Malarstwo japońskie jest najstarszą formą sztuki. Obejmuje różne formy, gatunki i różnorodne treści.
malarstwo japońskie jest najstarszą formą sztuki. Obejmuje różne formy, gatunki i różnorodne treści. Sztuka elegancka przedstawia świat obrazami będącymi ekranami, malowidłami ściennymi, jedwabnymi lub papierowymi zwojami, wachlarzami, obrazami sztalugowymi i rycinami.
Malarstwo japońskie wyróżnia się różnorodnością gatunków i stylów. Wiodące miejsce w malarstwie japońskim, a także w literaturze, zajmuje natura. Przedstawiana jest jako strażniczka boskiej zasady. Malarstwo japońskie wywodzi się ze sztuki chińskiej, więc jego gatunki są bardzo podobne do tych z Imperium Niebieskiego. Obecnie wielu japońskich artystów woli studiować w Chinach.
Malarstwo w Japonii ma kilka etapów w swojej historii. Każdy z nich ma swoje własne cechy i cechy szczególne.
Za początkowy etap rozwoju uważa się okres od połowy VII do końca VIII wieku, zwany Nara. W tym okresie pomalowano świątynię Horyuji, co jest doskonałym dowodem wpływu tradycji indyjskiej i chińskiej na kulturę japońską.
Kolejny okres w rozwoju malarstwa japońskiego to tzw hejn. Słynie z aktywnego rozkwitu malarstwa świątynnego i przykładów świeckiej sztuki obrazowej. W tym okresie powstawały ilustracje do powieści i opowiadań, których celem było zabawianie szlachetnych dżentelmenów.
Okres Kamakura(zajmuje okres od końca XII wieku do pierwszej połowy XIV wieku), który zajmował okres od końca XII wieku do pierwszej połowy XIV wieku, charakteryzuje się zmianą stylów , poszukiwanie nowych sposobów przedstawiania życia. Nastrój malarstwa japońskiego zmienia się dramatycznie. Wcześniej obrazy oddawały optymistyczną, lekką i radosną atmosferę. W tym okresie zrobiono duży krok w kierunku realistycznego obrazu, a także nadania obrazowi niemal militarnego charakteru. Charakterystycznymi tematami malarstwa są sceny batalistyczne z mitów i historii, sceny religijne z tradycji buddyjskiej. Obraz portretów ważnych mężów stanu jest powszechny.
W trakcie Muromachi(okres od pierwszej połowy XIV do drugiej połowy XVI wieku) na pierwszy plan wysuwa się nurt, który gloryfikował malarstwo japońskie na całym świecie. Filozofia buddyzmu zen wywarła znaczący wpływ na malarstwo, w wyniku czego pejzaż zyskał popularność. Technika monochromatyczna zyskała szczególną elegancję. W tym okresie malarstwo japońskie pozostawało pod wpływem Chin. Najsławniejszy japoński artysta W tym czasie Toyo Oda, który specjalizował się w malowaniu pejzaży, tworzył pierwsze obrazy podróżując po Państwie Środka. Kierunek rozwijał już w domu.
Powyższy nurt był aktywnie rozwijany i uzupełniany w kolejnych dwóch okresach rozwoju malarstwa japońskiego – Monoyama oraz edo. Technika monochromatyczna była bardziej wyrafinowaną opcją. Starannie opracowane i pomalowane szczegóły. Artyści nie bali się eksperymentów i zaczęli stosować techniki stosowane wcześniej w malarstwie na zwojach i parawanach, w malarstwie ściennym. Pejzaże i sceny zbiorowe zaczęto uzupełniać opowieściami psychologicznymi, ukazującymi bohatera w momencie silnego stresu emocjonalnego. Oprócz tradycyjnego malarstwa w Japonii, drzeworyt stał się aktywnie rozpowszechniony. Został on podzielony na dwa rodzaje: rytownictwo teatralne i ryciny pisma codziennego. Najbardziej znanym mistrzem grafiki teatralnej jest Choshusai Syaraku. Grawerowanie życia codziennego było aktywnie rozwijane w pracach Suzuki Harunobu i Kitagawy Utamaro.
Każdy kraj ma swoich bohaterów sztuki współczesnej, których nazwiska są powszechnie znane, których wystawy gromadzą rzesze fanów i ciekawskich, a których prace trafiają do prywatnych kolekcji.
W tym artykule przedstawimy najpopularniejszych współczesnych artystów w Japonii.
