rosyjski nie tylko zachował wszystkie kanony estetyczne, ale stał się również prawodawcą w świecie baletu.
pochodzenie
Na Rusi Kijowskiej na przełomie VIII-IX wieku zaczęli pojawiać się pierwsi tancerze, profesjonaliści w swojej dziedzinie - błazny... Po pewnym czasie, gdy Moskwa stała się stolicą, błazny niekoniecznie były już mężczyznami.
W XV-XVI wieku wesołe widowiska mumerów z twarzami zasłoniętymi maskami, tzw.
W XVII wieku historię rosyjskiego baletu zaznaczyło otwarcie Teatru Kremlowskiego. Zgodnie z ustaloną tradycją każdy spektakl w tym teatrze kończył się zawsze międzysezonami (specjalnymi przedstawieniami baletowymi). Te tak zwane przystawki były wykonywane przez mężczyzn ubranych w pompatyczne szaty. Aktorzy pokazali kilka elementów tańca towarzyskiego.
królewska zabawa
Za pierwszy pełnowymiarowy spektakl baletowy w Rosji uważa się przedstawienie wystawione 8 lutego 1673 r. To znamienne wydarzenie miało miejsce na dworze cara Aleksieja Michajłowicza i nosiło nazwę „Balet Orfeusza i Eurydyki”. Historia powstania rosyjskiego baletu opisuje go jako zmianę ceremonialnych póz, powolne tańce, ukłony i przejścia. Pomiędzy nimi aktorzy wypowiadali zapamiętane słowa lub śpiewali. Wszystko to przypominało trochę prawdziwe przedstawienie teatralne. Była to tylko królewska rozrywka, kusząca swoją niejasnością.
Tymczasem I. Gregory, organizator teatru, zaprasza Nicolę Lim do zorganizowania szkoleń z umiejętności teatralnych dla teatru królewskiego. Początkowo 10 dzieci szlacheckich filistrów, potem 20, pomyślnie ukończyło szkolenie i pokazało na dworze carskim baletową inscenizację „Orfeusza” w stylu francuskim.
Zadanie jest ustawione
Dopiero po ćwierć wieku Piotr I, postawiwszy sobie za cel zreformowanie życia kulturalnego Rosji, wprowadza muzykę i taniec do życia społeczeństwa rosyjskiego. Postanawia zaszczepić sztukę w elitarnych warstwach mieszkańców Petersburga. Aby to zrobić, Piotr I zamyka moskiewski teatr Aleksieja Michajłowicza i wydaje rewolucyjny dekret. Ten dekret o zgromadzeniach zobowiązał wszystkie instytucje państwowe do bezwzględnego nauczania tańca towarzyskiego. Reformy te sprawiły, że pozycja mistrza tańca stała się nieosiągalna. Właśnie tym zespołom balet zawdzięcza pojawienie się w baletowych ruchach tanecznych pochodzących z zagranicy innowacji w postaci elementów narodowych tańców słowiańskich.
Autor V. Krasovskaya („Historia baletu rosyjskiego” - L. Art, 1978) uważa, że dzięki energicznej i stanowczej naturze Piotra I występy zespołów baletowych, muzyków i artystów operowych zaproszonych z zagranicy zaczęły odbywać się w sale pałacowe.
Na początku 1738 r. W kraju zorganizowano szkołę sztuki baletowej, która w rzeczywistości stała się pierwszą. Historia rosyjskiego baletu krótko opowiada o tym okresie. Absolwenci szkoły pracowali w zespołach baletowych teatrów zagranicznych jako tzw. figuranci (aktorzy corps de ballet). I dopiero znacznie później zostali dopuszczeni do głównych partii.
Pierwsze szkolenie zawodowe
Za kolebkę baletu nowoczesnego historycy uważają Land Ballet, w którym działał słynny Jean-Baptiste Lange, który wraz ze swoimi uczniami wystawił trzy spektakle baletu dworskiego. Jak pokazuje historia baletu rosyjskiego, były to praktycznie pierwsze przedstawienia baletowe, które spełniały wszystkie prawa i przepisy Królewskiej Akademii Tańca w stolicy Francji.
Podchorążowie korpusu szlacheckiego wzięli udział w akademickim, lirycznym, półcharakterystycznym, a zarazem komicznym przedstawieniu baletowym zespołu Fessano z Włoch.
Elżbieta I, aby nie stracić wyszkolonych tancerzy baletowych, otwiera własną szkołę tańca Jej Królewskiej Mości, której pierwszym zestawem było 12 dzieci plebsu.
A pod koniec 1742 r. Cesarzowa podpisała dekret nakazujący utworzenie trupy baletowej rosyjskich tancerzy. To w nim pojawiły się pierwsze rosyjskie gwiazdy - zawodowi tancerze baletowi: Aksinya Baskakova i Afanasy Toporkov.
Wyjście z impasu
Śmierć Baptiste Lande wprowadza zamieszanie w biznesie choreograficznym w kraju. Spektakle prowadzone przez Fessano stają się monotonnymi i nudnymi burleskami. Publiczność nie pociąga takich występów.
Historia rosyjskiego baletu krótko opisuje ten okres. W tej chwili iw Europie pojawia się pytanie o reformę biznesu choreograficznego. Rousseau i Saint-Mar domagają się, by baletnice pozbyły się pompatycznych strojów i masek z perukami. Diderot zdecydowanie zaleca zmianę fabuły przedstawień baletowych. Tymczasem John Weaver, nie czekając na ogólne zmiany, stawia taneczny spektakl z przemyślaną fabułą, a Georges Nover pisze legendarne Listy o tańcu.
Rosyjski balet nie jest daleko w tyle. Dowodem na to jest pojawienie się Hilferdinga. Ten niemiecki specjalista zabezpieczał fabularne produkcje choreograficzne w Petersburgu. W Paryżu balet fabularny pojawił się dopiero 15 lat później. Hilferdingowi pomagał Leopold Paradiso. Już w latach pięćdziesiątych XIX wieku tworzyli samodzielne sztuki baletowe.
Początek produkcji dramatycznych
Pierwszy dramat w rosyjskim balecie należy do A.P. Sumarokowa. Propagował pieśni pochwalne, skomponował podstawy literackie do spektakli baletowych „Ostoja cnót” i „Nowe Laury”.
Zaproszony przez cara choreograf Gasparo Angiolini potęguje jaskrawość nut słowiańskiej pieśni ludowej, inscenizując spektakl baletowy „Zabawy o Boże Narodzenie”. Katarzyna II bardzo pochwaliła występ. W 1779 r. Komisja Ustawodawcza w całości zatwierdziła balet, do którego muzykę napisano na podstawie folkloru słowiańskiego.
Po tak kolosalnym sukcesie Angilini zajął się zabawnymi produkcjami teatralnymi, które naśmiewały się z aktualnych tematów. Były to panegiryki, które zrobiły furorę: „Triumfująca Rosja” (wychwalano klęskę armii tureckiej pod Cahul i Largą), „Nowi Argonauci” (chwalebna oda do floty Imperium Rosyjskiego) i „Zwycięskie rozumowanie” ( poruszono kwestię konieczności szczepień przeciwko szerzącej się ospie, która dotyczyła wszystkich).
Nieco wcześniej wystawiono pierwsze bohaterskie przedstawienie baletowe „Semir”. Od tego momentu choreografowie zaczęli przykładać dużą wagę do ekspresji tańca baletowego. Tancerze mogą bowiem jednocześnie brać udział w zabawnych przedstawieniach operowych teatrów niepaństwowych i pseudorosyjskich przedstawieniach operowych, do których libretto skomponowała sama cesarzowa.
Do nowego roku 1778 w Petersburgu (jak pokazuje historia baletu rosyjskiego, książki barwnie opisują to wyjątkowe wydarzenie) na widzów czekają już dwa teatry: komercyjny „Teatr Wolny” i dworski.
