Ostatnio w sieci pojawiły się doniesienia, że być może tajemnica chyba najbardziej tajemniczego zdjęcia została rozwiązana. Naukowcom z Włoch udało się odnaleźć szczątki, którymi może być Lisa del Giocondo. Na tym tle byłoby miło znaleźć ciekawe informacje o najbardziej tajemniczych, a czasem szczerze tajemniczych obrazach.
„Mona Lisa”
Właściwie to płótno jest warte szczególnej uwagi. Kreacja, napisana na początku XVI wieku przez Leonarda da Vinci, rodzi wiele pytań, na które wciąż nie ma odpowiedzi.
Według Guyeta obraz ma taką moc, że może doprowadzić każdego do szaleństwa, jeśli wpatrujesz się w niego przez długi czas i uważnie.
I takie pogłoski absolutnie nie są daremne, ponieważ naukowcy badają je od wieków i odkrywają nowe tajemnice.
Ręce Giocondy stają się tematem rozpraw, a lekarzom udaje się postawić diagnozę u tej kobiety:
- z teorii, że nie ma zębów;
- do dziwnych przypuszczeń, że w rzeczywistości nie jest kobietą, ale mężczyzną.
Jedna z najciekawszych wersji, które sam namalował Da Vinci.
Co ciekawe, sława tego dzieła sztuki przyszła dopiero w 1911 roku. Potem, jak wiecie, została porwana przez Włocha Vincenzo Perugio. I znaleźli przestępcę (pomyśl o tym) na podstawie odcisków palców.
W rezultacie płótno stało się nie tylko pierwszym w rzeczywistości udanym doświadczeniem w odciskach palców, ale także odniosło sukces na rynku malarstwa.
"Krzyk"
To, że najsłynniejszy obraz Edvarda Muncha z pewnością ma jakiś wpływ na ludzi, którzy na niego patrzą, nie jest niczym nowym. Mówi się o tym od dawna, co nie może nie przerażać. Ale nawet to nie jest najdziwniejsze, faktem jest, że obraz jest właściwie realizmem dla jego autora.
Jak wiecie, Munch, kiedy pisał „Krzyk”, cierpiał na chorobę afektywną dwubiegunową (wcześniej znaną jako psychoza maniakalno-depresyjna). Kiedyś nawet opowiedział historię powstania pomysłu na swoje nieśmiertelne arcydzieło. Według artysty widział to.
Pewnego dnia Munch spacerował z przyjaciółmi ścieżką, dokładnie w momencie, gdy zachodziło słońce. Powiedział, że w jednej chwili niebo zmieniło kolor na jaskrawoczerwony, prawie krwawy.
Artysta poczuł się bardzo zmęczony i oparł się o płot, wpatrując się w płomienie, krew nad miastem i błękitny fiord. Jego przyjaciele ruszyli dalej, ale on nie mógł się ruszyć, drżał i poczuł krzyk, który przeniknął otaczającą przyrodę.
„Czarny kwadrat”
Nawet dla ludzi zajmujących się sztuką w ogóle, a malarstwem w szczególności, nie jest tajemnicą, że „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy. Rzeczywiście, ta figura nie jest kwadratem, chociaż nazwa sugeruje inaczej.
Dowodem na to jest katalog wystawy, w którym kwadrat jest przez samego artystę zadeklarowany jako „czworokąt”. Jeśli chodzi o kolor, tutaj wszystko jest proste - podczas pisania Malewicz nie używał czarnej farby.
Niewiele osób wie, że dla samego artysty ta praca była najlepsza ze wszystkich, które stworzył. Na pogrzebie Malewicza „Czarny kwadrat” umieszczono w głowie zmarłego, ciało w trumnie znajdowało się pod białym welonem, na którym leżała łata z tym samym czarnym kwadratem.
A wewnątrz trumny namalowali ten sam obraz. I karawan był nim ozdobiony. Ogólnie wszystko było zorganizowane w tym samym stylu.
„Guernica”
Płótno zostało wymyślone przez samego Picassa, poświęcając obraz bombardowaniu w Guernica. Artysta został wezwany na przesłuchanie przez gestapo, gdzie wypytywano go o Guernicę, czy to zrobił. Picasso odpowiedział im przecząco, a nawet stwierdził, że to zrobili.
Napisał płótno szybko, niecały miesiąc, ale desperacko stworzył arcydzieło, nie rozpraszając się, spędzając ponad dziesięć godzin dziennie.
Nazywają ten obraz obrazem faszyzmu, okrucieństwa i horroru. Ci, którzy widzieli „Guernicę”, mówią, że oglądając ją, odczuwali niepokój, a nawet panikę.
„Ręce mu się opierają”
Bill Stoneham namalował płótno w 1972 roku. Sława dzieła, szczerze mówiąc, jest zła, co dodaje mu tajemniczości i mistycyzmu. Aukcja E-bay donosi, że krótko po zakupie została znaleziona w śmietniku.
Gdy tylko obraz zawisł w domu kupca, w nocy córka pobiegła do rodziców ze łzami w oczach i stwierdziła, że widziała walczące dzieci.
