Technologie oszczędzające zdrowie w edukacji muzycznej
Muzyka jest integralną częścią życia człowieka, dlatego powinna być różnorodna, tak jak otaczający nas świat. Nowatorskie podejście do procesu pedagogicznego w przedszkolu poszerza możliwości wykorzystania różnorodnych gatunków muzycznych. Muzyka ma pozytywny wpływ na przedszkolaki. Czasami agresywne dzieci, wchodząc do pokoju muzycznego, przebierają się, słuchają muzyki i uspokajają.
Podczas pobytu dzieci w przedszkolu konieczne jest stworzenie najbardziej optymalnych warunków. Jest to główne zadanie kadry nauczycielskiej, ponieważ Przedszkole dla dziecka to jego drugi dom. Rano, przyjmując dzieci, można włączyć nagrania utworów klasycznych i współczesnych z mocnym, słonecznym dźwiękiem. W tej chwili muzyka poprawi stan psychofizyczny dziecka.
Kontynuując temat prozdrowotnej i profilaktycznej orientacji akompaniamentu muzycznego, konieczne jest zastosowanie techniki odruchu muzycznego budzenia niemowląt po śnie. Tutaj powinieneś wziąć pod uwagę rodzaj układu nerwowego dziecka. Zajmuje to 10 minut. Dla dzieci źle śpiących - 1-2 minuty i 6-8 minut - dla tych, które spały mocno. Takie indywidualne przebudzenie ma wielki efekt korygujący i zapobiegawczy. Aby obudzić dzieci, należy używać cichej, delikatnej, lekkiej muzyki, aby przebudzenie nie rozpoznało negatywnych emocji. Konieczne jest stosowanie stałej kompozycji muzycznej, która rozwinie u dzieci rodzaj odruchu. Po miesiącu kompozycję muzyczną można zastąpić inną.
Podczas budzenia się dzieci należy zwrócić uwagę na tekst wypowiadany przez nauczyciela na tle muzyki. Nauczyciel powinien wymawiać słowa delikatnie i miękko.
Mówiąc o nietradycyjnych formach korzystania z muzyki, należy pamiętać, że muzyka nie zawsze musi brzmieć nieustannie, od pierwszej do ostatniej minuty lekcji.
1. Nie wszystkie zajęcia muszą być nagłośnione za pomocą akompaniamentu na żywo lub fonogramów.
2. Akompaniament muzyczny może być częściowy:
Stworzenie odpowiedniego tła asocjacyjnego na początku lekcji;
Aby zorganizować dzieci, zwiększ ich uwagę, koncentrację;
Muzyka może zabrzmieć na końcu lekcji jako końcowy fragment i nieść pewną postawę na przyszłość;
Akompaniament muzyczny może być również stosowany podczas „szczytu funkcjonalnego”, aby pobudzić aktywność emocjonalną dzieci.
3. Akompaniament muzyczny można łączyć, łącząc zarówno akompaniament na żywo, jak i samodzielną grę dzieci na najprostszych instrumentach muzycznych, słuchanie płyt i nagrań audio.
Charakterystyka technologii oszczędzających zdrowie w przedszkolnych placówkach edukacyjnych
Dziś lekarze nie są w stanie poradzić sobie z problemami pogarszającego się stanu zdrowia, dlatego pojawia się pytanie o pracę profilaktyczną, kształtowanie świadomego stosunku do zdrowia i zdrowego stylu życia (HLS). Praca propedeutyczna w tym kierunku spada na barki nauczycieli.
W jakim stopniu współcześni nauczyciele są gotowi do wdrażania zasad technologii prozdrowotnych w procesie edukacyjnym?
Jak bardzo są otwarci na współpracę z lekarzami?
Czy potrafią prowadzić dialog z rodzicami i podejmować wspólne działania na rzecz zachowania i poprawy zdrowia dzieci?
Analiza obecnej sytuacji daje bardzo smutne odpowiedzi na postawione pytania.
Większość nauczycieli trzyma się definicji zdrowia, często odwołując się do jego komponentu fizycznego, zapominając o aspektach społeczno-psychologicznych i duchowo-moralnych. Ważne jest, aby odwrócić ten trend i kierować się definicją zdrowia jako pojęciem wieloaspektowym, obejmującym aspekty fizyczne, społeczno-psychologiczne oraz duchowe i moralne.
Wybór oszczędzających zdrowie technologii pedagogicznych zależy od programu, nad którym pracują nauczyciele, specyficznych warunków przedszkolnej placówki oświatowej (DOE), kompetencji zawodowych nauczycieli, a także wskazań zachorowalności dzieci.
Technologie edukacyjne oszczędzające zdrowie mają największe znaczenie spośród wszystkich znanych technologii pod względem wpływu na zdrowie dzieci. Ich główną cechą jest wykorzystanie technik psychologicznych i pedagogicznych, metod, podejść do rozwiązywania pojawiających się problemów. Można je podzielić na trzy podgrupy:
Technologie organizacyjne i pedagogiczne, które określają strukturę procesu edukacyjnego, przyczyniając się do zapobiegania stanom przepracowania, braku aktywności fizycznej i innym stanom nieprzystosowawczym;
Technologie psychologiczno-pedagogiczne związane z bezpośrednią pracą nauczyciela z dziećmi (obejmuje to również wsparcie psychologiczno-pedagogiczne dla wszystkich elementów procesu edukacyjnego);
Technologie dydaktyczne i edukacyjne, które obejmują programy nauczania opieki zdrowotnej i kształtowania kultury zdrowia studentów.
Nowoczesne technologie oszczędzające zdrowie
Rodzaje prozdrowotnych technologii pedagogicznych. Pora dnia. Cechy metodologii. Odpowiedzialny.
1. Technologie utrzymania i promocji zdrowia
Rozciąganie nie wcześniej niż 30 min. po posiłkach 2 razy w tygodniu po 30 minut. od średniego wieku w sali gimnastycznej lub muzycznej lub w sali grupowej, w dobrze wentylowanym pomieszczeniu. Polecany dla dzieci o powolnej postawie i płaskostopiu. Uważaj na nieproporcjonalne obciążenia mięśni Kierownik wychowania fizycznego.
Rytmoplastyka nie wcześniej niż 30 min. po posiłkach 2 razy w tygodniu po 30 minut. od wieku średniego. Zwróć uwagę na wartość artystyczną, ilość aktywności fizycznej i jej proporcjonalność do wskaźników wieku dziecka. Kierownik wychowania fizycznego, dyrektor muzyczny.
Dynamiczne pauzy podczas zajęć, 2-5 min., gdy dzieci się zmęczą. Polecany dla wszystkich dzieci jako profilaktyka zmęczenia. Może zawierać elementy gimnastyki oczu, ćwiczeń oddechowych i innych, w zależności od rodzaju aktywności. Wychowawcy.
Gry mobilne i sportowe- w ramach lekcji wychowania fizycznego, na spacerze, w sali grupowej - mała o średnim stopniu ruchomości. Każdego dnia, dla wszystkich grup wiekowych, Gry dobierane są w zależności od wieku dziecka, miejsca i czasu jego trzymania. W przedszkolnej placówce oświatowej wykorzystujemy wyłącznie elementy gier sportowych. Pedagodzy, kierownik wychowania fizycznego.
Relaks. Dowolna odpowiednia lokalizacja. W zależności od stanu dzieci i celów nauczyciel określa intensywność technologii. Dla wszystkich grup wiekowych Można skorzystać ze spokojnej muzyki klasycznej (Czajkowski, Rachmaninow), odgłosów natury Pedagogów, kierownika wychowania fizycznego, psychologa.
Technologie estetyczne. Realizowane są na zajęciach z cyklu artystyczno-estetycznego, podczas zwiedzania muzeów, teatrów, wystaw itp., dekorowania pomieszczeń na święta itp. Dla wszystkich grup wiekowych. Odbywa się w klasie w ramach przedszkolnego programu edukacyjnego, a także według specjalnie zaplanowanego harmonogramu wydarzeń. Szczególnie ważna jest praca z rodziną, wpajanie dzieciom gustu estetycznego. Wszyscy nauczyciele przedszkolni.
Gimnastyka palców - od najmłodszych lat indywidualnie lub z podgrupą codziennie. Polecany dla wszystkich dzieci, szczególnie tych z problemami z mową. Odbywa się w dowolnym dogodnym przedziale czasowym (w dowolnym dogodnym czasie). Pedagodzy, logopeda.
Gimnastyka dla oczu. Codziennie przez 3-5 minut. w dowolnym czasie wolnym; w zależności od intensywności obciążenia wzrokowego od najmłodszych lat. Zaleca się wykorzystanie materiału wizualnego, przedstawiającego nauczyciela. Wszyscy nauczyciele.
Ćwiczenia oddechowe. W różnych formach kultury fizycznej i pracy zdrowotnej. Zapewnij wentylację pomieszczenia, nauczyciel instruuje dzieci o obowiązkowej higienie jamy nosowej przed zabiegiem. Wszyscy nauczyciele.
Gimnastyka jest orzeźwiająca. Codziennie po śnie w ciągu dnia, 5-10 min. Forma wykonywania jest inna: ćwiczenia na łóżkach, intensywne mycie; chodzenie po żebrowanych deskach; łatwe bieganie z sypialni do grupy z różnicą temperatur w pokojach i innych, w zależności od warunków przedszkolnej placówki oświatowej.
