Najsłynniejsze obrazy Claude'a Moneta. Piękne i słynne obrazy Claude'a Moneta

Sztuka i projektowanie

15151

23.01.15 11:24

Surowy ojciec (nic dziwnego, że kierował departamentem francuskiego Ministerstwa Sprawiedliwości) Auguste Manet zabronił synowi malować - chciał, aby syn kontynuował pracę i został prawnikiem. Ale wbrew woli rodzinnego despoty Edward stał się znanym artystą, jednym z najjaśniejszych przedstawicieli impresjonizmu. Najsłynniejsze obrazy Maneta zdobią Luwr, muzea w Berlinie i inne słynne kolekcje malarstwa.

Martwe natury mistrza

Luwr przechowuje jedno z tych arcydzieł o prostej nazwie „Białe piwonie”. Już w tej pracy przejawia się charakterystyczny sposób Francuza - szerokie pociągnięcia, powściągliwa paleta. Para bujnych kwiatów na ciemnym tle - i nic więcej, ale jakże żywy!

Na początku swojej kariery, po podróży do Brazylii, która wzbogaciła wewnętrzny świat przyszłego geniusza pędzla, Edouard Manet malował głównie pejzaże i martwe natury. Wrócił do nich pod koniec życia. „Martwa natura z łososiem” odnosi się do roku 1969. Malarz był znanym smakoszem - jak wielu jego rodaków. Patrzysz na takie prace - a ślinka cieknie!

Te kuszące kobiece obrazy

Mistrza przyciągała nie tylko „martwa natura”, ale także portrety. Jednym z nich jest Madame Manet na niebieskiej sofie. Holenderska Susanna Leenhof była nauczycielką muzyki dla młodszych braci artysty. Mówią, że głowa rodziny, Auguste, została porwana przez dziewczynę. Sam Edward również szalał za Suzanne, ich romans trwał prawie dekadę. Po śmierci kapłana Manet mógł poślubić wybranego. Jest matką jego syna Leona i jego ulubionej modelki.

Lola z Walencji to kolejny z najsłynniejszych obrazów Maneta. Przysadzisty Hiszpan jest przedstawiony przez Maneta na tle kulis. Tutaj bardzo dokładnie rozpisuje wszystkie szczegóły - zarówno wygląd najbardziej pozującej kobiety, jak i jej misterny strój. Każda fałda ubrania, wzorzyste krzywizny i blask biżuterii – wszystko na tym portrecie odgrywa swoją szczególną rolę.

Zupełnie inny nastrój przekazuje wizerunek ubierającej się damy z półświatka - „Nana”. Poranek przedstawicielki najstarszej profesji zaczyna się od zwykłej toalety, wciąż jest w negliżu (w gorsecie i koszuli). Hałaśliwy wieczór jeszcze daleko, a na twarzy diabła błąka się niejasny uśmiech. Artystce pozowała niejaka Henrietta, która zasłynęła z romansów.

Ulubione miejsca w Paryżu

Sceny rodzajowe stopniowo zastępowały dawne artystyczne upodobania paryżaniny. Inspiracje czerpał z różnych miejsc w swoim ukochanym mieście. Jednym z takich miejsc był Ogród Tuileries – bohema lubiła w nim spacerować w niedziele. Obraz „Muzyka w ogrodzie Tuileries” przedstawia wiele postaci, ale twarze są rozmyte - to płótno należy oglądać z dość dużej odległości, inaczej zobaczysz tylko rozmyte plamy.

Przy słowach „Kolej” prawdopodobnie wyobrażasz sobie sapiącą potężną lokomotywę parową lub szybki nowoczesny pociąg pędzący po szynach w dal. Ale Edouard Manet nie jest taki prosty! Obrazy mistrza są czasami bardzo warunkowe. Tutaj, w słynnym dziele Francuza „Kolej”, stalowa linia jest tylko zgadywana - tam, za ciężką żelazną kratą, do której przylgnęło dziecko. A jej matka (a może guwernantka?) siedzi obok, trzymając w rękach książkę i psa.

Wśród kwiatów i przy stole

Czujna kamera wychwyciła też inne sceny rodzajowe – oto para rozkoszująca się zapachem kwitnących roślin („W szklarni”).

A oto kolejna para - pogrążeni w spokojnej rozmowie przy nakrytym stole, aw tle kelner wpatruje się w tę dwójkę, niosąc komuś zamówienie. Obraz nosi tytuł „W tawernie Papa Lathuille”.

Arcydzieła Maneta - obrazy, które wywołały kontrowersje

Cały ten sam Quiz Myoran (kobieta z obrazu „Kolej”), zupełnie nagi, pojawia się przed publicznością niesławnego „Śniadania na trawie”. Autorowi zarzucano dekadencję i bezwstyd. Zastanawiam się, co myślał artysta, kiedy przedstawiał nagą kobietę patrzącą prosto na ciebie, w towarzystwie mężczyzn (którzy w przeciwieństwie do towarzysza są ubrani)? Nawiasem mówiąc, brat malarza i przyszły szwagier pozowali dla krewnego.

Olympia wywołała jeszcze więcej kontrowersji w swoim czasie (1863). Francuz namalował go na Salon Paryski, gdzie obraz został wygwizdany przez publiczność. Jakby Manet był pierwszym autorem, który obnosił się z kobiecym ciałem! Renesans słynie z arcydzieł w stylu aktów, ale co z „Danaë” Rembrandta?... Teraz arcydzieło znajduje się w zbiorach Musée d'Orsay w Paryżu.

Łabędzi śpiew mistrza

Przed przedwczesną śmiercią maestro stworzył swoje ostatnie płótno - „Bar w Folies Bergère”. Stał się eksponatem innego Salonu Paryskiego (1882). Scena na zdjęciu to bar znajdujący się na pierwszym piętrze popularnego wielkomiejskiego programu rozrywkowego. Tam malarz rozpoczął pracę nad swoim dziełem. Centralną postacią jest barmanka za ladą, patrząca tęsknym wzrokiem na widza, aw tle biega pstrokaty tłum. Mistrzowi udało się przekazać tę „samotność w tłumie” po prostu genialnie! Ostatniego dnia kwietnia 1883 roku Edouard Manet zmarł, ale jego obrazy są nieśmiertelne.