Od tego czasu obraz stał się jeszcze bardziej zarośnięty przerażającymi historiami. Na przykład Kim Smith, który nabył go, aby go zniszczyć, nie mógł tego zrobić, ponieważ umarł. Gazety wielokrotnie donosiły, że w Ameryce widziano duchy, które wyglądają jak te dzieci.
Iwan Groźny i jego syn Iwan
W ludziach to zdjęcie ma nieco inną nazwę. Mianowicie „Iwan Groźny zabija syna”.
Do dziś nie można z całą pewnością odpowiedzieć na pytanie, czy król zabił swoje potomstwo. Na przykład w latach 60. przeprowadzono badania, podczas których otwarto groby Groznego i jego syna, po czym ustalono, że młodszy Iwan został otruty.
Ale tylko tę samą truciznę znaleziono w Iwanie Groźnym. A naukowcy doszli do wniosku, że przez dziesięciolecia zatruwali rodzinę królewską.
Wersje o niewinności Groznego w dzieciobójstwie były wśród wielu, więc główny prokurator Synodu Pobedonostseva był pewien, że car tego nie popełnił.
Był kiedyś tak oburzony tą pracą, że napisał nawet do cesarza Aleksandra III, że obraz nie może twierdzić, że jest historyczny, przynajmniej można go nazwać fantastycznym.
Ważne jest, aby zrozumieć, że ta rozmowa o morderstwie pochodzi od legata papieskiego Antonio Possevino, a jego opowieści nie można nazwać wiarygodnymi i bezstronnymi.
Ale sam obraz był naprawdę naruszony: płótno zostało pocięte nożem, tak bardzo, że Repin musiał ponownie przepisać twarze Iwanowa. Dozorca, który jej nie uratował, dowiedziawszy się o brutalnym zamachu na obraz, rzucił się pod pociąg.
„Portret Lopuchiny”
Jak można mówić o mistycznych kreacjach i przejść obojętnie obok malarstwa Borowickiego. Napisał płótno pod koniec XVIII wieku i wkrótce zaczęła krążyć wokół niego zła sława.
Lopukhina sama dolała oliwy do płonącego ognia. Ona również odeszła z życia geniusza wkrótce po zakończeniu jego pracy.
Krążą pogłoski, że obraz odbiera młodość, a nawet odbiera życie. Nie jest jasne, kto zaczął mówić takie rzeczy. Ale wszystkie rozmowy ucichły, gdy Tretiakow kupił go i powiesił w swojej galerii.
Ważne jest, aby wiedzieć
Były to najbardziej uderzające przykłady dziwnych i tajemniczych obrazów. Historie o nich czasami mrożą krew w żyłach. Możesz oczywiście być sceptycznie nastawiony do tego, ale czasami można sparafrazować dobrze znane wyrażenie: „Jeśli długo patrzysz na przerażający obraz, zacznie na ciebie patrzeć”.
Istnieje przesąd, że namalowanie portretu może przynieść nieszczęście modelce. W historii malarstwa rosyjskiego było kilka znanych obrazów, które zyskały mistyczną reputację.
Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r. Ilja Repin
Ilya Repin miał reputację „malarza fatalnego”: wielu z tych, których portrety namalował, zmarło nagle. Wśród nich są Musorgski, Pisemski, Pirogow, włoski aktor Mercy d'Argento i Fiodor Tiutchev.
Najciemniejszy obraz Repina jest rozpoznawany jako „Iwan Groźny zabija swojego syna”. Ciekawostka: nadal nie wiadomo, czy Iwan IV zabił swojego syna, czy też legendę tę rzeczywiście skomponował wysłannik Watykanu Antonio Possevino.
Zdjęcie zrobiło przygnębiające wrażenie na zwiedzających wystawę. Odnotowywano przypadki histerii, aw 1913 roku malarz ikon Abram Bałaszow rozdarł obraz nożem. Później został uznany za szalonego.
Dziwny zbieg okoliczności: artysta Myasoedov, z którego Repin namalował wizerunek króla, wkrótce prawie zabił swojego syna Iwana w przypływie gniewu, a pisarz Wsiewołod Garszyn, który został kwoka dla carewicza Iwana, oszalał i popełnił samobójstwo.
„Portret MI Lopukhina” . Władimir Borowikowski
Maria Lopukhina, wywodząca się z rodziny hrabiego Tołstoja, została modelką artystki w wieku 18 lat, wkrótce po ślubie. Niesamowicie piękna dziewczyna była zdrowa i pełna sił, ale zmarła 5 lat później. Wiele lat później poeta Polonsky napisał „Borovikovsky uratował jej piękno…”.
Krążyły pogłoski o związku obrazu ze śmiercią Lopukhiny. Narodziła się miejska legenda, że na portret nie można długo patrzeć – cierpnie smutny los „modelki”.
Niektórzy twierdzili, że ojciec dziewczynki, mistrz loży masońskiej, zawarł w portrecie ducha swojej córki.
