Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa bezprecedensowy dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niepodległość od Hiszpanii.
Teraz protestancka Holandia poszła własną drogą. A katolicka Flandria (obecnie Belgia) pod skrzydłami Hiszpanii - swoją.
W niepodległej Holandii prawie nikt nie potrzebował malarstwa religijnego. Kościół protestancki nie pochwalał luksusu dekoracji. Ale ta okoliczność „grała w ręce” świeckiego malarstwa.
Dosłownie każdy mieszkaniec nowego kraju obudził w sobie miłość do tego typu sztuki. Holendrzy chcieli zobaczyć na zdjęciach własne życie. A artyści chętnie wychodzili im na spotkanie.
Nigdy wcześniej otaczająca nas rzeczywistość nie była tak ukazywana. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.
Kwitł realizm. Aż do XX wieku będzie godnym konkurentem dla akademizmu ze swoimi nimfami i greckimi boginiami.
Artyści ci nazywani są „małymi” Holendrami. Czemu? Obrazy były niewielkich rozmiarów, ponieważ powstawały z myślą o małych domach. Tak więc prawie wszystkie obrazy Jana Vermeera mają nie więcej niż pół metra wysokości.
Ale ta druga wersja bardziej mi się podoba. W Holandii w XVII wieku żył i pracował wielki mistrz, „duży” Holender. A wszyscy inni byli „mali” w porównaniu z nim.
Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.
1. Rembrandta (1606-1669)
Rembrandta. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 Galeria Narodowa w Londynie Rembrandt w swoim życiu miał okazję doświadczyć najszerszego wachlarza emocji. Dlatego w jego wczesnych pracach jest tyle zabawy i brawury. I tak wiele złożonych uczuć - w późniejszych.
Tutaj jest młody i beztroski na obrazie „Syn marnotrawny w tawernie”. Na kolanach klęczy ukochana żona Saskii. Jest popularnym artystą. Napływają zamówienia.
Rembrandta. Syn marnotrawny w gospodzie. 1635 Galeria Starych Mistrzów, Drezno Ale to wszystko zniknie za jakieś 10 lat. Saskia umrze z suchoty. Popularność zniknie jak dym. Za długi zostanie zabrany duży dom z unikatową kolekcją.
Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najskrytsze myśli.
2. Fransa Halsa (1583-1666)
Fransa Halsa. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku Frans Hals jest jednym z najwybitniejszych portrecistów wszechczasów. Dlatego też zaliczyłbym go do „wielkich” Holendrów.
W Holandii panował wówczas zwyczaj zamawiania portretów grupowych. Było więc dużo podobnych prac przedstawiających pracujących razem ludzi: strzelców z tego samego cechu, lekarzy z tej samej miejscowości, prowadzących dom opieki.
W tym gatunku najbardziej wyróżnia się Hals. W końcu większość tych portretów wyglądała jak talia kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu patrzą. Hals był inny.
Spójrz na jego portret grupowy „Strzały gildii św. Jerzy".
Fransa Halsa. Strzały cechu św. Jerzy. 1627 Muzeum Fransa Halsa, Haarlem, Holandia Tutaj nie znajdziesz ani jednego powtórzenia w postawie czy wyrazie twarzy. Jednocześnie nie ma tu chaosu. Jest wiele postaci, ale żadna nie wydaje się zbędna. Dzięki zaskakująco poprawnemu ułożeniu figur.
Tak, w jednym portrecie Hals przewyższył wielu artystów. Jego modele są naturalne. Ludzie z wyższych sfer na jego obrazach pozbawieni są naciąganej wielkości, a modele z dołu nie wyglądają na upokorzonych.
A jego bohaterowie są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o chytrym spojrzeniu.
Fransa Halsa. Cygański. 1625-1630 Hals, podobnie jak Rembrandt, zakończył życie w biedzie. Z tego samego powodu. Jego realizm kłócił się z gustami klientów. Którzy chcieli upiększyć swój wygląd. Hals nie poszedł na jawne pochlebstwa i tym samym podpisał swój własny wyrok – „Oblivion”.
3. Gerarda Terborcha (1617-1681)
Gerarda Terborcha. Autoportret. 1668 Galeria Królewska Mauritshuis, Haga, Holandia Terborch był mistrzem rodzimego gatunku. Bogaci i niezbyt mieszczańscy rozmawiają wolno, panie czytają listy, a zalotów pilnuje pośredniczka. Dwie lub trzy blisko siebie rozmieszczone postacie.
To właśnie ten mistrz opracował kanony gatunku domowego. Którą następnie wypożyczą Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.
Gerarda Terborcha. Szklanka lemoniady. 1660s. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu Szklanka lemoniady to jedno ze słynnych dzieł Terborcha. Pokazuje to jeszcze jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz tkaniny sukni.
Terborch ma również niezwykłe prace. Co mówi o jego chęci wyjścia poza wymagania klientów.
Jego „Grinder” pokazuje życie najuboższych mieszkańców Holandii. Przyzwyczailiśmy się do oglądania przytulnych podwórek i czystych pokoi na zdjęciach „małego” Holendra. Ale Terborch odważył się pokazać nieatrakcyjną Holandię.
Gerarda Terborcha. Szlifierka. 1653-1655 Muzea Państwowe w Berlinie Jak rozumiesz, takie prace nie były poszukiwane. I są rzadkim zjawiskiem nawet w Terborch.
4. Jana Vermeera (1632-1675)
Jana Vermeera. Warsztat artysty. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu Nie wiadomo na pewno, jak wyglądał Jan Vermeer. Wiadomo tylko, że na obrazie „Pracownia artysty” przedstawił siebie. Prawda od tyłu.
Dlatego zaskakujące jest to, że niedawno ujawniono nowy fakt z życia mistrza. Jest to związane z jego arcydziełem „Street of Delft”.
Jana Vermeera. ulica Delft. 1657 Rijksmuseum w Amsterdamie Okazało się, że na tej ulicy Vermeer spędził dzieciństwo. Dom na zdjęciu należał do jego ciotki. Wychowała tam pięcioro dzieci. Być może siedzi na progu i szyje, podczas gdy jej dwoje dzieci bawi się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.
Częściej jednak przedstawiał wnętrza tych domów i ich mieszkańców. Wydawać by się mogło, że fabuła obrazów jest bardzo prosta. Oto ładna dama, zamożna mieszkanka miasta, sprawdzająca pracę swojej wagi.
Jana Vermeera. Kobieta z ciężarami. 1662-1663 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?
Był niedoścignionym mistrzem światła. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło delikatnie otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.
A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie weryfikowane. Nie znajdziesz ani jednego dodatkowego szczegółu. Wystarczy usunąć jedną z nich, obraz „rozsypie się”, a magia zniknie.
Wszystko to nie było łatwe dla Vermeera. Tak niesamowita jakość wymagała żmudnej pracy. Tylko 2-3 obrazy rocznie. W rezultacie niemożność wyżywienia rodziny. Vermeer pracował również jako handlarz dziełami sztuki, sprzedając dzieła innych artystów.
5. Pieter de Hooch (1629-1884)
Peter de Hooch. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum w Amsterdamie Hoch jest często porównywany do Vermeera. Pracowali w tym samym czasie, był nawet okres w tym samym mieście. I w jednym gatunku - gospodarstwie domowym. W Hoch widzimy też jedną lub dwie postacie na przytulnych holenderskich dziedzińcach lub pokojach.
Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów jest wielowarstwowa i zabawna. A postacie bardzo harmonijnie wpasowują się w tę przestrzeń. Jak na przykład w jego obrazie „Sługa z dziewczyną na podwórku”.
Peter de Hooch. Pokojówka z dziewczyną na podwórku. 1658 Londyńska Galeria Narodowa
Do XX wieku Hoch był bardzo ceniony. Ale niewiele osób zauważyło nieliczne prace jego konkurenta Vermeera.
Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przeminęła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć w malarstwie. Mało kto potrafił tak umiejętnie połączyć środowisko i ludzi.
