Piąta, tradycyjna angielska herbatka (1880), artystka Mary Cassatt

Van Gogh, Matisse, Gauguin, Dali... I setki innych ludzi, geniuszy malarstwa, których wszyscy dobrze znają, których znamy i kochamy od dzieciństwa. Ale przedstawiciele pięknej połowy ludzkości wydają się pozostawać na uboczu… Jak często można usłyszeć obraźliwe, niesprawiedliwe pytanie: „Dlaczego wśród kobiet nie ma znanych artystów? Może ich nie ma?”

Oczywiście tak nie jest. Dziś będziemy pamiętać wielkich artystów, rosyjskich i zagranicznych, których obrazy są słusznie uważane za światowe arcydzieła. Siedem wielkich imion, siedem trudnych kobiecych losów w świecie sztuk pięknych, który uchodzi za męski...

Natalia Gonczarowa(1881-1962) - prawnuczka tej samej Natalii Nikołajewnej Gonczarowej, żony Aleksandra Siergiejewicza Puszkina (kiedyś artysta zaprojektował Opowieści cara Saltana, oddając w ten sposób hołd słynnemu pokrewieństwu).

Studiowała malarstwo pod kierunkiem wybitnego artysty i pedagoga Konstantego Korowina. Wraz z mężem M. F. Łarionowem, jednym z założycieli rosyjskiej awangardy, zorganizowała stowarzyszenie Ośli Ogon. W 1915 roku otrzymała od Siergieja Diagilewa zaproszenie do pracy nad Sezonami Rosyjskimi, tournée tancerzy operowych i baletowych po Paryżu.

Natalya Goncharova prześcignęła wszystkich artystów świata dzisiejszą ceną swoich płócien. W 2008 roku obraz „Kwiaty”, sprzedany na aukcji Christie's za ponad 10 milionów dolarów, pobił rekord ceny w „kobiecej klasyfikacji”.Dzieło jest jednym z kluczowych dzieł rosyjskiej awangardy, ponieważ łączy w sobie elementy europejskiego impresjonizmu i całkowicie nowatorskiego kierunku, stworzonego przez Goncharovą i jej męża - tzw. „Rajizmu”. Wszystkie przedmioty, które widzimy, są sumą promieni odbitych od tych samych obiektów. Artystka eksperymentowała także z prymitywizmem , za pomocą malowania ikon.

W 2010 roku na londyńskiej aukcji obraz „Hiszpanka” ustanowił kolejny rekord cenowy – jego szczęśliwy właściciel rozstał się z 1,216 mln dolarów.

Dziś większość prac Natalii Gonczarowej znajduje się w Galerii Trietiakowskiej.

Natalia Gonczarowa. „Paw pod jasnym słońcem”. 1911.

Frida Kahlo(1907-1954) – najsłynniejszy artysta meksykański, którego chlubą były barwne autoportrety. Znaczący wpływ na jej twórczość miała kultura meksykańska i sztuka ludów Ameryki prekolumbijskiej. Styl artystyczny Fridy Kahlo określany jest jako sztuka ludowa lub sztuka naiwna.

Frida przez całe życie była w złym stanie zdrowia – w wieku sześciu lat zachorowała na polio, a jako nastolatka uległa poważnemu wypadkowi samochodowemu, po którym musiała przejść liczne operacje, które dotknęły ją do końca życia. Po tragedii po raz pierwszy poprosiła ojca o pędzle i farby. Pierwszym zdjęciem był autoportret, który na zawsze wyznaczył główny kierunek twórczości. W swoim pamiętniku napisała: „Piszę sama, bo dużo czasu spędzam sama i dlatego, że jestem tematem, który znam najlepiej”.

W 1929 roku Kahlo poślubiła malarza Diego Riverę. Ich burzliwe wspólne życie stało się legendą.

W 1937 r. w domu Diego i Fridy, wyznających poglądy komunistyczne, na krótko znalazł schronienie radziecki przywódca rewolucyjny Lew Trocki; rozpoczęli romans z Fridą.

W latach czterdziestych obrazy Fridy Kahlo pojawiają się na kilku znaczących wystawach. Jednocześnie pogłębiają się jej problemy zdrowotne. Leki i leki mające na celu zmniejszenie cierpienia fizycznego zmieniają jej stan umysłu, co żywo odbija się w pamiętniku, który stał się kultowy wśród jej fanów. W 1953 roku odbyła się jej pierwsza indywidualna wystawa w ojczyźnie. W tym czasie Frida nie mogła już wstać z łóżka i została przywieziona na wernisaż wystawy w szpitalnym łóżku. Rok później kultowa artystka i ikona stylu odeszła, ale samo jej życie, barwny wizerunek i niesamowite obrazy stały się inspirującą legendą dla milionów ludzi na całym świecie...

Frida Kahlo. „Autoportret (w myślach Diego)” . 1943.

Maria Baszkirtsewa(1858 - 1884) - urodził się w guberni połtawskiej. Jest pierwszą rosyjską artystką, której obrazy „Jean i Jacques” oraz „Rally” zdobiły ściany Luwru. Jednak większość jej prac nie przetrwała I wojny światowej. Oprócz 150 obrazów, 200 rysunków i licznych akwarel Maria Bashkirtseva pozostawiła po sobie dziedzictwo literackie - „Dziennik”, który prowadziła od 15 roku życia w języku francuskim. Po jej śmierci została przetłumaczona na wszystkie języki europejskie i wkrótce opublikowana w Ameryce. Warto zauważyć, że matka wyrwała z pamiętnika wszystkie strony, na których wspominano o feministycznych poglądach córki. Wiadomo, że Maria Bashkirtseva aktywnie opowiadała się za prawami kobiet. Jej natura wydawała się ciasna i akademickie kanony malarstwa. Wolała pracować w plenerze, malowała twarze paryżanek wyrwane z codziennych pejzaży ulicznych.

Wiek artystki niestety nie był długi: zmarła na gruźlicę w wieku zaledwie 25 lat. W ostatnich latach życia artystka korespondowała z Guyem de Maupassantem, który napisał na jej grobie: „To była jedyna Róża w moim życiu, której ścieżkę usiałabym różami, wiedząc, że będzie tak jasna i tak krótka !”. A wielka Marina Cwietajewa poświęciła Baszkirtsewie zbiór wczesnych tekstów „Evening Album”.

Maria Baszkirtsewa. „Deszczowy parasol” 1883.

Marii Cassat(1844—1926) – słynny amerykański artysta i grafik, który malował w stylu impresjonizmu. Większość życia mieszkała we Francji, przyjaźniła się z Edgarem Degasem i Berthe Morisot. Jej obrazy inspirowane są obrazami z życia społecznego i prywatnego kobiet, ze szczególnym uwzględnieniem bliskiej więzi między matkami i dziećmi.

