„Rozpalając ogień w sercu,

Bębny znów się kłócą.
A obóz bawi się z falą,
A miłość płonie w oczach.

Leila

Instrumenty perkusyjne zawsze były ważną częścią każdej kultury muzycznej. Dlatego trudno dokładnie określić liczbę grup muzycznych i instrumentalnych, w których potrzebne są instrumenty perkusyjne. Jedną z takich grup muzycznych jest współczesna orkiestra symfoniczna, której nie sposób sobie wyobrazić bez zespołu instrumentów perkusyjnych, które przekazują takie środki wyrazu muzycznego, jak rytm, tempo i dynamika. Grupa instrumentów perkusyjnych w orkiestrze symfonicznej zmieniała się na przestrzeni dziejów, dzięki rozwojowi i przemianom muzyki różnych epok i kierunków. We współczesnej orkiestrze symfonicznej dużą wagę przywiązuje się do grupy perkusyjnej, która może być różnorodna pod względem składu instrumentów, w zależności od charakteru wykonywanych utworów. Bębny przekazują słuchaczowi określone przesłanie i myśl kompozytora. Dla kompletności percepcji bardzo ważne jest zachowanie równowagi brzmień grupy perkusyjnej z różnymi grupami orkiestry symfonicznej. Bębny różnią się kształtem i wielkością oraz materiałem, z którego są wykonane, a wreszcie charakterem brzmienia innych grup orkiestry symfonicznej, dlatego konieczne jest zrozumienie ich specyfiki podczas interakcji z innymi grupami orkiestry, wpływ ich brzmienia na utwór i ich wpływ na odbiór muzyki przez słuchacza.

Aktualność tego problemu badawczego istnieje od powstania orkiestry symfonicznej przez J. Haydna do czasów współczesnych. Istota tego problemu na obecnym etapie tkwi w potrzebie wskazania wagi roli grupy perkusyjnej orkiestry symfonicznej.

W oparciu o istotność problemu sformułowaliśmytemat badań: „Instrumenty perkusyjne orkiestry symfonicznej”.

Na podstawie tematu badawczego sformułowaliśmy cel tego eseju - ukazanie roli grupy instrumentów perkusyjnych w orkiestrze symfonicznej.

Cele badań:

1. Studiować historię rozwoju instrumentów perkusyjnych i analizować rozwój perkusji w orkiestrze;
2. Przedstaw w streszczeniu grupę instrumentów perkusyjnych orkiestry symfonicznej;
3. Porównaj poziom perkusji z uwzględnieniem ich rozwoju;
4. Usystematyzować informacje dotyczące tego problemu, podsumować informacje na ten temat.

Metody badawcze:

1. Wybór, badanie i analiza literatury;
2. Systematyzacja badanego materiału;
3. Podsumowanie otrzymanych informacji.

1. Rozdział I. Instrumenty perkusyjne orkiestry symfonicznej

1. 1.1. Koncepcja orkiestry, geneza i kompozycja

Orkiestra (z greckiej orkiestry) - liczny zespół muzyków instrumentalnych. W przeciwieństwie do zespołów kameralnych, w orkiestrze niektórzy jej muzycy tworzą grupy grające unisono, to znaczy grające te same partie.
Sama idea symultanicznego muzykowania przez grupę wykonawców instrumentalnych sięga czasów starożytnych: już w starożytnym Egipcie małe grupki muzyków grały razem podczas różnych świąt i pogrzebów.
Słowo „orkiestra” („orkiestra”) pochodzi od nazwy okrągłej platformy przed sceną w starożytnym teatrze greckim, w której mieścił się chór starożytnej Grecji, uczestnik każdej tragedii lub komedii. W okresie renesansu i dalej w XVII wieku orkiestra została przekształcona w fosę orkiestrową i stąd wzięła się nazwa znajdującego się w niej zespołu muzyków.

Istnieje wiele różnych rodzajów orkiestr: wojskowe orkiestry dęte blaszane i dęte drewniane, orkiestry instrumentów ludowych, orkiestry smyczkowe. Największa pod względem składu i najbogatsza pod względem możliwości jest orkiestra symfoniczna.