Peter de Hooch. Gracze w karty w słonecznym pokoju. 1658 Królewska Kolekcja Sztuki, Londyn Należy pamiętać, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” znajduje się obraz w drogiej ramie.
To po raz kolejny mówi o tym, jak popularne było malarstwo wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: zamożnego mieszczanina, skromnego mieszczanina, a nawet chłopa.
6. Jan Steen (1626-1679)
Jana Stana. Autoportret z lutnią. 1670s Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie Jan Steen to chyba najbardziej wesoły „mały” Holender. Ale kochający moralizatorstwo. Często przedstawiał tawerny lub biedne domy, w których znajdowano występek.
Jego głównymi bohaterami są biesiadnicy i damy łatwych cnót. Chciał zabawić widza, ale pośrednio przestrzec go przed występnym życiem.
Jana Stana. Chaos. 1663 Muzeum Historii Sztuki w Wiedniu Stan ma też cichsze prace. Jak na przykład „Poranna toaleta”. Ale i tutaj artysta zaskakuje widza zbyt szczerymi szczegółami. Są ślady gumy do pończoch, a nie pusty nocnik. I jakoś wcale nie jest tak, że pies leży bezpośrednio na poduszce.
Jana Stana. Poranna toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum w Amsterdamie Ale pomimo całej frywolności, schematy kolorów Stana są bardzo profesjonalne. W tym przewyższył wielu „małych Holendrów”. Zobacz, jak czerwona pończocha idealnie komponuje się z niebieską marynarką i jasnym beżowym dywanikiem.
7. Jacobs van Ruysdael (1629-1882)
Portret Ruisdaela. Litografia z książki z XIX wieku. Barok „Burger” w malarstwie holenderskimXVII w. - obraz życia codziennego (P. de Hoch, Vermeer). „Luksusowa” martwa natura Kalf. Portret grupowy i jego cechy u Halsa i Rembrandta. Interpretacja tematów mitologicznych i biblijnych przez Rembrandta.
Sztuka holenderska XVII wieku
w XVII wieku Holandia stała się modelowym krajem kapitalistycznym. Prowadziła rozległy handel kolonialny, dysponowała potężną flotą, jednym z wiodących przemysłów był przemysł stoczniowy. Protestantyzm (w najostrzejszej postaci kalwinizm), który całkowicie wyparł wpływy Kościoła katolickiego, doprowadził do tego, że duchowieństwo w Holandii nie miało takiego wpływu na sztukę jak we Flandrii, a tym bardziej w Hiszpanii czy we Włoszech. W Holandii kościół nie pełnił roli nabywcy dzieł sztuki: świątyń nie dekorowano ołtarzami, gdyż kalwinizm odrzucał wszelkie oznaki luksusu; Kościoły protestanckie miały prostą architekturę i nie były w żaden sposób zdobione wewnątrz.
Główne osiągnięcie sztuki holenderskiej XVIII wieku. - w malarstwie sztalugowym. Człowiek i przyroda były przedmiotem obserwacji i przedstawienia artystów holenderskich. Malarstwo codzienne staje się jednym z wiodących gatunków, którego twórcy w historii otrzymali miano „małego Holendra”. Reprezentowane są również obrazy przedstawiające sceny ewangeliczne i biblijne, ale nie w takim stopniu jak w innych krajach. Holandia nigdy nie miała związków z Włochami, a sztuka klasyczna nie odgrywała takiej roli jak we Flandrii.
Opanowanie tendencji realistycznych, ukształtowanie się pewnego zakresu tematycznego, zróżnicowanie gatunków jako jeden proces, zakończyło się w latach 20. XVII wieku. Historia malarstwa holenderskiego XVII wieku. doskonale ukazuje ewolucję twórczości jednego z największych portrecistów Holandii, Fransa Halsa (ok. 1580-1666). W latach 10-30 Hals dużo pracował w gatunku portretów grupowych. Z płócien z tych lat wyglądają radośni, energiczni, przedsiębiorczy ludzie, pewni swoich umiejętności i przyszłości („Gildia strzelecka św. Adriana”, 1627 i 1633;
Cech Strzelecki św. Jerzego", 1627).
Pojedyncze portrety Khali są czasami nazywane przez badaczy portretami rodzajowymi ze względu na szczególną specyfikę obrazu. Szkicowy styl Hulse'a, jego odważne pismo, w którym pociągnięcie pędzla rzeźbi zarówno formę, jak i objętość oraz przekazuje kolor.
W portretach Khali z późnego okresu (lata 50-60) znika beztroska waleczność, energia i presja charakterów przedstawionych postaci. Ale to właśnie w późnym okresie twórczości Hals osiąga szczyt mistrzostwa i tworzy najgłębsze dzieła. Kolorystyka jego obrazów staje się niemal monochromatyczna. Na dwa lata przed śmiercią, w 1664 roku, Hals ponownie powrócił do portretu grupowego. Maluje dwa portrety – regentów i regentów domu opieki, w jednym z których sam znalazł schronienie pod koniec życia. W portrecie regentów nie ma koleżeństwa z poprzednich kompozycji, modele są rozdarci, bezsilni, ich oczy są zamglone, na twarzach wypisane spustoszenie.
Sztuka Halsa miała jak na swoje czasy ogromne znaczenie, miała wpływ na rozwój nie tylko portretu, ale także gatunku codzienności, pejzażu, martwej natury.
Szczególnie interesujący jest gatunek krajobrazu Holandii w XVII wieku. Holandię przedstawiają Jan van Goyen (1596-1656) i Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).
Rozkwit malarstwa pejzażowego w szkole niderlandzkiej datuje się na połowę XVII wieku. Największym mistrzem realistycznego pejzażu był Jacob van Ruysdael (1628/29-1682).Jego prace są zazwyczaj przepełnione głębokim dramatyzmem, czy to przedstawia leśne zarośla („Leśne Bagno”),
krajobrazy z wodospadami („Wodospad”) lub romantyczny krajobraz z cmentarzem („Cmentarz Żydowski”).
Natura w Ruisdael przejawia się w dynamice, w wiecznej odnowie.
W ścisłym związku z holenderskim pejzażem jest gatunek animalistyczny. Ulubionym motywem Alberta Cuypa są krowy przy wodopoju („Zachód słońca nad rzeką”, „Krowy na brzegu strumienia”).
Genialny rozwój osiąga martwą naturę. Martwa natura holenderska, w przeciwieństwie do flamandzkiego, jest skromna pod względem wielkości i motywów do obrazów o charakterze intymnym. Pieter Claesz (ok. 1597-1661), Billem Head (1594-1680/82) najczęściej przedstawiał tzw. śniadania: dania z szynką lub placek na stosunkowo skromnie zastawionym stole. „Śniadania” Khedy ustępują wystawnym „deserom” Kalfa. Proste naczynia ustępują marmurowym stołom, dywanowym obrusom, srebrnym kielichom, muszelkom z masy perłowej i kryształowym kieliszkom. Kalf osiąga niesamowitą wirtuozerię w przekazywaniu faktury brzoskwiń, winogron i kryształowych powierzchni.
W latach 20-30 XVII wieku. Holendrzy stworzyli szczególny rodzaj małego, małopostaciowego malarstwa. Lata 40-60 - rozkwit malarstwa, gloryfikujący spokojne życie mieszczańskie Holandii, wyważoną codzienność.
Adrian van Ostade (1610-1685) przedstawia najpierw ciemne strony życia chłopstwa („Walka”).
Od lat 40. w jego twórczości coraz częściej noty satyryczne zastępowane są humorystycznymi („W wiejskiej karczmie”, 1660).
Czasami te małe obrazki są pokolorowane z wielkim lirycznym uczuciem. Za arcydzieło malarstwa Ostade'a uważa się jego „Malarza w pracowni” (1663), w którym artysta gloryfikuje pracę twórczą.
Ale głównym tematem „małego Holendra” wciąż nie jest wieśniak, ale życie mieszczańskie. Zwykle są to obrazy bez jakiejś fascynującej fabuły. Najzabawniejszym gawędziarzem w obrazach tego typu był Jan Stan (1626-1679) („Biesiadnicy”, „Gra w tryktraka”). Gerard Terborch (1617-1681) osiągnął w tym jeszcze większe umiejętności.
