Richard Clayderman jest francuskim pianistą, muzykiem i aranżerem, najbardziej znanym ze swoich klasycznych i popularnych utworów, które uczyniły go jednym z najwybitniejszych muzyków naszych czasów. W trakcie swojej kariery Richard napisał ponad 1300 kompozycji, które sprzedały się w ponad 150 milionach egzemplarzy; Spośród nich 267 uzyskało status złotej płyty w kilku krajach, a 70 platynowych. Tak niesamowity sukces sprawił, że nazwisko Claydermana znalazło się w Księdze Rekordów Guinnessa jako pianista odnoszący największe sukcesy na świecie.
Richard Clayderman urodził się jako Philippe Pages 28 grudnia 1953 roku w Paryżu we Francji. Richard od wczesnego dzieciństwa studiował muzykę i uczył się gry na pianinie pod okiem ojca, nauczyciela muzyki i zawodowego muzyka. Do czasu ukończenia studiów muzyka była dla chłopca
nie tylko hobby, ale zawód, w którym chciałby spędzić życie.
Wstępując do Konserwatorium Paryskiego Richard szybko zdobył miłość studentów i szacunek nauczycieli, którzy szybko dostrzegli niesamowity talent młodego Claydermana. Jego kariera i przyszłość jako profesjonalnego muzyka dobiegła końca, gdy Richard
wiedział o chorobie ojca i prawie całkowitym bankructwie rodziny. Aby więc utrzymać się i opłacić studia, podjął pracę w banku, a także zaczął występować ze współczesnymi muzykami francuskimi jako muzyk sesyjny. Co ciekawe, Ryszard bardzo szybko wdarł się do grona najpopularniejszych muzyków tamtych czasów, choć inni muzycy na tym
Zajęło to lata, ale jak sam wspomina, w tym czasie był gotowy zagrać każdą muzykę, za którą mu płacono, więc profesjonalnym muzykom opłacało się pozyskać do swojego zespołu młodego, obiecującego muzyka.
W 1976 Clayderman został zaproszony na wywiad i przesłuchanie do ballady „Ballade pour Adeline”
(lub po prostu „Adeline”). Spośród 20 kandydatów na pianistę wybrano Richarda, którego styl gry uderzył producentów swoją niejednorodnością: łączył w sobie lekkość i siłę, energię i melancholię. W ciągu zaledwie kilku dni nagrania pojawiła się ostateczna wersja „Ballade pour Adeline”, której dotychczasowy nakład
t 34 miliony rekordów w 38 krajach. Pomimo faktu, że ta praca była najbardziej uderzającym osiągnięciem muzyka, w jego skarbonce znajduje się kilkaset bardziej popularnych utworów, które odnoszą sukcesy nie tylko w Europie i Stanach Zjednoczonych, ale także w Azji, która jest dość chroniona przed zachodnimi wpływ. W wielu krajach azjatyckich prace Richarda
Klaiderman cieszy się takim powodzeniem, że czasami zajmuje wszystkie półki w sklepach muzycznych, nie zostawiając miejsca dla mistrzów muzyki klasycznej – Mozarta, Wagnera, Beethovena itp.
Spędzając większość czasu w trasie, Richard dał się poznać jako niezwykle pracowity muzyk – w 2006 roku zagrał 200 koncertów w 250 dni, grając
Wykorzystanie weekendów tylko na przeprowadzki i ustawienie dźwięku w nowych miejscach. W trakcie swojej kariery stał się autorem 1300 utworów, które ukazały się zarówno jako solowe albumy, jak i trafiły na ekrany telewizorów i kin. W sumie dostępnych jest dziś około 100 płyt Richarda - od jego wczesnych prac po najnowsze.
Do rozwoju aparatu nie wystarczy wielogodzinna zabawa. Konieczne jest oszczędzanie energii na resztę pracy.
Znana jest pokusa robienia tego, na czym się znasz i co działa najlepiej. Bądź w stanie się temu oprzeć, w przeciwnym razie nie odniesiesz sukcesu.
Należy zauważyć, że wyeliminowanie jednej luki technicznej pomaga wyeliminować wszystkie inne luki. Poznaj swoje słabości i zdecydowanie je zaatakuj.
Mylą się ci, którzy po porannym wykonywaniu ćwiczeń przez pół godziny lub nawet godzinę myślą, że technika się skończyła.
Nie jestem nawet pewien, czy powinieneś zaczynać swoją codzienną rutynę od ćwiczeń. „Leczenie” aparatu staje się bardziej efektywne, gdy ćwiczenia są rozsądnie rozłożone w ciągu dnia pracy.
Przerywaj od czasu do czasu naukę dzieła sztuki i wróć do pokonywania pewnych trudności technicznych – szybciej i mniejszym wysiłkiem osiągniesz sukces.
Podczas studiowania ćwiczeń technicznych pamiętaj o następujących wskazówkach:
1. Wysokość siedziska powinna zapewniać poziomą pozycję dłoni.
2. Ćwiczenia są wykonywane bez pedału.