Keiko Tanabe
Urodzona w Kioto Keiko jako dziecko wygrała wiele konkursów plastycznych, ale jej wykształcenie wyższe nie było związane ze sztuką. Pracowała w dziale stosunków międzynarodowych japońskiej samorządowej organizacji handlowej w Tokio, dużej kancelarii prawnej w San Francisco i prywatnej firmie konsultingowej w San Diego, dużo podróżowała. Od 2003 roku rzuciła pracę i po nauczeniu się podstaw malarstwa akwarelowego w San Diego poświęciła się wyłącznie sztuce.
Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)
Japońska artystka Ikenaga Yasunari maluje portrety współczesnych kobiet w starożytnej japońskiej tradycji malarstwa, używając pędzla Menso, pigmentów mineralnych, sadzy, tuszu i płótna jako podkładu. Jego bohaterkami są kobiety naszych czasów, ale dzięki stylowi Nihongi można odnieść wrażenie, że przybyli do nas z zamierzchłych czasów.
Abe Toshiyukiego
Abe Toshiyuki jest artystą realistą, który technikę akwareli opanował do perfekcji. Abe można nazwać artystą-filozofem: zasadniczo nie rysuje znanych widoków, preferując kompozycje subiektywne, odzwierciedlające stany wewnętrzne osoby, która je ogląda.
Hiroko Sakai
Kariera artysty Hiroko Sakai rozpoczęła się na początku lat 90. w mieście Fukuoka. Po ukończeniu Seinan Gakuin University i Nihon French School of Interior Design w zakresie projektowania i wizualizacji założyła „Atelier Yume-Tsumugi Ltd.” i z powodzeniem zarządzał tym studiem przez 5 lat. Wiele jej prac zdobi lobby szpitali, biura dużych korporacji i niektóre budynki miejskie w Japonii. Po przeprowadzce do Stanów Zjednoczonych Hiroko zaczęła malować olejami.
Riusuke Fukahori
Trójwymiarowe prace Ryuusuki Fukahori są jak hologramy. Wykonane są z wielu warstw farby akrylowej i przezroczystej żywicy, z których wszystkie, wraz z tradycyjnymi technikami, takimi jak cieniowanie, zmiękczanie krawędzi, kontrola przezroczystości, pozwalają Ryusukiemu tworzyć rzeźbiarskie obrazy i dodawać głębi i realizmu pracy.
Natsuki Otani
Natsuki Otani to utalentowana japońska ilustratorka mieszkająca i pracująca w Anglii.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu jako podstawę swojej pracy wybrał motyw win-win - rysuje koty. Jego obrazy są popularne na całym świecie, zwłaszcza w formie puzzli.
Tetsuya Mishima
Większość obrazów współczesnego japońskiego artysty Mishimy wykonana jest techniką olejną. Od lat 90-tych zawodowo zajmuje się malarstwem, ma na swoim koncie kilka wystaw indywidualnych oraz dużą liczbę wystaw zbiorowych, zarówno japońskich, jak i zagranicznych.
Malarstwo japońskie to absolutnie wyjątkowy kierunek w sztuce światowej. Istnieje od czasów starożytnych, ale jako tradycja nie straciła swojej popularności i zdolności do zaskakiwania.
Uwaga na tradycje
Wschód to nie tylko krajobrazy, góry i wschodzące słońce. To także ludzie, którzy tworzyli jej historię. To właśnie ci ludzie przez wiele wieków podtrzymywali tradycję malarstwa japońskiego, rozwijając i pomnażając swoją sztukę. Ci, którzy wnieśli znaczący wkład w historię japońskich artystów. To dzięki nim współczesne zachowały wszystkie kanony tradycyjnego malarstwa japońskiego.
Styl malarski
W przeciwieństwie do Europy, artyści japońscy woleli malować bliżej grafiki niż malarstwa. W takich obrazach nie znajdziesz szorstkich, niedbałych pociągnięć olejem, które są tak charakterystyczne dla impresjonistów. Jaki jest graficzny charakter takich dzieł jak japońskie drzewa, skały, zwierzęta i ptaki - wszystko na tych obrazach jest narysowane tak wyraźnie, jak to możliwe, mocnymi i pewnymi liniami atramentu. Wszystkie obiekty w kompozycji muszą mieć kontur. Wypełnienie wewnątrz konturu jest zwykle wykonywane akwarelą. Kolor jest wypłukiwany, dodawane są inne odcienie, a gdzieś zostaje kolor papieru. Dekoracyjność jest właśnie tym, co odróżnia malarstwo japońskie od sztuki całego świata.