Wnętrze staje się szczególnie poetyckie wśród „małych Holendrów”. Prawdziwym wykonawcą tego tematu był Pieter de Hooch (1629-1689). Jego pokoje z na wpół uchylonym oknem, przypadkowo rzuconymi butami czy pozostawioną miotłą są często przedstawiane bez postaci ludzkiej.
Nowy etap malarstwa rodzajowego rozpoczyna się w latach 50. i jest związany z tzw. szkołą delftowską, z nazwiskami artystów takich jak Karel Fabritius, Emmanuel de Witte i Jan Vermeer, znany w historii sztuki jako Vermeer z Delft (1632-1675). ). Obrazy Vermeera nie wydają się być w żaden sposób oryginalne. To te same obrazy zamrożonego życia mieszczańskiego: czytanie listu, rozmowa dżentelmena i damy, pokojówki zajęte prostym gospodarstwem domowym, widoki Amsterdamu czy Delft. Te obrazki, które są proste w działaniu: „Dziewczyna czytająca list”,
„Kawaler i dama na Szpicecie”,
„Oficer i śmiejąca się dziewczyna” itp. są pełne duchowej jasności, spokoju i ciszy.
Główne zalety Vermeera jako artysty polegają na przepuszczaniu światła i powietrza. Rozpuszczanie przedmiotów w środowisku świetlno-powietrznym, umiejętność tworzenia tej iluzji przede wszystkim determinowała uznanie i sławę Vermeera właśnie w XIX wieku.
Wermeer zrobił to, czego nie zrobił nikt inny w XVII wieku: malował pejzaże z natury („Ulica”, „Widok na Delft”).
Można je nazwać pierwszymi przykładami malarstwa plenerowego.
Szczytem niderlandzkiego realizmu, rezultatem malarskich osiągnięć kultury niderlandzkiej XVII wieku, jest dzieło Rembrandta. Harmensz van Rijn Rembrandt (1606-1669) urodził się w Lejdzie. W 1632 roku Rembrandt wyjechał do Amsterdamu, centrum kultury artystycznej Holandii, co w naturalny sposób przyciągnęło młodego artystę. Lata 30. to czas największej chwały, do której drogę otworzyło malarzowi wielkoformatowe zamówienie z 1632 roku – portret zbiorowy, zwany też „Anatomią doktora Tulpa” lub „Lekcją anatomii”.
W 1634 roku Rembrandt żeni się z dziewczyną z zamożnej rodziny – Saskią van Uylenborch. Rozpoczyna się najszczęśliwszy okres w jego życiu. Staje się znanym i modnym artystą.
Cały ten okres jest pokryty romantyzmem. Najdobitniej postawę Rembrandta z tamtych lat oddaje słynny „Autoportret z Saskią na kolanach” (ok. 1636). Całe płótno jest przesiąknięte szczerą radością życia, radością.
Język barokowy jest najbliższy ekspresji w dobrym nastroju. A Rembrandt w tym okresie jest pod dużym wpływem włoskiego baroku.
W skomplikowanych skrótach pojawiają się przed nami postacie z obrazu „Ofiara Abrahama” z 1635 roku. Kompozycja jest niezwykle dynamiczna, zbudowana według wszelkich zasad baroku.
W tych samych latach 30. Rembrandt po raz pierwszy zaczął poważnie zajmować się grafiką, zwłaszcza akwafortą. Ryciny Rembrandta to głównie tematy biblijne i ewangeliczne, ale rysując, jako prawdziwy holenderski artysta, często odwołuje się również do tego gatunku. Na przełomie wczesnego okresu twórczości artysty i jego dojrzałości twórczej zostaje nam przedstawiony jeden z jego najsłynniejszych obrazów, znany jako Straż nocna (1642) - portret zbiorowy kompanii strzelców kapitana Banninga Cocka.
Rozszerzył zakres gatunku, przedstawiając raczej historyczny obraz: na sygnał alarmowy oddział Banning Cock wyrusza na kampanię. Jedni są spokojni, pewni siebie, inni podekscytowani w oczekiwaniu na to, co ma nadejść, ale wszyscy mają w sobie wyraz wspólnej energii, patriotycznego entuzjazmu, triumfu ducha obywatelskiego.
Portret zbiorowy pod pędzlem Rembrandta wyrósł na heroiczny obraz epoki i społeczeństwa.
Obraz pociemniał już tak bardzo, że uznano go za przedstawienie sceny nocnej, stąd jego błędna nazwa. Cień, który pada z postaci kapitana na jasne ubranie porucznika, świadczy o tym, że to nie jest noc, ale dzień.
Wraz ze śmiercią Saskii w tym samym roku 1642 następuje naturalne zerwanie Rembrandta z obcymi mu kręgami patrycjuszowskimi.
Lata 40-50 to czas twórczej dojrzałości. W tym okresie często sięga do starych dzieł, aby przerobić je w nowy sposób. Tak było na przykład z Danae, którego namalował jeszcze w 1636 roku. Wracając do malarstwa z lat 40., artysta spotęgował swój stan emocjonalny.
Przepisał centralną część z bohaterką i służącą. Obdarzając Danae nowym gestem podniesionej ręki, powiedział jej o wielkim wzruszeniu, wyrazie radości, nadziei, apelu.
W latach czterdziestych i pięćdziesiątych kunszt Rembrandta stale się rozwijał. Do interpretacji wybiera najbardziej liryczne, poetyckie aspekty ludzkiej egzystencji, tej ludzkiej, która jest wieczna, uniwersalna: miłość macierzyńska, współczucie. Pismo Święte daje mu największy materiał, a z niego - sceny z życia świętej rodziny, Rembrandt przedstawia proste życie, zwykłych ludzi, jak na obrazie „Święta rodzina”.
Ostatnie 16 lat to najtragiczniejsze lata życia Rembrandta; jest spłukany, nie ma rozkazów. Ale te lata są pełne niesamowitej działalności twórczej, w wyniku której powstają malownicze obrazy, wyjątkowe pod względem monumentalności postaci i duchowości, dzieła głęboko filozoficzne. Nawet niewielkie dzieła Rembrandta z tych lat sprawiają wrażenie niezwykłej wielkości i prawdziwej monumentalności. Kolor nabiera dźwięczności i intensywności. Jego kolory wydają się promieniować światłem. Portrety zmarłego Rembrandta bardzo różnią się od portretów z lat 30., a nawet 40. XX wieku. Są to niezwykle proste (półmetrażowe lub pokoleniowe) wizerunki osób, które w swojej wewnętrznej strukturze są bliskie artystce. Rembrandt osiągnął największą subtelność cech charakterystycznych w autoportretach, z których zachowało się około stu. Zwieńczeniem w historii portretu grupowego było Rembrandtowskie przedstawienie starców sukna – tzw. co ważne, udało mu się przekazać poczucie duchowej jedności, wzajemnego zrozumienia i relacji międzyludzkich.
W latach dojrzałości (głównie w latach 50.) Rembrandt tworzył swoje najlepsze akwaforty. Jako rytownik nie ma sobie równych w sztuce światowej. We wszystkich obrazy mają głębokie znaczenie filozoficzne; opowiadają o tajemnicach bytu, o tragedii ludzkiego życia.
Dużo rysuje. Rembrandt pozostawił po sobie 2000 rysunków. Są to szkice z natury, szkice do obrazów i przygotowania do akwafort.
W ostatniej ćwierci XVII w. rozpoczyna się schyłek holenderskiej szkoły malarstwa, utrata tożsamości narodowej, a od początku XVIII wieku rozpoczyna się koniec wielkiej ery niderlandzkiego realizmu.
Malarstwo holenderskie powstał w pierwszych latach XVII wieku. Holenderska szkoła malarstwa była niezależną, wielką, niezależną szkołą o unikalnych i niepowtarzalnych cechach i oryginalności.
Holandia aż do XVII wieku nie wyróżniała się obfitością artystów narodowych. Podczas gdy kraj ten był jednym państwem z Flandrią, oryginalne nurty malarskie były intensywnie tworzone i rozwijane głównie we Flandrii.
