Najsłynniejsze obrazy impresjonistów. Współczesna malarka impresjonistyczna Karen Tarlton

Wystawa impresjonistów

Przede wszystkim po raz trzeci odwiedziłam wystawę we wspaniałym Art Mall w Kijowie. O cudownych technologiach wyświetlania ekspozycji pisałem już na tej stronie. Nie będę się powtarzać, powiem tylko, że tym razem wszystko było na najwyższym poziomie, nie było rozczarowania :). Na tej ostatniej wystawie można było zobaczyć obrazy wszystkich czołowych mistrzów tego nurtu artystycznego. Jeśli ktoś nie wie, na wszelki wypadek podam listę tych bardzo impresjonistycznych mistrzów:

• Edwarda Mane'a. Choć sam artysta nieustannie zabiegał o oficjalne uznanie, to właśnie jego niesławny obraz „Śniadanie na trawie” stał się prawdziwym symbolem Salonu Wygnańców.
• Berthe Morisot. Jedna z nielicznych (boję się zapewnić, że jedyna) impresjonistka. W 2013 roku obraz „Po obiedzie” został sprzedany w Sotheby's za 10,9 miliona dolarów. To wydarzenie uczyniło Morisot najdroższą artystką.
• Kamila Pissarro. Uwielbiam jego obrazy paryskich bulwarów. Seria Boulevard Montmartre jest uważana za jeden z ogólnie przyjętych symboli impresjonizmu.
• Claude Monet. Chyba najsłynniejszy przedstawiciel nurtu. W każdym razie był to jego obraz „Impresja. Sunrise ”w pewnym momencie nadał nazwę całemu kierunkowi artystycznemu.
• Edgara Degasa. Tutaj chcę wyrazić nieco zabawne i przesadzone powiedzenie o nowoczesnej imprezie artystycznej: jeśli jest dużo małych ludzi, to jest Bosch, jeśli grube baletnice to Degas :)
• Pierre'a Renoira. Mój ulubiony impresjonista. I nie ma więcej komentarzy.
• Tuluza de Lautrec. Wokalistka rozrywki i życia paryskiej bohemy i „dolu”. Kabarety, burdele - jego temat.
• Henryk Krzyż. Ze zdziwieniem stwierdziłam, że po raz pierwszy usłyszałam tę nazwę na wystawie!
• Paweł Signak. Jego urocze pejzaże o jasnych, czystych kolorach ożywiły nowy kierunek neoimpresjonizmu - puentylizm.
• Paweł Cezanne. Mam z nim główne skojarzenie: martwe natury i niechęć do ludzkich modeli, a to wiąże się z moją ulubioną dziwaczną sytuacją.
• Paul Gauguin. Jeden z tytanów postimpresjonizmu. Prawie całkowite nierozpoznanie za życia i zapisy dotyczące sprzedaży obrazów po śmierci.
• Vincent van Gogh. Kolejna gwiazda o niesamowicie trudnym twórczym i życiowym przeznaczeniu. I ogłuszająca chwała po śmierci...

To wszystko tytani. Ich obrazy (reprodukcje) można oglądać godzinami, co zrobiłem na wystawie w Kijowie. Moje zdjęcia nie przedstawiają żadnej wartości artystycznej, można znaleźć o wiele lepsze próbki. Ale i tak wrzucę kilka fragmentów z wystawy:

Muzea impresjonistów

Jak powiedziałem, impresjonizm towarzyszy całemu mojemu świadomemu życiu. Nawet przy niektórych zasobach bezczelnie przypisuję sobie przydomek impresjonizm, wskazując nie na moje zaangażowanie, ale na moją szczególną postawę szacunku. Dlatego zainteresowało mnie: gdzie można zobaczyć niereprodukcje. co z oryginałami? Moje osobiste doświadczenie jest dość małe: jako student odwiedziłem wspaniałe miasto Petersburg i Ermitaż. W Ermitażu nawet nie próbowałem ogarnąć ogromu, ale od razu znalazłem, w których pokojach można oglądać obrazy impresjonistów. Spotkanie jest duże! Oto tylko kilka moich ulubionych obrazów:

Kamila Pissarro. „Boulevard Montmartre w Paryżu” 1897

Paul Signac „Port w Marsylii”. 1906-1907

Obraz Claude'a Moneta „Most Waterloo. (Efekt mgły)"

Paul Gauguin. „Kobieta trzymająca płód” 1893

Augusta Renoira. „Dziewczyna z fanem” 1881

Augusta Renoira. „Portret aktorki Jeanne Samary”. 1878

Ale oprócz własnych informacji mam też wrażenia moich znajomych. Oni, zarażeni uczuciami do impresjonistów nie mniej niż ja, dwukrotnie odwiedzili Paryż. Dwukrotna obowiązkowa liczba ich programu obejmowała wizyty w muzeach, które mają kolekcje obrazów tego kierunku. Najważniejsze atrakcje tej paryskiej wyprawy kulturalnej to:

• Muzeum Oranżeria- najbogatszy zbiór impresjonistów i postimpresjonistów. Najbardziej znanym obrazem jest „Wody” C. Moneta. Dopiero od znajomych dowiedziałem się, że ten obraz, jak się okazuje, został namalowany przez artystę bezpośrednio na ścianie muzeum i całkowicie zajmuje osobną salę galerii.
• Muzeum d'Orsay nie jest uważana za specjalizującą się wyłącznie w twórczości impresjonistów, prezentuje różne dziedziny europejskiego malarstwa i rzeźby. Ale prawie wszyscy z tych mistrzów, którzy są uwzględnieni na liście, którą zamieściłem powyżej, są wystawiani w Orsay. Ile jest warta przynajmniej jedna słynna „Olimpia” Edouarda Maneta!
• Muzeum Marmottana Moneta posiada w swoich zbiorach ponad 300 obrazów impresjonistów. Zest: kultowy obraz Claude'a Moneta „Impresja. Wschód słońca". Tak, tak, to jest to. Przyjaciele mówią, że zobaczenie jej na żywo to czarujące uczucie. Naprawdę im zazdroszczę...

Claude Monet. Wrażenie. Wschodzące słońce

Jednym z największych nurtów w sztuce ostatnich dziesięcioleci XIX wieku i początku XX jest impresjonizm, który rozprzestrzenił się na cały świat z Francji. Jego przedstawiciele zajmowali się rozwojem takich metod i technik malarskich, które pozwoliłyby jak najbardziej żywo i naturalnie oddać dynamiczny świat rzeczywisty, przekazać ulotne wrażenia z niego.