Po 80 latach obraz nabył Trietiakow, który nie bał się reputacji portretu. Dziś obraz znajduje się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej.
"Nieznany". Iwan Kramskoj
Obraz „Nieznany” (1883) wzbudził duże zainteresowanie petersburskiej publiczności. Ale Trietiakow stanowczo odmówił zakupu obrazu do swojej kolekcji. Tak więc „Nieznajomy” rozpoczął swoją podróż przez prywatne kolekcje. Wkrótce zaczęły się dziać dziwne rzeczy: pierwszego właściciela porzuciła żona, dom drugiego spłonął, trzeci zbankrutował. Wszystkie nieszczęścia przypisywano fatalnemu obrazowi.
Sam artysta nie uniknął kłopotów, wkrótce po namalowaniu obrazu zmarło dwóch synów Kramskoja.
Obrazy były sprzedawane za granicę, gdzie nadal przynosiła właścicielom tylko nieszczęścia, aż do powrotu płótna do Rosji w 1925 roku. Kiedy portret trafił do kolekcji Galerii Trietiakowskiej, nieszczęścia ustały.
"Trójka". Wasilij Perow
Perow długo nie mógł znaleźć opiekunki dla centralnego chłopca, dopóki nie spotkał kobiety, która podróżowała przez Moskwę z pielgrzymką ze swoim 12-letnim synem Vasyą. Artystce udało się przekonać kobietę, by pozwoliła Wasilijowi pozować do zdjęcia.
Kilka lat później Perow ponownie spotkał tę kobietę. Okazało się, że rok po namalowaniu obrazu Wasenka zmarł, a jego matka przyszła do artysty celowo, aby kupić obraz za ostatnie pieniądze.
Ale płótno zostało już zakupione i wystawione w Galerii Trietiakowskiej. Kiedy kobieta zobaczyła Trojkę, upadła na kolana i zaczęła się modlić. Wzruszona artystka namalowała dla kobiety portret syna.
„Demon pokonany” Michaił Wrubel
Syn Vrubela, Savva, zmarł nagle wkrótce po tym, jak artysta ukończył portret chłopca. Śmierć jego syna była ciosem dla Vrubela, więc skoncentrował się na swoim ostatnim obrazie, Demon pokonany.
Chęć ukończenia płótna przerodziła się w obsesję. Vrubel kontynuował dokańczanie obrazu, nawet gdy został wysłany na wystawę.
Ignorując zwiedzających, artysta wszedł do galerii, wyjął pędzle i kontynuował pracę. Zaniepokojeni bliscy skontaktowali się z lekarzem, ale było już za późno - przepuklina rdzenia kręgowego sprowadziła Vrubela do grobu, mimo leczenia.
"Syreny". Iwan Kramskoj
Ivan Kramskoy postanowił namalować obraz na podstawie opowiadania N.V. Gogola „Noc majowa, czyli utopiona kobieta”. Na pierwszej wystawie w Stowarzyszeniu Wędrowców obraz wisiał obok pastorału „Przybyły gawrony” Aleksieja Sawrasowa. Już pierwszej nocy obraz „Gawrony” spadł ze ściany.
Wkrótce Tretiakow kupił oba obrazy, „Przybyły gawrony” zajęły miejsce w biurze, a „Syreny” zostały wystawione w holu. Od tego momentu służba i domownicy Trietiakowa zaczęli narzekać na żałobne śpiewy dochodzące nocą z sali.
Co więcej, ludzie zaczęli zauważać, że obok obrazu doświadczają załamania.
Mistycyzm trwał, dopóki stara niania nie poradziła, aby przenieść syreny ze świata na drugi koniec korytarza. Trietiakow zastosował się do rady i dziwactwa ustały.
„O śmierci Aleksandra III”. Iwan Aiwazowski
Kiedy artysta dowiedział się o śmierci cesarza Aleksandra III, był w szoku i namalował obraz bez żadnego zamówienia. W zamyśle Aiwazowskiego obraz miał symbolizować triumf życia nad śmiercią. Ale po ukończeniu obrazu Aivazovsky ukrył go i nikomu nie pokazał. Po raz pierwszy obraz wystawiono publicznie dopiero po 100 latach.
Obraz podzielony jest na fragmenty, płótno przedstawia krzyż, Twierdzę Piotra i Pawła oraz postać kobiety w czerni.
Dziwny efekt polega na tym, że pod pewnym kątem kobieca postać zamienia się w roześmianego mężczyznę. Niektórzy widzą w tej sylwetce Mikołaja II, inni widzą Pachoma Andriejuszkina, jednego z tych terrorystów, którym nie udało się zabić cesarza w 1887 roku.
Chłopaki, wkładamy naszą duszę w stronę. Dziękuję za to
za odkrycie tego piękna. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas o godz Facebook oraz W kontakcie z
Czasami możesz doświadczyć silnych emocji lub poczuć prawdziwy strach, po prostu patrząc na zdjęcie. I to jest zrozumiałe, bo artysta wkłada w swoją pracę pewną energię. A im bardziej utalentowany artysta, tym więcej mocy może przenieść na swoje dzieło.
strona zebrał właśnie takie „fatalne” obrazy, które mają silną i niewytłumaczalną moc artystyczną.