Symfoniczny zwaną orkiestrą, złożoną z kilku heterogenicznych grup instrumentów – rodziny instrumentów smyczkowych, dętych i perkusyjnych. Zasada takiej unifikacji ukształtowała się w Europie w XVIII wieku. Początkowo orkiestra symfoniczna składała się z grup instrumentów smyczkowych, instrumentów dętych drewnianych i blaszanych, do których dołączyło kilka instrumentów perkusyjnych. Następnie skład każdej z tych grup rozszerzył się i stał się bardziej zróżnicowany. Obecnie wśród wielu odmian orkiestr symfonicznych zwyczajowo rozróżnia się małą i dużą orkiestrę symfoniczną.Mała Orkiestra Symfoniczna- jest to orkiestra o przewadze kompozycji klasycznej (wykonująca muzykę z przełomu XVIII i XIX wieku lub stylizacje nowożytne). Składa się z 2 fletów (rzadko małego fletu), 2 obojów, 2 klarnetów, 2 fagotów, 2 (rzadko 4) rogów, czasem 2 trąbek i kotłów, zespołu smyczkowego nie więcej niż 20 instrumentów (5 pierwszych i 4 drugich skrzypiec , 4 altówki, 3 wiolonczele, 2 kontrabasy).Wielka Orkiestra Symfonicznaobejmuje puzony obowiązkowe w grupie miedzianej i może mieć dowolną kompozycję. Często instrumenty drewniane (flety, oboje, klarnety i fagoty) liczą do 5 instrumentów z każdej rodziny (czasami więcej klarnetów) i obejmują odmiany (flety kilofowe i altowe, obój kupidynowy i obój angielski, małe, klarnety altowe i basowe, kontrafagot). Miedziana grupa może zawierać do 8 rogów (w tym specjalne tuby Wagnera), 5 trąbek (w tym mała, altowa, basowa), 3-5 puzonów (tenorowy i tenorbasowy) oraz tuba. Często używane są saksofony (w orkiestrze jazzowej wszystkie 4 rodzaje). Grupa smyczkowa liczy 60 lub więcej instrumentów. Liczne są instrumenty perkusyjne (chociaż ich podstawą są kotły, dzwonki, małe i duże bębny, trójkąt, talerze i indyjski tam-tom), często używa się harfy, fortepianu, klawesynu.

Orkiestra symfonicznakształtował się przez wieki. Jej rozwój przez długi czas odbywał się w czeluściach zespołów operowych i kościelnych. Takie grupy w XV-XVII wieku. były małe i różnorodne. Były to lutnie, altówki, flety z obojami, puzony, harfy i bębny. Stopniowo dominującą pozycję zdobywały smyczkowe instrumenty smyczkowe. Altówki zostały zastąpione skrzypcami o bogatszym i bardziej melodyjnym brzmieniu. Do początku XVIII wieku. panowali już niepodzielnie w orkiestrze. Powstała osobna grupa i instrumenty dęte (flety, oboje, fagoty). Z orkiestry kościelnej przeszli na symfoniczne trąbki i kotły. Klawesyn był nieodzownym członkiem zespołów instrumentalnych.
Taka kompozycja była typowa dla J. S. Bacha, G. Haendla, A. Vivaldiego.
Od połowy XVIIIw. zaczynają się rozwijać gatunki symfonii i koncertu instrumentalnego. Odejście od stylu polifonicznego skłoniło kompozytorów do dążenia do zróżnicowania barwowego, reliefowego wyodrębnienia głosów orkiestrowych.
Zmieniają się funkcje nowych narzędzi. Klawesyn ze swoim słabym brzmieniem stopniowo traci wiodącą rolę. Wkrótce kompozytorzy całkowicie z niej zrezygnowali, opierając się głównie na zespole smyczkowym i dętym. Do końca XVIII wieku eka powstał tzw. klasyczny skład orkiestry: ok. 30 smyczków, 2 flety, 2 oboje, 2 fagoty, 2 piszczałki, 2-3 rogi i kotły. Wkrótce do instrumentów dętych dołączył klarnet. J. Haydn, W. Mozart napisał dla takiej kompozycji. Taka jest orkiestra we wczesnych utworach L. Beethovena. W 19-stym wieku
Rozwój orkiestry przebiegał głównie w dwóch kierunkach. Z jednej strony, rozrastając się składem, wzbogacała się o instrumenty wielu typów (świetne są w tym zasługi kompozytorów romantycznych, przede wszystkim Berlioza, Liszta, Wagnera), z drugiej strony rozwijały się wewnętrzne możliwości orkiestry: barwy dźwięku stały się czystsze, tekstury wyraźniejsze, środki wyrazu oszczędniejsze (taka orkiestra Glinki, Czajkowskiego, Rimskiego-Korsakowa). Znacząco wzbogacił paletę orkiestrową i wielu kompozytorów przełomu XIX i XX wieku. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Strawiński, Bartok, Szostakowicz i inni).