Wielu artystów stworzyło swoje płótna w stylu impresjonizmu, ale założycielami ruchu byli Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Bazille, Camille Pissarro. Nie można wymienić ich najlepszych dzieł, ponieważ wszystkie są piękne, ale są te najbardziej znane, które zostaną omówione dalej.

Claude Monet: „Wrażenie. Wschodzące słońce"

Płótno, od którego można rozpocząć rozmowę o najlepszych obrazach impresjonistów. Claude Monet namalował go w 1872 roku z życia w starym porcie francuskiego Le Havre. Dwa lata później obraz został po raz pierwszy pokazany publiczności w dawnym warsztacie francuskiego artysty i rysownika Nadara. Ta wystawa stała się wydarzeniem zmieniającym życie świata sztuki. Pod wrażeniem (nie w najlepszym tego słowa znaczeniu) twórczości Moneta, którego oryginalna nazwa brzmi jak „Impression, soleil levant”, dziennikarz Louis Leroy jako pierwszy ukuł termin „impresjonizm”, oznaczający nowy kierunek w malarstwie.

Obraz został skradziony w 1985 roku wraz z dziełami O. Renoira i B. Morisota. Odkryta pięć lat później. Obecnie wrażenie. The Rising Sun” należy do muzeum Marmottan Monet w Paryżu.

Edouard Monet: Olimpia

Obraz „Olimpia”, stworzony przez francuskiego impresjonistę Edouarda Maneta w 1863 roku, jest jednym z arcydzieł malarstwa współczesnego. Po raz pierwszy został zaprezentowany na Salonie Paryskim w 1865 roku. Artyści impresjoniści i ich obrazy często znajdowali się w centrum głośnych skandali. Jednak Olympia spowodowała największe z nich w historii sztuki.

Na płótnie widzimy nagą kobietę, z twarzą i ciałem zwróconą w stronę publiczności. Druga postać to ciemnoskóra pokojówka trzymająca luksusowy bukiet owinięty w papier. W nogach łóżka czarny kotek w charakterystycznej pozie z wygiętym grzbietem. Niewiele wiadomo o historii obrazu, zachowały się tylko dwa szkice. Modelem był najprawdopodobniej ulubiony model Maneta, Quiz Menard. Istnieje opinia, że ​​\u200b\u200bartysta wykorzystał wizerunek Marguerite Bellanger - kochanki Napoleona.

W tym okresie twórczości, kiedy powstawała Olympia, Manet był zafascynowany sztuką japońską, dlatego świadomie odmawiał wypracowania niuansów ciemności i światła. Z tego powodu jego współcześni nie widzieli objętości przedstawionej postaci, uważali ją za płaską i szorstką. Artysta został oskarżony o niemoralność, wulgaryzmy. Nigdy wcześniej obrazy impresjonistów nie wywołały takiego poruszenia i kpiny ze strony tłumu. Administracja została zmuszona do postawienia wokół niej strażników. Degas porównał sławę Maneta z Olimpii i odwagę, z jaką przyjmował krytykę, z historią życia Garibaldiego.

Przez prawie ćwierć wieku po wystawie płótno było przez mistrza artysty niedostępne dla wścibskich oczu. Następnie został ponownie wystawiony w Paryżu w 1889 roku. Był prawie kupiony, ale przyjaciele artysty zebrali wymaganą kwotę i kupili Olimpię od wdowy po Manecie, a następnie przekazali państwu. Obraz jest obecnie własnością Musée d'Orsay w Paryżu.

Auguste Renoir: Wielcy kąpiący się

Obraz został namalowany przez francuskiego artystę w latach 1884-1887. Biorąc pod uwagę wszystkie znane obecnie obrazy impresjonistów z okresu od 1863 roku do początku XX wieku, „Wielcy Kąpiący się” nazywani są największym płótnem z nagimi postaciami kobiecymi. Renoir pracował nad nim przez ponad trzy lata iw tym okresie powstało wiele szkiców i szkiców. Nie było w jego twórczości innego obrazu, któremu poświęciłby tyle czasu.

Na pierwszym planie widz widzi trzy nagie kobiety, z których dwie znajdują się na brzegu, a trzecia w wodzie. Postacie namalowane są bardzo realistycznie i wyraźnie, co jest charakterystyczną cechą stylu artysty. Modelami Renoira były Alina Charigot (jego przyszła żona) i Suzanne Valadon, która w przyszłości sama stała się sławną artystką.

Edgar Degas: Niebiescy tancerze

Nie wszystkie znane impresjonistyczne obrazy wymienione w artykule są malowane olejem na płótnie. Powyższe zdjęcie pozwala zrozumieć, czym jest obraz „Niebiescy tancerze”. Został on wykonany pastelami na kartce papieru o wymiarach 65x65 cm i należy do późnego okresu twórczości artysty (1897). Namalował go już osłabionym wzrokiem, więc organizacja dekoracji ma ogromne znaczenie: obraz postrzegany jest jako duże kolorowe plamy, zwłaszcza oglądany z bliska. Temat tancerzy był bliski Degasowi. Wielokrotnie powtarzała w swojej pracy. Wielu krytyków uważa, że ​​pod względem harmonii kolorystycznej i kompozycji Blue Dancers można uznać za najlepsze dzieło artysty na ten temat. Obraz obecnie przechowywany jest w Muzeum Sztuki. A. S. Puszkin w Moskwie.

Frederic Bazille: „Różowa sukienka”

Jeden z twórców francuskiego impresjonizmu, Frederic Bazille, urodził się w mieszczańskiej rodzinie zamożnego winiarza. Już w latach nauki w Liceum zaczął zajmować się malarstwem. Po przeprowadzce do Paryża poznał C. Moneta i O. Renoira. Niestety los artysty był przeznaczony na krótką ścieżkę życia. Zginął w wieku 28 lat na froncie w czasie wojny francusko-pruskiej. Jednak jego, choć nieliczne, płótna słusznie znajdują się na liście „Najlepszych obrazów impresjonistów”. Jednym z nich jest „Różowa sukienka”, napisana w 1864 roku. Wszystko wskazuje na to, że płótno można przypisać wczesnemu impresjonizmowi: kontrasty kolorystyczne, dbałość o kolor, światło słoneczne i zatrzymanie chwili, właśnie to, co nazwano „wrażeniem”. W roli modelki wystąpiła jedna z kuzynek artysty, Teresa de Horse. Obraz jest obecnie własnością Musée d'Orsay w Paryżu.