Kontrasty w malarstwie
Kontrast to kolejna charakterystyczna technika stosowana przez japońskich artystów. Może to być różnica w odcieniu, kolorze lub kontrast ciepłych i zimnych odcieni.
Artysta sięga po technikę, gdy chce podkreślić jakiś element tematu. Może to być żyła na roślinie, pojedynczy płatek lub pień drzewa na tle nieba. Następnie przedstawiona jest jasna, oświetlona część obiektu i cień pod nim (lub odwrotnie).
Przejścia i kolory
Podczas rysowania japońskich obrazów często stosuje się przejścia. Są różne: na przykład od jednego koloru do drugiego. Na płatkach lilii wodnych, piwonii można zauważyć przejście od jasnego odcienia do bogatego, jasnego koloru.
Również przejścia są używane w obrazie powierzchni wody, nieba. Bardzo pięknie prezentuje się płynne przejście od zachodu słońca do ciemnego, pogłębiającego się zmierzchu. Podczas rysowania chmur stosuje się również przejścia z różnych odcieni i odbić.
Główne motywy malarstwa japońskiego
W sztuce wszystko jest powiązane z prawdziwym życiem, z uczuciami i emocjami tych, którzy są w nie zaangażowani. Podobnie jak w literaturze, muzyce i innych przejawach twórczości, w malarstwie istnieje kilka odwiecznych tematów. Są to wątki historyczne, obrazy ludzi i natury.
Japońskie krajobrazy są zróżnicowane. Często na obrazach pojawiają się wizerunki stawów - ulubionego tematu wnętrz Japończyków. Ozdobny staw, obok kilka lilii wodnych i bambusów - tak wygląda typowe malowidło z XVII-XVIII wieku.
Zwierzęta w malarstwie japońskim
Zwierzęta są również powracającym elementem w malarstwie azjatyckim. Tradycyjnie jest to przyczajony tygrys lub kot domowy. Ogólnie rzecz biorąc, Azjaci bardzo lubią i dlatego ich przedstawiciele znajdują się we wszystkich formach sztuki orientalnej.
Świat fauny to kolejny temat, po którym następuje malarstwo japońskie. Ptaki – żurawie, ozdobne papugi, luksusowe pawie, jaskółki, niepozorne wróble, a nawet koguty – wszystkie znajdują się na rysunkach orientalnych mistrzów.
Ryby to równie gorący temat dla japońskich artystów. Koi to japońska wersja złotej rybki. Te stworzenia żyją w Azji we wszystkich stawach, nawet w małych parkach i ogrodach. Karp Koi to rodzaj tradycji, która należy do Japonii. Ryby te symbolizują walkę, determinację, dążenie do celu. Nic dziwnego, że są przedstawiane jako unoszące się z prądem, zawsze z ozdobnymi grzbietami fal.
Malarstwo japońskie: przedstawianie ludzi
Szczególnym tematem są ludzie w malarstwie japońskim. Artyści przedstawiali gejsze, cesarzy, wojowników i starców.
Gejsze są przedstawiane w otoczeniu kwiatów, zawsze ubrane w wyszukane szaty z wieloma fałdami i elementami.
Przedstawiono mędrców siedzących lub wyjaśniających coś swoim uczniom. Wizerunek starego naukowca jest symbolem historii, kultury i filozofii Azji.
Wojownik był przedstawiany jako budzący grozę, czasem onieśmielający. Długie zostały szczegółowo narysowane i wyglądały jak drut.
Zwykle wszystkie szczegóły zbroi są udoskonalane atramentem. Często nagich wojowników zdobią tatuaże przedstawiające orientalnego smoka. Jest symbolem siły i potęgi militarnej Japonii.
Władcy byli przedstawiani dla rodzin cesarskich. Piękne szaty, ozdoby we włosach mężczyzn - takich dzieł sztuki nie brakuje.
krajobrazy
Tradycyjny japoński krajobraz - góry. Malarzom azjatyckim udało się przedstawić różnorodne pejzaże: potrafią przedstawić ten sam szczyt w różnych kolorach, w różnych atmosferach. Jedyne, co pozostaje niezmienione, to obowiązkowa obecność kwiatów. Zwykle wraz z górami artysta przedstawia na pierwszym planie jakąś roślinę i szczegółowo ją rysuje. Pięknie wyglądają góry i kwitnące wiśnie. A jeśli narysujesz spadające płatki - obraz podziwia smutne piękno. Kontrast w atmosferze obrazu to kolejna niezwykła cecha kultury japońskiej.
