Który obejmuje wiele technik i stylów. W swojej historii przeszedł wiele zmian. Dodano nowe tradycje i gatunki, a oryginalne japońskie zasady pozostały. Oprócz niesamowitej historii Japonii, obraz jest również gotowy do przedstawienia wielu unikalnych i interesujących faktów.
starożytna Japonia
Pierwsze style pojawiają się w najstarszym okresie historycznym kraju, jeszcze przed Chrystusem. mi. Sztuka była wtedy dość prymitywna. Po pierwsze, w 300 r. p.n.e. e. pojawiły się różne figury geometryczne, które zostały wykonane na ceramice za pomocą patyków. Takie znalezisko archeologów jako ornament na dzwonach z brązu należy do czasów późniejszych.
Nieco później, już w 300 roku n.e. e. pojawiają się malowidła naskalne, które są znacznie bardziej zróżnicowane niż ornament geometryczny. Są to już pełnoprawne obrazy z obrazami. Znaleziono je wewnątrz krypt i prawdopodobnie osoby, które są na nich wymalowane, zostały pochowane na tych cmentarzyskach.
W VII wieku naszej ery mi. Japonia przyjmuje scenariusz pochodzący z Chin. Mniej więcej w tym samym czasie pochodzą stamtąd pierwsze obrazy. Wtedy malarstwo jawi się jako odrębna dziedzina sztuki.
edo
Edo jest daleka od pierwszego i nie ostatniego obrazu, ale to ona wniosła do kultury wiele nowych rzeczy. Po pierwsze, do zwykłej techniki, wykonywanej w odcieniach czerni i szarości, dodano jasność i blask. Sotasu jest uważany za najwybitniejszego artystę tego stylu. Tworzył klasyczne obrazy, ale jego postacie były bardzo kolorowe. Później przerzucił się na naturę, a większość pejzaży wykonano na tle złoceń.
Po drugie, w okresie Edo pojawił się egzotyczny gatunek namban. Wykorzystał nowoczesne techniki europejskie i chińskie, które przeplatały się z tradycyjnymi stylami japońskimi.
I po trzecie, pojawia się szkoła Nang. Artyści najpierw całkowicie naśladują, a nawet kopiują dzieła chińskich mistrzów. Następnie pojawia się nowa gałąź, która nazywa się bunjing.
Okres modernizacji
Okres Edo zastępuje Meiji, a teraz malarstwo japońskie jest zmuszone wejść w nowy etap rozwoju. W tym czasie gatunki takie jak western i tym podobne stawały się popularne na całym świecie, więc modernizacja sztuki stała się powszechnym stanem rzeczy. Jednak w Japonii, kraju, w którym wszyscy ludzie szanują tradycje, sytuacja w tym czasie znacznie różniła się od tego, co działo się w innych krajach. Tutaj ostro zaostrza się konkurencja między europejskimi i lokalnymi technikami.
Rząd na tym etapie daje pierwszeństwo młodym artystom, którzy wykazują duże nadzieje na doskonalenie swoich umiejętności w stylach zachodnich. Dlatego wysyłają je do szkół w Europie i Ameryce.
Ale to było dopiero na początku okresu. Faktem jest, że znani krytycy dość mocno krytykowali sztukę zachodnią. Aby uniknąć wielkiego zamieszania wokół tej sprawy, europejskie style i techniki zaczęto usuwać z wystaw, zaprzestano ich eksponowania, a także ich popularności.
Pojawienie się stylów europejskich
Potem nadchodzi okres Taisho. W tym czasie młodzi artyści, którzy wyjechali na studia do zagranicznych szkół, wracają do ojczyzny. Naturalnie niosą ze sobą nowe style malarstwa japońskiego, które są bardzo podobne do europejskich. Pojawia się impresjonizm i postimpresjonizm.
Na tym etapie powstaje wiele szkół, w których odżywają starożytne style japońskie. Ale nie da się całkowicie pozbyć zachodnich tendencji. Dlatego konieczne jest połączenie kilku technik, aby zadowolić zarówno miłośników klasyki, jak i fanów nowoczesnego malarstwa europejskiego.
Niektóre szkoły są dotowane przez państwo, dzięki czemu zachowało się wiele tradycji narodowych. Z kolei prywatni handlowcy zmuszeni są podążać śladem konsumentów, którzy chcą czegoś nowego, mają dość klasyki.
malarstwo z II wojny światowej
Po wybuchu wojny malarstwo japońskie pozostawało przez pewien czas z dala od wydarzeń. Rozwijał się oddzielnie i niezależnie. Ale to nie mogło tak trwać wiecznie.
Z czasem, gdy sytuacja polityczna w kraju się pogarsza, wysokie i szanowane postacie przyciągają wielu artystów. Niektórzy z nich już na początku wojny zaczynają tworzyć w stylistyce patriotycznej. Reszta rozpoczyna ten proces dopiero na polecenie władz.
W związku z tym japońskie sztuki piękne w czasie II wojny światowej nie były w stanie się szczególnie rozwinąć. Dlatego do malowania można go nazwać stagnacją.