Camille Pissarro: Bulwar Montmartre. Popołudnie, słonecznie"

Camille Pissarro zasłynął ze swoich pejzaży, których charakterystyczną cechą jest przedstawienie światła i oświetlonych przedmiotów. Jego twórczość wywarła znaczący wpływ na gatunek impresjonizmu. Artysta samodzielnie opracował wiele właściwych mu zasad, które stanowiły podstawę twórczości w przyszłości.

Pissarro lubił pisać w tym samym miejscu o różnych porach dnia. Ma całą serię obrazów z paryskimi bulwarami i ulicami. Najbardziej znanym z nich jest Boulevard Montmartre (1897). Odzwierciedla cały urok, jaki artysta widzi w kipiącym i niespokojnym życiu tego zakątka Paryża. Spoglądając na bulwar z tego samego miejsca, ukazuje go widzowi w słoneczny i pochmurny dzień, rano, po południu i późnym wieczorem. Na zdjęciu poniżej obraz „Boulevard Montmartre nocą”.

Ten styl został następnie przyjęty przez wielu artystów. Wspomnimy tylko, które obrazy impresjonistów powstały pod wpływem Pissarra. Trend ten jest wyraźnie widoczny w twórczości Moneta (seria obrazów „Hacks”).

Alfred Sisley: Trawniki na wiosnę

„Trawniki na wiosnę” to jeden z najnowszych obrazów pejzażysty Alfreda Sisleya, namalowany w latach 1880-1881. Widz widzi na nim leśną ścieżkę wzdłuż brzegów Sekwany z wioską na przeciwległym brzegu. Na pierwszym planie dziewczyna - córka artysty, Jeanne Sisley.

Pejzaże artysty oddają prawdziwą atmosferę historycznego regionu Ile-de-France i zachowują szczególną miękkość i przejrzystość zjawisk naturalnych charakterystycznych dla poszczególnych pór roku. Artysta nigdy nie był zwolennikiem nietypowych efektów, trzymał się prostej kompozycji i ograniczonej palety barw. Obraz znajduje się obecnie w National Gallery w Londynie.

Wymieniliśmy najsłynniejsze obrazy impresjonistów (wraz z tytułami i opisami). To arcydzieła sztuki światowej. Wyjątkowy styl malarstwa wywodzący się z Francji odbierany był początkowo z szyderstwem i ironią, krytycy podkreślali rażącą niedbałość artystów przy pisaniu płócien. Teraz mało kto odważy się rzucić wyzwanie ich geniuszowi. Obrazy impresjonistów wystawiane są w najbardziej prestiżowych muzeach na świecie i są pożądanym eksponatem każdej prywatnej kolekcji.

Styl nie odszedł w zapomnienie i ma wielu naśladowców. Nasz rodak Andrei Koch, francuski malarz Laurent Parcelier, Amerykanki Diana Leonard i Karen Tarleton to znani współcześni impresjoniści. Ich obrazy wykonane są w najlepszych tradycjach gatunku, wypełnionych jaskrawymi kolorami, odważną kreską i życiem. Na zdjęciu powyżej - praca Laurenta Parceliera „W promieniach słońca”.

Impresjonizm

jest gazetą duszy.

Henryk Matisse.

Impresjonizm to kierunek w malarstwie, który powstał i rozwinął się we Francji w drugiej połowie XIX wieku - pierwszej ćwierci XX wieku. Była to szkoła artystyczna, która stawiała na pierwszym miejscu „przekazywanie wrażeń, ale w taki sposób, aby było to postrzegane jako coś materialnego”. Zadaniem impresjonistycznego artysty było przedstawienie własnych uczuć z przedmiotów.

Powszechnie wiadomo, że samo słowo „impresjonizm” w odniesieniu do artystów zostało po raz pierwszy użyte przez dziennikarza Louisa Leroya, zainspirowanego tym tytułem obrazu Claude’a Moneta” Wrażenie. wschód słońca”, który przedstawia port Le Havre w niebieskawej mgle przedświtu.

Obraz znajduje się w Musée Marmottan-Monet w Paryżu. Znajduje się tu ponad trzysta obrazów impresjonistów i neoimpresjonistów, co oznacza, że ​​odwiedzając muzeum, wyjdziesz już z pewnym zrozumieniem idei impresjonizmu. I możesz kontynuować w Musée d'Orsay, którego kolekcji wielu może pozazdrościć.

Artyści impresjoniści przenieśli na płótna tylko swoje postrzeganie rzeczywistości i jej różne przejawy, a nie to, co wiedzieli: na przykład ziemia na ich obrazach może być fioletowa, liliowa, niebieska, różowa lub pomarańczowa, ale nigdy czarna lub ciemnobrązowa.

Impresjonizm, tak krytykowany przez współczesnych, został doceniony pięćdziesiąt lat później, a dziś impresjoniści są uważani i doceniani jako arcydzieła malarstwa światowego. Przedstawiamy państwu najbardziej pamiętnych przedstawicieli impresjonizmu.

Renoir, Pierre Auguste (1841 - 1919).

Krytycy sztuki twierdzą, że ważnym osiągnięciem Renoira jest posługiwanie się teorią impresjonistów i ich techniką nie tylko przy malowaniu pejzaży i martwych natur czy ludzi w plenerze, ale także przy pisaniu aktów i portretów.

Renoira często odwoływał się do wizerunku nagiego kobiecego ciała. Oddawał grę światła i słońca na skórze, która na jego obrazach wydawała się żywa. Malował nagie kobiece ciało, z zamarzniętymi kroplami wody, mieniącą się masą perłową skórę, różową, opaloną, a u schyłku życia pomarańczową, opalizującą w ogniu słońca.

Renoir odrzucił wszystkie teorie, mówiąc: „ Teorie nie pomagają w namalowaniu dobrego obrazu, najczęściej próbują zatuszować brak wyrazistych środków.».

Co ciekawe, pierwsze prace Renoira wykonane są w sposób realistyczny. Na przykład „Diana Łowca” i „Tawerna Matki Antoniego”.

Renoir przyjaźnił się z Monetem, malarzem impresjonistą, co zostanie omówione poniżej. Ta przyjaźń w rzeczywistości doprowadziła do tego, że Renoir użyje techniki impresjonistów.

Niemniej jednak krytycy sztuki i historycy malarstwa zwracają uwagę na fakt, że jeśli, idąc za przykładem impresjonistów, Renoir odmawia ciemnych tonów, to od czasu do czasu nadal dokonuje niewielkich inkluzji w swoich obrazach. Wśród dzieł tego okresu można wymienić przede wszystkim Pont Neuf, Wielkie bulwary, Ścieżkę wśród wysokiej trawy.

