Cykl programów koncertowych(Rosja, 2010). 10 problemów.
We współczesnej kulturze muzycznej nie ma bardziej autorytatywnych postaci niż przedstawiciele światowej elity dyrygenckiej. Twórcy cyklu wybrali dziesięć znaczących nazwisk – Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons, a także ich sławni rosyjscy koledzy. Dziś są powszechnie uznanymi mistrzami i liderami największych orkiestr.
Każdy program oparty jest na występie jednego z wymienionych mistrzów z jego orkiestrą.
Soliści: skrzypkowie Vadim Repin i Siergiej Kryłow, oboista Aleksiej Utkin, pianista Denis Matsuev i inni.
Program jest najbardziej zróżnicowany - od I.S. Bacha do A. Schönberga i A. Pärta. Wszystkie utwory należą do arcydzieł muzyki światowej.
Gospodarzem cyklu jest pianista Denis Matsuev.
1. wydanie. .
Solista Vadim Repin.
W programie: I. Strawiński. Symfonia w trzech częściach; M. Bruch. Koncert skrzypcowy nr 1 g-moll; L. Beethovena. Symfonia nr 7.
2. numer. Vladimir Fedoseev i Orkiestra Symfoniczna Bolszoj. LICZBA PI. Czajkowski.
W programie: L. Beethoven. Symfonia nr 4.
Nagrano w Złotej Sali Musikverein w Wiedniu.
3. edycja. „Maris Jansons i Orkiestra Symfoniczna Radia Bawarskiego” .
Program: R. Wagner. Introdukcja i „Śmierć Izoldy” z opery „Tristan i Izolda”; R. Straussa. Suita walców z opery „Kawaler róży”.
4. numer. „Daniel Barenboim i West-Eastern Divan Orchestra”.
Program: V.A. Mozarta. Koncert nr 7 F-dur na trzy fortepiany i orkiestrę. Soliści - Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schönberga. Wariacje na orkiestrę. G. Verdiego. Uwertura do opery „Siła przeznaczenia”.
5. numer. „Vladimir Spivakov i Orkiestra Filharmonii Narodowej Rosji.
Siergiej Prokofiew. Koncert nr 3 na fortepian i orkiestrę. Symfonia nr 1 „Klasyczna”. Solista Denis Matsuev. Nagrany w Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego w 2008 roku.
6. edycja. „Lauryn Maazel i Orkiestra Symfoniczna Arturo Toscaniniego”
W programie: Giacchino Rossini. Uwertura do opery „Włoszka w Algierze”; Johannesa Brahmsa. Symfonia nr 2.
Nagrano w Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego.
7. numer. Yuri Temirkanov i Akademicka Orkiestra Symfoniczna Filharmonii Petersburskiej. DD Szostakowicz.
8. edycja. Yuri Bashmet i Moskiewski Zespół Kameralny Solistów.
W programie: Joseph Haydn - Koncert na wiolonczelę i orkiestrę. Solista Steven Isserlis (Wielka Brytania), Niccolo Paganini - 5 kaprysów (oprac. E. Denisov na skrzypce i orkiestrę kameralną). Solista Sergey Krylov (Włochy); VA Mozart - Divertimento nr 1.
Nagranie w BZK.
9. edycja. Michaił Pletnev i Rosyjska Orkiestra Narodowa
Rosyjska Orkiestra Narodowa wykona suitę z baletu P.I. Czajkowskiego „Jezioro łabędzie”, skomponowane przez Michaiła Pletnewa. Nagranie w Teatrze Bolszoj w Rosji w ramach Wielkiego Festiwalu RNO, 2009.
10. edycja. Valery Gergiev i Orkiestra Symfoniczna Teatru Maryjskiego
Orkiestra Symfoniczna Teatru Maryjskiego pod dyrekcją Walerego Gergiewa wykonuje orkiestrowe przeboje - uwertury z oper Rossiniego, Verdiego, Wagnera, walce z baletów Czajkowskiego, fragmenty Romea i Julii Prokofiewa.
Byłoby z mojej strony niespotykaną arogancją mówić o słynnych dyrygentach wszystkich czasów i narodów. Na ten temat mogę jedynie podać link do opinii bardziej miarodajnych ode mnie ekspertów :). Ale moja własna opinia też ma jakąś wartość, jak każda niezależna opinia myślącej osoby, prawda? Postępuję więc tak: postaram się wskazać główne etapy rozwoju sztuki reżyserskiej oraz nazwiska znanych dyrygentów związanych z tymi etapami. Więc będzie sprawiedliwie z każdej strony :)
- Jeden z wczesnych etapów dyrygentury
związany z bardzo nieporęcznym przedmiotem zwanym „battuta”. Rodzaj kija, którym główny kierownik muzyczny uderzał o podłogę, odmierzając rytm. Z kolei z tą samą trampoliną wiąże się najbardziej absurdalny tragiczny incydent w muzycznym świecie. Kompozytor, muzyk i dyrygent Jean-Baptiste Lully zmarł na gangrenę w 1687 roku. A powodem była kontuzja nogi podczas prowadzenia z pomocą trampoliny...
