Encyklopedia szkolna. Krótka wycieczka do historii portretu Czym jest portret w definicji malarstwa

Słowo „portret” jest bardzo popularne w naszym słowniku. Używamy go w odniesieniu do malarstwa, literatury, kryminalistyki, a także po prostu w życiu codziennym. Pod tym względem istnieją różne rodzaje portretów, które odnoszą się do określonej dziedziny życia lub sztuki. Czym charakteryzuje się portret, jakie są jego cechy, jaka jest jego wyjątkowość w porównaniu z innymi gatunkami twórczości? Rozważmy te pytania bardziej szczegółowo.

Co to jest portret

Termin ten odnosi się do wizerunku osoby, która żyje teraz, żyła wcześniej lub jest fikcyjną postacią w opowiadaniu lub opowiadaniu. W sztuce portrety mogą być reprezentowane w rzeźbie lub rycinie. Istnieją również rodzaje portretów, które odnoszą się do pisania. Są to opisy postaci w utworach, charakterystyka określonych osób, dane kryminalne dotyczące konkretnej osoby, o których informacja jest potrzebna. Mimo to za najbardziej popularne uważane są różnego rodzaju portrety, które różnią się między sobą stylem, kolorystyką, parametrami, cechami nakładania farb, proporcjami i strukturą.

Parametry, które może przekazać portret

Ta klasyfikacja implikuje następujące punkty: portret głowy (przedstawiona jest na nim tylko głowa osoby); portrety lub popiersia popiersie (osoba jest narysowana lub uformowana do klatki piersiowej); obrazy ludzi do pasa; rysunek przedstawiający człowieka do kolan; Wreszcie pełnometrażowe obrazy. Jeśli weźmiemy pod uwagę rodzaje portretów pod kątem kąta obrotu przedstawianego modelu, to podkreślimy następujące punkty. Na portrecie osoba może być zwrócona w naszą stronę - to jest przód. Jego twarz lub postać może być zwrócona do nas w trzech czwartych lub bokiem do publiczności - to jest profil. Rzadko w malarstwie zdarzają się portrety, na których osoba jest odwrócona do nas plecami. We wszystkich tych przypadkach głównym kryterium portretu jest maksymalne podobieństwo pozowanej modelki do efektu, jaki uzyskano na płótnie twórcy lub w jego rzeźbie. Powinno to w jak największym stopniu oddawać nie tylko statyczne rysy twarzy i proporcje, ale także emocjonalną aurę przedstawianej osoby.

Jak przedstawiano ludzi w starożytności

Pierwszymi rodzajami portretów w malarstwie są rzeźby. Występują na całym starożytnym Wschodzie, a także w starożytnych krajach. Takie dzieła sztuki w tamtych czasach powstawały dla osób zajmujących ważne miejsca w społeczeństwie. Byli władcami, osobami publicznymi i twórcami. Rzeźby zawsze dokładnie oddawały emocjonalny kolor tego, który został przedstawiony za ich pomocą. Często takie kreacje stawały się nagrobkami ich właścicieli. Rzeźby z tych starożytnych czasów pozwalają przywrócić obraz przeszłości i zrozumieć, jacy ludzie żyli w tamtych czasach.

malarstwo średniowieczne

W epoce średniowiecza w sztukach wizualnych pojawiają się pewne typy portretów. Władcy, przywódcy kościelni i ważni ludzie świeccy są już przedstawieni na płótnie. Rozróżnienie twarzy na takich portretach było prawie niemożliwe – wszystkie miały jednak podobne rysy, jak postacie ludzi. Obraz zawsze oddawał atmosferę nasyconą religią i teologią. Popularne były portrety dawców. Przedstawiały osobę, która złożyła datki na rzecz określonego kościoła katolickiego. Zawsze był otoczony cherubinami lub z Jezusem w ramionach, jak Maryja Panna. Analogiem takich obrazów były portrety ktitorów, które były popularne nie tylko wśród katolików, ale także w świecie prawosławnym.

Renesans i późniejsze stulecia

Od około XV wieku ludzie zdawali sobie sprawę, że portret jest formą sztuki, a nie tylko środkiem przekazu informacji. Od tego czasu twórcze granice społeczeństwa znacznie się rozszerzyły. Popularne stały się portrety alegoryczne, w których modelka zawsze była przedstawiana w stroju oddającym jej emocje i charakter, a często takie obrazy były mocno przesadzone. Nieco później (XVIII w.) artyści zaczęli rysować, przedstawiając na nich ludzi zarówno w pełnym wzroście, jak i do klatki piersiowej. Istotą pracy było to, że cały obraz miał określony kolor. Była to albo aura czułości, albo jakiś brutalny obraz itp. Również w renesansie powstały różnego rodzaju portrety subiektywne. A teraz zastanowimy się, czym dokładnie charakteryzują się takie arcydzieła.

Portret malowany „z głowy”

Termin ten odnosi się do tych obrazów ludzi, na których są oni przedstawiani nie tak, jak wyglądają w rzeczywistości, ale tak, jak wydają się artyście. Stwórca może zmienić proporcje, zmienić rysy twarzy, uczynić osobę bardziej pogodną lub smutną. Często rysowanie modelu wcale nie jest wymagane. Artysta może odtworzyć w głowie obrazy rzeczywistości i swoje fantazje, a następnie przenieść to wszystko na płótno. Obecnie istnieją odrębne rodzaje portretów subiektywnych od malarstwa. Należą do nich: dowód osobisty, odtworzenie rysów twarzy zmarłego dzięki technice i pamięci naocznych świadków, nałożenie makijażu na twarz jednej osoby, aby upodobniła się do drugiej.

Nasze dni

Rodzaje portretów, które można znaleźć dzisiaj, bardzo różnią się od tych, które były popularne w społeczeństwie wcześniej. Wszyscy ludzie są dziś fotografowani, a nie malowani, ponieważ ich cechy i emocje są przekazywane z maksymalną dokładnością. Wśród współczesnych portretów znajdują się także portrety rodzajowe: publiczne, intymne, indywidualne, kameralne, a także selfie - najpopularniejszy portret naszych czasów.

W dzisiejszym poście chciałbym zatrzymać się na krótkiej historii rozwoju portretu. Nie sposób w ograniczonej objętości wpisu w pełni omówić cały materiał na ten temat, dlatego nie postawiłem sobie takiego zadania.

Krótka dygresja do historii portretu

Portret(z portretu francuskiego) - jest to gatunek sztuk pięknych, a także dzieła tego gatunku, które pokazują wygląd konkretnej osoby. Portret przekazuje cechy indywidualne, unikalne cechy właściwe tylko jednemu modelowi (model to osoba, która pozuje dla mistrza podczas pracy nad dziełem).