Gimnastyka korekcyjna. W różnych formach kultury fizycznej i pracy prozdrowotnej Forma wykonywania zależy od zadania i kontyngentu dzieci. Pedagodzy, kierownik wychowania fizycznego.
Gimnastyka ortopedyczna. W różnych formach kultury fizycznej i pracy zdrowotnej. Polecany jest dla dzieci z płaskostopiem oraz jako profilaktyka chorób podpory stopy.
KONSULTACJA
„Technologie ratujące zdrowie w edukacji muzycznej”
Opracował: Dyrektor Muzyczny
MDOU nr 377
Emelyanova Tatiana Michajłowna
Rozwój metodologiczny „Wykorzystanie technologii muzycznych i komputerowych w działalności dyrektora muzycznego”
Nowoczesna instytucja edukacyjna potrzebuje nauczyciela, który posiada wszystkie możliwości nowoczesnego komputerowego „płótna”. Dyrektor muzyczny, biegły w zakresie technologii informatycznych na równi z klawiaturą fortepianu, jest w stanie oczarować dzieci różnymi formami pracy z repertuarem muzycznym, nie tylko dzięki zdolnościom wokalnym, wiedzy akademickiej, ale także technologii komputerowej. Oczywiście zasada techniczna nie powinna tłumić ani nauczyciela, ani ucznia artysty-twórcy o delikatnym uchu do muzyki i nieokiełznanej wyobraźni.
Nie każdy nauczyciel korzystający w swojej praktyce z gotowych narzędzi multimedialnych jest zadowolony z ich jakości, konstrukcji, zarządzania, poziomu treści itp. Proces edukacyjny jest bardzo indywidualny, wymaga zróżnicowanego podejścia, zależnego od dużej liczby zmiennych.
Dlatego też wychowawca przedszkola, dyrektor muzyczny, myślący dość swobodnie i twórczo, powinien umieć samodzielnie przygotować materiał multimedialny na zajęcia, wakacje itp.
Wraz z tradycyjnymi instrumentami muzycznymi, na których koncentruje się edukacja muzyczna, coraz powszechniejsze stają się technologie komputerowo-muzyczne (MCT) o szerokim wachlarzu możliwości. Komputer muzyczny staje się nieodzowny w działalności kompozytora, aranżera, projektanta muzycznego, redaktora muzycznego i jest coraz częściej wykorzystywany w nauczaniu. Technologie te otwierają nowe możliwości twórczego eksperymentowania, poszerzania horyzontów muzycznych, tezaurusu artystycznego uczniów, a to sprawia, że nauka ich opanowania jest szczególnie istotna.
Nowe technologie informacyjne ukierunkowane na nowoczesną edukację muzyczną stwarzają warunki do kształcenia postaci muzycznej, która oprócz tradycyjnych dyscyplin muzycznych posiada komputer muzyczny jako nowy instrument muzyczny.
Najważniejszymi obszarami zastosowania i rozwoju technologii informacyjno-komunikacyjnych są dziś:
MCT w profesjonalnej edukacji muzycznej (jako sposób na poszerzenie możliwości twórczych);
ICT w kształceniu ogólnym (jako jeden ze środków kształcenia);
ICT jako środek rehabilitacji osób niepełnosprawnych;
ICT jako sekcja dyscypliny „Informatyka”, „Informatyka”;
MCT jako nowy kierunek w kształceniu specjalistów technicznych, związany w szczególności z modelowaniem elementów twórczości muzycznej, programowaniem dźwiękowo-dźwiękowym, co prowadzi do powstania nowych kreatywnych specjalności technicznych.
Zastosowanie MCT w edukacji muzycznej organizacji przedszkolnej rozwiązuje następujące zadania:
1. Wyraźnie intensyfikują rozwój słuchu muzycznego i myślenia, co wynika z ich intensywnych zdolności uczenia się opartych na integracji logiczno-percepcyjnych form aktywności. Zrozumienie elementów języka muzycznego następuje za pomocą wrażeń i przedstawień wizualnych, co uzupełnia możliwości komunikacji werbalnej. Niekreatywne formy pracy nauczyciela przenoszone są do komputera, co umożliwia demonstrację
2. ekspresyjne możliwości harmonii (przede wszystkim konstruktywna logika), obserwacja wzorców morfologii i składni muzycznej, ułatwia nabywanie umiejętności orientacji w płaszczyźnie intonacyjno-semantycznej, słyszenia i rozumienia planu treściowo-figuratywnego, przyczynia się do zbieżności materiału edukacyjnego z praktyką plastyczną, wreszcie wzbogaca barwę słuchu uczniów, ich wyobrażenia o barwnej i wielowymiarowej jakości dźwięku;
3. Muzyczne programy szkoleniowe mogą być szeroko stosowane w przypadkach, gdy wymagane jest intensywne odtworzenie umiejętności po długiej przerwie w treningu lub gdy konieczne jest szybkie i mocne ukształtowanie specjalnych umiejętności muzycznych.
WYKORZYSTANIE PROGRAMÓW MULTIMEDIALNYCH W PROCESIE EDUKACJI
Tworząc program multimedialny, trzeba jasno wyobrazić sobie, dla kogo i po co jest tworzony. Treść slajdów informacyjnych może być kompilowana na dowolny temat programu nauczania przedmiotu lub mieć charakter rozwojowy w przypadku zajęć szkolnych i/lub pozalekcyjnych.
Program multimedialny to połączenie dynamiki z rozsądną ilością przekazywanych informacji. Jest to synteza technologii komputerowych, która łączy dźwięk, klipy wideo, informacje, obrazy nieruchome i ruchome. W przeciwieństwie do filmów wideo, do przesłania potrzebują znacznie mniejszej ilości informacji.
Tworzenie programów multimedialnych, projekty telekomunikacyjne polegają na opracowaniu scenariusza, koncepcji, reżyserii, montażu, montażu, udźwiękowieniu (w razie potrzeby).
Aby stworzyć program multimedialny, w pierwszej kolejności opracowywany jest scenariusz i ustalana jest kolejność prezentacji materiału, biorąc pod uwagę procentowy stopień wykorzystania tekstu, zakres wizualny i dźwiękowy. Oczywistym jest, że tworzenie programu multimedialnego zawierającego wyłącznie informacje tekstowe jest niepraktyczne. Taki materiał można przygotować w programie Microsoft Word. Podczas wyszukiwania informacji możesz korzystać z linków do zbiorów witryn edukacyjnych, witryn z wyborem obrazów.
Wybierając materiał do programu multimedialnego należy pamiętać, że mówimy o tworzeniu takich informacji, które będą płynąć i rosnąć dynamicznie w miarę postępów ucznia w proponowanym materiale. Jest to szczególnie ważne w przypadku nauki indywidualnej, kiedy użytkownik może się zatrzymać, zapisać dla niego najważniejsze, wrócić do wyjaśnienia pojęć i przejść dalej (takie opcje są zapewnione).
Należy pamiętać, że prezentowany materiał jest pojemną prezentacją zgromadzonego materiału, gdzie często prezentację tekstową zastępują symbole, tabele, wykresy, rysunki, fotografie, reprodukcje.
Wybrane wideo i dźwięk do Twojego programu.
Wszystko to zapewnia użytkownikowi najbardziej komfortowe warunki percepcji materiału. Elementy multimedialne tworzą dodatkowe struktury psychologiczne, które przyczyniają się do percepcji i zapamiętywania materiału.
Korzyści z lekcji muzyki z wykorzystaniem prezentacji multimedialnych w programie Power Point:
- wykorzystanie animacji i momentów zaskoczenia sprawia, że proces poznawczy jest interesujący i wyrazisty;
- dzieci otrzymują aprobatę nie tylko od nauczyciela, ale także od komputera w postaci obrazków-nagród, którym towarzyszy udźwiękowienie;
- harmonijne połączenie tradycyjnych środków z wykorzystaniem prezentacji w programie Power Point może znacząco zwiększyć motywację dzieci do nauki.
Projektowanie zajęć z wykorzystaniem technologii multimedialnych to zupełnie nowy kierunek w działaniach nauczyciela i to tutaj można zastosować całe zgromadzone doświadczenie, wiedzę i umiejętności oraz kreatywne podejście. Zajęcia prowadzone w szkołach z wykorzystaniem elektronicznych publikacji edukacyjnych na długo zapadną w pamięci dzieci. Jednocześnie oczywiście najważniejsza w edukacji gustu muzycznego pozostaje rola nauczyciela, której nie może zastąpić żaden komputer.
Podsumowując powyższe, można stwierdzić, że tworzenie i wykorzystanie multimedialnych scenariuszy lekcji jest jednym z obiecujących obszarów wykorzystania technologii informacyjno-komunikacyjnych w szkołach. Nie należy jednak zapominać o naukowym charakterze, celowości, logice prezentacji informacji multimedialnych.
Edukacyjne gry interaktywne z wyzwalaczami
Co to jest wyzwalacz? Wyzwalacz to narzędzie do animacji, które pozwala ustawić akcję na wybranym elemencie, animacja rozpoczyna się po kliknięciu.
To właśnie użycie wyzwalaczy w edukacyjnych grach prezentacyjnych czyni je interaktywnymi.
Rozważ algorytm nagrywania czasu animacji za pomocą wyzwalacza.
1. Wybierzemy potrzebne zdjęcia i przemyślimy ewentualne pytania. Lepiej zmienić nazwy zdjęć na dogodne przed umieszczeniem ich w prezentacji. Obiektem animacji i wyzwalaczy mogą być zarówno obrazy, jak i obiekty tekstowe, za pomocą których zgodnie z planem odbędzie się akcja.
