Muzyka symfoniczna. Na lekcję muzyki Główny utwór muzyczny wykonuje orkiestra symfoniczna

Słowo „orkiestra” jest teraz znane każdemu uczniowi w wieku szkolnym. Tak nazywa się duża grupa muzyków, którzy wspólnie wykonują utwór muzyczny. Tymczasem w starożytnej Grecji termin „orkiestra” (z którego później powstało współczesne słowo „orkiestra”) oznaczał obszar przed sceną, na której znajdował się chór, nieodzowny uczestnik starożytnej tragedii greckiej. Później w tym samym miejscu zaczęła znajdować się grupa muzyków, która została nazwana „orkiestrą”.

Minęły wieki. A teraz samo słowo „orkiestra” nie ma określonego znaczenia. Obecnie istnieją różne orkiestry: dęte, folkowe, bajanowe, kameralne, pop-jazz itp. Ale żadna z nich nie wytrzyma konkurencji z „cudem dźwięku”; tak często i oczywiście całkiem słusznie nazywany orkiestrą symfoniczną.

Możliwości orkiestry symfonicznej są naprawdę nieograniczone. Do jego dyspozycji są wszystkie odcienie brzmienia od ledwo słyszalnych wibracji i szelestów po potężne grzmiące grzmoty. I nie chodzi nawet o samą rozpiętość dynamicznych odcieni (są one dostępne dla każdej orkiestry w ogóle), ale o tę zniewalającą ekspresję, która zawsze towarzyszy brzmieniu prawdziwych symfonicznych arcydzieł. Tu na ratunek przychodzą kombinacje barw, potężne falujące wzloty i spadki oraz ekspresyjne solowe sygnały i stopione „organowe” warstwy dźwięków.

Posłuchaj kilku przykładów muzyki symfonicznej. Przypomnij sobie bajeczny obraz słynnego rosyjskiego kompozytora A. Lyadova, niesamowity w swojej przenikliwej ciszy, „Magiczne jezioro”. Tematem obrazu jest tu natura w stanie nienaruszonym, statycznym. Podkreśla to także kompozytor w wypowiedzi o „Magicznym Jeziorze”: „Jakże malowniczo, czysto, z gwiazdami i tajemnicą w głębi! A co najważniejsze - bez ludzi, bez ich próśb i skarg - jedna martwa natura - zimna, zła, ale fantastyczna, jak w bajce. Jednak wynik Lyadova nie może być nazwany martwym lub zimnym. Wręcz przeciwnie, ociepla ją ciepłe, liryczne uczucie - rozedrgane, ale powściągliwe.

Znany radziecki muzykolog B. Asafiev napisał, że w tym „poetyckim, kontemplacyjnym obrazie muzycznym ... twórczość Lyadova obejmuje sferę lirycznego krajobrazu symfonicznego”. Na kolorową paletę „Magicznego Jeziora” składają się zawoalowane, przytłumione dźwięki, szelest, szelest, ledwo zauważalne pluski i fluktuacje. Przeważają tu delikatne ażurowe pociągnięcia. Nagromadzenie dynamiczne jest ograniczone do minimum. Wszystkie głosy orkiestrowe przenoszą niezależne obciążenie wizualne. Nie ma rozwoju melodycznego w prawdziwym tego słowa znaczeniu; oddzielne krótkie frazy-motywy błyszczą jak migoczące refleksy... Ladow, który potrafił z wyczuciem "słyszeć ciszę", z niezwykłą wprawą maluje obraz zaczarowanego jeziora - zadymiony, ale natchniony obraz, pełen bajecznego aromatu i czysty, czysty piękno. Taki pejzaż można było „narysować” jedynie przy pomocy orkiestry symfonicznej, bo żaden instrument i żaden inny „organizm orkiestrowy” nie jest w stanie oddać tak wyraźnego obrazu i znaleźć dla niego tak subtelnych barw i odcieni.

A oto przykład przeciwnego typu – finał słynnego „Poematu ekstazy” A. Skriabina. Kompozytor ukazuje w tym dziele różnorodność stanów i działań ludzkich w stałym i logicznie przemyślanym rozwoju; muzyka konsekwentnie oddaje bezwładność, przebudzenie woli, spotkanie z zagrażającymi siłami, walkę z nimi. Punkt kulminacyjny następuje po punkcie kulminacyjnym. Pod koniec wiersza napięcie rośnie, przygotowując nowy, jeszcze bardziej okazały przypływ. Epilog „Poematu ekstazy” zamienia się w olśniewający obraz o kolosalnym zasięgu. Na mieniącym się wszystkimi kolorami tle (organy połączone są z wielką orkiestrą) osiem rogów i trąbka radośnie głoszą główny temat muzyczny, którego dźwięczność na końcu osiąga nadludzką siłę. Żaden inny zespół nie może osiągnąć takiej potęgi i majestatu brzmienia. Tylko orkiestra symfoniczna jest w stanie tak bogato, a zarazem barwnie wyrazić zachwyt, ekstazę, szaleńczy przypływ uczuć.

„Magiczne jezioro” Lyadova i epilog „Poematu ekstazy” to niejako skrajne brzmienie i bieguny dynamiki w najbogatszej palecie dźwiękowej orkiestry symfonicznej.

Spójrzmy teraz na inny przykład. Druga część XI Symfonii D. Szostakowicza ma podtytuł „9 stycznia”. W nim kompozytor opowiada o strasznych wydarzeniach „Krwawej niedzieli”. I w tym momencie, kiedy okrzyki i jęki tłumu, salwy karabinów, żelazny rytm kroków żołnierza zlewają się w dźwiękowy obraz o niesamowitej sile i mocy, ogłuszający szkwał nagle się urywa... A w konsekwencji cisza, w „gwiżdżącym” szmerze instrumentów smyczkowych wyraźnie słychać cichy i żałobny śpiew chóru. Zgodnie z trafną definicją muzykologa G. Orłowa można odnieść wrażenie, że „jakby powietrze na Placu Pałacowym jęczało z żalu na widok dokonanego okrucieństwa”. Dysponując wyjątkowym talentem barwowym i błyskotliwymi umiejętnościami pisania instrumentalnego, D. Szostakowicz potrafił stworzyć iluzję brzmienia chóralnego za pomocą środków czysto orkiestrowych. Zdarzały się nawet przypadki, kiedy przy pierwszych wykonaniach XI Symfonii słuchacze podnosili się z miejsc, sądząc, że na scenie za orkiestrą jest chór…

Orkiestra symfoniczna jest również zdolna do przekazywania szerokiej gamy efektów naturalistycznych. Tak więc wybitny niemiecki kompozytor Richard Strauss w swoim poemacie symfonicznym Don Kichot, ilustrującym znany epizod z powieści Cervantesa, w zaskakujący sposób „wizualnie” przedstawił beczenie stada owiec w orkiestrze. W suicie francuskiego kompozytora Carnival of the Animals francuskiego kompozytora C. Saint-Saensa w dowcipny sposób oddawane są krzyki osłów, niezdarny chód słonia i niespokojny wołanie kur z kogutami. Francuz Paul Dukas w scherzo symfonicznym „Uczeń czarnoksiężnika” (napisanym na podstawie ballady o tym samym tytule autorstwa W. Goethego) znakomicie namalował obraz dzikiego żywiołu wody (pod nieobecność starego magika, ucznia postanawia zamienić miotłę w służącego: każe mu nosić wodę, która stopniowo zalewa cały dom ). Nie trzeba dodawać, ile efektów dźwiękonaśladowczych jest rozproszonych w muzyce operowej i baletowej; tu też są przekazywane za pomocą orkiestry symfonicznej, ale podyktowane najbliższą sytuacją sceniczną, a nie programem literackim, jak w utworach symfonicznych. Wystarczy przypomnieć takie opery jak Opowieść o carze Saltanie i Śnieżna Panna N. Rimskiego-Korsakowa, balet Pietruszka I. Strawińskiego itp. Fragmenty lub suity z tych utworów są często wykonywane na koncertach symfonicznych.

A ile wspaniałych, niemal wizualnych obrazów żywiołu morskiego można znaleźć w muzyce symfonicznej! Suita N. Rimskiego-Korsakowa „Szeherezada”, „Morze” C. Debussy'ego, uwertura „Morska cisza i wesołe pływanie” F. Mendelssohna, fantazje symfoniczne „Burza” P. Czajkowskiego i „Morze” A. Głazunow - lista takich prac jest bardzo duża. Na orkiestrę symfoniczną powstało wiele utworów przedstawiających obrazy przyrody lub zawierających celne szkice krajobrazowe. Wymieńmy przynajmniej Szóstą ("Pastoralną") symfonię L. Beethovena z obrazem nagłej burzy, która uderza mocą obrazu, symfoniczny obraz A. Borodina "W Azji Środkowej", symfoniczna fantazja A. Głazunowa " Las”, „scena w polu” z symfonii Fantastycznych G. Berlioza. Jednak we wszystkich tych utworach obraz natury zawsze kojarzy się ze światem emocjonalnym samego kompozytora, a także z ideą, która określa charakter kompozycji jako całości. Na ogół momenty opisowe, naturalistyczne, onomatopeiczne zajmują w płótnach symfonicznych bardzo mały udział. Co więcej, właściwa muzyka programowa, czyli konsekwentnie przekazująca jakąś literacką fabułę, również nie zajmuje czołowego miejsca wśród gatunków symfonicznych. Najważniejsze, czym może się poszczycić orkiestra symfoniczna, to bogata paleta różnorodnych środków wyrazu, są to kolosalne, wciąż niewyczerpane możliwości różnych kombinacji i zestawień instrumentów, to najbogatsze zasoby barwowe ze wszystkich tworzących się grup Orkiestra.

Orkiestra symfoniczna różni się znacznie od innych grup instrumentalnych tym, że jej skład jest zawsze ściśle określony. Weźmy na przykład liczne zespoły pop-jazzowe, które obecnie występują w obfitości niemal we wszystkich zakątkach globu. Wcale nie są do siebie podobne: liczba instrumentów (od 3-4 do dwóch tuzinów i więcej) i liczba uczestników również może być różna. Ale co najważniejsze, te orkiestry nie są podobne w brzmieniu. W niektórych dominują smyczki, w innych saksofony i instrumenty dęte; w niektórych zespołach główną rolę odgrywa fortepian (wspierany przez perkusję i kontrabas); różne orkiestry różnych krajów obejmują instrumenty narodowe itp. Tak więc w prawie każdej odmianie orkiestry czy jazzu nie trzymają się ściśle określonego składu instrumentalnego, ale swobodnie wykorzystują kombinacje różnych instrumentów. Dlatego ta sama praca brzmi inaczej w różnych pop-jazzowych grupach: każda z nich oferuje swoje własne specyficzne przetwarzanie. I to jest zrozumiałe: w końcu jazz jest sztuką, w zasadzie improwizacją.