- W XVII wieku rola dyrygenta
bardzo często wykonywane przez czołowych muzyków orkiestry. Czasem byli to organiści lub klawesyniści, ale częściej skrzypkowie. Prawdopodobnie z tej tradycji wywodzi się określenie „pierwsze skrzypce”? I tutaj chcę wymienić następującą, dość nowoczesną nazwę: Willy'ego Boskowskiego. Jako skrzypek i dyrygent przez kilkadziesiąt lat XX wieku był koncertmistrzem słynnej Orkiestry Filharmonii Wiedeńskiej. A ta orkiestra, zgodnie z tradycją, nigdy nie miała głównego dyrygenta. Boskowski często dyrygował w stylu samego Straussa, ze skrzypcami w ręku.
- Dzieła muzyczne końca XVIII i XIX wieku
stało się tak skomplikowane, że następnym logicznym krokiem było ukształtowanie zawodu „wyzwolonego” dyrygenta. Teraz prace wykonują nie tylko własne kompozycje, ale także inni koledzy z warsztatu. Z biegiem czasu istnieje wyraźny podział na rodzaje działalności: dyrygent nie jest już koniecznie kompozytorem! Niektórzy z pierwszych profesjonalnych dyrygentów, którym udało się zdobyć międzynarodową renomę, byli Hansa von Bülowa oraz Hermana Levy'ego.
- Nie sposób nie wspomnieć o takim wydarzeniu - pojawieniu się batuty dyrygenckiej.
Stało się to w XIX wieku, a określony wówczas wygląd tego ważnego instrumentu pozostaje tradycyjny do dziś. A wynalazca jest uważany za niemieckiego kompozytora i dyrygenta Louis Spur.
- W historii dyrygentury nadchodzi prawdziwie rewolucyjny moment.
Mianowicie: dyrygent odwraca się twarzą do orkiestry i z powrotem do publiczności! Szczerze mówiąc: nie mogę sobie czegoś wyobrazić, ale jak to było wcześniej? Czy mistrz nie mógł dyrygować twarzą do publiczności, ale tyłem do muzyków?! Cóż, niech tak będzie, to wydarzenie jest obchodzone jako wyjątkowe. I w związku z tym pamiętam najbardziej przenikliwy, rozdzierający serce fragment: całkowicie ogłuszony Beethovena dyryguje prawykonaniem swojej IX Symfonii. Wykonanie zakończone. Kompozytor nie słyszy żadnych dźwięków. Stojąc tyłem do publiczności, nie widzi nawet reakcji publiczności. A potem muzycy odwracają go twarzą do publiczności i Beethoven widzi, jaki triumf przyniosło jego nowe dzieło.
- Na koniec pozwolę sobie wyrazić moje osobiste uczucia :).
Jakże nieoczekiwanie przekonałem się na własnej skórze: trudno mi oceniać profesjonalizm dyrygenta, dlatego w moich ocenach „dostaję” takie cechy jak kunszt i poczucie humoru. Prawdopodobnie dlatego wyróżniam dwóch dyrygentów XX wieku: Giennadij Rożdiestwienski oraz Daniela Barenboima. Nagraniem przemówienia tego ostatniego kończę ten wpis:
Carlos Kleiber uznany za najlepszego dyrygenta wszechczasów.
Według sondażu przeprowadzonego przez angielski magazyn Magazyn muzyczny BBC, Carlosa Kleibera uznawany za najlepszego dyrygenta wszech czasów. Ankieta została przeprowadzona wśród 100 czołowych dyrygentów naszych czasów, takich jak Sir Colin Davis, Gustavo Dudamel, Valery Gergiev, Maris Jansons i inni, aby dowiedzieć się, którego ze swoich kolegów podziwiają najbardziej (kto jest dla nich inspiracją). Carlos Kleiber, austriacki mistrz, który w ciągu 74 lat dał tylko 96 koncertów i około 400 przedstawień operowych, wyprzedził Leonarda Bernsteina i Claudio Abbado, którzy zajęli odpowiednio drugie i trzecie miejsce.
Susanna Mälkki, fińska dyrygentka francuskiego Ensemble Intercontemporain i jedna z uczestniczek badania, tak skomentowała wyniki: „Carlos Kleiber wniósł do muzyki niesamowitą energię… Tak, miał około pięć razy więcej czasu na próby niż dzisiejsi dyrygenci mogą sobie pozwolić, ale zasługuje na to, ponieważ jego wizja muzyki jest niesamowita, dokładnie wie, czego chce, a jego dbałość o najdrobniejsze szczegóły jest naprawdę inspirująca”.
Więc, 20 najlepszych dyrygentów wszechczasów według sondażu BBC Music Magazine przeprowadzonego w listopadzie 2010 i opublikowanego w marcu 2011.
1. Carlos Kleiber (1930-2004) Austria
2. Leonard Bernstein (1918-1990) USA
3. (ur. 1933) Włochy
4. Herbert von Karajan ((1908-1989) Austria
5. Nikolaus Harnoncourt (ur. 1929) Austria
6 Sir Simon Rattle (ur. 1955) Wielka Brytania
7. Wilhelm Furtwangler (1896-1954) Niemcy
8. Arturo Toscanini (1867-1957) Włochy
9. Pierre Boulez (ur. 1925) Francja
10. Carlo Maria Giulini (1914-2005) Włochy
11. John Eliot Gardiner (ur. 1943) Wielka Brytania
12.