Cierpiący na ataki reumatyzmu artysta ostatnie lata życia spędził na południu Francji w Cagnes-sur-Mer w posiadłości Colette. Prace z tego okresu, od 1903 do 1919 roku. Na płótnach Renoira dominują nasycone zmysłowością ciepłe tony - różowo-czerwony, pomarańczowy.

Bardzo zauważalny jest wpływ mistrzów przeszłości - Rubensa Bouchera i innych. Na przykład „ Wyrok Parysa», « Kąpiel wycierająca nogę". Najlepszym i ostatnim dziełem jest obraz „Kąpiący się”, napisany w 1918 roku. Dziś jego posiadłość, w cieniu gaju oliwnego i pomarańczy, jest otwarta dla zwiedzających. Można zajrzeć do salonu i jadalni, wejść na górę do sypialni artysty, która zachowuje atmosferę jego ostatnich dni: wózek inwalidzki, sztalugi i pędzle. Na jednej ze ścian pokoju żony wisi zdjęcie syna Renoira, Pierre'a, az okna otwiera się niesamowity widok na Antibes i Górne Cannes.

Dzięki kinu francuskiemu można zanurzyć się w ostatnim okresie życia Auguste'a Renoira, poznać jego syna i zobaczyć zmagania sztuki z twardą rzeczywistością. W marcu na szerokim ekranie pojawi się film francuskiego reżysera Gillesa Bourdo „Renoir: Ostatnia miłość”. Artysta właśnie kończy Kąpiących się.

Lazurowe Wybrzeże, wielki artysta, jego muza... Francuzi są mistrzami w swoim fachu, a możliwość zobaczenia wielkiego mistrza przy pracy, a potem efektu jego pracy, jest wiele warta. To właśnie tym obrazem zamknął ostatni Festiwal Filmowy w Cannes.

Moneta Claude'a (1840 - 1926).

Claude Monet nazywany ojcem impresjonizmu. Przyszły artysta urodził się w Paryżu, ale dzieciństwo i młodość spędził na północy Francji, w mieście Le Havre. Wielki wpływ na Monet wywarł Eugène Boudin, francuski artysta uważany za prekursora impresjonizmu. To on nauczył go pracy na świeżym powietrzu (na pasie, na świeżym powietrzu).

Cezanne powiedział: Monet to tylko oko, ale jakie oko!» Trudno dyskutować i nie zakochać się w paryskich uliczkach, wybrzeżach i krajobrazach Normandii na płótnach Moneta.

Jego słynny obraz Luncheon on the Grass został namalowany w 1863 roku. w miejscowości Chailly-en-Bières, położonej na obrzeżach lasu Fontainebleau; jego środkowa część, dotknięta wilgocią i wyrzeźbiona przez autora, przechowywana jest w Musée d'Orsay w Paryżu, a powtórzenie obrazu znajduje się w Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Puszkin w Moskwie.

Jesień 1908 i 1909. artysta spędził w Wenecji, urzeczony urokiem miasta, jego nieustannie zmieniającym się odbiciem w tafli wody kanału. Tutaj Monet namalował obrazy „Wenecja: Pałac Dożów” i „Wenecja: Canal Grande”. Geniuszowi Moneta niewiarygodnie udało się przedstawić miasto, jakby pokryte lekką mgłą przedświtu.

Pod koniec swojej kariery Monet stworzył wspaniałe obrazy, które artysta zainspirował liliami wodnymi w stawie swojego domu w Giverny.

Kiedy artysta przeprowadził się w 1883 roku w poszukiwaniu cichego i spokojnego miejsca w Giverny, nie przypuszczał, jak bardzo życie zmieni życie sennej wioski w Normandii. Wkrótce po jego przybyciu miasto oddalone od Paryża o osiemdziesiąt kilometrów zostało zalane przez młodych artystów z różnych części Europy poszukujących Mistrza.

Dziś artyści i miłośnicy sztuki w poszukiwaniu inspiracji przychodzą na spacer po ogrodach Giverny, aby odwiedzić odrestaurowany dom. Dlatego jeśli zakochaliście się w pięknych obrazach Moneta w muzeach d'Orsay, Marmottan i Orangerie, to Giverny nie będzie na pierwszym miejscu na Waszej liście must se.

Sisleya Alfreda (1839-1899).

Być impresjonistą Sisley szczególnie dużo uwagi poświęcono przekazowi niuansów i doznań. Bardzo lubił malować taflę wody, niebo, mgłę, śnieg. „Konieczne jest, aby obraz wywoływał u widza te same uczucia, które ogarnęły artystę, gdy patrzył na ten krajobraz” - powiedział Sisley.

Zwróć uwagę na to, jak lekkie, prawie nieważkie wydają się domy, tafla wody z lekkimi zmarszczkami, pastelowe niebo i listowie drzew. Jego obrazy, malowane cienką, zwiewną kreską, osadzone są w poetyckim, romantycznym nastroju.

Znacząca kolekcja obrazów artysty znajduje się w Musée d'Orsay w Paryżu. Nie pozostawiaj go bez opieki, gdy jesteś w stolicy Francji. Będziesz cieszyć się nie tylko pracami Sisleya, ale także obrazami innych artystów impresjonistów wystawionymi w tym muzeum nad brzegiem Sekwany.

Pissarro Camille (1830 - 1903).

Historycy sztuki piszą, że jeśli Claude Monet i Sisley uwielbiali wyobrażać sobie wodę i zmieniające się refleksy na jej powierzchni na swoich obrazach, to Pissarro preferowana ziemia. Jego sztuka jest wolna od ulotnych wrażeń - wszystko w niej jest bardziej fundamentalne. Zwróć uwagę, jak często na jego obrazach pojawiają się sceny z wiejskiego życia. Artysta używał kolorów w taki sposób, że patrząc na jego płótna, wydaje się, że są one wypełnione światłem od wewnątrz. Pissarro uwielbiał malować sady, pola, zaskakująco oddając zmiany zachodzące w przyrodzie.

Pissarro znał Moneta, z którym uwielbiali razem pisać w okolicach Paryża. Tutaj napisano „Gare Saint-Lazare”, „Pawilon Flory i Pont-Royal”, „Place Comédie-Française”, „Widok na Luwr, Sekwanę i Pont Neuf”.