Mona Lisa z Isleworth
90% odwiedzających Luwr przyjeżdża tam tylko po to, by obejrzeć najbardziej tajemniczy obraz świata – legendarną Monę Lisę. Do tej pory istnieje wiele nierozwiązanych tajemnic obrazu. Ponadto wiadomo, że przyczynia się do występowania zespołu Stendhala. Jest to zaburzenie, w którym osoba bardzo ostro postrzega dzieła sztuki: dezorientując się w przestrzeni, ludzie są dosłownie transportowani wewnątrz obrazu. Nie wiadomo, co można zobaczyć po drugiej stronie Giocondy, ale fakty mówią same za siebie: doprowadziła zwiedzających zarówno do agresji, jak i do samobójstwa.
Ale niewiele osób wie, że istnieje inna wersja Giocondy - Isleworth Mona Lisa, która prawdopodobnie należała do tego samego pędzla Leonarda da Vinci i została napisana wiele lat wcześniej. Albo reprezentowała oryginalny obraz, a dobrze znaną wersję napisał Leonardo 20 lat później w swojej pracowni. To płótno zostało znalezione ponad sto lat temu w prywatnej kolekcji, a teraz jest eksponowane w Muzeum Prado w Madrycie. Być może kiedyś właśnie to zdjęcie pomoże rozszyfrować wszystkie tajemnice słynnej Giocondy.
dyliżans pocztowy
Ten obraz został namalowany przez artystkę Laurę P. z fotografii. Co więcej, autor zdjęcia, James Kidd, twierdzi, że nie zastrzelił żadnej osoby stojącej na lewo od dyliżansu. Powstał nagle w trakcie wywoływania zdjęcia (można zobaczyć oryginalne zdjęcie).
Gotową pracę artystka powiesiła w gabinecie, ale została poproszona o natychmiastowe wyniesienie stamtąd płótna. Wraz z pojawieniem się obrazu w pokoju pojawił się poltergeist, a ona sama zawsze wisiała krzywo, mimo że za każdym razem była poprawiana. Dalej historia się powtórzyła w innych domach, które „chroniły” obraz. W końcu trzeba było go spalić.
płaczący chłopiec
Istnieje cała seria obrazów płaczących dzieci autorstwa włoskiego artysty Bruno Amadio. To portrety 65 sierot, które artysta sprzedał turystom po II wojnie światowej.
Najbardziej znanym obrazem z tej serii jest The Crying Boy, który w kilku regionach Anglii jest oficjalnie uznawany za przeklęty. Według legendy autor płótna zapalił zapałkę przed pozującym chłopcem, aby doprowadzić go do płaczu. Od tego czasu reprodukcje tego obrazu brały udział w 50 pożarach w całej Anglii.
Deszczowa kobieta
Niezwykle dziwne wrażenie robi również obraz „Kobieta deszczu”, namalowany przez winnicką artystkę Swietłanę Telec. Artystka przyznaje, że namalowała obraz w zaledwie 5 godzin, a jednocześnie jakby ktoś prowadził ją za rękę. Wszyscy nabywcy płótna zwracali je, narzekając na bezsenność, niepokój i poczucie, że ktoś ich ciągle obserwuje.
Portret hiszpańskiego generała Bernardo de Galveza
Jeśli piszesz historię o duchach, zdecydowanie powinieneś odwiedzić hotel”.
Włoscy naukowcy twierdzą, że znaleźli szczątki, które mogą należeć do Lisy del Giocondo. Być może tajemnica Mona Lisy zostanie ujawniona. Na cześć tego przypominamy sobie najbardziej tajemnicze obrazy w historii.
1. Mona Lisa
Pierwszą rzeczą, która przychodzi na myśl, jeśli chodzi o tajemnicze obrazy lub obrazy tajemnic, jest Mona Lisa, namalowana przez Leonarda da Vinci w latach 1503-1505. Gruyet napisał, że ten obraz może doprowadzić do szaleństwa każdego, kto zobaczy go wystarczająco dużo i zacznie o nim mówić.
W tej pracy da Vinci jest wiele „tajemnic”. O zboczu dłoni Mony Lisy piszą historycy sztuki, lekarze stawiają diagnozy (od takiej, że Mona Lisa nie ma przednich zębów, po taką, że Mona Lisa jest mężczyzną). Istnieje nawet wersja, w której Gioconda jest autoportretem artysty.
Nawiasem mówiąc, obraz zyskał szczególną popularność dopiero w 1911 roku, kiedy został skradziony przez Włocha Vincenzo Perugio. Znaleźliśmy go po odciskach palców. Tak więc Mona Lisa stała się także pierwszym sukcesem odcisków palców i ogromnym sukcesem marketingu rynku sztuki.
2. Czarny kwadrat
Wszyscy wiedzą, że „Czarny kwadrat” nie jest tak naprawdę czarny i nie jest kwadratem. To naprawdę nie jest kwadrat. W katalogu wystawy Malewicz określił go jako „czworokąt”. I naprawdę nie czarny. Artysta nie użył czarnej farby.
