Chłopaki, wkładamy naszą duszę w stronę. Dziękuję za to
za odkrycie tego piękna. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas o godz Facebook oraz W kontakcie z
Przede wszystkim wiemy o obrazie dwie rzeczy: jego autora i być może historię płótna. Ale o losie tych, którzy patrzą na nas z płócien, wiemy niewiele.
strona Postanowiłam opowiedzieć o kobietach, których twarze są nam znane, ale ich historie już nie.
Joanna Samary
Auguste Renoir, Portret aktorki Jeanne Samary, 1877
Aktorka Jeanne Samary, choć nie mogła zostać gwiazdą teatralną (grała głównie pokojówki), miała szczęście do czegoś innego: przez pewien czas mieszkała niedaleko warsztatu Renoira, który w latach 1877-1878 namalował jej cztery portrety , gloryfikując w ten sposób znacznie więcej, niż mogła zrobić jej kariera aktorska. Zhanna grała w przedstawieniach od 18 roku życia, w wieku 25 lat wyszła za mąż i miała troje dzieci, a potem nawet napisała książkę dla dzieci. Ale ta urocza dama niestety nie żyła długo: w wieku 33 lat zachorowała na tyfus i zmarła.
Cecylia Gallerani
Leonardo da Vinci, Dama z gronostajem
1489-1490
Cecilia Gallerani była dziewczyną ze szlacheckiej rodziny włoskiej, zaręczoną już w wieku 10 (!) lat. Jednak gdy dziewczynka miała 14 lat, zaręczyny z nieznanych przyczyn odwołano, a Cecylię wysłano do klasztoru, gdzie poznała (a właściwie wszystko było ustawione) księcia Mediolanu Ludovico Sforzę. Rozpoczął się romans, Cecylia zaszła w ciążę, a książę osiedlił dziewczynę w swoim zamku, ale potem przyszedł czas na dynastyczne małżeństwo z inną kobietą, której oczywiście nie podobała się obecność jej kochanki w ich domu. Następnie, po narodzinach Galleraniego, książę wziął sobie syna i poślubił zubożałego hrabiego.
W tym małżeństwie Cecilia urodziła czworo dzieci, prowadziła prawie pierwszy salon literacki w Europie, odwiedzała księcia i chętnie bawiła się z jego dzieckiem od nowej kochanki. Po pewnym czasie zmarł mąż Cecylii, wybuchła wojna, ona straciła dobre samopoczucie i znalazła schronienie w domu siostry tej samej żony księcia – w tak cudownym związku udało jej się przebywać z ludźmi. Po wojnie Gallerani wróciła do swojej posiadłości, w której mieszkała aż do śmierci w wieku 63 lat.
Zinaida Jusupowa
VA Sierow, „Portret księżniczki Zinaidy Jusupowej”, 1902
Najbogatsza rosyjska dziedziczka, ostatnia z rodu Jusupowów, księżniczka Zinaida była niesamowicie przystojna i pomimo tego, że zabiegały o jej względy m.in. dostojne osoby, chciała wyjść za mąż z miłości. Spełniła swoje pragnienie: małżeństwo było szczęśliwe i urodziło dwóch synów. Yusupova poświęciła dużo czasu i energii na działalność charytatywną, a po rewolucji kontynuowała ją na wygnaniu. Ukochany najstarszy syn zginął w pojedynku, gdy księżniczka miała 47 lat, a ona nie mogła znieść tej straty. Wraz z nadejściem niepokojów Jusupowowie opuścili Petersburg i osiedlili się w Rzymie, a po śmierci męża księżniczka przeniosła się do syna do Paryża, gdzie spędziła resztę swoich dni.