Współczesna orkiestra symfonicznaskłada się z 4 głównych grup. Podstawą orkiestry jest zespół smyczkowy (skrzypce, altówki, wiolonczele, kontrabasy). W większości przypadków smyczki są głównymi nośnikami początku melodycznego w orkiestrze. Liczba muzyków grających na smyczkach to około 2/3 całego zespołu. Do grupy instrumentów dętych drewnianych należą flety, oboje, klarnety, fagoty. Każdy z nich ma zwykle niezależną partię. Ustępując smyczkom nasyceniem barwy, właściwościami dynamicznymi i różnorodnością technik gry, instrumenty dęte mają wielką moc, zwarte brzmienie, jasną kolorystykę. Trzecia grupa instrumentów orkiestrowych to instrumenty dęte blaszane (róg, trąbka, puzon, trąbka). Wnoszą do orkiestry nowe jasne kolory, wzbogacając jej możliwości dynamiczne, dodając mocy i blasku brzmieniu, a także służą jako wsparcie basowe i rytmiczne.
Instrumenty perkusyjne stają się coraz ważniejsze w orkiestrze symfonicznej. Ich główną funkcją jest rytmika. Ponadto tworzą specjalne tło dźwiękowo-szumowe, uzupełniają i ozdabiają paletę orkiestrową efektami kolorystycznymi. Za pomocądźwiękowy charakterbębny dzielą się na 2 rodzaje: niektóre mają określony ton (kotły, dzwonki, ksylofon, dzwonki itp.), inne nie mają dokładnego tonu (trójkąt, tamburyn, werble i bębny basowe, talerze). Spośród instrumentów, które nie należą do głównych grup, rola harfy jest najbardziej znacząca. Czasami kompozytorzy obejmują czelestę, fortepian, saksofon, organy i inne instrumenty w orkiestrze.

Pismo orkiestrowe Haydna

Współczesna wielka orkiestra symfoniczna opiera się na kompozycji orkiestrowej opracowanej przez Haydna i kompozytorów Szkoły Mannheim.

Przed Haydnem instrumenty w orkiestrze miały słaby, nierówny dźwięk. Wykorzystano lutnie, teorba, klawesyn, przy których zasiadał kapelmistrz, uzupełniając brakujące harmonie, łącząc poszczególne instrumenty w całość.

Jak wszyscy kompozytorzy XVIII wieku, Haydn pisał swoje symfonie do składu orkiestry, „która w tej chwili była na wyciągnięcie ręki”. Pierwsze symfonie napisane dla hrabiego Morcina wykonywało 12-16 muzyków.

W lipcu 1762 r. książę Miklos Esterhazy zatwierdził 14-osobową orkiestrę (7 smyczków i 7 dętych). Później skład orkiestry rozrósł się do 25 lub więcej muzyków (16 instrumentów smyczkowych, fletów, oboju, fagotów, trąbek, rogów i kotłów).

W naszych czasach Orkiestra Akademii Muzyki Dawnej pod batutą słynnego angielskiego dyrygenta Christophera Hogwooda wykonywała symfonie Haydna na instrumentach tamtej epoki. W sali zamku Esterhaz, gdzie symfonie te wykonywano za życia kompozytora, muzycy grali je w tym samym składzie, z dziwną na pierwszy rzut oka proporcją instrumentów smyczkowych, drewnianych i dętych. Jaki był skład orkiestry Esterhazy za czasów Haydna? W jego skład wchodziło: 4 pierwszych skrzypiec, 4 drugich skrzypiec, wiolonczela, kontrabas, altówka, 2 oboje, 2 rogi i kotły.

Następnie K. Hogwood spróbował grać symfonie w innym, nowoczesnym stosunku smyczkowym, a mianowicie: 6 pierwszych skrzypiec, 4 drugie, 3 altówki, 2 wiolonczele, kontrabas.

Okazało się, że Haydniowska proporcja instrumentów w tej sali była jak najbardziej udana! Stało się oczywiste, że Haydn był wielkim znawcą orkiestry.