Chociaż rodzina Mary sprzeciwiała się jej pragnieniu zostania profesjonalną artystką, zaczęła studiować malarstwo w Pennsylvania Academy of the Fine Arts w Filadelfii. Nie tolerując powolnego tempa nauki i protekcjonalnego nastawienia studentów i nauczycieli, postanowiła kontynuować naukę na własną rękę iw 1886 r. przeniosła się do Paryża.

Widząc pastele Edgara Degasa w witrynie sklepu z dziełami sztuki, napisała do przyjaciela: „Musiałam podejść i przycisnąć nos do szyby, żeby wchłonąć wszystko, co mogłam z jego obrazu. To zmieniło moje życie. Widziałem sztukę tak, jak chciałem ją widzieć”. Spotkała Degasa w 1874 roku. Zaprosił ją do udziału w wystawie impresjonistów, a prace Mary Cassatt zostały wystawione w 1879 roku.

Cassatt stała się niezwykle biegła w używaniu pasteli, ostatecznie wykonując wiele swoich płócien w tej technice.

Seria ściśle napisanych, subtelnie zauważonych, nie sentymentalnych obrazów o matce i dziecku to główny temat jej najsłynniejszych prac.

Lata 90. XIX wieku były dla Cassat najbardziej pracowitym i najbardziej twórczym okresem w jej życiu. Naśladowali ją młodzi amerykańscy artyści, którzy potrzebowali jej rady i wsparcia. W uznaniu jej wkładu w sztukę otrzymała Legię Honorową w 1904 roku.

Mary Cassatt zmarła w 1926 roku w Château de Beaufren pod Paryżem i została pochowana w rodzinnym grobowcu.

Maria Kasat. „Kobiety podziwiające dziecko”. 1897.

Zinaida Serebryakowa(1884-1967) - rosyjski artysta realista. Jej dziadek i pradziadek poświęcili się architekturze, jej ojciec zajmował się rzeźbą i malarstwem, a wśród jej wujków był słynny artysta i krytyk Alexander Benois, więc Zinaida zaprzyjaźniła się z pędzlem i płótnem od dzieciństwa.

Serebryakova poślubiła swoją kuzynkę; krewni nie pochwalali tego związku, a artystka i jej mąż musieli wyemigrować, pozostawiając dzieci w Rosji. Zinaida Serebryakova miała szczęście zobaczyć swojego syna zaledwie 36 lat później ...

Dziś płótna artysty są sprzedawane za bajeczne pieniądze. A mieszkając w Paryżu, próbowała zarabiać na życie malowaniem portretów, ale bardzo często po prostu dawała je klientom. Z powodu biedy Serebryakova była nawet zmuszona do samodzielnego malowania. Nigdy nie mogła wrócić do Rosji: II wojna światowa odcięła ją od ojczyzny.

Najsłynniejszym obrazem Zinaidy Serebryakovej jest autoportret artysty „Za toaletą” (1909). Po raz pierwszy publiczność zaczęła mówić o talencie autora po prezentacji dzieła na 7. wystawie „Związku Artystów Rosyjskich” (1910). Dziś w Galerii Trietiakowskiej przechowywany jest autoportret 25-letniego artysty. A obraz „Na śniadaniu” (1914), którego bohaterami były dzieci Serebryakovej, nazywany jest jednym z najlepszych portretów dziecięcych w historii malarstwa.

Zinaida Serebryakowa. „Za toaletą”. Autoportret. 1909.

Berthe Morisot(1841-1895) Francuski malarz impresjonistyczny. Była pra-siostrzenicą słynnego artysty, mistrza stylu rokoko, Jeana Honore Fragonarda, była żoną Eugeniusza Maneta, brata jej przyjaciela i współpracownika Edouarda Maneta. Rysy twarzy Berthy są dobrze znane koneserom impresjonizmu, ponieważ Manet często ją malował.

Morisot urodził się w Bourges w zamożnej rodzinie mieszczańskiej. Ona i jej siostra Edma Morisot zostały artystkami. Rodzina, po tym jak Berta zdecydowała się na wybór zawodu, nie ingerowała w jej karierę. Malarstwa uczyła się u K. Corota, pracując z nim w plenerze.

W 1864 roku po raz pierwszy wystawiała swoje prace na jednej z najbardziej prestiżowych wystaw sztuki we Francji – Salonie Paryskim. Jej prace były wybierane do udziału w sześciu Salonach z rzędu, aż w 1874 roku dołączyła do grona „wyrzutków” impresjonistów tworzonych przez Cezanne'a, Degasa, Moneta, Morisota, Pissarra, Renoira i Sisleya i wzięła udział w ich pierwszej wystawie w studio fotografa Nadara.

Lekkie, wypełnione światłem i radosnym poczuciem życia malarstwo B. Morisota tworzy kuszące obrazy, które wywołują uczucie harmonii i piękna w duszy. Nie ma w jej obrazach motywów towarzyskich i wybuchów emocji, ale zmuszają one do świeżego spojrzenia na zwyczajne i znajome wydarzenia dnia codziennego, emanują ciepłem, ukojeniem i cichym rodzinnym szczęściem. Ten kierunek malarstwa okazał się poszukiwany, obrazy Berty były chętnie kupowane, niezmiennie budziły zainteresowanie widzów na wystawach. Artysta miał wielu zwolenników na całym świecie, zwłaszcza wśród malarek.

Berthe Morisot. „Łapanie motyli” 1874.

Jelena Polenowa(1850 - 1898) - siostra słynnego rosyjskiego malarza Wasilija Polenowa. Artysta, który na płótnach stworzył baśniowy świat.

Urodzony w Petersburgu, w rodzinie historyka. Zainteresowanie mitycznymi tematami pochodzi z dzieciństwa: mała Lily, jak nazywała ją jej rodzina, zawsze czytała rosyjskie opowieści ludowe. Wraz z bratem studiowała rysunek u słynnego artysty i nauczyciela, twórcy metody „szerokiego spojrzenia”, Pawła Czistyakowa. Ponieważ w tym czasie ścieżka do Akademii Sztuk Pięknych została zamówiona dla kobiet, dziewczyna studiowała u Iwana Kramskoja w Petersburskiej Szkole Towarzystwa Zachęty Sztuki.

Życie osobiste Eleny Polenovej nie wyszło. W przeciwieństwie do życia twórczego: sam Tretiakow nabył kilka dzieł do kolekcji. We śnie przyszły jej do głowy bajeczne wątki obrazów. I pracowała na płótnach w majątku patrona Mamontowa, Abramcewa. Tutaj narodziła się na przykład „Bestia” - potwór, który kradnie duszę z krainy jasnych snów.