Maria Łopuchina
V.L. Borowikowski, „Portret M.I. Łopuchina", 1797
Borowikowski namalował wiele portretów rosyjskich szlachcianek, ale ten jest najbardziej czarujący. Maria Lopukhina, członkini hrabiowskiej rodziny Tołstoja, jest tu przedstawiona w wieku zaledwie 18 lat. Portret został zamówiony przez jej męża Stepana Avraamovicha Lopukhina wkrótce po ślubie. Swoboda i nieco wyniosłe spojrzenie wydają się albo typową pozą dla takiego portretu z epoki sentymentalizmu, albo przejawem melancholijnego i poetyckiego usposobienia. Los tej tajemniczej dziewczyny okazał się smutny: zaledwie 6 lat po namalowaniu obrazu Maria zmarła na suchoty.
Giovannina i Amacilia Pacini
Karl Bryullov, Jeźdźca, 1832
„Amazonka” Bryullova to genialny ceremonialny portret, w którym wszystko jest luksusowe: jasność kolorów, przepych draperii i piękno modelek. Przedstawia dwie dziewczynki noszące nazwisko Pacini: najstarsza Giovannina siedzi na koniu, najmłodsza Amacilia patrzy na nią z ganku. Obraz Karola Bryulłowa, jej wieloletniego kochanka, zamówiła ich przybrana matka, hrabina Julia Pawłowna Samoiłowa, jedna z najpiękniejszych kobiet w Rosji i spadkobierczyni kolosalnej fortuny. Hrabina gwarantowała swoim dorosłym córkom duży posag. Okazało się jednak, że ze starości była praktycznie zrujnowana, a następnie adoptowane córki Jovanina i Amacilii drogą sądową odebrały od hrabiny obiecane pieniądze i majątek.
Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, Narodziny Wenus
1482–1486
Słynny obraz Botticellego przedstawia Simonettę Vespucci, pierwszą piękność florenckiego renesansu. Simonetta urodziła się w zamożnej rodzinie, w wieku 16 lat wyszła za mąż za Marco Vespucciego (krewnego Amerigo Vespucciego, który „odkrył” Amerykę i nadał kontynentowi swoje imię). Po ślubie nowożeńcy osiedlili się we Florencji, zostali przyjęci na dworze Lorenzo Medici, słynącym w tamtych latach z wystawnych uczt i przyjęć.
Piękna, a jednocześnie bardzo skromna i życzliwa Simonetta szybko zakochała się we florenckich mężczyznach. Starał się o nią zaopiekować władca Florencji, sam Lorenzo, jednak najbardziej aktywny w jej poszukiwaniach był jego brat Giuliano. Piękno Simonetty zainspirowało wielu ówczesnych artystów, wśród których był Sandro Botticelli. Uważa się, że od momentu ich poznania Simonetta była wzorem dla wszystkich Madonn i Wenus Botticellego. W wieku 23 lat Simonetta zmarła na gruźlicę, mimo wysiłków najlepszych nadwornych lekarzy. Następnie artysta przedstawił swoją muzę tylko z pamięci, a na starość zapisał, że zostanie pochowany obok niej, co zostało zrobione.
Wiera Mamontowa
VA Serow, „Dziewczyna z brzoskwiniami”, 1887
Najsłynniejszy obraz mistrza portretu Walentina Sierowa został namalowany w majątku bogatego przemysłowca Sawwy Iwanowicza Mamontowa. Codziennie przez dwa miesiące pozowała artyście jego córka, 12-letnia Vera. Dziewczyna dorosła i zamieniła się w uroczą dziewczynę, poślubioną z wzajemnej miłości Aleksandra Samarina, który należy do słynnej rodziny szlacheckiej. Po podróży poślubnej do Włoch rodzina osiedliła się w mieście Bogorodsk, gdzie jedno po drugim urodziło się troje dzieci. Ale niespodziewanie w grudniu 1907 roku, zaledwie 5 lat po ślubie, Vera Savvishna zmarła na zapalenie płuc. Miała zaledwie 32 lata, a jej mąż nigdy nie ożenił się ponownie.