"Paryski". Fresk z pałacu w Knossos, XVI w. p.n.e

Jednak podobieństwo zewnętrzne nie jest jedyną i być może nie najważniejszą właściwością portretu . Prawdziwy portrecista nie ogranicza się do odtworzenia zewnętrznych cech swojego modela, dąży do tego oddać właściwości jej charakteru, odsłonić jej wewnętrzny, duchowy świat . Bardzo ważne jest również ukazanie statusu społecznego portretowanej osoby, stworzenie typowego wizerunku przedstawiciela określonej epoki.
Jako gatunek portret pojawił się kilka tysięcy lat temu w sztuce starożytnej. Wśród fresków słynnego pałacu w Knossos, znalezionych przez archeologów podczas wykopalisk na Krecie, znajduje się szereg malowniczych wizerunków kobiet datowanych na XVI wiek p.n.e. Choć badacze nazwali te wizerunki „damami dworskimi”, nie wiemy, kogo kreteńscy mistrzowie starali się ukazać – boginie, kapłanki czy szlachetne damy ubrane w eleganckie suknie.
Najbardziej znany był portret młodej kobiety, nazwany przez naukowców „Paryżką”. Przed nami profilowy (zgodnie z tradycjami ówczesnej sztuki) wizerunek młodej kobiety, bardzo kokieteryjnej i nie zaniedbującej makijażu, o czym świadczą jej ciemne oprawki oczu i jaskrawo pomalowane usta.
Artyści, którzy tworzyli portrety freskowe swoich współczesnych, nie zagłębiali się w cechy modeli, a podobieństwo zewnętrzne w tych obrazach jest bardzo względne.

„Portret młodego Rzymianina”, początek III wieku naszej ery

W starożytnej Grecji i starożytnym Rzymie malarstwo sztalugowe nie istniało, więc sztuka portretowania wyrażała się głównie w rzeźbie. Starożytni mistrzowie tworzyli plastikowe wizerunki poetów, filozofów, dowódców wojskowych i polityków. Prace te charakteryzują się idealizacją, a jednocześnie znajdują się wśród nich obrazy bardzo trafne w swoich cechach psychologicznych.
Ogromnym zainteresowaniem cieszą się malownicze portrety powstałe w Egipcie w I-IV wieku naszej ery. Według miejsca odkrycia (groby Chawary na północ od Kairu i nekropolia oazy Fajum, która za Ptolemeuszy nazywała się Arsinoe), nazywane są Fajum. Obrazy te pełniły funkcje rytualne i magiczne. Pojawiły się w epoce hellenistycznej, kiedy starożytny Egipt został zdobyty przez Rzymian. Te wizerunki portretowe, wykonane na deskach lub na płótnie, składano wraz z mumią w grobowcu zmarłego.
Na portretach fajumskich widzimy Egipcjan, Syryjczyków, Nubijczyków, Żydów, Greków i Rzymian, którzy żyli w Egipcie w I-IV wieku naszej ery. Od starożytnego Rzymu po Egipt zapanował zwyczaj trzymania w domu portretów właścicieli malowanych na drewnianych deskach, a także rzeźbionych masek zmarłych krewnych.

Portret mumii fajumskiej

Portrety fajumskie powstawały w technice tempery lub enkaustyki, co jest szczególnie charakterystyczne dla wcześniejszych wizerunków. Enkaustyka to malowanie farbami, gdzie głównym ogniwem był wosk. Artyści używali roztopionych farb woskowych (ślady kapania takich farb zachowały się na wielu planszach z wizerunkami portretowymi). Taka technika wymagała specjalnych technik. Na policzkach, podbródku i nosie farbę nakładano gęstymi warstwami, a resztę twarzy i włosów malowano bardziej płynną farbą. Do portretów mistrzowie używali cienkich desek jaworu (figowca morwy) i cedru libańskiego.

G. Belliniego. Portret dawcy. Fragment

Do najsłynniejszych portretów enkaustycznych należą „Portret mężczyzny” (druga połowa I wieku naszej ery) i „Portret starszego mężczyzny” (koniec I wieku naszej ery), które są obrazami dożywotnimi. W pracach tych uderza umiejętne modelowanie światła i cienia oraz zastosowanie refleksu barwnego. Prawdopodobnie nieznani nam mistrzowie malujący portrety przeszli przez hellenistyczną szkołę malarstwa. W ten sam sposób powstały dwa inne obrazy – „Portret Nubijczyka” oraz piękny kobiecy wizerunek, tzw. „Pani Alina” (II wne). Ostatni portret wykonany jest na płótnie pędzlem i płynną temperą.
W średniowieczu, gdy sztuka była podporządkowana Kościołowi, w malarstwie powstawały głównie obrazy religijne. Ale nawet w tym czasie niektórzy artyści malowali psychologicznie dokładne portrety. Powszechnie stosowano wizerunki darczyńców (darczyńców, klientów), ukazywanych najczęściej z profilu, zwróconych twarzą do Boga, Madonny lub świętego. Wizerunki darczyńców miały niewątpliwe zewnętrzne podobieństwo do oryginałów, jednak nie wykraczały poza kanony ikonograficzne, pełniąc w kompozycji rolę drugorzędną. Obrazy profilowe pochodzące z ikony zachowały swoje dominujące pozycje nawet wtedy, gdy portret zaczął nabierać samodzielnego znaczenia.
Rozkwit gatunku portretowego rozpoczął się w renesansie, kiedy główną wartością świata była aktywna i celowa osoba, zdolna do zmiany tego świata i przeciwstawienia się przeciwnościom losu. W XV wieku artyści zaczęli tworzyć niezależne portrety, które przedstawiały modele na tle panoramicznych majestatycznych krajobrazów. Taki jest „Portret chłopca” B. Pinturicchio.

B. Pinturicchio. „Portret chłopca”, Galeria Sztuki, Drezno

Niemniej jednak obecność fragmentów przyrody na portretach nie tworzy integralności, jedności człowieka i otaczającego go świata, portretowana osoba zdaje się zasłaniać naturalny pejzaż. Dopiero w portretach z XVI wieku pojawia się harmonia, rodzaj mikrokosmosu.

Wielu znanych mistrzów renesansu zwróciło się w stronę portretu, w tym Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci. Największym dziełem sztuki światowej był słynny arcydzieło Leonarda – portret „Mona Lisa” („La Gioconda”, ok. 1503), w którym wielu portrecistów kolejnych pokoleń widziało wzór do naśladowania.
Ogromną rolę w rozwoju europejskiego gatunku portretowego odegrał Tycjan, który stworzył całą galerię wizerunków swoich współczesnych: poetów, naukowców, duchowieństwa, władców. W tych dziełach wielki włoski mistrz występował jako subtelny psycholog i doskonały znawca ludzkiej duszy.

Tycjan: cesarzowa Izabela Portugalii.

W okresie renesansu wielu artystów tworzących kompozycje ołtarzowe i mitologiczne zwróciło się ku gatunkowi portretowemu. Psychologiczne portrety holenderskiego malarza Jana van Eycka („Tymoteusz”, 1432; „Człowiek w czerwonym turbanie”, 1433) wyróżniają się głęboką penetracją wewnętrznego świata modelu. Uznanym mistrzem gatunku portretowego był niemiecki artysta Albrecht Dürer, którego autoportrety do dziś zachwycają publiczność i służą za przykład artystom.