W ostatnich latach życia artystka wykonała wiele szkiców fantastycznych ornamentów roślinnych do opraw ikon, haftów i ceramiki. Rysując ornamenty roślinne, Polenova wykazała się niewyczerpaną wyobraźnią, odnajdując za każdym razem nową kompozycję kwiatów, nowy rytm, tworząc burzliwy i dynamiczny przepływ form. Elena Polenova zmarła 19 listopada 1898 roku w Moskwie, w kwiecie wieku i talentu, nie spełniając wielu planów. Musiała więc udekorować rosyjski pawilon na Wystawie Światowej w Paryżu w 1900 roku...

Jelena Polenowa. Iwan Carewicz i Ognisty Ptak. 1896.

W rosyjskim wynajmie Premiera nowego filmu Tima Burtona „Wielkie oczy” - historia amerykańskiej artystki Margaret Keane. Dzieło Małgorzaty znane było jednak z imienia jej męża, który przekonał żonę, że płótna tworzone przez mężczyzn mają znacznie większą wartość komercyjną. Ta historia jest prawdziwa i bardzo uwarunkowana sytuacją w świecie sztuki. Rozumiemy, dlaczego tak mało wiemy o artystkach i dlaczego ich prace są wciąż dużo mniej warte niż te tworzone przez mężczyzn.

Tekst: Katia Sawczenko

Maria Bashkirtseva „W pracowni”, 1881

Od połowy lat 60. artyści zaczęli zastanawiać się, co odróżnia ich od ich męskich kolegów.

Kraina piękna i niematerialności wydaje nam się dziś całkowicie naturalnym środowiskiem dla kobiet, jednak od wieków w sztuce przypisywana jest im rola muzy, wiernej żony czy patronki artysty. Kobiety istniały „obok” sztuki, a tworzenie arcydzieł było prerogatywą mężczyzn. Nazwiska słynnej filantropki Marquise Isabella d'Este i muzy Botticellego Simonetty Vespucci zapisały się w historii sztuki renesansu, ale ilu z nas pamięta Sofonisbę Anguissolę, pierwszego artystę renesansu? Dlaczego światowa kultura artystyczna zachowała tak mało odniesień do artystek? Co to jest – historyczny przypadek, celowa dyskryminacja czy logiczny skutek wielowiekowej dominacji mężczyzn w społeczeństwie?

W 1971 roku amerykańska historyk sztuki Linda Nochlin odniosła się do tych pytań w swoim eseju „Dlaczego nie było wielkich artystek”. Od połowy lat 60. artystki zaczęły poważnie zastanawiać się nad tym, co odróżnia je od swoich kolegów i aktywnie domagać się prawa do wyrażania swojej szczególnej, kobiecej wizji świata w sztuce. Napisany na gorący wówczas temat artykuł Lindy Nochlin stał się jednym z kluczowych tekstów sztuki feministycznej.

Nokhlin nie daje jednoznacznej odpowiedzi na pytanie postawione w tytule opracowania, sugerując, że istota problemu tkwi w całym kompleksie różnych przyczyn. Jednym z najczęstszych i najbardziej logicznych argumentów przemawiających za słabą obecnością artystek w historii sztuki jest brak dostępu do edukacji artystycznej. W średniowieczu warsztatu artysty można było się nauczyć głównie poprzez przejęcie wiedzy z linii rodowej lub poprzez zatrudnienie się jako terminator u znanych artystów. Oba scenariusze losów dziewcząt były raczej wyjątkiem od reguły, nie mówiąc już o możliwości wstępu do szkół artystycznych, do których dostęp dla kobiet stał się stosunkowo otwarty dopiero w XIX wieku. Niemniej jednak to właśnie te rzadkie przypadki dały światu wielu utalentowanych artystów.

Jedna z najbardziej znanych kobiet malarstwa klasycznego, włoska malarka baroku i następczyni Caravaggia Artemisia Gentileschi była córką malarza Horatio Gentileschiego. Wchodząc jako dziecko do warsztatu ojca, szybko pokazała swoją wyższość nad braćmi, a następnie została pierwszą kobietą przyjętą do florenckiej Akademii Sztuk Pięknych. Jej rówieśniczka i rodaczka Fede Galicia również uczyła się malarstwa od swojego ojca, malarza miniatur, i zasłynęła z ekspresyjnych portretów i mistrzowsko wykonanych martwych natur.

Inną ważną przeszkodą, która nie pozwalała artystom konkurować na równych warunkach z mężczyznami, był zakaz rysowania aktów. Zakaz obowiązywał do końca XIX wieku, a nawet po jego zniesieniu długo nie zachęcano do takich szkiców. Brytyjska artystka Laura Knight jako pierwsza odważyła się namalować swój autoportret przy sztalugach przed nagą modelką, co wywołało skandal w brytyjskim społeczeństwie. Stało się to w 1913 roku. Nic dziwnego, że w takich warunkach kobietom trudno było konkurować z mężczyznami w przedstawianiu ludzkiego ciała i zajmowały się one głównie gatunkami portretu, pejzażu i martwej natury.

Innym popularnym wyjaśnieniem są ograniczenia społeczne, które kontrolowały życie kobiety w społeczeństwie. Umiarkowanie w manierach, wysoka moralność i służenie interesom męża były u dziewczyny cenione znacznie wyżej niż impuls twórczy. W swoim eseju Nokhlin cytuje podręcznik dla dobrze wychowanych dziewcząt z 1848 r., Zgodnie z którym „o wiele cenniejsze jest, aby dziewczyna potrafiła przyzwoicie zrobić kilka rzeczy, niż wykazać się umiejętnościami w jednej rzeczy”. Wreszcie wielu teoretyków było zdania, że ​​kobiety w zasadzie nie mogą być geniuszami ze względu na swoją słabość i nadmierną emocjonalność. Podobne stwierdzenia znajdują się np. w filozofii Rousseau, Kanta i Schopenhauera.

Po lewej: Laura Knight, Autoportret nago, 1913. Po prawej: Laura Knight, Świt, 1936

Umiarkowanie w manierach i służenie interesom męża ceniono u dziewczynki znacznie wyżej niż popęd twórczy.