We Flandrii pracowali znakomici malarze Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, jakich nie było w Holandii. Jedynie pojedyncze przebłyski geniuszu w malarstwie można odnotować na początku XVI wieku, jest to artysta i rytownik Łukasz z Lejdy, który jest wyznawcą szkoły brugijskiej. Ale Łukasz z Lejdy nie stworzył żadnej szkoły. To samo można powiedzieć o malarzu Dirku Boutsie z Haarlemu, którego twórczość prawie nie odstaje na tle stylu i maniery początków szkoły flamandzkiej, o artystach Mostaercie, Scorelu i Heemskerku, którzy mimo wszystkich swoich znaczenie, nie są indywidualnymi talentami, które swoją oryginalnością charakteryzują kraj.
Pod koniec XVI wieku, kiedy malarze portretowi stworzyli już szkołę, zaczęli pojawiać się i nabierać kształtów inni artyści. Różnorodność talentów prowadzi do wielu różnych kierunków i dróg rozwoju malarstwa. Pojawiają się bezpośredni poprzednicy Rembrandta – jego nauczyciele Jan Peis i Peter Lastman. Coraz swobodniejsze stają się też metody gatunkowe – historyczność nie jest już tak obowiązkowa jak wcześniej. Powstaje szczególny, głęboko narodowy i niemal historyczny gatunek – portrety grupowe przeznaczone do miejsc publicznych – ratuszów, korporacji, warsztatów i społeczności.
To dopiero początek, nie ma jeszcze samej szkoły. Jest wielu utalentowanych artystów, wśród nich są zręczni mistrzowie, kilku wielkich malarzy: Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Poulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder, wreszcie Esaias van de Velde i van Goyen – wszyscy urodzili się pod koniec XVI wieku.
w rozwoju Malarstwo holenderskie był to krytyczny moment. Przy niestabilnej równowadze politycznej wszystko zależało tylko od przypadku. We Flandrii, gdzie nastąpiło podobne przebudzenie, wręcz przeciwnie, panowało już poczucie pewności i stabilności, którego jeszcze nie było w Holandii. We Flandrii byli już artyści, którzy dojrzeli lub byli jej bliscy.
Warunki polityczne i społeczno-historyczne w tym kraju były korzystniejsze. Istniały dobre powody, dla których Flandria po raz drugi stała się wielkim ośrodkiem sztuki. Brakowało do tego dwóch rzeczy: kilku lat spokoju i mistrza, który byłby twórcą szkoły.
W 1609 roku los Holandii został rozstrzygnięty, po zawarciu rozejmu (między Hiszpanią a Holandią) i oficjalnym uznaniu Zjednoczonych Prowincji, natychmiast nastąpiła cisza. To zdumiewające, jak niespodziewanie i w jak krótkim czasie – nie więcej niż trzydzieści lat – na małej przestrzeni, na niewdzięcznej pustynnej glebie, w trudnych warunkach życia, powstała wspaniała plejada malarzy, a ponadto malarzy wielkich pojawił się.
Pojawiały się natychmiast i wszędzie: w Amsterdamie, Dordrechcie, Lejdzie, Delft, Utrechcie, Rotterdamie, Haarlemie, nawet za granicą – jakby z nasion, które padły poza polem. Najwcześniej urodzili się na przełomie wieków Jan van Goyen i Wijnants. I dalej, w przedziale od początku wieku do końca jego pierwszej tercji – Cape, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bol, Gerard Dow, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jakub Ruisdael. Dalej Pieter de Hooch, Hobbema. Ostatni z wielkich – van der Heyden i Adrian van de Velde – w 1636 i 1637 roku. Mniej więcej te lata można uznać za czas pierwszego rozkwitu szkoły niderlandzkiej. Trzeba było tworzyć sztukę dla narodu.
Malarstwo holenderskie, był i mógł być jedynie wyrazem wyglądu zewnętrznego, prawdziwym, wiernym, podobnym portretem Holandii. Głównymi elementami holenderskiej szkoły malarstwa były portrety, pejzaże, sceny z życia codziennego. Holenderska Szkoła rozwija się i działa przez całe stulecie.
Malarze holenderscy znajdowali wątki i kolory, aby zaspokoić wszelkie ludzkie skłonności i uczucia. Paleta Holendrów jest całkiem godna ich rysunku, stąd doskonała jedność ich metody obrazkowej. Każdy obraz holenderski jest łatwo rozpoznawalny po wyglądzie. Jest niewielkich rozmiarów i wyróżnia się mocnymi, surowymi kolorami. Wymaga to od artysty dużej dokładności, pewnej ręki i głębokiego skupienia.
Dokładnie tak malarstwo holenderskie daje najwyraźniejszy obraz tego ukrytego i wiecznego procesu: czuć, myśleć i wyrażać. Nie ma bogatszego obrazu na świecie, bo to Holendrzy zmieścili tak wiele treści na tak małej przestrzeni. Dlatego wszystko tutaj przybiera precyzyjną, skompresowaną i skondensowaną formę.
Aby uzyskać pełniejszy obraz malarstwa holenderskiego, należy szczegółowo rozważyć elementy tego nurtu, cechy metod, charakter palety. Opis głównych cech sztuki niderlandzkiej pozwala już na odróżnienie tej szkoły od innych i prześledzenie jej genezy.
Ekspresyjnie, ilustrująco Malarstwo holenderskie, to obraz Adriana van Ostade z Amsterdam Museum „Artist's Atelier”. Ta fabuła była jedną z ulubionych przez malarzy holenderskich. Widzimy osobę uważną, lekko zgarbioną, z przygotowaną paletą, cienkimi, czystymi pędzlami i klarownym olejkiem. Pisze w ciemno. Jego twarz jest skupiona, jego ręka jest ostrożna.
Tylko być może ci malarze byli odważniejsi i umieli śmiać się i cieszyć życiem bardziej beztrosko, niż można to wywnioskować z zachowanych obrazów.
Podstawy dla holenderskiej szkoły malarstwa położyli Jan van Goyen i Jan van Weinants na początku XVII wieku, ustanawiając pewne prawa malarstwa.
Wstęp
1. Mały Holender
Holenderska szkoła malarstwa
Malarstwo rodzajowe
4. Symbolizm. Martwa natura
Rembrandta van Rijna
Vermeer Delft Jan
Wniosek
Wstęp
Celem pracy kontrolnej jest:
· W rozwoju potencjału twórczego;
· Kształtowanie zainteresowania sztuką;
· Utrwalenie i uzupełnienie wiedzy.
Sztuka holenderska narodziła się w XVII wieku. Ta sztuka jest uważana za niezależną i niezależną, ma pewne formy i cechy.
Aż do XVII wieku Holandia nie miała swoich znaczących artystów w sztuce, ponieważ. była częścią stanu Flandria. Jednak kilku artystów jest obchodzonych w tym okresie. To artysta i grawer Luka Leydensky (1494-1533), malarz Dirk Boats (1415-1475), malarz Scorele (1495-1562).
Stopniowo różne szkoły mieszały się i mistrzowie zatracali cechy charakterystyczne swoich szkół, a pozostali artyści holenderscy przestali mieć ducha twórczości narodowej. Pojawia się wiele różnych i nowych stylów. Artyści próbują malować we wszystkich gatunkach, poszukując indywidualnego stylu. Metody gatunkowe zostały wymazane: historyczność nie jest tak konieczna jak wcześniej. Tworzy się nowy gatunek – tragarze grupowi.
Na początku XVII wieku, gdy decydowały się losy Holandii, Filip III wynegocjował rozejm między Hiszpanią a Holandią. Potrzebna była rewolucja, sytuacja polityczna lub militarna. Walka o niepodległość zjednoczyła naród. Wojna wzmocniła ducha narodowego. Podpisane traktaty z Hiszpanią dały Holandii wolność. To skłoniło do stworzenia własnej i szczególnej sztuki, wyrażającej istotę Holendrów.