Wieczna Suibokuga
Japońskie malarstwo sumi-e, czyli suibokuga, oznacza „rysunek tuszem”. To determinuje styl i technikę tej sztuki. Przybyła z Chin, ale Japończycy postanowili nadać jej własną nazwę. I początkowo technika ta nie miała żadnej strony estetycznej. Był używany przez mnichów do samodoskonalenia podczas studiowania Zen. Co więcej, najpierw rysowały obrazki, a później ćwiczyły koncentrację podczas ich oglądania. Mnisi wierzyli, że ścisłe linie, niejasne tony i cienie pomagają w poprawie - wszystko to nazywa się monochromatycznym.
Japońskie malarstwo tuszem, pomimo ogromnej różnorodności obrazów i technik, nie jest tak skomplikowane, jak mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. Opiera się tylko na 4 działkach:
- Chryzantema.
- Orchidea.
- Gałąź śliwki.
- Bambus.
Mała liczba działek nie powoduje szybkiego rozwoju technologii. Niektórzy mistrzowie uważają, że nauka trwa całe życie.
Pomimo faktu, że sumi-e pojawiło się dawno temu, jest zawsze poszukiwane. Co więcej, dzisiaj można spotkać mistrzów tej szkoły nie tylko w Japonii, jest ona rozpowszechniona także daleko poza jej granicami.
Okres nowożytny
Pod koniec drugiej wojny światowej sztuka w Japonii kwitła tylko w dużych miastach, wieśniacy i wieśniacy mieli dość zmartwień. Artyści w większości starali się odwrócić plecami od strat wojennych i przedstawić na płótnie współczesne życie miejskie z wszystkimi jego ozdobami i cechami. Idee europejskie i amerykańskie zostały pomyślnie przyjęte, ale ten stan rzeczy nie trwał długo. Wielu mistrzów zaczęło stopniowo odchodzić od nich w kierunku szkół japońskich.
Zawsze pozostawał modny. Dlatego współczesne malarstwo japońskie może różnić się jedynie techniką wykonania lub materiałami użytymi w procesie. Ale większość artystów źle postrzega różne innowacje.
Nie sposób nie wspomnieć o modnych współczesnych subkulturach, takich jak anime i podobne style. Wielu artystów próbuje zatrzeć granicę między klasyką a tym, co jest dziś pożądane. W przeważającej części ten stan rzeczy jest spowodowany handlem. Klasyki i tradycyjnych gatunków tak naprawdę się nie kupuje, dlatego nie opłaca się pracować jako artysta w swoim ulubionym gatunku, trzeba dostosować się do mody.
Wniosek
Bez wątpienia malarstwo japońskie to skarbnica sztuk pięknych. Być może kraj, o którym mowa, pozostał jedynym, który nie podążał za zachodnimi trendami, nie dostosowywał się do mody. Pomimo wielu ciosów w czasach nadejścia nowych technik, japońscy artyści wciąż potrafili obronić narodowe tradycje w wielu gatunkach. Pewnie dlatego w czasach nowożytnych obrazy wykonane w stylu klasycznym są wysoko cenione na wystawach.
Witajcie drodzy czytelnicy - poszukiwacze wiedzy i prawdy!
Japońscy artyści wyróżniają się niepowtarzalnym stylem, szlifowanym przez pokolenia mistrzów. Dzisiaj porozmawiamy o najjaśniejszych przedstawicielach malarstwa japońskiego i ich obrazach, od starożytności po czasy współczesne.
Cóż, zanurzmy się w sztuce Kraju Kwitnącej Wiśni.
Narodziny sztuki
Starożytna sztuka malarska w Japonii jest związana przede wszystkim ze specyfiką pisma i dlatego opiera się na podstawach kaligrafii. Pierwsze przykłady to fragmenty dzwonów z brązu, naczynia i przedmioty gospodarstwa domowego znalezione podczas wykopalisk. Wiele z nich zostało pomalowanych naturalnymi farbami, a badania sugerują, że wyroby powstały wcześniej niż 300 pne.
Wraz z przybyciem do Japonii rozpoczął się nowy etap w rozwoju sztuki. Na emakimono - specjalnych papierowych zwojach - wizerunki bóstw panteonu buddyjskiego naniesiono sceny z życia Nauczyciela i jego wyznawców.
Przewagę motywów religijnych w malarstwie można prześledzić w średniowiecznej Japonii, czyli od X do XV wieku. Nazwiska artystów tamtej epoki do dziś niestety nie zachowały się.
W okresie XV-XVIII wieku rozpoczyna się nowy czas, charakteryzujący się pojawieniem się artystów o rozwiniętym indywidualnym stylu. Wyznaczyły wektor dalszego rozwoju sztuk plastycznych.
Jasni przedstawiciele przeszłości
Tense Shubun (początek XV wieku)
Aby stać się wybitnym mistrzem, Xubong studiował techniki pisarskie chińskich artystów Sung i ich twórczość. Następnie stał się jednym z założycieli malarstwa w Japonii i twórcą sumi-e.
Sumi-e to styl artystyczny oparty na rysunku tuszem, co oznacza jeden kolor.
Shubun zrobił wiele, aby nowy styl zakorzenił się w kręgach artystycznych, uczył sztuki innych talentów, w tym późniejszych słynnych malarzy, takich jak Sesshu.
Najpopularniejszy obraz Shubuna nosi tytuł „Czytanie w bambusowym gaju”.