13. Ferenc Fricsay (1914-1963) Węgry
14. George Szell (1897-1970) Węgry
15. Bernard Haitink (ur. 1929) Holandia
16. Pierre Monteux (1875-1964) Francja
17. Jewgienij Mrawiński (1903-1988) Rosja (ZSRR)
18 Colin Davis (ur. 1927) Wielka Brytania
19. Thomas Beecham (1879-1961) Wielka Brytania
20. Charles Mackerras (1925-2010) Australia
Życiorys:
Carlos Kleiber (pełne imię i nazwisko Carl Ludwig Kleiber) to austriacki dyrygent. Urodzony 3 lipca 1930 w Berlinie, syn słynnego dyrygenta Ericha Kleibera. Dorastał w Argentynie w latach 1949-1950. studiował chemię w Zurychu. Karierę muzyczną rozpoczął w 1951 roku jako korepetytor w Monachium. Debiut Kleibera jako dyrygenta miał miejsce w 1954 roku w Poczdamie. Następnie pracował w Dusseldorfie, Zurychu i Stuttgarcie. W latach 1968-1973. pracował w Bawarskiej Operze Państwowej w Monachium i był jej gościnnym dyrygentem do 1988 roku. W 1973 roku po raz pierwszy wystąpił w Wiedeńskiej Operze Państwowej. Występował w La Scali, Covent Garden (od 1974), Metropolitan Opera (od 1988) i innych teatrach; brał udział w festiwalu w Edynburgu (od 1966). Współpracował z orkiestrami Filharmonii Wiedeńskiej i Berlińskiej. Ostatni występ dyrygenta miał miejsce w 1999 roku. Zmarł 13 lipca 2004 roku w Słowenii.
LV Beethoven. Symfonia nr 7 op.92.
Królewska Orkiestra Concertgebouw (Holandia). Dyrygent Carlos Klaiber.
G. Łomakin(1811-1885). Sława utalentowanego nauczyciela śpiewu dotarła do Lomakin wcześnie i szybko rozprzestrzeniła się po północnej stolicy. Był zapraszany do nauczania w wielu instytucjach edukacyjnych: korpusie kadetów, marynarki wojennej i strony, liceum, szkole teatralnej, szkole prawniczej (gdzie studiował wówczas P. Czajkowski). W tej szkole spotkał się G.Ya. Lomakin z krytykiem sztuki V.V. Stasow. Wybitny rosyjski krytyk wielokrotnie zwracał uwagę na „doskonałą szkołę”, „właściwą ścieżkę nauki”, „wrodzony talent”, „znaczenie i umiejętność prowadzenia chóru” Łomakina, które odegrały znaczącą rolę w karierze naszego rodaka. W 1862 wraz ze słynnym kompozytorem M.A. Bałakiriewa Łomakin zorganizował bezpłatną szkołę muzyczną - aby oświecić i edukować ludzi. W szkole G.Ya. Lomakin nie tylko stworzył wspaniały nowy chór, ale także zdołał zorganizować kształcenie przyszłych nauczycieli muzyki. Wielu jego uczniów zostało sławnymi muzykami: śpiewakami, dyrygentami chórów, nauczycielami. Gavriil Yakimovich ostatnie lata życia poświęcił pracy kompozytorskiej: wcześniej komponować mógł tylko zrywami, w krótkich godzinach przerw między zajęciami z chórami. W tym okresie stworzył szereg kompozycji na chór, napisał kilka romansów. A w 1883 roku, kiedy M.A. Bałakiriewa, Łomakin otrzymał również rzadką okazję do opublikowania swoich prac. Ostatnie dni życia poświęcił ich rewizji i redagowaniu arkuszy próbnych.
A. Archangielski (1846-1924)
Kaplica dworska.
Niezależny chór (1880).
Kaplica hrabiego Szeremietiewa.
CV Smoleński (1848-1909)
Dyrektor szkoły synodalnej (1889-1901).
Dyrektor chóru dworskiego (1901-1903).
Dyrektor prywatnych kursów regencyjnych (St.Petersburg)
VS. Orłow (1856-1907).
Chór Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1878-1886).
Kaplica Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1882-1888).
Regent Chóru Synodalnego (1886-1907).
Aleksander Dmitriewicz Kastalski (1856-1926).
Chór synodalny (regent od 1901).
Paweł Grigoriewicz Czesnokow (1877-1944).
Prywatny chór duchowy A.P. Kajutowa.
Chór Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1916-1917).
Regent kościołów moskiewskich.
Nikołaj Michajłowicz Danilin (1856-1945).
Chór synodalny (1910-1918).
Prywatny chór Kayutov (1915-1917).
Kaplica Akademicka w Leningradzie.
Chór Państwowy ZSRR.