Inne są też orkiestry dęte blaszane. Niektóre składają się wyłącznie z instrumentów dętych blaszanych (z obowiązkowym włączeniem perkusji). A większość z nich nie może obejść się bez instrumentów dętych drewnianych - fletów, obojów, klarnetów, fagotów. Orkiestry instrumentów ludowych również różnią się między sobą: rosyjska orkiestra ludowa nie jest podobna do kirgiskiej, a włoska do orkiestr ludowych krajów skandynawskich. I tylko orkiestra symfoniczna – największy organizm muzyczny – ma od dawna ustalony, ściśle określony skład. Dlatego utwór symfoniczny napisany w jednym kraju może być wykonany przez dowolną grupę symfoniczną w innym kraju. Dlatego język muzyki symfonicznej jest prawdziwie językiem międzynarodowym. Są używane od ponad dwóch stuleci. A on się nie starzeje. Co więcej, nigdzie nie ma tylu interesujących „wewnętrznych” zmian, jak we współczesnej orkiestrze symfonicznej. Z jednej strony, często uzupełniana nowymi barwami, orkiestra z roku na rok się bogaci, z drugiej zaś coraz bardziej wyrazista staje się jej główna rama, która ukształtowała się jeszcze w XVIII wieku. A czasami kompozytorzy naszych czasów, zwracając się do takiej „staromodnej” kompozycji, po raz kolejny udowadniają, jak wielkie są jej możliwości wyrazowe…

Być może tyle wspaniałej muzyki nie powstało dla żadnej z grup muzycznych! W genialnej galaktyce kompozytorów symfonicznych nazwiska Haydna i Mozarta, Beethovena i Schuberta, Mendelssohna i Schumanna, Berlioza i Brahmsa, Liszta i Wagnera, Griega i Dworzaka, Glinki i Borodina, Rimskiego-Korsakowa i Czajkowskiego, Rachmaninowa i Skriabina, Głazunowa i Taneyev, połysk, Mahler i Bruckner, Debussy i Ravel, Sibelius i R. Strauss, Strawiński i Bartok, Prokofiew i Szostakowicz. Ponadto orkiestra symfoniczna, jak wiadomo, jest niezastąpionym uczestnikiem przedstawień operowych i baletowych. A zatem do setek utworów symfonicznych należy dodać te fragmenty z oper i baletów, w których to orkiestra (a nie soliści, chór czy po prostu akcja sceniczna) gra pierwszoplanową rolę. Ale to nie wszystko. Oglądamy setki filmów, a większość z nich „udźwiękawia” orkiestra symfoniczna.

Radio, telewizja, płyty CD, a za ich pośrednictwem muzyka symfoniczna mocno wkroczyły w nasze życie. W wielu kinach przed seansami grają małe orkiestry symfoniczne. Takie orkiestry powstają również w przedstawieniach amatorskich. Innymi słowy, z ogromnego, niemal bezgranicznego oceanu muzyki, który nas otacza, dobra połowa jest w jakiś sposób związana z dźwiękiem symfonicznym. Symfonie i oratoria, opery i balety, koncerty instrumentalne i suity, muzyka teatralna i kinowa – wszystkie te (i wiele innych) gatunków po prostu nie może obejść się bez orkiestry symfonicznej.

Jednak błędem byłoby sądzić, że każdy utwór muzyczny może być wykonany w orkiestrze. Przecież wydawałoby się, że znając zasady i prawa instrumentacji, każdy kompetentny muzyk potrafi zaaranżować fortepian lub jakiś inny utwór, czyli ubrać go w jasny strój symfoniczny. Jednak w praktyce jest to stosunkowo rzadkie. To nie przypadek, że N. Rimsky-Korsakov powiedział, że instrumentacja jest „jedną ze stron duszy samej kompozycji”. Dlatego już rozważając pomysł, kompozytor liczy na pewną kompozycję instrumentalną. Dlatego na orkiestrę symfoniczną można napisać zarówno lekkie, bezpretensjonalne utwory, jak i okazałe, wielkoformatowe płótna.

To prawda, że ​​zdarzają się przypadki, kiedy utwór zyskuje drugie życie w nowej, symfonicznej wersji. Tak stało się z genialnym cyklem fortepianowym M. Musorgskiego „Obrazki z wystawy”: mistrzowsko zaaranżował go M. Ravel. (Były inne, mniej udane próby zorkiestrowania Obrazów z wystawy). Partytury oper M. Musorgskiego Borys Godunow i Chowanszczyna ożyły na nowo pod ręką D. Szostakowicza, który zrealizował ich nową wersję orkiestrową. Niekiedy w dorobku twórczym kompozytora pokojowo współistnieją dwie wersje tego samego utworu – solowo-instrumentalna i symfoniczna. Takich przykładów jest niewiele, ale są dość interesujące. „Pavane” Ravela istnieje zarówno w wersji fortepianowej, jak i orkiestrowej i obydwa żyją równym życiem koncertowym. Prokofiew zorkiestrował wolną część swojej IV Sonaty fortepianowej, czyniąc ją samodzielnym, czysto symfonicznym utworem. Kompozytor leningradzki S. Słonimski napisał cykl wokalny „Pieśni Wolnych Ludzi” oparty na tekstach ludowych; utwór ten ma również dwie wersje o równym znaczeniu artystycznym: jednej z akompaniamentem fortepianu, drugiej z akompaniamentem orkiestry. Najczęściej jednak kompozytor, rozpoczynając pracę, ma dobre wyobrażenie nie tylko o idei kompozycji, ale także o jej ucieleśnieniu barwowym. A takie gatunki jak symfonia, koncert instrumentalny, poemat symfoniczny, suita, rapsodia itp. są zawsze ściśle związane z brzmieniem orkiestry symfonicznej, można nawet powiedzieć, że są z nią nierozerwalnie związane.

Gatunek muzyczny(fr. gatunek muzyczny) jest pojęciem ogólnym, które obejmuje najistotniejsze właściwości i powiązania zjawisk świata sztuki, zespół cech formalnych i znaczeniowych dzieła. Wszystkie istniejące dzieła odzwierciedlają określone warunki, uczestnicząc jednocześnie w tworzeniu definicji pojęcia gatunku.

Arioso- mała aria o melodyjnym charakterze deklamacyjnym lub pieśniowym.

Aria- ukończony epizod w operze, operetce, oratorium lub kantacie w wykonaniu solisty z towarzyszeniem orkiestry.

Ballada- solowe kompozycje wokalne wykorzystujące teksty utworów poetyckich i zachowujące ich główne cechy; kompozycje instrumentalne.

Balet- rodzaj sztuki scenicznej, której treść ujawnia się w obrazach tanecznych i muzycznych.

Blues- jazzowa piosenka o smutnej, lirycznej treści.

Bylina- Rosyjska epicka piosenka ludowa.

Wodewil- wesołe przedstawienie teatralne z numerami muzycznymi. 1) rodzaj sitcomu z piosenkami dwuwierszowymi, romansami, tańcami; 2) ostatnia pieśń dwuwierszowa w spektaklu wodewilowym.

Hymn- uroczysta pieśń

Jazz- rodzaj muzyki improwizacyjnej, tanecznej.

Dyskoteka- styl muzyczny z uproszczoną melodią i twardym rytmem.

Wynalazek- krótki utwór muzyczny, w którym wszelkie oryginalne odnalezienie w dziedzinie rozwoju melodycznego, kształtowania jest niezbędne.

Sideshow- utwór muzyczny odtwarzany pomiędzy częściami utworu.

Intermezzo- małą sztukę w dowolnej formie, a także niezależny epizod w operze lub innym utworze muzycznym.

Kantata- duży utwór wokalno-instrumentalny o charakterze uroczystym, zwykle na solistów, chór i orkiestrę.

Kantylena- melodyjna, płynna melodia.

muzyka kameralna - (dosłownie "muzyka pokojowa"). utwory kameralne to albo utwory na instrumenty solowe: pieśni bez słów, wariacje, sonaty, suity, preludia, improwizacje, momenty muzyczne, nokturny lub różne zespoły instrumentalne: trio, kwartet, kwintet itp., w których uczestniczą odpowiednio trzy, cztery pięć instrumentów i wszystkie partie są równie ważne, wymagają starannego wykończenia od wykonawców i kompozytora.

kaprys- wirtuozowski utwór instrumentalny magazynu improwizacyjnego z nieoczekiwaną zmianą obrazów, nastrojów.

Koncert- utwór na jeden lub (rzadko) kilka instrumentów solowych i orkiestrę, a także publiczne wykonanie utworów muzycznych.

Madrigal- małe dzieło muzyczno-poetyckie o miłości i treści lirycznej w XIV-XVI wieku.

Marsz- utwór muzyczny o miarowym tempie, wyraźnym rytmie, zwykle towarzyszący procesowi zbiorowemu.

Musical- utwór muzyczny łączący elementy opery, operetki; balet, muzyka pop.

Nokturn- w XVIII - początku XIX wieku. wielogłosowy utwór instrumentalny, głównie na instrumenty dęte, wykonywany zazwyczaj wieczorem lub wieczorem w plenerze, z XIX wieku. mały liryczny utwór instrumentalny.

o tak- uroczysty utwór muzyczny poświęcony jakiemuś ważnemu wydarzeniu lub osobie.

Opera- dzieło muzyczno-dramatyczne oparte na syntezie słowa, akcji scenicznej i muzyki.

Operetka- muzyczna komedia sceniczna, zawierająca sceny wokalne i taneczne, akompaniament orkiestrowy i epizody konwersacyjne.

Oratorium- utwór na solistów, chór i orkiestrę, przeznaczony do wykonania koncertowego.

dom to styl i ruch w muzyce elektronicznej. house jest potomkiem stylów tanecznych wczesnej ery post-disco (electro, high energy, soul, funk itp.) główną różnicą między muzyką house jest powtarzający się rytm rytmiczny, zwykle w takcie 4/4 i samplowanie - praca z wstawkami dźwiękowymi, które od czasu do czasu powtarzają się w muzyce, częściowo pokrywając się z jej rytmem. jednym z najważniejszych współczesnych substylów house jest progresywny house.

chór - dzieło dla dużego zespołu śpiewaczego. Kompozycje chóralne dzielą się na dwie duże grupy - z akompaniamentem instrumentalnym (lub orkiestrowym) lub bez (a cappella).

Utwór muzyczny- kawałek poezji przeznaczony do śpiewania. jego forma muzyczna jest zwykle dwuwierszowa lub stroficzna.

potpourri- spektakl złożony z fragmentów kilku popularnych melodii.

Bawić się- gotowe dzieło muzyczne niewielkich rozmiarów.

Rapsodia- utwór muzyczny (instrumentalny) na tematy pieśni ludowych i opowieści epickich, jakby odtwarzający wykonanie rapsoda.

Msza żałobna- chór żałobny (msza żałobna).

Romans- utwór liryczny na głos z towarzyszeniem muzycznym.

R&B (Rhythm-N-Blues, English Rhythm & Blues)- To jest muzyczny styl gatunku piosenki i tańca. pierwotnie uogólniona nazwa muzyki masowej oparta na trendach bluesowych i jazzowych lat 30. i 40. XX wieku. obecnie skrótem rhythm and bluesa (z angielskiego r&b) jest określenie współczesnego rhythm and bluesa.

Rondo- utwór muzyczny, w którym główna część powtarza się kilkakrotnie.

Serenada- pieśń liryczna przy akompaniamencie lutni, mandoliny lub gitary, wykonywana na cześć ukochanej osoby.