Hieroglify
Często kompozycja obrazu w malarstwie japońskim jest łączona z literami. Hieroglify są ułożone tak, że kompozycyjnie wygląda pięknie. Zazwyczaj są one rysowane po lewej lub prawej stronie obrazu. Hieroglify mogą wskazywać, co jest przedstawione na obrazie, jego nazwę lub nazwisko artysty.
Japonia jest jednym z najbogatszych krajów pod względem historii i kultury. Na całym świecie zwyczajowo uważa się Japończyków za pedantycznych ludzi, którzy znajdują estetykę w absolutnie wszystkich przejawach życia. Dlatego japońskie obrazy są zawsze bardzo harmonijne pod względem koloru i tonu: jeśli występują inkluzje jakiegoś jasnego koloru, to tylko w centrach semantycznych. Na przykładzie malarstwa artystów azjatyckich można studiować teorię koloru, poprawne przekazywanie formy za pomocą grafiki, kompozycję. Technika wykonania japońskich obrazów jest na tyle wysoka, że może służyć jako przykład pracy z akwarelami i wykonywania „prania” prac graficznych.
Jest mało prawdopodobne, aby Yayoi Kusama była w stanie odpowiedzieć na pytanie, co stanowiło podstawę jej kariery artystycznej. Ma 87 lat, jej twórczość jest rozpoznawalna na całym świecie. Wkrótce odbędą się duże wystawy jej prac w USA i Japonii, ale nie powiedziała jeszcze wszystkiego światu. „Wciąż jest w drodze. Zamierzam to stworzyć w przyszłości” – mówi Kusama. Nazywana jest artystką odnoszącą największe sukcesy w Japonii. Ponadto jest najdroższą żyjącą artystką: w 2014 roku jej obraz „Biała nr 28” został sprzedany za 7,1 miliona dolarów.
Kusama mieszka w Tokio i od prawie czterdziestu lat dobrowolnie przebywa w szpitalu psychiatrycznym. Raz dziennie wychodzi ze ścian, żeby pomalować. Wstaje o trzeciej nad ranem, nie mogąc zasnąć i chcąc dobrze wykorzystać czas w pracy. „Teraz jestem stary, ale nadal zamierzam tworzyć więcej i lepszą pracę. Więcej niż zrobiłem w przeszłości. Mój umysł jest pełen obrazów” – mówi.
(W sumie 17 zdjęć)
Yayoi Kusama na wystawie swoich prac w Londynie w 1985 roku. Zdjęcie: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock
Od dziewiątej do szóstej Kusama pracuje w swojej trzypiętrowej pracowni, siedząc wygodnie na wózku inwalidzkim. Może chodzić, ale jest za słaba. Kobieta pracuje na płótnie rozłożonym na stołach lub umocowanym na podłodze. Pracownia jest pełna nowych obrazów, jasnych prac usianych drobnymi plamkami. Artystka nazywa to „samowyciszaniem się” – niekończącą się powtarzalnością, która zagłusza szum w jej głowie.
Przed rozdaniem Praemium Imperiale Art Awards 2006 w Tokio. Zdjęcie: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock
Po drugiej stronie ulicy ma zostać otwarta nowa galeria, a na północ od Tokio budowane jest kolejne muzeum jej sztuki. Ponadto otwierają się dwie duże wystawy jej prac. Yayoi Kusama: Infinite Mirrors, retrospektywa jej 65-letniej kariery, została otwarta 23 lutego w Hirshhorn Museum w Waszyngtonie i potrwa do 14 maja, po czym trafi do Seattle, Los Angeles, Toronto i Cleveland. Ekspozycja obejmuje 60 obrazów autorstwa Kusamy.
Jej groszek obejmuje wszystko, od sukienek Louis Vuitton po autobusy w jej rodzinnym mieście. Prace Kusamy są regularnie sprzedawane za miliony dolarów i można je znaleźć na całym świecie – od Nowego Jorku po Amsterdam. Wystawy prac japońskiego artysty cieszą się tak dużym zainteresowaniem, że konieczne są działania zapobiegające panice i zamieszkom. Na przykład na wystawie Hirschhorn bilety są sprzedawane przez określony czas, aby jakoś uregulować przepływ odwiedzających.
Prezentacja wspólnego projektu Louis Vuitton i Yayoi Kusama w Nowym Jorku w 2012 roku. Zdjęcie: Agencja Billy'ego Farrella/REX/Shutterstock
Ale Kusama wciąż potrzebuje zewnętrznej aprobaty. Zapytana w jednym z wywiadów, czy kilkadziesiąt lat temu osiągnęła swój cel, jakim było zdobycie bogactwa i sławy, ze zdziwieniem powiedziała: „Kiedy byłam mała, bardzo trudno było mi przekonać mamę, że chcę zostać artystką. Czy to prawda, że jestem bogaty i sławny?”