2. Na slajdzie umieść obiekty, do których zostanie zastosowana animacja i wyzwalacz. Pomyśl o treści wykorzystania animacji, na przykład:
Wybór: Obróć lub Zmień rozmiar;
Ścieżki podróży: Kierunek podróży lub Narysuj własną ścieżkę. (Rys.1)
Ważny: Nie bierz animacji Wejście
3. Powiąż efekt animacji z obiektem tak, aby po kliknięciu rozpoczynał się na slajdzie. Chcemy, aby obiekt zniknął np. po kliknięciu w niepoprawną odpowiedź, a po kliknięciu w poprawną odpowiedź zwiększy się wraz z sygnałem dźwiękowym. W tym celu zaznacz obiekt lub „kliknij” strzałkę obok efektu w okienku zadań (zakreślony prostokąt), aby otworzyć rozwijane menu i wybierz polecenie Czas (rys. 2).
W otwartym oknie aktywuj przycisk Switches, odpowiada on za działanie spustu. Wybierz - Rozpocznij efekt po kliknięciu. Uwaga! Wybierz z listy po prawej wymagany element z proponowanych przez nas opcji efektów animacji. (rys.3).
Po tej akcji nad obiektem w obszarze zadania Ustawienia animacji pojawi się słowo „wyzwalacz” (rys. 4). Wyzwalacz został utworzony.
Podczas wyświetlania prezentacji kursor strzałki na obiekcie z wyzwalaczem zamienia się w kursor dłoni.
4. Powtórz wszystkie czynności z pozostałymi obiektami.
5. Możesz sprawdzić się w Ustawieniach Animacji: każdy obiekt o tej samej nazwie ma animację, wyzwalacz i plik muzyczny (jeśli jest).
6. Teraz skonfigurujmy obiekty na wygląd dźwięku. Uwaga! Plik dźwiękowy musi być mały! Wstaw dźwięk (oklaski itp.) poprzez menu Wstaw - Dźwięk - wybierz żądany plik (z pliku, z organizatora klipów, własne nagranie) i odtwórz dźwięk po kliknięciu (rys. 5).
Przeciągnij dźwięk do żądanego obiektu. Ustawiamy ikonę mikrofonu w tryb niewidoczny (rys. 2) (Parametry efektów - Parametry dźwięków - Ukryj ikonę podczas pokazu, ustaw V).
7. Dostosuj dźwięk: wybierz obiekt „dźwięk” lub „kliknij” strzałkę obok dźwięku w obszarze animacji (zakreślony prostokąt), aby otworzyć rozwijane menu i wybierz polecenie Czas (rys. 2).
8. Uwaga! (Rys.6)
Początek - Po poprzednim.
Uruchom efekt po kliknięciu - znajdź obiekt, z którym zabrzmi muzyka.
9. Dodaj przycisk, aby przejść do następnego slajdu. Wybieramy w menu Wstaw - Kształty - Przyciski kontrolne (ryc. 7). Rysujemy poniżej (kursor stał się +) wybraną figurę. Otworzy się okno Ustawienia akcji.
10. Wykonaj ustawienia akcji (rys. 8): Po kliknięciu myszą - Podążaj za hiperłączem - Wybierz slajd, do którego chcesz przejść w oknie, które się otworzy - OK.
11. Gdy prezentacja jest pokazana, kursor strzałki na przycisku sterowania zamienia się w kursor dłoni, tak jak na obiekcie z wyzwalaczem.
Stosowanie wyzwalaczy nie zawsze jest wygodne, na przykład w przypadku obiektów WordArt. W nich aktywna jest tylko powierzchnia liter i trudno się do niej dostać kursorem. W takich przypadkach stosuje się metodę przezroczystych wyzwalaczy, gdy wyzwalacz jest przypisany nie do samego obiektu, ale do przezroczystej figury nałożonej na ten obiekt.
1. Menu Wstaw - Kształty - wybierz np. prostokąt i narysuj go na obiekcie WordArt. Wybierz go, kliknij prawym przyciskiem myszy i wybierz wiersz "Format kształtu": Wypełnienie - Kolor biały, przezroczystość 100%; Kolor linii — brak linii.
2. Do obiektu WordArt stosujemy animację, a w nim wyzwalacz do obiektu. Powierzchnia prostokąta jest aktywna, co oznacza, że łatwiej jest trafić w nią kursorem.
W przypadku niektórych gier wygodnie jest używać ruchomych wyzwalaczy, na przykład „strzelanie” do ruchomego celu, „Bubble Pop” itp.
- Obiekty zaczynają się poruszać automatycznie przy zmianie slajdów: Animacja Ścieżki ruchu - Początek pierwszego obiektu Po kliknięciu, kolejne - Z poprzednim.
- Dodaj animację do obiektów. Szybkość ruchu obiektu w Animacji ustawia się (rys.3) w zakładce Czas.
- Aby zapobiec niezamierzonym przejściom slajdów, gdy przypadkowo klikniesz obok podczas gry, odznacz opcję zmiany slajdu „Po kliknięciu” i ustaw przycisk sterowania lub obiekt z hiperłączem do następnego slajdu.
Hiperłącze to wyróżniony obiekt (tekst lub obraz), który jest połączony z innym dokumentem lub lokalizacją w tym dokumencie i reaguje na kliknięcie myszą.
Najpierw tworzymy wymaganą liczbę slajdów: zalecamy użycie motywów lub układów „Tylko tytuł” lub „Puste slajdy”.
Do stworzenia jednego poziomu gry interaktywnej potrzebne są trzy slajdy (jeden - z zadaniem; drugi - z wartością błędnej odpowiedzi i powrót do slajdu z zadaniem; trzeci - z wartością poprawnej odpowiedzi oraz przejście do następnego poziomu) (rys. 9).
Na slajdzie z zadaniem umieszczamy obiekty, które podlinkujemy hiperłączem do innego slajdu (umieść w dokumencie)
Wybierz obiekt, przejdź do zakładki „Wstaw”, wybierz polecenie „Hiperłącze” (rys. 10)
W wyświetlonym oknie (rys. 11) w polu „Link do” wybierz „Umieść w dokumencie”. W polu „Wybierz miejsce w dokumencie” kliknij „Tytuł slajdu”, znajdź slajd, którego chcesz użyć jako celu hiperłącza (możesz go zobaczyć w oknie „Wyświetl slajd”). Kliknij OK".
Jeśli istnieje potrzeba usunięcia hiperłącza, w tym samym oknie (ryc. 11) znajduje się przycisk „Usuń hiperłącze”, kliknij „OK”.
Każdy obiekt na slajdzie łączymy z zadaniem za pomocą hiperłącza do slajdu, który jest niezbędny w znaczeniu.
Aby powrócić do slajdu z zadaniem lub przejść do następnego poziomu gry, możesz utworzyć hiperłącze tekstowe, jak na rys. 9, lub możesz użyć przycisków sterowania. Wybierz menu Wstaw - Kształty - Przyciski kontrolne (ryc. 12).
Rysujemy poniżej (kursor stał się +) wybraną figurę. Otworzy się okno Ustawienia akcji. Wykonujemy Ustawienia akcji (ryc. 13): Klikając myszą - Przejdź do hiperłącza - Wybierz slajd, do którego chcesz przejść w oknie, które się otworzy (zalecamy SLAJD) - otworzy się okno, w którym możesz zobaczyć slajd, który zamierzają - OK.
Przycisk sterujący możemy przeciągnąć w dowolne miejsce na slajdzie, zmniejszyć lub zwiększyć jego rozmiar, za pomocą Narzędzi do rysowania zmienić kolor, wypełnić, wpisać tekst itp.
W podobny sposób tworzymy potrzebną nam liczbę poziomów gry i możemy rozpocząć grę. Dodatkowo możesz dołączyć pliki dźwiękowe.
NAGRYWANIE I PRZYCINANIE DŹWIĘKU
Możesz nagrywać i edytować plik audio w profesjonalnym studiu za pomocą specjalnych programów lub możesz użyć improwizowanych narzędzi - standardowych programów i narzędzi systemu operacyjnego Windows. Oprócz tego potrzebujemy gotowych plików o różnych rozdzielczościach, mikrofonu do nagrywania głosu i pewnych umiejętności.
nagrywanie dźwięku
Możesz nagrać mały plik dźwiękowy za pomocą programu Sound Recorder, który jest programem systemu Windows przeznaczonym do nagrywania, miksowania, odtwarzania i edycji nagrań dźwiękowych. Ponadto program Sound Recorder umożliwia łączenie dźwięków z innym dokumentem lub wstawianie ich do niego. Źródło dźwięku - mikrofon, napęd CD-ROM lub urządzenie zewnętrzne.
Otwórz program: Menu Start - Wszystkie programy - Akcesoria - Rozrywka - Rejestrator dźwięku. Aby nagrać dźwięk, wybierz polecenie Nowy z menu Plik. Aby rozpocząć nagrywanie, kliknij przycisk Nagraj. Aby zatrzymać nagrywanie, kliknij przycisk Zatrzymaj. Otrzymujemy plik w rozdzielczości WAV, czas trwania dźwięku nie przekracza 60 sekund.
Aby zamontować kilka plików dźwiękowych w jednym lub wkleić jeden plik w drugi, wybierz Plik - Otwórz. Znajdź plik, który chcesz edytować, przesuń suwak w miejsce, w którym chcesz wkleić inny plik. W menu Edycja wybierz Wstaw plik i kliknij dwukrotnie plik, który chcesz otworzyć. W ten sposób można zwiększyć czas trwania dźwięku.