„Czytanie w bambusowym gaju” autorstwa Tense Shubun
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Został twórcą szkoły, nazwanej swoim imieniem - Hasegawa. Początkowo starał się podążać za kanonami szkoły Kano, ale stopniowo w jego pracach zaczęto śledzić jego indywidualny „pismo”. Tohaku kierował się grafiką Sesshu.
Podstawą pracy były proste, zwięzłe, ale realistyczne krajobrazy o nieskomplikowanych nazwach:
- „Sosny”;
- "Klon";
- Sosny i rośliny kwitnące.
Sosny, Hasegawa Tohaku
Bracia Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)
Bracia byli znakomitymi rzemieślnikami XVIII wieku. Najstarszy, Ogata Korin, poświęcił się całkowicie malarstwu i stworzył gatunek rimpa. Unikał stereotypowych obrazów, preferując gatunek impresjonistyczny.
Ogata Korin malował naturę w ogóle, a kwiaty w formie jasnych abstrakcji w szczególności. Jego pędzle należą do obrazu:
- „Kwiat śliwy czerwono-biały”;
- „Fale Matsushimy”;
- „Chryzantemy”.
Fale Matsushimy Korin Ogata
Młodszy brat - Ogata Kenzan - miał wiele pseudonimów. Przynajmniej zajmował się malarstwem, ale był bardziej znany jako wspaniały ceramik.
Ogata Kenzan opanował wiele technik garncarskich. Wyróżniał się niestandardowym podejściem, np. tworzył tablice w formie kwadratu.
Własne malarstwo nie wyróżniało się przepychem - to też było jego osobliwością. Lubił umieszczać kaligrafię na produktach, takich jak zwój lub fragmenty poezji. Czasami pracowali razem z bratem.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Pracował w stylu ukiyo-e - rodzaj drzeworytu, innymi słowy malarstwa rytowniczego. Przez cały czas twórczości zmienił około 30 nazwisk. Najbardziej znanym dziełem jest Wielka fala u wybrzeży Kanagawy, dzięki której zasłynął poza ojczyzną.
„Wielka fala w Kanagawie” Hokusai Katsushiki
Szczególnie ciężko Hokusai zaczął pracować po 60 latach, co przyniosło dobre rezultaty. Van Gogh, Monet, Renoir znali jego twórczość i do pewnego stopnia wpłynęło to na twórczość europejskich mistrzów.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Jeden z najwybitniejszych artystów XIX wieku. Urodzony, mieszkał, pracował w Edo, kontynuował dzieło Hokusai, inspirował się jego twórczością. Sposób, w jaki przedstawił naturę, jest niemal równie uderzający, jak liczba samych prac.
Edo to dawna nazwa Tokio.
Oto kilka postaci dotyczących jego twórczości, które są reprezentowane przez cykl obrazów:
- 5,5 tys. – liczba wszystkich rycin;
- „100 widoków Edo;
- „36 widoków Fuji”;
- „69 stacji Kisokaido”;
- „53 stacje Tokaido” .
Malarstwo autorstwa Ando Hiroshige
Co ciekawe, wybitny Van Gogh napisał kilka kopii swoich rycin.
Nowoczesność
Takashiego Murakamiego
Malarz, rzeźbiarz, projektant mody, sławę zyskał już pod koniec XX wieku. W swojej pracy podąża za modowymi trendami z elementami klasyki, czerpie inspiracje z kreskówek anime i mangi.
Obraz Takashiego Murakamiego
Twórczość Takashiego Murakamiego zaliczana jest do subkultur, ale jednocześnie cieszy się niesamowitą popularnością. Na przykład w 2008 roku jedno z jego dzieł zostało kupione na aukcji za ponad 15 milionów dolarów. Kiedyś współczesny twórca współpracował z domami mody „Marc Jacobs” i „Louis Vuitton”.
Tycho Asima
Współpracowniczka poprzedniego artysty, tworzy współczesne obrazy surrealistyczne. Przedstawiają widoki miast, ulice megamiast i stworzenia jakby z innego wszechświata - duchy, złe duchy, obce dziewczyny. W tle obrazów często widać dziewiczą, czasem wręcz przerażającą przyrodę.
Jej obrazy osiągają duże rozmiary i rzadko ograniczają się do papieru. Przenoszą się na skórę, tworzywa sztuczne.
W 2006 roku, w ramach wystawy w stolicy Wielkiej Brytanii, kobieta stworzyła około 20 łukowatych konstrukcji, które odzwierciedlały piękno przyrody wioski i miasta, w dzień iw nocy. Jeden z nich ozdobił stację metra.
Hej Arakawa
Młodego człowieka nie można nazwać tylko artystą w klasycznym tego słowa znaczeniu – tworzy instalacje tak popularne w sztuce XXI wieku. Tematyka jego wystaw jest prawdziwie japońska i dotyka zarówno przyjaznych relacji, jak i pracy całego zespołu.
Ei Arakawa często bierze udział w różnych biennale, na przykład w Wenecji, jest wystawiany w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w swojej ojczyźnie i zasłużenie otrzymuje różne nagrody.