Aleksandra Pietrowna Strujskaja
F.S. Rokotow, „Portret Struyskiej”, 1772
Ten portret Rokotowa jest jak zwiewna wskazówka. Alexandra Struyskaya miała 18 lat, kiedy wyszła za mąż za bardzo bogatego wdowca. Istnieje legenda, że na ślub jej mąż dał jej nic innego jak nowy kościół. I przez całe życie pisał do niej wiersze. Nie wiadomo na pewno, czy to małżeństwo było szczęśliwe, ale każdy, kto był w ich domu, zwracał uwagę na to, jak bardzo różni są małżonkowie. Przez 24 lata małżeństwa Aleksandra urodziła mężowi 18 dzieci, z których 10 zmarło w niemowlęctwie. Po śmierci męża żyła jeszcze 40 lat, rzetelnie zarządzała majątkiem i pozostawiła porządny majątek dzieciom.
Galina Władimirowna Aderkas
BM Kustodiew „Kupiec herbaty”, 1918 r
„Kupiec herbaty” Kustodiewa jest prawdziwą ilustracją tej jasnej i dobrze odżywionej Rosji, gdzie są jarmarki, karuzele i „chrupanie francuskiego chleba”. Obraz powstał w porewolucyjnym głodnym roku 1918, kiedy o takiej obfitości można było tylko pomarzyć.
Galina Władimirowna Aderkas pozowała na tym portrecie żonie kupca - naturalnej baronowej z rodziny, której historia sięga jednego rycerza inflanckiego z XVIII wieku. W Astrachaniu Galia Aderkas była współlokatorką Kustodiewów z szóstego piętra; żona artysty przyprowadziła dziewczynę do studia, zauważając kolorową modelkę. W tym okresie Aderkas była bardzo młoda - studentka pierwszego roku medycyny - a na szkicach jej sylwetka wygląda na znacznie szczuplejszą. Po ukończeniu uniwersytetu i pracy przez pewien czas jako chirurg porzuciła zawód iw latach sowieckich śpiewała w rosyjskim chórze, brała udział w filmach dubbingowych, wyszła za mąż i zaczęła występować w cyrku.
Lisa del Giocondo
Leonardo da Vinci, Mona Lisa, 1503-1519
Być może jednym z najbardziej znanych i tajemniczych portretów wszystkich czasów i narodów jest słynna Mona Lisa autorstwa wielkiego Leonarda. Wśród wielu wersji o tym, kto jest właścicielem legendarnego uśmiechu, w 2005 roku oficjalnie potwierdzono następujące: płótno przedstawia Lisę del Giocondo, żonę Francesco del Giocondo, handlarza jedwabiem z Florencji. Portret mógł zostać zamówiony przez artystę z okazji narodzin syna i zakupu domu.
Wraz z mężem Lisa wychowała pięcioro dzieci i najprawdopodobniej jej małżeństwo opierało się na miłości. Kiedy jej mąż zmarł na dżumę i Lisę również dotknęła ta ciężka choroba, jedna z córek nie bała się zabrać do siebie matki i pozwolić jej odejść. Mona Lisa wyzdrowiała i mieszkała przez jakiś czas ze swoimi córkami, umierając w wieku 63 lat.
Obrazy znanych artystów skrywają tajemnice przedstawionych na nich ludzi. Zapraszamy na spacer po wirtualnej galerii sztuki i poznanie historii kobiet przedstawionych na obrazach. Te historie mogą być romantyczne, mistyczne lub po prostu zabawne.