Bardzo często ten artysta jest mylony z innym artystą Edouardem Manetem. Obaj są artystami, ale o zupełnie innym stylu... Choć nawet gdzieś się zbiegają w swoich płótnach, to jednak są różni. Tak, i mają różne sposoby rozpoczęcia rozwoju. Ale wciąż o Claude Monet. Ten artysta zaczynał jako karykatura. Tak, z bardzo być może lekkiego i niełatwego gatunku malarstwa. Jego karykatury pojawiały się ze szkolnej ławki, kiedy nie chcąc się uczyć, rysował coraz więcej. Rysowałem kolegów z klasy, nauczycieli, sąsiadów. Monet nie spełnił nadziei swoich rodziców, nie kontynuował dzieła ojca, ale zasłynął w całym Le Havre, to miasto, w którym mieszkał, dzięki swoim karykaturom. Co więcej, ku zaskoczeniu rodziców, zaczął na tym zarabiać, sprzedając swoje prace tym, których portretował, za dwadzieścia franków. Karykatur było tak dużo, że w lokalnym sklepie były wystawione w kilku rzędach na wystawie. Tam, na tej gablocie, sprzedawano obrazy innego artysty, Eugene'a Boudina. Wręcz przeciwnie, prace tego artysty nie były cenione, a nawet uważane za wulgarne, chociaż były to tylko lokalne pejzaże. A młody Monet był wściekły, że prace Boudina zajmowały dużo miejsca i nie mógł umieścić swoich więcej. Właściciel sklepu wielokrotnie próbował je wprowadzić, ale wciąż nie wychodziło. Ale kiedy to się stało i od tego czasu uważa się, że Monet zaczął zmieniać się z karykaturzysty w malarza.

To Boudin został pierwszym nauczycielem Moneta. To on dał mu pierwsze umiejętności malarza. Nauczył mnie rysować nie tylko karykatury, ale także po prostu przedstawiać pejzaże, martwe natury, portrety. I otworzył inny świat malarstwa, ten wewnętrzny, który nie dla każdego jest widoczny.

W jakiś sposób potem prawie wszystko zaczęło pomyślnie nabierać kształtu. To Boudin nalegał, aby facet odwiedził Paryż i spróbował dowiedzieć się o wstąpieniu do Akademii Sztuk Pięknych. Rodzice Moneta nie byli ani przeciw, ani za… wahali się, ale mimo to pozwolili synowi po prostu udać się na rekonesans… I Claude Monet wylądował w Paryżu. I od razu odwiedził wystawę artystów, potem sam pokazał swoją pracę. Byli chwaleni, ale wciąż zwracali uwagę na pewne niedociągnięcia. Monet postanawia zostać w Paryżu tak długo, jak to możliwe. Rodzice przestali pomagać, bo syn nie zamierzał się uczyć. Dobrze, że znalazła się ciocia, która zapewniła pieniądze, a potem rzeczywiście uratowała mu życie, wykupując go z wojska, gdzie udało mu się złapać „modną” chorobę – dur brzuszny. Była wtedy próba wstąpienia na Uniwersytet na Wydziale Artystycznym, ale tam mu się znudziło i wyjechał. I trafia do studia Gleyera. Tam poznaje Bazylego, Sisleya i Renoira. To właśnie ci artyści stali się później kręgosłupem grupy impresjonistów i ogólnie kierunkiem artystycznym w ogóle - impresjonizmem, to Claude Monet nadał nazwę temu kierunkowi. A wszystko zaczęło się od jego płótna - „Impresja. Wschodzące słońce". To początek tego, co wciąż wielu zadziwia, a jednocześnie budzi wiele kontrowersji. Uwaga do tej pory.

Co więcej, Monet nie został złamany przez osobiste straty. Stracił pierwszą żonę, potem, ożeniwszy się po raz drugi, stracił i tę żonę. Najgorsza jest strata syna. A potem on sam ciężko zachorował, a ta choroba groziła mu tym, że przestanie malować. Podwójna zaćma to choroba, która stanęła mu na drodze, ale po dwóch operacjach nie porzucił talentu i tworzył dalej. I wtedy stało się coś nieoczekiwanego: w wyniku operacji i zmian w oku zaczął widzieć kolory w ultrafiolecie. A ponieważ niektóre kolory widział zupełnie inaczej. Do ostatniego dnia Monet nie opuścił pędzla, malował płótna i nadal zadziwiał swoich fanów swoim talentem.

Aleksiej Wasin

kreacja

Gwałtowny rozwój malarstwa europejskiego pod koniec XIX wieku wywołał mimowolny kryzys tego gatunku. Mimo że Europa tamtych lat dała światu wielu utalentowanych artystów, społeczeństwo odczuwało zmęczenie tematami społecznymi, które stały się zbyt powszechne w malarstwie. Wśród samych artystów panowało niezadowolenie.

Claude Monet, uważany za twórcę francuskiego impresjonizmu, na początku swojej kariery spotkał się zarówno z odrzuceniem ruchu, który zapoczątkował, jak iz entuzjastyczną pasją do niego. Wszystko zaczęło się od tego, że artysta po powrocie z Londynu stworzył w jeden wieczór pejzaż przedstawiający zachodzące słońce, oświetlające morze czerwonymi promieniami. Monet nazwał obraz po prostu „Wschód słońca. Wrażenie".

Chciał w ten sposób podkreślić, że nie starał się dokładnie naszkicować natury, a jedynie oddać wrażenie tego, czego doświadczył patrząc na wschód słońca. Zdjęcie wywołało nieoczekiwaną sensację. Niektórzy krytycy byli niezadowoleni z tak frywolnego podejścia do malarstwa, inni byli zachwyceni, gdy odkryli nowy sposób przekazywania rzeczywistości.