Symfonia- utwór muzyczny na orkiestrę, napisany w formie cyklicznej sonaty, najwyższa forma muzyki instrumentalnej.

Symfoniczny Muzyka- w przeciwieństwie do kameralnej jest wykonywana w dużych salach i przeznaczona na orkiestrę symfoniczną. Utwory symfoniczne charakteryzują się głębią i wszechstronnością treści, często rozmachem skali, a jednocześnie przystępnością języka muzycznego.

Współbrzmienie- połączenie w jednoczesnym nagłośnieniu kilku dźwięków o różnej wysokości.

Sonata- utwór muzyczny składający się z trzech lub czterech części o różnym tempie i charakterze.

Sonatina- mała sonata

Zestaw- utwór na jeden lub dwa instrumenty z kilku niejednorodnych utworów połączonych wspólną ideą.

Symfoniczny Wiersz- gatunek muzyki symfonicznej wyrażający romantyczną ideę syntezy sztuk. poemat symfoniczny to jednoczęściowy utwór orkiestrowy, który dopuszcza różne źródła programowe (literatura i malarstwo, rzadziej filozofia czy historia; obrazy natury).

Toccata- wirtuozowski utwór muzyczny na instrument klawiszowy w szybkim ruchu i czystym tempie.

Ton- dźwięk o określonej wysokości.

Tush- krótkie powitanie muzyczne.

Uwertura to utwór orkiestrowy zaprojektowany jako wprowadzenie do opery, baletu, dramatu. pod względem wyobrażeń i formy wiele klasycznych uwertur jest zbliżonych do pierwszych części symfonii.

Fantazja jest utworem muzycznym w dowolnej formie.

Elegia- utwór muzyczny o smutnej naturze.

Etiuda- utwór muzyczny oparty na wirtuozowskich pasażach.

Praca diagnostyczna nad muzyką dla 6 klas

Instrukcja dla studentów.

Okres pracy diagnostycznej 1 lekcja.

Praca składa się z 3 części, w tym 14 zadań.

Część 1

Zadania 1-10

Każde pytanie ma trzy możliwe odpowiedzi, z których tylko jedna jest poprawna. Napisz poprawną literę w arkuszu odpowiedzi, zgodnie z numerem zadania.

Część 2

Zadania 11-12

Dobór prawidłowej odpowiedzi do terminu i jego definicji, autora muzyki i jego dzieła.

Napisz poprawną literę w arkuszu odpowiedzi, zgodnie z numerem zadania.

Część 3

Zadania 13-14

13. Na końcu zadania znajdują się słowa, które należy wstawić do tekstu zgodnie z ich znaczeniem. Zapisz te słowa na arkuszu odpowiedzi.

14. W arkuszu odpowiedzi należy podać szczegółowe wyjaśnienie.

Podczas wypełniania zadań możesz użyć wersji roboczej. Należy pamiętać, że wpisy w projekcie nie będą brane pod uwagę przy ocenie pracy.

Punkty otrzymane przez Ciebie za wszystkie wykonane zadania są sumowane. Postaraj się wykonać jak najwięcej zadań i zdobyć jak najwięcej punktów.

Życzymy powodzenia!

CzęśćI

1. Dzieła literackie, o których w czasach starożytnych zwyczajowo nie opowiadano, ale śpiewano:

a) zagadki

b) bajki;

c) eposy.

2. Utwór przeznaczony do śpiewania bez słów:

a) wokalizacja;

c) romans.

3. Uroczysta pieśń państwowa:

c) kantata.

4. Utwór na orkiestrę symfoniczną i instrument solowy:

a) koncert

c) symfonia.

5. Wybierz poprawną definicję słowa polifonia:

a) w tłumaczeniu z języka greckiego słowo to oznacza polifonię - rodzaj polifonii, która polega na jednoczesnym połączeniu dwóch lub więcej niezależnych melodii.

b) forma muzyczna składająca się z wielokrotnych powtórzeń głównej części - refren, z którym przeplatają się epizody.

c) forma muzyczna składająca się z tematu i jego zmodyfikowanych powtórzeń.

a) kompozytor M. I. Glinka i poeta W. Goethe

b) kompozytor MI Glinka i poeta A. Puszkin;

c) kompozytor PI Czajkowski i poeta A. Puszkin.

7. N. A. Rimsky-Korsakov napisał operę na 100. rocznicę A. S. Puszkina:

a) „Sadko”;

b) „Śnieżna Panna”;

c) „Opowieść o carze Saltanie”.

8. Konserwatorium w Petersburgu nosi imię:

a) MI Glinka;

b) N. A. Rimski-Korsakow;

c) PI Czajkowski.

9. Państwowa Kaplica Akademicka w Petersburgu nosi imię:

a) MI Glinka;

b) N. A. Rimski-Korsakow;

c) PI Czajkowski.

10. Z wymienionych nazwisk wybierz tylko nazwiska znanych Ci kompozytorów rosyjskich:

a) KI Chukovsky, A.S. Puszkin, N.V. Niekrasow;

b) F. Schubert, E. Grieg, L. Beethoven;

c) W.Kikta, W.Gavrilin, S.Rachmaninow.

CzęśćII

11. Ustal zgodność nazw środków wyrazu z ich definicjami:

12. Dopasuj tytuły utworów i kompozytorów:

CzęśćIII

Wstaw brakujące słowa zgodnie z ich znaczeniem:

W swoim dzienniku artysta V. Boris-Musatov pisze o przenikaniu się muzyki i malarstwa:

„Siedzę w domu i proszę ____________________ do siebie samego.

Zamiast ______________ mają wszystkie kolory. I _______________________________.

Moje marzenia są zawsze przed nami. Tworzą dla mnie całość _________________________.

Moje myśli to kolory, moje kolory to __________________.

Słowa: improwizacje, melodie, dźwięki, koncerty, symfonie.

Uzasadnij wybór słów-terminów.

I. Muzyka sceniczna

1. Opery

„Maddalena”, opera w jednym akcie, op. 13. Fabuła i libretto M. Lieven. 1913 (1911) "Gracz", opera w 4 aktach, 6 scenach, op. 24. Fabuła F. Dostojewskiego. Libretto S. Prokofiewa. 1927 (1915-16) „Miłość do trzech pomarańczy”, opera w 4 aktach, 10 scen z prologiem, op. 33. Libretto autorskie według Carlo Gozziego. 1919 „Ognisty anioł”, opera w 5 aktach, 7 scenach, op. 37. Fabuła V. Bryusowa. Libretto S. Prokofiewa. 1919-27 „Siemion Kotko”, opera w 5 aktach, 7 scen na podstawie opowiadania V. Kataeva „Jestem synem ludu pracującego”, op. 81. Libretto W. Katajewa i S. Prokofiewa. 1939 „Zaręczyny w klasztorze”, opera liryczno-komiczna w 4 aktach, 9 scen na podstawie sztuki Sheridana „Duenna”, op. 86. Libretto S. Prokofiewa, teksty wierszowe M. Mendelssohna. 1940 "Wojna i pokój ", opera w 5 aktach, 13 scen z chóralnym epigrafem-prologiem na podstawie powieści L. Tołstoja, op. 91. Libretto S. Prokofiewa i M. Mendelssohna. 1941-52 „Opowieść o prawdziwym człowieku”, opera w 4 aktach, 10 scen opartych na opowiadaniu B. Polevoya o tym samym tytule, op. 117. Libretto S. Prokofiewa i M. Mendelssohna-Prokofiewa. 1947-48 „Odległe morza”, opera liryczno-komiczna na podstawie sztuki V. Dykhovichnego „Podróż poślubna”. Libretto S. Prokofiewa i M. Mendelssohna-Prokofiewa. Nie skończony. 1948

2. Balety

„Opowieść o błaźnie (siedem błaznów, którzy zmienili dowcipy)”, balet w 6 odsłonach, op. 21. Opowieść A. Afanasiewa. Libretto S. Prokofiewa. 1920 (1915) „Stalowy Skok”, balet w 2 odsłonach, op. 41. Libretto G. Jakulowa i S. Prokofiewa. 1924 "Syn marnotrawny", balet w 3 aktach, op. 46. ​​​​Libretto B. Kokhno. 1928 „Nad Dnieprem”, balet w 2 odsłonach, op. 50. Libretto S. Lifara i S. Prokofiewa. 1930 "Romeo i Julia ", balet w 4 aktach, 10 scen, op. 64. Fabuła W. Szekspira. Libretto S. Radłowa, A. Piotrowskiego, L. Ławrowskiego i S. Prokofiewa. 1935-36 "Kopciuszek", balet w 3 aktach, op. 87. Libretto N. Volkova. 1940-44 „Opowieść o Kamiennym Kwiecie”, balet w 4 aktach na podstawie baśni P. Bazhova, op. 118. Libretto L. Ławrowskiego i M. Mendelssohn-Prokofiewej. 1948-50

3. Muzyka do spektakli teatralnych

„Noce egipskie”, muzyka do spektaklu Teatru Kameralnego w Moskwie wg W. Szekspira, B. Shawa i A. Puszkina na małą orkiestrę symfoniczną. 1933 „Borys Godunow”, muzyka do niezrealizowanego spektaklu w teatrze. V. E. Meyerhold w Moskwie na wielką orkiestrę symfoniczną op. 70 bis. 1936 „Eugeniusz Oniegin”, muzyka do niezrealizowanego spektaklu Teatru Kameralnego w Moskwie na podstawie powieści A. Puszkina w inscenizacji S. D. Krzhizhanovsky'ego, op. 71. 1936 "Mała wioska", muzyka do sztuki wystawionej przez S. Radłowa w Leningradzkim Teatrze Dramatycznym na małą orkiestrę symfoniczną op. 77. 1937-38

4. Muzyka filmowa

„Porucznik Kizhe”, muzyka filmowa na małą orkiestrę symfoniczną. 1933 „Królowa pikowa”, muzyka do niezrealizowanego filmu na wielką orkiestrę symfoniczną op. 70. 1938 „Aleksander Newski”, muzyka filmowa na mezzosopran, chór mieszany i dużą orkiestrę symfoniczną. Wyreżyserowane przez SM Eisensteina. 1938 „Lermontow”, muzyka filmowa na wielką orkiestrę symfoniczną. Reżyseria: A. Gendelstein. 1941 „Tonya”, muzyka do filmu krótkometrażowego (nie wydanego) na dużą orkiestrę symfoniczną. Wyreżyserowane przez A. Room. 1942 „Kotowski”, muzyka filmowa na wielką orkiestrę symfoniczną. Wyreżyserowane przez A. Feintsimmera. 1942 „Partyzanci na stepach Ukrainy”, muzyka filmowa na wielką orkiestrę symfoniczną. Reżyseria I. Savchenko. 1942 „Iwan Groźny”, muzyka filmowa na mezzosopran i wielką orkiestrę symfoniczną op. 116. Reżyseria SM Eisenstein. 1942-45