Ikenaga Yasunari
Współczesnemu malarzowi Ikenaga Yasunari udało się połączyć dwie pozornie nie do pogodzenia rzeczy: życie dzisiejszych dziewcząt w formie portretu i tradycyjne techniki Japonii wywodzące się z antyku. W swojej pracy malarz posługuje się specjalnymi pędzlami, farbami z naturalnym pigmentem, tuszem i węglem drzewnym. Zamiast zwykłego lnu - lniana tkanina.
Malarstwo Ikenagi Yasunari
Ta technika kontrastowania przedstawianej epoki i wyglądu bohaterek sprawia wrażenie, jakby powróciły one do nas z przeszłości.
Cykl obrazów przedstawiających zawiłości życia krokodyla, który ostatnio stał się popularny w społeczności internetowej, stworzył także japoński rysownik Keigo.
Wniosek
Tak więc malarstwo japońskie powstało około III wieku pne i od tego czasu bardzo się zmieniło. Pierwsze obrazy nanoszono na ceramikę, potem w sztuce zaczęły dominować motywy buddyjskie, jednak nazwiska autorów nie zachowały się do dziś.
W epoce New Age mistrzowie pędzla nabywali coraz więcej indywidualności, tworzyli różne kierunki, szkoły. Dzisiejsze sztuki wizualne nie ograniczają się do tradycyjnego malarstwa – wykorzystuje się instalacje, karykatury, rzeźby artystyczne, konstrukcje specjalne.
Bardzo dziękuję za uwagę, drodzy czytelnicy! Mamy nadzieję, że nasz artykuł okazał się przydatny, a opowieści o życiu i twórczości najwybitniejszych przedstawicieli sztuki artystycznej pozwoliły lepiej ich poznać.
Oczywiście trudno w jednym artykule opowiedzieć o wszystkich artystach od starożytności do współczesności. Niech więc będzie to pierwszy krok w kierunku poznania malarstwa japońskiego.
I dołącz do nas - zapisz się na bloga - będziemy razem studiować buddyzm i kulturę Wschodu!
Sztuka i projektowanie
2904
01.02.18 09:02
Dzisiejsza scena artystyczna w Japonii jest bardzo różnorodna i prowokacyjna: patrząc na prace mistrzów z Kraju Kwitnącej Wiśni, pomyślisz, że wylądowałeś na innej planecie! Jest domem dla innowatorów, którzy zmienili krajobraz branży w skali globalnej. Oto lista 10 współczesnych japońskich artystów i ich dzieł, od niesamowitych stworzeń Takashiego Murakamiego (który dziś obchodzi swoje urodziny) po kolorowy wszechświat Kusama.
Od futurystycznych światów po kropkowane konstelacje: współcześni japońscy artyści
Takashi Murakami: tradycjonalista i klasyk
Zacznijmy od bohatera okazji! Takashi Murakami jest jednym z najbardziej znanych współczesnych artystów japońskich, tworzącym obrazy, rzeźby na dużą skalę i modę. Styl Murakamiego jest inspirowany mangą i anime. Jest założycielem ruchu Superflat, który wspiera japońskie tradycje artystyczne i powojenną kulturę kraju. Murakami wypromował wielu swoich współczesnych, niektórych z nich poznamy także dzisiaj. „Subkulturowe” prace Takashiego Murakamiego prezentowane są na rynkach mody i sztuki. Jego prowokacyjny film My Lonesome Cowboy (1998) został sprzedany w Nowym Jorku w Sotheby's w 2008 roku za rekordową kwotę 15,2 miliona dolarów. Murakami współpracował ze znanymi na całym świecie markami Marc Jacobs, Louis Vuitton i Issey Miyake.
Tycho Asima i jej surrealistyczny świat
Członek firmy produkcyjnej Kaikai Kiki i ruchu Superflat (oba założone przez Takashiego Murakamiego), Chiho Ashima jest znana ze swoich fantastycznych pejzaży miejskich i dziwnych popowych stworzeń. Artysta tworzy surrealistyczne sny zamieszkane przez demony, duchy, młode piękności ukazane na tle dziwacznej natury. Jej prace są zwykle wielkoformatowe i drukowane na papierze, skórze, plastiku. W 2006 roku ta współczesna japońska artystka wzięła udział w Art on the Underground w Londynie. Na platformę stworzyła 17 kolejnych łuków - magiczny krajobraz stopniowo zmieniał się z dnia w noc, z miejskiego w wiejski. Ten cud rozkwitł na stacji metra Gloucester Road.
Chiharu Shima i Nieskończone nici
Inny artysta, Chiharu Shiota, pracuje nad wielkoskalowymi instalacjami wizualnymi dla określonych punktów orientacyjnych. Urodziła się w Osace, ale obecnie mieszka w Niemczech - w Berlinie. Głównymi tematami jej prac są zapomnienie i pamięć, sny i rzeczywistość, przeszłość i teraźniejszość, a także konfrontacja z lękiem. Najsłynniejsze prace Chiharu Shioty to nieprzeniknione pajęczyny czarnej nici, które spowijają wiele przedmiotów codziennego użytku i osobistych, takich jak stare krzesła, suknia ślubna, spalony fortepian. Latem 2014 roku Shiota połączyła ponad 300 podarowanych jej butów i kozaków nitkami czerwonej przędzy i zawiesiła je na haczykach. Pierwsza wystawa Chiharu w stolicy Niemiec odbyła się podczas Berlin Art Week w 2016 roku i wywołała sensację.