Swiesznikow Aleksander Wasiljewicz(1890-1980), dyrygent chóru, Artysta Ludowy ZSRR (1956), Bohater Pracy Socjalistycznej (1970). W latach 1936-37 był kierownikiem artystycznym Państwowego Chóru ZSRR, zorganizowanego na bazie utworzonego przez siebie w 1928 Ogólnounijnego Radiowego Zespołu Wokalnego; w latach 1937-1941 - Leningrad. kaplice; od 1941 - Państwowy Chór Rosyjskiej Pieśni (później Państwowy Akademicki Chór Rosyjski ZSRR). Organizator (1944) i dyrektor Moskwy. szkoła chóralna (od 1991 Akademia Sztuki Chóralnej im. S.). Profesor (od 1946), rektor (1948-74) Moskwa. konserwatorium. Nagroda Państwowa ZSRR (1946).
JURŁOW Aleksander Aleksandrowicz (1927-73), dyrygent chóralny, Artysta Ludowy RFSRR (1970), Azerbejdżan. SRR (1972). uczeń AV Swesznikow. Od 1958 dyrektor artystyczny i główny dyrygent Orkiestry Rep. Rosyjski kaplica chóralna (od 1973 nosi jego imię). Profesor Pedagogiki Muzycznej. instytut. Gnesins (od 1970). Nagroda Państwowa ZSRR (1967).
Tevlin Boris Grigoryevich dyrygent chóralny, profesor (1981), kierownik katedry dyrygentury chóralnej w Konserwatorium Moskiewskim im. Piotra Czajkowskiego (1993-2007). Artysta Ludowy Federacji Rosyjskiej (1995).
Kazachkow Siemion Abramowicz (1909-2005) - pedagog, profesor, kierownik katedry dyrygentury chóralnej w Kazańskim Konserwatorium Państwowym.
Minin Władimir Nikołajewicz (ur. 1929), dyrygent chóralny, Artysta Ludowy ZSRR (1988). Student V.G. Sokołowa, A.V. Swesznikow. Od 1972 r. ręce. założona przez niego Moskwa. chór kameralny, od 1987 (jednocześnie) dyrektor artystyczny Państwa. Rosyjski chór. Od 1978 profesor (w latach 1971-79 rektor) Muzyczno-pedagog. instytut. Gnesiny. Nagroda Państwowa ZSRR (1982).
Dmitriak Giennadij Aleksandrowicz - dyrygent chóralny, operowy i symfoniczny, Honorowy Artysta Rosji, dyrektor artystyczny i główny dyrygent Państwowego Chóru Akademickiego Rosji im. Yurlov i Capella „Kreml moskiewski”, profesor nadzwyczajny Wydziału Dyrygentury Chóralnej Rosyjskiej Akademii Muzycznej. Gniesinich.
Wymagania dla dyrygenta chóru
Doskonała znajomość techniki dyrygenckiej;
Umieć poprawnie rozmieścić członków chóru w częściach zgodnie z ich głosem i zakresem śpiewu;
Z łatwością poruszasz się po całej gamie dzieł muzycznych różnych stylów, epok, kierunków, znasz teoretyczne podstawy nagrywania i czytania partytur chóralnych;
Mieć dobry słuch muzyczny, poczucie rytmu i rozwinięty gust artystyczny.
Gatunki muzyki chóralnej
WILLANELLA(włoska pieśń wiejska) – włoska pieśń XV-XVI w., głównie 3-głosowa, z par al. ruch głosów, żywy charakter, treść liryczna lub humorystyczna.
KANON(Norma grecka, reguła) - polifoniczny. musical. oparte na formularzu. na ścisłej ciągłej imitacji, pod którą. głosy powtarzają melodię głosu prowadzącego, wchodząc przed zakończeniem z poprzednim. Kanon wyróżnia się liczbą głosów, interwałami między nimi (Kanon in prima, kwinta, oktawa itp.), liczbą tematów naśladowanych jednocześnie (kanon prosty; podwójny np. w nr 4 Requiem Mozarta, itp.), forma imitacji (kanon we wzroście, spadku). W tak zwanym kanonie nieskończonym koniec melodii przechodzi w jej początek, więc głosy mogą powracać dowolną ilość razy. W kanonie ze „zmiennym wskaźnikiem” (Vl. Protopopov) podczas imitacji zachowany jest wzór melodyczny i rytm, ale zmienia się interwał. Imitacja kanoniczna, w takiej czy innej formie, jest często używana w refrenie. op.; są sztuki napisane w formie K. („Echo” O. Lasso, „Pieśń skowronka” F. Mendelssohna, arr. N.A. Rimsky-Korsakov „Idę z próżniakiem” itp.).