3. Nie nadwyrężaj ręki. Kiedy jesteś zmęczony, odpocznij lub zmień rodzaj ćwiczeń.
4. Grając w wolnym tempie forte lub fortepianowym, włóż palec głęboko w klawisz.
5. Pomyśl nie tylko o uderzeniu palcem, ale także o podniesieniu go. Wiedza o tym, jak zdjąć rękę z klawiatury, jest tak samo ważna jak jej odłożenie. Pierwsza umiejętność jest warunkiem drugiej.
Aby uzyskać łatwość wykonania, warto na początku pracy wyolbrzymić wyrazistość artykulacji. Siła dźwięku maleje wraz ze stopniowym przyspieszaniem tempa.
6. Kontroluj kciuk, drugi palec i nie zbliżaj ręki do małego palca, aby ten ostatni zachował zdolność do samodzielnego uderzenia.
7. Stale kontroluj elastyczność dłoni. Powinien być wolny od ramienia do dłoni. Nie baw się z uniesionymi „twardymi” ramionami.
8. Pracuj, stopniowo przyspieszając ruch, ale często wracając do wolnego tempa.
9. Policz! W ćwiczeniach mocne uderzenia są punktami podparcia i punktami wyjścia do rozbiegu palców. Położyć nacisk! Klarowność rytmu przyczynia się do przejrzystości palców.
10. Odgrywaj ćwiczenia ekspresowo! Posłuchaj siebie!
Odzwierciedlając istotę naszej pracy, te wskazówki dadzą sumiennemu muzykowi do myślenia i bez wątpienia pomogą mu opanować sekret wielkich pianistów - umiejętność pracy!
Na zakończenie chciałbym jeszcze raz zaapelować do wszystkich pianistów dobrej woli, którzy zechcą skorzystać z tego dzieła. Nie ma jednej i wyczerpującej metody nauki sztuki pianistycznej.
Często mówi się, że technika jest dziełem wyobraźni. Jest w tym trochę prawdy. Możesz na przykład samodzielnie komponować wspaniałe formuły techniczne na podstawie dzieł, które studiujesz. Te niezliczone małe znaleziska mają sens. Ale są niebezpieczne, jeśli pianista myśli o zastąpieniu ich ćwiczeniami lub tradycyjnymi etiudami.
Badanie pracy nie ogranicza się do zadań technicznych. Brzmienie, styl, piękno frazy, pełnia brzmienia, akordy, szlachetność rytmu, równowaga głosów – to cele, które musi sobie postawić pianista, chcąc odtworzyć zamysł autora. Aby to zrobić, wykonawca musi być wolny od zmartwień technicznych.
Wolność tę osiągnie poprzez nieustanne studiowanie formuł zawartych w etiudach wielkich mistrzów fortepianu. Bez względu na to, jak bardzo potrzebne dla formacji wirtuoza i muzyka, Dobrze temperowany klawesyn Bacha czy etiudy Chopina – te szczyty literatury fortepianowej – nie zastąpią one Szkoły Płynności Palcowej i Szkoły Wirtuozowskiej Czernego.
Aby osiągnąć mistrzostwo, musisz ciężko pracować, potrzebujesz dużo cierpliwości. Nie zapominajmy też o skromności i szacunku dla tradycji.
Przestrzegałem tych prostych prawd, wprowadzałem je w życie.
Marguerite Long, z przedmowy do Szkoły ćwiczeń
Czy da się określić liczbę charakterystycznych cech pierwszorzędnej gry na fortepianie. Jednak wybierając dziesięć najważniejszych cech i dokładnie je rozważając, zainteresowany dowie się wielu rzeczy, które dadzą mu więcej do myślenia. Ostatecznie nikt nie jest w stanie wyrazić w druku wszystkiego, co nauczyciel może powiedzieć w komunikacji na żywo.
Przed studiowaniem nowej kompozycji niezwykle ważne jest zrozumienie jej ogólnej koncepcji, należy spróbować wniknąć w główną ideę kompozytora.
Istnieją również trudności czysto techniczne, które należy stopniowo przezwyciężać. Ale dopóki uczeń nie będzie w stanie odtworzyć głównej myśli utworu w większych proporcjach, jego gra będzie przypominać rodzaj muzycznego miszmaszu.
Kompozycja ma określony plan strukturalny. Przede wszystkim trzeba ją odkryć, a następnie zbudować kompozycję w sposób plastyczny charakterystyczny dla jej autora.
Pytasz mnie: „Jak uczeń może sformułować prawidłowe wyobrażenie o pracy jako całości?” Bez wątpienia najlepiej posłuchać go w wykonaniu pianisty, którego autorytet jako interpretatora jest niekwestionowany. Jednak wielu nie ma takiej możliwości. Dość często sam nauczyciel, który uczy od rana do wieczora, nie jest w stanie wykonać utworu absolutnie perfekcyjnie we wszystkich szczegółach. Niemniej jednak od nauczyciela można się czegoś nauczyć, który w miarę swoich zdolności potrafi dać uczniowi ogólne pojęcie o walorach artystycznych dzieła. Ale nawet w tych przypadkach, gdy nie można słuchać ani wirtuoza pianisty, ani nauczyciela, uczeń nie powinien rozpaczać, jeśli ma talent.