Plik można odtworzyć w odwrotnej kolejności, w tym celu wchodzimy do menu Efekty - Odwróć i klikamy przycisk Odtwórz, w menu Efekty zmieniamy plik - polecenie Dodaj echo.
Możesz nadpisać plik muzyczny za pomocą odtwarzacza karaoke. Plik KAR lub midi jest ustawiany w żądanym tempie i tonacji, a następnie włącz Odtwarzanie całego pliku lub jego fragmentu w odtwarzaczu i jednocześnie Nagrywaj w programie Sound Recorder. Otrzymujemy dane wyjściowe i zapisujemy plik w rozdzielczości WAV.
Windows Movie Maker
Kolejna opcja nagrywania i edycji plików (dźwiękowych i wideo) za pomocą programu Windows Movie Maker.
Dźwięk nagrany za pomocą mikrofonu jest zapisywany jako plik audio w formacie Windows Media z rozszerzeniem .wma. Domyślnie plik notatki dźwiękowej jest zapisywany w folderze „Komentarz” znajdującym się w folderze „Moje filmy” na dysku twardym. Program umożliwia dodawanie efektów dźwiękowych: głośność dźwięku stopniowo zwiększa się do końcowego poziomu odtwarzania lub stopniowo zmniejsza się, aż dźwięk całkowicie zaniknie.
Aby edytować dźwięk, otwórz plik za pomocą opcji Nagraj wideo - Importuj dźwięk lub muzykę, w środkowym polu pojawi się notatka, którą przeciągamy na oś czasu poniżej.
Po prawej stronie w oknie włącz Odtwarzaj, podczas słuchania użyj przycisku Podziel klip na części (rys. 3). Niepotrzebne fragmenty usuwają Del na klawiaturze, wyciągają pozostałe fragmenty i kończą z potpourri, które następnie zapisujemy na komputerze w formacie Windows Media Audio File.
To samo dzieje się z plikiem wideo, tylko za pomocą importu wideo.
Przytnij plik mp3 online
Twoja uwaga jest skierowana na cięcie muzyki online w Internecie. (http://mp3cut.foxcom.su/) . W przeszłości szukaliśmy zaawansowanych programów do edycji plików audio. Dzięki bezpłatnej usłudze witryny mp3cut.ru cięcie stało się łatwiejsze, szybsze i wygodniejsze (ryc. 4).
Krok 1. Kliknij przycisk „Pobierz mp3”, wybierz żądany plik z komputera i poczekaj, aż się załaduje. Gdy plik będzie można edytować, ścieżka zmieni kolor na różowy, a przycisk odtwarzania zmieni kolor na czerwony.
Krok 2. Teraz możesz wyciąć plik mp3. Biegacze-nożyczki eksponują pożądany segment kompozycji.
Krok 3. Kliknij przycisk „Przytnij”, pobieranie rozpocznie się natychmiast.
Funkcje programu on-line do cięcia muzyki
Music cutter obsługuje większość formatów audio: mp3, wav, wma, flac, ogg, aac, ac3, ra, gsm, al, ul, voc, vox, co pozwala na wykorzystanie serwisu internetowego jako konwertera plików audio na mp3: wav na mp3, wma na mp3, ogg na mp3, flac na mp3 itp.
Obecność funkcji wzmocnienia/wyciszenia dźwięku na początku i na końcu wybranego segmentu. Dzięki tej opcji możesz samodzielnie stworzyć dzwonek, który nie przestraszy Cię nagłym początkiem lub nagle skończy się na końcu.
Podwój objętość cięcia. Funkcja pozwala na zwiększenie głośności wycinania, co często jest konieczne, zwłaszcza przy tworzeniu dzwonka.
Czas trwania cięcia nie ma granic. A segment jest wybierany dokładnie z milisekundami. Za pomocą klawiatury (strzałki w lewo/w prawo) można bardzo precyzyjnie ustawić początek i koniec segmentu muzycznego.
Możliwość wielokrotnego przycinania jednego pliku audio bez dodatkowego pobierania. tych. możliwe jest stworzenie kilku dzwonków z jednego utworu, melodii, kompozycji muzycznej.
Rozmiar pliku jest prawie nieograniczony
BIBLIOGRAFIA:
1. Altszuller, G.S. Kreatywność jako nauka ścisła: teoria rozwiązywania problemów wynalazczych / G.S. Altszullera. - M., 2008. - 84 s.
2. Gorbunowa I.B. Fenomen muzyki i technologii komputerowych jako nowe kreatywne środowisko edukacyjne // Izvestiya RGPU im. AI Hercena. 2004. Nr 4 (9). s. 123–138.
3. Edytor graficzny Paint. Edytor prezentacji PowerPoint (+ CD) /pod. wyd. Żytkowa O.A. i Kudryavtseva E.K. - M.: Centrum Intelektu. 2003 - 80 s.
4. Ermolaeva-Tomina, L.B. Problem rozwoju zdolności twórczych dzieci / L.B. Ermolaeva-Tomina // Pytania psychologii. - 2009r. - nr 5. - P.166-175.
5. Krasilnikow I.M. Elektroniczna twórczość muzyczna w systemie edukacji artystycznej / I.M. Krasilnikow. - Dubna, 2009r. - 496 s.
6. Plotnikov K.Yu. System metodyczny nauczania informatyki z wykorzystaniem technologii muzyczno-komputerowych: monografia. SPb., 2013. 268 s.
7. Tarasova K.V. Muzykalność i jej składowe zdolności muzyczne // Dyrektor muzyczny. - 2009r. - nr 5.
8. Teplov B.M. „Psychologia zdolności muzycznych” – M., 1978.
9. Uljanich, V.S. Notatki o muzyce komputerowej / V.S. Ulyanich // Życie muzyczne. - 2008r. nr 15.
10. Tworzenie prezentacji w Power Point - [Zasób elektroniczny]
Federalna Agencja ds. Edukacji
Państwowa instytucja edukacyjna wyższej edukacji zawodowej
UNIWERSYTET EKONOMICZNY I FINANSOWY W ŚW. PETERSBURGU
Wydział Ogólnoekonomiczny
Streszczenie na temat:
Technologia informacyjna w muzyce
Petersburg 2009
Wstęp
1. Nowe technologie i muzyka
2. Nagrywanie dźwięku
3. Perspektywy rozwoju technologii informacyjnych w muzyce
Bibliografia
Wstęp
Za jedną z głównych cech okresu postindustrialnego należy uznać szybki rozwój technologii elektronicznych, które przyczyniły się do automatyzacji przechowywania i przetwarzania informacji za pomocą komputerów.
Pojawienie się wystarczająco wydajnych komputerów i nowych technologii komputerowych miało ogromny wpływ na kształtowanie się współczesnej kultury muzycznej. Możliwości nowoczesnych komputerów rosną każdego dnia wraz z postępem w dziedzinie nauki i techniki oraz rozwojem w dziedzinie programowania.
Nadszedł czas na dojrzałą konstruktywną relację, czas budowy wspólnego budynku, w którym obie strony będą odczuwać coraz większą potrzebę wzajemnie wzbogacających się projektów. Tak różne i niegdyś pozornie odległe sfery ludzkiej aktywności intelektualnej na przestrzeni ostatnich dziesięcioleci minionego stulecia nie tylko przesycone zostały wzajemnym szacunkiem, ale już można śmiało przewidywać błyskotliwy, owocny rozwój ich współpracy.
Oczywistość fundamentalnie nowych możliwości, jakie daje komputer muzyczny w rozwoju profesjonalnego myślenia muzyka we wszystkich obszarach twórczości muzycznej, nieuchronnie doprowadzi do coraz częstszego wprowadzania technologii muzycznych i komputerowych, co znacząco uzupełni, a nawet zmieni bardzo charakter pracy kompozytora, muzykologa, wykonawcy i pedagoga.
Liczne eksperymenty z elektronicznymi (i nie tylko) maszynami zdolnymi do wydobycia dźwięku doprowadziły do powstania różnych sposobów pisania muzyki, a co za tym idzie do powstania różnych stylów i kierunków. Nowe brzmienie, niezwykłe i nieprzyzwyczajone do ucha, stało się innowacją w muzyce. Wielu znanych współczesnych kompozytorów, np. K. Stockhausen, O. Messiaen, A. Schnittke, mimo złożoności pracy z technologią, tworzyło utwory przy użyciu nowych instrumentów elektronicznych lub tylko na nich.
Sam rozwój komputerów elektronicznych już na wczesnym etapie doprowadził ją do „inwazji” muzyki. Już w latach 50., przy użyciu pierwszych komputerów, naukowcy podejmowali próby syntezy muzyki: komponowania melodii lub aranżowania jej ze sztucznymi barwami. Tak powstała muzyka algorytmiczna, której zasadę zaproponował jeszcze w 1206 roku Guido Marzano, a następnie zastosował V.A. Mozart automatyzuje komponowanie menuetów - pisanie muzyki według utraty liczb losowych. Kompozycje algorytmiczne stworzyli K. Shannon, R. Zaripov, J. Xenakis i inni. W latach 80. kompozytorzy mieli możliwość korzystania z komputerów wyposażonych w specjalne programy, które potrafiły zapamiętywać, odtwarzać i edytować muzykę, a także umożliwiały tworzenie nowych brzmień, drukowanie partytur własnych dzieł. Stało się możliwe wykorzystanie komputera w praktyce koncertowej.