Osobliwością holenderskich artystów było stworzenie prawdziwego obrazu w najdrobniejszych szczegółach - manifestacji uczuć i myśli. To jest fundament szkoły holenderskiej. Staje się sztuką realistyczną i do połowy XVII wieku osiąga wyżyny we wszystkich dziedzinach.
Dla Holandii podział jest typowy nie tylko na gatunki, ale także na liczne podgatunki. Niektórzy mistrzowie malują sceny z życia mieszczan i oficerów - Peter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), drugi - z życia chłopskiego - Adrian van Ostade (1610- 1685), trzecia – sceny z życia naukowców i lekarzy – Gerrit Dou (1613-1675); pejzażyści - Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), malarze leśnych zakątków - Meindert Hobbema (1638-1609), mistrzowie wnętrz - Peter Janssens (1623-1682). Okresowo pewien gatunek staje się tradycją w szkołach artystycznych. Np. malarze martwej natury z Harlemu dla tzw. „śniadań” – Pieter Klas (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).
Artyści ukazują obyczaje i obyczaje, normy etyczne i moralne zachowań ludzkich. Często przedstawiane są wydarzenia rodzinne. Pejzażyści i mistrzowie martwej natury przekazują światło w plenerze, w zamkniętych pomieszczeniach umiejętnie odwzorowują fakturę przedmiotów. Malarstwo domowe jest na topie dzięki Janowi Steenowi (1626-1679), Gerhardowi Terborchowi (1617-1681), Pieterowi de Hoochowi (1629-1624).
1. Mały Holender
Mali Holendrzy to grupa artystów XVII wieku, w której „łączą się” malarze pejzażu i codziennego malarstwa rodzajowego niewielkich rozmiarów (stąd nazwa). Obrazy takie przeznaczone były do skromnych wnętrz budynków mieszkalnych. Kupowali je mieszczanie i chłopi. Obrazy takie charakteryzują się poczuciem komfortu w obrazie, subtelnością detali, bliskością osoby i wnętrza.
P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. i S. van Ruysdael (1628-1682) i (1602-1670), E. de Witte (1617-1692), P. Klas, V. Kheda, V. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Sten (1626-1679), A. Cuyp (1620-1691) i inni. Każdy z reguły specjalizował się , w jednym konkretnym gatunku. „Mali Holendrzy” kontynuowali tradycję mistrzów holenderskiego renesansu, którzy przekonywali, że sztuka nie tylko powinna sprawiać przyjemność, ale także przypominać o wartościach.
Twórczość artystów można podzielić na 3 grupy:
1630s - ustanowienie realizmu w malarstwie narodowym (Harlem był wiodącym ośrodkiem sztuki, ważnym czynnikiem był wpływ F. Halsa);
1640-1660s - rozkwit szkoły artystycznej (centrum sztuki przenosi się do Amsterdamu, przyciągając artystów z innych miast, istotny staje się wpływ Rembrandta<#"justify">2. Holenderska szkoła malarstwa
Przez trzy ćwierć wieku rozwój sztuki trwał na północy Holandii, w republice Zjednoczonych Prowincji, zwanej Holandią. W 1609 r. republika ta otrzymała status państwa. Tutaj powstało państwo burżuazyjne.
Włoski artysta Caravaggio (1571-1610) odegrał znaczącą rolę w malarstwie renesansowym. Malował swoje obrazy bardzo realistycznie, a przedmioty i postacie posiadał wysoką technikę światłocienia.
Artystów było wielu, a oni mieszkali w małych miasteczkach: Haarlem, Delft, Leiden. Każde z tych miast rozwinęło własną szkołę z własnymi motywami gatunkowymi, ale najważniejszą rolę w rozwoju sztuki holenderskiej odegrał Amsterdam.
3. Malarstwo rodzajowe
W Holandii wraz z popularnością gatunku pejzażowego pojawiają się nowe: marina - pejzaż morski, pejzaż miejski - weduta, wizerunek zwierząt - malarstwo zwierzęce. Znaczący wpływ na krajobraz wywarła twórczość Pietera Brueghela. (1525-1529). Holendrzy napisali własne, oryginalne piękno natury swojej ojczyzny. W XVII wieku holenderska szkoła malarstwa stała się jedną z wiodących w Europie. Otaczające ludzi przedmioty stały się źródłem inspiracji dla artystów. W sztuce tego czasu zakończono tworzenie systemu gatunków, który rozpoczął się w renesansie. W portretach, obrazach codziennych, pejzażach i martwych naturach artyści przekazywali swoje wrażenia z natury i życia codziennego. Nowy pomysł zaczął mieć gatunek malarstwa codziennego - malarstwo rodzajowe. Gatunek codzienny rozwinął się w dwóch odmianach – chłopskiej i mieszczańskiej (miejskiej). Na obrazach rodzajowych przedstawiano życie osoby prywatnej: biesiady biesiadników, działalność gospodarczą, muzykowanie. Artyści zwracali uwagę na wygląd zewnętrzny, pozy, kostiumy. Częścią komfortu stały się przedmioty: mahoniowy stół, szafa, fotel obity skórą, karafka z ciemnego szkła i szklanka owocowa. Gatunek ten odzwierciedlał zachowanie i komunikację ludzi należących do różnych klas.
Prace Hararda Dow były wówczas bardzo popularne. Pisze skromne sceny z życia drobnomieszczaństwa. Często przedstawia starsze kobiety siedzące przy kołowrotku lub czytające. Oczywistą tendencją Dow jest zapisywanie powierzchni przedmiotów na jej małych obrazkach – wzorów tkanin, zmarszczek starczych twarzy, rybich łusek itp. (dodatek; ryc.
Ale malarstwo rodzajowe ewoluowało. W okresie jej powstawania na nowo rozprowadzano wątki o tematyce rekreacyjnej, rozrywkowej, sceny z życia oficerów. Takie obrazy nazywano „śniadaniami”, „bankietami”, „towarzystwami”, „koncertami”. Obraz ten wyróżniał się różnorodnością barw i radosnymi tonami. Oryginał był gatunkiem - „śniadanie”. Jest to rodzaj martwej natury, w której charakter ich właścicieli został przekazany poprzez obraz naczyń i różnych potraw.
Gatunek codzienności jest najbardziej wyrazistym i oryginalnym fenomenem szkoły holenderskiej, która otworzyła życie codzienne osoby prywatnej na sztukę światową.
Tematem gatunkowym sztuki zajmował się także Jan Steen. Z poczuciem humoru dostrzegał szczegóły życia i relacji międzyludzkich. Na obrazie „Biesiadnicy” sam artysta wesoło i chytrze patrzy na widza siedzącego obok żony, która zasnęła po wesołej uczcie. A na obrazie, poprzez mimikę i gestykulację bohaterów, Jan Steen umiejętnie odsłania fabułę wyimaginowanej choroby.
Na początku lat 30. zakończono formowanie się holenderskiego malarstwa rodzajowego. Malarstwo rodzajowe podzielili według linii społecznych: wątki o tematyce z życia mieszczaństwa oraz sceny z życia chłopów i miejskiej biedoty.
Jednym ze słynnych artystów piszących w „gatunku chłopskim” był Adrian van Ostad. We wczesnym okresie twórczości obraz chłopów był komiczny. Tak więc na obrazie, oświetlonym ostrym światłem, walczący ludzie wydają się nie być żywymi ludźmi, ale marionetkami. Kontrastowe kolory zimne i ciepłe, ostre kontrasty światła tworzą maski ze złymi emocjami na twarzach.
Później artysta maluje obrazy o spokojniejszej tematyce, przedstawiające osobę podczas jej zwykłych zajęć, najczęściej w chwilach odpoczynku. Na przykład obraz wnętrza „Muzycy ze wsi”. Ostade oddaje skupienie „muzyków”, z ledwie wyczuwalnym humorem, przedstawiając obserwujące ich przez okno dzieci. Brat Adriana, Isaac van Ostade, który zmarł wcześnie, również pracował w „gatunku chłopskim”. Przedstawiał życie wiejskiej Holandii. Obraz „Zimowy widok” przedstawia typowy pejzaż z szarym niebem wiszącym nad ziemią, zamarzniętą rzeką, nad brzegiem której położona jest wieś.