Pierwsze kolektywy forteczne
W drugiej połowie XVIII wieku opanowanie sztuki tanecznej stało się modne. I już na początku 1773 roku, pod kierunkiem Leopolda Paradisa, na bazie Domu Dziecka, który później stał się pierwszym teatrem publicznym, otwarto w stolicy pierwszy ośrodek edukacyjny. W pierwszym zestawie było 60 dzieci. Y. Bakhrushin opowiada w swoich książkach o pierwszych przedstawieniach choreograficznych wystawianych przez słynnego Cosimo Maddoxa.
Szczegółowo przestudiowana i opisana przez niego historia baletu rosyjskiego w pełni odsłania ten okres sztuki tanecznej. Medox wraz z grupą młodych tancerzy wyszkolonych w Rosji wystawiał opery komiczne, choreograficzne produkcje poświęcone prawdziwym wydarzeniom (np. Zdobycie Oczakowa) i rozrywkę.
Na tym tle teatr forteczny zaczął się szybko rozwijać. W ostatniej dekadzie XVIII wieku znane były już duże grupy aktorów pańszczyźnianych. Zorich, Golovkina, Apraksin, Szeremietiew, Potiomkin i inni właściciele ziemscy mieli takie kolektywy.
Ten sam okres upłynął pod znakiem rozwoju i inscenizacji techniki tańca kobiecego oraz artystycznego zaprojektowania sceny do przedstawienia. Nową tradycją jest określanie miejsca akcji na scenie, malowanie scenografii w stylu realistycznym, z wykorzystaniem gry półcienia i światła.
Święto rosyjskiego baletu
Historia rosyjskiego baletu XIX i XX wieku jest bogata i różnorodna. Na początku XIX wieku sztuka baletu osiąga tę dojrzałość, która jest doceniana przez widza. Rosyjskie baletnice wnoszą do choreografii zwiewność, szlachetność i wyrazistość. Bardzo trafnie zauważa to A. S. Puszkin, opisując piękno ruchów tanecznych swojej współczesnej, gwiazdy sceny baletowej Istominy: „lot duszy” (wyrażenie to stało się synonimem baletu). Jej mimika twarzy i perfekcja ruchów tanecznych budziły podziw. Większość widzów poszła do
Nie mniej piękne były Lihutina Anastasia, Ekaterina Teleshova, Danilova Maria.
Spektakle baletowe zyskują na popularności. Taniec baletowy jako sztuka staje się uprzywilejowany i przeznaczane są na niego dotacje państwowe.
W latach 60. ubiegłego wieku kulturowy beau monde został objęty nowomodnym nurtem „realizmu”. Kryzys zbliża się do rosyjskiego teatru. W przypadku realizacji choreograficznych wyrażało się to w prymitywizmie fabuły, która była dostosowana do określonego tańca. Balerinom, które osiągnęły doskonałość, proponuje się taniec w realistycznych produkcjach.
Historia powstania baletu rosyjskiego wkracza w nową rundę. Odrodzenie rozpoczęło się od Piotra Czajkowskiego, który jako pierwszy napisał muzykę do produkcji choreograficznej. Po raz pierwszy w historii baletu muzyka stała się tak samo ważna jak taniec. A nawet znalazła się na równi z muzyką operową i kompozycjami symfonicznymi. Jeśli wcześniej muzyka Czajkowskiego była pisana do elementów tanecznych, teraz aktor baletowy starał się przekazać muzyczny nastrój i emocje z plastycznością, ruchem i wdziękiem, co pomogło widzowi rozwikłać fabułę, przepisaną przez kompozytora na nuty. Świat wciąż podziwia słynne „Jezioro łabędzie”.
Choreograf A. Gorsky wprowadził do przedstawień elementy nowoczesnej reżyserii, zaczął przykładać dużą wagę do oprawy artystycznej sceny, uważając, że widz powinien być całkowicie zanurzony w tym, co dzieje się na scenie. Zakazał używania elementów pantomimy. M. Fokin radykalnie odwrócił bieg wydarzeń. Ożywił balet romantyczny i uczynił język ciała w tańcu zrozumiałym i wymownym. Według Fokina każdy występ sceniczny powinien być wyjątkowy. Oznacza to, że akompaniament muzyczny, styl i wzór tańca powinny być nieodłączne tylko dla określonego wykonania. We wczesnych latach XX wieku jego produkcje Noce egipskie , Umierający łabędź , Sen nocy letniej , Acis i Galatea i inne były kręcone przy pełnych salach.
W 1908 r. P. zaprasza Fokina na stanowisko głównego dyrektora paryskich „Sezonów Rosyjskich”. Dzięki temu zaproszeniu Fokin staje się znany na całym świecie. A rosyjscy tancerze baletowi zaczęli triumfalnie występować co roku w stolicy Francji. Historia baletu rosyjskiego gloryfikuje tancerzy rosyjskiej trupy, których nazwiska zna cały świat: Adolf Bolm, Tamara Karsavina, Wacław Niżyński i inni, a dzieje się to w okresie schyłku baletu europejskiego!
Diagilew zaryzykował i wygrał. Zebrał trupę młodych i utalentowanych aktorów baletowych i dał im wolną rękę. Pozwolił mi działać poza znanymi ramami, które wyznaczyła słynna, ale już dość wiekowa Petipa.
Swoboda działania dała tancerzom możliwość odkrywania i wyrażania siebie. Oprócz tych rewolucyjnych innowacji, Diagilew przyciągał do dekoracji swoich najsłynniejszych współczesnych artystów (J. Cocteau, A. Derain, P. Picasso) i kompozytorów (C. Debissy, M. Ravel, I. Strawiński). Teraz każdy występ baletowy stał się arcydziełem.
Po rewolucji październikowej wielu tancerzy i choreografów opuściło zbuntowaną Rosję. Ale kręgosłup pozostał. Stopniowo balet rosyjski zbliża się do ludzi. Karty historii w okresie formacji widziały wiele ...
Po połowie XX wieku nowe pokolenie tancerzy i choreografów przywróciło na scenę zapomniane miniatury taneczne, symfonie i jednoaktowe balety. Liczba studiów i teatrów zaczęła systematycznie rosnąć.
„Triumphant”, baletnica, krytyk baletu
Słynna rosyjska tancerka Vera Michajłowna Krasowska urodziła się w Imperium Rosyjskim 11 września 1915 r. Po ukończeniu szkoły średniej wstąpiła iw 1933 roku pomyślnie ukończyła Leningradzką Szkołę Choreograficzną. Studiowała u słynnej Waganowej Agrypiny. Od tego czasu do 1941 roku Krasowska służyła w Teatrze. Kirow. Zajmuje się baletami z repertuaru akademickiego.
W 1951 roku Vera Michajłowna ukończyła szkołę podyplomową Instytutu Teatralnego im. A.I. A. Ostrowskiego, po podstawowym wykształceniu na Wydziale Wiedzy o Teatrze.
Szkoła profesjonalizmu, którą Krasowska otrzymała najpierw w klasie Agrypiny Waganowej, a następnie w przedstawieniach baletowych Teatru Maryjskiego, wraz z encyklopedyczną bazą wiedzy, arystokracją, tradycjami kulturowymi i niesamowitą znajomością języków (francuskiego i angielskiego), pozwolił jej stać się błyskotliwą i jednoznacznie największą krytyką sztuki baletowej.
W 1998 roku w światku teatralnym rozeszły się dobre wieści. Vera Mikhailovna Krasovskaya otrzymała nagrodę Triumph. Historia rosyjskiego baletu, o której opowiadała w książkach (niektóre tłumaczone na języki obce) i artykułach (ponad 300) jako historyk i krytyk sztuki, uczyniła Wierę Michajłowną laureatką bezpłatnej rosyjskiej nagrody Triumf. Ta nagroda jest wyrazem uznania dla doskonałości w sztuce i literaturze.
W 1999 roku zmarł Krasovskaya Vera Michajłowna.