KANT(od łac. cantus - śpiew, pieśń) - rodzaj starej pieśni chóralnej lub zespołowej a czapka. Powstał w XVI wieku. w Polsce, później - na Ukrainie, od 2. płci. XVII wiek - w Rosji, który stał się powszechny jako wczesny typ pieśni miejskiej; do początku XVIII wiek - ulubiony gatunek muzyki domowej, codziennej. Kant początkowo jest hymnem-pieśnią o treści religijnej, później przesiąknięty jest tematami świeckimi; pojawiają się krawędzie. liryczne, pasterskie, pijackie, komiczne, marszowe itp. W dobie Piotra Wielkiego śpiewano panegirycznie, tzw. wiwat; wykonywane przez chóry śpiewaków podczas uroczystości i pochodów triumfalnych, przy akompaniamencie wystrzałów armatnich, fanfar i bicia dzwonów. Cechy stylistyczne Kanta: forma dwuwierszowa, podporządkowanie rytmu muzycznego poetyce; klarowność rytmiczna i płynność melodii; głównie składnica 3-głosowa z równoległym ruchem 2 głosów górnych, bas często rozbudowany melodycznie; jest też imitacja. W cante występuje naturalna korelacja melodii i harmonii, równowaga funkcji harmonicznych - subdominanty, dominanty, toniki. B. Asafiew zwraca uwagę, że „w ewolucji muzyki w drugiej połowie XVIII i na początku XIX wieku. Kant staje się rodzajem krótkiej encyklopedii triumfującego stylu homofonicznego” („Musical Form as a Process”, L., 1963, s. 288). Kanty były rozprowadzane w zbiorach rękopisów, bez wskazywania autorów tekstu i muzyki, choć często wykorzystywano wiersze współczesnych poetów Trediakowskiego, Łomonosowa, Sumarokowa i innych. nar. piosenki. Stopniowo obrzeże stawało się coraz bardziej skomplikowane, nabierając cech romansu. Później (w XIX w.) na kancie powstawały pieśni żołnierskie, pijackie, studenckie, częściowo rewolucyjne. Wpływy Kanta można znaleźć także w języku rosyjskim. muzyka klasyczna, Glinki („Chwała” z opery „Iwan Susanin”) itp.
KANTATA(z włoskiego cantare - śpiewać) - utwór na śpiewaków-solistów, chór i orkiestrę, o charakterze podniosłym lub liryczno-epickim. Kantaty mogą być chóralne (bez solistów), kameralne (bez chóru), z towarzyszeniem fortepianu lub bez, jednoczęściowe lub złożone z kilku ukończonych numerów. Od oratorium (zbliżonego do niego środkami wyrazu) kantata różni się zazwyczaj mniejszymi rozmiarami, jednolitością treści i mniej rozbudowaną fabułą. Kantata powstała we Włoszech (XVII w.), początkowo jako utwór do śpiewania (w przeciwieństwie do sonaty). Oznacza to, że kantata zajmuje miejsce w twórczości J. S. Bacha, który pisał kantaty o tematyce duchowej, mitologicznej i codziennej. W Rosji kantata objawiła się w XVIII wieku i osiągnęła swój rozwój w XIX i XX wieku: solowa kantata teatralna („Czarny szal” Wierstowskiego), kantaty powitalne, rocznicowe, liryczne, liryczno-filozoficzne („Pieśni pożegnalne Uczniów Instytutów Katarzyny i Smolnego” Glinki; „Moskwa”, „Radość” Czajkowskiego; „Świtezianka” Rimskiego-Korsakowa; „Jan z Damaszku”, „Po przeczytaniu psalmu” Tanejewa; „Wiosna ”, „Dzwony” Rachmaninowa; „Kantata na otwarcie pomnika Glinki” Bałakiriewa itp. d.).
Gatunek kantaty rozwinął się w twórczości kompozytorów radzieckich, zwłaszcza w utworach o tematyce historycznej, patriotycznej i współczesnej (Aleksander Newski Prokofiewa, Symfonia-kantata „Na polu Kulikowo” Szaporina, „Kantata o ojczyźnie” Arutiuniana, itp.). Współczesny kompozytor niemiecki K. Orff pisał kantaty sceniczne (Carmina Burana i inne).
MADRIGAŁ(włoski) - piosenka liryczna w języku ojczystym. (w przeciwieństwie do pieśni w łac., lang.), pierwotnie monofoniczne. We wczesnym renesansie (XIV w.) wykonywano ją na 2-3 głosy. W epoce późnego renesansu (XVI w.) zajmowała centralne miejsce, miejsce w muzyce świeckiej, reprezentując jednogłosową lub wielogłosową kompozycję wokalną o składnicy polifonicznej na 4-5 głosów; był dystrybuowany poza Włochami. Gatunek madrygałów jest przeważnie liryczny, ściśle związany z tekstem poetyckim (aż do ilustracji poszczególnych słów). Wykształcony w kręgach arystokratycznych madrygał melodyczny (w przeciwieństwie do frotolli, villanelli, chanson itp.) daleki jest od muzyki ludowej, często zbyt wyrafinowany; miało jednocześnie znaczenie progresywne, poszerzające paletę obrazów i środków wyrazu. Bardziej prosty, związany z folklorem, emocjonalny angielski madrygał z XVI-XVII wieku. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). Do XVII wieku madrygał odchodzi od wokalnie polifonicznego stylu, podkreślając głos solowy z akompaniamentem instrumentalnym. Wybitnymi mistrzami madrygału (na różnych etapach jego rozwoju) byli Arkadelt, Villart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi.