Albrecht Dürer, Autoportret

W okresie renesansu w malarstwie europejskim pojawiły się różne formy portretowania. Dużą popularnością cieszył się wówczas portret popiersiowy, choć pojawiały się również wizerunki półpostaciowe, pokoleniowe i portrety pełnopostaciowe. Szlacheckie małżeństwa zamawiały portrety parami, w których modele były przedstawiane na różnych płótnach, ale obie kompozycje łączyła wspólna koncepcja, kolor i pejzażowe tło. Żywym przykładem sparowanych portretów są obrazy księcia i księżnej Urbino (Federigo da Montefeltro i Battista Sforza, 1465), stworzone przez włoskiego malarza Piero della Francesca.
Szerokie zastosowanie znalazły również portrety grupowe, gdy artysta pokazywał kilka modeli na jednym płótnie. Przykładem takiego dzieła jest „Portret papieża Pawła III z Aleksandrem i Ottavio Farnese” (1545-1546) Tycjana.

Ze względu na charakter wizerunku zaczęto dzielić portrety na ceremonialne i intymne. Pierwsze powstały z myślą o wywyższeniu i uwielbieniu ludzi na nich przedstawionych. Portrety ceremonialne zamawiali u znanych artystów osoby panujące i członkowie ich rodzin, dworzanie, duchowni zajmujący najwyższe szczeble hierarchicznej drabiny.
Tworząc ceremonialne portrety, malarze przedstawiali mężczyzn w bogatych, haftowanych złotem mundurach. Panie pozujące artystce nosiły najbardziej luksusowe suknie i ozdabiały się klejnotami. Szczególną rolę w takich portretach odgrywało tło. Mistrzowie malowali swoje modele na tle pejzażu, elementów architektonicznych (łuki, kolumny) i bujnych draperii.
Największym mistrzem ceremonialnego portretu był Fleming P.P. Rubensa, który pracował na dworach królewskich wielu stanów. Jego szlachetni i zamożni współcześni marzyli, by malarz uwiecznił ich na swoich płótnach. Wykonane na zamówienie portrety Rubensa, uderzające bogactwem barw i wirtuozerią rysunku, są nieco wyidealizowane i zimne. Obrazy krewnych i przyjaciół, które artysta stworzył dla siebie, są pełne ciepłych i szczerych uczuć, nie mają chęci schlebiania modelowi, jak w formalnych portretach dla zamożnych klientów.

Uczniem i naśladowcą Rubensa był utalentowany flamandzki malarz A. van Dyck, który stworzył galerię portretów swoich współczesnych: naukowców, prawników, lekarzy, artystów, kupców, dowódców wojskowych, duchownych, dworzan. Te realistyczne obrazy subtelnie oddają indywidualną wyjątkowość modeli.
Portrety wykonane przez van Dycka w późnym okresie, kiedy artysta pracował na dworze angielskiego króla Karola, są mniej doskonałe artystycznie, gdyż mistrz, który otrzymał wiele zamówień, nie mógł sobie z nimi poradzić i powierzył obraz niektórych szczegółów swoim pomocnikom. Ale nawet w tym czasie van Dyck namalował kilka dość udanych obrazów (portret Karola I w Luwrze, ok. 1635; Troje dzieci Karola I, 1635).

A. van Dycka. „Troje dzieci Karola I”, 1635, kolekcja królewska, zamek Windsor

W XVII wieku ważne miejsce w malarstwie europejskim zajmował portret intymny (kameralny), którego celem jest ukazanie stanu ducha człowieka, jego uczuć i emocji. Uznanym mistrzem tego typu portretów był holenderski artysta Rembrandt, który namalował wiele szczerych obrazów. „Portret starej kobiety” (1654), „Portret syna czytającego Tytusa” (1657), „Hendrikje Stoffels w oknie” (portret drugiej żony artysty, ok. 1659) są nasycone szczerym uczuciem. Prace te przedstawiają widzowi zwykłych ludzi, którzy nie mają ani szlachetnych przodków, ani bogactwa. Ale dla Rembrandta, który otworzył nową stronę w historii gatunku portretowego, ważne było przekazanie życzliwości jego modelki, jej prawdziwie ludzkich cech.

Nieznany artysta. Parsuna „Władca całej Rusi Iwan IV Groźny”, koniec XVII wieku.

Kunszt Rembrandta przejawiał się także w jego wielkoformatowych portretach grupowych (Nocna straż, 1642; Sindics, 1662), które oddają różne temperamenty i barwne osobowości ludzkie.
Jednym z najwybitniejszych portrecistów europejskich XVII wieku był hiszpański artysta D. Velasquez, który namalował nie tylko wiele ceremonialnych portretów przedstawiających hiszpańskich królów, ich żony i dzieci, ale także szereg intymnych wizerunków zwykłych ludzi. Tragiczne wizerunki dworskich krasnoludków adresowane są do najlepszych uczuć widza – mądrego i powściągliwego lub rozgoryczonego, ale zawsze zachowującego poczucie ludzkiej godności („Portret błazna Sebastiano Mora”, ok. 1648).

Gatunek portretowy rozwinął się w XVIII wieku. Portret, w przeciwieństwie do pejzażu, dawał artystom dobre dochody. Wielu malarzy zajmujących się tworzeniem portretów ceremonialnych, starając się schlebiać bogatemu i szlachetnemu klientowi, starało się podkreślić najatrakcyjniejsze cechy jego wyglądu i zakryć mankamenty.
Ale najodważniejsi i najzdolniejsi rzemieślnicy nie bali się gniewu władców i pokazywali ludzi takimi, jakimi są naprawdę, nie ukrywając ich wad fizycznych i moralnych. W tym sensie ciekawy jest słynny „Portret rodziny króla Karola IV” (1801) autorstwa słynnego hiszpańskiego malarza i grafika F. Goi. Narodowa Szkoła Portretu powstała w Anglii. Jej największymi przedstawicielami są artyści J. Reynolds i T. Gainsborough, którzy tworzyli w XVIII wieku. Ich tradycje odziedziczyli młodsi angielscy mistrzowie: J. Romney, J. Hopner, J. Opie.
Portret zajmował ważne miejsce w sztuce francuskiej. Jednym z najzdolniejszych artystów drugiej połowy XVIII - pierwszej ćwierci XIX wieku był J.L. David, który stworzył, obok obrazów starożytnego i historycznego gatunku, wiele pięknych portretów. Do arcydzieł mistrza należy niezwykle wyrazisty wizerunek Madame Recamier (1800) oraz romantycznie podniesiony portret Napoleona Bonaparte na Przełęczy św. Bernarda (1800).