Tak, to jest największa moc, która jak nic innego penetruje wszelkie artystyczne sekrety i odkrywa prawdę. Utalentowany wykonawca niejako intuicyjnie wychwytuje myśli, które przyświecały kompozytorowi w momencie tworzenia utworu, i niczym prawdziwy interpretator przekazuje je publiczności w adekwatnej formie.
Jest rzeczą oczywistą, że umiejętności techniczne są sprawą najwyższej wagi dla kogoś, kto chce zostać pianistą pierwszej klasy. Nie sposób wyobrazić sobie dobrego wykonania, które nie wyróżniałoby się czystą, płynną, wyrazistą, elastyczną techniką. Możliwości techniczne pianisty muszą odpowiadać wymogom artystycznym wykonywanego utworu. Oczywiście mogą istnieć pojedyncze fragmenty, które wymagają szczególnej pracy, ale ogólnie rzecz biorąc, technika nie ma żadnej wartości, jeśli ręce i mózg nie są wystarczająco wyćwiczone, aby pokonać główne trudności napotykane w nowych kompozycjach.
Szkoły w Rosji przywiązują dużą wagę do technologii. Być może jest to jeden z powodów tak przychylnego przyjęcia przez niektórych rosyjskich pianistów w ostatnich latach. Prace czołowych rosyjskich konserwatoriów są prawie całkowicie nadzorowane przez Cesarskie Towarzystwo Muzyczne. Taki system jest elastyczny: chociaż wszyscy studenci mają obowiązek studiowania na tym samym kierunku, szczególną uwagę przywiązuje się do zajęć indywidualnych. Jednak na początku głównym tematem jest technika. Pod względem technicznym wszyscy studenci zobowiązani są do osiągnięcia wysokiego poziomu zawodowego. Nikt nie jest wyjątkiem. Być może czytelnicy „Etiudy” będą zainteresowani, aby dowiedzieć się czegoś o ogólnym planie pracy rosyjskich szkół cesarskich. Studia trwają dziewięć lat. W ciągu pierwszych pięciu lat uczeń nabywa większość swoich umiejętności technicznych, studiując zeszyt ćwiczeń Ganona, który jest bardzo szeroko stosowany w konserwatoriach. W rzeczywistości jest to jedyny zbiór ściśle technicznych ćwiczeń w użyciu. Wszystkie utrzymane są w tonacji C. W zbiorze znajdują się gamy, pasaże oraz ćwiczenia dla innych rodzajów techniki. Na koniec piątego roku - egzamin. Składa się z dwóch części. Najpierw student jest egzaminowany z techniki, a następnie musi wykazać się mistrzostwem w artystycznej interpretacji sztuk teatralnych, etiud itp. Jednak ci, którzy nie zdadzą pierwszego egzaminu, nie zostaną dopuszczeni do drugiego. Uczeń uczy się ćwiczeń Hanona tak dobrze, że zna je po numerach. Egzaminator może poprosić go np. o zagranie ćwiczenia 17, 28, 32 itp. Student od razu siada do fortepianu i gra. Pomimo tego, że w oryginale wszystkie ćwiczenia są napisane w tonacji C-dur, egzaminator ma prawo poprosić o wykonanie ich w dowolnej innej tonacji. Ćwiczenia są studiowane tak dokładnie, że zdający muszą je zagrać w wymaganej tonacji. Jest też egzamin z metronomem. Uczeń wie, że musi wykonać ćwiczenie w zadanym tempie. Egzaminator określa prędkość i metronom wyłącza się. Na przykład student jest proszony o zagranie gamy E-dur z metronomem 120, osiem nut na takt. Jeśli podoła zadaniu, otrzymuje odpowiednią ocenę i zostaje dopuszczony do pozostałych egzaminów.
Uważam, że wymóg głębokiej wiedzy technicznej jest pilnym problemem. Umiejętność zagrania kilku utworów nie oznacza opanowania muzycznego profesjonalizmu. To jak muzyczna tabakierka z tylko kilkoma melodiami w magazynie. Zrozumienie techniki przez ucznia musi być wszechstronne. Później uczeń otrzymuje trudniejsze technicznie ćwiczenia, na przykład Tausiga. Czerny jest również całkiem zasłużenie popularny. Mniej znane są studia Henselta, mimo jego długiej pracy w Rosji. Jednocześnie są tak piękne, że powinny być stawiane obok takich utworów, jak etiudy Chopina.
Interpretacja jest niemożliwa, jeśli student nie zna zasad, na których opiera się bardzo ważny obszar, jakim jest frazowanie. Niestety wiele publikacji nie jest pod tym względem doskonałych. Niektóre znaki fraz są użyte nieprawidłowo. W związku z tym jedynym bezpiecznym sposobem jest podjęcie specjalnych studiów nad tym ważnym obszarem sztuki muzycznej. W dawnych czasach znaki frazowe były rzadko używane. Bach zaaranżował je niezwykle oszczędnie. Wtedy nie było takiej potrzeby, ponieważ każdy muzyk podczas gry mógł sam wyznaczyć granice frazy. Ale umiejętność definiowania fraz nie jest bynajmniej jedynym wymaganiem. Równie ważna jest umiejętność ich wykonania. W umyśle artysty musi zrodzić się prawdziwe wyczucie muzyki, w przeciwnym razie cała wiedza frazowania, jaką posiada, będzie bezużyteczna.