MOTET(z francuskiego mot - słowo) - gatunek wokalny. polifoniczny. muzyka. Początkowo we Francji (XII-XIV w.) Kilka połączono w motet. (najczęściej 3) niezależne melodie z różnymi tekstami: w głosie niższym (tenorowym) - kościelnym. śpiew w tekście łacińskim, w środku (motet) i u góry (triplum) - pieśni miłosne lub komiczne w potocznym języku francuskim. Kościół katolicki zwalczał takie „wulgarne motety”, przeciwstawiając je (od XV wieku) hymnom polifonicznym do jednego tekstu łacińskiego. Na chór a cap zostały napisane madrygały. (z kon. w XVII wieku były motety dla śpiewaków solowych z towarzyszeniem instrumentalnym.
CHÓR OPEROWY- jeden z głównych elementów współczesnego spektaklu operowego. W związku z epoką, gatunkiem, indywidualnością kompozytora chór pełni w operze inną rolę niż kreowanie domowego tła, element zdobniczy, uczestnik prologu, interludia do kan. osoba działająca. W operze seria („opera poważna”, XVII-XVIII w.) chór był prawie nieobecny, w operze buffa („opera komiczna”, XVIII w.) pojawiał się sporadycznie (np. w finałach). Rola chóru jako nośnika obrazu ludu w operach Glucka i Cherubiniego została wzmocniona, choć często chór jest. sceny w nich mają charakter oratoryjno-statyczny. Większe znaczenie dramatyczne nadawał chórowi w operach zachodnioeuropejskich pierwszej tercji XIX wieku, Rossiniego (William Tell), Verdiego (Nabucco, Bitwa pod Legnano), z ich wizerunkami bohaterskiego ludu; w operze Meyerbeera udział chóru podkreśla dramatyczne kulminacje.W operze lirycznej XIX wieku. chór przyczynia się do stworzenia odpowiedniej atmosfery, kolorytu narodowego, nastroju (op. Bizet, Verdi, Gounod); w operze ludowo-gospodarskiej chóry mają charakter rodzajowy, zbliżony do pieśni ludowej, tanecznej (op. Monyushko, Smetana). rosyjski świecka sztuka chóralna była najpierw reprezentowana przez chóry operowe (XVIII w., op. Fomin, Paszkiewicz i inni); aw przyszłości chóry zajmują duże miejsce w języku rosyjskim. opery, będąc „fundamentalnym dogmatem i afirmacją narodowości i demokracji” (B. Asafiew). Twórczość operowa i chóralna Rus. kompozytorów jest wyjątkowo różnorodna.
W operach historyczno-patriotycznych (Iwan Susanin Glinki, Książę Igor Borodina, Panna pskowska Rimskiego-Korsakowa itp.) chór staje się bohaterem wraz z bohaterami. Zwłaszcza (chór nabrał wielkiego znaczenia w ludowych dramatach muzycznych Musorgskiego („Borys Godunow”, „Khovanshchina”), gdzie obraz ludu jest przedstawiany na wiele sposobów, w rozwoju. W rosyjskich operach codziennych Wierstowskiego („Grób Askolda ”), Dargomyzhsky („Syrenka”) , Serow („The Enemy Force”), Czajkowski („Czerewiczki”, „Czarodziejka”) itp. istnieje ścisły związek z pieśnią ludową. Oryginalność narodowa znajduje odzwierciedlenie w chórze sceny oper nawiązujące do tematyki orientalnej („Rusłan i Ludmiła” Glinki, „Demon” Rubinsteina, „Książę Igor” Borodina itp.) W przedstawieniu baśniowych, fantastycznych wątków zastosowano środki chóralne (op. Glinka , Wierstowski, Rimski-Korsakow).Chór jest również używany w oratorium, zwykle w prologu, epilogu (opera Glinka, Sierow, Rubinstein, Borodin itp., Wykonywanie hymnów itp. (Panna Orleańska Czajkowskiego, Chowańszczyzna Musorgskiego, itp.) Tradycje aktywnego udziału chóru w rosyjskiej operze klasycznej są kontynuowane w radzieckiej twórczości muzycznej: ok pióra rosyjskich kompozytorów radzieckich „Wojna i pokój”, „Siemion Kotko” Prokofiewa, „Dekabryści” Szaporina, „Katerina Izmajłowa” Szostakowicza, „Emeljan Pugaczow” Kowala, „Cichy płynie Don” i „Dziewicza ziemia wywrócona” Dzierżyńskiego, „Październik” Muradelego, „Wirineja” Słonimskiego i innych, wiele oper narodowych zawiera oddzielne chóry i rozwinięte sceny chóralne. Chór operowy ma swoją specyfikę wykonawczą: to przede wszystkim wielka jasność, wybrzuszenie niuansów (podobne do dekoracyjnego projektu), nacisk na tekst, umiejętność „przelotu przez orkiestrę” do audytorium. Ponieważ chór operowy jest często w ruchu, konieczna jest szczególna pewność siebie i niezależność każdego z jego członków. Aby rozwinąć te cechy, w niektórych grupach śpiewacy uczą się synchronizacji podczas studiowania swoich partii. Obecność inscenizacji, w których chór nie widzi dyrygenta, wymusza tzw. audycje (tempo dyrygenckie) prowadzone zza kulis przez chórmistrzów; jednocześnie, aby uzyskać synchronizację wykonania, wprowadza się pewne prowadzenie w „punkty” dyrygenta (mniej lub bardziej, w zależności od głębokości chóru).