Niezrównanym mistrzem gatunku portretowego był J.O.D. Ingres, który wychwalał swoje imię uroczystymi portretami, wyróżniającymi się dźwięcznymi kolorami i wdzięcznymi liniami.
Piękne przykłady romantycznego portretu zaprezentowali światu tacy francuscy artyści jak T. Gericault, E. Delacroix.
Realiści francuscy (J.F. Millet, C. Corot, G. Courbet), impresjoniści (E. Degas, O. Renoir) i postimpresjoniści (P. Cezanne, V. van Gogh) wyrażali w portretach swój stosunek do życia i sztuki.
Do portretu zwrócili się także przedstawiciele ruchów modernistycznych, które pojawiły się w XX wieku. Wiele portretów pozostawił nam słynny francuski artysta Pablo Picasso. Z prac tych można prześledzić, jak rozwijała się twórczość mistrza od tzw. niebieski okres do kubizmu.

W swoim „Okresie niebieskim” (1901-1904) tworzy portrety i typy rodzajowe, w których rozwija temat samotności, żalu, zagłady człowieka, penetrując duchowy świat bohatera i jego wrogie otoczenie. Taki jest portret przyjaciela artysty - poety X. Sabartesa (1901, Moskwa, Muzeum Puszkina).

Znaczący wkład w rozwój rosyjskiego portretu wniósł utalentowany artysta pierwszej połowy XVIII wieku I.N. Nikitin, który z umiejętnością psychologa pokazał w swoim „Portrecie hetmana plenerowego” (lata dwudzieste XVIII wieku) złożony, wieloaspektowy obraz człowieka epoki Piotrowej.

Malarstwo drugiej połowy XVIII wieku kojarzone jest z nazwiskami tak znanych portrecistów, jak F.S. Rokotowa, który stworzył wiele uduchowionych obrazów swoich współczesnych (portret V.I. Majkowa, ok. 1765), D.G. Levitsky, autor pięknych ceremonialnych i kameralnych portretów, które oddają integralność natury modeli (portrety uczniów Instytutu Smolnego, ok. 1773-1776), V.L. Borowikowskiego, którego niezwykle liryczne portrety kobiet wciąż zachwycają widzów.

Borovikovsky, Vladimir Lukich: Portret Eleny Aleksandrownej Naryszkiny.

Lata 60.-70. XIX wieku to czas kształtowania się realizmu w malarstwie rosyjskim, co najwyraźniej przejawiało się w twórczości Wędrowców. W tym okresie, w gatunku portretowym, typ portretowy cieszył się dużym powodzeniem wśród demokratycznie nastawionej publiczności, w której modelka otrzymała nie tylko ocenę psychologiczną, ale także została rozważona z punktu widzenia jej miejsca w społeczeństwie. W takich pracach autorzy zwracali jednakową uwagę zarówno na indywidualne, jak i typowe cechy portretowanych podmiotów.
Przykład takiego typu portretowego namalował w 1867 roku artysta N.N. Ge portret A.I. Hercena. Patrząc na zdjęcia demokratycznego pisarza, można zrozumieć, jak dokładnie mistrz uchwycił zewnętrzne podobieństwo. Ale malarz nie poprzestał na tym, uchwycił na płótnie życie duchowe osoby dążącej do szczęścia dla swojego ludu w walce. Na obrazie Hercena Ge pokazał kolektywny typ najlepszych ludzi swojej epoki.

NN Ge portret A.I. Hercena

Tradycje portretowania Ge podjęli tacy mistrzowie jak V.G. Perow (portret F.M. Dostojewskiego, 1872), I.N. Kramskoy (portret L.N. Tołstoja, 1873). Artyści ci stworzyli całą galerię wizerunków wybitnych im współczesnych.
Niezwykłe portrety typograficzne namalował I.E. Repina, któremu udało się bardzo dokładnie przekazać wyjątkową indywidualność każdej osoby. Za pomocą poprawnie zauważonych gestów, postaw, mimiki, mistrz dokonuje opisu społecznego i duchowego portretowanych. Na portrecie N.I. pojawia się znacząca osoba o silnej woli. Pirogow. Głęboki talent artystyczny i pasję natury widz widzi na swoim płótnie przedstawiającym aktorkę P.A. Strepetow (1882).

Portret aktorki Pelageya Antipovna Strepetova jako Elizabeth. 1881

Glazunov_ Portret Ilyi Reznik, 1999

Ogromny wkład w rozwój rosyjskiego portretu wniósł A.M. Shilov („Portret akademika I.L. Knunyantsa”, 1974; „Portret Olgi”, 1974).

RANO. Szyłow. „Portret Oli”, 1974

Materiały użyte do przygotowania materiału

Portret to obraz lub opis osoby lub grupy osób, która istnieje lub istniała w rzeczywistości.Portret jest jednym z głównych gatunków malarstwa, rzeźby, grafiki, jego celem jest właśnie odtworzenie indywidualnych cech konkretnej osoby .

Wyświetl zawartość dokumentu
„Portret w malarstwie?. Rodzaje portretu osoby.

Portret w malarstwie Rodzaje portretu osoby

Portret - wizerunek lub opis osoby lub grupy osób, która istnieje lub istniała w rzeczywistości . Portret - jest to jeden z głównych gatunków malarstwa, rzeźby, grafiki, jego celem jest właśnie odtworzenie indywidualnych cech konkretnej osoby.

Nazwa tego gatunku pochodzi od starego francuskiego wyrażenia oznaczającego „grać coś do cholery”.

ołówek

akwarela

WYRYTY

PORTRET

RZEŹBIARSKI

MALOWNICZY

( OLEJ, TEMPERA, GUASZ)

UNIESIONY

(na medalach i monetach)

Akwarela

portret

Portret ołówkiem

Rytownictwo

malowniczy portret

(masło)

portret rzeźbiarski

Ulga

RODZAJE PORTRETÓW:

• izba; psychologiczny; społeczny; drzwi wejściowe; autoportret.
• izba;
• psychologiczny;
• społeczny;
• drzwi wejściowe;
• indywidualna, podwójna, grupowa;
• autoportret.

portret kameralny - portret za pomocą paska, obraz klatki piersiowej lub ramion. Postać w portrecie kameralnym jest zwykle przedstawiana na neutralnym tle.

Obraz psychologiczny Ma na celu pokazanie głębi wewnętrznego świata i doświadczeń człowieka, odzwierciedlenie pełni jego osobowości, uchwycenie w jednej chwili niekończącego się ruchu ludzkich uczuć i działań.

portret społeczny pozwala zrozumieć treść aktywności zawodowej, spędzania wolnego czasu, ocenić osobowość człowieka na podstawie cech środowiska, w którym żyje.

ceremonialny portret - portret przedstawiający osobę w pełni wzrostu, na koniu, stojącą lub siedzącą. Zwykle w portrecie formalnym postać jest przedstawiana na tle architektonicznym lub krajobrazowym.

autoportret - graficzny, malarski lub rzeźbiarski wizerunek artysty, wykonany przez niego za pomocą lustra lub systemu luster.

W zależności od formatu wyróżnia się portrety:

• głowa (ramię);
• skrzynia;
• talia;
• na udzie;
• pokoleniowe;
• w pełnym wzroście.