Londyńska Orkiestra Salomona składała się z 40 muzyków. Dla takiej kompozycji Haydn napisał swoje 12 symfonii londyńskich. To prawda, że ​​kompozytor użył klarnetów tylko w symfoniach 101, 103 i 104. Stało się to prawdopodobnie pod wpływem Mozarta. Wprowadzenie klarnetów do orkiestry rozszerzyło grupę instrumentów dętych drewnianych do pełnego parowania. W ten sposób zakończono tworzenie małej lub „klasycznej” orkiestry symfonicznej.

Co ciekawe, wynaleziony pod koniec XVII wieku klarnet na stałe „członek” orkiestry wszedł dopiero 100 lat później. Haydn próbował wprowadzić klarnet do orkiestry księcia Esterhazy'ego w XVIII wieku, ale ponieważ instrument był jeszcze niedoskonały, klarnety zostały zastąpione trąbkami.

Wiele osób myśli, że gra na perkusji jest łatwa. Podam przykład: kiedy wykonywane jest Bolero Ravela, werbel jest wysuwany do przodu i kładziony obok pulpitu dyrygenta, ponieważ Ravel w tym utworze powierzył bębnowi bardzo odpowiedzialną rolę. Muzyk grający na werblu musi utrzymywać jednolity rytm tańca hiszpańskiego, nie spowalniając go ani nie przyspieszając. Ekspresja stopniowo rośnie, dochodzą coraz to nowe instrumenty, perkusista ciągnie do gry trochę szybciej. Ale to zniekształci intencje kompozytora, a słuchacze odniosą inne wrażenie. Sami widzicie, jakich umiejętności wymaga się od muzyka grającego na tak prostym w naszym rozumieniu instrumencie. D. Szostakowicz wprowadził nawet trzy werble do pierwszej części swojej VII Symfonii: brzmią one złowieszczo w epizodzie faszystowskiej inwazji. Bęben miał kiedyś również złowrogie funkcje: pod jego odmierzonym ułamkiem rewolucjoniści byli prowadzeni na egzekucję, żołnierze pędzeni przez szeregi. A teraz przy dźwiękach bębnów i trąb maszerują na paradę. Bębny afrykańskie były kiedyś środkiem komunikacji, podobnie jak telegraf. Dźwięk bębna niesie się daleko, jest zauważany i wykorzystywany. Perkusiści sygnałowi mieszkali w niewielkiej odległości od siebie. Gdy tylko jeden z nich zaczął nadawać wiadomość zakodowaną w rytmie bębna, drugi odbierał i przesyłał do następnego. W ten sposób dobre lub smutne wieści rozchodziły się na duże odległości. Z biegiem czasu telegraf i telefon sprawiły, że tego rodzaju komunikacja stała się zbędna, ale nawet teraz w niektórych krajach afrykańskich są ludzie, którzy znają język bębna.

1. 1.2. Grupa perkusyjna w orkiestrze

Czwartym skojarzeniem współczesnej orkiestry symfonicznej są instrumenty perkusyjne. W niczym nie przypominają ludzkiego głosu i nie przemawiają do jego wewnętrznego zmysłu w zrozumiałym dla niego języku. Ich miarowe i mniej lub bardziej określone dźwięki, ich pobrzękiwanie i trzaski mają raczej "rytmiczny" sens.

Ich obowiązki melodyczne są niezwykle ograniczone, a cała ich istota jest głęboko zakorzeniona w naturze szeroko rozumianego tańca. W ten sposób niektóre instrumenty perkusyjne były używane w czasach starożytnych i były szeroko stosowane nie tylko przez ludy basenu Morza Śródziemnego i Azji Wschodniej, ale także działały najwyraźniej wśród wszystkich tak zwanych „ludów prymitywnych” w ogóle. Niektóre brzęczące i dzwoniące instrumenty perkusyjne były używane w starożytnej Grecji i starożytnym Rzymie jako instrumenty towarzyszące tańcom i tańcom, ale ani jeden instrument perkusyjny z rodziny bębnów nie został przez nich dopuszczony na pole muzyki wojskowej. Narzędzia te miały szczególnie szerokie zastosowanie w życiu starożytnych Żydów i Arabów, gdzie pełnili nie tylko obowiązki cywilne, ale także wojskowe.