Natalia Gonczarowa „Zielony las”, 1911

Układ sił na scenie artystycznej zaczął się zmieniać dopiero z początkiem XX wieku, kiedy to kobiety zaczęły aktywniej wyznaczać swoje miejsce w społeczeństwie. Świat sztuki również znalazł się w ich polu widzenia. Na początku XX wieku ruch sufrażystek dopuścił się szeregu aktów sabotażu w galeriach sztuki w Wielkiej Brytanii. Najbardziej znanym z tych aktów sabotażu był atak na portret Sir Henry'ego Jamesa Sargenta w Royal Academy of Arts. 4 maja 1914 r. sufrażystka Mary Wood, uzbrojona w nóż rzeźnicki, krzyknęła „Głosy dla kobiet!” zaatakował portret przed publicznością. Swój czyn tłumaczyła później chęcią zwrócenia uwagi na determinację kobiet w walce o prawa wyborcze, a wysokość przyznanego jej odszkodowania skomentowała słowami: „Ten obraz nie byłby tyle wart, gdyby namalowała go kobieta”. ”. Nawiasem mówiąc, od jej powstania w 1768 r. (pomimo faktu, że wśród założycieli były dwie artystki: Angelica Kaufmann i Mary Moser), przez 160 lat do Akademii Królewskiej nie została przyjęta ani jedna kobieta.

Równolegle na początku XX wieku międzynarodowe środowisko artystyczne poruszyły narodziny rosyjskiej awangardy. Awangarda, chcąc zerwać z akademizmem w każdym jego przejawie, dała artystom możliwość zabrania głosu, podobnie jak system sowiecki dał im prawo głosu. Wśród głównych artystów awangardowych Natalia Gonczarowa, Ljubow Popowa i Aleksandra Exter są czczeni na równi z Michaiłem Łarionowem i Władimirem Tatlinem.

Kolejnym etapem podboju świata sztuki przez kobiety było powstanie feministycznego ruchu artystycznego w Stanach Zjednoczonych w latach 70. Włączając się w powszechną falę nastrojów protestacyjnych, feministyczne artystki wraz z aktywistkami ruchów na rzecz wolnej miłości, praw mniejszości narodowych i przeciwko wojnie w Wietnamie domagały się rewizji obrazu świata.

Wywiad z kuratorką i uczestniczką wystawy "WACK: Art & The Feminist Revolution", 2007

Awangarda dała artystom prawo do zabierania głosu w taki sam sposób, w jaki system sowiecki dał im prawo do głosowania

Historycznie sztuka była tworzona przez mężczyzn i zakładała spojrzenie na rzeczywistość z męskiej perspektywy. Absurdalność tej sytuacji opisał John Berger w swojej słynnej książce The Art of Seeing, w której krytykuje standardowe podejście do postrzegania malarstwa. Słusznie zauważył: „Weź dowolne klasyczne dzieło przedstawiające nagą kobietę. Spróbuj wyobrazić sobie mężczyznę zamiast kobiety i pomyśl, jak to będzie wyglądać. Artystki feministyczne uznały za swoje zadanie zredefiniowanie tej perspektywy. Z przedmiotu kontemplacji kobieta dążyła do tego, by stać się kontemplatorką, odzwierciedlać w sztuce sferę swoich zainteresowań, aw szczególności obserwację samej siebie. W swojej pracy często zastanawiały się, co to znaczy być kobietą we współczesnym społeczeństwie, mieć kobiece ciało, być matką i doświadczać miesięcznych cykli menstruacyjnych.

Walka o równe pozycje kobiet i mężczyzn w sztuce skierowana była także przeciwko dominacji artystów-mężczyzn w zbiorach muzealnych. W 1977 roku w Brooklyn Museum odbyła się wystawa Women Artists: 1550-1950 poświęcona wyłącznie sztuce kobiet. Na wystawie znalazły się prace 83 artystów z 12 krajów. Kuratorkami były też dwie kobiety, z których jedną była wspomniana Linda Nochlin. Skala wystawy po raz pierwszy dobitnie pokazała liczbę artystek w historii sztuki.

Wydawałoby się, że równowaga wreszcie nadeszła. Kobiety-artystki osiągnęły swoje prawo do studiowania sztuki na równi z mężczyznami, do wyrażania w dowolnej formie sztuki wszelkich zagadnień, które ich dotyczą, do portretowania aktów i publicznego pokazywania swojego ciała, do otrzymywania prestiżowych nagród artystycznych i do organizowania wystaw retrospektywnych w największych muzeach świata. Jednak wyniki wielu badań dowodzą, że siła mężczyzn i kobiet w świecie sztuki wciąż nie jest równa.

Na przykład na liście stu najdroższych dzieł, jakie kiedykolwiek sprzedano na aukcji, sporządzonej przez jeden z głównych zasobów analitycznych rynku sztuki ArtNet, wciąż nie ma ani jednego dzieła stworzonego przez artystę. Najdroższym obrazem kobiety, który poszedł pod młotek, był bieluń (Biały kwiat nr 1) Georgii O'Keeffe, który został sprzedany za 44,4 miliona dolarów. Dla porównania, najdroższe dzieło, jakie kiedykolwiek sprzedano na aukcji, zostało stworzone przez Paula Cezanne'a i jest wycenione na 250 milionów dolarów. Problem tkwi nie w stopniu utalentowania sztuki „kobiecej” i „męskiej”, ale w tym, że ta druga jest znacznie dłużej zinstytucjonalizowana, co nie tylko wpływa na jej wartość.

Słuszność rynkowej wartości sztuki można kwestionować, ale fakty pozostają niezmienne: na przykład w londyńskiej Galerii Narodowej z kolekcji liczącej 2300 prac tylko 11 zostało stworzonych przez kobiety, a wśród wielu artystów reprezentowanych przez Tate, 83 procent to mężczyźni. Jest jednak powód, by sądzić, że sytuacja się zmienia i będzie się zmieniać, i na początek nie zaszkodzi przynajmniej dowiedzieć się więcej o kobietach, które odcisnęły swoje piętno na sztuce.

Guerrilla Girls „Czy kobiety muszą być nagie, żeby być w muzeum?”, 2004

Van Gogh, Matisse, Gauguin, Dali... I setki innych ludzi, geniuszy malarstwa, których wszyscy dobrze znają, których znamy i kochamy od dzieciństwa. Ale przedstawiciele pięknej połowy ludzkości zdają się pozostawać na uboczu… Jak często można usłyszeć obraźliwe, niesprawiedliwe pytanie: „Dlaczego wśród kobiet nie ma znanych artystów? Może nie są podane?” Oczywiście nie jest to prawdą. Dziś będziemy pamiętać wielkich artystów, rosyjskich i zagranicznych, których obrazy są słusznie uważane za światowe arcydzieła. Siedem wielkich imion, siedem trudnych kobiecych losów w świecie sztuk pięknych, który uchodzi za męski...