Epilog
Historia rosyjskiego baletu z wdzięcznością zachowuje nazwiska mistrzów sztuki tanecznej, którzy wnieśli kolosalny wkład w powstanie rosyjskiej choreografii. Są to dobrze znani Sh. Didlo, M. Petipa, A. Saint-Leon, S. Diagilew, M. Fomin i wielu innych. A talent rosyjskich artystów przyciągał i dziś przyciąga ogromną liczbę widzów w różnych krajach świata.
Do dziś rosyjskie zespoły baletowe są uważane za najlepsze na świecie.
Historia baletuBalet to dość młoda sztuka. Ma nieco ponad czterysta lat, choć taniec ozdabia życie człowieka od czasów starożytnych. Balet narodził się w północnych Włoszech w okresie renesansu. Książęta włoscy kochali wspaniałe uroczystości pałacowe, w których taniec zajmował ważne miejsce. Tańce wiejskie nie były odpowiednie dla dworskich dam i dżentelmenów. Ich szaty, podobnie jak sale, w których tańczyli, nie pozwalały na niezorganizowany ruch. Specjalni nauczyciele - mistrzowie tańca - próbowali uporządkować tańce dworskie. Z wyprzedzeniem ćwiczyli poszczególne figury i ruchy tańca ze szlachtą i prowadzili grupy tancerzy. Stopniowo taniec stawał się coraz bardziej teatralny.
Określenie „balet” pojawiło się pod koniec XVI wieku (od włoskiego balletto – tańczyć). Ale wtedy nie oznaczało to przedstawienia, a jedynie taneczny odcinek, który oddaje określony nastrój. Takie „balety” składały się zwykle z mało powiązanych ze sobą „wyrobów” postaci – najczęściej bohaterów mitów greckich. Po takich „wyjściach” rozpoczynał się wspólny taniec – „wielki balet”.
Pierwszym przedstawieniem baletowym był Queen's Comedy Ballet, wystawiony we Francji w 1581 roku przez włoskiego choreografa Baltazariniego di Belgiojoso. To właśnie we Francji nastąpił dalszy rozwój baletu. Początkowo były to balety maskaradowe, a następnie pompatyczne balety melodramatyczne o wątkach rycerskich i fantastycznych, w których taneczne epizody zastąpiono ariami wokalnymi i recytacją wierszy. Nie dziwcie się, w tamtych czasach balet był nie tylko spektaklem tanecznym.
Za panowania Ludwika XIV występy baletu dworskiego osiągnęły szczególny rozmach. Sam Louis uwielbiał brać udział w baletach, a swój słynny przydomek „Król Słońca” otrzymał po zagraniu roli Słońca w „Balecie nocy”.
W 1661 roku stworzył Królewską Akademię Muzyki i Tańca, w skład której wchodziło 13 czołowych mistrzów tańca. Ich obowiązkiem było zachowanie tradycji tanecznych. Dyrektor akademii, nauczyciel tańca królewskiego Pierre Beauchamp, określił pięć podstawowych pozycji tańca klasycznego.
Wkrótce otwarto Operę Paryską, której choreografem był ten sam Beauchamp. Pod jego kierownictwem powstała trupa baletowa. Początkowo składała się wyłącznie z mężczyzn. Kobiety pojawiły się na scenie Opery Paryskiej dopiero w 1681 roku.
Teatr wystawiał opery-balety kompozytora Lully'ego i komedie-balety dramatopisarza Moliera. Początkowo brali w nich udział dworzanie, a przedstawienia prawie nie różniły się od przedstawień pałacowych. Tańczono wspomniane już powolne menuety, gawoty i pawany. Maski, ciężkie sukienki i buty na wysokich obcasach utrudniały kobietom wykonywanie skomplikowanych ruchów. Dlatego tańce męskie wyróżniały się wówczas większym wdziękiem i wdziękiem.
W połowie XVIII wieku balet zyskiwał w Europie dużą popularność. Wszystkie dwory arystokratyczne w Europie starały się naśladować luksus francuskiego dworu królewskiego. W miastach otwarto opery. Wielu tancerzy i nauczycieli tańca z łatwością znalazło pracę.
Wkrótce, pod wpływem mody, damski kostium baletowy stał się znacznie lżejszy i swobodniejszy, odgadywano pod nim linie ciała. Tancerze porzucili buty na obcasie, zastępując je lekkimi butami bez obcasa. Strój męski również stał się mniej uciążliwy: obcisłe pantalony do kolan i pończochy pozwalały zobaczyć sylwetkę tancerza.
Każda innowacja czyniła tańce bardziej znaczącymi, a technikę taneczną wyższą. Stopniowo balet oddzielił się od opery i przekształcił w niezależną sztukę.
Choć francuska szkoła baletowa słynęła z wdzięku i plastyczności, odznaczała się pewnym chłodem i formalnością wykonania. Dlatego choreografowie i artyści szukali innych środków wyrazu.
Pod koniec XVIII wieku narodził się nowy nurt w sztuce - romantyzm, który wywarł silny wpływ na balet. W balecie romantycznym tancerka stała na pointach. Maria Taglioni zrobiła to jako pierwsza, całkowicie zmieniając dotychczasowe wyobrażenia o balecie. W balecie „La Sylphide” pojawiła się jako krucha istota z innego świata. Sukces był oszałamiający.
W tym czasie pojawiło się wiele wspaniałych baletów, ale niestety balet romantyczny był ostatnim rozkwitem sztuki tanecznej na Zachodzie. Od drugiej połowy XIX wieku balet, tracąc dawne znaczenie, stał się dodatkiem do opery. Dopiero w latach 30. XX wieku, pod wpływem baletu rosyjskiego, rozpoczęło się odrodzenie tej dziedziny sztuki w Europie.
W Rosji pierwszy spektakl baletowy - „Balet Orfeusza i Eurydyki” - wystawiono 8 lutego 1673 r. Na dworze cara Aleksieja Michajłowicza. Tańce ceremonialne i powolne polegały na zmianie wdzięcznych pozycji, ukłonów i ruchów na przemian ze śpiewem i mową. Nie odegrał znaczącej roli w rozwoju tańca scenicznego. Była to po prostu kolejna królewska „zabawa”, która przyciągała swoją niezwykłością i nowością.
Dopiero ćwierć wieku później, dzięki reformom Piotra I, muzyka i taniec weszły w życie rosyjskiego społeczeństwa. W szkołach szlacheckich wprowadzono obowiązkową naukę tańca. Na dworze zaczęli występować zwolnieni z zagranicy muzycy, artyści operowi i zespoły baletowe.
W 1738 roku otwarto pierwszą szkołę baletową w Rosji, a trzy lata później 12 chłopców i 12 dziewcząt ze służby pałacowej zostało pierwszymi zawodowymi tancerzami w Rosji. Początkowo występowali w baletach zagranicznych mistrzów jako figuranci (tak nazywano tancerzy corps de ballet), później w głównych partiach. Wybitny tancerz tamtych czasów, Timofey Bublikov, błyszczał nie tylko w Petersburgu, ale także w Wiedniu.
Na początku XIX wieku rosyjska sztuka baletowa osiągnęła dojrzałość twórczą. Rosyjscy tancerze wnieśli do tańca wyrazistość i duchowość. Czując to bardzo dokładnie, A. S. Puszkin nazwał taniec swojej współczesnej Avdotyi Istominy „lotem pełnym duszy”.
Balet zajmował wówczas uprzywilejowaną pozycję wśród innych rodzajów sztuki teatralnej. Władze przywiązywały do tego dużą wagę, zapewniały dotacje państwowe. Moskiewskie i petersburskie zespoły baletowe występowały w dobrze wyposażonych teatrach, a absolwenci szkół teatralnych corocznie uzupełniali kadrę tancerzy, muzyków i dekoratorów.