Portret głowy

Portret w połowie długości

portret pełnej długości

portret biustu

Portret do bioder

Odwracając głowę, portrety to:

• cała twarz (fr. en face, „z twarzy”)
• ćwierć obrotu w prawo

lub w lewo

• pół obrotu
• trzy kwarty
• w profilu

Ćwiczenie:

Twoim zadaniem jest stworzenie malowniczego portretu. Może to być autoportret lub portret bliskiej osoby.

Zastanów się, jakie zestawienia kolorystyczne najlepiej oddają charakter i stan umysłu.

W dzisiejszym poście chciałbym zatrzymać się na krótkiej historii rozwoju portretu. Nie sposób w ograniczonej objętości wpisu w pełni omówić cały materiał na ten temat, dlatego nie postawiłem sobie takiego zadania.

Krótka dygresja do historii portretu

Portret(z portretu francuskiego) - jest to gatunek sztuk pięknych, a także dzieła tego gatunku, które pokazują wygląd konkretnej osoby. Portret przekazuje cechy indywidualne, unikalne cechy właściwe tylko jednemu modelowi (model to osoba, która pozuje dla mistrza podczas pracy nad dziełem).

"Paryski". Fresk z pałacu w Knossos, XVI w. p.n.e

Jednak podobieństwo zewnętrzne nie jest jedyną i być może nie najważniejszą właściwością portretu . Prawdziwy portrecista nie ogranicza się do odtworzenia zewnętrznych cech swojego modela, dąży do tego oddać właściwości jej charakteru, odsłonić jej wewnętrzny, duchowy świat . Bardzo ważne jest również ukazanie statusu społecznego portretowanej osoby, stworzenie typowego wizerunku przedstawiciela określonej epoki.
Jako gatunek portret pojawił się kilka tysięcy lat temu w sztuce starożytnej. Wśród fresków słynnego pałacu w Knossos, znalezionych przez archeologów podczas wykopalisk na Krecie, znajduje się szereg malowniczych wizerunków kobiet datowanych na XVI wiek p.n.e. Choć badacze nazwali te wizerunki „damami dworskimi”, nie wiemy, kogo kreteńscy mistrzowie starali się ukazać – boginie, kapłanki czy szlachetne damy ubrane w eleganckie suknie.
Najbardziej znany był portret młodej kobiety, nazwany przez naukowców „Paryżką”. Przed nami profilowy (zgodnie z tradycjami ówczesnej sztuki) wizerunek młodej kobiety, bardzo kokieteryjnej i nie zaniedbującej makijażu, o czym świadczą jej ciemne oprawki oczu i jaskrawo pomalowane usta.
Artyści, którzy tworzyli portrety freskowe swoich współczesnych, nie zagłębiali się w cechy modeli, a podobieństwo zewnętrzne w tych obrazach jest bardzo względne.

„Portret młodego Rzymianina”, początek III wieku naszej ery

W starożytnej Grecji i starożytnym Rzymie malarstwo sztalugowe nie istniało, więc sztuka portretowania wyrażała się głównie w rzeźbie. Starożytni mistrzowie tworzyli plastikowe wizerunki poetów, filozofów, dowódców wojskowych i polityków. Prace te charakteryzują się idealizacją, a jednocześnie znajdują się wśród nich obrazy bardzo trafne w swoich cechach psychologicznych.
Ogromnym zainteresowaniem cieszą się malownicze portrety powstałe w Egipcie w I-IV wieku naszej ery. Według miejsca odkrycia (groby Chawary na północ od Kairu i nekropolia oazy Fajum, która za Ptolemeuszy nazywała się Arsinoe), nazywane są Fajum. Obrazy te pełniły funkcje rytualne i magiczne. Pojawiły się w epoce hellenistycznej, kiedy starożytny Egipt został zdobyty przez Rzymian. Te wizerunki portretowe, wykonane na deskach lub na płótnie, składano wraz z mumią w grobowcu zmarłego.
Na portretach fajumskich widzimy Egipcjan, Syryjczyków, Nubijczyków, Żydów, Greków i Rzymian, którzy żyli w Egipcie w I-IV wieku naszej ery. Od starożytnego Rzymu po Egipt zapanował zwyczaj trzymania w domu portretów właścicieli malowanych na drewnianych deskach, a także rzeźbionych masek zmarłych krewnych.

Portret mumii fajumskiej

Portrety fajumskie powstawały w technice tempery lub enkaustyki, co jest szczególnie charakterystyczne dla wcześniejszych wizerunków. Enkaustyka to malowanie farbami, gdzie głównym ogniwem był wosk. Artyści używali roztopionych farb woskowych (ślady kapania takich farb zachowały się na wielu planszach z wizerunkami portretowymi). Taka technika wymagała specjalnych technik. Na policzkach, podbródku i nosie farbę nakładano gęstymi warstwami, a resztę twarzy i włosów malowano bardziej płynną farbą. Do portretów mistrzowie używali cienkich desek jaworu (figowca morwy) i cedru libańskiego.

G. Belliniego. Portret dawcy. Fragment

Do najsłynniejszych portretów enkaustycznych należą „Portret mężczyzny” (druga połowa I wieku naszej ery) i „Portret starszego mężczyzny” (koniec I wieku naszej ery), które są obrazami dożywotnimi. W pracach tych uderza umiejętne modelowanie światła i cienia oraz zastosowanie refleksu barwnego. Prawdopodobnie nieznani nam mistrzowie malujący portrety przeszli przez hellenistyczną szkołę malarstwa. W ten sam sposób powstały dwa inne obrazy – „Portret Nubijczyka” oraz piękny kobiecy wizerunek, tzw. „Pani Alina” (II wne). Ostatni portret wykonany jest na płótnie pędzlem i płynną temperą.
W średniowieczu, gdy sztuka była podporządkowana Kościołowi, w malarstwie powstawały głównie obrazy religijne. Ale nawet w tym czasie niektórzy artyści malowali psychologicznie dokładne portrety. Powszechnie stosowano wizerunki darczyńców (darczyńców, klientów), ukazywanych najczęściej z profilu, zwróconych twarzą do Boga, Madonny lub świętego. Wizerunki darczyńców miały niewątpliwe zewnętrzne podobieństwo do oryginałów, jednak nie wykraczały poza kanony ikonograficzne, pełniąc w kompozycji rolę drugorzędną. Obrazy profilowe pochodzące z ikony zachowały swoje dominujące pozycje nawet wtedy, gdy portret zaczął nabierać samodzielnego znaczenia.
Rozkwit gatunku portretowego rozpoczął się w renesansie, kiedy główną wartością świata była aktywna i celowa osoba, zdolna do zmiany tego świata i przeciwstawienia się przeciwnościom losu. W XV wieku artyści zaczęli tworzyć niezależne portrety, które przedstawiały modele na tle panoramicznych majestatycznych krajobrazów. Taki jest „Portret chłopca” B. Pinturicchio.