Wykonanie fraz zależy całkowicie od wyczucia muzyki lub wyczucia tłumacza, więc określenie tempa wymaga nie mniejszego talentu muzycznego. Chociaż obecnie w wielu przypadkach tempo utworu jest wskazywane za pomocą metronomu, konieczne jest uwzględnienie interpretacji samego wykonawcy. Nie można ślepo podążać za wytycznymi metronomicznymi, chociaż czasem znaczne odstępstwo od nich jest niebezpieczne. Metronomu nie należy używać na ślepo. Wykonawca powinien działać według własnego zrozumienia. Nie pochwalam długotrwałej praktyki metronomu. Ma za zadanie nadawać tempo, a jeśli nie będzie nadużywany, metronom będzie wiernym pomocnikiem. Ale należy go używać tylko w tym celu. Najbardziej mechaniczny występ, jaki można sobie wyobrazić, pochodzi od tych, którzy stają się niewolnikami tego małego muzycznego zegara, który nigdy nie miał być despotą kontrolującym każdą minutę ćwiczeń.
Wielu uczniów zdaje sobie sprawę, że podczas występów istnieje wspaniała okazja do sprzeciwu. Każda praca jest „rzeczą samą w sobie”. Dlatego należy to interpretować na swój własny sposób. Są wykonawcy, których gra jest zawsze taka sama. Można to porównać z daniami serwowanymi w niektórych hotelach. Wszystko, co podaje się na stół, smakuje tak samo. Oczywiście, aby odnieść sukces, wykonawca potrzebuje jasnej osobowości, a każda jego interpretacja musi być nią zabarwiona. Ale jednocześnie powinieneś stale szukać różnorodności. Balladę Chopina trzeba zagrać inaczej niż Capriccio Scarlattiego. Rzeczywiście, sonata Beethovena ma bardzo niewiele wspólnego z Rapsodią Liszta. Dlatego uczeń powinien dążyć do nadania kompozycji oryginalnego, niepowtarzalnego wyglądu. Każda praca musi być samodzielna. Jeśli wykonawcy nie uda się wzbudzić tego uczucia u publiczności, jest on niewiele lepszy od jakiegokolwiek mechanicznego instrumentu.
Hoffmann ma tę umiejętność nadawania każdej pracy indywidualnego i charakterystycznego uroku, który zawsze mnie tak fascynuje.
Nazywana duszą fortepianu. Nie rozumiałem, co to znaczy, dopóki nie usłyszałem Antona Rubinsteina. Jego gra wydawała mi się tak cudowna, że nie do opisania. Jego kontrola nad pedałami była fenomenalna. W finale Chopinowskiej Sonaty b-moll osiągnął nieopisanie piękne efekty pedałowe. Dla każdego, kto je pamięta, na zawsze pozostaną w pamięci jako największy z rarytasów, jakie daje muzyka.
Uczysz się pedałować przez całe życie. To najtrudniejszy obszar wyższej edukacji pianistycznej. Oczywiście można ustalić podstawowe zasady jego używania i uczeń musi je dokładnie przestudiować. Ale jednocześnie prawa te można umiejętnie naruszyć, aby uzyskać niezwykłe, czarujące kolory.
Jest to szereg dobrze znanych zasad, które są w zasięgu naszego muzycznego intelektu. Można je porównać do planety, na której żyjemy i o której tak wiele wiemy. Jednak poza tymi prawami istnieje wielki Wszechświat - układ niebieski. Przeniknąć ją może tylko teleskopowa wizja artystyczna wielkiego muzyka. Dokonał tego Rubinstein i kilku innych pianistów, którzy wnieśli do naszej ziemskiej wizji boskie piękno, które tylko oni mogli dostrzec.
Aby tradycje przeszłości były szanowane, chociaż są one w większości dla nas niezrozumiałe, ponieważ można je znaleźć tylko w książkach, nie powinniśmy jednak dać się zniewolić konwenansami. Walka z tradycyjnymi wierzeniami jest prawem postępu artystycznego. Wszyscy wielcy kompozytorzy i wykonawcy wznieśli nowe budynki na ruinach konwencji, które zniszczyli. Nieporównywalnie piękniej jest tworzyć niż naśladować. Ale zanim będziemy mogli cokolwiek stworzyć, dobrze byłoby zapoznać się z najlepszymi, którzy nas poprzedzili. Dotyczy to nie tylko komponowania, ale także gry na fortepianie. Wielcy pianiści Rubinstein i Liszt posiadali niezwykle szeroką wiedzę. Studiowali literaturę fortepianową we wszystkich jej możliwych gałęziach. Znali każdy etap rozwoju muzycznego. To jest powód ich gigantycznego muzycznego rozkwitu. Ich wielkość nie tkwiła w pustej skorupie zdobytej technologii. Oni są wiedział. Byłoby dziś więcej studentów, którzy mieliby prawdziwy głód prawdziwej wiedzy muzycznej, a nie tylko chęć powierzchownego popisania się przy fortepianie.