Artur Święty Leon
W historii naszego teatru baletowego często spotyka się nazwiska zagranicznych mistrzów, którzy odegrali znaczącą rolę w rozwoju rosyjskiego baletu. Przede wszystkim są to Charles Didelot, Arthur Saint-Leon i Marius Petipa. Pomogli stworzyć rosyjską szkołę baletową. Ale utalentowani rosyjscy artyści umożliwili także ujawnienie talentów swoich nauczycieli. To niezmiennie przyciągało do Moskwy i Petersburga największych choreografów Europy. Nigdzie na świecie nie spotkali tak licznej, utalentowanej i dobrze wyszkolonej trupy jak w Rosji.
W połowie XIX wieku do literatury i sztuki rosyjskiej wkroczył realizm. Choreografowie gorączkowo, ale bezskutecznie, próbowali stworzyć realistyczne przedstawienia. Nie wzięli pod uwagę, że balet jest sztuką warunkową, a realizm w balecie znacznie różni się od realizmu w malarstwie i literaturze. Rozpoczął się kryzys sztuki baletowej.
Nowy etap w historii rosyjskiego baletu rozpoczął się, gdy wielki rosyjski kompozytor P. Czajkowski po raz pierwszy skomponował muzykę do baletu. To było Jezioro Łabędzie. Wcześniej muzyka baletowa nie była traktowana poważnie. Uważana była za najniższą formę twórczości muzycznej, jedynie akompaniament do tańca.
Dzięki Czajkowskiemu muzyka baletowa stała się sztuką poważną na równi z operą i muzyką symfoniczną. Wcześniej muzyka była całkowicie zależna od tańca, teraz taniec musiał być posłuszny muzyce. Potrzebne były nowe środki wyrazu i nowe podejście do tworzenia spektaklu.
Dalszy rozwój baletu rosyjskiego związany jest z nazwiskiem moskiewskiego choreografa A. Gorskiego, który porzuciwszy przestarzałe techniki pantomimy, zastosował w spektaklu baletowym techniki współczesnej reżyserii. Przywiązując dużą wagę do malarskiej oprawy spektaklu, przyciągał do pracy najlepszych artystów.
Ale prawdziwym reformatorem sztuki baletowej jest Michaił Fokin, który zbuntował się przeciwko tradycyjnej konstrukcji spektaklu baletowego. Przekonywał, że temat spektaklu, jego muzyka, epoka, w której toczy się akcja, wymagają za każdym razem innych ruchów tanecznych, innego układu tanecznego. Podczas wystawiania baletu „Egipskie noce” Fokin inspirował się poezją V. Bryusowa i starożytnymi egipskimi rysunkami, a obrazy baletu „Pietruszka” inspirowane były poezją A. Bloka. W balecie Daphnis i Chloe porzucił pointe i w swobodnych, plastycznych ruchach ożywił antyczne freski. Jego „Chopiniana” ożywiła atmosferę baletu romantycznego. Fokin napisał, że „marzy o stworzeniu dramatu baletowego z baletowej zabawy, z tańca - zrozumiałego, mówiącego języka”. I udało mu się
Anna Pawłowa
W 1908 r. Rozpoczęły się coroczne występy rosyjskich tancerzy baletowych w Paryżu, organizowane przez postać teatralną S. P. Diagilewa. Nazwiska tancerzy z Rosji - Wacława Niżyńskiego, Tamary Karsaviny, Adolfa Bolma - stały się znane na całym świecie. Ale pierwsze w tym rzędzie to imię niezrównanej Anny Pawłowej.
Pavlova - liryczna, krucha, o wydłużonych liniach ciała, ogromnych oczach - przywodziła na myśl ryciny przedstawiające romantyczne baletnice. Jej bohaterki przekazywały czysto rosyjskie marzenie o harmonijnym, uduchowionym życiu lub tęsknotę i smutek za niespełnionym. Umierający łabędź, stworzony przez wielką baletnicę Pawłową, jest poetyckim symbolem rosyjskiego baletu początku XX wieku.
To wtedy, pod wpływem umiejętności rosyjskich artystów, zachodni balet otrząsnął się i nabrał drugiego wiatru.
Po rewolucji październikowej 1917 roku wiele postaci teatru baletowego opuściło Rosję, ale mimo to szkoła baletu rosyjskiego przetrwała. Patos ruchu ku nowemu życiu, rewolucyjne tematy, a przede wszystkim pole do twórczego eksperymentu inspirowały mistrzów baletu. Ich zadaniem było przybliżenie ludziom sztuki choreograficznej, uczynienie jej bardziej żywotną i dostępną.
Tak powstał gatunek baletu dramatycznego. Były to spektakle, zwykle oparte na fabułach znanych utworów literackich, które budowane były zgodnie z prawami spektaklu dramatycznego. Zawarte w nich treści zostały przedstawione za pomocą pantomimy i tańca obrazkowego. W połowie XX wieku balet dramatyczny przeżywał kryzys. Choreografowie próbowali zachować ten gatunek baletu, wzbogacając widowiskowość spektakli efektami scenicznymi, niestety bezskutecznie.
Słowo „balet” brzmi magicznie. Zamykając oczy, od razu wyobrażasz sobie płonące ogniska, przenikającą muzykę, szelest paczek i lekki stukot pointe na parkiecie. Spektakl ten jest niepowtarzalnie piękny, śmiało można go nazwać wielkim osiągnięciem człowieka w pogoni za pięknem.
Publiczność zastyga w bezruchu, wpatrując się w scenę. Divy baletowe zadziwiają swoją lekkością i plastycznością, najwyraźniej swobodnie wykonują złożone „pas”.
Historia tej formy sztuki jest dość głęboka. Przesłanki do powstania baletu pojawiły się w XVI wieku. A od XIX wieku ludzie widzieli prawdziwe arcydzieła tej sztuki. Ale czym byłby balet bez słynnych baletnic, dzięki którym stał się sławny? Nasza historia będzie dotyczyć tych najsłynniejszych tancerzy.
Maria Ramberg (1888-1982). Przyszła gwiazda urodziła się w Polsce, w żydowskiej rodzinie. Jej prawdziwe imię to Sivia Rambam, ale zostało później zmienione z powodów politycznych. Dziewczyna od najmłodszych lat zakochała się w tańcu, poddając się swojej pasji z głową. Maria pobiera lekcje u tancerek paryskiej opery, a wkrótce sam Diagilew dostrzega jej talent. W latach 1912-1913 dziewczyna tańczyła z Baletem Rosyjskim, biorąc udział w głównych produkcjach. Od 1914 roku Marie przeniosła się do Anglii, gdzie kontynuowała naukę tańca. Maria wyszła za mąż w 1918 roku. Sama napisała, że to bardziej dla zabawy. Jednak małżeństwo było szczęśliwe i trwało 41 lat. Ramberg miała zaledwie 22 lata, kiedy otworzyła własną szkołę baletową w Londynie, pierwszą w mieście. Sukces był tak ogromny, że Maria zorganizowała najpierw własny zespół (1926), a następnie pierwszą stałą trupę baletową w Wielkiej Brytanii (1930). Jej występy stają się prawdziwą sensacją, ponieważ Ramberg przyciąga do pracy najzdolniejszych kompozytorów, artystów, tancerzy. Balerina brała czynny udział w tworzeniu baletu narodowego w Anglii. A nazwisko Marie Ramberg na zawsze weszło do historii sztuki.