Tak więc komputer jest dziś instrumentem wielobarwowym i integralną częścią każdego studia nagraniowego. Niewątpliwie samo słowo „studio” wielu osobom kojarzy się z pojęciem „kultury masowej” czy „trzeciej warstwy”, czyli z przejawami popkultury i współczesnego show-biznesu. Być może jest to jeden z głównych czynników, który przyciąga kandydatów na studia inżynierskie lub inne kierunki, w taki czy inny sposób związane z muzyką i technologiami komputerowymi. Powstaje pytanie: jaką rolę odgrywa wprowadzenie komputerów w kształceniu przyszłych nauczycieli muzyki?
Całkiem możliwe, że pewien kod barwowo-rytmiczny muzyki komputerowej pomoże wyleczyć niektóre choroby. Dostępność technologii komputerowej i wygoda oprogramowania stworzą bezprecedensowe warunki dla muzycznej kreatywności (muzycznej „szydełkowania”), po części porównywalne z obecnym lawinowym rozprzestrzenianiem się amatorskiego muzykowania w stylach pop i rock. Wyrażenia: „moja muzyka”, „moje domowe studio”, „moje płyty CD”, „moje teledyski”, „moja strona muzyczna” (wszędzie „moje” znaczy „stworzone przeze mnie”) również staną się znanymi pojęciami masowymi. Każdy będzie mógł spróbować siebie jako kompozytor, aranżer, realizator dźwięku, kompozytor nowych barw, efektów dźwiękowych.
1. Nowe technologie i muzyka
Wpływ nowych technologii na muzykę można prześledzić od czasów starożytnych. Muzyka ewoluowała wraz z rozwojem środków jej wykonania, czyli instrumentów muzycznych. Nie można sobie wyobrazić na przykład czterdziestej symfonii Mozarta granej, powiedzmy, na gałęzi wystającej z pnia. I stąd pochodzi muzyka. Jakiś troglodyta tam w erze mezozoicznej siedział i wyciągnął gałąź z nic do zrobienia. Kolejny troglodyta przeszedł obok, usłyszał dźwięki, wychwycił w nich harmonię i postanowił spróbować. Trzeci, najinteligentniejszy troglodyta, domyślił się, że lepiej nie ciągnąć gałęzi, ale jakieś włókno, na przykład końskie włosie, zrobiło mu ramę z drewna i przeciągnęło przez nią te same włosy. Jest to mniej więcej historia narodzin pierwszego strunowego szarpanego instrumentu muzycznego. Zaznaczam, że gdyby trzeci troglodyta nie znał technologii obróbki drewna, to nic by z tego nie wyszło.
W przyszłości, wraz z rozwojem głównie technologii obróbki drewna i metalurgii, zaczęto dostrzegać zależność dźwięku od rodzaju drewna, z którego wykonana jest rama. Również kruche końskie włosie ustąpiło miejsca metalowemu sznurkowi. A gdzieś na dwa tysiące lat przed naszą erą pojawiają się takie instrumenty jak lira czy harfa.
Przez cały okres historii ludzkości od wynalezienia liry do dnia dzisiejszego powstała ogromna liczba instrumentów muzycznych. Ale trzy grupy były najbardziej pod wpływem nowych technologii w ciągu ostatnich stu pięćdziesięciu lat - klawisze, perkusja i smyczki (głównie gitara).
Kiedy odkryto elektryczność, ludzie zaczęli próbować ją stosować w prawie wszystkich obszarach swojej działalności. Pianino klasyczne nie było wyjątkiem. Ludzie starali się, aby drgania strun nie były tłumione, to znaczy chcieli, aby głośność dźwięku nie zmniejszała się z czasem, jak w przypadku instrumentów dętych. W rezultacie wynaleziono następującą konstrukcję: pod kluczem założono styk, który włączał elektromagnes. W tym samym czasie, jak w zwykłym pianinie, młoteczek uderzał w strunę, zaczął wibrować, a gdy dotarł do magnesu, został wyłączony przez naciśnięcie struny na innym styku. Kiedy struna pod działaniem sił sprężystych odchyliła się z powrotem, styk się otworzył, a magnes ponownie zaczął działać i przyciągać strunę do siebie. Ze względu na to, że struna okresowo dotykała styku z elektromagnesem, instrument ten miał bardzo ostry dźwięk i dlatego nie był powszechnie stosowany.
Inny instrument klawiszowy - organy - cierpiał na inny problem: wysoki koszt i rozmiar. Wszakże każda częstotliwość potrzebowała tam własnej piszczałki, więc klasyczne organy zajmowały całe sale. Tak, a futra dla niego musiały być ciągle pompowane. Wraz z wynalezieniem generatora elektrycznego pojawiło się pytanie o jego zastosowanie w instrumentach muzycznych - w końcu, jeśli obracasz go z różnymi prędkościami kątowymi, to po podłączeniu go do głośnika możesz usłyszeć dźwięki o różnych częstotliwościach. Pierwszy instrument wykorzystujący tę zasadę został wynaleziony w Chicago pod koniec lat osiemdziesiątych ubiegłego wieku. Nazwano go Telharmonium. Ponieważ dla każdej częstotliwości był osobny generator, zajmował on całą piwnicę. W tej piwnicy siedział i grał muzyk, zazwyczaj doświadczony organista. W tym samym czasie wynaleziono telefon i pierwsze głośniki.
I tak, żeby posłuchać muzyki, mieszkańcy Chicago zadzwonili pod określony numer i połączyli się z Telharmonium. Ze względu na swoją objętość i złożoność produkcji i regulacji, telharmonium nie otrzymało wystarczająco szerokiej dystrybucji. Jednak później, na bazie telharmonium, w latach trzydziestych ubiegłego wieku, amerykański inżynier Hammond stworzył instrument bardzo przypominający brzmienie organów. Nazywali to organami Hammonda. Stał się bardzo popularny ze względu na niski koszt i dobry dźwięk. Również organy Hammonda zaczęły być wykorzystywane nie tylko w muzyce klasycznej, ale także w muzyce rockowej, która wówczas nabierała rozpędu.
Współczesne instrumenty klawiszowe - syntezatory - wywodzą się w zasadzie z organów Hammonda. Wraz z rozwojem elektroniki ludzie próbowali jakoś poprawić jej brzmienie. Stopniowo oscylatory mechaniczne zostały zastąpione najpierw multiwibratorami, a następnie układami scalonymi.
Ponadto, wraz z dalszym rozwojem mikroelektroniki, możliwe stało się uzyskanie niemal dowolnej barwy. We współczesnej muzyce popularnej syntezator jest dziś królem i bogiem. Ze względu na łatwość użytkowania jest teraz używany przez każdego, kto potrafi choć trochę grać na pianinie. Wystarczą trzy klasy zwykłej szkoły muzycznej, by grać mniej lub bardziej znośnie.
W ostatniej dekadzie syntezator zyskał potężnego sojusznika – komputer. Jak wiesz, nowoczesne komputery pozwalają robić wszystko, czego dusza zapragnie. Wraz z wynalezieniem kart dźwiękowych do komputera, stało się możliwe wstawianie na nie chipów z bankiem instrumentów z dowolnego nowoczesnego syntezatora. Za pomocą specjalnych programów sekwencera możesz nagrać dowolną melodię na swój komputer i ją odtworzyć. Wygląda jak syntezator. Niedawno pojawiły się tak zwane samplery oprogramowania. Sampler to urządzenie, które pozwala nagrać próbkę dźwięku (w języku angielskim sampla, skąd pochodzi nazwa), wskazać, której nuty odpowiada i po podłączeniu do syntezatora odtworzyć tę barwę. Samplery sprzętowe były drogie i trudne w obsłudze, więc napisanie samplera programowego wywołało sensację wśród muzyków. Teraz ogólnie można było się obejść tylko z komputerem, znając trochę umiejętności muzycznych i nie mogąc na niczym grać. Stosunek ceny do dźwięku syntezatora i komputera uczynił z nich niezastąpione instrumenty dla muzyków rockowych i popowych.
2. Nagrywanie dźwięku
Od czasów starożytnych ludzie próbowali jakoś uwiecznić utwory muzyczne.
Przecież dla kompozytora, który za każdym razem gra jakąś ze swoich kompozycji, jest to to samo, co dla artysty, który za każdym razem przemalowuje swój obraz. Dlatego muzycy niejako myśleli o utrwaleniu własnych utworów. Najprostszą technicznie, a więc najstarszą metodą jest notacja muzyczna.
Nie wymaga żadnych urządzeń technicznych poza długopisem z atramentem i kawałkiem pergaminu, a następnie papieru. Notacja muzyczna polega na konwencjonalnym oznaczeniu dźwięków muzycznych na kartce. Doświadczony muzyk, widząc te znaki, natychmiast gra w głowie melodię i potrafi ją odtworzyć prawie tak samo jak oryginał.
Wynalezienie notacji muzycznej, oczywiście, w dużym stopniu przyczyniło się do rozwoju muzyki jako sztuki, ale początkowo była ona naturalnie inna w różnych krajach. W procesie rozprzestrzeniania się cywilizowanych ludzi na ziemi, pisarstwo muzyczne osiągnęło pewien poziom. Jednak pismo, którego teraz używamy, nadaje się do nagrywania muzyki, której korzenie tkwią całkowicie w klasycznej muzyce europejskiej. Trudno im nagrywać np. muzykę chińską, indyjską czy afrykańską.