Kusama urodził się w Matsumoto, w górach środkowej Japonii, w 1929 roku w zamożnej i konserwatywnej rodzinie, która sprzedawała sadzonki. Ale to nie był szczęśliwy dom. Jej matka gardziła zdradzającym mężem i wysłała małą Kusamę, by go szpiegowała. Dziewczyna widywała ojca z innymi kobietami, co spowodowało u niej dożywotnią niechęć do seksu.
Witryna sklepowa Louis Vuitton zaprojektowana przez Kusamę w 2012 roku. Zdjęcie: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock
Jako dziecko zaczęła doświadczać halucynacji wzrokowych i słuchowych. Kiedy po raz pierwszy zobaczyła dynię, wyobraziła sobie, że mówi do niej. Przyszła artystka radziła sobie z wizjami, tworząc powtarzające się wzory, aby zagłuszyć myśli w jej głowie. Już w tak młodym wieku sztuka stała się dla niej swego rodzaju terapią, którą później nazwała „artystyczną medycyną”.
Praca Yayoi Kusamy na wystawie w Whitney Museum of Modern Art w 2012 roku. Zdjęcie: Agencja Billy'ego Farrella/REX/Shutterstock
Matka Kusamy zdecydowanie sprzeciwiała się pragnieniu córki zostania artystką i nalegała, aby dziewczyna podążała tradycyjną ścieżką. „Nie pozwalała mi rysować. Chciała, żebym się ożenił” – powiedział artysta w wywiadzie. Wyrzuciła moją pracę. Miałem ochotę rzucić się pod pociąg. Każdego dnia walczyłem z matką, przez co mój umysł był uszkodzony.
W 1948 roku, po zakończeniu wojny, Kusama wyjechał do Kioto, aby studiować tradycyjne japońskie malarstwo nihonga na ściśle określonych zasadach. Nienawidziła tej formy sztuki.
Jeden z eksponatów wystawy Yayoi Kusamy w Whitney Museum of Modern Art w 2012 roku. Zdjęcie: Agencja Billy'ego Farrella/REX/Shutterstock
Kiedy Kusama mieszkała w Matsumoto, znalazła książkę Georgii O'Keeffe i była zachwycona jej obrazami. Dziewczyna udała się do ambasady amerykańskiej w Tokio, aby znaleźć w książce telefonicznej artykuł o O'Keeffe i poznać jej adres. Kusama napisała do niej list i przesłała kilka rysunków, a ku jej zaskoczeniu amerykański artysta jej odpowiedział.
„Nie mogłem uwierzyć w swoje szczęście! Była tak miła, że zareagowała na nagły wybuch uczuć skromnej Japonki, której nigdy w życiu nie spotkała ani nawet o niej nie słyszała” – napisała artystka w swojej autobiografii Infinity Net.
Yayoi Kusama w oknie, które zaprojektowała dla Louis Vuitton w Nowym Jorku w 2012 roku. Zdjęcie: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock
Pomimo ostrzeżeń O'Keeffe, że młodzi artyści w USA mają trudności, nie wspominając o młodych singielkach z Japonii, Kusama był nie do powstrzymania. W 1957 r. udało jej się uzyskać paszport i wizę. Wszyła do swoich sukienek dolary, aby ominąć surowe powojenne kontrole dewizowe.
Pierwszym przystankiem było Seattle, gdzie zorganizowała wystawę w małej galerii. Następnie Kusama pojechała do Nowego Jorku, gdzie gorzko się rozczarowała. „W przeciwieństwie do powojennego Matsumoto, Nowy Jork był pod każdym względem miejscem złym i pełnym przemocy. Dla mnie to było zbyt stresujące i wkrótce pogrążyłem się w nerwicy. Co gorsza, Kusama znalazła się w kompletnej nędzy. Stare drzwi służyły jej za łóżko i wyławiała rybie głowy i zgniłe warzywa z pojemników na śmieci, aby zrobić z nich zupę.
Instalacja Infinity Mirror Room - Love Forever ("Pokój z lustrami nieskończoności - miłość na zawsze"). Zdjęcie: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
Ta trudna sytuacja skłoniła Kusamę do jeszcze większego pogrążenia się w pracy. Zaczęła tworzyć swoje pierwsze obrazy z serii Infinity Web, pokrywając ogromne płótna (jedno z nich miało wysokość 10 metrów) hipnotyzującymi falami małych pętli, które zdawały się nie mieć końca. Sama artystka opisała je następująco: „Białe sieci spowijające czarne kropki cichej śmierci na tle beznadziejnej ciemności nicości”.