To dzieło – jeden z najsłynniejszych obrazów malarza – zostało po raz pierwszy zaprezentowane publiczności we Włoszech, gdzie zostało przychylnie przyjęte przez krytyków. Karl Bryullov był pierwszym rosyjskim artystą, który zasłynął w sztywnej Europie. Przez długi czas uważano, że ten obraz jest portretem młodej hrabiny Julii Samoilovej, którą artysta bardzo kochał i często przedstawiał na swoich płótnach. Na przykład w filmie „Ostatni dzień Pompejów” trzy postacie mają jednocześnie rysy twarzy Julii Samoilovej. Jednak porównując obraz „Horsewoman” z portretami hrabiny, które Bryullov namalował później, staje się jasne, że Julii Samoilovej nie ma na zdjęciu. Ale kto? Na jednym ze swoich obrazów Karl Bryullov przedstawił hrabinę Samoilovą ze swoją uczennicą Giovanniną, na innym obrazie namalował tę samą hrabinę z jej adoptowaną córką Amazilią. Badacze pracy Bryulłowa doszli do wniosku, że te dziewczyny, które wychowała hrabina, są przedstawione na zdjęciu. Ale obrazy znanych artystów zwykle niosą ze sobą jakąś tajemnicę. Aby rozwiązać zagadkę z tego zdjęcia, należy przyjrzeć się bliżej psu w obroży, który artysta przedstawił w pobliżu dziewczynki. Na kołnierzu widnieje imię jej właścicielki, Samoilovej.
Wydaje się, że sposób, w jaki powstał obraz „Alyonushka”, od dawna jest znany wszystkim. Uważa się, że Wasniecow, w postaci smutnej bohaterki rosyjskich eposów, przedstawił dziewczynę, z którą los połączył go we wsi Achtyrka. Mówiąc o tym płótnie, wielu cytuje samego Vasnetsova, który przyznaje, że obraz Alyonushki od dawna zadomowił się w jego głowie, ale ostateczna wersja portretu powstała, gdy spotkał prostą dziewczynę we wsi Akhtyrka. Ale czy tak jest? W jednej z notatek artysty można przeczytać prawdziwą historię obrazu. Wasniecow przyznaje, że chociaż miał już szkic obrazu namalowanego przez tę prostą dziewczynę, nie jest to rzecz naturalna. Artysta faktycznie zainspirował się oczami Verushy Mamontovej. Przyznał, że oczy tej konkretnej dziewczyny wydają mu się wszędzie i zadomowiły się w jego duszy. Kim jest Verusha Mamontova? Oczywiście jej wizerunek jest znany miłośnikom sztuki, ponieważ to ona jest namalowana na obrazie Serowa „Dziewczyna z brzoskwiniami”. Teraz, znając rewelacje artysty, w Alyonushce można łatwo znaleźć rysy twarzy Verushy Mamontovej.
Czasami obrazy znanych artystów zaskakują, skąd taki wątek się wziął, czasami źródła inspiracji są nieoczekiwane. Można to powiedzieć o historii pisania płótna „Nierówne małżeństwo”. Pewien arystokrata z Moskwy postanowił spisać swoje wspomnienia, w których opowiadał o wszystkich swoich krewnych, w tym o swoim wujku Siergieju Warentsowie. W 1862 roku wujek ten, jako młody człowiek, nagle zakochał się w ślicznej córce kupca Rybnikowa, Sofii. I zakochał się tak bardzo, że nawet się ożenił, ale odmówiono mu. Roztropny ojciec dziewczynki nie chciał wydać córki za mąż za młodego i frywolnego rozpustnika, ale wolał podać rękę starszemu, a nie biednemu kupcowi Korzinkinowi (ciekawe, że „wiekowy” pan młody miał wtedy 38 lat stary). Złym zbiegiem okoliczności młody Varentsov musiał odgrywać rolę drużby na tym weselu. Artysta Wasilij Pukirew był tak przesiąknięty tą historią i udręką kochającego serca, że stworzył to płótno. Dzięki temu obrazowi Wasilij Pukirew otrzymał tytuł profesora, a także dobre pieniądze: płótno zostało natychmiast kupione przez kolekcjonera sztuki Borysowskiego, a Trietiakow kupił je od niego. To prawda, że \u200b\u200bPukirev musiał trochę przerobić płótno, ponieważ Varentsov rozpoznał się w najlepszym człowieku na tym obrazie. Artysta tak dokładnie przedstawił Varentsova w swojej pracy, że dzięki popularności obrazu cała Moskwa zaczęła dyskutować o jego nieszczęśliwej miłości. W rezultacie Pukirev musiał przepisać twarz drużby, a teraz, patrząc na zdjęcie, publiczność widzi w tle obraz twarzy samego Pukireva.