Anna Pawłowa (1881-1931). Anna urodziła się w Petersburgu, jej ojciec był wykonawcą kolei, a matka pracowała jako prosta praczka. Jednak dziewczyna mogła wejść do szkoły teatralnej. Po jej ukończeniu w 1899 roku wstąpiła do Teatru Maryjskiego. Tam otrzymała role w klasycznych produkcjach - „La Bayadère”, „Giselle”, „Dziadek do orzechów”. Pavlova miała doskonałe dane naturalne, poza tym stale doskonaliła swoje umiejętności. W 1906 roku była już czołową baletnicą teatru, ale prawdziwą sławę Anna przyniosła w 1907 roku, kiedy zabłysnęła w miniaturze „Umierający łabędź”. Pavlova miała wystąpić na koncercie charytatywnym, ale jej partner zachorował. Dosłownie z dnia na dzień choreograf Michaił Fokin wystawił nową miniaturę baletnicy do muzyki San Sans. Od 1910 roku Pavlova zaczęła koncertować. Balerina zyskuje światową sławę po udziale w Sezonach Rosyjskich w Paryżu. W 1913 wystąpiła po raz ostatni w Teatrze Maryjskim. Pavlova zbiera własną trupę i przenosi się do Londynu. Wraz ze swoimi wychowankami Anna podróżuje po świecie z klasycznymi baletami Głazunowa i Czajkowskiego. Tancerka stała się legendą już za życia, zmarła podczas trasy koncertowej w Hadze.
Matylda Kshesinskaya (1872-1971). Mimo polskiego imienia baletnica urodziła się niedaleko Petersburga i zawsze była uważana za rosyjską tancerkę. Od wczesnego dzieciństwa deklarowała chęć tańca, nikt z ich bliskich nie pomyślał, aby przeszkadzać jej w tym pragnieniu. Matilda znakomicie ukończyła Cesarską Szkołę Teatralną, dołączając do trupy baletowej Teatru Maryjskiego. Tam zasłynęła z genialnych wykonań partii Dziadka do orzechów, Mlady i innych przedstawień. Kshesinskaya wyróżniała się swoją charakterystyczną rosyjską plastycznością, w którą wciśnięte były nuty szkoły włoskiej. To Matylda stała się ulubienicą choreografa Fokina, który wykorzystał ją w swoich utworach „Motyle”, „Eros”, „Evnika”. Rola Esmeraldy w balecie pod tym samym tytułem w 1899 roku zaświeciła na scenie nową gwiazdę. Od 1904 roku Kshesinskaya podróżuje po Europie. nazywana jest pierwszą baletnicą Rosji, uhonorowaną tytułem „generalissimus rosyjskiego baletu”. Mówią, że Kshesinskaya była ulubienicą samego cesarza Mikołaja II. Historycy twierdzą, że oprócz talentu baletnica miała żelazny charakter, mocną pozycję. To jej przypisuje się dymisję dyrektora Teatrów Cesarskich, księcia Wołkonskiego. Rewolucja mocno dotknęła baletnicę, w 1920 roku opuściła wyczerpany kraj. Kshesinskaya przeprowadziła się do Wenecji, ale nadal robiła to, co kochała. W wieku 64 lat nadal występowała w londyńskim Covent Garden. A legendarna baletnica jest pochowana w Paryżu.
Agrypina Waganowa (1879-1951). Ojciec Agrypiny był dyrygentem w Teatrze Maryjskim. Jednak był w stanie wskazać tylko najmłodszą z jego trzech córek do szkoły baletowej. Wkrótce Jakow Waganow zmarł, rodzina miała tylko nadzieję na przyszłego tancerza. W szkole Agrypina okazała się złośliwą osobą, ciągle dostawała złe oceny za swoje zachowanie. Po ukończeniu studiów Vaganova rozpoczęła karierę baletnicy. Dostała wiele pomniejszych ról w teatrze, ale one jej nie satysfakcjonowały. Imprezy solo omijały baletnicę, a jej wygląd nie był szczególnie atrakcyjny. Krytycy napisali, że po prostu nie widzą jej w rolach delikatnych piękności. Makijaż też nie pomógł. Sama baletnica bardzo cierpiała z tego powodu. Ale dzięki ciężkiej pracy Vaganova osiągnęła role drugoplanowe, od czasu do czasu zaczęli o niej pisać w gazetach. Wtedy Agrypina nagle odmieniła swój los. Wyszła za mąż, urodziła. Wracając do baletu, wydawało się, że wzniosła się w oczach przełożonych. Chociaż Vaganova nadal wykonywała drugie części, osiągnęła mistrzostwo w tych wariacjach. Balerinie udało się na nowo odkryć obrazy, które wydawały się wytarte przez pokolenia poprzednich tancerzy. Dopiero w 1911 Vaganova otrzymała swoją pierwszą solową partię. W wieku 36 lat baletnica przeszła na emeryturę. Nigdy nie stała się sławna, ale dzięki swoim danym osiągnęła wiele. W 1921 roku w Leningradzie otwarto szkołę choreograficzną, do której została zaproszona jako jedna z nauczycielek Waganowa. Zawód choreografa stał się jej głównym do końca życia. W 1934 roku Vaganova opublikował książkę „Podstawy tańca klasycznego”. Balerina poświęciła drugą połowę swojego życia szkole choreograficznej. Teraz jest to Akademia Tańca, nazwana jej imieniem. Agrippina Vaganova nie została wielką baletnicą, ale jej nazwisko na zawsze zapisało się w historii tej sztuki.
Yvet Shovire (ur. 1917). Ta baletnica to prawdziwa wyrafinowana paryżanka. Od 10 roku życia zaczęła poważnie angażować się w taniec w Wielkiej Operze. Talent i występ Yvette zostały zauważone przez reżyserów. W 1941 roku została już primabaleriną Opery Garnier. Prawdziwą światową sławę przyniosły jej debiutanckie występy. Następnie Shovire zaczął otrzymywać zaproszenia do występów w różnych teatrach, w tym we włoskiej La Scali. Balerina została uwielbiona rolą Cienia w alegorii Henriego Sauge'a, wykonała wiele ról wyreżyserowanych przez Serge'a Lifara. Spośród klasycznych przedstawień wyróżnia się rola w Giselle, która jest uważana za główną dla Chauvire. Yvette na scenie pokazała prawdziwy dramat, nie tracąc przy tym całej swojej dziewczęcej delikatności. Baletnica dosłownie żyła życiem każdej ze swoich bohaterek, wyrażając na scenie wszystkie emocje. W tym samym czasie Shovire był bardzo uważny na każdy drobiazg, ćwicząc i ćwicząc ponownie. W latach 60. baletnica kierowała szkołą, w której sama kiedyś studiowała. A ostatni występ na scenie Ivet miał miejsce w 1972 roku. W tym samym czasie ustanowiono nagrodę jej imienia. Balerina wielokrotnie koncertowała w ZSRR, gdzie zakochała się w publiczności. Sam Rudolf Nureyev był wielokrotnie jej partnerem po ucieczce z naszego kraju. Zasługi baleriny przed krajem zostały nagrodzone Orderem Legii Honorowej.
Galina Ułanowa (1910-1998). Ta baletnica również urodziła się w Petersburgu. W wieku 9 lat została uczennicą szkoły choreograficznej, którą ukończyła w 1928 roku. Zaraz po przedstawieniu dyplomowym Ulanova dołączyła do trupy Teatru Opery i Baletu w Leningradzie. Już pierwsze występy młodej baletnicy zwróciły na nią uwagę koneserów tej sztuki. Już w wieku 19 lat Ulanova tańczy główną rolę w Jeziorze łabędzim. Do 1944 roku balerina tańczyła w Teatrze Kirowa. Tutaj została uwielbiona rolami w „Giselle”, „Dziadku do orzechów”, „Fontannie Bakczysaraju”. Ale najbardziej znana była jej rola w Romeo i Julii. Od 1944 do 1960 Ułanowa była czołową baletnicą Teatru Bolszoj. Uważa się, że scena szaleństwa w Giselle stała się szczytem jej twórczości. Ulanova odwiedziła w 1956 roku podczas zwiedzania Bolszoj w Londynie. Mówiono, że takiego sukcesu nie było od czasów Anny Pawłowej. Działalność sceniczna Ulanovej oficjalnie zakończyła się w 1962 roku. Ale przez resztę życia Galina pracowała jako choreograf w Teatrze Bolszoj. Za swoją pracę otrzymała wiele nagród - została Artystką Ludową ZSRR, otrzymała Nagrody Lenina i Stalina, dwukrotnie została Bohaterem Pracy Socjalistycznej i zdobywczynią wielu nagród. Wielka baletnica zmarła w Moskwie, została pochowana na cmentarzu Nowodziewiczy. jej mieszkanie stało się muzeum, aw jej rodzinnym Petersburgu Ulanova wzniesiono pomnik.