Mniej znany jest fakt, że Malewicz uważał Czarny kwadrat za swoje najlepsze dzieło. Kiedy artysta został pochowany, „Czarny kwadrat” (1923) stanął na czele trumny, ciało Malewicza przykryto białym płótnem z naszytym kwadratem, na wieku trumny narysowano również czarny kwadrat. Nawet pociąg i tył ciężarówki miały czarne kwadraty.
3. Krzyk
Zagadkowe w obrazie „Krzyk” nie jest to, że rzekomo wywiera silny wpływ na ludzi, zmuszając ich niemal do popełnienia samobójstwa, ale to, że ten obraz jest w rzeczywistości realizmem dla Edvarda Muncha, który w chwili pisania tego arcydzieło cierpiał na psychozę maniakalno-depresyjną. Pamiętał nawet dokładnie, jak widział to, co napisał.
„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi - słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując wyczerpanie, i oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto - kontynuowali moi przyjaciele, a ja stałem drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę.
4. Guernica
Picasso namalował „Guernicę” w 1937 roku. Obraz jest poświęcony bombardowaniu miasta Guernica. Mówi się, że kiedy Picasso został wezwany do gestapo w 1940 roku i zapytany o Guernicę: „Czy ty to zrobiłeś?”, artysta odpowiedział: „Nie, ty to zrobiłeś”.
Picasso malował ogromny fresk nie dłużej niż miesiąc, pracując po 10-12 godzin dziennie. „Guernica” uważana jest za odzwierciedlenie całej grozy faszyzmu, nieludzkiego okrucieństwa. Ci, którzy widzieli to zdjęcie na własne oczy, twierdzą, że budzi niepokój, a czasem panikę.
5. Iwan Groźny i jego syn Iwan
Wszyscy znamy obraz „Iwan Groźny i jego syn Iwan”, zwykle nazywając go „Iwan Groźny zabija syna”.
Tymczasem zabójstwo jego spadkobiercy przez Iwana Wasiljewicza jest faktem bardzo kontrowersyjnym. Tak więc w 1963 r. W katedrze Archanioła na Kremlu otwarto groby Iwana Groźnego i jego syna. Badania pozwoliły stwierdzić, że carewicz Jan został otruty.
Zawartość trucizny w jego szczątkach wielokrotnie przekracza dopuszczalną normę. Co ciekawe, tę samą truciznę znaleziono w kościach Iwana Wasiljewicza. Naukowcy doszli do wniosku, że rodzina królewska od kilkudziesięciu lat była ofiarą trucicieli.
Iwan Groźny nie zabił syna. Tej wersji przestrzegał m.in. Prokurator Generalny Świętego Synodu Konstantin Pobedonostsev. Widząc słynny obraz Repina na wystawie, był oburzony i napisał do cesarza Aleksandra III: „Nie można nazwać tego obrazu historycznym, ponieważ ten moment jest… czysto fantastyczny”. Wersja morderstwa została oparta na opowieściach legata papieskiego Antonio Possevino, którego trudno nazwać osobą bezinteresowną.
Był kiedyś prawdziwy zamach na obraz.
16 stycznia 1913 roku dwudziestodziewięcioletni malarz ikon staroobrzędowców Abram Bałaszow trzykrotnie dźgnął ją nożem, po czym twarze Iwanowów przedstawione na obrazie Ilji Repina musiały zostać namalowane praktycznie od nowa. Po incydencie ówczesny kurator Galerii Trietiakowskiej Chrusłow, dowiedziawszy się o aktach wandalizmu, rzucił się pod pociąg.
6. Ręce stawiają mu opór
Obraz Billa Stonehama, napisany przez niego w 1972 roku, stał się sławny, szczerze mówiąc, nie najlepszą sławą. Według informacji na e-bayu obraz został znaleziony jakiś czas po zakupie na wysypisku śmieci. Już pierwszej nocy, gdy obraz znalazł się w domu rodziny, która go znalazła, córka ze łzami w oczach pobiegła do rodziców, narzekając, że „dzieci na zdjęciu się biją”.
Od tego czasu obraz cieszy się bardzo złą sławą. Kim Smith, która kupiła go w 2000 roku, nieustannie otrzymuje gniewne listy z żądaniem spalenia obrazu. Gazety pisały też, że duchy pojawiają się czasem na wzgórzach Kalifornii, jak dwa groszki w strąku, jak dzieci z obrazu Stonehama.
7. Portret Lopuchiny
Wreszcie „zły obraz” - portret Łopuchiny, namalowany przez Władimira Borowikowskiego w 1797 r., Po pewnym czasie zaczął mieć złą reputację. Portret przedstawiał Marię Łopuchinę, która zmarła wkrótce po namalowaniu portretu. Ludzie zaczęli mówić, że obraz „odbiera młodość”, a nawet „sprowadza do grobu”.