Mówiono, że niektórzy nauczyciele szczególnie nalegają, aby uczeń znał źródło inspiracji kompozytora. Jest to z pewnością interesujące i może pomóc w pobudzeniu odrobiny wyobraźni. Jestem jednak przekonany, że byłoby znacznie lepiej, gdyby uczeń polegał na własnym rozumieniu muzyki. Błędem jest sądzić, że wiedza o tym, że Schubert inspirował się jakimkolwiek wierszem, a Chopin inspirował się jakąkolwiek legendą, może kiedykolwiek nadrobić brak prawdziwych podstaw gry na fortepianie.
Należy przede wszystkim zwrócić uwagę na główne cechy powiązań muzycznych w utworze. Musi zrozumieć, co nadaje tej pracy integralność, organiczność, siłę i wdzięk. Musi wiedzieć, jak wydobyć te elementy. Niektórzy nauczyciele wyolbrzymiają znaczenie ćwiczeń wspomagających i bagatelizują potrzebę zdobycia prawdziwych podstaw muzycznych. Pogląd ten jest błędny i prowadzi do złych wyników.
Musi kierować się większymi pobudkami niż tylko gra dla zysku. Ma misję, a tą misją jest edukowanie społeczeństwa. Dla bezinteresownego ucznia, dla jego własnej korzyści, prowadzenie tej pracy wychowawczej jest niezwykle ważne. Dla własnego dobra lepiej poświęcić całą swoją energię utworom, których wykonanie, jak czuje, będzie miało muzyczny, edukacyjny i wychowawczy wpływ na publiczność. Jednocześnie konieczne jest posiadanie własnego zdania, ale nie wychodzenie zbyt daleko poza granice możliwości percepcji tej publiczności. Jeśli weźmiemy na przykład pianistę-wirtuoza, to sprawa wygląda nieco inaczej. Wirtuoz zakłada, a nawet wymaga od swojej publiczności określonego gustu muzycznego, określonego poziomu wykształcenia muzycznego. W przeciwnym razie będzie działać na próżno. Aby publiczność mogła czerpać z muzyki to, co najlepsze, musi słuchać dobrej muzyki, dopóki nie stanie się dla niej jasne piękno kompozycji... Wirtuozi apelują do studentów-muzyków na całym świecie, aby przyczynili się do oświecenia ogromnej muzycznej publiczności. Nie trać czasu na muzykę, która jest banalna lub niegodziwa! Życie jest zbyt krótkie, by spędzać je na błąkaniu się po pustych cukrach muzycznych śmieci.
każde dobre wykonanie fortepianowe ma w sobie bardzo ważną iskrę, która zdaje się zamieniać każdą interpretację arcydzieła w żywe dzieło sztuki. Istnieje tylko przez chwilę i nie da się tego wytłumaczyć. Na przykład dwóch pianistów o tych samych zdolnościach technicznych może zagrać ten sam utwór. Jeden ma nudny, martwy i zapamiętany występ, drugi ma coś nieopisanie zachwycającego. Wydaje się, że spektakl ten drży pełnią życia. Intryguje i inspiruje publiczność. Czym jest ta ważna iskra, która tchnie życie w proste nuty?
Można to nazwać intensywnym artystycznym zainteresowaniem wykonawcy. To niesamowite zjawisko znane jako inspiracja. W procesie tworzenia kompozycji kompozytor jest z pewnością natchniony, a jeśli wykonawca zazna tej samej radości, której doświadczył autor w momencie tworzenia, w jego wykonanie wkracza coś nowego i niezwykłego. Wydaje się, że budzi się i nabiera sił w zupełnie niesamowity sposób. Publiczność od razu to rozumie i nawet czasami wybacza techniczne nieścisłości, jeśli sam spektakl jest pełen inspiracji. Rubinstein był cudem techniki, a jednak przyznał się do popełniania błędów. Być może były, ale jednocześnie odtwarzał takie pomysły i obrazy muzyczne, które mogły zrekompensować milion błędów. Kiedy Rubinstein był zbyt precyzyjny, jego gra traciła część zachwycającego uroku. Pamiętam, jak kiedyś na jednym z koncertów grał „Islamey” Bałakiriewa. Coś odwróciło jego uwagę i oczywiście zupełnie zapomniał o kompozycji, ale nadal improwizował w stylu sztuki Bałakiriewa. Po około czterech minutach przypomniał sobie resztę i grał do końca. Bardzo go to zirytowało i kolejny numer programu zagrał z najwyższą precyzją, ale, o dziwo, jego występ stracił cudowny urok chwili, w której zawiodła go pamięć. Rubinstein był naprawdę niezrównany, może nawet dlatego, że był pełen ludzkich impulsów, a jego gra daleka była od doskonałości maszyny.