II. Muzyka wokalna i wokalno-symfoniczna

1. Oratoria i kantaty, chóry, suity

Dwa wiersze na chór żeński i orkiestrę do słów K. Balmonta, op. 7. 1909 „Siedem z nich” do tekstu K. Balmonta „Zew starożytności”, kantata na tenor dramatyczny, chór mieszany i wielką orkiestrę symfoniczną, op. 30. 1917-18 Kantata na 20-lecie października na orkiestrę symfoniczną, orkiestrę wojskową, orkiestrę akordeonową, orkiestrę perkusyjną i dwa chóry do tekstów Marksa, Lenina i Stalina op. 74. 1936-37 „Pieśni naszych dni”, suita na solistów, chór mieszany i orkiestrę symfoniczną op. 76. 1937 „Aleksander Newski”, kantata na mezzosopran (solo), chór mieszany i orkiestrę op. 78. Słowa W. Ługowskiego i S. Prokofiewa. 1938-39 "Toast", kantata na chór mieszany z towarzyszeniem orkiestry symfonicznej op. 85. Teksty ludowe: rosyjski, ukraiński, białoruski, mordowski, kumycki, kurdyjski, mari. 1939 „Ballada o chłopcu, który pozostaje nieznany”, kantata na sopran, tenor, chór i orkiestrę op. 93. Słowa P. Antokolskiego. 1942-43 Szkice do hymnu Związku Radzieckiego i hymnu RSFSR, op. 98. 1943 „Rozkwitaj, potężna kraina”, kantata na 30. rocznicę Wielkiej Socjalistycznej Rewolucji Październikowej na chór mieszany i orkiestrę op. 114. Tekst E. Dolmatovsky'ego. 1947 „Zimowe ognisko”, suita dla czytelników, chór chłopięcy i orkiestra symfoniczna do słów S. Ya Marshaka, op. 122. 1949 „Strzeż świata”, oratorium na mezzosopran, recytatorów, chór mieszany, chór chłopięcy i orkiestrę symfoniczną do słów S. Ya Marshaka, op. 124. 1950

2. Na głos z fortepianem

Dwa wiersze A. Apukhtina i K. Balmont na głos z fortepianem op. 9. 1910-11 "Brzydka kaczka"(Bajka Andersena) na głos i fortepian op. 18. 1914 Pięć wierszy na głos z fortepianem., op. 23. Słowa V. Goryansky, 3. Gippius, B. Verin, K. Balmont i N. Agnivtsev. 1915 Pięć wierszy A. Achmatowej na głos i fortepian., op. 27. 1916 Pięć pieśni (bez słów) na głos i fortepian., op. 35. 1920 Pięć wierszy K. Balmonta na głos i fortepian., op. 36. 1921 Dwie piosenki z filmu „Porucznik Kizhe” na głos i fortepian., op. 60 bis. 1934 Sześć pieśni na głos z fortepianem., op. 66. Słowa M. Golodny, A. Afinogenov, T. Sikorskaya i folk. 1935 Trzy piosenki dla dzieci na głos z fortepianem., op. 68. Słowa A. Barto, N. Sakonskaya i L. Kvitko (tłumaczenie S. Michałkowa). 1936-39 Trzy romanse do słów A. Puszkina na głos i fortepian., op. 73. 1936 „Aleksander Newski”, trzy piosenki z filmu(słowa B. Ługowski), op 78. 1939 Siedem pieśni na głos z fortepianem., op. 79. Słowa A. Prokofiewa, A. Blagova, M. Svetlova, M. Mendelssohna, P. Panchenko, bez nazwiska autora i ludu. 1939 Siedem pieśni mszalnych na głos z fortepianem., op. 89. Słowa V. Majakowskiego, A. Surkowa i M. Mendelssohna. 1941-42 Aranżacje rosyjskich pieśni ludowych na głos i fortepian., op. 104. Słowa ludowe. Dwa zeszyty, 12 piosenek. 1944 Dwa duety, aranżacje rosyjskich pieśni ludowych na tenor i bas z fortepianem., op. 106. Tekst ludowy, nagrany przez E. V. Gippiusa. 1945 Pieśń żołnierska op. 121. Słowa W. Ługowskiego. 1950

III. Na orkiestrę symfoniczną

1. Symfonie i symfoniety

Symfonieta A-dur op. 5, w 5 częściach. 1914 (1909) Klasyczna (pierwsza) symfonia D-dur, op. 25, w 4 częściach. 1916-17 Druga symfonia d-moll op. 40, w 2 częściach. 1924 III Symfonia c-moll, op. 44, w 4 częściach. 1928 Symfonieta A-dur op. 48, w 5 częściach (wydanie trzecie). 1929 Czwarta symfonia C-dur, op 47, w 4 częściach. 1930 Piąta symfonia B-dur, op. 100. w 4 częściach. 1944 Szósta symfonia es-moll, op. 111. w 3 częściach. 1945-47 Czwarta symfonia C-dur, op. 112, w 4 częściach. Druga edycja. 1947 VII Symfonia cis-moll, op. 131, w 4 częściach. 1951-52

2. Inne utwory na orkiestrę symfoniczną

„Sny”, obraz symfoniczny na wielką orkiestrę op. 6. 1910 "Jesień", szkic symfoniczny na małą orkiestrę symfoniczną op. 8. 1934 (1915-1910) „Ala i Lolly”, suita scytyjska na wielką orkiestrę symfoniczną op. 20, w 4 częściach. 1914-15 "Błazen", suita z baletu na wielką orkiestrę symfoniczną op. 21 bis, w 12 częściach. 1922 Andante z IV Sonaty na fortepian., transkrypcja autora na orkiestrę symfoniczną, op. 29bis. 1934 „Miłość do trzech pomarańczy”, suita symfoniczna z opery, op. 33 bis, w 6 częściach. 1934

Uwertura na tematy żydowskie, transkrypcja autora na orkiestrę symfoniczną, op. 34. 1934

„Stalowy Skok”, suita symfoniczna z baletu op. 41bis. w 4 częściach. 1926 Uwertura na flet, obój, 2 klarnety, fagot, 2 trąbki, puzon, czelestę, 2 harfy, 2 fortepiany, wiolonczelę, 2 kontrabasy i perkusję B-dur op. 42. Dwie wersje: na 17-osobową orkiestrę kameralną i na dużą orkiestrę (1928). 1926 Divertimento na orkiestrę, op. 43, w 4 częściach. 1925-29 „Syn marnotrawny”, suita symfoniczna z baletu, op. 46 bis, w 5 częściach. 1929 Andante z kwartetu h-moll, w opracowaniu autora na orkiestrę smyczkową, op. 50 bis. 1930 Cztery portrety i rozwiązanie z opery Hazardzista, suita symfoniczna na dużą orkiestrę op. 49. 1931 Suita z baletu „Nad Dnieprem” na dużą orkiestrę, op. 51 bis, w 6 częściach. 1933 Pieśń symfoniczna na dużą orkiestrę, op. 57. 1933 „Porucznik Kizhe”, suita symfoniczna z muzyki filmowej, op. 60, w 5 częściach. 1934 "Noce egipskie", suita symfoniczna z muzyki do spektaklu w Moskiewskim Teatrze Kameralnym, op. 61, w 7 częściach. 1934 Romeo i Julia, pierwsza suita z baletu na wielką orkiestrę symfoniczną op. 64 bis, w 7 częściach. 1936 „Romeo i Julia”, druga suita z baletu na wielką orkiestrę symfoniczną op. 64 ter, w 7 ruchach. 1936 "Piotruś i Wilk", symfoniczna bajka dla dzieci na recytatora i wielką orkiestrę symfoniczną op. 67. Słowa S. Prokofiewa. 1936 Uwertura rosyjska na orkiestrę symfoniczną, op. 72. Dwie opcje: dla kompozycji poczwórnej i dla kompozycji potrójnej. 1936 "Letni dzień", suita dziecięca na małą orkiestrę op. 65 bis, w 7 częściach. 1941 „Siemion Kotko”, suita na orkiestrę symfoniczną, op. 81 bis, w 8 częściach. 1941 Marsz symfoniczny B-dur na dużą orkiestrę op. 88. 1941 „1941 rok”, suita symfoniczna na dużą orkiestrę op. 90, w 3 częściach. 1941 „Oda do końca wojny” na 8 harf, 4 fortepiany, orkiestrę instrumentów dętych i perkusyjnych oraz kontrabasy op. 105. 1945 „Romeo i Julia”, trzecia suita z baletu na wielką orkiestrę symfoniczną op. 101, w 6 częściach. 1946 „Kopciuszek”, pierwsza suita z baletu na wielką orkiestrę symfoniczną op. 107, w 8 częściach. 1946 „Kopciuszek”, druga suita z baletu na wielką orkiestrę symfoniczną op. 108, w 7 częściach. 1946 „Kopciuszek”, trzecia suita z baletu na wielką orkiestrę symfoniczną op. 109, w 8 częściach. 1946 Walce, suita na orkiestrę symfoniczną, op. 110. 1946 Wiersz wakacyjny ( „Trzydzieści lat”) na orkiestrę symfoniczną op. 113. 1947 Walce Puszkina na Orkiestrę Symfoniczną, op. 120. 1949 "Letnia noc", suita symfoniczna z opery Zaręczyny w klasztorze op. 123, w 5 częściach. 1950 „Opowieść o Kamiennym Kwiecie”, suita weselna z baletu na orkiestrę symfoniczną op. 126, w 5 częściach. 1951 „Opowieść o Kamiennym Kwiecie”, cygańska fantazja z baletu na orkiestrę symfoniczną op. 127. 1951 „Opowieść o Kamiennym Kwiecie”, Ural Rhapsody z baletu na orkiestrę symfoniczną op. 128. 1951 Świąteczny wiersz „Spotkanie Wołgi z Donem” na orkiestrę symfoniczną op. 130. 1951

IV. Koncerty z orkiestrą

Pierwszy koncert na fortepian. z orkiestrą Des-dur, op. 10, pojedyncza sztuka. 1911-12 Drugi koncert na fortepian. z orkiestrą g-moll, op. 16, w 4 częściach. 1923 (1913) Pierwszy koncert na skrzypce i orkiestrę D-dur, op. 19, w 3 częściach. 1916-17 Trzeci koncert na fortepian. z orkiestrą C-dur, op. 26, w 3 częściach. 1917-21 Czwarty koncert na fortepian. z orkiestrą na lewą rękę B-dur, op. 53, w 4 częściach. 1931 V koncert na fortepian z orkiestrą G-dur, op. 55, w 5 częściach. 1932 Koncert na wiolonczelę i orkiestrę e-moll op. 58, w ​​3 częściach. 1933-38 II Koncert na skrzypce i orkiestrę g-moll. op. 63, w 3 częściach. 1935 Symfonia-koncert na wiolonczelę i orkiestrę e-moll. op. 125, w 3 częściach. 1950-52 Concertino na wiolonczelę i orkiestrę g-moll, op. 132. w 3 częściach. Zakończony po śmierci S. Prokofiewa przez M. Rostropowicza. 1952 Koncert na 2 fortepiany i orkiestrę smyczkową, op. 133, w 3 częściach. Nie skończony. 1952