Impresjonizm (z francuskiego „impresja”) charakteryzuje się subtelnym podejściem do ukazywania rzeczywistości. Naszkicowane jest tylko pierwsze wrażenie, ruch faktury ubrań, włosów, drzew, wody, a nawet powietrza oddany dynamicznymi pociągnięciami. Obrazy impresjonistów są zwiewne, ruchliwe, pełne czystych kolorów i delikatnych półtonów.

Obrazy Moneta są w pełni zgodne z tym stylem. Na początku XX wieku artysta stworzył serię pejzaży, które sławiły go przez wiele dziesięcioleci. Takie płótna to „Lilie wodne”, „Mannaport”, „Lilie wodne”, „Pole maków w Argenteuil”. Wszystkie te obrazy są malowane lekkimi pociągnięciami, które oddają oddech i tkaninę żywej i nieożywionej materii. Społeczeństwo, zmęczone poważnymi tematami, reagowało z wdzięcznością i entuzjazmem na proste tematy na obrazach Moneta.

Artysta koncentruje się na oddaniu nastroju tego samego miejsca w różnych porach roku i dnia. Wtedy rodzi się słynna seria obrazów „Stóg siana”. Przedstawiając w kółko ten sam temat, Monet znajduje nowe punkty widzenia, nowe rozwiązania w przekazywaniu rzeczywistości.

Artystę charakteryzuje szczególny sposób postrzegania i styl oddawania bieli. W jego obrazach wydaje się, że czysta biel nie istnieje. Zamiast tego białe lilie wodne i biała piana na falach, a chmury mają niebieskawe, niebieskawe i liliowe odcienie. Monet, podobnie jak reszta impresjonistów, unikał czerni w swoich obrazach. Zamiast tego użyli fioletowej farby.

Wiele obrazów Moneta charakteryzuje się romantycznym i przewiewnym postrzeganiem miejskich krajobrazów. Obraz artysty „Budynek parlamentu o zachodzie słońca” jest jednym z najdroższych obrazów na świecie. Monetowi udało się uchwycić tam londyński parlament, spowity słynną mgłą i chmurami.

Obrazy Claude'a Moneta są swego rodzaju miarą artystycznej wartości impresjonizmu. Jego płótna zdobią obrazy największych światowych muzeów, w tym Ermitażu w Petersburgu i Muzeum Puszkina w Moskwie.

Igor Czergiko

Impresjonizm

Zasada optycznego mieszania barw, oparta na realnie widzianych i realizowanych przez artystę zjawiskach natury, była wykorzystywana przez mistrzów impresjonizmu z dużą swobodą twórczą. Szczególna wyrazistość faktury ich obrazów nie jest celem samym w sobie, ale koniecznym sposobem wyrażenia tych twórczych aspiracji. Impresjoniści „starali się pozostawić w malarstwie ślady tego, jak to zostało wykonane. Chcieli, aby widz nie zapomniał, że jest na granicy złudzenia lustra i płótna poplamionego farbami, pisze M. V. Alpatov. „Tylko wtedy dokona się na jego oczach 'cud sztuki'.

Swoiste wrażenie niekompletności obrazów impresjonistów, które tak dezorientowało współczesnego widza, jest konsekwencją chęci uchwycenia ulotności, ruchliwości, „niekonsekwencji” widzialnego świata. Tej swobody i kunsztu pozbawiona jest w dużej mierze późniejsza twórczość neoimpresjonistów (dokładniej dywizjonistów) z ich racjonalną teorią separacji barw i neutralizacji pisma artysty. Chęć impresjonistów do „malowania kolorem”, prawie całkowite zanikanie linii (rysunków) w niektórych pracach bardzo utrudnia, a czasem uniemożliwia odtworzenie ich malarstwa w czerni i bieli.

Impresjoniści byli zasadniczo przeciwni wszelkiemu teoretyzowaniu. Według Moneta sztuka jest „swobodną i sentymentalną interpretacją natury… teorie nie mogą tworzyć obrazów”. Tak zwana teoria impresjonizmu pojawiła się później; opierał się na artystycznych odkryciach mistrzów tego nurtu, na ich zdolności bezpośredniego, intuicyjnego widzenia świata, na figuratywnym, niekonceptualnym myśleniu właściwym impresjonizmowi. Całkowite zaufanie impresjonistów do ich percepcji wizualnej, chęć pisania „tylko tego, co widzą i tak, jak widzą”20, zrodziły w sztuce opartą na wartościach nową konwencjonalność. I w tym miejscu wypada przypomnieć słowa Ch. Baudelaire'a, wypowiedziane przez niego w 1859 r. u progu rodzącego się impresjonizmu: „Czasami to, co świadomie warunkowe, okazuje się nieskończenie bliższe prawdy, a większość naszych pejzażystów kłamie dokładnie ponieważ starają się być zbyt prawdomówni”.

Jednak wraz z rozwojem impresjonizmu, już od końca lat 70. powierzchni, zastąpienie naturalnego widzenia kolorystycznego warunkowymi efektami tonalnymi, „filtrowanie” barwnej różnorodności świata przedstawionego, podział kompozycji na zasadzie przeciwstawiania sobie stref kolorystycznych – cechy łączące impresjonizm z niektórymi nurtami sztuki przełom wieku. A jednak dekoracyjność nigdy nie stała się główną zasadą stylu impresjonistycznego, nawet w późnym okresie twórczości Moneta: lokalny „płaski” kolor i linearność są obce samej poetyce impresjonizmu.