Nie wiadomo na pewno, kto rozpoczął taką plotkę, ale po tym, jak Paweł Tretiakow „nieustraszenie” zdobył portret do swojej galerii, rozmowy o „tajemnicy obrazu” ucichły.
Obrazy wielkich artystów potrafią nie tylko zachwycać i sprawiać estetyczną przyjemność, ale także wywoływać mistyczny zachwyt, a nawet strach. Wiele obrazów mistrzów jest pełnych tajemnic. Nasza historia jest o nich.
Utalentowane obrazy zawsze budzą wewnętrzny podziw i podziw wśród miłośników sztuki. Płótna wielkich mistrzów fascynują i urzekają, ponieważ piękne obrazy budzą w duszach to, co najbardziej intymne, coś, co często człowiek stara się ukryć nawet przed samym sobą. Carl Jung nazwał to nieświadomością.
Dlatego obrazy znanych artystów postrzegane są jako tajemnicze przesłania, w których ujawniają się tajemnice świata. Aby je rozwiązać, musisz zwracać jak największą uwagę na szczegóły i symbole obrazów.
Niejedno pokolenie krytyków sztuki będzie próbowało rozwikłać szyfry Hieronima Boscha, pomyśleć o kodzie obrazów Leonarda da Vinci, Michała Anioła i Botticellego, zastygnąć w zachwycie przed obrazami Holendrów. Cóż można powiedzieć o malarstwie epoki modernizmu i postmodernizmu, gdzie piękno, duchowość i precyzja linii ustąpiły miejsca kulturowym symbolom, przeplataniu się linii i form kubicznych.
Obrazy ze znaczeniem Pabla Picassa i Fridy Kahlo, Jacksona Pollocka i Salvadora Dali ujawniają tragiczne i mistyczne aspekty bycia współczesnym człowiekiem. Aby je przeczytać, trzeba mieć rozległą wiedzę i intuicję twórczą.
Zapraszamy do odwiedzenia wirtualnej galerii i przekonania się, które słynne obrazy artystów są pełne zagadek lub z jakimi dramatycznymi historiami wiążą się:
Ostatnia Wieczerza (Leonardo da Vinci)
Wielu zauważy, że to arcydzieło nie jest dokładnie obrazem, ale freskiem. Jednak fresk to to samo płótno, tylko wykonane na mokrym tynku. Zaczęli mówić o tajemnicy tego obrazu już w XIX wieku, kiedy umysły arystokracji były urzeczone różnymi naukami mistycznymi, w Europie kwitły loże masońskie i różne tajne stowarzyszenia. W XXI wieku zainteresowanie freskami odżyło dzięki książce Dana Browna Kod Leonarda da Vinci oraz serii Demony Da Vinci.
Rzeczywiście, to dzieło największego artysty renesansu zawiera wiele tajemnych znaków, które tworzą podtekst fresku. Przede wszystkim należy zauważyć, że artysta pracował nad jej stworzeniem przez trzy lata, aż do 1498 roku (Leonardo oczywiście nie pisał na podmokłym gruncie – to powód, by uznać Ostatnią Wieczerzę za obraz, a nie fresk). Kompozycję zamówił doża wenecki Ludovico Sforza, słynny rozpustnik, mistyk, kupiec i intrygant.
Koncepcje wierności w życiu rodzinnym były Sforzie obce, był niestrudzony w swoich namiętnościach, na które cierpiała jego pobożna żona, księżna Beatrice d'Este. Pomimo tego, że była jedną z najpiękniejszych kobiet renesansu, Ludovico zdradzał ją z niesamowitą wytrwałością z najlepszymi zdobywcami Wenecji.
Dopiero śmierć Beatrice zmusiła Sforzę do przemyślenia swoich priorytetów i zaprzestania poszukiwania miłosnych przyjemności. Aby uwiecznić jej pamięć, książę Wenecji zamówił Ostatnią Wieczerzę da Vinci.
Z tym tłem związana jest pierwsza zagadka płótna: apostoł Jan, siedzący po prawicy Chrystusa, na zewnątrz bardziej przypomina kobietę niż mężczyznę. W ten sposób narodziło się przypuszczenie, że była to Maria Magdalena, żona Jezusa. Potwierdził to również znak, jaki tworzą skłonności tych dwóch postaci. Okazuje się, że postać przypomina kombinację dwóch trójkątów, co w naukach mistycznych oznaczało połączenie zasady żeńskiej i męskiej jako podstawy wszechświata.
Druga zagadka to wizerunek Judasza. Na początku pracy nad obrazem Leonardo bardzo szybko znalazł opiekunkę do obrazu Jezusa. Zostali młodą śpiewaczką z chóru kościelnego. Jego uroda i dobry wygląd uderzyły artystę.
Ale dla Judasza natura musiała być poszukiwana przez prawie trzy lata. Pewnego razu w rowie Leonardo zobaczył schodzącego pijaka. Zaprowadził go do refektarza iw ciągu kilku dni napisał antypodę Chrystusa. Po rozmowie z opiekunką artysta dowiedział się, że jego życie potoczyło się od momentu, gdy pozował do obrazu Jezusa da Vinci. W ten sposób Chrystus i ten, który go zdradził, są odpisani od jednej osoby z różnicą trzech lat.