Hej Arakawa: wszędzie, nie nigdzie
Ei Arakawa inspiruje się stanami zmian, okresami niestabilności, elementami ryzyka, a jego instalacje często symbolizują tematy przyjaźni i pracy zespołowej. Credo współczesnego japońskiego artysty określa performatywna nieokreśloność „wszędzie, ale nigdzie”. Jego dzieła pojawiają się w nieoczekiwanych miejscach. W 2013 roku prace Arakawy były wystawiane na Biennale w Wenecji oraz na wystawie współczesnej sztuki japońskiej w Mori Art Museum (Tokio). Instalacja Hawaiian Presence (2014) powstała we współpracy z nowojorską artystką Carissą Rodriguez i została zaprezentowana na Whitney Biennale. Również w 2014 roku Arakawa i jego brat Tomu, występując jako duet o nazwie United Brothers, zaoferowali odwiedzającym Frieze London swoje „dzieło” „The This Soup Taste Ambivalent” z „radioaktywnymi” korzeniami Fukushimy daikon.
Koki Tanaka: Związek i powtórzenie
W 2015 roku Koki Tanaka otrzymał tytuł Artysty Roku. Tanaka bada wspólne doświadczenie kreatywności i wyobraźni, zachęca do wymiany między uczestnikami projektu i opowiada się za nowymi zasadami współpracy. Jego instalacja w pawilonie japońskim na Biennale w Wenecji w 2013 roku składała się z filmów przedstawiających obiekty zmieniające przestrzeń w platformę wymiany sztuki. Instalacje Koki Tanaki (nie mylić z aktorem, który jest jego pełnym imiennikiem) ilustrują związek między przedmiotami a czynnościami, takimi jak rejestracja wideo prostych gestów wykonywanych zwykłymi przedmiotami (krojenie warzyw nożem, nalewanie piwa do szklanki, otwieranie parasola) . Nie dzieje się nic istotnego, ale obsesyjna powtarzalność i dbałość o najdrobniejsze szczegóły sprawiają, że widz docenia przyziemność.
Mariko Mori i opływowe kształty
Inna współczesna japońska artystka, Mariko Mori, „wyczarowuje” obiekty multimedialne, łącząc filmy, zdjęcia, przedmioty. Ma minimalistyczną futurystyczną wizję i eleganckie, surrealistyczne formy. Powracającym tematem w twórczości Maury'ego jest zestawienie zachodniej legendy z zachodnią kulturą. W 2010 roku Mariko założyła Fundację Fau, edukacyjną, kulturalną organizację non-profit, dla której wyprodukowała serię swoich instalacji artystycznych na cześć sześciu zamieszkałych kontynentów. Ostatnio stała instalacja Fundacji, The Ring: One with Nature, została podniesiona nad malowniczym wodospadem w Resende niedaleko Rio de Janeiro.
Ryoji Ikeda: Synteza dźwięku i wideo
Ryoji Ikeda to artysta i kompozytor nowych mediów, którego twórczość związana jest głównie z dźwiękiem w różnych „surowych” stanach, od dźwięków sinusoidalnych po szumy wykorzystujące częstotliwości na granicy ludzkiego słuchu. Jego zapierające dech w piersiach instalacje zawierają generowane komputerowo dźwięki, które są wizualnie przekształcane w projekcje wideo lub szablony cyfrowe. Audiowizualne obiekty artystyczne Ikedy wykorzystują skalę, światło, cień, głośność, dźwięki elektroniczne i rytm. Słynny obiekt testowy artysty składa się z pięciu projektorów, które oświetlają obszar o długości 28 metrów i szerokości 8 metrów. Urządzenie konwertuje dane (tekst, dźwięki, zdjęcia i filmy) na kod kreskowy i binarne wzory zer i jedynek.
Tatsuo Miyajima i liczniki LED
Współczesny japoński rzeźbiarz i montażysta Tatsuo Miyajima wykorzystuje w swojej sztuce obwody elektryczne, wideo, komputery i inne gadżety. Główne koncepcje Miyajimy są inspirowane ideami humanistycznymi i naukami buddyjskimi. Liczniki LED w jego konfiguracji migają w sposób ciągły w powtórzeniach od 1 do 9, symbolizując podróż od życia do śmierci, ale unikając ostateczności reprezentowanej przez 0 (zero nigdy nie pojawia się w pracy Tatsuo). Wszechobecne liczby w siatkach, wieżach i diagramach wyrażają zainteresowanie Miyajimy ideami ciągłości, wieczności, połączenia oraz przepływu czasu i przestrzeni. Nie tak dawno obiekt Miyajima's Arrow of Time był pokazywany na inauguracyjnej wystawie "Incomplete Thoughts Visible in New York".
Nara Yoshimoto i złe dzieci
Nara Yoshimoto tworzy obrazy, rzeźby i rysunki dzieci i psów, tematy odzwierciedlające dziecięcą nudę i frustrację oraz dziką niezależność, która jest naturalna dla małych dzieci. Estetyka prac Yoshimoto przypomina tradycyjne ilustracje książkowe, jest mieszanką niespokojnego napięcia i zamiłowania artysty do punk rocka. W 2011 roku Asian Society Museum w Nowym Jorku gościło pierwszą indywidualną wystawę Yoshitomo zatytułowaną „Yoshitomo Nara: Nobody's Fool”, obejmującą 20-letnią karierę współczesnego japońskiego artysty. Eksponaty były ściśle związane ze światowymi subkulturami młodzieżowymi, ich wyobcowaniem i protestem .