Jak już wspomniano, impresjonizm nie pojawił się nagle. Wiele jego odkryć zostało przygotowanych przez sztukę XIX wieku, wydawało się, że unoszą się w powietrzu. Przypomnijmy sobie choćby te niesamowite słowa, które O. Balzac włożył w usta starego artysty z opowiadania „Nieznane arcydzieło”: „Ściśle mówiąc, rysunek nie istnieje! Nie śmiej się, młodzieńcze... Linia to sposób, w jaki człowiek uświadamia sobie wpływ oświetlenia na wygląd przedmiotu. Ale w naturze, gdzie wszystko jest wypukłe, nie ma linii: tylko modelowanie tworzy rysunek, czyli wybór obiektu w środowisku, w którym istnieje. Tylko rozkład światła daje widzialność ciał!.. Czyż nie tak działa słońce, boski malarz świata? O naturo, naturo! Komu udało się złapać twoją nieuchwytną formę? Balzac stworzył historię w 1830 roku; jednocześnie w dynamicznym, barwnym malarstwie E. Delacroix, w romantycznych obrazach J. M. W. Turnera, w pejzażach R. P. Boningtona i J. Constable'a z ich nieustannie zmieniającym się niebem, co później wykorzystali urodzeni impresjonizm. Do bezpośrednich poprzedników Moneta, C. Pissarro i A. Sisleya, należą C. Corot, pejzażyści ze szkoły Barbizon (zwłaszcza najbardziej poetycki z nich - C. Daubigny), a także przyszli nauczyciele Moneta E. Boudin i J. B. Jonkind.

A jednak impresjonizm był zasadniczo nowym słowem w sztuce europejskiej. Teraz, oglądany z dużej odległości czasowej, sam nabrał charakteru „klasycznej” epoki malarstwa francuskiego. Nie można jednak zapominać o tym, że impresjonizm w malarstwie przechodził dość złożoną ewolucję: stopniowo krystalizowała się nowa artystyczna wizja świata, poszczególne (wspomniane wyżej) cechy poetyki impresjonizmu miały stosunkowo większy lub mniejszy stopień znaczenia w różnych czasach i wśród różnych mistrzów. Umownie historię impresjonizmu malarskiego można podzielić na okresy przygotowań (dojrzewania nowej metody) - lata 60. XIX wieku, rozkwit i walka o nową sztukę - lata 70. XIX wieku, początek lat 80. wystawa impresjonistów 1886 zbiegła się z upadkiem grupy) i późno - od lat 90. XIX wieku do końca życia Degasa, Renoira, Moneta.

W żadnym z tych okresów jej rozwoju impresjonizm nie był nurtem absolutnie dominującym w sztuce francuskiej. Równolegle z młodymi artystami kontynuowali pracę JOD Ingres, C. Corot, G. Courbet, J. F. Millet, przedstawiciele starszego pokolenia; historia impresjonizmu chronologicznie obejmuje całą historię tzw. postimpresjonizmu (Van Gogh, Cezanne, Gauguin, także Seurat, Signac, Toulouse-Lautrec). Niemal równocześnie z impresjonizmem narodził się symbolizm w sztuce, za życia najstarszych impresjonistów pojawili się fowiści i narodził się kubizm. Dlatego niektóre aspekty impresjonizmu są teraz znacznie wyraźniej dostrzegane w zwierciadle współczesnych i późniejszych nurtów w sztuce: prawie żaden ze znaczących artystów francuskich końca XIX wieku nie uniknął wpływu impresjonizmu. Twórczo przemyśleli lekcje impresjonizmu i zasadniczo odrzucili wiele z nich, ci artyści poszli dalej i położyli podwaliny pod sztukę naszego stulecia.

W tej „podwójnej perspektywie” impresjonizmu Claude Monet zajmuje bardzo znaczące, ale nie wyłączne miejsce w samym kierunku. Będąc przede wszystkim pejzażystą, starał się przywrócić utracone wyobrażenia o jedności świata, w którym człowiek jest nierozerwalnie związany z naturą, ze swoim otoczeniem. Monet odkrył i prawie całkowicie wyczerpał pewne szczególne cechy impresjonistycznego postrzegania natury, elementy światła i powietrza, czyli plenerową stronę impresjonizmu, pozostawiając innym mistrzom rozwinięcie innych aspektów impresjonistycznej poetyki.

Monet stał się uznanym przywódcą impresjonistów dzięki wyjątkowym cechom jego natury: silna wola, energia i celowość, był w centrum walki o nową sztukę, brał czynny udział w organizowaniu większości wystaw artystów w w tym kierunku prowadził walkę o pośmiertne uznanie twórczości Edouarda Maneta. Zawsze wątpiąc w swoje umiejętności i zawsze poszukując, Monet zawsze wiedział, jak rozweselić swoich przyjaciół, zainspirować ich wiarą w ich siłę. Nawet dla niedowierzającego, zamkniętego w sobie Cezanne'a, który w swojej późniejszej twórczości tak bardzo oddalił się od wszystkich, Monet pozostał jedynym autorytetem, którego opinii niezmiennie słuchał.

Swietłana Murina

Paradoks twórczości Moneta

W dwóch pejzażach namalowanych w Paryżu w święto narodowe 30 czerwca 1878 roku Monet zdaje się ujawniać nam sam proces powstawania obrazu. Gorączkowo spieszy się, by uchwycić widowisko, które przypadkowo otworzyło się z okna – morze trójkolorowych flag powiewających na wietrze, odświętna radość tłumu.

Ledwie zarysowane piony domów przypominają zarysy odchodzącej w dal ulicy, rysunek całkowicie rozpływa się w wirze nasyconych kresek czerwieni, błękitu i bieli. Temperamentny pędzel Moneta w tych pracach antycypuje zmarłego Van Gogha, ale jakże odmienne jest podniecenie artysty, uchwycone pięknem motywu, od wewnętrznego zamieszania, które czyta się w dziełach holenderskiego mistrza! Znów jak w pejzażu „Impresja. Wschód słońca” można stwierdzić paradoks twórczości Moneta: im większa spontaniczność percepcji, zaufanie artysty do oka i pierwsze doznanie, im dalej jest on od obiektywnego postrzegania rzeczywistości, tym bardziej zdeformowany jest podmiot jego obrazu.