Alicja Alonso (ur. 1920). Ta baletnica urodziła się w Hawanie na Kubie. Naukę tańca rozpoczęła w wieku 10 lat. W tym czasie na wyspie istniała tylko jedna prywatna szkoła baletowa, prowadzona przez rosyjskiego specjalistę Nikołaja Jaworskiego. Następnie Alicia kontynuowała studia w USA. Debiut na dużej scenie miał miejsce na Broadwayu w 1938 roku w komediach muzycznych. Następnie Alonso pracuje w nowojorskim Balle Theatre. Tam poznaje choreografię czołowych światowych choreografów. Alicia wraz ze swoim partnerem Igorem Juszkiewiczem postanowili rozwijać balet na Kubie. W 1947 roku tańczyła tam w "Jeziorze łabędzim" i "Apollo Musageta". Jednak w tym czasie na Kubie nie było tradycji baletu, nie było sceny. A ludzie nie rozumieli takiej sztuki. Dlatego zadanie stworzenia Baletu Narodowego w kraju było bardzo trudne. W 1948 roku odbył się pierwszy występ Baletu Alicia Alonso. Rządzili nim pasjonaci, którzy sami stawiali swoje liczby. Dwa lata później baletnica otworzyła własną szkołę baletową. Po rewolucji 1959 roku władze zwróciły uwagę na balet. Zespół Alicii rozrósł się do pożądanego Narodowego Baletu Kuby. Balerina dużo występowała w teatrach, a nawet na placach, jeździła w trasy koncertowe, była pokazywana w telewizji. Jednym z najbardziej uderzających obrazów Alonso jest rola Carmen w balecie o tej samej nazwie z 1967 roku. Balerina była tak gorliwa w tej roli, że zabroniła nawet wystawiania tego baletu z innymi wykonawcami. Alonso podróżował po świecie, otrzymując wiele nagród. A w 1999 roku otrzymała medal Pablo Picasso od UNESCO za wybitny wkład w sztukę tańca.
Maja Plisiecka (ur. 1925). Trudno zaprzeczyć, że jest najsłynniejszą rosyjską baletnicą. A jej kariera okazała się rekordowo długa. Maya pochłonęła swoją miłość do baletu jako dziecko, ponieważ jej wujek i ciocia byli również znanymi tancerzami. W wieku 9 lat utalentowana dziewczyna wstępuje do Moskiewskiej Szkoły Choreograficznej, aw 1943 roku młody absolwent wchodzi do Teatru Bolszoj. Tam jej nauczycielką została słynna Agrypina Waganowa. W ciągu zaledwie kilku lat Plisetskaya przeszła od corps de ballet do solisty. Znacząca dla niej była inscenizacja „Kopciuszka” i rola Jesiennej Wróżki w 1945 roku. Potem były już klasyczne produkcje „Raymonda”, „Śpiąca królewna”, „Don Kichot”, „Giselle”, „Mały garbaty koń”. Plisetskaya zabłysła w „Fontannie Bakczysaraju”, gdzie mogła zademonstrować swój rzadki dar - dosłownie przez kilka chwil wisieć w skoku. Baletnica brała udział jednocześnie w trzech przedstawieniach Spartakusa Chaczaturiana, grając tam partie Eginy i Frygii. W 1959 roku Plisetskaya została Artystką Ludową ZSRR. W latach 60. wierzono, że Maya była pierwszą tancerką Teatru Bolszoj. Balerina miała dość ról, ale nagromadziło się twórcze niezadowolenie. Wyjściem była „Carmen Suite”, jeden z głównych kamieni milowych w biografii tancerza. W 1971 roku Plisetskaya wystąpiła także jako aktorka dramatyczna, grając w Annie Kareninie. Na podstawie tej powieści powstał balet, którego premiera odbyła się w 1972 roku. Tutaj Maya próbuje się w nowej roli – choreografa, co staje się jej nowym zawodem. Od 1983 roku Plisetskaya pracuje w Operze Rzymskiej, a od 1987 roku w Hiszpanii. Tam prowadzi trupę, stawia swoje balety. Ostatni występ Plisieckiej odbył się w 1990 roku. Wielka baletnica została obsypana wieloma nagrodami nie tylko w swojej ojczyźnie, ale także w Hiszpanii, Francji, na Litwie. W 1994 roku zorganizowała międzynarodowy konkurs, nadając mu swoje imię. Teraz „Maya” daje szansę na przebicie się młodym talentom.
Ulyana Łopatkina (ur. 1973).Światowej sławy baletnica urodziła się w Kerczu. Jako dziecko dużo uprawiała nie tylko taniec, ale także gimnastykę. W wieku 10 lat, za radą matki, Ulyana wstąpiła do Akademii Baletu Rosyjskiego Vaganova w Leningradzie. Tam Natalia Dudinskaya została jej nauczycielką. W wieku 17 lat Lopatkina wygrał Ogólnorosyjski Konkurs Vaganova. W 1991 roku baletnica ukończyła akademię i została przyjęta do Teatru Maryjskiego. Ulyana szybko zdobyła dla siebie partie solowe. Tańczyła w „Don Kichocie”, „Śpiącej królewnie”, „Fontannie Bakczysaraju”, „Jeziorze łabędzim”. Talent był tak oczywisty, że w 1995 roku Łopatkina została prima jej teatru. Każda jej nowa rola zachwyca zarówno publiczność, jak i krytyków. Jednocześnie sama baletnica interesuje się nie tylko rolami klasycznymi, ale także współczesnym repertuarem. Tak więc jedną z ulubionych ról Ulyany jest rola Banu w „Legendzie miłości” w reżyserii Jurija Grigorowicza. Co najlepsze, balerinie udaje się w roli tajemniczych bohaterek. Jego charakterystyczną cechą są wyrafinowane ruchy, nieodłączny dramatyzm i skok wzwyż. Publiczność wierzy tancerce, ponieważ na scenie jest absolutnie szczera. Łopatkina jest laureatką wielu krajowych i międzynarodowych nagród. Jest artystką ludową Rosji.
Anastazja Wołoczkowa (ur. 1976). Balerina wspomina, że w wieku 5 lat określiła swój przyszły zawód, który ogłosiła mamie. Volochkova ukończyła także Akademię Vaganova. Natalia Dudinskaya została także jej nauczycielką. Już na ostatnim roku studiów Volochkova zadebiutowała w Teatrach Maryjskim i Bolszoj. Od 1994 do 1998 roku balerina miała w repertuarze główne role w Giselle, Ognistym ptaku, Śpiącej królewnie, Dziadku do orzechów, Don Kichocie, La Bayadère i innych przedstawieniach. Z trupą Teatru Maryjskiego Volochkova podróżowała po pół świata. Jednocześnie baletnica nie boi się występować solo, budując karierę równolegle z teatrem. W 1998 roku baletnica otrzymała zaproszenie do Teatru Bolszoj. Tam znakomicie wciela się w rolę Księżniczki Łabędzi w nowej produkcji Jeziora Łabędziego Władimira Wasiljewa. W głównym teatrze kraju Anastasia otrzymuje główne role w La Bayadère, Don Kichot, Raymond, Giselle. Specjalnie dla niej choreograf Dean tworzy nową rolę wróżki Carabosse w Śpiącej królewnie. Jednocześnie Volochkova nie boi się wykonywać nowoczesnego repertuaru. Warto zwrócić uwagę na jej rolę Carskiej Dziewicy w Małym garbatym koniu. Od 1998 roku Volochkova aktywnie podróżuje po świecie. Otrzymuje nagrodę Złotego Lwa jako najbardziej utalentowana baletnica w Europie. Od 2000 roku Volochkova opuściła Teatr Bolszoj. Zaczyna występować w Londynie, gdzie podbiła Brytyjczyków. Volochkova wróciła na krótki czas do Bolszoj. Pomimo sukcesu i popularności administracja teatru odmówiła przedłużenia umowy na zwykły rok. Od 2005 roku Volochkova występuje we własnych projektach tanecznych. jej nazwisko jest ciągle słyszane, jest bohaterką felietonów plotkarskich. Utalentowana baletnica niedawno śpiewała, a jej popularność wzrosła jeszcze bardziej po tym, jak Volochkova opublikowała swoje nagie zdjęcia.