B. Pinturicchio. „Portret chłopca”, Galeria Sztuki, Drezno

Niemniej jednak obecność fragmentów przyrody na portretach nie tworzy integralności, jedności człowieka i otaczającego go świata, portretowana osoba zdaje się zasłaniać naturalny pejzaż. Dopiero w portretach z XVI wieku pojawia się harmonia, rodzaj mikrokosmosu.

Wielu znanych mistrzów renesansu zwróciło się w stronę portretu, w tym Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci. Największym dziełem sztuki światowej był słynny arcydzieło Leonarda – portret „Mona Lisa” („La Gioconda”, ok. 1503), w którym wielu portrecistów kolejnych pokoleń widziało wzór do naśladowania.
Ogromną rolę w rozwoju europejskiego gatunku portretowego odegrał Tycjan, który stworzył całą galerię wizerunków swoich współczesnych: poetów, naukowców, duchowieństwa, władców. W tych dziełach wielki włoski mistrz występował jako subtelny psycholog i doskonały znawca ludzkiej duszy.

Tycjan: cesarzowa Izabela Portugalii.

W okresie renesansu wielu artystów tworzących kompozycje ołtarzowe i mitologiczne zwróciło się ku gatunkowi portretowemu. Psychologiczne portrety holenderskiego malarza Jana van Eycka („Tymoteusz”, 1432; „Człowiek w czerwonym turbanie”, 1433) wyróżniają się głęboką penetracją wewnętrznego świata modelu. Uznanym mistrzem gatunku portretowego był niemiecki artysta Albrecht Dürer, którego autoportrety do dziś zachwycają publiczność i służą za przykład artystom.

Albrecht Dürer, Autoportret

W okresie renesansu w malarstwie europejskim pojawiły się różne formy portretowania. Dużą popularnością cieszył się wówczas portret popiersiowy, choć pojawiały się również wizerunki półpostaciowe, pokoleniowe i portrety pełnopostaciowe. Szlacheckie małżeństwa zamawiały portrety parami, w których modele były przedstawiane na różnych płótnach, ale obie kompozycje łączyła wspólna koncepcja, kolor i pejzażowe tło. Żywym przykładem sparowanych portretów są obrazy księcia i księżnej Urbino (Federigo da Montefeltro i Battista Sforza, 1465), stworzone przez włoskiego malarza Piero della Francesca.
Szerokie zastosowanie znalazły również portrety grupowe, gdy artysta pokazywał kilka modeli na jednym płótnie. Przykładem takiego dzieła jest „Portret papieża Pawła III z Aleksandrem i Ottavio Farnese” (1545-1546) Tycjana.

Ze względu na charakter wizerunku zaczęto dzielić portrety na ceremonialne i intymne. Pierwsze powstały z myślą o wywyższeniu i uwielbieniu ludzi na nich przedstawionych. Portrety ceremonialne zamawiali u znanych artystów osoby panujące i członkowie ich rodzin, dworzanie, duchowni zajmujący najwyższe szczeble hierarchicznej drabiny.
Tworząc ceremonialne portrety, malarze przedstawiali mężczyzn w bogatych, haftowanych złotem mundurach. Panie pozujące artystce nosiły najbardziej luksusowe suknie i ozdabiały się klejnotami. Szczególną rolę w takich portretach odgrywało tło. Mistrzowie malowali swoje modele na tle pejzażu, elementów architektonicznych (łuki, kolumny) i bujnych draperii.
Największym mistrzem ceremonialnego portretu był Fleming P.P. Rubensa, który pracował na dworach królewskich wielu stanów. Jego szlachetni i zamożni współcześni marzyli, by malarz uwiecznił ich na swoich płótnach. Wykonane na zamówienie portrety Rubensa, uderzające bogactwem barw i wirtuozerią rysunku, są nieco wyidealizowane i zimne. Obrazy krewnych i przyjaciół, które artysta stworzył dla siebie, są pełne ciepłych i szczerych uczuć, nie mają chęci schlebiania modelowi, jak w formalnych portretach dla zamożnych klientów.

Uczniem i naśladowcą Rubensa był utalentowany flamandzki malarz A. van Dyck, który stworzył galerię portretów swoich współczesnych: naukowców, prawników, lekarzy, artystów, kupców, dowódców wojskowych, duchownych, dworzan. Te realistyczne obrazy subtelnie oddają indywidualną wyjątkowość modeli.
Portrety wykonane przez van Dycka w późnym okresie, kiedy artysta pracował na dworze angielskiego króla Karola, są mniej doskonałe artystycznie, gdyż mistrz, który otrzymał wiele zamówień, nie mógł sobie z nimi poradzić i powierzył obraz niektórych szczegółów swoim pomocnikom. Ale nawet w tym czasie van Dyck namalował kilka dość udanych obrazów (portret Karola I w Luwrze, ok. 1635; Troje dzieci Karola I, 1635).

A. van Dycka. „Troje dzieci Karola I”, 1635, kolekcja królewska, zamek Windsor

W XVII wieku ważne miejsce w malarstwie europejskim zajmował portret intymny (kameralny), którego celem jest ukazanie stanu ducha człowieka, jego uczuć i emocji. Uznanym mistrzem tego typu portretów był holenderski artysta Rembrandt, który namalował wiele szczerych obrazów. „Portret starej kobiety” (1654), „Portret syna czytającego Tytusa” (1657), „Hendrikje Stoffels w oknie” (portret drugiej żony artysty, ok. 1659) są nasycone szczerym uczuciem. Prace te przedstawiają widzowi zwykłych ludzi, którzy nie mają ani szlachetnych przodków, ani bogactwa. Ale dla Rembrandta, który otworzył nową stronę w historii gatunku portretowego, ważne było przekazanie życzliwości jego modelki, jej prawdziwie ludzkich cech.

Nieznany artysta. Parsuna „Władca całej Rusi Iwan IV Groźny”, koniec XVII wieku.

Kunszt Rembrandta przejawiał się także w jego wielkoformatowych portretach grupowych (Nocna straż, 1642; Sindics, 1662), które oddają różne temperamenty i barwne osobowości ludzkie.
Jednym z najwybitniejszych portrecistów europejskich XVII wieku był hiszpański artysta D. Velasquez, który namalował nie tylko wiele ceremonialnych portretów przedstawiających hiszpańskich królów, ich żony i dzieci, ale także szereg intymnych wizerunków zwykłych ludzi. Tragiczne wizerunki dworskich krasnoludków adresowane są do najlepszych uczuć widza – mądrego i powściągliwego lub rozgoryczonego, ale zawsze zachowującego poczucie ludzkiej godności („Portret błazna Sebastiano Mora”, ok. 1648).