W procesie kształtowania się muzyki jako sztuki pojawiła się potrzeba doskonalszej metody rejestracji dźwięku niż nuty. W końcu nie każdy, kto kochał muzykę, wiedział, jak coś zagrać. Oczywiście bogaci mogli sobie pozwolić na utrzymanie nadwornego muzyka lub chodzenie do teatru na koncerty jakiegoś sławnego muzyka. A co z biednymi, których nie stać ani na jednego, ani na drugiego? To oni wymyślili pierwsze urządzenia, które umożliwiały odtwarzanie muzyki bez możliwości odtwarzania czegokolwiek. To były liry korbowe. Tak naprawdę, aby grać na organach beczkowych, nie jest wymagana żadna wiedza muzyczna i umiejętności, wystarczy przekręcić gałkę.
Mechaniczna metoda rejestracji dźwięku jest stosowana od kilku stuleci. Mogli na przykład nagrać utwór na organy. W niektórych miejscach na rolce papieru robiono szczeliny, następnie rolkę tę przewijano między piszczałkami organowymi a miechem. Tam, gdzie były szczeliny, powietrze przechodziło do rur i powstawał dźwięk. Jednak ta metoda rejestracji dźwięku miała szereg wad, w szczególności złożoność wykonania takiej rolki, nierówność jej ruchu powodowała nierówny dźwięk. Ta metoda nie jest powszechnie stosowana.
Pod koniec XIX wieku Amerykanin Thomas Edison wynalazł fonograf. Wynalazek ten uważany jest za punkt zwrotny w historii rejestracji dźwięku. Zastosowano nową metodę rejestracji dźwięków – falę, czyli ze względu na to, że dźwięk jest falą mechaniczną, wywołuje drgania membrany, które rejestrowane są na dowolnym nośniku. Podczas odtwarzania zarejestrowane drgania z nośnika przekazywane są na membranę, która oscyluje i wibruje powietrze, w którym powstają fale.
Wynalezienie rejestracji dźwięku falowego umożliwiło nagranie dowolnego instrumentu, ale co to jest instrument, w ogóle, teraz można nagrać dowolny dźwięk. Jednak od wynalezienia fonografu do wynalezienia wysokiej jakości odtwarzaczy i magnetofonów minęło sporo czasu. Z początku fonograf nie znalazł uznania ze względu na fatalną jakość dźwięku. Jednak dalsze udoskonalanie tej metody rejestracji dźwięku i wynalezienie wysokiej jakości odtwarzaczy elektrycznych i magnetofonów zakreśliło i. Pojawiły się w latach czterdziestych i pięćdziesiątych ubiegłego wieku.
W takich warunkach powstała muzyka rockowa - pierwsza prawdziwie masowa. Stał się ogromny właśnie dzięki wynalezieniu prostych, wysokiej jakości i tanich urządzeń do rejestracji dźwięku. Nie myl muzyki rockowej z popem. Pops, także produkt nowych technologii, poświęciłem osobny rozdział. Muzyka rockowa to przede wszystkim sztuka. Stworzenie wysokiej jakości pracy w tym gatunku wymaga nie mniej umiejętności i talentu, a także innej formy sztuki.
Rozwój muzyki rockowej jest najściślej związany z wprowadzaniem nowych technologii w instrumentarium i rejestracji dźwięku. Jednym z żywych przykładów, które już podałem, jest poprawa gitary prowadzącej do poziomu Fender Stratocaster czy Gibsona Les Paula. Innym imponującym przykładem jest wynalezienie odtwarzaczy stereo i magnetofonów stereo. Odtwarzacze monofoniczne nie pozwalały na osiągnięcie takiej jakości dźwięku, nawet jeśli zespół rockowy stworzył coś naprawdę okazałego, nie dało się tego przekazać masom, wiele stracono.
Mniej więcej natychmiast po wynalezieniu odtwarzacza stereo pojawiły się takie arcydzieła rocka, album The Beatles „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, opera rockowa Jesus Christ Superstar to pierwszy i jak dotąd jedyny udany projekt, który łączy rock z klasyką. Również w tym czasie (koniec lat sześćdziesiątych) pojawiły się tzw. "gadżety" na gitary elektryczne, które sprawiły, że ich brzmienie było jak na tamte czasy naprawdę fantastyczne iw pewnym stopniu przyczyniło się do powstania nowych stylów, takich jak np. heavy metal. W zasadzie heavy metal to ten sam rock, tylko bardzo głośny i szybszy.
Czasami rock jest niesłusznie nazywany muzyką pokolenia lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych, złe języki mówią, że jest już martwy. Właściwie tak nie jest. Z naprawdę wspaniałymi utworami rockowymi wydarzy się mniej więcej to samo, co z Czterdziestą Symfonią Mozarta, Sonatą Księżycową Beethovena czy Jeziorem łabędzim Czajkowskiego - nigdy nie zostaną zapomniane. W związku z tym, że rozkwit rocka nie trwał długo, ponownie częściowo winne są nowe technologie. Mniej więcej w połowie lat siedemdziesiątych rozpoczęła się nowa generacja instrumentów muzycznych: mikroprocesor - w zasadzie były to różnego rodzaju syntezatory, a nieco później komputery. Kolejne pokolenie młodzieży się zmieniło, a jak wiecie, młodość jest siłą napędową wszystkiego, co nowe i zaprzecza wszystkiemu staremu. Rock stał się muzyką ojców, a przez to niemodną. Jednak to nowe pokolenie nie zaoferowało nic nowego, ale uparcie twierdziło, że „rock and roll jest martwy, ale ja jeszcze nie jestem” (B.B. Grebenshchikov). Łatwość użycia syntezatorów i komputerów uczyniła je dostępnymi dla każdego głupca, a teraz może, jeśli za jakieś pięćdziesiąt lat przyjrzymy się dzisiejszej muzyce, to może uda się znaleźć jakieś arcydzieła, które są teraz mocno zapchane popem.
3. Perspektywy rozwoju technologii informacyjnych w muzyce
Niemniej jednak postaramy się „przewidzieć” kierunki, które wydają się najbardziej obiecujące z punktu widzenia przyszłego zastosowania komputera muzycznego. Najbardziej realistyczne jest dla nas założenie, że technologia edukacji muzycznej na odległość będzie powszechnie stosowana. Oznacza to, że przede wszystkim historia i teoria muzyki, ale po części porady praktyczne, będą dostępne w każdym punkcie geograficznym oddalonym od renomowanych instytucji edukacyjnych. W konsekwencji możemy liczyć na to, że znacznie większa liczba pasjonatów muzyki, tej pięknej i potężnej sztuki, będzie posiadać rzetelną naukowo i praktyczną wiedzę muzyczną. Komputer jest już dziś gotowy do zaoferowania wielu rzeczy, które pozwolą wreszcie zrealizować dojrzałe historycznie i społecznie hasło „Muzyka dla każdego!”.
Z łatwością i ekscytująco wszyscy ludzie opanują muzyczne umiejętności, jakby uczyli się swojego ojczystego języka, jakby przejmowali melodie swoich ulubionych piosenek od matki, a komputer muzyczny stanie się niezawodnym przewodnikiem dla każdego dociekliwego podróżnika po świecie dźwięków. Dzięki komputerowi wyposażonemu w programy treningu muzycznego oparte na metodach medycznych i pedagogicznych, np. głusi i niemi będą słyszeć muzykę, a na końcu nawet mówić (w tym kierunku już dzisiaj nastąpił rozwój metodologiczny).
Dzięki komputerowi wyposażonemu w programy treningu muzycznego oparte na metodach medycznych i pedagogicznych, np. głusi i niemi będą słyszeć muzykę, a na końcu nawet mówić (w tym kierunku już dzisiaj nastąpił rozwój metodologiczny). Całkiem możliwe, że pewien kod barwowo-rytmiczny muzyki komputerowej pomoże wyleczyć niektóre choroby.
Dostępność technologii komputerowej i wygoda oprogramowania stworzą bezprecedensowe warunki dla muzycznej kreatywności (muzycznej „szydełkowania”), po części porównywalne z obecnym lawinowym rozprzestrzenianiem się amatorskiego muzykowania w stylach pop i rock. Wyrażenia: „moja muzyka”, „moje domowe studio”, „moje płyty CD”, „moje teledyski”, „moja strona muzyczna” (wszędzie „moje” znaczy „stworzone przeze mnie”) również staną się znanymi pojęciami masowymi. Każdy będzie mógł spróbować siebie jako kompozytor, aranżer, realizator dźwięku, kompozytor nowych barw, efektów dźwiękowych.
Na tle takiego masowego entuzjazmu wielokrotnie wzrośnie prestiż i jakość edukacji muzycznej, której treść dzięki komputerowi zmieni się znacząco, stanie się bardziej zaawansowana technologicznie i intensywna, elastycznie dostosowywana do konkretnych zadań . Każdy nauczyciel muzyki w liceum specjalnym lub liceum ogólnokształcącym (nieważne) będzie biegle posługiwał się muzyką i technologiami komputerowymi. Oczywiście będzie mógł w ciekawy i ekscytujący sposób poprowadzić swój temat, nie będzie mu trudno skomponować piosenkę czy taniec, dokonać pełnobrzmiących aranżacji, stworzyć jasny szkolny koncert, nagrać go na płytę cyfrową o wysokiej jakości, a następnie dać swoim podopiecznym taki rekord jak wspomnienie wspaniałego czasu dzieciństwa i młodości.