Yayoi Kusama i przestrzeń, która porasta dziwacznymi formami
Niesamowita twórcza biografia Yayoi Kusamy obejmuje siedem dekad. W tym czasie niesamowitej Japonce udało się studiować dziedziny malarstwa, grafiki, kolażu, rzeźby, kina, grawerowania, sztuki środowiskowej, instalacji, a także literatury, mody i projektowania mody. Kusama opracowała bardzo charakterystyczny styl grafiki kropkowej, który stał się jej znakiem rozpoznawczym. Iluzoryczne wizje przedstawione w pracach 88-letniej Kusamy - kiedy świat wydaje się pokryty mnożącymi się dziwacznymi formami - są wynikiem halucynacji, których doświadczała od dzieciństwa. Pomieszczenia z kolorowymi kropkami i „niekończącymi się” lustrami odbijającymi ich nagromadzenia są rozpoznawalne, nie sposób ich pomylić z niczym innym.
Ma bardzo bogatą historię; jego tradycja jest rozległa, a wyjątkowa pozycja Japonii na świecie w dużej mierze wpływa na dominujące style i techniki japońskich artystów. Powszechnie znany fakt, że Japonia przez wieki była dość odizolowana, wynika nie tylko z położenia geograficznego, ale także z dominującej japońskiej kulturowej skłonności do izolacji, która naznaczyła historię tego kraju. W ciągu wieków tego, co moglibyśmy nazwać „cywilizacją japońską”, kultura i sztuka rozwijały się niezależnie od reszty świata. Jest to nawet zauważalne w praktyce malarstwa japońskiego. Na przykład obrazy Nihonga należą do podstawowych elementów japońskiej praktyki malarskiej. Opiera się na ponad tysiącletniej tradycji, a obrazy powstają zwykle pędzlami na twoim (papier japoński) lub eginie (jedwab).
Jednak na sztukę i malarstwo japońskie wpłynęły zagraniczne praktyki artystyczne. Po pierwsze, to chińska sztuka w XVI wieku oraz chińskie malarstwo i chińska tradycja artystyczna wywarły szczególny wpływ na kilka sposobów. Od XVII wieku na malarstwo japońskie wpływały również tradycje zachodnie. W szczególności w okresie przedwojennym, który trwał od 1868 do 1945 roku, na malarstwo japońskie wpłynął impresjonizm i europejski romantyzm. Jednocześnie japońskie techniki artystyczne wywarły również znaczący wpływ na nowe europejskie ruchy artystyczne. W historii sztuki wpływ ten nazywany jest „japoństwem” i ma szczególne znaczenie dla impresjonistów, kubistów oraz artystów związanych z modernizmem.
Długą historię malarstwa japońskiego można postrzegać jako syntezę kilku tradycji, które tworzą części uznanej japońskiej estetyki. Przede wszystkim buddyjska sztuka i metody malarskie, a także malarstwo religijne odcisnęły znaczące piętno na estetyce malarstwa japońskiego; akwarelowe malowanie pejzaży w tradycji chińskiego malarstwa literackiego to kolejny ważny element rozpoznany w wielu słynnych obrazach japońskich; malarstwo zwierząt i roślin, zwłaszcza ptaków i kwiatów, to coś, co powszechnie kojarzy się z kompozycjami japońskimi, podobnie jak pejzaże i sceny z życia codziennego. Wreszcie starożytne idee piękna z filozofii i kultury starożytnej Japonii miały wielki wpływ na malarstwo japońskie. Wabi, czyli ulotne i surowe piękno, sabi (piękno naturalnej patyny i postarzania) oraz yugen (głęboki wdzięk i subtelność) wciąż wpływają na ideały w praktyce malarstwa japońskiego.
Na koniec, jeśli skupimy się na wyborze dziesięciu najsłynniejszych japońskich arcydzieł, nie sposób nie wspomnieć o ukiyo-e, które jest jednym z najpopularniejszych gatunków sztuki w Japonii, mimo że należy do grafiki warsztatowej. Dominował w sztuce japońskiej od XVII do XIX wieku, a artyści należący do tego gatunku tworzyli drzeworyty i obrazy o takich tematach, jak piękne dziewczyny, aktorzy kabuki i zapaśnicy sumo, a także sceny z historii i baśni ludowych, sceny z podróży i pejzaże, flora i fauny, a nawet erotyki.
Zawsze trudno jest sporządzić listę najlepszych obrazów z tradycji artystycznych. Wiele niesamowitych prac zostanie wykluczonych; jednak na tej liście znajduje się dziesięć najbardziej rozpoznawalnych japońskich obrazów na świecie. W niniejszym artykule zaprezentowane zostaną wyłącznie obrazy powstałe od XIX wieku do współczesności.