Instalacja Yayoi Kusamy podczas otwarcia nowego budynku Garażowego Muzeum Sztuki Współczesnej w Centralnym Parku Kultury i Kultury Gorkiego w Moskwie w 2015 roku. Zdjęcie: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
To obsesyjno-kompulsywne powtarzanie pomagało odpędzić nerwicę, ale nie zawsze ratowało. Kusama nieustannie cierpiał na ataki psychozy i trafił do nowojorskiego szpitala. Ambitna i zdeterminowana, z radością wcielając się w rolę egzotycznej Azjatki w kimonie, dołączyła do grona wpływowych ludzi sztuki i miała kontakt z uznanymi artystami, takimi jak Mark Rothko czy Andy Warhol. Kusama powiedziała później, że Warhol naśladował jej pracę.
Kusama wkrótce zyskał pewną sławę i wystawiał w zatłoczonych galeriach. Ponadto sława artysty stała się skandaliczna.
W latach 60., kiedy Kusama miała obsesję na punkcie kropek, zaczęła organizować happeningi w Nowym Jorku: prowokowała ludzi do rozbierania się do naga w miejscach takich jak Central Park i Most Brookliński oraz malowała ich ciała w kropki.
Prezentacja na Art Basel Hong Kong 2013. Zdjęcie: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock
Dziesięciolecia przed powstaniem ruchu Occupy Wall Street Kusama zorganizowała happening w dzielnicy finansowej Nowego Jorku, mówiąc, że chce „zniszczyć ludzi z Wall Street za pomocą kropek”. Mniej więcej w tym samym czasie zaczęła pokrywać różne przedmioty - krzesło, łódź, powóz - fallicznymi wybrzuszeniami. „Zacząłem tworzyć penisy, aby wyleczyć swoją awersję do seksu” – napisał artysta, opisując, jak ten proces twórczy stopniowo zmieniał przerażające w coś znajomego.
Instalacja Passing Winter w Tate Gallery w Londynie. Zdjęcie: James Gourley/REX/Shutterstock
Kusama nigdy nie była mężatką, chociaż mieszkając w Nowym Jorku przez dziesięć lat utrzymywała związek przypominający małżeństwo z artystą Josephem Cornellem. „Nie lubiłam seksu, a on był impotentem, więc byliśmy dla siebie bardzo dobrzy” – powiedziała w wywiadzie dla Art Magazine.
Kusama stawała się coraz bardziej znana ze swoich wybryków: zaproponowała, że prześpi się z prezydentem USA Richardem Nixonem, jeśli zakończy wojnę w Wietnamie. „Udekorujmy się kropkami” – napisała do niego w liście. Zainteresowanie bezpośrednio jej sztuką osłabło, wypadła z łask i znów zaczęły się problemy finansowe.
Yayoi Kusama podczas retrospektywy jej prac w Whitney Museum of Modern Art w Nowym Jorku w 2012 roku. Zdjęcie: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock
Wieści o eskapadach Kusamy dotarły do Japonii. Zaczęto ją nazywać „katastrofą narodową”, a jej matka powiedziała, że byłoby lepiej, gdyby jej córka zmarła na chorobę w dzieciństwie. We wczesnych latach siedemdziesiątych zubożały i upadły Kusama wrócił do Japonii. Została zarejestrowana w szpitalu psychiatrycznym, gdzie nadal mieszka, i pogrążyła się w artystycznym zapomnieniu.
W 1989 roku w Centrum Sztuki Współczesnej w Nowym Jorku odbyła się retrospektywa jej prac. Był to początek powolnego, ale odradzającego się zainteresowania sztuką Kusamy. Wypełniła lustrzaną salę dyniami do instalacji, która była prezentowana na Biennale w Wenecji w 1993 roku, aw 1998 roku miała dużą wystawę w MoMa Museum of Modern Art w Nowym Jorku. To tutaj zorganizowała kiedyś happening.
Na wystawie My Eternal Soul w National Art Center w Tokio, luty 2017 r. Zdjęcie: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
W ciągu ostatnich kilku lat Yayoi Kusama stał się międzynarodowym fenomenem. Współczesna Tate Gallery w Londynie i Whitney Museum w Nowym Jorku zorganizowały duże retrospektywy, które przyciągnęły ogromne tłumy i sprawiły, że jej kultowy wzór w kropki stał się bardzo rozpoznawalny.