Gatunek portretowy rozwinął się w XVIII wieku. Portret, w przeciwieństwie do pejzażu, dawał artystom dobre dochody. Wielu malarzy zajmujących się tworzeniem portretów ceremonialnych, starając się schlebiać bogatemu i szlachetnemu klientowi, starało się podkreślić najatrakcyjniejsze cechy jego wyglądu i zakryć mankamenty.
Ale najodważniejsi i najzdolniejsi rzemieślnicy nie bali się gniewu władców i pokazywali ludzi takimi, jakimi są naprawdę, nie ukrywając ich wad fizycznych i moralnych. W tym sensie ciekawy jest słynny „Portret rodziny króla Karola IV” (1801) autorstwa słynnego hiszpańskiego malarza i grafika F. Goi. Narodowa Szkoła Portretu powstała w Anglii. Jej największymi przedstawicielami są artyści J. Reynolds i T. Gainsborough, którzy tworzyli w XVIII wieku. Ich tradycje odziedziczyli młodsi angielscy mistrzowie: J. Romney, J. Hopner, J. Opie.
Portret zajmował ważne miejsce w sztuce francuskiej. Jednym z najzdolniejszych artystów drugiej połowy XVIII - pierwszej ćwierci XIX wieku był J.L. David, który stworzył, obok obrazów starożytnego i historycznego gatunku, wiele pięknych portretów. Do arcydzieł mistrza należy niezwykle wyrazisty wizerunek Madame Recamier (1800) oraz romantycznie podniesiony portret Napoleona Bonaparte na Przełęczy św. Bernarda (1800).

Niezrównanym mistrzem gatunku portretowego był J.O.D. Ingres, który wychwalał swoje imię uroczystymi portretami, wyróżniającymi się dźwięcznymi kolorami i wdzięcznymi liniami.
Piękne przykłady romantycznego portretu zaprezentowali światu tacy francuscy artyści jak T. Gericault, E. Delacroix.
Realiści francuscy (J.F. Millet, C. Corot, G. Courbet), impresjoniści (E. Degas, O. Renoir) i postimpresjoniści (P. Cezanne, V. van Gogh) wyrażali w portretach swój stosunek do życia i sztuki.
Do portretu zwrócili się także przedstawiciele ruchów modernistycznych, które pojawiły się w XX wieku. Wiele portretów pozostawił nam słynny francuski artysta Pablo Picasso. Z prac tych można prześledzić, jak rozwijała się twórczość mistrza od tzw. niebieski okres do kubizmu.

W swoim „Okresie niebieskim” (1901-1904) tworzy portrety i typy rodzajowe, w których rozwija temat samotności, żalu, zagłady człowieka, penetrując duchowy świat bohatera i jego wrogie otoczenie. Taki jest portret przyjaciela artysty - poety X. Sabartesa (1901, Moskwa, Muzeum Puszkina).

Znaczący wkład w rozwój rosyjskiego portretu wniósł utalentowany artysta pierwszej połowy XVIII wieku I.N. Nikitin, który z umiejętnością psychologa pokazał w swoim „Portrecie hetmana plenerowego” (lata dwudzieste XVIII wieku) złożony, wieloaspektowy obraz człowieka epoki Piotrowej.

Malarstwo drugiej połowy XVIII wieku kojarzone jest z nazwiskami tak znanych portrecistów, jak F.S. Rokotowa, który stworzył wiele uduchowionych obrazów swoich współczesnych (portret V.I. Majkowa, ok. 1765), D.G. Levitsky, autor pięknych ceremonialnych i kameralnych portretów, które oddają integralność natury modeli (portrety uczniów Instytutu Smolnego, ok. 1773-1776), V.L. Borowikowskiego, którego niezwykle liryczne portrety kobiet wciąż zachwycają widzów.

Borovikovsky, Vladimir Lukich: Portret Eleny Aleksandrownej Naryszkiny.

Lata 60.-70. XIX wieku to czas kształtowania się realizmu w malarstwie rosyjskim, co najwyraźniej przejawiało się w twórczości Wędrowców. W tym okresie, w gatunku portretowym, typ portretowy cieszył się dużym powodzeniem wśród demokratycznie nastawionej publiczności, w której modelka otrzymała nie tylko ocenę psychologiczną, ale także została rozważona z punktu widzenia jej miejsca w społeczeństwie. W takich pracach autorzy zwracali jednakową uwagę zarówno na indywidualne, jak i typowe cechy portretowanych podmiotów.
Przykład takiego typu portretowego namalował w 1867 roku artysta N.N. Ge portret A.I. Hercena. Patrząc na zdjęcia demokratycznego pisarza, można zrozumieć, jak dokładnie mistrz uchwycił zewnętrzne podobieństwo. Ale malarz nie poprzestał na tym, uchwycił na płótnie życie duchowe osoby dążącej do szczęścia dla swojego ludu w walce. Na obrazie Hercena Ge pokazał kolektywny typ najlepszych ludzi swojej epoki.

NN Ge portret A.I. Hercena

Tradycje portretowania Ge podjęli tacy mistrzowie jak V.G. Perow (portret F.M. Dostojewskiego, 1872), I.N. Kramskoy (portret L.N. Tołstoja, 1873). Artyści ci stworzyli całą galerię wizerunków wybitnych im współczesnych.
Niezwykłe portrety typograficzne namalował I.E. Repina, któremu udało się bardzo dokładnie przekazać wyjątkową indywidualność każdej osoby. Za pomocą poprawnie zauważonych gestów, postaw, mimiki, mistrz dokonuje opisu społecznego i duchowego portretowanych. Na portrecie N.I. pojawia się znacząca osoba o silnej woli. Pirogow. Głęboki talent artystyczny i pasję natury widz widzi na swoim płótnie przedstawiającym aktorkę P.A. Strepetow (1882).

Portret aktorki Pelageya Antipovna Strepetova jako Elizabeth. 1881

Glazunov_ Portret Ilyi Reznik, 1999

Ogromny wkład w rozwój rosyjskiego portretu wniósł A.M. Shilov („Portret akademika I.L. Knunyantsa”, 1974; „Portret Olgi”, 1974).

RANO. Szyłow. „Portret Oli”, 1974

Materiały użyte do przygotowania materiału

PORTRET W SZTUCE PIĘKNEJ- jest to wypowiedź artystyczna posiadająca treść i sposób wyrażenia (gramatyka, styl). Jaki jest temat każdego portretu? Portret przedstawia wygląd zewnętrzny (a przez to świat wewnętrzny) konkretnej, realnej osoby, która istniała w przeszłości lub istnieje w teraźniejszości. Ogólnym (niezmiennym) tematem portretu jest indywidualne życie człowieka, indywidualna forma jego bytu. Niezależnie od tego, ile osób jest przedstawionych na portrecie – dwie (portret parowy) czy kilka (portret grupowy), każda z nich na portrecie ma względną autonomię. Portret może mieć dwa, trzy tematy itp., ale każdy z nich jest tematem indywidualnego życia. Gdy tematy tracą swoją samodzielność, portret wykracza poza swoją gatunkową specyfikę. Na przykład, jeśli tematem jest wydarzenie, mamy przed sobą nie portret, ale obraz, chociaż jego bohaterów można przedstawiać na portretach.