Cezanne'a nazwał go „skromnym i wielkim”, w pełni zasłużonym, co o tym sądzisz?

Seurat Georges (1859 - 1891).

Jedną z charakterystycznych cech Seurata była chęć wniesienia świeżego nurtu do impresjonizmu.

Jego twórczość – zarówno rysunkowa, jak i malarska – opiera się na teorii kontrastów. Najsłynniejszy obraz jest oczywiście znany, to arcydzieło „Niedzielny spacer po wyspie Grande Jatte”, przechowywane w Instytucie Sztuki w Chicago. Ten obraz stał się wyrazem nowych trendów w sztuce, wyrazem idei neoimpresjonizmu. Poczucie całkowitego spokoju zostało osiągnięte dzięki połączeniu tonów zimnych i ciepłych, światła i cienia.

Przeciwnie, „Cancan”, nie mniej znany obraz artysty, oddaje uczucie radości, ruchu za pomocą ciepłych odcieni i jasnych kolorów.

Chciałbym zakończyć słowami Claude'a Moneta" Ludzie dyskutują o mojej sztuce i udają, że rozumieją, jakby trzeba było rozumieć, kiedy po prostu trzeba kochać ». ( Ludzie dyskutują o moich obrazach, próbując zrozumieć. Dlaczego musisz rozumieć, skoro możesz po prostu kochać?)

Sztuka europejska końca XIX wieku wzbogaciła się o pojawienie się sztuki modernistycznej, później jej wpływ rozszerzył się na muzykę i literaturę. Nazywano go „impresjonizmem”, ponieważ opierał się na najsubtelniejszych wrażeniach artysty, obrazach i nastrojach.

Geneza i historia występowania

Kilku młodych artystów utworzyło grupę w drugiej połowie XIX wieku. Mieli wspólny cel i zbieżne interesy. Najważniejsze dla tej firmy była praca w naturze, bez ścian warsztatu i różnych czynników ograniczających. W swoich obrazach starali się przekazać całą zmysłowość, wrażenie gry światła i cienia. Pejzaże i portrety odzwierciedlały jedność duszy z wszechświatem, z otaczającym światem. Ich obrazy to prawdziwa poezja kolorów.

W 1874 r. miała miejsce wystawa tej grupy artystów. Krajobraz – Claude Monet „Impresja. Sunrise” przykuł uwagę krytyka, który w swojej recenzji po raz pierwszy nazwał tych twórców impresjonistami (od francuskiego impresja – „impresja”).

Warunkiem narodzin stylu impresjonizmu, którego obrazy przedstawicieli wkrótce odniosą niesamowity sukces, były dzieła renesansu. Dzieło Hiszpanów Velazqueza, El Greco, angielskiego Turnera, Constable bezwarunkowo wpłynęło na Francuzów, którzy byli założycielami impresjonizmu.

Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cezanne, Monet, Renoir i inni stali się wybitnymi przedstawicielami stylu we Francji.

Filozofia impresjonizmu w malarstwie

Artyści malujący w tym stylu nie postawili sobie za zadanie zwrócenia uwagi opinii publicznej na kłopoty. W ich utworach nie można znaleźć wątków na temat dnia, nie można odbierać moralizatorstwa ani dostrzegać ludzkich sprzeczności.

Obrazy w stylu impresjonizmu mają na celu przekazanie chwilowego nastroju, rozwijając kolorystykę o tajemniczym charakterze. W pracach jest tylko miejsce na pozytywny początek, mrok ominął impresjonistów.

W rzeczywistości impresjoniści nie zadali sobie trudu, aby przemyśleć fabułę i szczegóły. Głównym czynnikiem nie było to, co narysować, ale jak przedstawić i przekazać swój nastrój.

Technika malarska

Istnieje kolosalna różnica między akademickim stylem rysowania a techniką impresjonistów. Po prostu porzucili wiele metod, niektóre zostały zmienione nie do poznania. Oto wprowadzone przez nich innowacje:

1. Opuszczony kontur. Został zastąpiony kreskami - małymi i kontrastowymi.
2. Przestaliśmy używać palet na rzecz Wybraliśmy kolory, które wzajemnie się uzupełniają i nie wymagają łączenia dla uzyskania określonego efektu. Na przykład żółty jest fioletowy.
3. Przestań malować na czarno.
4. Całkowicie porzucona praca w warsztatach. Pisali wyłącznie o naturze, żeby łatwiej było uchwycić chwilę, obraz, uczucie.
5. Stosowano tylko farby o dobrej zdolności krycia.
6. Nie czekaj, aż wyschnie kolejna warstwa. Natychmiast nałożono świeże rozmazy.
7. Tworzyli cykle prac śledzące zmiany światła i cienia. Na przykład „Stogi siana” Claude'a Moneta.

Oczywiście nie wszyscy artyści wykonywali dokładnie cechy stylu impresjonistycznego. Na przykład obrazy Edouarda Maneta nigdy nie brały udziału we wspólnych wystawach, a on sam pozycjonował się jako odrębny artysta. Edgar Degas pracował tylko w warsztatach, ale nie zaszkodziło to jakości jego prac.

Przedstawiciele francuskiego impresjonizmu

Pierwsza wystawa prac impresjonistów datowana jest na 1874 rok. Po 12 latach odbyła się ich ostatnia ekspozycja. Pierwszą pracę w tym stylu można nazwać „Śniadaniem na trawie” E. Maneta. To zdjęcie było prezentowane w Salonie Odrzuconych. Spotkało się to z niechęcią, bo bardzo odbiegało od akademickich kanonów. Dlatego Manet staje się postacią, wokół której gromadzi się grono zwolenników tego kierunku stylistycznego.

Niestety współcześni nie docenili takiego stylu jak impresjonizm. Obrazy i artyści istnieli w niezgodzie z oficjalną sztuką.

Stopniowo Claude Monet wysuwa się na pierwszy plan w zespole malarzy, który później zostaje ich liderem i głównym ideologiem impresjonizmu.

Claude Monet (1840-1926)

Twórczość tego artysty można określić jako hymn impresjonizmu. To on jako pierwszy odmówił użycia czerni w swoich obrazach, argumentując, że nawet cienie i noc mają inne odcienie.

Świat na obrazach Moneta to niewyraźne kontury, obszerne kreski, patrząc na które można poczuć całe spektrum gry kolorów dnia i nocy, pór roku, harmonii podksiężycowego świata. Tylko moment, który został wyrwany z biegu życia, w rozumieniu Moneta, to impresjonizm. Jego obrazy wydają się pozbawione materialności, wszystkie nasycone są promieniami światła i prądami powietrza.