Trzecią zagadką jest to, że na obrazie znajduje się autoportret Leonarda. To Apostoł Tadeusz, siedzący drugi z prawej strony.
Czwarty kod to powtarzająca się cyfra trzy. Przyjrzyj się bliżej płótnu, wszystkie postacie są zgrupowane w trójki. To pokazuje symboliczny szyfr Trójcy Świętej - Syna, Ducha i Boga.
Stworzenie Adama (Michał Anioł)
XVI-wieczny fresk jednego ze słynnych mistrzów renesansu przedstawia Boga wyciągającego rękę do Adama. To czwarta z dziewięciu scen Księgi Rodzaju, które autor przedstawił w Kaplicy Sykstyńskiej. Obraz przedstawia, jak Bóg tchnie duszę w nowo stworzonego człowieka.
Anatomowie ustalili, że purpurowy płaszcz Stwórcy, pod którym gromadzą się aniołowie, przypomina w zarysie ludzki mózg. Michał Anioł, jak wszyscy artyści tamtych czasów, szczegółowo studiował anatomię, więc doskonale wiedział, jak wygląda ten organ. Ale dlaczego przedstawił go na obrazie z wątkiem religijnym?
Krytycy sztuki sugerowali, że postępowy artysta i myśliciel wskazywał w ten sposób, że siłą poruszającą i rozwijającą człowieka jest umysł. Ponadto istnieje wiele innych niuansów, na które należy zwrócić uwagę:
- Postawa Adama jest symetryczna do postawy Boga. Jednak pierwszy człowiek jest zrelaksowany i tylko boski umysł jest w stanie napełnić go energią.
- Bohaterowie, otuleni płaszczem Stwórcy, tworzą zarys ludzkiego mózgu. Ponadto Michał Anioł nakreślił liniami przysadkę mózgową, most varolii (przekazuje impulsy z mózgu do rdzenia kręgowego) oraz tętnice kręgowe.
Obraz jest wymownym przesłaniem progresywnego artysty humanistycznego, który wierzył w moc ludzkiego umysłu.
„Przysłowia flamandzkie” (Peter Brueghel Starszy)
Obraz został namalowany przez holenderskiego malarza w połowie XVI wieku. Na pierwszy rzut oka jej fabuła jest prosta – zwykły dzień na rynku. Jednak na płótnie znajduje się 112 odrębnych elementów kompozycyjnych, które ucieleśniają popularne zwroty frazeologiczne.
Przyjrzyj się uważnie obrazkowi i zobacz ilustracje do idiomów: uderz głową w ścianę; przywiąż diabła do poduszki; powiesić kotu dzwonek (nierozsądny czyn); mówić dwoma ustami; usmażyć śledzie na jajka itp.
Ten obraz cieszy się dużym zainteresowaniem nie tylko historyków sztuki i kulturologów, ale także filologów.
Danae (Rembrandt Harmens van Rijn)
Holenderski artysta malował ten obraz przez 11 lat (1636–1647). Na pierwszy rzut oka płótno przedstawia bohaterkę starożytnego greckiego mitu Danae, która została ukryta w lochu przez własnego ojca. Powodem tego jest przepowiednia, według której król Argos padnie z rąk swojego wnuka.
Danae Rembrandta jest symbolem męskiej nietrwałości. Studiując obraz, historycy sztuki ustalili, że Danae ma obrączkę na palcu serdecznym, chociaż według legendy była niezamężną młodą damą, kiedy została uwięziona. Ponadto na obrazie nie było złotego deszczu, który Zeus spuścił, aby w Danae narodziło się życie.
Drugim punktem, który zdezorientował badaczy, jest to, że twarz bohaterki nie przypominała Saskii van Uylenbürch, młodej żony Rembrandta, która służyła jako model dla wszystkich jego obrazów z lat 30. XVII wieku. Jest to tym bardziej dziwne, że „Danae” artysta namalował, aby udekorować swój własny dom. Kogo więc zamiast żony uchwycił na płótnie?
Odpowiedź nadeszła w latach pięćdziesiątych XX wieku, kiedy historycy sztuki zaczęli wykorzystywać promieniowanie rentgenowskie do badania obrazów. Okazało się, że początkowo Danae została jednak odpisana od Saskii, a później artysta przepisał jej wizerunek, nadając rysom pielęgniarki swojego syna Gertje Dirks. Po śmierci Saskii została jego kochanką, konkubentką i nową muzą.
„Sypialnia w Arly” (Vincent van Gogh)
Nie mogąc znieść prześladowań paryskiego beau monde, Vincent van Gogh ucieka ze stolicy Francji. Wiosną 1888 roku udaje się na emeryturę do małej oficyny w Arly, kupionej za pieniądze ze spadku. Artysta wreszcie znalazł swój dom i własną pracownię. W Arly żył przez jakiś czas w oczekiwaniu na innego paryskiego uciekiniera, Paula Gauguina. Razem z nim Van Gogh chciał stworzyć bractwo artystów.