Konsekwencją francuskiej rewolucji burżuazyjnej było usunięcie ze służby publicznej nierzetelnych cudzoziemców. W rezultacie balet rosyjski mógł liczyć na własną kadrę, z których pierwszym był Iwan Walberch w 1786 r., Kierujący petersburską szkołą baletową.
Sentymentalizm w baletach I. Valberkha
Zafascynowany sentymentalizmem Karamzina Walberg zadebiutował w 1795 roku baletem Happy Repentance. Na podstawie fabuły mitologicznej inscenizował „balety moralne”, które miały budzić uczucia moralne. Ten choreograf zwrócił uwagę na realistyczną fabułę i kostium. Jego praca została zawieszona, gdy Paweł I nakazał wysłanie tancerzy płci męskiej do służby w wojsku. Mimo to w 1799 roku wystawił nowatorski balet „Nowy Werter” z życia współczesnego społeczeństwa.
Spektakle taneczne Didlo - kształtowanie się repertuaru narodowego
Występy w stylu empirowym francuskiego choreografa Didelota, który pracował w Rosji w latach 1801-1811, przypadły do gustu rosyjskim dworzanom. Jego anakreontyczne balety Apollo i Dafne, Zefir i Flora, Pasterz i Hamadriada, Kupidyn i Psyche imponowały gracją (tancerze występowali w sandałach) i słynnymi lotami grupowymi, które zapewniała prosta mechanika sceniczna.
W wyniku prac tych choreografów do 1805 r narodowy repertuar baletowy. Wojna Ojczyźniana 1812 r., która potem nastąpiła, stała się wkrótce przyczyną pojawienia się patriotycznych dywersji, w których E.I. Kołosow. Na początku XIX wieku pojawiły się balety oparte na fabułach, z których największym dziełem stał się balet Rusłan i Ludmiła, wystawiony przez ucznia Dydły, Adama Głuszkowskiego.
Powstanie rosyjskiej szkoły tańca klasycznego
Dzięki pracy Didlo, który rozumiał potrzebę reformy tańca scenicznego i uważał go za główny element akcji dramatycznej, powstało Rosyjska szkoła tańca klasycznego.
To Didlo założył Danilova na pointy w 1808 roku. Technika palcowa przyniosła baletnice do głównych ról.
Wśród ówczesnych tancerzy pantomimy wyróżniali się Istomin, któremu zadedykował wiersze A.S. Puszkin.
Moskiewska szkoła baletowa koncentrowała się na produkcji solistów, szkoła petersburska szkoliła corps de ballet.
Kostium baletowy zaczął wykorzystywać damski kolorowy stanik, męską bambuskę i tunikę. Mężczyźni zaczęli korzystać ze wsparcia naziemnego i powietrznego. Baleriny tańczyły w satynowych balerinkach z pikowanym noskiem. Charakterystyczne tańce wykonywano w zamszowych lub skórzanych butach na obcasach. W 1825 roku w Moskwie otwarto Teatr Bolszoj Pietrowski.
Balet romantyczny XIX wieku w Rosji
Włoski choreograf Taglioni chciał zrobić ze swojej córki Marii słynną baletnicę, pomimo jej słabych danych. Aby to zrobić, zmodyfikował produkcje, komplikując je technicznie i faktycznie tworząc romantyczny kierunek. Gwiazda M. Taglioniego zapaliła się w balecie "La Sylphide" do muzyki Schneitzhofera. W 1837 roku ten balet był teatralny w Petersburgu. Równolegle z Taglionim E. Sankovskaya tańczyła partię Sylph w Moskwie. Były one nieustannie porównywane przez publiczność, co przyczyniło się do postępu sztuki. Pokazanych wcześniej „Fenelli” i „Zakochanej Bayadere” nie dało się porównać z tym dziełem. Szczytem baletu romantycznego była Giselle Adama, która w 1842 roku podbiła Petersburg. Jej twórca, J. Perrot, wkrótce zaczął kierować petersburską trupą baletową i wystawił Esmeraldę, w której opracował „efektowny” poruszający akcję taniec.
Ten balet do muzyki Pugniego oparty na fabule V. Hugo otworzył nową erę sztuki baletowej. Orientacja socrealistyczna została jeszcze bardziej zintensyfikowana w kolejnym dziele Perraulta, balecie Catharina, Córka zbójnika. Następnie carska cenzura uniemożliwiła Perrault wystawianie takich baletów. „Wojna kobiet, czyli Amazonki XIX wieku” wywołała krytykę władz po „Katarinie”. Choreograf musiał przejść na tematy rozrywkowe ("Najada i rybak", "Niesforna żona", "Marco Bomba", "Kandydat"). Jednak pod koniec kariery Perrault podjął się poważnej pracy – wyreżyserował Fausta i Le Corsaire.
Realistyczni tancerze baletowi
Pasja Fanyi Elsler do hiszpańskich tańców ludowych i umiejętność kreowania wizerunku na scenie doprowadziły baletnicę do światowej sławy. Jej tournée w 1848 roku odbyło się w Rosji z wielkim sukcesem. Moskiewska publiczność oklaskiwała ją za Lisę z Próżnej ostrożności i Olgę z Rosyjskiej sieroty. Pod kierunkiem N. Peszkowa (ucznia Łobanowa) Elsler studiował taniec rosyjski, co dało nowy impuls rozwój ludowego tańca estradowego. W tym samym duchu pracowała wybitna rosyjska tancerka E. Andriyanova, która swego czasu studiowała technikę w klasie ks. M. Taglioniego. Po trasie koncertowej Elslera zaczęła też tańczyć zmodyfikowane tańce ludowe („Saltarello”, „Lezginka” itp.). Jej role w Paquicie i Fontannie Bakczysaraju były niejednoznacznie postrzegane przez współczesnych, ale pozostawiły znaczący ślad w historii. Długimi podróżami po prowincjach i za granicą imperium Andriyanova promowała nową sztukę choreograficzną.
17 stycznia 1799 r. Urodziła się baletnica rosyjskiego teatru cesarskiego Evdokia Istomina. Życie tancerki przypominało fabułę powieści. Kim była ta piękność, którą śpiewał Puszkin, z powodu której jej fani spotykali się w pojedynkach na śmierć?
Dziewczyna z niskiego społeczeństwa
Evdokia Istomina urodziła się w rodzinie pijanego policjanta Ilyi Istomina i jego żony Anisyi. W wieku sześciu lat Dunya została sierotą. Zawód artysty na początku XIX wieku nie był uważany za prestiżowy, a dzieci do szkoły sprowadzano z reguły z klas niższych. Ktoś ze znajomych, który pozostał nieznany, zaopiekował się sierotą, a Istomina została zabrana na pełne wyżywienie do szkoły teatralnej, gdzie uczył sam mistrz tańca, słynny Charles-Louis Didelot.
Istomina, podobnie jak wszyscy inni uczniowie, wcześnie zaczęła pojawiać się na scenie: już w wieku dziewięciu lat brała udział w corps de ballet spektaklu Zefir i Flora.