Claude Monet stworzył niesamowite dzieła: „Stacja Saint-Lazare”, „Katedra w Rouen”, cykl „Most Charing Cross” i wiele innych.

August Renoir (1841-1919)

Kreacje Renoira sprawiają wrażenie niezwykłej lekkości, zwiewności, zwiewności. Fabuła narodziła się jakby przypadkiem, ale wiadomo, że artysta dokładnie przemyślał wszystkie etapy swojej pracy i pracował od rana do wieczora.

Charakterystyczną cechą twórczości O. Renoira jest użycie przeszklenia, które jest możliwe tylko wtedy, gdy pisanie impresjonizmu w pracach artysty przejawia się w każdym pociągnięciu. Postrzega człowieka jako cząstkę samej natury, dlatego tak wiele jest obrazów z aktami.

Ulubioną rozrywką Renoira był wizerunek kobiety w całej jej atrakcyjnej i atrakcyjnej urodzie. Portrety zajmują szczególne miejsce w życiu twórczym artysty. „Parasole”, „Dziewczyna z wachlarzem”, „Śniadanie wioślarzy” to tylko niewielka część niesamowitej kolekcji obrazów Auguste'a Renoira.

Georges Seurat (1859-1891)

Seurat wiązał proces tworzenia obrazów z naukowym uzasadnieniem teorii koloru. Środowisko światło-powietrze zostało narysowane na podstawie zależności tonów głównych i dodatkowych.

Pomimo tego, że J. Seurat jest przedstawicielem schyłkowej fazy impresjonizmu, a jego technika pod wieloma względami różni się od twórców, to w ten sam sposób tworzy iluzoryczne przedstawienie formy obiektywnej za pomocą kresek, które mogą oglądać i widzieć tylko z daleka.

Arcydzieła kreatywności można nazwać obrazem „Niedziela”, „Kankan”, „Modele”.

Przedstawiciele rosyjskiego impresjonizmu

Rosyjski impresjonizm powstał niemal spontanicznie, mieszając wiele zjawisk i metod. Jednak podstawą, podobnie jak Francuzi, była pełna wizja procesu.

W rosyjskim impresjonizmie, chociaż cechy francuskie zostały zachowane, cechy narodowej natury i stanu ducha dokonały znaczących zmian. Na przykład wizja śniegu czy północnych krajobrazów została wyrażona za pomocą niezwykłej techniki.

W Rosji niewielu artystów pracowało w stylu impresjonizmu, ich obrazy do dziś przyciągają wzrok.

Okres impresjonistyczny można wyróżnić w twórczości Valentina Serova. Jego „Dziewczyna z brzoskwiniami” jest najwyraźniejszym przykładem i standardem tego stylu w Rosji.

Obrazy podbijają świeżością i współbrzmieniem czystych barw. Głównym tematem prac tego artysty jest wizerunek człowieka w przyrodzie. „Northern Idyll”, „In the Boat”, „Fiodor Chaliapin” to jasne kamienie milowe w działalności K. Korovina.

Impresjonizm w czasach nowożytnych

Obecnie ten kierunek w sztuce zyskał nowe życie. W tym stylu kilku artystów maluje swoje obrazy. Współczesny impresjonizm istnieje w Rosji (André Cohn), we Francji (Laurent Parcelier), w Ameryce (Diana Leonard).

Andre Kohn jest najwybitniejszym przedstawicielem nowego impresjonizmu. Jego obrazy olejne uderzają prostotą. Artysta dostrzega piękno w zwykłych rzeczach. Twórca interpretuje wiele obiektów przez pryzmat ruchu.

Akwarele Laurenta Parceliera znane są na całym świecie. Jego cykl prac „Dziwny świat” został wydany w formie pocztówek. Wspaniałe, żywe i zmysłowe, zapierają dech w piersiach.

Podobnie jak w XIX wieku, malarstwo plenerowe pozostaje w tej chwili dla artystów. Dzięki niej impresjonizm będzie żył wiecznie. artyści nadal inspirują, imponują i inspirują.

„Nowy świat narodził się, gdy namalowali go impresjoniści”

Henryka Kahnweilera

19 wiek. Francja. W malarstwie stało się coś nie do pomyślenia. Grupa młodych artystów postanowiła wstrząsnąć 500-letnią tradycją. Zamiast wyraźnego rysunku zastosowali szerokie „niechlujne” pociągnięcie pędzla.

I całkowicie porzucili zwykłe obrazy. Przedstawienie wszystkich. I damy łatwych cnót i dżentelmenów o wątpliwej reputacji.

Publiczność nie była gotowa na malarstwo impresjonistyczne. Byli wyśmiewani i besztani. A co najważniejsze, nic od nich nie kupowali.

Ale opór został złamany. A część impresjonistów dożyła ich triumfu. To prawda, mieli już ponad 40 lat. Jak Claude Monet czy Auguste Renoir. Niektórzy czekali na uznanie dopiero pod koniec życia, jak Camille Pissarro. Ktoś tego nie sprostał, jak Alfred Sisley.

Co za rewolucjonista zrobił każdy z nich? Dlaczego społeczeństwo tak długo ich nie akceptowało? Oto 7 najbardziej znanych francuskich impresjonistów. Kto zna cały świat.

1.Edouard Manet (1832-1883)

Edwarda Mane'a. Autoportret z paletą. 1878 Kolekcja prywatna

Manet był starszy niż większość impresjonistów. Był ich główną inspiracją do zmian.

Sam Manet nie twierdził, że jest przywódcą rewolucjonistów. Był człowiekiem światowym. Marzyłem o oficjalnych nagrodach.

Ale bardzo długo czekał na uznanie. Publiczność chciała zobaczyć greckie boginie. Albo martwe natury w najgorszym przypadku. Aby pięknie wyglądać w jadalni. Manet chciał malować współczesność. Na przykład kurtyzany.

Rezultatem było „Śniadanie na trawie”. Dwóch dandysów odpoczywa w towarzystwie pań łatwych cnót. Jeden z nich, jakby nic się nie stało, siedzi obok ubranych mężczyzn.

Edwarda Mane'a. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż

Porównaj jego „Śniadanie na trawie” z „Rzymianami u schyłku” Thomasa Couture’a. Obraz Couture zrobił furorę. Artysta natychmiast stał się sławny.

„Śniadanie na trawie” zostało oskarżone o wulgaryzmy. Kobietom w ciąży z całą powagą nie zalecano patrzenia na nią.