V. Dla orkiestry dętej

Cztery marsze, op. 69. 1935-37 Marzec B-dur op. 99. 1943-44

VI. Na zespoły instrumentalne

Humorystyczne scherzo na 4 fagoty, op. 12bis. 1912 Uwertura na tematy żydowskie na klarnet, 2 skrzypiec, altówkę, wiolonczelę i fortepian. c-moll, op. 34. 1919 Kwintet na obój, klarnet, skrzypce, altówkę i kontrabas g-moll, op. 39, w 6 częściach. 1924 Kwartet na 2 skrzypiec, altówkę i wiolonczelę h-moll op. 50, w 3 częściach. 1930 Sonata na 2 skrzypiec C-dur, op. 56, w 4 częściach. 1932 Pierwsza sonata na skrzypce i fortepian. f-moll, op. 80, w 4 częściach. 1938-46 II kwartet (na tematy kabardyjskie) na 2 skrzypiec, altówkę i wiolonczelę F-dur op. 92, w 3 częściach. 1941 Sonata na flet i fortepian. D-dur, op. 94, w 4 częściach. 1943 Druga sonata na skrzypce i fortepian.(transkrypcja sonaty na flet i fortepian) D-dur op. 94bis. 1943-44 Sonata na wiolonczelę i fortepian. C-dur, op. 119, w 3 częściach. 1949

VII. na fortepian

1. Sonaty, sonaty

Pierwsza sonata na fortepian. f-moll, op. 1, w jednym kawałku. 1909 (1907) Druga sonata na fortepian. d-moll op. 14, w 4 częściach. 1912 Trzecia sonata na fortepian. a-moll op. 28, w jednej części (ze starych zeszytów). 1917 (1907) Czwarta sonata na fortepian. c-moll, op. 29, w 3 częściach (ze starych zeszytów). 1917 (1908) Piąta sonata na fortepian. C-dur, op. 38, w 3 częściach. 1923 Dwie sonatyny dla fp. e-moll op. 54, w 3 częściach i G-dur w 3 częściach. 1931-32 Szósta sonata na fortepian. A-dur, op. 82, w 4 częściach. 1939-40 Siódma sonata na fortepian. B-dur, op. 83, w 3 częściach. 1939-42 Ósma sonata na fortepian. B-dur, op. 84, w 3 częściach. 1939-44 Dziewiąta sonata na fortepian. C-dur, op. 103, w 4 częściach. 1947 Piąta sonata na fortepian. C-dur, op. 135, w 3 częściach: (nowe wydanie). 1952-53 Dziesiąta sonata na fortepian. e-moll op. 137. Szkic ekspozycji (44 takty). 1953

2. Inne utwory na fortepian

Cztery etiudy na fortepian., op. 2. 1909 Cztery utwory na fortepian., op. 3. 1911 (1907-08) Cztery utwory na fortepian., op. 4. 1910-12 (1908) Toccata na fortepian d-moll op. 11. 1912 Dziesięć utworów na fortepian., op. 12. 1913 Sarkazmy, pięć utworów na fortepian, op. 17.1912-14 krótkotrwałość, dwadzieścia utworów na fortepian, op. 22. 1915-17 Opowieści starej babci, cztery utwory na fortepian, op. 31. 1918 Cztery utwory na fortepian., op. 32. 1918 Walce Schuberta wybrane i połączone w suitę, transkrypcja dla 2 f-p. w 4 ręce. 1918 Preludium organowe i fuga w d-moll D. Buxtehude, transkrypcja na fortepian. 1918 „Miłość do trzech pomarańczy”, 2 fragmenty opery, transkrypcja koncertowa na fortepian. autor, op. 33 ter. Rok powstania nieznany „Rzeczy same w sobie”, dwa utwory na fortepian, op. 45. 1928 Sześć utworów na fortepian., op. 52. 1930-31 Trzy utwory na fortepian., op. 59. 1934 Myśli, trzy utwory na fortepian., op. 62. 1933-34 muzyka dla dzieci, dwanaście łatwych utworów na fortepian, op. 65. 1935 „Romeo i Julia”, dziesięć utworów na fortepian., op. 75. 1937 Divertimento w opracowaniu autora na fortepian., op. 43bis. 1938 Gawot nr 4 z muzyki do spektaklu „Hamlet” na fortepian., op. 77bis. 1938 Trzy utwory z baletu „Kopciuszek” na fortepian., op. 95. 1942 Trzy utwory na fortepian., op. 96. 1941-42 Dziesięć utworów z baletu „Kopciuszek” na fortepian., op. 97. 1943 Sześć utworów z baletu „Kopciuszek” na fortepian., op. 102. 1944

VIII. na skrzypce

Pięć melodii na skrzypce i fortepian., op. 35 bis. 1925 Sonata na skrzypce solo D-dur, op. 115, w 3 częściach. 1947

IX. na wiolonczelę

Ballada na wiolonczelę i fortepian. c-moll, op. 15. 1912 Adagio z baletu „Kopciuszek” na wiolonczelę i fortepian., op. 97bis. 1944

Uwagi

Kategorie:

• Wykazy utworów muzycznych
- sowiecki kompozytor, pianista i dyrygent, Artysta Ludowy RFSRR (1947). Urodzony w rodzinie agronoma. Zaczął uczyć się muzyki w wieku 5 lat poniżej ... ...

I Prokofiew Aleksander Andriejewicz, rosyjski poeta sowiecki, Bohater Pracy Socjalistycznej (1970). Członek KPZR od 1919 r. Pierwsze kolekcje ... ... Wielka radziecka encyklopedia

Środki muzycznej ekspresji

Gatunki muzyki:

Gatunek muzyczny(w tłumaczeniu z francuskiego - rodzaj, typ, sposób) - forma sztuki z pewną, historycznie

ustalone cechy.

1. gatunek wokalno-chóralny- obejmuje prace stworzone na potrzeby spektaklu

kantata, oratorium, msza itp.

1. gatunek instrumentalny- obejmuje utwory stworzone do wykonania na różnych instrumentach muzycznych: spektakl, cykl instrumentalny - suita, sonata, koncert, zespół instrumentalny (trio, kwartet, kwintet) itp.
2. gatunek teatru muzycznego- obejmuje utwory stworzone do występów w teatrze: opera, operetka, balet, muzyka do spektakli dramatycznych.
3. gatunek symfoniczny- obejmuje utwory napisane na orkiestrę symfoniczną: utwór symfoniczny, suitę, uwerturę, symfonię itp.

Elementy mowy muzycznej:

1. Melodia(w tłumaczeniu z greki - pieśń) - myśl muzyczna wyrażona jednym głosem.

Rodzaje melodii:

Kantylena (śpiew) - spokojna melodia

Melodia wokalna to melodia stworzona do wykonania przez głos.

Melodia instrumentalna to melodia stworzona do grania na instrumencie muzycznym.

2. Chłopak(przetłumaczone ze słowiańskiego - harmonia, harmonia, porządek, pokój) - związek

dźwięki muzyczne, ich spójność i koherencja. Na wiele sposobów

Najpowszechniej używane są major i minor.

1. Harmonia(w tłumaczeniu z greki - proporcjonalność, połączenie) - łączenie dźwięków w spółgłoski i ich

relacja. (Innym znaczeniem słowa harmonia jest nauka o akordach).

1. Metr(w tłumaczeniu z greki - miara) - ciągła i jednolita przemiana akcji silnych i słabych. Rozmiar - cyfrowe oznaczenie licznika.

Liczniki podstawowe: dwuczęściowy (polka, galop, ecossaise),

potrójny (polonez, menuet, mazurek, walc), poczwórny (marsz, gawot).

1. Rytm(w tłumaczeniu z języka greckiego - proporcjonalność) - naprzemienność czasów trwania, dźwięków i przerw.

Rodzaje rytmu:

Nawet - rzadka zmiana czasu trwania z przewagą tego samego.

Kropkowany (w tłumaczeniu z łaciny - kropka) - grupa dwóch dźwięków, z których jeden jest trzykrotnie krótszy od drugiego (ósmy z kropką i szesnasty).

Synkopacja (w tłumaczeniu z greki - pominięcie, redukcja) - niedopasowanie akcentów rytmicznych i dynamicznych do metryki. (przesunięcie silnego rytmu do słabego).

Ostinato (w tłumaczeniu z włoskiego - uparty, uparty) - wielokrotnie powtarzany

zwrot rytmiczny lub melodyczny.

6. Zasięg(w tłumaczeniu z greki - przez wszystko) - odległość od najniższego do najwyższego

dźwięk, jaki może wydawać instrument lub głos.

1. Zarejestrować- część zakresu dźwiękowego instrumentu muzycznego lub głosu, zawierająca

brzmi podobnie kolorystycznie (rozróżnia rejestry górne, środkowe i dolne).

1. Dynamika- siła dźwięku, jego głośność. dynamiczne odcienie - specjalne warunki

określenie stopnia głośności utworu muzycznego.

1. Tempo(w tłumaczeniu z łaciny - czas) - szybkość muzyki. W utworach muzycznych

tempo jest określone specjalnymi warunkami.

1. Właz(w tłumaczeniu z włoskiego - kierunek, linia) - sposób na wydobywanie dźwięku podczas śpiewu, gry na instrumentach muzycznych.

Podstawowe pociągnięcia:

Legato - spójnie, płynnie

Staccato - szarpane, ostre

Non legato - separowanie każdego dźwięku

1. Tekstura(w tłumaczeniu z łaciny - obróbka, urządzenie) - muzyczna tkanka dzieła,

sposób wyrażania muzyki. Elementy faktury: melodia, akordy, basy, głosy średnie,

Główne rodzaje faktur:

Monody (przetłumaczone z greki - pieśń jednego śpiewaka) - monofonia lub jedna melodyjka

Tekstura polifoniczna (w tłumaczeniu z greckiego - wiele dźwięków) - ma tkankę muzyczną

składa się z kombinacji kilku głosów melodycznych. Każdy głos jest

samodzielna melodia.

Tekstura homofoniczno-harmoniczna lub homofonia (w tłumaczeniu z greki - główny lider)

dźwięk) - wyraźnie odróżnia głos prowadzący - melodię, oraz pozostałe głosy

towarzyszyć.

rodzaje akompaniamentu:

figuracje akordowe, basowo-akordowe, harmoniczne.

Faktura akordowa to sekwencja akordów, w której wyższy głos

to melodia.

1. Tembr(przetłumaczone z francuskiego - etykieta, charakterystyczny znak) - specjalna kolorystyka dźwięku musicalu

oktawy. Wykonawcy: Tamara Milashkina, Galina Vishnevskaya, Montserrat Caballe i inni.

Odmiana sopranu - Sopran koloraturowy.

Koloratura(w tłumaczeniu z języka włoskiego - dekoracja) - szybkie pasaże wirtuozowskie i melizmaty,

służący do dekoracji solowej partii wokalnej.

Mezzosopran - przeciętny kobiecy głos śpiewający z zakresem „la” małej oktawy - „la”

(„si flat”) drugiej oktawy. Wykonawcy: Nadieżda Obuchowa, Irina Arkhipowa,

Elena Obrazcowa i inni.

Kontralto - najniższy głos żeński śpiewający z zakresem „fa” małej oktawy - „fa”

druga oktawa. Wykonawcy: Tamara Sinyavskaya i inni.