Gdyby fotograf uchwycił widok Rue Saint-Denis tego samego dnia, to wszystko, co rozdarte, fragmentaryczne, w procesie stawania się, co jest tak uderzające w obrazie Moneta, wydawałoby się zatrzymane, uporządkowane i być może bardziej prozaiczny. Najmniej Monet osiąga iluzję rzeczywistości: poprzez dekompozycję wizualnego obrazu na odrębne elementy barwne, emancypację koloru oddzielającego się od przedmiotów, odsprzęgnięcie świata materialnego, prowadzi widza do syntezy, holistycznego postrzegania rzeczywistości. przedstawiony. To „sugestywne przekształcenie” obrazu wymaga również od dzisiejszego widza, przyzwyczajonego do wielu skrajności we współczesnej sztuce plastycznej, szczególnego napięcia w obcowaniu z obrazami Moneta.

Jesienią 1878 roku Monet wynajął dom w małym miasteczku Vetheuil niedaleko stolicy. Tutaj wraz z nim, jego ciężko chorą żoną i dwójką dzieci osiedliła się rodzina zbankrutowanego bankiera i kolekcjonera Oshede. Camille Monet zmarła we wrześniu 1879 roku; ostatni raz artystka maluje twarz, ale tym razem twarz Camille wymyka się artyście, jest on zanurzony w niespokojnym morzu przecinających się kresek wyblakłych odcieni fioletu, błękitu, żółci. Ich świetlna sieć jest jak tajemnicza osłona oddzielająca życie od śmierci. Znacznie później Monet powiedział Georgesowi Clemenceau: „Kiedyś, stojąc nad głową zmarłej kobiety, która zawsze była mi bardzo droga, przyłapałem się na tym, że patrzę na jej tragiczne czoło, machinalnie szukając śladów konsekwentnie narastającej degradacji koloru, która śmierć spowodowana na tej nieruchomej twarzy. Odcienie niebieskiego, żółtego, szarego - skąd ja wiem jakie! Do tego doszedłem... Oto jak pod wpływem wrodzonego nam automatyzmu najpierw reagujemy na oddziaływanie koloru, a potem nasze odruchy, niezależnie od naszej woli, ponownie włączają nas w nieświadomy proces monotonne życie. Jak bydło obracające kamień młyński”.

To rozpoznanie pozwala dostrzec ukryty dramat twórczości Moneta. Artystce często i niesłusznie zarzucano beznamiętność, absolutną przewagę percepcji optycznej nad emocjonalną. Tymczasem sama estetyzacja obrazu w tym przypadku obrazu śmierci jest aktem woli przekształcającym pierwotny impuls motywacyjny w przeżycie artystyczne. Uczucie leży u podstaw prac Moneta w nie mniejszym stopniu niż wrażenie wizualne; nawet w pogodnej kontemplacji późnego cyklu „lili wodnych” (porozmawiamy o tym poniżej) brzmią nuty prawdziwej poezji elegijnej. Jasny i optymistyczny nastrój większości dzieł Moneta to strona zwrócona w stronę widza, a także powściągliwa, spokojna maniera artysty, która niezmiennie wzbudza sympatię współczesnych. Dla artystów impresjonistów (przede wszystkim Moneta i Renoira) taki wewnętrzny dysonans między życiem a pracą jest najgłębszą istotą ich sztuki, należy o tym zawsze pamiętać: bez tego ocena twórczości mistrzów impresjonizmu staje się jedno- jednostronne i uproszczone.

Bolesne doświadczenia Moneta, które przyćmiły pierwszy rok jego pobytu w Vetheuil, zostały wyrażone z nieoczekiwaną siłą w ponurych melancholijnych zimowych krajobrazach tego czasu („Efekt śniegu w Vetheuil”, 1878, Luwr, Paryż; „Wejście do Vetheuil” , 1879, Muzeum Sztuki w Göteborgu) z poczuciem samotności i odrętwienia. Sytuacja finansowa Moneta stała się szczególnie trudna po śmierci Camille, kiedy miał w ramionach dużą rodzinę - jego dwóch młodych synów wychowywało się z pięciorgiem dzieci Alice Oshede, która została ich drugą matką (małżeństwo Moneta z Alice zostało zarejestrowane dopiero w 1892). Dopiero po zorganizowaniu w 1880 roku małej indywidualnej wystawy w lokalu redakcji pisma La Vie Moderne, Monet, przy wsparciu Duranda-Ruela i wydawcy Charpentiera, zyskał zaufanie do swoich spraw finansowych. Odtąd uwolnił się od trosk związanych ze sprzedażą swoich dzieł i mógł całkowicie poświęcić się twórczości.

Od wczesnych lat osiemdziesiątych XIX wieku styl malarski Moneta stopniowo się zmienia. Coraz częściej pracuje w studio; czasami pojawia się w jego obrazach owa „sztuczność”, którą można uznać za kompromis między pracą nad pierwszym wrażeniem a refleksyjną świadomością artysty pracującego z pamięci. Przykładem takiego podejścia do tworzenia krajobrazu jest duży obraz „Lavacourt” (1880, Museum of Fine Arts, Dallas), przeznaczony do Salonu. Pomimo tego, że pejzaż ten wyjątkowo niefortunnie znalazł się na wystawie (na wysokości prawie sześciu metrów od posadzki, w bliskim otoczeniu innych prac – takie absurdalne wieszanie obrazów zawsze praktykowano w Salonach), odnotowany przez krytyków. Jeden z nich (Chennevière) napisał nawet, że „jasna i przejrzysta atmosfera sprawiała, że ​​wszystkie inne sąsiednie krajobrazy wydawały się czarne w tej galerii Salonu”. Jednak do tego czasu impresjonizm zdobył już zdecydowane miejsce - przynajmniej w umysłach krytyków.