W latach 50. i 60. XVII wieku zawęziła się tematyka obrazów rodzajowych, zmieniła się ich struktura. Stają się spokojniejsze, bardziej liryczne, bardziej zamyślone. Ten etap reprezentują prace takich artystów jak: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Pieter Janssens. Ich prace charakteryzują się wyidealizowanym stylem życia holenderskiej burżuazji. Tak więc na obrazie wnętrza „Pokój w domu holenderskim” Petera Janssensa przedstawiony jest przytulny pokój zalany światłem słonecznym z promieniami słońca igrającymi na podłodze i ścianach. Dobór kompozycji podkreśla jedność człowieka i jego otoczenia.
Holenderscy malarze gatunkowi starali się w swoich pracach odzwierciedlić wewnętrzny świat człowieka. W regularnie powtarzających się sytuacjach potrafili pokazać świat doznań. Tak więc Gerard Terborch w filmie „Szklanka lemoniady” przedstawił subtelny język gestów, dotyku dłoni, kontakt wzrokowy ujawnia całą gamę uczuć i relacji między postaciami.
Subtelność, prawdziwość w odtwarzaniu rzeczywistości holenderscy mistrzowie łączą z niepozornym i codziennym pięknem. Cecha ta jest bardziej widoczna w martwej naturze. Holendrzy nazwali to „stilleven”. W tym rozumieniu mistrzowie widzieli w przedmiotach nieożywionych ukryte życie związane z życiem człowieka, z jego życiem, nawykami, upodobaniami. Holenderscy malarze stworzyli wrażenie naturalnego „nieporządku” w układzie rzeczy: pokazali pokrojony tort, obraną cytrynę ze skórką wiszącą w spirali, niedokończony kieliszek wina, płonącą świecę, otwartą książkę – to zawsze wydaje się, że ktoś dotknął tych przedmiotów, tylko że ich użył, odczuwa się niewidzialną obecność człowieka.
Czołowymi mistrzami martwej natury niderlandzkiej pierwszej połowy XVII wieku był Pieter Claesz. 1i Willema Heada. Ulubionym tematem ich martwych natur są tzw. „śniadania”. W „Śniadaniu z homarem” V. Khedy (dodatek; ryc. 16) znajdują się przedmioty o różnych kształtach iz różnych materiałów – dzbanek do kawy, szklanka, cytryna, srebrny talerz. Przedmioty są ułożone w taki sposób, aby pokazać atrakcyjność i specyfikę każdego z nich. Dzięki różnorodnym technikom Kheda doskonale oddaje materiał i specyfikę ich faktury; W ten sposób blask światła inaczej gra na powierzchni szkła i metalu. Wszystkie elementy kompozycji łączy światło i kolor. W "Martwej naturze ze świecą" P. Klassa zwraca uwagę nie tylko dokładność odwzorowania materialnych walorów przedmiotów, ale również kompozycja i oświetlenie nadają im dużą ekspresję emocjonalną. Martwe natury Klassa i Khedy są do siebie podobne - to nastrój intymności i wygody, spokój w życiu mieszczańskiego domu, w którym panuje dobrobyt. Martwa natura może być postrzegana jako jeden z ważnych tematów sztuki holenderskiej – temat życia osoby prywatnej. Otrzymała swoją główną decyzję w obrazie gatunku.
Symbolizm. Martwa natura
Wszystkie elementy holenderskiej martwej natury są symboliczne. Zbiory wydane w XVIII<#"justify">o kruszące się płatki w pobliżu wazonu są oznaką słabości;
o zwiędły kwiat jest oznaką zniknięcia uczuć;
o irysy - znak Dziewicy;
o czerwone kwiaty - symbol zadość czyniącej ofiary Chrystusa;
o biała lilia jest nie tylko pięknym kwiatem, ale także symbolem czystości Najświętszej Maryi Panny;
o goździk - symbol przelanej krwi Chrystusa;
o biały tulipan - fałszywa miłość.
o granat - symbol zmartwychwstania, symbol czystości;
o jabłka, brzoskwinie, pomarańcze przypominały jesień;
o wino w szklance lub dzbanku uosabiało ofiarną krew Chrystusa;
o oliwka jest symbolem pokoju;
o zgniłe owoce to symbol starzenia się;
o kłosy pszenicy, bluszcz – symbol odrodzenia i cyklu życia.
o szkło jest symbolem kruchości;
o porcelana - czystość;
o butelka jest symbolem grzechu i pijaństwa;
o potłuczone naczynia - symbol śmierci;
o odwrócona lub pusta szklanka oznacza pustkę;
o nóż jest symbolem zdrady;
o srebrne naczynia są uosobieniem bogactwa.
o klepsydra - przypomnienie o przemijaniu życia;
o czaszka przypomina o nieuchronności śmierci;
o kłosy pszenicy - symbole odrodzenia i cyklu życia;
o chleb jest symbolem ciała Pana;
o broń i zbroja - symbol mocy i potęgi, oznaczenie tego, czego nie można zabrać ze sobą do grobu;
o klucze - symbolizują moc;
o fajka jest symbolem ulotnych i nieuchwytnych ziemskich przyjemności;
o maska karnawałowa - jest oznaką nieobecności osoby; nieodpowiedzialna przyjemność;
o lustra, szklane kule - symbole próżności, znak odbicia, nierzeczywistości.
Podstawy holenderskiego krajobrazu realistycznego ukształtowały się na początku XVII wieku. Artyści przedstawiali ukochaną przyrodę z wydmami i kanałami, domami i wioskami. Starali się oddać narodowość krajobrazu, atmosferę powietrza i specyfikę pory roku. Mistrzowie coraz bardziej podporządkowywali wszystkie elementy obrazu jednemu tonowi. Subtelnie wyczuwali kolory, umiejętnie opanowali przenoszenie przejść od światła do cienia, od tonu do tonu.
Największym przedstawicielem niderlandzkiego pejzażu realistycznego był Jan van Goyen (1596-1656). Pracował w Lejdzie i Hadze. Artysta lubił przedstawiać doliny i taflę wody rzek na niewielkich formatach płócien. Goyen pozostawił dużo miejsca na niebo z chmurami. Taki jest obraz „Widok rzeki Waal w pobliżu Nijmegen”, utrzymany w cienkiej brązowo-szarej gamie kolorystycznej.
Później zmienia się charakterystyczna istota krajobrazów. Staje się trochę szerszy, bardziej emocjonalny. Specyfika pozostaje ta sama - powściągliwa, ale tony nabierają głębi.
Wszystkie nowe cechy stylu pejzażowego zostały zawarte w jego obrazach autorstwa Jacoba van Ruysdaela (1629-1682). Przedstawiając obszerne drzewa i krzewy, wydawało się, że wysuwają się na pierwszy plan i stają się potężniejsze. Posiadając znakomite wyczucie perspektywy, Ruisdael umiejętnie oddał rozległe równiny i okolice Holandii. Dobór tonacji i oświetlenia wywołuje koncentrację. Ruisdael kochał także ruiny jako detale dekoracyjne, mówiące o zniszczeniu, kruchości ziemskiej egzystencji. „Cmentarz Żydowski” to teren zaniedbany. Ruisdael nie odniósł sukcesu w swoim czasie. Realizm jego obrazów nie odpowiadał gustom społeczeństwa. Artysta, cieszący się teraz zasłużoną światową sławą, zmarł jako biedak w przytułku w Harlemie.
Malarstwo portretowe. Fransa Halsa
Jednym z wielkich malarzy holenderskich był Frans Hals (ok. 1580-1666). Urodził się w XVII wieku w Antwerpii. Jako bardzo młody artysta trafił do Haarlemu, gdzie dorastał i kształtował się na wzór szkoły Karela Van Mandera. Haarlem szczycił się swoim artystą, a do jego pracowni sprowadzano znamienitych gości – Rubensa i Van Dycka.