Tomasz Couture. Rzymianie w upadku. 1847 Musée d'Orsay w Paryżu. artchive.ru

W malarstwie Couture'a widzimy wszystkie atrybuty akademizmu (malarstwo tradycyjne XVI-XIX wieku). Kolumny i posągi. Lud apolliński. Tradycyjne stonowane kolory. Manieryzm postaw i gestów. Fabuła z odległego życia zupełnie innych ludzi.

„Śniadanie na trawie” Maneta to inny format. Przed nim nikt nie przedstawiał tak łatwo kurtyzan. Blisko szanowanych obywateli. Chociaż wielu ówczesnych mężczyzn spędzało w ten sposób wolny czas. Prawdziwe życie prawdziwych ludzi.

Kiedyś pisałem do szanownej pani. Brzydki. Nie mógł schlebiać jej pędzlem. Pani była rozczarowana. Zostawiła go we łzach.

Edwarda Mane'a. Angelina. 1860 Musée d'Orsay w Paryżu. wikimedia.commons.org

Kontynuował więc eksperymenty. Na przykład z kolorem. Nie starał się przedstawiać tak zwanego naturalnego koloru. Jeśli widział szarobrązową wodę jako jasnoniebieską, przedstawiał ją jako jasnoniebieską.

To oczywiście zirytowało opinię publiczną. W końcu nawet Morze Śródziemne nie może się pochwalić takim błękitem jak woda w Manet, żartowali.

Edwarda Mane'a. Argenteuil. 1874 Muzeum Sztuk Pięknych, Tournai, Belgia. wikipedia.org

Ale fakt pozostaje. Manet zasadniczo zmienił cel malarstwa. Obraz stał się ucieleśnieniem indywidualności artysty. Kto pisze, jak mu się podoba. Zapomnij o wzorcach i tradycjach.

Wszystkie innowacje długo mu nie wybaczały. Uznanie czekało dopiero pod koniec życia. Kiedy już go nie potrzebował. Umierał w męczarniach na nieuleczalną chorobę.

2. Claude Monet (1840 - 1926)

Claude Monet. Autoportret w berecie. 1886 Kolekcja prywatna

Claude'a Moneta można nazwać Christopherem impresjonistą. Temu kierunkowi był bowiem wierny przez całe swoje długie życie.

Nie malował przedmiotów i ludzi, lecz jednobarwną konstrukcję świateł i plam. Oddzielne uderzenia. Drżenie powietrza.

Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Metmuseum.org

Monet malował nie tylko naturę. Był również dobry w krajobrazach miejskich. Jeden z najbardziej sławnych - .

Na tym obrazie jest dużo fotografii. Na przykład ruch jest przekazywany za pomocą rozmytego obrazu.

Zwróć uwagę, odległe drzewa i postacie wydają się być zamglone.

Claude Monet. Boulevard des Capucines w Paryżu. 1873 (Galeria Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX wieku), Moskwa

Przed nami zatrzymany moment tętniącego życiem Paryża. Bez inscenizacji. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawiani jako zbiór kresek. Taki brak fabuły i efekt „zatrzymania klatki” to główna cecha impresjonizmu.

W połowie lat 80. artyści byli rozczarowani impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobra. Ale bezczynność wielu uciśnionych.

Tylko Monet nadal się upierał. Hipertrofia impresjonizmu. Co przekształciło się w serię obrazów.

Przedstawiał ten sam krajobraz dziesiątki razy. O różnych porach dnia. W różnych porach roku. Pokazać, jak bardzo temperatura i światło mogą zmienić ten sam widok nie do poznania.

W ten sposób pojawiły się niezliczone stogi siana.

Obrazy Claude'a Moneta w Museum of Fine Arts w Bostonie. Po lewej: Stogi siana o zachodzie słońca w Giverny, 1891 Po prawej: Stóg siana (efekt śniegu), 1891

Należy pamiętać, że cienie na tych obrazach są kolorowe. I nie szary lub czarny, jak to było w zwyczaju przed impresjonistami. To kolejna ich cecha.

Monetowi udało się cieszyć sukcesem i dobrobytem materialnym. Po czterdziestce zapomniał już o biedzie. Dostał dom i piękny ogród. I robił to dla swojej przyjemności przez wiele lat.

Przeczytaj o najbardziej kultowym obrazie mistrza w artykule

3. August Renoir (1841 - 1919)

Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling and Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest

Impresjonizm jest najbardziej pozytywnym malarstwem. A najbardziej pozytywnym spośród impresjonistów był Renoir.

W jego obrazach nie znajdziesz dramatu. Nie użył nawet czarnej farby. Tylko radość bycia. Nawet najbardziej banalny Renoir wygląda pięknie.

W przeciwieństwie do Moneta Renoir częściej malował ludzi. Pejzaże miały dla niego mniejsze znaczenie. Na jego obrazach przyjaciele i znajomi odpoczywają i cieszą się życiem.

Pierre-Auguste Renoir. Śniadanie wioślarzy. 1880-1881 Phillips Collection, Waszyngton, USA. wikimedia.commons.org

Nie znajdziesz w Renoirze i zamyśleniu. Był bardzo zadowolony, że dołączył do impresjonistów. Które sondaże odrzuciły działki.

Jak sam powiedział, w końcu ma możliwość pisania kwiatów i nazywania ich po prostu „Kwiatami”. I nie wymyślaj o nich żadnych historii.

Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolem w ogrodzie. 1875 Muzeum Thyssen-Bormenis, Madryt. arteuam.com

Renoir najlepiej czuł się w towarzystwie kobiet. Poprosił swoje pokojówki, aby śpiewały i żartowały. Im bardziej głupia i naiwna była ta piosenka, tym lepiej dla niego. Męska paplanina go męczyła. Nic dziwnego, że Renoir jest znany ze swoich aktów.

Modelka na obrazie „Akt w słońcu” zdaje się pojawiać na kolorowym, abstrakcyjnym tle. Bo dla Renoira nie ma nic drugorzędnego. Oko modelki lub obszar tła są równoważne.

Pierre-Auguste Renoir. Nago w słońcu. 1876 ​​Musée d’Orsay w Paryżu. wikimedia.commons.org

Renoir żył długo. I nigdy nie odkładaj pędzla i palety. Nawet kiedy jego ręce były całkowicie spętane reumatyzmem, przywiązał sznurkiem szczotkę do ramienia. I malował.

Podobnie jak Monet, na uznanie czekał po 40 latach. A moje obrazy widziałam w Luwrze, obok dzieł znanych mistrzów.