Nawet taki pryncypialny „wywrotowiec” Moneta, jak słynny symbolista J.C. Huysmans, zmienił swój stosunek do artysty po siódmej wystawie impresjonistów (1882): „Jak prawdziwa jest jego piana na falach wpadających w promień światła , rzeki mieniące się tysiącami odcieni przedmiotów, które odbijają; na jego płótnach zimny oddech morza przypomina szelest liści, lekki szelest trawy… to jemu i jego kolegom impresjonistom, mistrzom pejzażu, powinniśmy być wdzięczni za odrodzenie sztuki malarstwa obraz. Panowie Pissarro i Monet w końcu wyszli zwycięsko z ciężkiej walki. Można powiedzieć, że na ich płótnach rozwiązano złożony problem światła… ”.

Charakterystykę Huysmansa można przypisać temu etapowi twórczości Moneta, który sam artysta uważał za zakończony. Poszukiwanie nowych tematów i obrazów prowadzi go do stworzenia całego cyklu martwych natur, wykonanych na początku lat 80. XIX wieku; podobnie jak krajobraz, ten gatunek był ulubionym obszarem twórczości Moneta. "Flapjacks" (1882, kolekcja prywatna, Paryż) to przykład typowo impresjonistycznej kompozycji, w której połączenia między przedmiotami, a nawet ich położenie wydają się przypadkowe (niektóre są ucięte krawędzią kadru). Widziany z bliskiej odległości ten fragment przyrody nieożywionej odbierany jest jako pejzaż o niewyrażonej wyraźnie (a więc nieskończonej) głębi, gdzie biały obrus z zimnymi niebieskimi refleksami wygląda jak zaśnieżona przestrzeń. Najlepsze z martwych natur tego czasu to obrazy kwiatów i owoców. Ich dekoracyjna linearność, wpisana w wąski pionowy format („Daleje” i „Biały mak”, 1883, kolekcje prywatne), antycypuje narodziny secesji (Art Nouveau) w sztuce francuskiej.

W latach osiemdziesiątych XIX wieku Monet dość często zwracał się ku „czystemu” portretowi - zwykle popiersiu na neutralnym tle. Monet nie był mistrzem portretu psychologicznego w znaczeniu tego słowa, które odnosi się do E. Maneta czy E. Degasa. Bardziej trafne byłoby stwierdzenie, że nigdy nie dążył do przekroczenia granicy, która prowadziłaby do penetracji wewnętrznego świata drugiego człowieka. Portrety Moneta charakteryzują przede wszystkim jego własną wewnętrzną izolację i emocjonalną powściągliwość; obdarza portretowanych swoim nastrojem, a to daje im cień zimnej wyobcowania. Modele portretów Moneta są nieuchronnie pogrążone w sobie, nieaktywne (mimo żywotności pędzla artysty), oderwane od otoczenia i wydają się przebywać w niematerialnym świecie. Doskonałym przykładem takiej autocharakterystyki jest „Autoportret w berecie” (1886, zbiory prywatne, Paryż).

Claude Monet – narodowa duma Francji, urodził się w Paryżu w 1840 roku, 14 listopada. Artysta zmarł w swojej posiadłości we wsi Giverny w 1926 roku (5 grudnia). Jeden z twórców nowego kierunku w malarstwie - impresjonizmu, wpłynął na rozwój artystów na całym świecie. W tym artykule opiszemy niektóre obrazy Moneta.

Etapy twórczości

W Paryżu artysta wstępuje do Cesarskiej Szkoły Sztuk Pięknych, ale szybko ją opuszcza, gdyż panuje w niej rutyna. Obrazy Moneta są naturalne i pokazują grę światła. W latach 1865–1870 namalował płótna „Kobieta w zielonej sukni”, „Kobiety w ogrodzie”, „Śniadanie na trawie”, „Port Trouville”. Ale te obrazy Moneta nie odnoszą sukcesów na wystawach i nie sprzedają się dobrze.

"Wrażenie. Wschód słońca"

W 1872 roku artysta tworzy kultowe płótno, które obecnie znajduje się w Marmonttan-Mont w Paryżu. Został napisany w porcie w Hawrze i dał nazwę lʹimpresjonizmowi, który później został zaakceptowany przez krytyków i opinię publiczną. Tymczasem obrazy Moneta są wyśmiewane przez krytyków. Społeczeństwo chętnie je kupuje po bardzo niskich cenach.

Opis obrazu Moneta

Zdjęcie obrazu artysty można obejrzeć szczegółowo w tym artykule. Szaro-niebieskawa mgła pokrywa całe płótno. Na pierwszym planie sylwetki kutrów rybackich są jeszcze dość wyraźnie widoczne, aw tle dźwigi przy molo, żaglowce i dym wydobywający się z rur. Morze i niebo są wykonane w niebieskawo-zielonkawych, delikatnych kolorach. Nie ma przejścia kontrastowego między linią horyzontu a morzem. Z mgły wyłania się mały pomarańczowy dysk słońca. Jego światło odbija się od chmur i biegnie ścieżką wzdłuż wody.

Seria obrazów stacji Saint-Lazare z 1877 roku

Artysta namalował 12 obrazów z tej serii w różnych warunkach pogodowych i pod różnymi kątami widzenia. W tym czasie, pracując niestrudzenie i ciężko, Claude Monet tworzy nowe płótna. Obrazy z tytułami: „Jean Monet na koniu”, „Most w Argenteuil”, „Spacer”. Następnie „Hacks” i „Waters” będą pisane w seriach.

Gare Saint-Lazare (1877)

To już trzecie zdjęcie z serii. Jest w Instytucie Sztuki w Chicago. Aby napisać całą serię, artysta założył dla siebie warsztat tuż przy dworcu. Moneta zainspirował fakt, że był świadkiem rewolucji przemysłowej. Interesował go zarówno sam budynek, składający się z metalowych konstrukcji i szkła, jak i lokomotywy parowe, spuszczające parę, spieszący do nich pasażerowie. Niebieskawo-zielonkawy kolor sugeruje, że niebo zostało zasłonięte chmurami, a promienie słońca nie prześwitują. Mocne sylwetki stojącego w oddali parowozu, gotowego do wysłania, doskonale oddają ducha nowoczesności.