Oprócz tematu portret ma ogólną (niezmienną) fabułę, taką formę bycia jak kontemplacyjno-myśląca, intelektualna, wewnętrzna kontemplacja. W tym stanie podmiot chłonie cały świat przedmiotów i powiązań pod kątem ich znaczenia, znaczenia, fundamentalnych zagadnień ludzkiej egzystencji. Świadomość pogrąża się w sobie. W tym przypadku osoba zostaje uwolniona od jednostronności, od ciasnoty namiętności czy losowego nastroju. Jednostka wewnątrz siebie jest pełna poezji i fantazji, głębokiego zanurzenia w refleksjach i myślach, we własnym zamkniętym wewnętrznym świecie.

Taki stan jest przeciwwskazany do działania, werbalnej aktywności ruchowej (na portrecie osoba z reguły nie „mówi”. Na portrecie osoba milczy, ale jest to wymowna cisza. związana z aktywną reakcją motoryczną .Portret charakteryzuje się animowanym spokojem.

Osoba kontemplacyjna przyjmuje zróżnicowaną kombinację innych cech – status społeczny, narodowość, wiek, znaki religijne i moralne, charakter itp.

Kontemplacyjno-refleksyjna jednostka przedstawiona jest na portrecie w formie zewnętrznej. Najważniejsze tutaj jest lustro duszy, twarzy, a na twarzy - wyraz oczu. Spojrzenie skierowane jest w dal lub w głąb duszy, „przechodzi” przez widza.

Jaki jest estetyczny niezmiennik gatunku portretu? Zauważono, że modelka na portrecie nie śmieje się i nie wywołuje śmiechu. Kategoria komiksu jest przeciwwskazana dla „archetypu” gatunku portretowego. Estetycznym niezmiennikiem portretu jest kategoria „poważny”. Portret jest poważny. Modelka na portrecie ukazana jest w poważnym momencie życia. Portret pomija to, co należy do zwykłego przypadku, ulotnej sytuacji właściwej człowiekowi w prawdziwym życiu. W tym sensie portret, mówiąc słowami Hegla, „pochlebia” modelowi. Istnieje nierozerwalny związek między kontemplacją-refleksją a estetyczną powagą. Kiedy człowiek jest poważny, nie śmieje się. Tam, gdzie modelki śmieją się na portrecie, gatunek portretu jest na granicy innych gatunków – szkicu, szkicu, „gatunku” itp. Aspekt duchowy jest najważniejszy w portrecie. Treść powagi może być zarówno tragiczna, jak i wzniosła.

Portret, jak każda wypowiedź artystyczna, realizuje się poprzez formę kompozycyjną. Jest specyficzna dla sztuki. Kompozycyjnym niezmiennikiem portretu jest taka konstrukcja, w wyniku której twarz modela znajduje się w centrum kompozycji, w ognisku percepcji widza. To nie przypadek, że kompozycyjny symptom powstawania europejskiego gatunku portretowego we wczesnym renesansie nazywa się „Wyjściem z profilu” z przodu. Historyczne kanony w dziedzinie kompozycji portretowej zalecają pewną interpretację centralnej pozycji twarzy w stosunku do pozy, ubioru, otoczenia, tła itp.

Z punktu widzenia treści (semantyki) portretu gatunku portrety „martwe natury” i „dekoracyjne” uznawane są za niezgodne z jego archetypem. Portrety „martwej natury”, przedstawiające indywidualność, interpretują ją jako „rzecz”, „dekoracyjną” – nie z punktu widzenia kategorii „poważne”, ale z punktu widzenia „zdobnego uczucia”.

Analiza „archetypu” gatunku portretowego pod kątem środków wyrazu dokonywana jest na trzech poziomach: komunikacyjnym, estetycznym i kompozycyjnym. Estetyczna forma wypowiedzi powinna być jedynie doskonała, harmonijna, „piękna”, forma kompozycyjna powinna „technicznie” zapewniać realizację formy estetycznej i komunikacyjnej. Niezmiennikiem komunikacyjnym gatunku portretowego jest obraz. Główną cechą obrazu jest podobieństwo z prezentowanym obiektem, z modelem. Podobieństwo to podobieństwo, ale nie tożsamość. Odejście od tożsamości w granicach podobieństwa jest nie tylko dopuszczalne, ale wręcz konieczne dla potrzeb portretu.

Portret nie tylko przedstawia indywidualność osoby, ale także wyraża indywidualność artystycznej osobowości autora. Portret - „autoportret”. Artysta przyzwyczaja się do wyglądu modela, dzięki czemu pojmuje duchową istotę indywidualności człowieka. Takie zrozumienie zachodzi tylko w akcie empatii (reinkarnacji) w procesie scalania „ja” modela i „ja” autora. Rezultatem jest nowa jedność, podobna do tej między aktorem a jego rolą. Dzięki tej fuzji modelka na portrecie wygląda tak, jakby była naprawdę żywa. Animacja modela w portrecie jest również jedną z cech składających się na niezmiennik portretu. Ponieważ portret jest zawsze w jakiś sposób podobny do autora, jednocześnie nie jest w jakiś sposób podobny do modela. Podobieństwo i niepodobieństwo są równie ważne dla portretu.

Po co powstaje portret, jaki jest jego zasadniczy cel?

Portret, który nie zamienia twarzy w „rzecz” i nie żyje tylko według jakichś zupełnie abstrakcyjnych praw formalnych, zawiera w sobie prawdę o indywidualności widza (zarówno modela, jak i autora). Dlatego poznawcza funkcja portretu jest istotną i konieczną cechą gatunku portretowego, jego „archetypem”. Nie koliduje to z innymi sposobami wykorzystania portretu (pamiątkowym, reprezentacyjnym, dekoracyjnym itp.) zgodnie z powszechną w historii sztuki typologią sztuki portretowej.

W przeciwieństwie do niezmiennika („archetypu”) kanoniczna struktura portretu nie dotyczy wszystkich epok, ale tylko niektórych: poprzez kanony, ich historyczną zmianę, następuje rozwój gatunku portretowego. Kanonu nie należy utożsamiać ze stemplem, jest to jedna z form rozwoju sztuki i jej gatunków. Wymagania kanonu dotyczą wszystkich poziomów formy, które w całości charakteryzują styl portretu. Na przykład styl awangardowego portretu z przełomu XIX i XX wieku. scharakteryzować takie cechy jak „martwa natura”, wyraz zasady rodzajowej (nie „ja”, lecz „MY”), autoekspresja, konstruktywne podobieństwo do wzorca, groteskowość jako wiodąca kategoria estetyczna. Wszystko to świadczy o kryzysie klasycznego kanonu gatunku portretowego w sztuce awangardowej, przy zachowaniu „archetypu”.

W rezultacie możemy podać następującą definicję gatunku portretowego w jego klasycznej postaci: portret odsłania prawdę o ludzkiej indywidualności z punktu widzenia kategorii estetycznej „poważny” oraz w ramach stylu malarskiego poprzez animowany obraz wyglądu zewnętrznego osoby (kompozycja obrazu jest taka, że ​​twarz i oczy znajdują się w centrum), wyrażająca refleksyjno-medytacyjny stan modelki i autora.

Zagłębie Jewgienija