Obraz „Portret M. I. Lopukhiny” Władimira Borowikowskiego
Ten obraz powstał w 1797 roku i jest romantycznym wizerunkiem kobiety. Od ponad wieku cieszy oczy publiczności, a koneserzy malarstwa uważają ją za odę do sentymentalizmu. Obrazom znanych artystów często towarzyszą mistyczne historie. Taka bajka jest związana z tym obrazem. Wizerunek 18-letniej piękności to pierwszy obraz w historii Rosji pokryty mistycyzmem. Dziewczyna przedstawiona na portrecie była córką hrabiego Iwana Tołstoja. W roku, w którym namalowano portret, wyszła za mąż za Stepana Lopukhina, który służył w administracji Pawła I. Zaraz po ślubie jej mąż zamówił portret swojej ukochanej żony Borowikowskiemu. Małżeństwo nie trwało długo, bo 3 lata po ślubie młoda księżniczka zmarła na chorobę - suchot. Niepocieszony ojciec kupił od zięcia zdjęcie z portretem córki i powiesił je w swoim domu. Trzeba powiedzieć, że hrabia Tołstoj był mistrzem loży masońskiej i lubił mistycyzm. Krążyły pogłoski, że hrabia za pomocą magii był w stanie przywołać ducha swojej zmarłej córki i tchnąć go w obraz Borowikowskiego. Jest taka bajka - każda dziewczyna, która spojrzy na portret, na pewno umrze. Przytoczyli nawet „bardzo wiarygodne fakty”, że portret zabił co najmniej tuzin młodych dziewcząt. Na szczęście dla potomności Trietiakow nie wierzył w mistycyzm i sto lat później kupił obraz, który teraz miliony widzów mogą oglądać w galerii jego imienia.
Obrazy znanych artystów wyróżniają się tym, że w swoich pracach opiewają ideał kobiety. Nawet przedstawiając Madonnę, artyści wszystkich czasów bez wyrzutów sumienia malowali portrety swoich ukochanych, z których wiele było kobietami nie najszlachetniejszego pochodzenia. Na przykład badacze twórczości Rafaela twierdzą, że artysta spotkał na jednej z ulic Rzymu córkę biednego piekarza Fornarinę. Artysta zakochał się w niej. Rafael, który był już wówczas znany i zajmował wysokie szczeble drabiny społecznej, odkupił dziewczynę od ojca i wynajął jej luksusowy dom. Artysta naprawdę uważał ją za ideał piękna i żył z nią aż do śmierci przez 12 lat. Ale mówią, że sama piękność nie wyróżniała się lojalnością wobec swojego dobroczyńcy i zdradzała go zarówno ze studentami artysty, jak i tymi, którzy zamawiali obrazy. Po śmierci Rafaela, ze względu na reputację tej kobiety, papież nawet nie chciał go śpiewać, bo obok stał Fornarina. Mimo wszystko to właśnie twarz Fornariny widzimy na obrazie „Madonna Sykstyńska”. Rafał podarował jej także twarz wielu innych namalowanych przez siebie Madonn.
Pod względem zmienności moda przegrywa tylko z pogodą, choć jest to kwestia sporna. Co więcej, moda zmienia się nie tylko na ubrania, fasony czy dodatki, ale także na kobiecą urodę. Uznana piękność jednej epoki, po pół wieku może być uznana za brzydką kobietę (ale wszyscy wiemy, że nie ma brzydkich kobiet). Artyści przez cały czas byli bardzo wrażliwi na kaprysy mody, zawsze starali się przedstawić najpiękniejsze kobiety swojej epoki.