Malarstwo japońskie ma niezwykle bogatą historię. Na przestrzeni wieków japońscy artyści rozwinęli wiele unikalnych technik i stylów, które stanowią najcenniejszy wkład Japonii w świat sztuki. Jedną z takich technik jest sumi-e. Sumi-e dosłownie oznacza „rysunek tuszem”, łącząc kaligrafię i malarstwo tuszem, tworząc rzadkie piękno kompozycji malowanych pędzlem. To piękno jest paradoksalne - starożytne, ale nowoczesne, proste, ale złożone, odważne, ale stonowane, niewątpliwie odzwierciedlające duchowe podstawy sztuki buddyzmu zen. Kapłani buddyjscy przywieźli do Japonii blok z twardym atramentem i pędzle bambusowe z Chin w VI wieku, aw ciągu ostatnich 14 stuleci Japonia rozwinęła bogate dziedzictwo malarstwa tuszem.
Przewiń w dół i zobacz 10 arcydzieł malarstwa japońskiego
1. Katsushika Hokusai „Sen żony rybaka”
Jednym z najbardziej rozpoznawalnych japońskich obrazów jest Sen żony rybaka. Został namalowany w 1814 roku przez słynnego artystę Hokusai. Według ścisłych definicji, to niesamowite dzieło Hokusai nie może być uznane za obraz, ponieważ jest to drzeworyt ukiyo-e z Young Pines (Kinoe no Komatsu), który jest trzytomową książką shunga. Kompozycja przedstawia młodego nurka ama splecionego seksualnie z parą ośmiornic. Ten obraz był bardzo wpływowy w XIX i XX wieku. Praca wywarła wpływ na późniejszych artystów, takich jak Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf i Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro pisze nostalgiczny wiersz, obserwując księżyc”
Tessai Tomioka to pseudonim znanego japońskiego artysty i kaligrafa. Uważany jest za ostatniego ważnego artystę w tradycji Bunjing i jednego z pierwszych głównych artystów stylu Nihonga. Bunjinga była szkołą malarstwa japońskiego, która rozkwitła w późnym okresie Edo wśród artystów uważających się za literatów lub intelektualistów. Każdy z tych artystów, w tym Tessaia, rozwinął własny styl i technikę, ale wszyscy byli wielkimi fanami chińskiej sztuki i kultury.
3. Fujishima Takeji „Wschód słońca nad Morzem Wschodnim”
Fujishima Takeji był japońskim artystą znanym z pracy nad rozwojem romantyzmu i impresjonizmu w ruchu artystycznym jogi (w stylu zachodnim) końca XIX i początku XX wieku. W 1905 roku udał się do Francji, gdzie był pod wpływem francuskich ruchów tamtych czasów, zwłaszcza impresjonizmu, co widać na jego obrazie Wschód słońca nad Morzem Wschodnim z 1932 roku.
4. Kitagawa Utamaro „Dziesięć typów kobiecych twarzy, kolekcja dominujących piękności”
Kitagawa Utamaro był wybitnym japońskim artystą, który urodził się w 1753 roku i zmarł w 1806 roku. Zdecydowanie najbardziej znany jest z serii o nazwie Dziesięć typów kobiecych twarzy. Zbiór panujących piękności, wielkich motywów miłosnych poezji klasycznej” (czasami nazywany „Zakochanymi kobietami”, zawierający osobne ryciny „Naga miłość” i „Miłość zamyślona”). Jest jednym z najwybitniejszych twórców nurtu drzeworytniczego ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai „Tygrys”
Kawanabe Kyosai był jednym z najbardziej znanych japońskich artystów okresu Edo. Na jego sztukę wpłynął Tohaku, XVI-wieczny malarz Kano, który był jedynym malarzem swoich czasów, który malował ekrany w całości tuszem na delikatnym tle sproszkowanego złota. Chociaż Kyosai jest znany jako rysownik, stworzył jedne z najsłynniejszych obrazów w XIX-wiecznej historii sztuki japońskiej. „Tygrys” to jeden z tych obrazów, które Kyosai stworzył za pomocą akwareli i tuszu.
6. Hiroshi Yoshida Fuji z jeziora Kawaguchi
Hiroshi Yoshida jest znany jako jedna z głównych postaci stylu shin-hanga (shin-hanga to ruch artystyczny w Japonii na początku XX wieku, w okresie Taisho i Showa, który ożywił tradycyjną sztukę ukiyo-e , który zakorzenił się w okresach Edo i Meiji (XVII - XIX w.)). Był szkolony w tradycji zachodniego malarstwa olejnego, które zostało przyjęte w Japonii w okresie Meiji.
7. Takashi Murakami „727”
Takashi Murakami jest prawdopodobnie najpopularniejszym japońskim artystą naszych czasów. Jego prace są sprzedawane za astronomiczne ceny na największych aukcjach, a jego prace już teraz inspirują nowe pokolenia artystów nie tylko w Japonii, ale także poza nią. Sztuka Murakamiego obejmuje szereg mediów i jest zwykle opisywana jako super płaska. Jego prace znane są z używania koloru, włączając motywy z japońskiej kultury tradycyjnej i popularnej. Treść jego obrazów jest często określana jako „urocza”, „psychodeliczna” lub „satyryczna”.