Przeczytaj o jednym z najbardziej uroczych portretów Renoira w artykule

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgara Degasa. Autoportret. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkiana, Lizbona, Portugalia. kultura.com

Degas nie był klasycznym impresjonistą. Nie lubił pracować na świeżym powietrzu (pod gołym niebem). Nie znajdziesz u niego celowo rozjaśnionej palety.

Wręcz przeciwnie, kochał wyraźną linię. Ma dużo czerni. I pracował wyłącznie w studiu.

Ale nadal jest zawsze stawiany na równi z innymi wielkimi impresjonistami. Bo był impresjonistą gestu.

Nieoczekiwane kąty. Asymetria w rozmieszczeniu przedmiotów. Postacie zaskoczone. To wszystko są główne atrybuty jego obrazów.

Zatrzymał moment życia, nie pozwalając mu dojść do siebie. Spójrz choćby na jego „Orkiestrę Operową”.

Edgara Degasa. Orkiestra Operowa. 1870 Musée d'Orsay w Paryżu. commons.wikimedia.org

Na pierwszym planie oparcie krzesła. Muzyk jest odwrócony do nas plecami. A w tle baletnice na scenie nie mieściły się w „ramce”. Ich głowy są bezlitośnie „obcinane” przez krawędź obrazu.

Dlatego tak ukochani przez niego tancerze nie zawsze są przedstawiani w pięknych pozach. Czasami po prostu się rozciągają.

Ale taka improwizacja jest wyimaginowana. Oczywiście Degas dokładnie przemyślał kompozycję. To tylko efekt stop-klatki, a nie prawdziwy stop-klatka.

Edgara Degasa. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelburne, Wermouth, USA

Edgar Degas uwielbiał malować kobiety. Ale choroba lub cechy ciała nie pozwalały mu na fizyczny kontakt z nimi. Nigdy się nie ożenił. Nikt nigdy nie widział go z kobietą.

Brak prawdziwych wątków w jego życiu osobistym dodał subtelnego i intensywnego erotyzmu do jego obrazów.

Edgara Degasa. Gwiazda baletu. 1876-1878 Musee d'Orsay w Paryżu. wikimedia.comons.org

Zwróć uwagę, że na zdjęciu „Gwiazda baletu” narysowana jest tylko sama baletnica. Jej koledzy za kulisami są ledwo rozpoznawalni. Tylko kilka nóg.

Nie oznacza to, że Degas nie dokończył obrazu. Taki jest odbiór. Skoncentruj się tylko na najważniejszych rzeczach. Niech reszta zniknie, nieczytelna.

Przeczytaj o innych obrazach mistrza w artykule.

5. Berthe Morisot (1841 - 1895)

Edwarda Mane'a. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzeum Marmottana Moneta w Paryżu.

Bertha Morisot rzadko bywa stawiana w pierwszym rzędzie z wielkimi impresjonistami. Jestem pewien, że to nie zasłużone. Właśnie w niej znajdziesz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli lubisz impresjonizm, pokochasz jej twórczość całym sercem.

Morisot pracował szybko i porywczo. Przeniesienie wrażenia na płótno. Postacie wydają się zaraz rozpływać w przestrzeni.

Berthe Morisot. Lato. 1880 Muzeum Fabre, Montpellier, Francja.

Podobnie jak Degas często nie uzupełniała niektórych szczegółów. A nawet części ciała modelki. Nie możemy rozróżnić rąk dziewczyny na obrazie „Lato”.

Droga Morisota do wyrażania siebie była trudna. Nie tylko zajmowała się „niechlujnym” malarstwem. Nadal była kobietą. W tamtych czasach kobieta miała marzyć o ślubie. Potem zapomniano o jakichkolwiek hobby.

Dlatego Berta przez długi czas odmawiała małżeństwa. Aż znalazła mężczyznę, który z szacunkiem traktował jej zawód. Eugene Manet był bratem malarza Edouarda Maneta. Posłusznie tęsknił za sztalugą i farbami swojej żony.

Berthe Morisot. Eugene Manet z córką w Bougival. 1881 Muzeum Marmottana Moneta w Paryżu.

Ale to było jeszcze w XIX wieku. Nie, Morisot nie nosił spodni. Ale nie mogła sobie pozwolić na pełną swobodę ruchów.

Nie mogła sama iść do parku do pracy. Bez bliskiej osoby. Nie mogłem siedzieć sam w kawiarni. Dlatego jej obrazy to ludzie z kręgu rodzinnego. Mąż, córka, krewni.

Berthe Morisot. Kobieta z dzieckiem w ogrodzie w Bougival. 1881 Muzeum Narodowe Walii, Cardiff.

Morisot nie czekał na uznanie. Zmarła w wieku 54 lat na zapalenie płuc. Nie sprzedał prawie żadnej swojej pracy za życia. W akcie zgonu w rubryce „zawód” była kreska. Nie do pomyślenia było, aby kobieta nazywała się artystką. Nawet jeśli naprawdę nią była.

Przeczytaj o obrazach mistrza w artykule

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Kamila Pissarro. Autoportret. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu. wikipedia.org

Kamila Pissarro. Niekonfrontacyjny, rozsądny. Wielu uważało go za nauczyciela. Nawet najbardziej temperamentni koledzy nie mówili źle o Pissarro.

Był wiernym wyznawcą impresjonizmu. W skrajnej potrzebie, mając pięcioro dzieci i żonę, nadal ciężko pracował w tym samym stylu. I nigdy nie przeszedłem na malowanie salonowe. Stać się bardziej popularnym. Nie wiadomo, skąd wziął siłę, by w pełni uwierzyć w siebie.

Aby w ogóle nie umrzeć z głodu, Pissarro malował wachlarze. które chętnie sprzedawano. A prawdziwe uznanie przyszło mu dopiero po 60 latach! Kiedy w końcu mógł zapomnieć o potrzebie.

Kamila Pissarro. Dyliżans w Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay w Paryżu

Powietrze na obrazach Pissarro jest gęste i gęste. Niezwykłe połączenie koloru i objętości.

Artysta nie bał się malować najbardziej zmiennych zjawisk natury. Który pojawi się na chwilę i zniknie. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.

Kamila Pissarro. Mróz. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu

Jego najbardziej znanymi dziełami są widoki Paryża. Z szerokimi bulwarami, próżnym i pstrokatym tłumem. W nocy, w ciągu dnia, przy różnej pogodzie. Coś wspólnego z serią obrazów Claude'a Moneta.