Należy zagrać wszystkie nuty, w miarę możliwości w sposób iw stylu zbliżonym do kompozytora, ale aspiracje studenta nie powinny ograniczać się tylko do tego. Każda pojedyncza nuta w kompozycji jest ważna, ale jest coś równie ważnego jak nuty, a jest nią dusza. Ostatecznie niezwykle ważną żywą iskrą jest dusza. Dusza jest źródłem tej najwyższej ekspresji w muzyce, której nie da się wyrazić w zapisie dynamicznym. Dusza intuicyjnie odczuwa potrzebę crescendi i diminuendi. Sam czas trwania pauzy lub każdej nuty zależy od jej istoty. Dusza artysty dyktuje mu, jak długo ma utrzymywać tę pauzę. Jeśli uczeń zwróci się ku zamrożonym regułom i będzie od nich całkowicie zależny, jego występ będzie bezduszny.
Wydajność wymaga również głębokiego myślenia, a nie tylko doskonałych umiejętności gry na klawiaturze. Uczeń nie powinien myśleć, że cel został osiągnięty, jeśli wszystkie nuty zostaną zagrane. W rzeczywistości to dopiero początek. Konieczne jest, aby praca była częścią samej siebie. Każda nuta powinna budzić w wykonawcy rodzaj muzycznej świadomości prawdziwej misji artystycznej.
Uznanie jedynego najlepszego współczesnego pianisty na świecie jest zadaniem nie do wykonania. Dla każdego krytyka i słuchacza idolami będą różni mistrzowie. I to jest siła ludzkości: świat zawiera znaczną liczbę godnych i utalentowanych pianistów.
Agrerich Marta Archerich
Pianista urodził się w argentyńskim mieście Buenos Aires w 1941 roku. Zaczęła grać na instrumencie w wieku trzech lat, aw wieku ośmiu lat zadebiutowała publicznie, wykonując koncert samego Mozarta.
Przyszła gwiazda wirtuoza kształciła się u takich pedagogów jak Friedrich Gould, Arturo Ashkenazy czy Stefan Michelangeli - jeden z najwybitniejszych pianistów klasycznych XX wieku.
Od 1957 roku Argerich zaczął brać udział w konkursach i odnosił pierwsze duże zwycięstwa: I miejsce na konkursie pianistycznym w Genewie i Międzynarodowym Konkursie im. Busoniego.
Jednak prawdziwy oszałamiający sukces przyszedł do Marty w momencie, gdy w wieku 24 lat udało jej się wygrać międzynarodowy konkurs chopinowski w Warszawie.
W 2005 roku zdobyła najwyższą nagrodę Grammy za wykonanie utworów kameralnych kompozytorów Prokofiewa i Ravela, aw 2006 za wykonanie z orkiestrą dzieła Beethovena.
Również w 2005 roku pianista otrzymał Cesarską Nagrodę Japońską.
Jej żarliwa gra i niesamowite dane techniczne, za pomocą których po mistrzowsku wykonuje dzieła rosyjskich kompozytorów Rachmaninowa i Prokofiewa, nie mogą pozostawić nikogo obojętnym.
Jednym z najbardziej znanych współczesnych pianistów w Rosji jest muzyk Evgeniy Igorevich Kisin.
Urodził się 10 października 1971 roku w Moskwie, w wieku sześciu lat wstąpił do szkoły muzycznej Gnessin. Kantor Anna Pavlovna została jego pierwszą i jedyną nauczycielką na całe życie.
Od 1985 roku Kissin zaczął demonstrować swój talent za granicą. W 1987 debiutuje w Europie Zachodniej.
Po 3 latach podbija Stany Zjednoczone, gdzie z New York Philharmonic Orchestra wykonuje I i II koncert Chopina, a tydzień później występuje w formacie solowym.
Innym z najwybitniejszych współczesnych rosyjskich pianistów-wirtuozów jest słynny Denis Matsuev.
Denis urodził się w Irkucku w 1975 roku w rodzinie muzyków. Rodzice od najmłodszych lat uczyli dziecko sztuki. Pierwszą nauczycielką chłopca była jego babcia Vera Rammul.
W 1993 roku Matsuev wstąpił do Moskiewskiego Konserwatorium Państwowego, a dwa lata później został czołowym solistą Państwowej Filharmonii Moskiewskiej.
Światową sławę zdobył po zwycięstwie w Międzynarodowym Konkursie im. Czajkowskiego w 1998 roku, mając zaledwie 23 lata.
Woli łączyć swoje nowatorskie podejście do gry z tradycjami rosyjskiej szkoły pianistycznej.
Od 2004 roku prowadzi cykl koncertów „Solista Denis Matsuev”, zapraszając do współpracy czołowe orkiestry krajowe i zagraniczne.
Christiana Zimmermana
Christian Zimmerman (ur. 1956) to wybitny współczesny pianista polskiego pochodzenia. Oprócz tego, że jest instrumentalistą, jest także dyrygentem.
Lekcje muzyki dawnej prowadził jego ojciec, pianista-amator. Następnie Christian kontynuował naukę u nauczyciela Andrzeja Jasińskiego w trybie prywatnym, po czym przeniósł się do Konserwatorium Katowickiego.