Pasja do sztuki japońskiej

Ryciny przywiezione z Japonii zaczęły rozprzestrzeniać się po całym Paryżu. Ich niezwykła technika, rozwiązania kompozycyjne Hokusai w serii Widoki góry Fudżi odcisnęły piętno na serii Stogi siana Moneta. Te obrazy Moneta z rozmaicie ułożonymi stogami siana, oświetlone rano, po południu i wieczorem, wyraźnie podążają za konturami góry Fuji. Z nieco innej perspektywy tą sztuką zainteresowała się żona artysty, Camilla.

Portret Madame Monet

Claude Monet malował obrazy wyłącznie w plenerze. Jest to jeden z rzadkich elementów tworzonych w pomieszczeniach do celów dekoracyjnych i komercyjnych (na sprzedaż). Uwagę zwraca kobieta w jasnej peruce w szkarłatnym kimonie, która zwraca uwagę nie tylko jaskrawą kolorystyką, ale także haftowanymi złotem zdobieniami. Szczególnie dobrze wygląda na nim starannie pomalowany samuraj w niebieskim kimonie z mieczami. Statyczna poza modelki jest równoważona przez dynamikę wentylatorów przymocowanych do ściany i rozrzuconych po podłodze. Przebijają je także motywy orientalne: bociany, portrety Japonek, ryby.

Ostatnie lata

Obrazy Moneta są nadal pisane w seriach. Możesz nazwać „Topole”, „Katedry w Rouen”, „Tamizę w Londynie”, „Lilie wodne”. Po roku 1900 pojawia się przed nami uznany miernik, który nie ma już zmartwień materialnych. Wystawy przynoszą sukces i pieniądze. Kupuje mały kawałek ziemi w Normandii. Jego majątek nazywa się Givenchy. Urządza w nim staw i hoduje lilie wodne. Ale po operacji na oczach, ponieważ miał zaćmę, artysta zaczyna widzieć wszystko w liliowo-niebieskawych odcieniach.

Oferujemy obejrzenie jednego z ostatnich dzieł Moneta z nimfami. Zmiana koloru nie wpłynęła na piękny krajobraz wodny. Lilie wodne nie są białe, ale niebieskawe, z różowawymi odcieniami, a woda jest nasycona purpurą.

Artysta w średnim wieku bardzo lubił hodować rośliny w swoim ogrodzie i lubił po nim spacerować. Do końca życia ceniony malarz, który dokonał rewolucji w sztuce klasycznej, mógł pozwolić sobie na pracę i odpoczynek tak, jak mu się podobało.

Monet na własne oczy zarówno w Rosji, jak iw innych krajach. Jednak jego zimowe pejzaże zwróciły uwagę dopiero niedawno. Nie jest ich tak wiele: Monet wolał malować jasne kolory lata - maki, wodę, żaglówki, kwitnące ogrody.

4. Kry. Mglisty poranek. 1893

Temperatura jest powyżej zera, więc lód już się otworzył i pojawiła się mgła. Kolory biały i niebieski są rozcieńczane szarym i brązowym.

Ten pejzaż nad Sekwaną nie jest jedyny – Monet lubił malować seryjnie, pokazując, jak to samo miejsce może się różnić w zależności od pory dnia i pogody.

Obrazy Claude'a Moneta z cyklu Ice Floats. 1893 Kolekcje prywatne.

W ciągu miesiąca od końca stycznia do końca lutego 1893 roku Monetowi udało się namalować aż 13 obrazów przedstawiających ten pejzaż nad Sekwaną!

5. Lavacourta. Śnieg i słońce. 1881

Wioska Lavacourt położona jest nad brzegiem Sekwany, a naprzeciwko znajduje się wioska Vetheuil, w której mieszkał Monet z rodziną i gdzie urodził się jego syn, a także pochowano jego żonę. To właśnie z tego brzegu przedstawił krajobrazy wioski Vetheuil na 150 swoich obrazach.

Słabe zimowe słońce na obrazie „Lavakur” – nie widzimy go, ale czujemy to poprzez żółtawo-zielonkawy odcień śniegu w odległym tle. Wydaje się, że Monet chciał pokazać nadejście wiosny.
Zdjęcie wioski Veteil (niedaleko Paryża)

W tych miejscach oczywiście pamiętają swojego słynnego mieszkańca. Tak więc na brzegu wioski Lavacourt wykonane są tablice informacyjne w formie sztalug z obrazami Moneta.

6. Droga do Giverny zimą. 1885

Artysta mieszkał w Giverny przez 43 lata. W tym mieście znajduje się jego dom-muzeum ze słynnym ogrodem z liliami wodnymi i japońskim mostem. Oczywiście pisał Giverny niezliczoną ilość razy. Zasadniczo są to kwitnące, letnie prace. Jednak zima jest tu również bardzo malownicza.

Claude Monet (Claude Monet) 1840-1926 Jeden z założycieli i czołowych artystów okresu impresjonizmu. Biografia i zdjęcia.

Już w wieku 16 lat Claude Monet zdecydował, że prawdziwa sztuka rodzi się w plenerze, odrzucając klasyczne zasady. Jego życie obfitowało w wydarzenia - kochał i cierpiał, przezwyciężał nieporozumienia i kąpał się w falach sukcesu. Pozostawił po sobie bogatą spuściznę, wypróbowując wiele tematów, by pod koniec życia bez końca rysować na płótnie lilie wodne ze swojego ulubionego stawu.

Nigdy dotąd sztuka piękna nie widziała twórcy subtelniejszego i odważniejszego, bacznie przyglądającego się naturze, co pozwoliło mu na stworzenie szeregu obrazów tak zmysłowych i szczerych w swoim pięknie, że było to swego rodzaju objawienie dla kolejnych pokoleń, które obrały impresjonizm za drogowskaz gwiazda.

Ruch do sukcesu, droga impresjonizmu.