ORATORIUM(z łac. wow – mówię, modlę się) – utwór główny na chór, solistów, orka; komp. z ansamblów wokalnych, arii, recytatywów, ukończonych numerów orkiestrowych oratorium powstało we Włoszech na przełomie XVI-XVII w., niemal równocześnie z kantatą i operą i jest do nich zbliżone strukturalnie. Od kantaty różni się większym rozmiarem, szczegółową fabułą, charakterem epicko-dramatycznym, a od opery przewagą elementu narracyjnego nad dramatycznym, rozwinięciem. Oratorium rozwinęło się z udramatyzowanych laudów (duchowych hymnów pochwalnych) wykonywanych w specjalnych pomieszczeniach kościoła - oratoriach. Szczególnym rodzajem oratorium jest Pasja; pod względem struktury i rodzaju oratorium obejmuje także mszę, requiem, Stabat Mater itp. Gatunek oratoryjny osiąga apogeum w twórczości Bacha, a zwłaszcza Haendla, który stworzył typ oratorium heroiczno-epickiego; Oratoria Haydna odznaczają się cechami gatunkowo-domowymi i liryczno-filozoficznymi. W 19-stym wieku szturchać. Gatunek oratoryjny został stworzony przez Mendelssohna, Schumanna, Berlioza, Brahmsa, Dvoraka, Liszta, Verdiego i innych w XX wieku. - Honegger, Britten i inni.Pierwszy oznacza rosyjskie oratorium „Minin i Pozharsky” Degtyareva; szereg oratoriów stworzył A. Rubinstein („Babilońskie pandemonium”, „Raj utracony” itp.). W operach klasyków rosyjskich techniki oratoryjne są szeroko stosowane w postaci dużych scen chóralnych (Iwan Susanin, Rusłan i Ludmiła Glinki, Judyta Sierowa, Książę Igor Borodina, Sadko Rimskiego-Korsakowa itp.). Gatunek oratorium jest szeroko stosowany przez kompozytorów radzieckich przy ucieleśnieniu historycznych i współczesnych tematów („Emelyan Pugachev” Kovala, „Legenda bitwy o ziemię rosyjską” Szaporina, „Pieśń o lasach” Szostakowicza, „Na warcie dla pokoju” Prokofiewa, „Requiem” Kabalewskiego, „Mahoń” Zarina i inni).
UTWÓR MUZYCZNY- najprostsza i najbardziej rozpowszechniona forma muzyki wokalnej, łącząca obraz poetycki z muzycznym. Charakterystyczna dla utworu jest obecność kompletnej, samodzielnej, melodyjnej melodii, prostota konstrukcji (zwykle kropka lub forma 2-, 3-głosowa). Muzyka piosenki odpowiada ogólnej treści tekstu, bez uszczegóławiania go (na przykład w bardzo popularnej piosence dwuwierszowej). Istnieją pieśni ludowe i profesjonalne (wykonane przez kompozytorów), które różnią się gatunkiem, pochodzeniem, strukturą itp. Gatunek pieśni chóralnej jest powszechny: pieśń ludowa (chłopska i miejska), radziecka pieśń masowa, otd. chóry kompozytorów rosyjskich i radzieckich. W muzyce zachodnioeuropejskiej pieśń chóralną kultywowali kompozytorzy romantyczni (Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms). W sensie przenośnym termin piosenka. lub pieśń (dla podkreślenia epickiej, podniosłej, poetyckiej wzniosłości dzieła) używane są w tytule głównych dzieł muzycznych, kantat (np. Pieśń losu, Pieśń triumfu Brahmsa).
CHÓRALNY- śpiewy religijne w kościołach katolickich i protestanckich. Protestancki śpiew polifoniczny (wprowadzony w XVI wieku przez przywódców reformacji) był śpiewany przez całą społeczność w języku niemieckim (w przeciwieństwie do chorału gregoriańskiego unisono, który śpiewali po łacinie specjalni śpiewacy). Melodie chorału odznaczają się siedzącym rytmem. Magazyn chóralny (lub po prostu chorał) jest zwykle nazywany. prezentacja akordów przez jednolite czasy trwania w wolnej części.
- Witam! jestem nauczycielem wykształcenie dodatkowe, nauczyciel klasy chóru, śpiewu i fortepianu. Pracuję w centrum twórczości dziecięcej dzielnicy Avtozavodsky w Niżnym Nowogrodziena bazie szkoły nr 63z dogłębnym studium muzyki.
- Pozwólcie, że przedstawię wam prezentację komputerową „Rosyjscy dyrygenci naszych czasów”
- Najpierw powiem ci, kim jest dyrygent.