Wykonawcy: Leonid Sobinov, Sergey Lemeshev, Ivan Kozlovsky, Vadim Kozin, Enrico

Caruso, Placido Domingo, Luciano Pavarotti, Jose Careras i inni.

oktawy. Wykonawcy: Yuri Gulyaev, Dmitry Hvorostovsky, Tita Ruffo i inni.

Wykonawcy: Fedor Chaliapin, Boris Shtokolov, Evgeny Nesterenko i inni.

muzyka wokalna

Utwory wokalne mogą być wykonywane z akompaniamentem na instrumentach muzycznych oraz bez akompaniamentu - a cappella.

Muzyka wokalna może być wykonywana:

Solo - przez jednego piosenkarza

Zespół wokalny - duet (2), trio (3), kwartet (4) itd.

Chór - duża grupa wykonawców od 15 osób.

Chóry

chóry mogą różnić się składem wykonawców:

Męskie

damskie

Kochanie

mieszany

chóry mogą różnić się sposobem wykonania:

Akademicki - wykonywanie muzyki klasycznej i utworów współczesnych, śpiew

„zakryty” „okrągły” dźwięk.

Folk - śpiew w sposób szczególny z "otwartym" dźwiękiem.

Gatunki muzyki wokalnej

Utwór muzyczny - najbardziej rozpowszechniony gatunek muzyki wokalnej.

Wśród ludzi rodziły się i żyły pieśni ludowe. Nikt nie nagrywał ustnie przekazywanych z pokolenia na pokolenie. Wykonawca był jednocześnie twórcą: wnosił do każdej piosenki coś nowego. Najbardziej znanymi rodzajami twórczości pieśni ludowej są kołysanki, piosenki dla dzieci, dowcipy, taniec, komiks, okrągły taniec, gra, praca, rytualna, historyczna, eposy, piosenki liryczne.

Pieśń masowa jako gatunek zaczęła się rozwijać od lat 20. XX wieku. Pieśni masowe są bliskie pieśniom ludowym, bo każdy je kocha i zna, często śpiewają po swojemu, nieco zmieniając melodię i nie znając nazwiska poety i kompozytora. Etapy rozwoju pieśni masowej: pieśni wojny domowej, pieśni lat 30., pieśni Wielkiej Wojny Ojczyźnianej itp.

Popowe piosenki rozpowszechniły się w drugiej połowie XX wieku. Wykonywane są z

wykonawcy sceniczni to profesjonaliści.

Pieśni autorskie (bardów) największą popularność zdobyły w latach 60. XX wieku. W piosence autora poeta, kompozytor i wykonawca przedstawieni są w jednej osobie. Jego najwybitniejszymi przedstawicielami są Władimir Wysocki, Bułat Okudżawa, Aleksander Rosembaum, Segey Nikitin i inni.

Romans - praca wokalna na głos z akompaniamentem.

Romanse pojawiły się w Hiszpanii, skąd rozprzestrzeniły się po całej Europie. Do Rosji przybyli w XIX wieku z Francji i po raz pierwszy wykonywano je tylko po francusku. Utwory wokalne w tekście rosyjskim nazwano „pieśniami rosyjskimi”.

Z biegiem czasu znaczenie słowa „romans” rozszerzyło się. Romans zaczęto nazywać utworem na głos z akompaniamentem, napisanym w formie bardziej złożonej niż pieśń. W pieśniach powtarzają się melodie zwrotki i refrenu, odzwierciedlając ogólną treść tekstu. W romansie melodia, zmieniająca się, elastycznie podąża za słowem. Ogromną rolę odgrywa akompaniament (najczęściej partia fortepianu)

Kantata i oratorium.

W kościele powstał gatunek oratoryjny. W Rzymie pod koniec XVI wieku, kiedy wierzący katolicy zaczęli gromadzić się w specjalnych pomieszczeniach przy kościele – oratoriach – aby czytać i interpretować Biblię. Ich kazaniom towarzyszyła muzyka. W ten sposób powstały specjalne dzieła o tematyce biblijnej dla solistów, chóru i zespołu instrumentalnego - oratoria. W XVIII wieku pojawiły się oratoria świeckie, m.in. przeznaczone do wykonania koncertowego. Ich pierwszym twórcą jest G.F. Haendel. Należy pamiętać, że w przeciwieństwie do opery w oratorium nie ma akcji teatralnej.

W XVII w. pojawił się gatunek podobny do oratorium - kantata - utwór koncertowo-wokalny o charakterze lirycznym, gratulacyjnym lub powitalnym, składający się z arii i recytatywów. Wykonywane przez solistów lub chór z towarzyszeniem orkiestry. (różnica od oratorium - brak fabuły)

J.S. Bach napisał wiele wspaniałych kantat.

Obecnie rozróżnienie między oratorium a kantatą jest zatarte:

Teraz są to duże, wieloczęściowe dzieła wokalne i symfoniczne, których głównymi tematami są: gloryfikacja Ojczyzny, wizerunki bohaterów, heroiczna przeszłość ludu, walka o pokój itp.

Aria - najjaśniejszy solowy numer w operze.

To wokalny monolog, w którym bohater jest najpełniej i najszerzej scharakteryzowany, a jego muzyczny portret narysowany. W klasycznej operze aria ma bardziej złożoną formę niż pieśń.

Odmiany arii to: arioso, arietta, cavatina.

Arie operowe są zwykle poprzedzone recytatywem.

Recytatyw - rodzaj muzyki wokalnej opartej na intonacjach mowy.

Jest zbudowany swobodnie, zbliżając się do mowy.

Masa - wieloczęściowe dzieło muzyki kościelnej na chór, solistów z instrumentem

eskorta

Msza jest pamiątką cierpienia, śmierci na krzyżu i zmartwychwstania Chrystusa. Istnieje sakrament chrześcijański - dziękczynienie, a chleb i wino zamieniają się w Ciało i Krew Chrystusa.

Msza składa się z obowiązkowych śpiewów:

Kirie eleison - Panie, zmiłuj się

Gloria - chwała Bogu na wysokościach

Credo - wierzę

Sanctus - święty

Benedictus - błogosławiony

Agnus Dei – Baranek Boży (przypomnienie tradycji składania w ofierze baranka, bo Chrystus poświęcił się również)

Połączone razem, te hymny jednocześnie pokazują obraz Boga i opowiadają o uczuciach, jakich człowiek doświadcza przed Bogiem.

Muzyka instrumentalna

Zespół instrumentalny

(Ensemble - łącznie, wg)

Widelec - instrument w postaci dwuzębnego widelca, który wydaje jeden dźwięk „la”.

Wynaleziony w 1711 roku przez Johna Shore'a.

Za pomocą kamertonu wszyscy muzycy dostrajają swoje instrumenty do wspólnego grania.

Zespoły kameralne (od łacińskiego słowa camera - czyli pokój) - małe, stabilne typy zespołów, w których instrumenty dobrze równoważą się w brzmieniu.

Najpopularniejszymi zespołami kameralnymi są:

Kwartet smyczkowy – składa się z 2 skrzypiec, altówki i wiolonczeli

Trio smyczkowe – skrzypce, altówka i wiolonczela

Trio fortepianowe – skrzypce, wiolonczela i fortepian

Istnieją zespoły składające się wyłącznie ze skrzypków lub tylko z harf i tak dalej.

Rodzaje orkiestr

Orkiestra - grupa muzyków, którzy wspólnie wykonują muzykę instrumentalną.

Konduktor - lider orkiestry

Na przestrzeni lat metody prowadzenia wielokrotnie się zmieniały:

dyrygenci byli za sceną, przed orkiestrą, za orkiestrą, pośrodku orkiestry. Podczas gry albo siedzieli, albo chodzili. Dyrygowali w milczeniu, śpiewali, krzyczeli na cały głos, grali na jednym z instrumentów.

Dyrygowali ogromną laską; rolka papieru zwinięta w tubę; kopnięcia stopy, obute w sandały, których podeszwy były obite żelazem; kokarda; pałka dyrygenta - battuta.

Wcześniej dyrygenci stali plecami do orkiestry. Niemiecki kompozytor Ryszard Wagner w XIX wieku. zerwał z tą tradycją i zwrócił się w stronę orkiestry.

Wynik - notacja muzyczna polifonicznego utworu muzycznego, w którym połączono partie poszczególnych instrumentów

Orkiestra symfoniczna:

Narodziny pierwszych orkiestr związane są z pojawieniem się opery w XVI-XVII wieku. Grupa muzyków została umieszczona osobno na specjalnej małej platformie przed sceną, którą nazwano „orkiestrą”. Instrumentarium w pierwszych orkiestrach było niespójne: altówki (przodkowie skrzypiec i wiolonczeli), 2-3 skrzypiec, kilka lutni, trąbki, flety, klawesyn. Jednocześnie wszystkie te instrumenty zabrzmiały tylko w utworze otwierającym, który w tamtych czasach nazywano „symfonią”. Do XVIII wieku kompozytorzy poszukiwali najlepszego połączenia instrumentów w orkiestrze.

Klasycy wiedeńscy – J. Haydn i W. A. ​​Mozart – określili skład klasycznej orkiestry symfonicznej.

Nowoczesna orkiestra symfoniczna liczy do 100 muzyków.

Cztery główne grupy orkiestry symfonicznej

Czasami w skład orkiestry wchodzą: harfa, organy, fortepian, czelesta

Orkiestra Dęta

Rozbrzmiewa głównie na scenach plenerowych, towarzyszy procesjom, marszom. Jego brzmienie jest szczególnie mocne, jasne. Głównymi instrumentami orkiestry dętej są instrumenty dęte: klarnety, trąbki, rogi. Są też instrumenty dęte drewniane: flety, klarnety, aw dużych orkiestrach także oboje i fagoty, a także perkusja - bębny, kotły, czynele. Istnieją utwory napisane specjalnie dla orkiestr dętych, ale często wykonywane są utwory symfoniczne orkiestrowane dla orkiestr dętych.

Orkiestra Rozmaitości

Jest najbardziej zróżnicowany pod względem składu instrumentów i wielkości – od dużego, przypominającego symfonię, po bardzo mały, bardziej przypominający zespół. Zespoły Variety często posiadają ukulele, saksofony i wiele instrumentów perkusyjnych. Orkiestra pop wykonuje: muzykę taneczną, różnego rodzaju piosenki, utwory muzyczne o charakterze rozrywkowym, popularne utwory klasyczne o prostej treści.

Znane orkiestry popowe prowadzone przez O. Lundstrema, P. Moriaha, B. Goodmana i innych.

Orkiestra Instrumentów Ludowych

Ich kompozycje są różne, ponieważ. każdy naród ma swoje własne instrumenty narodowe. W Rosji orkiestra instrumentów ludowych obejmuje

Instrumenty strunowe szarpane: domra, bałałajka, gusli,

Instrumenty dęte - piszczałki, zhaleyka, rogi, dysze, flety

Bajany, harmonijki ustne

Duża grupa instrumentów perkusyjnych

Pierwsza profesjonalna orkiestra instrumentów ludowych powstała w 1888 roku pod kierunkiem słynnego muzyka V.V. Andreeva.