Na wystawie My Eternal Soul w National Art Center w Tokio, luty 2017 r. Zdjęcie: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Artystka nie zamierza przestać pracować, ale zaczęła myśleć o swojej śmiertelności. „Nie wiem, jak długo przeżyję nawet po śmierci. Przyszłe pokolenie idzie w moje ślady. To będzie dla mnie zaszczyt, jeśli ludziom spodoba się oglądanie moich prac i jeśli poruszy ich moja sztuka”.
Na wystawie My Eternal Soul w National Art Center w Tokio, luty 2017 r. Zdjęcie: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Mimo komercjalizacji swojej sztuki Kusama myśli o grobie w Matsumoto – nie w rodzinnym grobowcu, który odziedziczyła już po rodzicach – i o tym, jak nie zrobić z niego kapliczki. „Ale ja jeszcze nie umieram. Myślę, że pożyję jeszcze 20 lat” – mówi.
Na wystawie My Eternal Soul w National Art Center w Tokio, luty 2017 r. Zdjęcie: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Japońskie malarstwo klasyczne ma długą i ciekawą historię. Sztuki piękne Japonii prezentowane są w różnych stylach i gatunkach, z których każdy jest wyjątkowy na swój sposób. Starożytne malowane figurki i motywy geometryczne znalezione na dzwonach z brązu dotaku i odłamkach ceramiki pochodzą z 300 rne.
Buddyjska orientacja sztuki
W Japonii sztuka malowania ścian była dość dobrze rozwinięta, w VI wieku szczególnie popularne były obrazy na temat filozofii buddyzmu. W tym czasie w kraju budowano duże świątynie, a ich ściany były wszędzie ozdobione freskami namalowanymi według wątków buddyjskich mitów i legend. Do tej pory w świątyni Horyuji w pobliżu japońskiego miasta Nara zachowały się starożytne próbki malowideł ściennych. Freski Horyuji przedstawiają sceny z życia Buddy i innych bogów. Styl artystyczny tych fresków jest bardzo zbliżony do koncepcji malarskiej popularnej w Chinach w czasach dynastii Song.
Malowniczy styl dynastii Tang zyskał szczególną popularność w połowie okresu Nara. Freski znalezione w grobowcu Takamatsuzuki pochodzą z tego okresu i datowane są na około VII wiek naszej ery. Technika artystyczna, która ukształtowała się pod wpływem dynastii Tang, stała się później podstawą gatunku malarstwa kara-e. Gatunek ten zachował swoją popularność aż do pojawienia się pierwszych dzieł w stylu yamato-e. Większość fresków i arcydzieł malarskich jest dziełem nieznanych artystów, dziś wiele dzieł z tego okresu znajduje się w skarbcu Sesoin.
Rosnący wpływ nowych szkół buddyjskich, takich jak Tendai, wpłynął na szerokie religijne ukierunkowanie japońskich sztuk wizualnych w VIII i IX wieku. W X wieku, w którym szczególnie rozwinął się buddyzm japoński, pojawił się gatunek raigozu, „powitalnych obrazów”, przedstawiających przybycie Buddy do zachodniego raju. Wczesne przykłady raigōzu z 1053 roku można zobaczyć w świątyni Bedo-in, która jest zachowana w mieście Uji w prefekturze Kioto.
Zmiana stylów
W połowie okresu Heian chiński styl kara-e został zastąpiony gatunkiem yamato-e, który przez długi czas stał się jednym z najpopularniejszych i najbardziej poszukiwanych gatunków malarstwa japońskiego. Nowy styl graficzny został zastosowany głównie do ekranów składanych i drzwi przesuwnych. Z czasem yamato-e przeszło na poziome zwoje emakimono. Artyści, którzy pracowali w gatunku emaki, starali się przekazać w swoich pracach całą emocjonalność wybranej fabuły. Zwój Genji monogatari składał się z kilku połączonych ze sobą epizodów, ówcześni artyści używali szybkich pociągnięć i jasnych, wyrazistych kolorów.
E-maki to jeden z najstarszych i najwybitniejszych przykładów otoko-e, gatunku portretów męskich. Portrety kobiece są wyodrębniane jako odrębny gatunek onna-e. W rzeczywistości między tymi gatunkami, a także między mężczyznami i kobietami, istnieją dość znaczące różnice. Styl onna-e jest barwnie przedstawiony w projekcie Tale of Genji, gdzie głównymi tematami rysunków są romantyczne wątki, sceny z życia dworskiego. Męski styl otoko-e to przede wszystkim artystyczne przedstawienie historycznych bitew i innych ważnych wydarzeń z życia imperium.