Pierwsze koncerty zaczął dawać w wieku 6 lat, aw 1975 roku wygrał Konkurs Chopinowski, stając się tym samym najmłodszym zwycięzcą w historii. Przez następny rok doskonalił swoje umiejętności pianistyczne u słynnego polskiego pianisty Artura Rubinsteina.
Christian Zimmermann uważany jest za genialnego wykonawcę dzieła Chopina. Jego dyskografia obejmuje nagrania wszystkich koncertów fortepianowych Ravela, Beethovena, Brahmsa i oczywiście jego głównego idola – Chopina, a także nagrania dźwiękowe kompozycji Liszta, Straussa i Respihy.
Od 1996 roku wykłada w Akademii Muzycznej w Bazylei. Otrzymał Oscary Kiji i Leonie Sonning.
W 1999 roku stworzył Polską Orkiestrę Festiwalową.
Wang Yujia jest chińskim przedstawicielem sztuki fortepianowej. Sławę zyskała dzięki swojej wirtuozowskiej i niesamowicie szybkiej grze, za co otrzymała pseudonim - „Flying Fingers”.
Miejscem narodzin nowoczesnej chińskiej pianistki jest miasto Pekin, gdzie spędziła dzieciństwo w rodzinie muzyków. W wieku 6 lat rozpoczęła testy na klawiaturze, a rok później wstąpiła do Centralnego Konserwatorium w stolicy. W wieku 11 lat została zapisana na studia do Kanady, a po 3 latach w końcu wyjechała do obcego kraju w celu dalszej edukacji.
W 1998 roku otrzymała nagrodę Międzynarodowego Konkursu dla Młodych Pianistów w mieście Ettlingen, a w 2001 roku oprócz wyżej opisanej nagrody jury przyznało Van nagrodę dla pianistów poniżej 20 roku życia w wysokości 500 000 jenów (300 000 rubli).
Pianistka gra również z powodzeniem kompozytorów rosyjskich: ma II i III Koncert Rachmaninowa, a także II Koncert Prokofiewa.
Fazıl Say to turecki współczesny pianista i kompozytor urodzony w 1970 roku. Studiował w Konserwatorium w Ankarze, a następnie w miastach Niemiec – Berlinie i Düsseldorfie.
Na uwagę zasługują, poza działalnością pianistyczną, walory kompozytorskie: w 1987 roku utwór pianisty „Czarne hymny” został wykonany na cześć 750-lecia miasta.
W 2006 roku w Wiedniu odbyła się premiera jego baletu „Patara”, napisanego na podstawie tematu Mozarta, ale już sonaty fortepianowej.
W repertuarze pianistycznym Saya ważne miejsce zajmują dwaj kompozytorzy: muzyczni tytani Bach i Mozart. Na koncertach przeplata kompozycje klasyczne z własnymi.
W 2000 roku dokonał niezwykłego eksperymentu, ryzykując nagranie baletu „Święto wiosny” na dwa fortepiany, wykonując obie partie własnoręcznie.
W 2013 roku został objęty sprawą karną za wypowiedzi na portalu społecznościowym związane z tematyką islamu. Sąd w Stambule uznał, że słowa muzyka były skierowane przeciwko wierze muzułmańskiej i skazał Fazila Saya na 10 lat w zawieszeniu.
W tym samym roku kompozytor złożył wniosek o ponowne rozpatrzenie sprawy, którego werdykt został ponownie potwierdzony we wrześniu.
Inne
Po prostu nie można opowiedzieć o wszystkich współczesnych pianistach w jednym artykule. Dlatego wymienimy tych, których nazwiska są dziś znaczące w świecie muzyki klasycznej:
- Daniel Barenboim z Izraela;
- Yundi Li z Chin;
- Z Rosji;
- Murray Perahia ze Stanów Zjednoczonych Ameryki;
- Mitsuko Uchida z Japonii;
- z Rosji i wielu innych mistrzów.
Wielcy pianiści przeszłości i teraźniejszości są naprawdę najjaśniejszym przykładem podziwu i naśladowania. Każdy, kto lubił i lubił grać na fortepianie, zawsze starał się naśladować najlepsze cechy wielkich pianistów: to, jak wykonują utwór, jak potrafią wyczuć tajemnicę każdej nuty i czasem wydaje się, że jest niewiarygodna i ma w sobie coś z magii, ale wszystko przychodzi z doświadczeniem: o ile wczoraj wydawało się to nierealne, dziś człowiek sam może wykonać najbardziej złożone sonaty i fugi.
Fortepian jest jednym z najsłynniejszych instrumentów muzycznych, przenikającym różne gatunki muzyczne i posłużył do stworzenia jednych z najbardziej poruszających i emocjonalnych kompozycji w historii. A grający na nim ludzie uchodzą za gigantów muzycznego świata. Ale kim są ci najwięksi pianiści? Przy wyborze najlepszych pojawia się wiele pytań: czy kierować się umiejętnościami technicznymi, reputacją, rozpiętością repertuaru, czy też umiejętnością improwizacji? Pojawia się też pytanie, czy warto brać pod uwagę tych pianistów, którzy grali w minionych wiekach, bo wtedy nie było sprzętu rejestrującego, nie możemy usłyszeć ich wykonania i porównać go ze współczesnymi. Ale w tym okresie było mnóstwo niesamowitych talentów, a jeśli zdobyli światową sławę na długo przed mediami, to całkiem uzasadnione jest okazywanie im szacunku. Biorąc pod uwagę wszystkie te czynniki, proponujemy zestawienie 7 najlepszych pianistów z przeszłości i teraźniejszości.