Hals był prawie wyłącznie malarzem portretowym, ale jego sztuka wiele znaczyła nie tylko dla portretowania Holandii, ale także dla powstania innych gatunków. W twórczości Halsa można wyróżnić trzy typy kompozycji portretowych: portret grupowy, portret indywidualny na zamówienie oraz szczególny rodzaj wizerunków portretowych, zbliżony w swym charakterze do malarstwa rodzajowego.
W 1616 roku Hals maluje obraz „Uczta oficerów kompanii pułku piechoty św. Jerzego”, w którym całkowicie zrywa z tradycyjnym schematem tragarzy grupowych. Tworząc bardzo żywiołowe dzieło, łącząc postacie w grupy i nadając im różne pozy, niejako połączył portret z malarstwem rodzajowym. Praca zakończyła się sukcesem, a artysta został zasypany zamówieniami.
Jego postacie utrzymane są w portrecie w sposób naturalny i swobodny, ich postawa, gesty wydają się niestabilne, a wyraz ich twarzy ma się zmienić. Najbardziej niezwykłą cechą maniery twórczej Halsa jest umiejętność oddania charakteru za pomocą indywidualnej mimiki i gestów, jakby złapanych w locie - „Wesoły kumpel od pijaka”, „Mulat”, „Uśmiechnięty oficer”. Artysta uwielbiał stany emocjonalne pełne dynamiki. Ale w tej chwili, którą Hals uchwycił, zawsze zostaje uchwycone to, co najważniejsze, rdzeń obrazu „Cygana”, „Malle Baby”.
Jednak w obrazach Halsa z samego końca lat 30. i 40. pojawia się zamyślenie i smutek, portret Willema Heithuysena obcy jego bohaterom, a czasem lekka ironia w stosunku do nich artysty. Radosna akceptacja życia i człowieka stopniowo odchodzi od sztuki Halsa.
W malarstwie Halsa były punkty zwrotne. W portretach Halsa, malowanych w latach 50. i 60., dogłębne mistrzostwo charakteryzacji łączy się z nowym wewnętrznym znaczeniem. Jednym z najpotężniejszych dzieł późnego Halsa jest portret mężczyzny z Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku (1650-1652). Kompozycja portretu jest pokoleniowym wizerunkiem postaci, jej inscenizacją na wyraźnym froncie, spojrzeniem skierowanym wprost na widza, czuje się doniosłość jednostki. W postawie mężczyzny czyta się zimny autorytet i arogancką pogardę dla wszystkich. Poczucie własnej wartości łączy się w nim z ogromną ambicją. Jednocześnie w spojrzeniu pojawia się nagle nuta rozczarowania, jakby w tej osobie żałował przeszłości - swojej młodości i młodości swojego pokolenia, której ideały popadły w zapomnienie, a życiowe bodźce wyblakły.
Portrety Halsa z lat 50. i 60. ujawniają wiele w holenderskiej rzeczywistości tamtych lat. Artysta żył długo i był świadkiem odradzania się holenderskiego społeczeństwa, zanikania jego demokratycznego ducha. To nie przypadek, że sztuka Halsa wyszła z mody. Późniejsze prace Halsa z wyczuciem oddają ducha czasu, tak obcego mistrzowi, ale słyszą też własne rozczarowanie otaczającą rzeczywistością. W niektórych pracach z tych lat uchwycone zostało echo osobistych odczuć starego artysty, który tracił dawną świetność i widział już koniec swojej życiowej drogi.
Dwa lata przed śmiercią, w 1664 r., Hals namalował portrety regentów i regentów (powierników) domu opieki w Haarlemie.
W „Portrecie regentów” wszystkich łączy poczucie rozczarowania i zagłady. W regentach nie ma witalności, jak na wczesnych portretach grupowych Halsa. Każdy jest sam, każdy istnieje sam. Czarne odcienie z czerwonawo-różowymi plamami tworzą tragiczną atmosferę.
„Portret Regentów” rozwiązany jest w innej tonacji emocjonalnej. W niemal nieruchomych pozach bezdusznych, bezlitosnych staruszek czuć mistrzostwo mistrzostwa, a jednocześnie we wszystkich żyje głęboka depresja, poczucie bezsilności i rozpaczy w obliczu zbliżającej się śmierci.
Hals do końca swoich dni zachował nieomylność swojego warsztatu, a sztuka osiemdziesięcioletniego malarza zyskała przenikliwość i siłę.
6. Rembrandt van Rijn
Rembrand (1606-1669) – największy przedstawiciel złotego wieku malarstwa holenderskiego. Urodzony w Lejdzie w 1606 r. Aby otrzymać wykształcenie artystyczne, artysta przeniósł się do Amsterdamu i wstąpił do warsztatu Petera Lastmana, a następnie wrócił do Lejdy, gdzie w 1625 roku rozpoczął samodzielne życie twórcze. W 1631 roku Rembrandt ostatecznie przeniósł się do Amsterdamu iz tym miastem związana jest reszta życia mistrza.
Dzieło Rembrandta jest przepojone filozoficznym rozumieniem życia i wewnętrznego świata człowieka. Jest to szczyt rozwoju sztuki holenderskiej XVII wieku. Dziedzictwo artystyczne Rembrandta wyróżnia się różnorodnością gatunków. Malował portrety, martwe natury, pejzaże, sceny rodzajowe, obrazy o tematyce historycznej, biblijnej, mitologicznej. Ale największa głębia twórczości artysty osiągana jest w ostatnich latach jego życia. Uffizi ma trzy dzieła wielkiego mistrza. To autoportret z młodości, autoportret ze starości, portret starca (rabina).W wielu późniejszych pracach artysta zanurza całą powierzchnię płótna w mroku, skupiając uwagę widza na Twarz.
Tak przedstawiał się Rembrandt w wieku 23 lat.
Okres przeprowadzki do Amsterdamu zaznaczył się w twórczej biografii Rembrandta powstaniem wielu studiów męskich i żeńskich.
W 1653 roku, przeżywając trudności finansowe, artysta przekazał prawie cały swój majątek synowi Tytusowi, po czym w 1656 roku ogłosił bankructwo. Po sprzedaży domu i majątku artysta przeniósł się na przedmieścia Amsterdamu, do dzielnicy żydowskiej, gdzie spędził resztę życia. Najbliższą mu osobą w tamtych latach był najwyraźniej Tytus, ponieważ. jego obrazy są najliczniejsze. Śmierć Tytusa w 1668 roku była dla artysty jednym z ostatnich zrządzeń losu; on sam odszedł rok później. „Mateusz i anioł” (1661). Być może wzorem anioła był Tytus.
Ostatnie dwie dekady życia Rembrandta były szczytem jego umiejętności jako portrecisty. Modelami są towarzysze artysty (Nicholas Breining
7. Jana Delfta Vermeera
holenderskie malarstwo artystyczne martwa natura
Vermeer Delftsky Jan (1632-1675) – holenderski malarz, największy mistrz niderlandzkiego malarstwa gatunkowego i pejzażowego. Vermeer pracował w Delft. Jako artysta rozwijał się pod wpływem Karela Fabriciusa, który zginął tragicznie w wybuchu prochowni.
Wczesne obrazy Vermeera charakteryzują się wzniosłością obrazów ( Chrystus z Martą i Marią ). Silny wpływ na twórczość Vermeera miała twórczość mistrza malarstwa rodzajowego Petera de Hoocha. Styl tego malarza jest dalej rozwijany w obrazach Vermeera.
Od drugiej połowy lat 50. Vermeer malował małe obrazy z jedną lub kilkoma postaciami w srebrzystym świetle wnętrza domu ( Dziewczyna z listem Pokojówka z dzbankiem mleka ). Pod koniec lat 50. Vermeer stworzył dwa arcydzieła malarstwa pejzażowego: uduchowiony obraz ulica z błyszczącymi, świeżymi, czystymi kolorami i obrazem Widok na miasto Delft . W latach 60. twórczość Vermeera staje się bardziej wyrafinowana, a malarstwo staje się zimne. ( Dziewczyna z perłą.
Pod koniec lat 60. artysta często przedstawiał bogato wyposażone pokoje, w których panie i panowie grają muzykę i toczą galanteryjne rozmowy.