Jazz - orkiestry

W przeciwieństwie do orkiestry symfonicznej orkiestra jazzowa nie ma ustalonego składu instrumentów. Jazz to zawsze zespół solistów. Orkiestry jazzowe to fortepian, saksofony, banjo i gitary. Struny - mogą być dołączone smyczki, puzony, trąbki i klarnety. Grupa instrumentów perkusyjnych jest bardzo liczna i różnorodna.

Główne cechy jazzu to improwizacja (umiejętność komponowania muzyki przez solistów bezpośrednio podczas występu); rytmiczna wolność.

W Ameryce pojawiły się pierwsze zespoły jazzowe - najsłynniejszy mistrz jazzu: Louis Armstrong.

W Rosji pierwszą orkiestrę jazzową stworzył Leonid Utiosow.

Struktura utworów muzycznych. forma muzyczna. Motyw muzyczny.

Temat (w tłumaczeniu z greckiego - jaka jest podstawa) - główna muzyczna idea dzieła. W jednej pracy może występować jeden lub kilka (najczęściej kontrastujących) tematów.

myśl przewodnia (w tłumaczeniu z niemieckiego - motyw przewodni) - fraza lub cały temat, wielokrotnie

powtórzone w pracy.

powtórzenie - takie prowadzenie tematu, w którym przechodzi kilka razy bez zmian lub z drobnymi zmianami.

Sekwencja - wielokrotne powtarzanie tematu bez zmian na różnych wysokościach.

zmienność - wielokrotne powtarzanie tematu z istotnymi zmianami.

Rozwój motywu (rozwój) - izolacja od tematu jasnych elementów (motywów) i ich

sekwencyjny, rejestrowy, barwa, rozwój tonalny.

forma muzyczna

Forma (w tłumaczeniu z łaciny - obraz, zarys) - budowa utworu muzycznego, proporcje jego części.

Elementy formy muzycznej: motyw, fraza, zdanie.

Motyw (w tłumaczeniu z języka włoskiego - podstawa) to najmniejszy element formy muzycznej. Z reguły motyw zawiera jeden akcent i jest równy jednemu taktowi.

Fraza (w tłumaczeniu z języka greckiego - wyrażenie) jest elementem formy muzycznej, która zawiera dwa lub

kilka motywów. Długość frazy wynosi od dwóch do czterech taktów. Czasami frazy nie są podzielone na motywy.

Zdanie to stosunkowo kompletny element formy muzycznej, składający się z kilku fraz. Wielkość oferty wynosi od czterech do ośmiu cykli. Istnieją zdania, których nie można podzielić na frazy.

Okres- najprostsza forma muzyczna, która zawiera pełne lub względnie

skończona myśl. Kropka składa się z dwóch (rzadko trzech) zdań. Objętość okresu

od ośmiu do szesnastu taktów. Okresy to:

Powtarzalna konstrukcja (gdy drugie zdanie powtarza pierwsze dosłownie lub z

małe zmiany. Schemat: a + a lub a + a 1)

Niepowtarzalna struktura (gdy drugie zdanie nie powtarza pierwszego. Schemat: a + b)

Istnieją proste i złożone formy:

Prosty - zadzwoń do formy, w której każda część jest nie większa niż kropka.

złożony - zadzwoń do formy, w której przynajmniej jedna część jest większa niż kropka.

Każda z form może zawierać wprowadzenie i zakończenie (koda).

Prosta dwuczęściowa forma

Forma muzyczna składająca się z dwóch części, każda nie dłuższa niż kropka

Odmiany:

Reprise - gdzie drugie zdanie drugiej części powtarza jedno ze zdań pierwszej części

na przykład:

Czajkowski "Stara francuska piosenka". Schemat: A B

a + a 1 b + a 2

Non-reprise - składający się z dwóch różnych okresów. Na przykład:

Czajkowski „Młotnik organów śpiewa” Schemat: A B

a + b c + c 1

Prosta trzyczęściowa forma

Forma muzyczna składająca się z trzech części, każda nie dłuższa niż kropka.

Odmiany:

Reprise - gdzie trzecia część jest powtórzeniem pierwszej części dosłownie lub z małymi

zmiany. Na przykład:

Schemat Czajkowskiego „Marsz drewnianych żołnierzy”: A B A

a + a 1 b + b 1 a 2 + a 3

Non-reprise - w którym trzecia część nie jest repryzą części pierwszej. Na przykład:

Czajkowski „Pieśń neapolitańska”. Schemat: A B C

a + a 1 b + b c + c 1

Złożona forma trzyczęściowa

Trzyczęściowa forma repryzowa, w której skrajne części są prostą formą dwuczęściową lub trzyczęściową, a część środkowa kontrastuje z skrajnością i jest dowolną prostą formą.

Na przykład: „Walc” Czajkowskiego. Schemat:

a + a 1 b + b 1 c + c 1 a + a 1 b + b 1

(proste dwuczęściowe) (kropka) (proste dwuczęściowe)

Kształt Rondo

Rondo (w tłumaczeniu z francuskiego - koło, okrągły taniec) - forma muzyczna, w której powtarza się główny temat

co najmniej trzy razy, na przemian z innymi tematami - odcinkami.

Główny temat to refren (w tłumaczeniu z francuskiego - chór).

Refren i epizody można przedstawić w dowolnej prostej formie.

Schemat: A B A C A

Formularz wariacji

Formularz wariacji - forma muzyczna, w której temat powtarza się ze zmianami.

Zmodyfikowane powtórzenie motywu nazywa się zmiana (przetłumaczone z łaciny - zmiana,

różnorodność).

W wariacjach mogą się zmieniać dowolne elementy mowy muzycznej.

Liczba wariantów wynosi od dwóch do kilkudziesięciu.

Temat można napisać w dowolnej prostej formie. Ale najczęściej - w prostym dwuczęściowym.

Schemat: A A 1 A 2 A 3 A 4 itd.

Temat 1 var. 2 var. 3 var. 4 var.

forma sonatowa

Forma sonatowa - forma muzyczna oparta na zestawieniu rozwoju dwóch tematów, zazwyczaj

kontrastujące.

Forma sonatowa składa się z trzech części.

Sekcja 1 - ekspozycja (w tłumaczeniu z łaciny. - pokaż) - fabuła akcji.

Wystawa skupia się na dwóch głównych tematach - Dom oraz bok .

Dom temat brzmi w głównej, głównej tonacji utworu oraz bok Temat jest w innym tonie.

Dom oraz bok motywy łączą się Spoiwo temat.

Uzupełnia ekspozycję Finał temat.

Sekcja 2 - rozwój - dramatyczne centrum formy sonatowej;

porównanie, zderzenie i rozwinięcie tematów prezentowanych w ekspozycji. Rozwój charakteryzuje się częstą zmianą kluczy. Główną techniką opracowywania tematów jest motywowany rozwój.

Sekcja 3 - powtórka - działanie odsprzęgające.

Wykonanie materiału ekspozycyjnego w kluczu głównym.

Powtórka rozwoju ekspozycji

Blask Komunikacja Pob. Zakładka Blask Komunikacja Pob. Zakładka

T ------------D, VI, III T T

Formy cykliczne

Cykl - w pasie. z greckiego - koło.

Formy cykliczne - formy muzyczne, składające się z kilku niezależnych

kontrastujące części, połączone jedną ideą.

Najważniejszymi formami cyklicznymi są suita, cykl sonat.

Zestaw.

Starożytny Apartament (16 - XVIII wiek) - cykl różnorodnych tańców antycznych, pisanych w jednym

tonalność.

Główne tańce dawnej suity:

Umiarkowany alemande (niemiecki poczwórny)

Pełen życia dzwonki (francuski trójstronny)

wolny sarabanda (hiszpański trójstronny)

Szybko giga (Angielski trójstronny)

czasami do dawnej suity włączano menueta, gawota, bure i inne tańce, a także utwory nietaneczne - preludium, fuga, aria, rondo.

Przykłady antycznych suit w dziełach G. Haendla, J.S. Bacha, F. Couperina, J. Lully'ego, J. Rameau.

Nowy Apartament (XIX-XX w.) - cykl jaskrawo kontrastujących sztuk pisanych w różnych tonacjach.

W nowej suity dominują utwory nietaneczne.

Przykłady nowego pakietu:

PI Czajkowski "Pory roku";

MP Musorgski „Obrazki z wystawy”;

E. Grieg „Peer Gynt”;

N.A. Rimski - Korsakow „Szeherezada”;

K. Sen-Sans „Karnawał zwierząt”.

Cykl Sonat Forma muzyczna, w której przynajmniej jedna część jest zapisana w formie sonatowej.

Cykl sonat dla jednego lub dwóch wykonawców solowych nazywa się - sonata;

dla trzech wykonawców trio;

dla czterech wykonawców kwartet;

dla pięciu wykonawców - kwintet.

Cykl sonat napisany na orkiestrę symfoniczną nazywa się - symfonia;

na instrument solo i orkiestrę - koncert.

Cykle trzyczęściowe - sonata, koncert.

Cykle czterogłosowe - symfonia, kwartet, kwintet.

Formy polifoniczne

Polifonia(greckie poli - wiele, telefon - głos, dźwięk) - rodzaj polifonii, która pojawiła się znacznie wcześniej niż homofonia i stała się powszechna w XVI i XVII wieku. Tu wszystkie głosy prowadzą swoje niezależne i równie ważne, równie ekspresyjne melodie.
W sztuce polifonicznej powstały jej własne szczególne gatunki: są to passacaglia, chaconne, inwencja i kanon . Wszystkie te sztuki wykorzystują technikę imitacji.

Imitacja oznacza „naśladowanie”, czyli powtórzenie melodii innym głosem.

Na przykład, Kanon opiera się na ścisłej, ciągłej imitacji tej samej melodii we wszystkich głosach. Głosy powtarzają melodię głosu wiodącego, wchodząc przed zakończeniem tej melodii w poprzednią.
Szczytem sztuki polifonicznej jest fuga . Ta forma polifonii osiągnęła najwyższy szczyt w twórczości Jana Sebastiana Bacha.
Słowo "Fuga" pochodzi od łacińskiego „biegać”. Fuga skomponowana jest według specjalnych, bardzo surowych praw. Fuga opiera się zwykle na jednym musicalu temat - jasny, dobrze zapamiętany. Temat ten słychać konsekwentnie różnymi głosami. W zależności od liczby głosów fuga może być dwuczęściowa, trzyczęściowa, czteroczęściowa itd.
Zgodnie ze strukturą fuga podzielona jest na trzy części:

Pierwsza to ekspozycja, w której temat jest realizowany przez wszystkie głosy. Za każdym razem, gdy realizowany jest temat, towarzyszy mu melodia w innym głosie, zwana kontrapozycja . W fudze są sekcje, w których brakuje motywu, są to: przerywniki, znajdują się pomiędzy tematem.
Druga część fugi nazywana jest przetworzeniem, tam rozwijany jest temat, przechodzący naprzemiennie przez różne głosy.
Część trzecia to repryza, tutaj tematy utrzymane są w tonacji głównej. W repryzie, aby przyspieszyć rozwój muzyczny, często stosuje się technikę stretta. To taka imitacja, w której każdy kolejny fragment tematu wchodzi, zanim zakończy się innym głosem.
Do repryzy dołącza koda podsumowująca rozwój fugi.
W literaturze muzycznej są fugi pisane nie na jeden, ale na dwa, a nawet trzy tematy. Następnie nazywane są odpowiednio podwójnymi i potrójnymi. Bardzo często fugę poprzedza mały utwór - fantazja, wariacja lub chorał. Szczególnie popularne były jednak cykle „preludium i fuga”. JEST. Bach napisał 48 preludiów i fug i połączył je w dwa tomy pod tytułem The Well-Tempered Clavier.