8. Yayoi Kusama „Dynia”
Yaoi Kusama to także jeden z najbardziej znanych japońskich artystów. Pracuje w różnych mediach, w tym w malarstwie, kolażu, rzeźbie scat, sztuce performance, sztuce środowiskowej i instalacji, z których większość wykazuje jej zainteresowanie tematyczne psychodelicznymi kolorami, powtórzeniami i wzorami. Jedną z najbardziej znanych serii tego wielkiego artysty jest seria Dynia. Zwykła tykwa w kropki w jasnożółtym kolorze jest pokazana na tle siatki. Wszystkie te elementy razem tworzą język wizualny, który jest charakterystyczny dla stylu artysty i był rozwijany i udoskonalany przez dziesięciolecia żmudnego rzemiosła i reprodukcji.
9. Tenmyoya Hisashi „Japoński duch nr 14”
Tenmyoya Hisashi to współczesny japoński artysta znany ze swoich obrazów neo-nihonga. Uczestniczył w odrodzeniu dawnej tradycji malarstwa japońskiego, będącego dokładnym przeciwieństwem współczesnego malarstwa japońskiego. W 2000 roku stworzył także swój nowy styl, butouha, który poprzez swoje obrazy demonstruje niezachwianą postawę wobec autorytatywnego systemu artystycznego. „Japanese Spirit No. 14” powstał w ramach artystycznego schematu „BASARA”, interpretowanego w kulturze japońskiej jako buntownicze zachowanie niższej arystokracji w okresie Walczących Królestw, mające na celu pozbawienie władz możliwości osiągnięcia idealnego styl życia poprzez ubieranie się w bujne i luksusowe stroje oraz swobodne działanie niezgodne z ich klasą społeczną.
10. Katsushika Hokusai „Wielka fala w Kanagawie”
Wreszcie Wielka fala u wybrzeży Kanagawy jest prawdopodobnie najbardziej rozpoznawalnym japońskim obrazem, jaki kiedykolwiek namalowano. To właściwie najsłynniejsze dzieło sztuki stworzone w Japonii. Przedstawia ogromne fale zagrażające łodziom u wybrzeży prefektury Kanagawa. Chociaż czasami mylona z tsunami, fala, jak sugeruje nazwa obrazu, najprawdopodobniej ma po prostu anormalnie wysoką wysokość. Obraz jest wykonany w tradycji ukiyo-e.
Od: ,
Hokusai, XVIII-wieczny japoński artysta, stworzył oszałamiającą gamę dzieł sztuki. Hokusai pracował dobrze do starości, niezmiennie twierdząc, że „wszystko, co zrobił przed 70 rokiem życia, nie było warte uwagi i nie było warte uwagi”.
Być może najsłynniejszy japoński artysta na świecie, zawsze wyróżniał się na tle innych współczesnych artystów swoim zainteresowaniem codziennością. Zamiast przedstawiać efektowne gejsze i bohaterskich samurajów, Hokusai malował robotników, rybaków, miejskie scenki rodzajowe, które nie były jeszcze przedmiotem zainteresowania sztuki japońskiej. Wziął również europejskie podejście do kompozycji.
Oto krótka lista kluczowych terminów, które pomogą ci trochę poruszać się po pracy Hokusai.
1 Ukiyo-e to grafiki i obrazy popularne w Japonii od XVII do XIX wieku. Trend w sztukach wizualnych Japonii, który rozwinął się od okresu Edo. Termin ten pochodzi od słowa „ukiyo”, co oznacza „zmieniający się świat”. Wickie jest aluzją do hedonistycznych radości rozwijającej się klasy kupieckiej. W tym kierunku Hokusai jest najbardziej znanym artystą.
Hokusai przez całe życie używał co najmniej trzydziestu pseudonimów. Pomimo tego, że używanie pseudonimów było powszechną praktyką wśród ówczesnych artystów japońskich, pod względem liczby pseudonimów znacznie przewyższał innych głównych autorów. Pseudonimy Hokusai są często używane do periodyzacji etapów jego twórczości.
2 Okres Edo to w historii Japonii okres między 1603 a 1868 rokiem, kiedy to nastąpił wzrost gospodarczy i nowe zainteresowanie sztuką i kulturą.
3 Shunrō to pierwszy z aliasów Hokusai.
4 Shunga dosłownie oznacza „obraz wiosny”, a „wiosna” to japoński slang określający seks. Są to więc ryciny o charakterze erotycznym. Tworzyli je najbardziej cenieni artyści, w tym Hokusai.
5 Surimono. Ostatnie „surimono” – jak nazywano te wykonane na zamówienie odbitki – odniosły ogromny sukces. W przeciwieństwie do druków ukiyo-e, które były przeznaczone dla masowego odbiorcy, surimono rzadko były sprzedawane ogółowi społeczeństwa.
6 Góra Fudżi to symetryczna góra, która jest najwyższą w Japonii. Przez lata zainspirowała wielu artystów i poetów, w tym Hokusai, który wyprodukował serię ukiyo-e Trzydzieści sześć widoków na górę Fuji. Ta seria zawiera najsłynniejsze grafiki Hokusai.
7 Japonizm to trwały wpływ, jaki Hokusai wywarł na kolejne pokolenia zachodnich artystów. Japonizm to styl inspirowany jasnymi kolorami nadruków ukiyo-e, brakiem perspektywy i kompozycyjnymi eksperymentami.