Klasyczna japońska szkoła artystyczna stała się podatnym gruntem dla rozwoju i promocji idei współczesnej sztuki japońskiej, w której wyraźnie widoczne są wpływy popkultury i anime. Jednym z najsłynniejszych japońskich artystów naszych czasów jest Takashi Murakami, którego twórczość poświęcona jest przedstawianiu scen z życia Japończyków w okresie powojennym oraz koncepcji maksymalnej fuzji sztuki i głównego nurtu.
Spośród słynnych japońskich artystów szkoły klasycznej można wymienić następujące.
Napięty Shubun
Shubun pracował na początku XV wieku, poświęcając wiele czasu na studiowanie dzieł chińskich mistrzów epoki dynastii Song, ten człowiek stał u początków japońskiego gatunku obrazkowego. Shubun jest uważany za twórcę sumi-e, monochromatycznego malarstwa tuszem. Dołożył wielu starań, aby spopularyzować nowy gatunek, czyniąc z niego jeden z wiodących nurtów w malarstwie japońskim. Uczniami Shubuna było wielu artystów, którzy później stali się sławni, w tym Sesshu i założyciel słynnej szkoły artystycznej Kano Masanobu. Shubunowi przypisywano wiele krajobrazów, ale jego najsłynniejsze dzieło jest tradycyjnie uważane za Czytanie w bambusowym gaju.
Ogata Korin (1658-1716)
Ogata Korin to jeden z największych artystów w historii malarstwa japońskiego, założyciel i jeden z najjaśniejszych przedstawicieli stylu rimpa. Korin odważnie odszedł w swoich pracach od tradycyjnych stereotypów, wypracowując własny styl, którego głównymi cechami były małe formy i żywy impresjonizm fabuły. Korin jest znany ze swojej szczególnej umiejętności przedstawiania natury i pracy z abstrakcyjnymi kompozycjami kolorystycznymi. „Czerwony i biały kwiat śliwy” to jedno z najsłynniejszych dzieł Ogaty Korina, znane są także jego obrazy „Chryzantemy”, „Fale Matsushimy” i wiele innych.
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Tohaku jest założycielem japońskiej szkoły artystycznej Hasegawa. Wczesny okres twórczości Tohaku charakteryzuje wpływ znanej szkoły malarstwa japońskiego. 
Kano, ale z czasem artysta wykształcił swój własny, niepowtarzalny styl. Pod wieloma względami na twórczość Tohaku wpływ miała praca uznanego mistrza Sesshu, Hosegawa uważał się nawet za piątego następcę tego wielkiego mistrza. Obraz Hasegawy Tohaku „Sosny” zyskał światową sławę, znane są także jego prace „Klon”, „Sosny i rośliny kwitnące” i inne.
Kano Eitoku (1543-1590)
Styl szkoły Kanō dominował w sztukach wizualnych Japonii przez około cztery wieki, a Kano Eitoku jest prawdopodobnie jednym z najbardziej znanych i wybitnych przedstawicieli tej szkoły artystycznej. Eitoku był faworyzowany przez władze, mecenat arystokratów i zamożnych mecenasów nie mógł nie przyczynić się do umocnienia jego szkoły i popularności dzieł tego niewątpliwie bardzo utalentowanego artysty. Ośmiopanelowy przesuwny ekran „Cypress” Eitoku Kano to prawdziwe arcydzieło i doskonały przykład zakresu i siły stylu Monoyama. Nie mniej interesujące są inne prace mistrza, takie jak „Ptaki i drzewa czterech pór roku”, „Chińskie lwy”, „Pustelnicy i wróżka” i wiele innych.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai to największy mistrz gatunku ukiyo-e (drzeworyt japoński). Twórczość Hokusai zyskała uznanie na całym świecie, jego sława w innych krajach nie dorównuje popularności większości artystów azjatyckich, jego praca „Wielka fala w Kanagawie” stała się czymś w rodzaju znaku rozpoznawczego japońskiej sztuki na światowej scenie artystycznej. Hokusai na swojej drodze twórczej posługiwał się ponad trzydziestoma pseudonimami, po sześćdziesiątce artysta poświęcił się całkowicie sztuce i właśnie ten czas uważany jest za najbardziej owocny okres w jego twórczości. Prace Hokusai wywarły wpływ na twórczość zachodnich mistrzów impresjonizmu i postimpresjonizmu, w tym na twórczość Renoira, Moneta i van Gogha.