Wynalazki

Słowo wynalazek po łacinie oznacza „wynalazek”. W rzeczywistości tematem wynalazku jest inwencja - krótka ekspresyjna melodia. Co więcej, konstrukcja wynalazku prawie nie różni się od konstrukcji fugi, tylko wszystko jest znacznie prostsze i bardziej dostępne dla początkujących muzyków.

Temat - krótka ekspresyjna fraza muzyczna, przechodząca kolejno wszystkimi głosami.

Kontrapozycja - melodia w innym głosie, towarzysząca tematowi.

Sideshow - znajdują się pomiędzy tematami.

Ściągnij:

Zapowiedź:

https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Gra „Zgadnij instrument muzyczny” Zadanie: Wymień instrumenty, które wykonują motywy bohaterów bajki S.S. Prokofiewa „Piotruś i Wilk”.

Obój Który instrument gra motyw ptaka? flet prosty

Który instrument gra motyw dziadka? Fagot obój

Flet Na jakim instrumencie gra motyw Kota? Klarnet

Flet Na jakim instrumencie gra motyw kaczki? Obój

Smyczki smyczkowe Jakie instrumenty grają w motywie Petita? Instrumenty dęte drewniane

Zapraszam do bajki „Piotruś i Wilk”

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji, załóż konto (konto) Google i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

„Bajka idzie przez las” Muz. V. Pshenichnikova

Przez las idzie bajka, za rękę baśń prowadzi, z rzeki bajka wychodzi, z tramwaju, z bramy.

Czym jest ten okrągły taniec? To bajkowy okrągły taniec! Bajka - sprytna i urocza, mieszka obok nas.

Aby Dobre Zło znów zwyciężyło. Do, Good to Zlova Zostań dobrym przekonany.

A dla mnie i dla Ciebie bajki biegną w tłumie. Ulubione bajki Słodsze niż jakakolwiek jagoda.

W bajce słońce płonie, w niej króluje Sprawiedliwość. Bajka jest mądra i urocza, Ścieżka jest dla niej wszędzie otwarta!

Aby Dobre Zło znów zwyciężyło. Do, Good to Zlova Zostań dobrym przekonany.

Aby Dobre Zło znów zwyciężyło. Do, Good to Zlova Zostań dobrym przekonany.

Aby Dobre Zło znów zwyciężyło. Do, Good to Zlova Zostań dobrym przekonany.

Aby Dobre Zło znów zwyciężyło. Do, Good to Zlova Zostań dobrym przekonany.

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji, załóż konto (konto) Google i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

„Instrumenty orkiestry symfonicznej w bajce S. Prokofiewa „Piotruś i Wilk” Odpowiedzi na testy:

Bowed Strings Woodwinds Percussion No. 1: Które instrumenty grają temat Petyi? Zadanie nr 2:

Myśl więcej! Myśl więcej!

Prawidłowo! Stringi

Zadanie 3: Flet Obój Klarnet Który instrument gra motyw Kota? Nr 2:

Nie spiesz się!

Prawidłowo! KLARNET

Zadanie 4: Flet Klarnet Obój Który instrument gra motyw ptaka? Numer 3:

Myśl więcej!

FLET Dobrze!

Ćwiczenie nr 5: Fagot klarnetowy Jaki instrument gra na motywie dziadka? Nr 4: Flet

Myśl więcej!

Prawidłowo! FAGOT

Który instrument gra motyw kaczki? Obój klarnetowy nr 5: Flet

O nie nie nie! Nie spiesz się!

OBOE Zgadza się!

Zapowiedź:

Mapa technologiczna modelu lekcji zgodnie z programem"Sztuka. Muzyka” (TI Naumenko, V.V. Aleev)

Nauczyciel muzyki MBU „Gimnazjum nr 39” Malova Daria Anatolyevna

Temat: „Obraz Wielkiej Wojny Ojczyźnianej w VII Symfonii D. Szostakowicza”.

Rodzaj lekcji: lekcja odkrywania nowej wiedzy

Klasa 7

Cel lekcji: Edukacja części ogólnej kultury duchowej uczniów poprzez sztukę muzyczną, a także rozwój patriotyzmu w umysłach uczniów

Cele Lekcji:

1) Edukacyjne: ukształtowanie koncepcji muzyki Szostakowicza jako muzyki odpowiadającej duchowi czasu;dać wyobrażenie o gatunku symfonii na przykładzie VII symfonii D. Szostakowicza

2) Opracowanie: rozwijać umiejętności świadomego emocjonalnie odbioru muzyki symfonicznej, umiejętność analizowania utworu muzycznego, uświadamiania sobie nierozerwalnego związku między działalnością kompozytorską a wydarzeniami historycznymi,kontrolować swoje działania edukacyjne.

3) Edukacyjne: pielęgnować szacunek, dumę i poczucie wdzięczności wobec narodu rosyjskiego, zwłaszcza wobec pokolenia, które przeżyło blokadę Leningradu.

Podstawowe koncepcje:symfonia, kulminacja, środki wyrazu (dynamiczne odcienie, tempo, instrumenty, barwa…)

Formy organizacji aktywności poznawczej:przedni, łaźnia parowa, niezależny

Ekwipunek: Przewodnik metodyczny, odniesienia historyczne, fragmenty biografii D. Szostakowicza opracowane przez nauczyciela, karty z zadaniami dla grup. ekran, projektor, fragmenty wideo z życia oblężonego Leningradu, centrum muzyczne, nagrania fragmentów VII Symfonii D. Szostakowicza, nagranie audio pieśni z lat wojny, fotografia pomnika Zerwanego Pierścienia (A3), prezentacja, zatoka liście na wieniec.

Podczas zajęć:

Etap lekcji	Aktywność nauczyciela	Zajęcia studenckie	Planowane wyniki UUD
I. Org. za chwilę Ustalenie tematu lekcji Wyznaczanie celów lekcji	Przemówienie wprowadzające nauczyciela, nastrój emocjonalny do aktywnej pracy twórczej. Nauczyciel zadaje problematyczne pytanie, na które uczniowie będą mogli odpowiedzieć pod koniec lekcji.	Słuchaj, przygotuj się na otrzymanie Tworzą frazę „Muzy milczą, gdy huczą armaty” z oddzielnych słów i dyskutują, który znak (., ?, ... lub!) należy umieścić na jego końcu. Określ temat lekcji, cele.	Gotowość organizacyjna, psychologiczna do lekcji. Umiejętność rozumowania, słuchania opinii innych ludzi, wyznaczania celów. Naumiejętność ustnego formułowania myśli;umiejętność słuchania i rozumienia mowy innych.
II. Aktualizacja wiedzy, wprowadzenie jej w kontekst nowej wiedzy	Prowadzi frontalną rozmowę, aby dowiedzieć się, czego dzieci dowiedziały się o życiu w Leningradzie podczas blokady, informacje biograficzne i muzykologiczne niezbędne do przestudiowania tematu. Zwracając się z kolei do historyków sztuki, historyków i biografów, nauczyciel wraz ze studentami odkrywa nową koncepcję „symfonii”, okoliczności powstania VII Symfonii przez D. Szostakowicza i jej cechy.	Studiują proponowany tekst z podziałem na 3 grupy: historyków, biografów i muzykologów. Weź udział w ogólnej rozmowie, odpowiadając na pytania zadane przez nauczyciela. Weź udział w rozmowie, opierając się na swojej wiedzy i zaproponowanym tekście.	Możliwość poruszania się po tekście, wyszukiwania potrzebnych informacji,formułowanie odpowiedzi na pytania; umiejętność poruszaj się po swoim systemie wiedzy:znaleźć odpowiedzi na pytania, korzystając z doświadczeń życiowych i informacji,otrzymane w klasie. zaplanuj swoje działanie zgodnie z zadaniem i warunkami jego realizacji.
Otwarcie nowego.	Dostosowuje się do percepcji fragmentów muzycznych, cytując wiersze I. Sachkowa o warunkach, w jakich grana była VII Symfonia w oblężonym Leningradzie. Oferty pracy z listą obrazów muzycznych. Organizuje frontalną rozmowę, podczas której dokonywana jest analiza fragmentów muzycznych (obrazu muzycznego i środków wyrazu, za pomocą których autor ten obraz tworzy) Pomaga uczniom wyciągnąć wnioski na temat znaczenia VII Symfonii D. Szostakowicza nie tylko dla mieszkańców oblężonego Leningradu, ale także dla ich potomków. Organizuje złożenie wieńca laurowego pod pomnikiem „Złamany Pierścień” (fot. A3) Organizuje wykonanie I wersu piosenki „Kłaniajmy się tym wielkim latom”	Posłuchaj fragmentów symfonii. Ułóż, omawiając w parach, listę słów charakteryzujących pierwszy i drugi fragment. Uczestnicząc w rozmowie, wspólnie określają cechy obrazu muzycznego pierwszego i drugiego fragmentu, analizują je z punktu widzenia wyrazistości muzycznej, określają, do której części symfonii należą fragmenty. Dochodzą do wniosku, że VII Symfonia jest konieczna dla wzmocnienia ducha mieszkańców oblężonego Leningradu, Zastanów się nad swoją relacją z tymi ludźmi. Piszą na kartkach laurowych i czytają małą wiadomość do mieszkańców Leningradu. Złożyli wieniec z tych liści laurowych przed pomnikiem Broken Ring. Wykonują 1 wers pieśni „Kłaniajmy się tym wielkim latom” przed pomnikiem „Złamanego Pierścienia”	Umiejętność odbioru muzyki i Rozmowny:dopuszczać możliwość posiadania przez osoby różnych punktów widzenia, także tych, które nie pokrywają się z jego własnym, oraz koncentrować się na pozycji partnera w komunikacji i interakcji; brać pod uwagę różne opinie i interesy oraz uzasadniać własne stanowisko.
Zreasumowanie. Odbicie.	Oferuje sporządzenie i zapisanie w zeszycie definicji pojęcia „symfonia” Zwraca uczniom problem, który pojawił się na początku lekcji i proponuje jego rozwiązanie. Co pomogło nam rozwiązać nasz problem?	Skomponuj i zapisz w zeszycie pojęcie „symfonii” Określają, jakie powinno być zdanie, abyśmy mogli się z nim zgodzić („Kiedy huczą broń, muzy nie milczą!”, „Kiedy huczą muzy, broń milczy!”, itd.)
Praca domowa.	Proponuję dowiedzieć się w domu, jakie inne utwory powstały w latach wojny: opowiadania, wiersze, piosenki. I porozmawiaj o nich w klasie.	Zapisz pracę domową w pamiętniku.