Niewykluczone, że technologie muzyczno-komputerowe jeszcze bardziej ograniczą pracochłonne zawody muzyczne, przez co pod przymusem rodziców niezbyt pilni chłopcy i dziewczęta są często pozbawieni szczęścia z dzieciństwa przez 10-15 lat z rzędu . Radość chwilowego, bezpośredniego muzykowania przyniosą im jeszcze bardziej pomysłowo zaprojektowane syntezatory i komputery muzyczne. I tylko prawdziwie utalentowani, entuzjastyczni i cierpliwi muzycy zostaną wirtuozami (skrzypkowie, pianiści, klarneciści, trębacze).
Bibliografia
1. Informatyka i inteligencja komputerowa / A.V. Timofiejew. - M. Pedagogika, 1991.
2. Technologia informacyjna. Yu.A. Szafryna. - M. Lab. podstawowa wiedza, 1998.
3. Informatyka: podręcznik. dla studentów kierunków technicznych. kierunki i specjalności uczelni / V.A. Ostrejkowski. - Wyd. 2., s.r. - M.: Wyższe. szkoła, 2004.
4. Ciągły kurs informatyki / S.A. Beszenkow. - M. BINOM. Laboratorium. wiedza, 2008.
5. S. Kastalsky. Encyklopedia rocka / M. Peer, 1997.
Lekcja muzyki współczesnej to lekcja, podczas której wykorzystuje się nowoczesne technologie pedagogiczne, technologie komputerowe, elektroniczne instrumenty muzyczne. Lekcja muzyczna charakteryzuje się tworzeniem twórczego środowiska, gdyż na treść lekcji muzycznych składają się emocje i ich subiektywne przeżycie. Tak specyficzna treść determinuje wybór różnych metod, rodzajów pracy i nowych narzędzi multimedialnych.
Komputer daje duże możliwości w twórczym procesie uczenia się muzyki, zarówno na poziomie zawodowym, jak i amatorskim.
Muzyczne technologie komputerowe otworzyły całkowicie nowy etap w technicznej reprodukcji produktów muzycznych: w notacji muzycznej, w gatunkach muzyki użytkowej, w nośnikach nagrań, w możliwościach jakościowych sprzętu do odtwarzania dźwięku, w działaniach teatralnych i koncertowych, w dźwięku projektowanie i nadawanie muzyki (w tym nadawanie przez Internet) .
Jednym z wiodących kierunków w dziedzinie pedagogiki muzycznej XXI wieku jest zapoznanie studentów z technologiami informatycznymi i komputerowymi. Rozwój technologii informacyjnych i komputerowych jest obiektywnie niezbędny:
Po pierwsze, do profesjonalnego przygotowania kompozytorów i wykonawców,
· po drugie, do wykorzystania jako źródło pomocniczego materiału edukacyjnego (podręcznik, szkolenie, montaż, nagranie dźwięku, odtwarzanie dźwięku itp.).
Na niektórych uniwersytetach w Rosji technologie elektroniczne związane z kreatywnością muzyczną są przedmiotem programu nauczania. W takich placówkach edukacyjnych na podstawie systemów komputerowych opracowywane są „słowniki” dźwiękowe, tworzone są kompozycje muzyczne za pomocą świetlnych i kolorowych efektów specjalnych, sekwencji filmowych i wideo, pantomimy aktorskiej.
Programy komputerowe wykorzystywane są również w nauczaniu gry na instrumentach, w rozwijaniu słuchu muzycznego, w prowadzeniu słuchania utworów muzycznych, w doborze melodii, w aranżacji, improwizacji, pisaniu i redagowaniu tekstu muzycznego. Programy komputerowe pozwalają określić zakres instrumentu, płynność wykonawcy w pasażach, wykonanie pociągnięć i odcieni dynamicznych, artykulację itp. Dodatkowo komputer umożliwia naukę utworów z „orkiestrą”. Może również pełnić funkcję „symulatora” do prowadzenia (przy użyciu sprzętu telewizyjnego). Programy komputerowe umożliwiają przeprowadzenie analizy muzycznej i słuchowej melodii (tematów) utworów na przestrzeni historii muzyki. Dla wielu dyscyplin muzycznych komputer jest cennym źródłem informacji bibliograficznych i encyklopedycznych.
Powszechne zadania projektowe z prezentacjami komputerowymi, które pozwalają na bardziej wizualną prezentację lub ilustrację materiału.
Należy zauważyć, że wykorzystanie technologii komputerowej ma na celu indywidualny charakter pracy, co na ogół odpowiada specyfice lekcji muzyki. Komputer osobisty pozwala na różnicowanie indywidualnego trybu pracy muzyka zgodnie z jego rytmem tempa, a także ilością wykonywanej pracy.
Wydawać by się mogło, że nie minęło tak wiele lat od czasu, gdy pierwsze komputery, które zajmowały całe pomieszczenia i jednocześnie absolutnie nie były przeznaczone do pisania muzyki, zamieniły się w małe komputery osobiste, łączące możliwości pracy nie tylko z obliczeniami , ale także z grafiką, wideo, dźwiękiem i nie tylko. W kontekście rozwoju we wszystkich obszarach działalności wydaje się absolutnie logiczne wprowadzenie komputera do procesu edukacyjnego, nie tylko jako takiego, ale także jako pomocy w nauce.
Zróbmy krótką dygresję w historię pierwszych prób połączenia bezdusznych maszyn ze sztuką.
Dawno temu, od czasów Pitagorasa, a może nawet wcześniej, matematycy zwracali uwagę na formalną stronę organizacji muzyki – skale czasu i częstotliwości. Jednak mechanizmy odtwarzające muzykę zgodnie z programem pojawiły się przed mechanizmami kalkulatora, więc zaryzykowalibyśmy nazwanie muzyków pierwszymi programistami. Być może jednak w pisemnym dziedzictwie kultur antycznych notacje muzyczne jako opis chwilowego procesu są najbliższe tekstom programów. W obu formach istnieją bloki, warunki, pętle i etykiety, ale nie wszyscy programiści i muzycy są świadomi tych podobieństw. Ale jeśli je pamiętasz, nie możesz się już dziwić, że tworząc pierwsze komputery inżynierowie zmusili je do grania melodii. To prawda, że muzycy nie mogli przypisywać muzyki maszynowej prawdziwej muzyce, być może dlatego, że nie było w niej nic poza „martwymi” dźwiękami lub planem. A sam dźwięk maszyny, który w pierwszych krokach był prostym meandrem, był niezwykle daleki od brzmienia instrumentów akustycznych. Jednak liczne eksperymenty z elektronicznymi maszynami zdolnymi do wydobycia dźwięku doprowadziły do pojawienia się różnych sposobów pisania muzyki, a co za tym idzie do pojawienia się różnych stylów i kierunków. Nowe brzmienie, niezwykłe i nieprzyzwyczajone do ucha, stało się innowacją w muzyce. Wielu znanych współczesnych kompozytorów, np. K. Stockhausen, O. Messiaen, A. Schnittke, mimo złożoności pracy z technologią, tworzyło utwory przy użyciu nowych instrumentów elektronicznych lub tylko na nich.
Kolejnym etapem rozwoju muzycznych technologii komputerowych były badania i rozwój metod syntezy dźwięku.
Inżynierowie zajęli się analizą widm instrumentów akustycznych oraz algorytmami syntezy barw elektronicznych. Początkowo obliczenia drgań dźwięku wykonywał procesor centralny, ale z reguły nie w czasie rzeczywistym. Dlatego na pierwszych komputerach tworzenie utworu muzycznego było bardzo żmudnym procesem. Trzeba było zakodować nuty i przypisać barwy, następnie uruchomić program do obliczenia fali dźwiękowej i poczekać kilka godzin na odsłuchanie wyniku. Jeśli muzyk, a raczej programista-operator, dokonywał jakichś zmian w programie partyturowym, znowu musiał czekać kilka godzin przed słuchaniem. Jasne jest, że taka praktyka muzyczna nie mogła być masowa, ale badacze fenomenu muzyki chcieli pójść dalej niż zwykłe użycie maszyny jako elektronicznej pozytywki. W ten sposób powstał inny - całkiem naturalny - kierunek muzycznego wykorzystania komputerów: generowanie, generowanie samego tekstu muzycznego.
Już w latach 50., przy użyciu pierwszych komputerów, naukowcy podejmowali próby syntezy muzyki: komponowania melodii lub aranżowania jej ze sztucznymi barwami. Tak powstała muzyka algorytmiczna, której zasadę zaproponował jeszcze w 1206 roku Guido Marzano, a następnie zastosował W. Mozart do automatyzacji komponowania menuetów - pisania muzyki według utraty liczb losowych.
Kompozycje algorytmiczne tworzyli P. Boulez, J. Xenakis, K. Shannon itp. Autorem słynnej „Suity Illiac” (1957) był przede wszystkim komputer, a współautorami kompozytor Leyaren Hiller oraz programista Leonard Isaacson. Trzy części są bliskie muzyce ścisłej, a czwarta wykorzystuje formuły matematyczne, które nie mają nic wspólnego ze stylami muzycznymi. P. Boulez i J. Xenakis stworzyli do swoich utworów specjalne programy, każdy dla określonej kompozycji. Pierwszą pracą J. Xenakisa, demonstrującą stochastyczną (algorytmiczną) metodę kompozycji muzycznej, była „Metastasis” (1954) – praca, w której J. Xenakis obliczył algorytm, który następnie zastosował do realizacji projektu architektonicznego Corbusiera w forma Pawilonu Philipsa na Wystawie Światowej w 1958 roku.