Natalia Gonczarowa(1881–1962) - prawnuczka tej samej Natalii Nikołajewnej Gonczarowej, żony Aleksandra Siergiejewicza Puszkina (kiedyś artysta zaprojektował Opowieści cara Saltana, oddając w ten sposób hołd słynnemu pokrewieństwu).
Studiowała malarstwo pod kierunkiem wybitnego artysty i pedagoga Konstantego Korowina. Wraz z mężem M. F. Łarionowem, jednym z założycieli rosyjskiej awangardy, zorganizowała stowarzyszenie Ośli Ogon. W 1915 roku otrzymała od Siergieja Diagilewa zaproszenie do pracy nad Sezonami Rosyjskimi, tournée tancerzy operowych i baletowych po Paryżu.
Natalya Goncharova prześcignęła wszystkich artystów świata dzisiejszą ceną swoich płócien. W 2008 roku obraz „Kwiaty” pobił rekord cenowy w „kategorii kobiecej”, sprzedany w Christie's za ponad 10 milionów dolarów.Dzieło jest jednym z kluczowych dzieł rosyjskiej awangardy, ponieważ łączy w sobie elementy Europejski impresjonizm i absolutnie nowatorski kierunek stworzyli Gonczarowa i jej mąż – tzw. "blask". Na przykład wszystkie obiekty, które widzimy, są sumą promieni odbitych od tych samych obiektów. Artysta eksperymentował także z prymitywizmem, posługując się ikonografią.
W 2010 roku na londyńskiej aukcji obraz „Hiszpanka” ustanowił kolejny rekord cenowy – jego szczęśliwy właściciel rozstał się z 1,216 mln dolarów.
Dziś większość prac Natalii Gonczarowej znajduje się w Galerii Trietiakowskiej.

Natalia Gonczarowa. „Paw pod jasnym słońcem”. 1911.

Frida Kahlo(1907-1954) – najsłynniejszy artysta meksykański, którego chlubą były barwne autoportrety. Za jej twórczość miał znaczący wpływ na Kultura i sztuka meksykańska ludów Ameryki prekolumbijskiej. Styl artystyczny Fridy Kahlo określany jest jako sztuka ludowa lub sztuka naiwna..
Przez całe życie Frida miała słabe zdrowie - cierpiała na poliow wieku sześciu lat, a także uległ poważnemu wypadkowi samochodowemujako nastolatka, po czym musiała przejść liczne operacjeco wpłynęło na nią na całe życie. Po tragedii po raz pierwszy poprosiła ojca o pędzle i farby. Pierwszym zdjęciem był autoportret, który na zawsze wyznaczył główny kierunek twórczości. Napisała w swoim pamiętniku:„Piszę sama, ponieważ spędzam dużo czasu sama i ponieważ jestem tematem, który znam najlepiej”.
w 1929 rokuKahlo poślubiła artystę Diego Riverę.Ich burzliwe wspólne życie stało się legendą.
w 1937 r w domu Diego i Fridy, którzy wyznają komunistyczne poglądy, na krótko znalazł schronienie radziecki przywódca rewolucyjny Leon Trocki; rozpoczęli romans z Fridą.
W latach czterdziestych obrazy Fridy Kahlo pojawiają się na kilku znaczących wystawach. Jednocześnie pogłębiają się jej problemy zdrowotne. Leki i leki mające na celu zmniejszenie cierpienia fizycznego zmieniają jej stan umysłu, co żywo odbija się w pamiętniku, który stał się kultowy wśród jej fanów. w 1953 roku jej pierwsza indywidualna wystawa miała miejsce w jej ojczyźnie. W tym czasie Frida nie mogła już wstać z łóżka i została przywieziona na wernisaż wystawy w szpitalnym łóżku. Rok później kultowa artystka i ikona stylu odeszła, ale samo jej życie, barwny wizerunek i niesamowite obrazy stały się inspirującą legendą dla milionów ludzi na całym świecie...

Frida Kahlo. „Autoportret (w myślach Diego)” . 1943.

Maria Baszkirtsewa(1858 - 1884) - urodził się w guberni połtawskiej. Jest pierwszą rosyjską artystką, której obrazy „Jean i Jacques” oraz „Rally” zdobiły ściany Luwru. Jednak większość jej prac nie przetrwała I wojny światowej. Oprócz 150 obrazów, 200 rysunków i licznych akwarel Maria Bashkirtseva pozostawiła po sobie dziedzictwo literackie - „Dziennik”, który prowadziła od 15 roku życia w języku francuskim. Po jej śmierci została przetłumaczona na wszystkie języki europejskie i wkrótce opublikowana w Ameryce. Warto zauważyć, że matka wyrwała z pamiętnika wszystkie strony, na których wspominano o feministycznych poglądach córki. Wiadomo, że Maria Bashkirtseva aktywnie opowiadała się za prawami kobiet. Jej natura wydawała się ciasna i akademickie kanony malarstwa. Wolała pracować w plenerze, malowała twarze paryżanek wyrwane z codziennych pejzaży ulicznych.
Wiek artystki niestety nie był długi: zmarła na gruźlicę w wieku zaledwie 25 lat. W ostatnich latach życia artystka korespondowała z Guyem de Maupassantem, który napisał na jej grobie: „To była jedyna Róża w moim życiu, której ścieżkę usiałabym różami, wiedząc, że będzie tak jasna i tak krótka !”. A wielka Marina Cwietajewa poświęciła Baszkirtsewie zbiór wczesnych tekstów „Evening Album”.

Maria Baszkirtsewa. „Parasol na deszcz” 1883.

Marii Cassat(1844-1926) — słynny amerykański artysta i grafik, który malował w stylu impresjonizmu. Większość życia mieszkała we Francji, przyjaźniła się z Edgarem Degasem i Berthe Morisot. Jej obrazy inspirowane są obrazami z życia społecznego i prywatnego kobiet, ze szczególnym uwzględnieniem bliskiej więzi między matkami i dziećmi.
Chociaż rodzina Mary sprzeciwiała się jej pragnieniu zostania profesjonalną artystką, zaczęła studiować malarstwo w Pennsylvania Academy of the Fine Arts w Filadelfii. Nie tolerując powolnego tempa nauki i protekcjonalnego nastawienia studentów i nauczycieli, postanowiła kontynuować naukę na własną rękę iw 1886 r. przeniosła się do Paryża.
Widząc pastele Edgara Degasa w witrynie sklepu z dziełami sztuki, napisała do przyjaciela: „Musiałam podejść i przycisnąć nos do szyby, żeby wchłonąć wszystko, co mogłam z jego obrazu. To zmieniło moje życie. Widziałem sztukę tak, jak chciałem ją widzieć”. Spotkała Degasa w 1874 roku. Onzaprosił ją do udziału w wystawie impresjonistów, a prace Mary Cassat wystawiono w 1879 r..
Cassatt stała się niezwykle biegła w używaniu pasteli, ostatecznie wykonując wiele swoich płócien w tej technice.
Seria ściśle napisanych, subtelnie zauważonych, nie sentymentalnych obrazów o matce i dziecku to główny temat jej najsłynniejszych prac.
Lata 90. XIX wieku były dla Cassat najbardziej pracowitym i najbardziej twórczym okresem w jej życiu. Naśladowali ją młodzi amerykańscy artyści, którzy potrzebowali jej rady i wsparcia.W uznaniu jej zasług dla sztuki w 1904 rotrzymał Order Legii Honorowej.
Mary Cassat zmarła w 1926 rokuw Château de Beaufren pod Paryżem i został pochowany w rodzinnym grobowcu.