Fryderyk Chopin (1810-1849)
Najsłynniejszy polski kompozytor Fryderyk Chopin był jednym z najwybitniejszych wirtuozów, koncertującym pianistą swoich czasów.
Zdecydowana większość jego utworów powstała na fortepian solo i choć nie zachowały się żadne nagrania jego gry, jeden z jego współczesnych napisał: „Chopin jest twórcą szkoły fortepianu i kompozycji. słodycz, z jaką kompozytor zaczął grać na fortepianie, zresztą nic nie może się równać z jego dziełem pełnym oryginalności, cech i wdzięku.
Franciszek Liszt (1811-1886)
W rywalizacji z Chopinem o koronę największych wirtuozów XIX wieku walczył Franciszek Liszt, węgierski kompozytor, pedagog i pianista.
Do jego najsłynniejszych dzieł należą niezwykle złożona sonata fortepianowa h-moll Années de pèlerinage i walc Mephisto Waltz. Ponadto jego sława jako wykonawcy obrosła legendą, ukuto nawet słowo Lisztomania. Podczas ośmioletniego tournée po Europie na początku lat czterdziestych XIX wieku Liszt dał ponad 1000 wykonań, choć w stosunkowo młodym wieku (35 lat) przerwał karierę pianisty i całkowicie poświęcił się komponowaniu.
Siergiej Rachmaninow (1873-1943)
Styl Rachmaninowa był być może dość kontrowersyjny jak na czasy, w których żył, ponieważ starał się zachować romantyzm XIX wieku.
Wielu pamięta go ze względu na swoje umiejętności rozciągnij rękę 13 nut(oktawa plus pięć nut), a nawet rzut oka na napisane przez niego etiudy i koncerty, można zweryfikować autentyczność tego faktu. Na szczęście zachowały się nagrania występu tego pianisty, poczynając od jego Preludium Cis-dur nagranego w 1919 roku.
Artur Rubinstein (1887-1982)
Ten polsko-amerykański pianista jest często wymieniany jako najlepszy chopinista wszechczasów.
W wieku dwóch lat zdiagnozowano u niego słuch doskonały, aw wieku 13 lat zadebiutował z Orkiestrą Filharmonii Berlińskiej. Jego nauczycielem był Carl Heinrich Barth, który z kolei studiował u Liszta, więc śmiało można go zaliczyć do wielkiej tradycji pianistycznej. Talent Rubinsteina, łączący elementy romantyzmu z bardziej nowoczesnymi aspektami technicznymi, uczynił go jednym z najwybitniejszych pianistów swoich czasów.
Światosław Richter (1915 - 1997)
W walce o tytuł najlepszego pianisty XX wieku Richter jest jednym z potężnych rosyjskich wykonawców, którzy pojawili się w połowie XX wieku. W swoich wykonaniach wykazywał wielkie zaangażowanie w stosunku do kompozytorów, określając swoją rolę raczej jako „wykonawcę” niż tłumacza.
Richter nie był wielkim fanem procesu nagrywania, ale niektóre z jego najlepszych występów na żywo przetrwały, w tym 1986 w Amsterdamie, 1960 w Nowym Jorku i 1963 w Lipsku. Dla siebie trzymał wysokie standardy i zdał sobie sprawę, że na włoskim koncercie Bacha, zagrał złą nutę, nalegał na konieczność odmowy druku pracy na płycie CD.
Władimir Aszkenazy (1937 - )
Ashkenazi to jeden z liderów w świecie muzyki klasycznej. Urodzony w Rosji, obecnie posiada obywatelstwo islandzkie i szwajcarskie i nadal występuje jako pianista i dyrygent na całym świecie.
W 1962 został zwycięzcą Międzynarodowego Konkursu Czajkowskiego, aw 1963 opuścił ZSRR i zamieszkał w Londynie. Jego obszerny katalog nagrań obejmuje wszystkie utwory fortepianowe Rachmaninowa i Chopina, sonaty Beethovena, koncerty fortepianowe Mozarta, a także dzieła Skriabina, Prokofiewa i Brahmsa.
Marta Argerich (1941-)
Argentyńska pianistka Martha Argerich zadziwiła świat swoim fenomenalnym talentem, gdy w wieku 24 lat wygrała Międzynarodowy Konkurs Chopinowski w 1964 roku.
Obecnie uznawana za jedną z najwybitniejszych pianistek drugiej połowy XX wieku, słynie z pasji gry i umiejętności technicznych, a także z wykonań utworów Prokofiewa i Rachmaninowa.
Jak wybrać ścieżkę, zależy od Ciebie! Ale na początek -