Starożytna Grecja i Rzym
Niestety, kobiece ideały starożytności należy oceniać na podstawie fresków i rzeźb, pełnoprawne obrazy nie zachowały się. W starożytnej Grecji bogini Afrodyta, kobieta o krągłych kształtach i długich, gęstych rudych włosach, była uważana za wzór kobiecego piękna. Tak jest przedstawiona na obrazie Sandro Botticellego „Narodziny Wenus”, choć powstałym już w 1485 roku. W starożytnym Rzymie najbardziej ceniono piękno kobiecej twarzy, a przepych form schodził na drugi plan. Takim okiem powstał na przykład obraz „Prozerpina” (1874) Dantego Rossettiego.
Średniowiecze
W średniowieczu za intonowanie kobiecego piękna można było iść na stos, więc nie pozostał żaden artystyczny ślad. Obowiązywał surowy zakaz demonstrowania kobiecej sylwetki. Ubranie miało całkowicie zakrywać ciało, a włosy chować pod nakryciem głowy. Miarą kobiecego piękna były święte kobiety oddające się służbie Bogu.
renesans
Renesans został tak nazwany ze względu na odrodzenie zainteresowania ideałami starożytności, w tym kwestiami kobiecego piękna. Szerokie biodra, obrzęki, wydłużona twarz, zdrowy rumieniec - tak powinno wyglądać pierwsze piękno XV-XVI wieku. Dokładnie tak przedstawiane są kobiety na obrazach Sandro Botticellego, Raphaela Santiego i Michała Anioła. Ideał renesansowego piękna można nazwać włoską Simonettą Vespucci, przedstawioną na kilku obrazach Botticellego „Wiosna” (1478), „Narodziny Wenus” (1485), „Portret młodej kobiety” (1485). W okresie renesansu modne było wysokie czoło i aby osiągnąć ten efekt, fashionistki goliły brwi i linię włosów. Widać to wyraźnie na słynnym obrazie „Mona Lisa” Leonarda Da Vinci.
epoki baroku
Na przełomie XVI i XVII wieku ideałem kobiecej urody były kobiety o białej skórze (oparzenia słoneczne uchodziły za przypadłość wieśniaczek) z małymi piersiami, drobnymi nóżkami, bladą twarzą, ale z okazałymi biodrami. Ponadto każdy arystokrata musiał mieć wysoką, skomplikowaną fryzurę. Te trendy w modzie są wyraźnie widoczne na portrecie kochanki Ludwika XIV Madame de Montespan (1670) autorstwa Pierre'a Mignarda. Do tego okresu należy słynne dzieło Jana Vermeera „Kobieta z perłą” (1665).
Epoka rokoka
Jeśli na zdjęciu kobieta wygląda bardziej jak porcelanowa lalka, otoczona wachlarzami, parasolkami, mufkami i rękawiczkami, to śmiało możemy powiedzieć, że mówimy o epoce rokoka. Na początku XVIII wieku weszła w modę „lekka anoreksja”: kobieca uroda stała się krucha, z wąskimi biodrami, małymi piersiami, zapadniętymi policzkami. Istnieją dowody na to, że w celu uzyskania efektu „zapadniętych policzków” niektóre panie usuwały zęby boczne, pozostawiając jedynie przednie – piękno wymaga poświęcenia. Kanony piękna epoki rokoko pięknie ilustrują portrety François Bouchera, takie jak „Portret markizy de Pompadour” (1756).
Epoka romantyzmu
Dopiero w drugiej połowie XIX wieku naturalny rumieniec, zdrowa świeżość i krągłość form ponownie stają się standardami kobiecej urody. A najbardziej atrakcyjną częścią kobiecego ciała są zaokrąglone ramiona, które były po prostu niezbędne, aby wyeksponować każdą urodę. To właśnie te kobiety znajdują się na obrazach Adolphe Bouguereau, takie kobiety były przedstawiane przez pierwszych impresjonistów („Narodziny Wenus” Bouguereau, „Wielcy kąpiący się” Renoira, „Niebiescy tancerze” Degasa).