Claude Monet wylądował w Paryżu w wieku 19 lat. W stolicy studiował najpierw w Akademii Suissy, a następnie kontynuował naukę w warsztacie Charlesa Gleyre'a. Nie jest tak ważne, jak silny był wpływ tego popularnego wówczas artysty na techniczny i stylistyczny rozwój młodego Moneta, ale fakt, że zgromadził wokół siebie więcej niż wybitnych ludzi, jest faktem. W warsztacie Claude Monet poznał Sisleya, Renoira, Bazylego, z którymi wkrótce miał wykuć nowy styl w sztuce.

W 1863 roku wybuchł ogromny skandal w związku z ultra odważnym i szczerym obrazem Edouarda Maneta „Obiad na trawie”. Claude, zainspirowany tą pracą, postanowił napisać własną wersję. „Śniadanie na trawie” Claude’a Moneta wyraźnie pokazuje poszukiwanie stylu młodego mistrza – odrzucenie konturu, zaniedbanie linii poprzez modelowanie form za pomocą plam barwnych, eksperymenty z przepuszczaniem naturalnego światła na płótno. Do wielopostaciowej kompozycji mistrz użył tylko dwóch natur - wszystkie panie są namalowane z jego ukochanej Camilli, a mężczyźni z jego przyjaciela Bazylego. Warto zauważyć, że w tej pracy Monet przedstawił kilka postaci plecami do widza, niszcząc w ten sposób jeden z głównych kanonów malarstwa klasycznego - taki obraz był dotychczas nie do przyjęcia.

Ale młody Monet ruszył w drogę, smakując kolory, fabuły, plastyczność i kompozycję. Praca „Kobiety w ogrodzie” wyróżnia się również tą samą innowacją, której model wykonała również jej ukochana Camilla, „pomnożona” czterokrotnie na płótnie.

Wczesne prace Moneta są w przeważającej części poświęcone Camille. „Dama w ogrodzie”, „Kobieta w zielonej sukience” - na wszystkich tych płótnach widz zobaczy Camille, a ostatnia praca przyniosła sławę Claude'owi. Następnie Monet będzie miał inny ulubiony model - jego syna Jeana.

Praca w stylu.

Lata 60. upłynęły pod znakiem trudnej sytuacji finansowej Moneta. Istnieją dowody na to, że malarz myślał nawet o samobójstwie. Jednak przed tym rozpaczliwym krokiem Claude'a uratowała praca – Renoir przybywa do swojej posiadłości w Bougival, a jego przyjaciele dużo pracują na łonie natury, doskonaląc swoje umiejętności, poszukując nowych środków wyrazu. Głównym celem ich poszukiwań była chwila - artyści starali się uchwycić chwilę, mieć czas na uchwycenie tego samego krajobrazu w różnych okresach czasu, udowadniając wszystkim światu, że pojedynczy moment nie jest taki jak poprzedni ani następny, jest wyjątkowy i piękny swoim niepowtarzalnym pięknem.

Monet zaczął praktykować nową technikę nakładania kolorów na płótno – nie miesza kolorów na palecie, jak to robili artyści minionych lat, preferując nakładanie czystych kolorów, pozwalając oku widza na samodzielne mieszanie kolorów, patrząc na skończona praca.
W 1872 roku Claude Monet stworzył legendarny obraz „Impresja. Wschód słońca". Jego wyjątkowość polega nie tylko na technice i kolorystyce, ale także na tym, że to płótno nadało nazwę całemu kierunkowi. Od tego momentu cały świat będzie wiedział, czy na płótnie dominują małe kreski lokalnych kolorów, nie ma linii, a przestrzeń jest wypełniona światłem - to impresjonizm, od francuskiego „impresja”.
Legendarne dzieło było początkiem sukcesu artysty, a następnie jego najlepsze dzieła – „Pole maków w Argenteuil”, „Bulwar Kapucynów”, „Stacja Saint-Lazare” itp. Dzieło przyniosło satysfakcję, choć nie zawsze publiczność z zachwytem spotykać się z obrazami mistrza.

Rok 1879 dał kolejny powód do uchwycenia przemijającej chwili Moneta - jego ukochana Camille umierała, a artysta z bolesną uwagą malował jej twarz, tracąc kolory.

Uznanie i pokój.

Po utracie ukochanej kobiety Monet w końcu zyskuje uznanie - krytycy piszą pochwalne recenzje, opinia publiczna sympatyzuje z jego pracą, a jego sytuacja finansowa znacznie się poprawia.

Monet zaczyna pisać cykle – serie prac poświęconych tej samej fabule, realizowanych w różnych otoczeniach, różniących się charakterystyką czasową: artysta maluje pejzaż o różnych porach roku lub dnia, czy też warunkach pogodowych. Przykładami takich prac są cykle „Katedra w Rouen”, „Topole na Epte”, „Topole”, „Budynek parlamentu w Londynie” itp.

W 1892 roku Monet ożenił się po raz drugi i dużo podróżował, wzbogacając swoją galerię zachwycającymi przystaniami.

A o zachodzie słońca mistrz przyjeżdża do Żywarny, gdzie zakłada ogród ze stawem i mostem, uważając cały ten naturalny przepych za swoje najlepsze dzieło sztuki. Czerpiąc inspiracje ze swojego ogrodu, mistrz stworzył niejedną serię obrazów, z których jego ulubioną była ta poświęcona liliom wodnym.

Koniec życia Moneta nie można nazwać szczęśliwym - zmarła jego druga żona, a następnie jego syna Jeana, artysty, zapadła na zaćmę, która doprowadziła do faktycznej ślepoty. Jednak tak jak ogłuszony Beethoven nie przestawał komponować, tak Monet nie porzucał pędzli, malując aż do śmierci w ukochanych Zhivarni. W grudniu 1926 roku Monet zmarł. Skończywszy życie, dopiero rozpoczął epokę artystyczną – jego obrazy stały się inspiracją dla wielu artystów, zarówno tych, którzy byli bezpośrednimi wyznawcami impresjonizmu, jak i tych, dla których stał się punktem wyjścia, dając początek wielu nowym stylistycznym „izmom” .