Obraz „Sypialnia w Arly”, czyli „Żółta sypialnia”, jest dokumentalnym dowodem choroby psychicznej malarza. Według niej psychiatrzy mogą badać zmiany zachodzące u osoby chorej na schizofrenię. Oto znaki, na które należy zwrócić uwagę:
- Nasycony, a nawet natarczywy żółty kolor. Wygląda nienaturalnie we wnętrzu sypialni. Chodzi o naparstnicę, za pomocą której Vincent van Gogh walczył z atakami epilepsji. Regularne stosowanie tego leku prowadzi do zmiany postrzegania kolorów. Ludzie widzą świat w żółto-zielonym kolorze.
- Parowanie przedmiotów w pokoju: dwa krzesła, dwie poduszki, dwa portrety, para rycin Van Gogha. W ten sposób autorka próbowała odnaleźć spokój ducha, poradzić sobie z samotnością.
- Zamknięte okiennice są symbolem wewnętrznej izolacji artysty i poczucia bezpieczeństwa.
- Lustro na ścianie zostało zakupione przez Van Gogha do autoportretów. Ludzie odmawiali mu pozowania, ponieważ nie postrzegali jego obrazów jako sztuki.
- Czerwony koc na łóżku odegrał dramatyczną rolę w życiu malarza. Podczas jednego z ataków odciął sobie płatek ucha i owijając się tym kocem, próbował przezwyciężyć strach, który go ogarnął.
Obraz jest odbiciem wewnętrznego świata artysty. W przypadku Van Gogha „Sypialnia w Arly” to historia jego samotności i szaleństwa.
„Krzyk” (Edvard Munch)
Krzyk to jeden z najbardziej mistycznych obrazów XX wieku. Uosabiała przeczucie uniwersalnej tragedii, które ogarnęło artystę podczas jednego ze spacerów. Munch ujrzał krwawy zachód słońca płonący na niebie i w duchu usłyszał krzyk cierpienia natury. To właśnie chciał pokazać na swoim płótnie.
Bezwłosy mężczyzna, przypominający w zarysie szkielet, otwiera szeroko usta i z przerażenia zamyka uszy - tak uderza go przeszywający wycie natury. Przeżyte przez artystę uczucie, ukazane na płótnie, stało się prorocze. „Krzyk” stał się symbolem XX wieku – stulecia przemocy, wojen, okrucieństwa, nienawiści do człowieka i torturowania środowiska.
Z obrazem wiąże się wiele mistycznych historii. Tak więc wszystkich właścicieli „Krzyku” spotkało nieszczęście - ruina, śmierć, wypadki. Kiedy obraz trafił do muzeum, kilku pracowników wykazało się zaniedbaniem w pracy z nim - upuścili płótno. Po chwili jeden popełnił samobójstwo, a drugi spłonął w wypadku samochodowym. Te nieszczęścia były związane ze śmiertelnym działaniem arcydzieła.
Naukowcy są pewni, że podobnie jak w przypadku Van Gogha, płótno jest ucieleśnieniem zaburzenia psychicznego jego twórcy, Edvarda Muncha.
„Stary rybak” (Tivadar Kostka Chontvari)
Farmaceuta z Węgier, widząc proroczy sen, sprzedał aptekę, kupił wszystko, co potrzebne do rysowania, i poszedł uczyć się umiejętności od libańskich malarzy.
Po powrocie do ojczyzny na początku XX wieku zaprezentował oryginalne dzieło - obraz „Stary rybak”. Wydawało się, że nie ma w tym nic szczególnego: publiczność nie wiedziała, co jest tak tajemniczego w tym płótnie. Chodzi o podtekst, który nie jest tak łatwy do odczytania. Udało się go rozwiązać dopiero po 50 latach.
Chontwari malował dziwne i nieco przerażające obrazy, więc nie były one popularne. W rezultacie zmarł w biedzie, a jego płótna trafiły na śmietnik. Zachowało się tylko kilka obrazów mistrza, które trafiły do muzeum miasta Pec. Wśród nich był „Stary Rybak”.
Jeden z pracowników muzeum pomyślał o wykorzystaniu lustra do ujawnienia podtekstu arcydzieła. Okazało się, że jeśli podzielisz obraz na pół lustrem, to utworzą się dwa antagonistyczne wątki: pierwszy przedstawia Boga płynącego łodzią po spokojnym morzu, a drugi przedstawia diabła na szalejącym morzu. To taka metafora złożoności bycia tworzonym przez węgierskiego artystę.
To tylko niewielka część tych słynnych obrazów, które budzą mistyczny podziw i uwielbienie. Twórczość Michaiła Wrubela, Paula Gauguina, Pabla Picassa, Gustava Klimta i Kazemira Malewicza budzi zachwyt, przerażenie i uwielbienie. Rozwiązuje się je, podziwia się, zrozumienie ich treści zajmuje lata. Znajomość tajemnic wielkich płócien to krok ku poznaniu człowieka i świata.
Polecane wiadomości
17:56