Początek 20 wieku
„Rosyjska Wenus”, „Kupicielka na herbatę”, „Dziewczyna nad Wołgą” Borysa Kustodiewa doskonale ilustrują kanony piękna początku XX wieku. Wszystko, co romantyzm podziwiał w kobiecie, stało się jeszcze wspanialsze i ważniejsze. 20-40 lat XX wieku
Połowa XX wieku
Marilyn Monroe staje się ideałem kobiecego piękna połowy ubiegłego wieku. Niska blondynka, bez ekscesów w kierunku szczupłości i opuchlizny. Andy Warhol, twórca pop-artu, chętnie wykorzystywał jej wizerunek w swoich pracach.
Nie warto jeszcze mówić o dalszym rozwoju ideałów kobiecego piękna, zwłaszcza w ich związku z malarstwem. Należy tylko zauważyć, że historia toczy się w kółko, a chudość i choroba znów są w modzie.
ANTYK
Kobiety Egipt były bardziej wolne i niezależne niż kobiety innych krajów – nie tylko starożytnego świata, ale także Europy: od średniowiecza do końca XIX wieku. Jednak tak zwana „równość płci” w starożytnym Egipcie była nieobecna - ponieważ zgodnie z porządkiem świata ustanowionym przez Maata, istota życiowa mężczyzn i kobiet jest inna. Egipcjanie kłaniali się kobietom, podziwiali je, opiekowali się nimi. Jednocześnie oczywiście domagając się od nich uwagi i szacunku. W tradycyjnych sztukach plastycznych Egiptu kobiety były najczęściej przedstawiane jako kochająca żona trzymająca męża za rękę lub obejmująca jego ramię. Ponieważ mężczyźni pracowali na zewnątrz na polach lub nad rzeką, ich skóra była ciemna, podczas gdy kobiety zatrudnione w pomieszczeniach przed palącym słońcem były jasne. Według sztuk pięknych Egipcjanki są zwykle przedstawiane jako delikatne i pełne wdzięku.
Kreteński kobiety miały nienaturalnie wąską talię, były niskie i zgrabne w budowie. Chowali twarze w cieniu, który sprawiał, że skóra była blada, a na jego tle czarne oczy i włosy. Kobiety nosiły loki okalające ich szyje, loki zebrane na czołach lub warkocze z tkanymi wstążkami. Na głowach kreteńskie kobiety nosiły wspaniałe kapelusze (podobne do kapeluszy z XIX wieku). Stopy były często bose, ale kobiety z wyższych sfer nosiły czasem haftowane skórzane buty.
Fragment tylnej części tronu Tutanchamona
Malarstwo w pałacu w Knossos. Kreta
Malarstwo w Pompejach
Fajum portret Egipt
ŚREDNIOWIECZE
Średniowiecze przyznało kobietom bardzo skromne, jeśli nie znikome miejsce w smukłej budowli hierarchii społecznej. Instynkt patriarchalny, tradycje zachowane od czasów barbarzyństwa, wreszcie ortodoksja religijna - wszystko to skłoniło średniowiecznego mężczyznę do bardzo ostrożnego traktowania kobiety. Używanie kosmetyków i biżuterii uznano za integralną cechę kobiecej „grzeszności” " - obydwa zostały surowo potępione przez kościół. Istniał nawet specjalny dekret, zgodnie z którym małżeństwo zawarte za pomocą kobiecych „sztuczek” - kosmetyków, strojów itp. Uznano za oszukańcze, nielegalne i mogło zostać rozwiązane.
ODRODZENIE
Ludzka osobowość jest w renesansie zapośredniczona nie przez Boga, ale przez piękno, a przede wszystkim przez piękno kobiece. Po raz pierwszy w historii ludzkości kobieta zajmuje tak wyjątkowe miejsce, jak Madonna na tronie.