„Dyrygent” to francuskie słowo i oznacza „prowadzić”. W związku z tym dyrygent jest liderem zespołu orkiestrowego, operowego i chóralnego.Dyrygentura to jeden z najtrudniejszych rodzajów wykonawstwa muzycznego. Dyrygent jest właścicielem artystycznej interpretacji dzieła. Dyrygent chóru musi czuwać nad kolejnością chóru, poprawną i jednoczesną wymową tekstu, poprawnym wyprowadzaniem i wprowadzaniem. Dyrygentura, jako samodzielny zawód, pojawiła się w drugiej połowie XIX wieku. Dyrygent jest duszą zespołu! - Dyrygent może prowadzić zespół chóralny, a także operowy i symfoniczny. W inny sposób dyrygent chóru nazywany jest chórmistrzem.
- Chcę przedstawić wam niektórych rosyjskich dyrygentów naszych czasów.
- Pavel Kogan to jeden z najbardziej znanych dyrygentów w naszym kraju. Jego kariera twórcza rozpoczęła się ponad 40 lat temu. Kogan urodził się w muzycznej rodzinie. Jego rodzice, Leonid Kogan i Elizavet Gilels, są skrzypkami. Debiut Kogana jako dyrygenta miał miejsce w 1972 roku z Państwową Orkiestrą Symfoniczną ZSRR. Od 1989 roku jest dyrektorem artystycznym i pierwszym dyrygentem Moskiewskiej Państwowej Orkiestry Symfonicznej. Kogan współpracuje również z najlepszymi orkiestrami na świecie. Dyrygent jest laureatem Państwowej Nagrody Rosji i nosi tytuł Artysty Ludowego Rosji. Oprócz nagrody Kogan ma wiele rosyjskich i międzynarodowych nagród.
- Gergiev Valery Abisalovich urodził się 2 maja 1953 roku w Moskwie. Dorastał w Osetii Północnej. W wieku dwunastu lat wstąpił do Konserwatorium Leningradzkiego jako dyrygent. Jako student brał udział w Międzynarodowym Konkursie Dyrygenckim im. Herberga von Karajana w Berlinie. Tam zajął zaszczytne drugie miejsce. Po ukończeniu konserwatorium Gergiev został przyjęty jako asystent w Teatrze im. Kirowa. W 1978 dyrygował operą Wojna i pokój Prokofiewa. Później Gergiev kierował Państwową Orkiestrą Symfoniczną Armenii. W 1988 objął stanowisko głównego dyrygenta Teatru im. Kirowa. Gergiev zorganizował własny festiwal poświęcony operom Musorgskiego, później tradycją stały się festiwale tematyczne pod dyrekcją dyrygenta. Gergiev jest także głównym dyrygentem London Symphony Orchestra. Jest właścicielem międzynarodowych i rosyjskich nagród.
- Spivakov Vladimir Teodorovich urodził się w 1944 roku w mieście Ufa. Jego matka, Ekaterina Osipovna Weintraub, ukończyła Konserwatorium Moskiewskie w klasie fortepianu. W 1955 Spivakov studiował w szkole muzycznej w Konserwatorium Moskiewskim. W 1968 ukończył konserwatorium, aw 1970 studia podyplomowe pod kierunkiem Jurija Jankielewicza. W 1979 roku założył orkiestrę kameralną Moscow Virtuosi, którą kieruje do dziś. Spivakov jest także szefem festiwalu muzycznego w Colmar. W 2001 roku Vladimir Teodorovich zorganizował Moskiewski Międzynarodowy Festiwal w Moskwie. Współpracował z wieloma orkiestrami amerykańskimi i europejskimi. W 1994 założyłMiędzynarodowa Fundacja Charytatywna im. Władimira Spiwakowa . Jest Honorowym Artystą RFSRR, Artystą Ludowym ZSRR, Artystą Ludowym Ukrainy itp.
- Bashmet Yuri Abramovich urodził się 24 stycznia 1953 roku w Rostowie nad Donem. Studiował we Lwowskiej Specjalnej Szkole Muzycznej. Ukończył Konserwatorium Moskiewskie w 1976. Jest twórcą orkiestry kameralnej Moscow Soloists. Yuri Bashmet jest także altowiolistą. Od 1996 jest profesorem Konserwatorium Moskiewskiego. w 1996 rokutworzy i kieruje „Katedrą Altówki Eksperymentalnej” w Konserwatorium Moskiewskim. Od 2002 roku jest dyrygentem i dyrygentem Państwowej Orkiestry Symfonicznej Nowej Rosji. Współpracował z berlińskimi, nowojorskimi, chicagowskimi i londyńskimi orkiestrami symfonicznymi. Jest Artystą Ludowym ZSRR i laureatem czterech Nagród Państwowych Federacji Rosyjskiej.
- Mój raport metodyczny chcę zakończyć cytatem Walerija Fiłatowa „Jeśli chór nie ma dyrygenta, wszyscy próbują „wykrzyczeć” drugiego”
Dyrygent jest jak wskazówka, jak magiczna różdżka, która gestami podpowiada gdzie i kto ma się przyłączyć, gdzie się zatrzymać, wydaje się pomagać orkiestrze (chórowi), inspiruje go i daje swoją pozytywną energię. - Dziękuję za uwagę!