Maria Kasat. „Kobiety podziwiające dziecko”. 1897.

Zinaida Serebryakowa(1884-1967) - rosyjski artysta realista. Jej dziadek i pradziadek poświęcili się architekturze, jej ojciec zajmował się rzeźbą i malarstwem, a wśród jej wujków był słynny artysta i krytyk Alexander Benois, więc Zinaida zaprzyjaźniła się z pędzlem i płótnem od dzieciństwa.
Serebryakova poślubiła swoją kuzynkę; krewni nie pochwalali tego związku, a artystka i jej mąż musieli wyemigrować, pozostawiając dzieci w Rosji. Zinaida Serebryakova miała szczęście zobaczyć swojego syna zaledwie 36 lat później ...
Dziś płótna artysty są sprzedawane za bajeczne pieniądze. A mieszkając w Paryżu, próbowała zarabiać na życie malowaniem portretów, ale bardzo często po prostu dawała je klientom. Z powodu biedy Serebryakova była nawet zmuszona do samodzielnego malowania. Nigdy nie mogła wrócić do Rosji: II wojna światowa odcięła ją od ojczyzny.
Najsłynniejszym obrazem Zinaidy Serebryakovej jest autoportret artysty „Za toaletą” (1909). Po raz pierwszy publiczność zaczęła mówić o talencie autora po prezentacji dzieła na 7. wystawie „Związku Artystów Rosyjskich” (1910). Dziś w Galerii Trietiakowskiej przechowywany jest autoportret 25-letniego artysty. A obraz „Na śniadaniu” (1914), którego bohaterami były dzieci Serebryakovej, nazywany jest jednym z najlepszych portretów dziecięcych w historii malarstwa.

Zinaida Serebryakowa. „Za toaletą”. Autoportret. 1909.

Berthe Morisot (1841-1895) — francuski malarz impresjonista. Była pra-siostrzenicą słynnego artysty, mistrza stylu rokoko, Jeana Honore Fragonarda,był żonaty z Eugeniuszem Manetem, brat jego przyjaciela i współpracownika Edouarda Maneta. Rysy twarzy Berthy są dobrze znane koneserom impresjonizmu, ponieważ Manet często ją malował.
Morisot urodził się w Bourges, w zamożnej rodzinie mieszczańskiej. Ona i jej siostra Edma Morisot zostały artystkami. Rodzina, po tym jak Berta zdecydowała się na wybór zawodu, nie ingerowała w jej karierę. Malarstwa uczyła się u K. Corota, pracując z nim w plenerze.
W 1864 roku po raz pierwszy wystawiała swoje prace na jednej z najbardziej prestiżowych wystaw sztuki we Francji – Salonie Paryskim.. Jej prace były wybierane do udziału w sześciu Salonach z rzędu, aż w 1874 roku dołączyła do grona „wyrzutków” impresjonistów stworzonych przez Cezanne'a., Degasa, Moneta , Morisot, Pissarro, Renoira i Sisleya i wziął udział w ich pierwszej ekspozycjiw pracowni fotografa Nadara.
Lekkie, wypełnione światłem i radosnym poczuciem życia malarstwo B. Morisota tworzy kuszące obrazy, które wywołują uczucie harmonii i piękna w duszy. Nie ma w jej obrazach motywów towarzyskich i wybuchów emocji, ale zmuszają one do świeżego spojrzenia na zwyczajne i znajome wydarzenia dnia codziennego, emanują ciepłem, ukojeniem i cichym rodzinnym szczęściem. Ten kierunek malarstwa okazał się poszukiwany, obrazy Berty były chętnie kupowane, niezmiennie budziły zainteresowanie widzów na wystawach. Artysta miał wielu zwolenników na całym świecie, zwłaszcza wśród malarek.

Berthe Morisot. „Łapanie motyli”. 1874.

Jelena Polenowa(1850 - 1898) - siostra słynnego rosyjskiego malarza Wasilija Polenowa. X artysta, który na płótnach stworzył baśniowy świat.
Urodzony w Petersburgu, w rodzinie historyka. Zainteresowanie mitycznymi historiami pochodzi z dzieciństwa: mała Lily, jak nazywała ją jej rodzina, zawsze czytała rosyjskie opowieści ludowe. Wraz z bratem studiowała rysunek u słynnego artysty i nauczyciela, twórcy metody „szerokiego spojrzenia”, Pawła Czistyakowa. Ponieważ w tym czasie ścieżka do Akademii Sztuk Pięknych została zamówiona dla kobiet, dziewczyna studiowała u Iwana Kramskoja w Petersburskiej Szkole Towarzystwa Zachęty Sztuki.
Życie osobiste Eleny Polenovej nie wyszło. W przeciwieństwie do życia twórczego: sam Tretiakow nabył kilka dzieł do kolekcji. We śnie przyszły jej do głowy bajeczne wątki obrazów. I pracowała na płótnach w majątku patrona Mamontowa, Abramcewa. Tutaj narodziła się na przykład „Bestia” - potwór, który kradnie duszę z krainy jasnych snów.
W ostatnich latach życia artystka wykonała wiele szkiców fantastycznych ornamentów roślinnych do opraw ikon, haftów i ceramiki. Rysując ornamenty roślinne, Polenova wykazała się niewyczerpaną wyobraźnią, odnajdując za każdym razem nową kompozycję kwiatów, nowy rytm, tworząc burzliwy i dynamiczny przepływ form. Elena Polenova zmarła 19 listopada 1898 roku w Moskwie, w kwiecie wieku i talentu, nie spełniając wielu planów. Musiała więc udekorować rosyjski pawilon na Wystawie Światowej w Paryżu w 1900 roku...

Jelena Polenowa. Iwan Carewicz i Ognisty Ptak. 1896.

Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści należą do przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I uwierz mi, ich dzieła zapadną w Twojej pamięci nie mniej głęboko niż dzieła mistrza z minionych epok.