Stąd bierze się niekończący się ciąg madonn, stopniowo przeradzających się w portrety młodych kobiet tamtej epoki. Kobieta renesansu to szlachetność, piękno i wykształcenie.
Van Eycka
Botticelli - Madonna Magnificat (Powiększenie Madonny)
Botticelli - Narodziny Wenus
El Greco
Raffaello
Raffaello
Bronzino
Da Vinci - Dama z gronostajem
da Vinci – Madonna Litta
da Vinci – Mona Lisa
Cristofano Alloriego
Giorgione - Śpiąca Wenus
BAROKOWY
W epoce baroku (koniec XVI-XVII w.) naturalność znów wychodzi z mody. Zastępuje ją stylizacja i teatralność. Rozkwit baroku przypadł na panowanie francuskiego „Króla Słońce” Ludwika XIV. Od tego czasu dwór francuski zaczyna dyktować modę w całej Europie. Kobiece ciało w okresie baroku, podobnie jak wcześniej, powinno być „bogate” z „łabędzią” szyją, szerokimi ramionami odrzuconymi do tyłu i bujnymi biodrami. Ale talia powinna być teraz tak cienka, jak to możliwe, a gorsety z fiszbinami są w modzie. Bujne, plisowane ubrania na długi czas stają się jednym z głównych elementów kobiecego zniewalania. Splendor wyglądu najwyraźniej przejawiał się w powszechnym używaniu luksusowych kołnierzy i peruk, które istniały wśród szlachty przez prawie trzy stulecia.
Rubensa
Rubensa z żoną
van Meera
Rembrandta
Rembrandt – Saskia
ROKOKO
Na początku XVIIIw. nadchodzi era rokoko, a kobieca sylwetka znów się zmienia. Teraz kobieta powinna przypominać delikatną porcelanową figurkę. Uroczysty przepych baroku ustępuje miejsca wdziękowi, lekkości i figlarności. Jednocześnie teatralność i nienaturalność nigdzie nie idą - wręcz przeciwnie, osiągają swój szczyt. Zarówno mężczyźni, jak i kobiety przybierają wygląd lalki. Piękno epoki rokoko ma wąskie ramiona i cienką talię, mały gorset kontrastuje z ogromną zaokrągloną spódnicą. Dekolt się zwiększa, a spódnica jest nieco skrócona. Pod tym względem zaczyna się zwracać szczególną uwagę na bieliznę. Pończochy wchodzą w modę, a halka jest bogato zdobiona. Odsłanianie kobiecych piersi, dotykanie jej i całowanie - odtąd uważano za całkiem przyzwoite. Skromność wywoływała tylko kpiny: jeśli dziewczyna się wstydzi, to nie ma się czym chwalić. Panie z kolei nieustannie znajdowały powód do pokazania piersi - albo spadła i ukłuła róża, albo ugryzła pchła - „patrz!”. Popularną rozrywką szlachty były swego rodzaju konkursy piękności, podczas których panie podciągały spódnice i bez wstydu rozpinały bukieciki. Szarmanckie damy nakładają na twarze tyle makijażu, że mężowie, jak mówią, często nie rozpoznają swoich żon.
Francois Boucher - Portret Louise O'Murphy
Franciszka Bouchera
Fragonard - Huśtawka
ROMANTYZM
Naśladownictwo antycznych strojów odmieniło także sylwetkę kobiety. Sukienka nabiera wyraźnych proporcji i gładkich linii. Główną odzieżą fashionistek był śnieżnobiały shmeez - lniana koszula z dużym dekoltem, krótkimi rękawami, zwężona z przodu i luźno otulająca figurę poniżej. Pas przesunął się na klatkę piersiową. Imperium było jednym z ostatnich odrębnych stylów, dyktującym stosunkowo jasne kanony piękna i mody. Wraz z początkiem XIX wieku moda zaczyna zmieniać się tak szybko, że można uchwycić tylko niektóre z najbardziej uderzających trendów.