Historia rozwoju muzycznych technologii komputerowych jest w dużej mierze związana z rosyjskimi naukowcami i badaczami. L. Theremin, E. Murzin, A. Volodin stworzyli unikalne sposoby syntezy dźwięku nie „po”, ale „przed” swoimi zachodnimi kolegami. A. Tangyan pracował nad problemami rozpoznawania i autonotacji. R. Zaripov, który „komponował” utwory muzyczne na maszynie uralskiej, swoje badania poświęcił analizie i generowaniu tekstów muzycznych, tworzeniu kompozycji algorytmicznych. Podstawą takich algorytmów był szczegółowy proces dla różnych elementów tekstury muzycznej (kształt, rytm, wysokość itp.). Zaripov wydedukował cały zestaw matematycznych zasad komponowania takich melodii. Melodie uralskie, jak nazywał te melodie, były monofoniczne i były albo walcem, albo marszem.
Co więcej, są to tylko nazwiska badaczy, których prace są rozpoznawane poza Rosją. Było jednak wiele innych, lokalnych wydarzeń. Nie jedyną, ale jedną z godnych uwagi jest pierwsza domowa karta dźwiękowa i interfejs MIDI do komputera Agat-7 (analogicznie do Apple II) z własnym oprogramowaniem muzycznym. Wszystko to miało miejsce w połowie lat 80-tych. XX wiek, kiedy IBM-XT był jeszcze daleko od wszystkich uczelni technicznych, a przeciętny użytkownik nie miał pojęcia o znakach towarowych Sound Blaster (Creative Labs, http://www.creat.com) i Voyetra (Voyetra Technologies, http://www.voyetra.com).
Podobnie jak w innych dziedzinach (na przykład w grafice i animacji), w muzycznej technologii komputerowej opracowano dwa zasadniczo różne podejścia. Pierwsza związana jest ze sterowaniem parametrycznym modelem dźwięku, części, pracy, druga - z działaniem analogu rzeczywistego obiektu. Oba podejścia mają zarówno zalety, jak i wady i stale ewoluują. Podczas gdy niektórzy inżynierowie starali się osiągnąć maksymalną wiarygodność w syntezie barw akustycznych, inni opracowywali metody operowania prawdziwym dźwiękiem. Jeśli ta pierwsza rozwiązywała problemy optymalizacji parametrów syntezy i kontroli wydajności, to ta druga zajmowała się kompresją i dekompresją danych, czyli problemami fal dźwiękowych. Ale parametryczne modele obiektów są zawsze bardziej atrakcyjne dla inżyniera, znacznie lepiej nadają się do obsługi i transformacji. Całe pytanie dotyczy tego, jak dokładnie modele opisują rzeczywisty obiekt, jeśli celem jest osiągnięcie wiarygodności. Z badań z zakresu psychologii percepcji wiadomo, że w procesie rozpoznawania wzorców szczególną rolę odgrywają progi rzetelności i mechanizmy przywracania obrazów. Nieprofesjonalista nie będzie już w stanie odróżnić zsyntetyzowanej barwy fortepianu od rzeczywistej właśnie dlatego, że nie ma ona wysokiego progu niezawodności. I całkiem możliwe, że przyszłość muzycznych technologii komputerowych leży w modelowaniu parametrycznym.
Ogromna liczba programów/środowisk, które istnieją dzisiaj, opiera się na trzech podstawowych metodach: stochastycznej, pewnym ustalonym algorytmie i systemach ze sztuczną inteligencją.
Metoda stochastyczna opiera się na generowaniu dowolnych serii dźwięków lub fragmentów muzycznych i może być prezentowana zarówno z komputerem, jak i bez, jak na przykład w pracy Stockhausena.
Sama metoda algorytmiczna jest zbiorem pewnych algorytmów realizujących intencję kompozytora. Algorytm może być przedstawiony jako technika kompozytorska lub jako model generujący dźwięk. Możliwe jest również połączenie tych dwóch funkcji. Unikalnym systemem programowania dźwięku jest program CSound, który jest głównym instrumentem muzyków elektroakustycznych. Program wykorzystuje prawie każdy rodzaj syntezy, w tym FM, AM, subtraktywną i addytywną, modelowanie fizyczne, resyntezę, granulację, a także każdą inną metodę cyfrową. Wiele innych systemów zostało stworzonych w oparciu o CSound (AC Toolbox, CYBIL, Silence, itp.). Dla muzyka tworzenie kompozycji w takim środowisku jest nieco trudne, gdyż wymaga umiejętności i znajomości programowania (choć twórcy twierdzą inaczej). Kompozytor wpisuje polecenia do dwóch plików tekstowych, z których jeden odpowiada za opis samej barwy/instrumentu, drugi powinien zawierać aktualną partyturę. W programie jest niezliczona ilość operatorów, tych cegiełek, które składają się na programowaną przez nas przestrzeń dźwiękową.
Nie mniej popularnym środowiskiem do programowania wirtualnych instrumentów i tworzenia algorytmów do interaktywnego wykonania jest program MAX/MSP opracowany przez paryski Instytut Muzyki Elektronicznej (IRCAM). Jest zaimplementowany jako aplikacja z interfejsem użytkownika zorientowanym obiektowo. Możliwości takiego środowiska to przede wszystkim tworzenie interaktywnej muzyki (podczas występu napisany wcześniej moduł oprogramowania wchodzi w interakcję z odtwarzaną muzyką poprzez interfejs MIDI). Praca w takim środowisku to przyjemność, ponieważ daje to pełną swobodę działania zarówno kompozytorowi, jak i wykonawcy. Program ten jest szeroko stosowany podczas koncertów na żywo – dźwięk tego samego utworu na różnych koncertach będzie inny, jedynie algorytm interakcji między komputerem a wykonawcą pozostaje niezmieniony. Z programu korzysta wielu wybitnych kompozytorów, takich jak Richard Boulanger i Dror Feiler.
Wreszcie możliwe jest wykorzystanie systemów wykorzystujących sztuczną inteligencję. Są to również systemy oparte na regułach, ale ich główną cechą jest umiejętność uczenia się. Celem jest tworzenie kompozycji, które mają uczucie, subtelność i intelektualny urok. Powstający w wyniku algorytm może być albo autonomicznym, ale sztucznie stworzonym systemem muzycznym, albo opartym na analizie pracy kompozytora. Analizując tę lub inną kompozycję, wyprowadza się pewien zestaw reguł kompozycyjnych, instrukcje rozwoju tematycznego, barwę, fakturę. I tu pojawia się paradoksalny przypadek, z jednej strony mamy maszynę zdolną do wytworzenia produktu mniej lub bardziej zbliżonego do ludzkiego standardu, ale z drugiej noszącego piętno warsztatu kompozytora. To samo można powiedzieć o kompozytorach, którzy stworzyli własne programy algorytmiczne. W takich kompozycjach funkcje kompozytora i właściwy „proces komponowania” programu są wyraźnie rozdzielone.
Dziś maszyna nie jest jeszcze w stanie prześcignąć ludzkiej inteligencji i zamienić swojego produktu w sztukę. Ten czy inny system nie jest w stanie samodzielnie generować myśli, uczuć. Z jakimkolwiek stopniem perfekcji nigdy nie zostanie nie tylko „genialną”, ale także „utalentowaną” kompozytorką. Nawet idealna maszyna nie będzie w stanie zdobyć tej nieuchwytnej rzeczy, która zawsze będzie odróżniać naturę ożywioną od nieożywionej (choć doprowadzoną do idealnego stopnia doskonałości). Stała się jednak dobrą pomocą w rękach mistrza, kompozytora, oszczędzając mu marnowania ogromnej ilości czasu na obliczenia i konstrukcje technologiczne, które w miarę rozszerzania się sfery środków wyrazowych w muzyce komplikują się coraz bardziej.
Tak więc dzisiaj dla muzyków komputer otwiera szerokie możliwości twórczych poszukiwań. W tak specyficznej działalności, jaką jest sztuka muzyczna, komputer jest nie tylko doskonałym pomocnikiem, ale w niektórych przypadkach doradcą i nauczycielem. Można wymienić tylko niektóre możliwości komputera muzycznego: nagrywanie, edycja i drukowanie partytur; nagrywanie, edycja i dalsze wykonywanie partytur za pomocą komputerowych kart dźwiękowych lub zewnętrznych syntezatorów połączonych interfejsem MIDI; digitalizacja dźwięków, szumów o różnym charakterze oraz ich dalsza obróbka i transformacja za pomocą programów sekwencerowych; harmonizacja i aranżacja gotowej melodii z wykorzystaniem wybranych stylów muzycznych oraz możliwość ich edycji do własnego wymyślenia (stylów); komponowanie melodii na zasadzie losowej poprzez sekwencyjny dobór dźwięków muzycznych; kontrolować dźwięk instrumentów elektronicznych, wprowadzając określone parametry przed rozpoczęciem występu; nagrywanie części instrumentów akustycznych i akompaniamentu głosu w formacie cyfrowym z ich późniejszym przechowywaniem i przetwarzaniem w programach do edycji dźwięku; programowa synteza nowych dźwięków z wykorzystaniem algorytmów matematycznych; nagrywanie płyt audio CD.
Wszystkie te różnorodne możliwości komputera pozwalają na jego wykorzystanie zarówno w edukacji muzycznej, jak i w zakresie twórczości zawodowej kompozytorów, realizatorów dźwięku i aranżerów.