Wojciecha Babskiego

Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył Politechnikę Śląską, ale związał się z. Ostatnio maluje głównie kobiety. Skupia się na manifestacji emocji, dąży do uzyskania jak największego efektu prostymi środkami.

Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z nowymi technikami. Ostatnio coraz większą popularność zdobywa za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z powodzeniem sprzedaje swoje prace, które można już znaleźć w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.

Warrena Changa

Warren Chang jest współczesnym amerykańskim artystą. Urodzony w 1957 roku i wychowany w Monterey w Kalifornii, w 1981 roku ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie, uzyskując tytuł Bachelor of Fine Arts w dziedzinie sztuk pięknych. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim rozpoczął karierę jako profesjonalny artysta w 2009 roku.

Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa wywodzi się z twórczości XVI-wiecznego malarza Jana Vermeera i rozciąga się na przedmioty, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, uczniów, pracownie, sale lekcyjne i wnętrza domów. Jego celem jest stworzenie nastroju i emocji w jego realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.

Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki wizualne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters Association of America, największej społeczności malarstwa olejnego w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Obecnie Warren mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, uczy też (znany jako utalentowany nauczyciel) w San Francisco Academy of the Arts.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni jest włoskim artystą. Urodzony 15 października 1955 w Blair. Ukończyła scenografię w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, samodzielnie bowiem „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym jeszcze w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.

Wczesne malarstwo Bruniego jest zakorzenione w surrealizmie, ale z czasem zaczyna skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symbolizmu, wzmacniając to połączenie znakomitym wyrafinowaniem i czystością swoich postaci. Przedmioty ożywione i nieożywione nabierają równej godności i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za zasłoną, ale pozwalają zobaczyć esencję swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, zamyślenie i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony blaskiem sztuki i harmonią muzyki.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodził się w 1970 roku w Gliwicach, ale od 1989 roku mieszka i pracuje w USA, w mieście Shasta w Kalifornii.

Jako dziecko studiował sztukę pod kierunkiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, więc od najmłodszych lat działalność artystyczna miała pełne wsparcie ze strony obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i artystka pracująca w niepełnym wymiarze godzin, Cathy Gaggliardi, zachęciła Alcasandera do zapisania się do szkoły artystycznej. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee Wisconsin, gdzie studiował malarstwo u profesora filozofii Harry'ego Rosina.

Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata, Balos przeniósł się do Chicago, aby studiować w Szkole Sztuk Pięknych, której metody opierają się na pracach Jacquesa-Louisa Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos posługuje się ludzką postacią, aby podkreślić cechy i wady ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.

Kompozycje fabularne jego obrazów mają na celu samodzielną interpretację widza, dopiero wtedy płótna nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i podmiotowego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu zakres jego twórczości znacznie się rozszerzył i obecnie obejmuje swobodniejsze metody malowania, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrazić idee i ideały bycia poprzez malarstwo.

Alicja Monks

Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodziła się w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Już jako dziecko zainteresowała się malarstwem. Uczęszczała do The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, aw 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo Medici we Florencji.

Następnie kontynuowała studia w ramach programu studiów magisterskich w New York Academy of Art, na Wydziale Sztuki Figuratywnej, którą ukończyła w 2001 roku. Ukończyła Fullerton College w 2006 roku. Przez krótki czas wykładała na uniwersytetach i instytucjach edukacyjnych w całym kraju oraz uczyła malarstwa w nowojorskiej Akademii Sztuki, a także na Montclair State University i Lyme Academy College of Art.

„Korzystając z filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi wyspami koloru — częściami ludzkiego ciała.

Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utrwalone już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Uważnemu widzowi mogłyby powiedzieć wiele o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak korzyści płynące z pływania, tańca itp. Moje postacie są przyciśnięte do szyby kabiny prysznicowej, zniekształcając własne ciało, zdając sobie sprawę, że w ten sposób wpływają na osławione męskie spojrzenie na nagą kobietę. Grube warstwy farby są mieszane ze sobą, aby z daleka naśladować szkło, parę wodną i mięso. Jednak z bliska ujawniają się niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję moment, w którym abstrakcyjne pociągnięcia stają się czymś innym.

Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu mnie to zafascynowało, a nawet miało na jego punkcie obsesję i poczułem, że muszę sprawić, by moje obrazy były jak najbardziej realistyczne. „Wyznawałem” realizm, dopóki ten nie zaczął się rozpadać i dekonstruować. Teraz badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style mogą współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.

Antoni Finelli

włoski artysta - obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech między Rzymem a Campobasso. Jego prace były wystawiane w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: w Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, znajdują się także w kolekcjach prywatnych i publicznych.

Rysunki ołówkiem" Obserwator czasu Antonio Finelli wysyła nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej czasowości i rygorystycznej analizie tego świata z nim związanego, której głównym elementem jest upływ czasu i ślady jakie pozostawia na skórze.

Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, artysta ma też nadzieję na odnalezienie na ciałach swoich bohaterów dowodów na bezwzględność czasu. Antonio określa swoje prace jednym ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować prawdziwe skutki upływu czasu w człowieku.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma troje dzieci. Dwanaście lat mieszkała w Rzymie, trzy lata w Anglii i Francji. Ukończył historię sztuki w BD School of Art. Następnie otrzymała dyplom w specjalności konserwator dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.

Pasja Flaminii do malarstwa narodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „coiffer la pate”, a także bawi się materiałem. Podobną technikę poznała w pracach artysty Pascala Torua. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper i François Legrand, a także różnymi nurtami artystycznymi: street artem, chińskim realizmem, surrealizmem i renesansowym realizmem. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.

Denis Czernow

Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Akademii Sztuk Pięknych w 1998 roku zamieszkał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował również na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.

Regularnie bierze udział w wystawach sztuki, w tej chwili było ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość prac Denisa Czernowa znajduje się w zbiorach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.

Denis pracuje w szerokim zakresie technik graficznych i malarskich. Rysowanie ołówkiem to jedna z jego ulubionych technik malarskich, tematyka jego rysunków ołówkiem jest również bardzo różnorodna, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.

Publikacje działu muzeów

Prekursorzy sławnych: rosyjscy artyści XIX wieku

Rosja jest słusznie dumna ze swoich artystek - „awangardowych Amazonek” Gonczarowej lub Rozanovej, a przed nimi - Serebryakova lub Ostroumova-Lebedeva, a przed nimi ... A kto był przed nimi? Podpowiadamy, kto utorował drogę do rozkwitu kobiecej kreatywności w XX wieku. Pytanie zostało przestudiowane przez Sofię Bagdasarową.