W ostatnich latach życia Vermeera jego sytuacja finansowa znacznie się pogorszyła. Popyt na obrazy gwałtownie spadł, malarz był zmuszony zaciągać kredyty, aby wyżywić jedenaścioro dzieci i innych członków rodziny. To prawdopodobnie przyspieszyło nadejście śmierci. Nie wiadomo, co się stało – ostra choroba, czy depresja finansowa, ale Vermeer został pochowany w 1675 roku w rodzinnym grobowcu w Delft.
Indywidualna twórczość Vermeera po jego śmierci nie została doceniona przez współczesnych. Zainteresowanie nim odżyło dopiero w XIX wieku, dzięki działaniom krytyka i historyka sztuki Etienne'a Theophile'a Thoreta, który "odkrył" Vermeera dla szerokiej publiczności.
Wniosek
Odwoływanie się do rzeczywistości pomogło poszerzyć możliwości artystyczne sztuki holenderskiej, wzbogaciło jej tematykę gatunkową. O ile przed XVII w. tematyka biblijna i mitologiczna miały duże znaczenie w sztukach pięknych Europy, a inne gatunki były słabo rozwinięte, o tyle w sztuce niderlandzkiej proporcje między gatunkami zmieniają się diametralnie. Powstają takie gatunki jak: gatunek codzienny, portret, pejzaż, martwa natura. Same sceny biblijne i mitologiczne w sztuce holenderskiej w dużej mierze tracą swoje dawne formy ucieleśnienia i są obecnie interpretowane jako codzienne obrazy.
Przy całym tym dorobku sztuka holenderska nosiła też pewne specyficzne cechy ograniczenia – wąski krąg wątków i motywów. Kolejny minus: tylko niektórzy mistrzowie starali się znaleźć swoje głębokie podstawy w zjawiskach.
Ale w wielu obrazach kompozycyjnych, portretach obrazy mają najgłębszą naturę, a pejzaże pokazują prawdziwą i prawdziwą naturę. Stało się to charakterystyczną cechą sztuki holenderskiej. W ten sposób malarze dokonali wielkiego przełomu w sztuce, opanowawszy trudną i złożoną umiejętność malowania obrazów wewnętrznego świata osoby i doświadczenia.
Test dał mi możliwość sprawdzenia swoich zdolności twórczych, uzupełnienia wiedzy teoretycznej, poznania holenderskich artystów i ich twórczości.
Korepetycje
Potrzebujesz pomocy w nauce tematu?
Nasi eksperci doradzą lub udzielą korepetycji z interesujących Cię tematów.
Złożyć wniosek wskazanie tematu już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.
Wszyscy wiemy, że w Holandii od wieków powstają wyjątkowe dzieła sztuki. Ale co dzieje się dzisiaj na scenie sztuki współczesnej? Który z młodych artystów będzie mógł przejść do historii? W Amsterdamie, podobnie jak w wielu innych dużych holenderskich miastach, znajduje się wiele ciekawych galerii, w których odbywają się wspaniałe wystawy utalentowanych kreatywnych artystów z całego kraju. Ponieważ istnieje ogromna liczba współczesnych artystów holenderskich znanych zarówno w kraju, jak i za granicą, ich prace można znaleźć zarówno w dużych muzeach poziomu Stedelijk, jak iw małych galeriach KochxBos Gallery czy Nederlands Fotomuseum.
Poniżej znajduje się pięciu wschodzących holenderskich artystów, którzy przykuli uwagę świata iz pewnością przyczynią się do historii sztuki w Holandii.
Daana Roosegaarda
„Celem mojej pracy jest skłonienie ludzi do myślenia o przyszłości” — mówi Roosegaard. Ten artysta i innowator jest laureatem wielu nagród. Zdobył rozgłos w świecie sztuki współczesnej dzięki swojej instalacji Dune z 2006 roku. Interaktywne podświetlane oznakowanie zainstalowane wzdłuż rzeki Meuse w Rotterdamie otworzyło drzwi dla artysty mającego obsesję na punkcie technologii, projektowania i architektury. W swojej pracy Roosegaard tworzy futurystyczny świat, w którym ludzie i technologia harmonijnie ze sobą współdziałają. Od lutego do 5 maja Lotus Dome będzie eksponowany w Beuning Hall w Rijksmuseum. Ta dwumetrowa kopuła reaguje na zbliżanie się ludzi: rozkwitają setki aluminiowych kwiatów, czując ciepło odwiedzających.
Levy van Veluwe
Tradycyjne sposoby tworzenia dzieł sztuki przez van Veluwu, artystę z Heuvelaken, to zdecydowanie za mało. Jego portfolio obejmuje fotografie, rzeźby, rysunki i instalacje, a wykorzystywanie siebie jako materiału jest znakiem rozpoznawczym jego twórczości. To nie przypadek, że jego pierwsza wystawa w Ron Mandos Gallery w Amsterdamie obejmowała serię sześciu fotografii przedstawiających niezwykle szczegółowe rysunki wykonane długopisem. Zamiast płótna artysta malował na własnej twarzy. Związek między ciałem a powierzchnią odkryli powojenni artyści, którzy rozwinęli sztukę performance na niespotykany dotąd poziom. Ale użycie przedmiotów codziennego użytku, takich jak długopis, do stworzenia dzieła sztuki było niezbędne dla sukcesu van Veluwe. Rozwijając ten pomysł w swoim osobistym stylu, Levi van Veluwe był w stanie zaprezentować swoje prace w najlepszych muzeach świata i wprowadzić holenderską sztukę współczesną na arenę międzynarodową.
Tony'ego Van Tila
Tony Van Til ukończył w 2007 roku studia na wydziale sztuk pięknych St. Just, instytucji edukacyjnej zlokalizowanej w małym miasteczku Breda na południu. Po ukończeniu studiów młody artysta zajmuje się ciekawymi projektami. Jednym z nich jest „Rzeźby na Twitterze”. Od 2012 roku prowadzi konto na Twitterze, na którym w 140 znakach opisuje pomysły na rzeźby. Na przykład jeden z pomysłów to „portret botoksowej piękności, powiększony do rozmiarów 4-piętrowej ściany”, inne są bardziej abstrakcyjne: tworzenie „cieni z narastającym bólem”. Inne prace artystki to m.in. rysunki zawierające więcej pomysłów na rzeźby. Czy tweetowanie jest kreatywne? Dla Van Tila odpowiedź brzmi „tak”.
Anouk Kruithof
Ten artysta z Dordrechtu wykorzystuje fotografie jako materiał źródłowy do rozdawania rzeźb, instalacji, książek i broszur. Od czasu do czasu tworzy anonimowe przedmioty (takie jak pocztówki i plakaty), które odwiedzający mogą zabrać do domu. Stedelijk Museum gości obecnie wystawę jej i innej holenderskiej artystki Pauline Olseten. Instalacja na pierwszym piętrze przedstawia ich interpretację fotografii ulicznej. Cechą charakterystyczną prac jest podkreślony podziw dla ludzi i obcych. Kolejnym aspektem życia, który zwraca jej uwagę, jest kolor. Według artystki „tworzy porządek w chaosie” metodą gradacji barw.
Hykeny Harmy
Mówiąc o współczesnej sztuce holenderskiej trudno nie wspomnieć o firmie Harma Heykens. Jej pierwsze wystawy sięgają początku lat 90. Naturalnej wielkości rzeźby łączą styl mangi ze współczesną sztuką uliczną. Twórczość Harmy Heykens nie jest łatwa w odbiorze, zwłaszcza na pierwszy rzut oka. Wielu nazywało je nawet „dziwacznym kiczem”. Wynika to z faktu, że artystka wybrała bardzo bolesny temat: wykorzystywanie dzieci w społeczeństwie konsumpcyjnym, w którym wypaczane są wartości. Jej rzeźby przedstawiają zaburzony świat biednych i wykorzystywanych dzieci, stanowiąc dla widza wezwanie do zwrócenia uwagi na głęboko zakorzenione problemy społeczne.