W wieku siedemnastu lat, zaraz po ukończeniu szkoły, Istomina, ulubiona uczennica Didelota, została przyjęta do petersburskiej trupy teatrów cesarskich. Po udanym debiucie w balecie „Acis and Galatea” młoda piękna baletnica natychmiast zajęła wiodącą pozycję w trupie. Warto zauważyć, że tancerz pojawił się na scenie w dramatycznych produkcjach. W XIX wieku wierzono, że artysta powinien umieć wszystko.
Wirtuozowska tancerka Istomina była pierwszą rosyjską baletnicą, która robiła pointe, i trzecią na świecie w balecie (wyprzedziły ją tylko Marie Taglioni i Genevieve Gosselin).
Fatalne piękno półświata
Piękna baletnica od razu przyciągnęła uwagę wymagającej metropolitalnej publiczności. Pimen Arapow, słynny rosyjski bywalca teatru tamtych czasów, wspominał: „Istomina była średniego wzrostu, brunetka, pięknego wyglądu, bardzo szczupła, miała czarne ogniste oczy pokryte długimi rzęsami, co nadawało jej szczególnego charakteru fizjonomii, miała wielka siła w nogach, zwinność na scenie a przy tym gracja, lekkość, szybkość w ruchach..."
Podobnie jak na scenie, w skandalicznej kronice tamtych czasów młoda Dunya Istomina była w pierwszych rolach. Arystokratyczni wielbiciele zabiegali o jej przychylność. Śmiertelna piękność wywołała pojedynek, w którym czterech arystokratów z wyższych sfer zastrzeliło się od razu z powodu 18-letniej aktorki. Ta tragiczna historia, która wydarzyła się jesienią 1817 roku, zapisała się w pamięci jako „pojedynek na cztery osoby”.
Zwyczaje tamtych czasów pozwalały na traktowanie pięknych i biednych baletnic jako utrzymywanych kobiet. Evdokia Istomina była kochanką Wasilija Szeremietiewa przez dwa lata, aż pewnego dnia wybuchła między nimi kłótnia, a tancerka uciekła od swojego patrona. Wietrzna piękność przez chwilę poczuła się wolna od zobowiązań i przyjęła zaproszenie swojego przyjaciela Aleksandra Gribojedowa (autora Biada dowcipowi) do noclegu u komornika Zawadowskiego, bogacza i helisy znanego w całym Petersburgu. Istomina wkrótce pogodziła się z Szeremietiewem, ale plotki o szczególnej gościnności Zawadowskiego rozeszły się po stolicy. Ranny Szeremietiew wyzwał sprawcę na pojedynek, a jego bliski przyjaciel Aleksander Jakubowicz (przyszły dekabrysta), który zgodził się zostać jego drugim, uznał Gribojedowa za sprawcę skandalu i wezwał go do zastrzelenia się.
Pojedynkujący się spotkali się 24 listopada 1817 roku na Wołkowym Polu. Walczyć miały obie pary: najpierw inicjatorzy pojedynku, potem ich sekundanci. Ale strzał Zawadowskiego był udany: śmiertelnie zranił Szeremietiew w brzuch. I postanowiono przełożyć drugi pojedynek. Ten przełożony pojedynek odbył się rok później, jesienią 1818 roku, w Tyflisie, gdzie obaj pojedynkujący się zgodnie z wolą losu trafili. Jakubowicz postrzelił Gribojedowa w lewą dłoń (kilka lat później, w lutym 1829 r., z tej rany zostanie zidentyfikowane ciało Gribojedowa, który zginął podczas niszczenia ambasady rosyjskiej w Teheranie). Gribojedow wystrzelił w powietrze.
Nogi Istominy, śpiewane przez Puszkina
Tragiczny incydent nie miał wpływu na karierę Istominy. Utalentowana baletnica błyszczała w głównych rolach w prawie wszystkich produkcjach swojego nauczyciela Charlesa Didelota. 15 stycznia 1823 r. odbyła się premiera baletu „Więzień Kaukazu, czyli cień panny młodej” na podstawie wiersza A.S. Puszkin. Istomina zagrała rolę Czerkieszenki. Poeta przebywał wówczas na wygnaniu w Kiszyniowie. Dowiedziawszy się o spektaklu, napisał do swojego brata w Petersburgu: „Napisz do mnie… o Czerkieskiej Istominie, którą kiedyś ciągnąłem jak więzień Kaukazu”. Puszkin i Istomina byli w tym samym wieku, obracali się w tym samym kręgu wyższych sfer. Poeta był wielbicielem talentu baletnicy, poświęcił jej tańcowi nieśmiertelne kwestie w balecie „Acis i Galatea”:
„Genialny, półpowietrzny,
posłuszny magicznemu łukowi,
Otoczony tłumem nimf
Warto Istomin; Ona,
Jedna stopa dotykająca podłogi
Kolejny powoli się kręci
I nagle skok, i nagle leci,
Leci jak puch z paszczy Eola;
Teraz obóz będzie sowiecki, potem się rozwinie,
I bije swoją nogę szybką nogą.
Puszkin planował napisać powieść o życiu baletnicy Istominy. Tytuł przyszłej książki - "Dwóch tancerzy" - był już wymyślony. Podstawą fabuły miała być sprawa z pojedynkiem wielbicieli piękna. Poeta zmarł nie mając czasu na realizację swojego planu.
Smutny zachód słońca gwiazdy baletu
Evdokia Istomina służyła w Imperial Ballet przez dwadzieścia lat. W ostatnich latach swojej kariery występowała coraz mniej: nie było śladu po jej dawnej młodzieńczej lekkości, a gruba baletnica nie wyglądała już na scenie. Avdotya Panaeva tak ją wspominała przez te lata: „Widziałem Istominę już jako ciężką, grubą, starszą kobietę. Chcąc wyglądać młodzieńczo, zawsze była wybielana i różowana. Jej włosy były kruczoczarne: mówiono, że je farbuje… „Z wiekiem taniec stał się dla niej męczący, bolały ją nogi. Pensja starszego artysty została zmniejszona o połowę. Napisała do dyrekcji teatru: „W 20. roku od ukończenia szkoły zarzucają mi, że mój repertuar się zmniejszył…
Jaka jest moja wina, że nie ma już tych baletów? A co się wydarzyło w ostatnim roku mojej służby? Istomina poprosiła na koszt publiczny o wysłanie jej nad wodę w celu poprawy jej zdrowia. Panujący w tym czasie Mikołaj I osobiście napisał rezolucję do jej petycji: „Aby teraz całkowicie zwolnić Istomina ze służby”. Przyczyną wrogości dworu królewskiego do słynnej baletnicy były słynny „pojedynek czterech” i przyjacielskie stosunki Istominy z dekabrystami.
Ostatni raz Evdokia Istomina pojawiła się na scenie 30 stycznia 1836 roku, w wieku 37 lat. Nie było pełnej roli dla jej pożegnalnego wyjścia - słynna tancerka w przeszłości wykonywała tylko taniec rosyjski.
Wkrótce po zwolnieniu z teatru Istomina wyszła za mąż za Wasilija Godunowa, młodego i przystojnego, ale według współczesnych przeciętnego aktora. Smutek byłej baletnicy był niepocieszony, gdy młody mąż wkrótce zmarł na tyfus. Nawiasem mówiąc, kolejnym mężem Evdokii Ilyinichny był aktor dramatyczny Pavel Ekunin, wspaniały tancerz, który był rosyjskim partnerem tanecznym na benefisowym występie baletnicy.
Evdokia Ilyinichna Istomina zmarła 8 lipca 1848 r., Kiedy w Petersburgu wybuchła epidemia cholery. Mąż baletnicy, Paweł Ekunin, przeżył ją tylko kilka miesięcy, również umierając na cholerę. Pogrzeb byłego celebryty przebiegł spokojnie. Na nagrobku z małym pomnikiem z białego marmuru widnieje skromny napis: „Evdokia Ilyinichna Ekunina, emerytowana artystka”.