Liczba malujących kobiet zaczęła gwałtownie rosnąć od początku XX wieku. Ale w poprzednim stuleciu policz ich na palcach. Wynikało to zarówno z małej dostępności edukacji kobiet, jak i patriarchalnego wyobrażenia o tym, jakie zawody są przyzwoite dla pań. Sytuacja zmieniała się stopniowo.

Romanowowie

Dzieło Marii Fiodorowna, żony Pawła I. Portret Pawła I. 1790

Pierwszymi profesjonalnymi artystami w Rosji byli oczywiście cudzoziemcy - Dorothea Gzel (żona malarza zaproszonego przez Piotra I), Marie-Anne Collot (synowa rzeźbiarza Falcone), Elisabeth Vigée-Lebrun (żona artysta Jean-Baptiste Lebrun) i inni.

Być może pierwszym rosyjskim artystą jest także cudzoziemiec - to cesarzowa Maria Fiodorowna, żona Pawła I. Rosyjska wielka księżna od 1776 roku cieszyła się owocami swojej doskonałej niemieckiej edukacji: pisała pastelami, rysowała na szkle ołowianymi ołówkami , a także jako jeden z pierwszych na świecie opanował umiejętność toczenia. Jej najlepsze kamee na jaspisie czy agacie to portrety bliskich. Córki cesarzowej również malowały i rzeźbiły płaskorzeźby. A co najważniejsze, Maria Fiodorowna uczyła nie tylko swoje dzieci, ale także ogólnie kształciła wszystkie swoje kobiety. Założyła instytuty i szkoły, opracowała programy nauczania, czyli nakreśliła jasny plan rozwoju edukacji kobiet w Rosji, którego kraj przestrzegał przez stulecie.

Jej imiennik, inna cesarzowa Maria Fiodorowna (żona jej prawnuka Aleksandra III), również zajmowała się malarstwem. Jej umiejętność rysowania odziedziczyła córka, wielka księżna Olga Aleksandrowna. Pomogło jej to w wykarmieniu dzieci na zesłaniu: chociaż jej akwarele nie są tak utalentowane, miło było kupującym mieć coś „od Romanowów”.

Szlachcianki-amatorki

Stopniowo stało się jak w Europie: każda wykształcona młoda dama musiała umieć tańczyć, haftować i rysować. Wśród szlachcianek epoki Aleksandra i Nikołajewa pojawili się artyści-amatorzy, którzy ozdabiali swoje albumy i księgi pamiątkowe różnymi szkicami. Panie pracowały na wzór prac innych artystów: na przykład dama dworu Jekaterina Bakunina (mężatka z Połtoracką), obiekt pasji Puszkina, stworzyła własny „autoportret”, wykonując kopię rysunku przez Oresta Kiprensky'ego; jej portrety matki i męża są również kopiami.

Niektóre panie opanowały technikę pasteli (córka generała Kamenskiego Aleksandra Rzewskiego, siostrzenica hrabiego Panina Aleksandra Repnina). Młode damy z rodzin Szeremietiew, Dołgoruki, Apraksin zajmowały się rysowaniem. Za przyzwoite uważano malowanie miniatur na kości słoniowej – tak jak Anna Buturlina, pra-siostrzenica kanclerza Woroncowa. A najbardziej utalentowani odważyli się malować olejem - pracochłonną „męską” techniką. Wśród nich jest córka szefa Instytutu Smolnego Aleksandra Buhlera i kuzynka Gogola Glafira Psel, uczennica generalnego gubernatora Małorusi.

G. Psyol. Portret siostry. 1839

A. Buturlina. Autoportret. 1817

E. Bakunina (Półtoracka). Portret matki. 1828

Córki i siostry

Maria Durnowa. Portret chłopca. 1820

Oczywiście arystokraci byli nauczani przez nauczycielki odwiedzające. Dziewczęta urodzone w artystycznych rodzinach opanowały sztukę w inny sposób. Najwcześniejsze przykłady to najwyraźniej córka malarza historycznego Trofima Durnowa Marii i słynnego malarza rodzajowego Aleksandra Wenecjanowa. Prace Venetsianova nie były już amatorskie, a ona nie bała się malować olejami. Szkoda tylko, że zależność od krewnego-nauczyciela jest oczywista: oczywiście dziewczyna tworzyła obrazy rodzajowe. Jednak i tym grzeszyli artyści późniejszych pokoleń: weźmy na przykład Olgę Lagodę-Shishkinę, która studiowała w Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych w latach 70. XIX wieku. Została najpierw studentką, a następnie żoną słynnego Iwana Szyszkina. Olga Lagoda-Shishkina, podobnie jak jej mąż, pisała w gatunku krajobrazowym. Inspiracją dla twórczości Izaaka Lewitana była Zofia Kuwszynnikowa, jego uczennica i wieloletnia kochanka.

Pod koniec stulecia kobiety z rodzin artystycznych zdobywają własny język. Nikt nie będzie zarzucał utalentowanej siostrze Polenowa Elenie jej bajek do naśladowania. Córka Konstantina Makowskiego, Elena Luksh-Makovskaya, również miała swój własny sposób.

pilni uczniowie

Kształcenie zawodowe kobiet rozpoczęło się pod koniec lat trzydziestych XIX wieku, kiedy w ramach Cesarskiego Towarzystwa Zachęty Sztuki otwarto klasy rysunku dla dziewcząt. Studiowały tam Evdokia Bakunina i Ekaterina Khilkova. Zachował się obraz Chilkovej przedstawiający te czynności. Z czasem kobiety zaczęły być przyjmowane do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Dwie wolontariuszki szkoły, Antonina Rzhevskaya i Emilia Shanks, są jedynymi kobietami przyjętymi do Stowarzyszenia Wędrowców. W 1842 r. W petersburskiej szkole rysunkowej dla ochotników otwarto wieczorowe zajęcia dla kobiet.

Kobiety zostały również przyjęte do Cesarskiej Akademii Sztuk – po raz pierwszy aż 30 osób, w tym przyszła żona Szyszkina, jako ochotnicy. Dla kobiet XIX wieku, które zaczęły myśleć o emancypacji, kamieniem milowym był rok 1854, kiedy medal Akademii po raz pierwszy otrzymała kobieta – siostra Suchowa-Kobylina Zofia. (Nawiasem mówiąc, dwa lata wcześniej prezesem Akademii została kobieta - siostra cesarza, wielka księżna Maria Nikołajewna). W 1873 r. Akademia zezwoliła studentkom na naukę w tych samych klasach co studentki, liczba dziewcząt wzrosła tak bardzo, że postanowiły stworzyć własny wydział. Blended learning, nawet w instytucji publicznej, było zjawiskiem zaawansowanym: np.