Wręcz przeciwnie, wśród ludów współczesnej Europy różne rodzaje instrumentów perkusyjnych przyjęły się w muzyce wojskowej, gdzie mają one ogromne znaczenie. Ubóstwo melodyczne instrumentów perkusyjnych nie przeszkodziło im jednak przedostać się do orkiestr operowych, baletowych i symfonicznych, gdzie zajmują daleko od ostatniego miejsca. Był jednak czas w muzyce artystycznej ludów europejskich, kiedy dostęp do tych instrumentów był prawie zamknięty dla orkiestry i z wyjątkiem kotłów przedostały się one do muzyki symfonicznej przez orkiestrę operową i baletową, lub, jak powiedzieliby teraz, przez orkiestrę „muzyki dramatycznej”.

W historii „życia kulturalnego” ludzkości instrumenty perkusyjne powstały przed wszystkimi innymi instrumentami muzycznymi w ogóle. Nie przeszkodziło to jednak w zepchnięciu instrumentów perkusyjnych na dalszy plan orkiestry w momencie jej powstania i pierwszych etapów jej rozwoju. Jest to tym bardziej zaskakujące, że wciąż nie sposób zaprzeczyć ogromnemu „estetycznemu” znaczeniu instrumentów perkusyjnych w muzyce artystycznej. Historia instrumentów perkusyjnych nie jest zbyt ekscytująca. Wszystkie te „narzędzia do wytwarzania odmierzonego hałasu”, którymi wszystkie ludy prymitywne towarzyszyły swoim tańcom wojennym i religijnym, na początku nie wychodziły poza zwykłe deski i nędzne bębny. I dopiero znacznie później wiele plemion Afryki Środkowej i niektóre ludy Dalekiego Wschodu nabyły takie instrumenty, które posłużyły jako godne modele do tworzenia bardziej nowoczesnych europejskich instrumentów perkusyjnych, które są już wszędzie akceptowane.

Jeśli chodzi o cechy muzyczne, wszystkie instrumenty perkusyjne są bardzo prosto i naturalnie podzielone na dwa rodzaje lub rodzaje. Niektóre wydają dźwięk o określonej wysokości i dlatego całkiem naturalnie wchodzą w harmoniczną i melodyczną podstawę utworu, podczas gdy inne, zdolne do wydawania mniej lub bardziej przyjemnego lub charakterystycznego dźwięku, wykonują zadania czysto rytmiczne i upiększające w najszerszym tego słowa znaczeniu. słowo. Ponadto w urządzenie instrumentów perkusyjnych zaangażowane są różne materiały i zgodnie z tą cechą można je podzielić na instrumenty „ze skórą” lub „płetwą” oraz „samobrzmiące”, w których urządzeniu znajdują się różne typy i gatunki metalu, drewna i ostatnio - szkła. Kurt Sachs, przypisując im niezbyt udaną i wyjątkowo brzydką dla ucha definicję - idiofony, oczywiście traci z oczu to, co to jest. pojęcie w znaczeniu „osobliwie brzmiące” może być w istocie na równych podstawach: stosowane do dowolnego instrumentu muzycznego lub jego rodzaju.

W partyturze orkiestrowej wspólnota instrumentów perkusyjnych sytuuje się zwykle pośrodku, między blaszanymi a smyczkowymi. Przy udziale harfy, fortepianu, czelesty i wszelkich innych instrumentów strunowo-szarpanych czy klawiszowych perkusja zawsze zachowuje swoje miejsce i lokuje się wówczas zaraz po blaszanych, ustępując po sobie wszystkim „ozdobnym” czy „przypadkowym” głosy orkiestry. Absurdalny sposób pisania instrumentów perkusyjnych pod smyczkowym kwintetem należy zdecydowanie potępić jako bardzo niewygodny, nieuzasadniony i wyjątkowo brzydki. Powstał on pierwotnie w partyturach starożytnych, następnie zajął bardziej odosobnione miejsce w trzewiach orkiestry dętej i mając znikome uzasadnienie, teraz jednak naruszony i całkowicie przezwyciężony, został dostrzeżony przez niektórych kompozytorów, pragnących zwrócić na siebie uwagę co najmniej przynajmniej coś iw jakikolwiek sposób. bez względu na wszystko.

Najgorsze jednak, że ta dziwna innowacja okazała się tym trwalsza i niebezpieczna, że ​​niektóre wydawnictwa podeszły do ​​takich kompozytorów i wydrukowały ich partytury według „nowego wzorca”. Tych „pereł wydawniczych” na szczęście nie było tak wiele i one, podobnie jak dzieła w przeważającej mierze słabe pod względem artystycznym, utonęły w obfitości naprawdę znakomitych przykładów różnorodnego dziedzictwa twórczego wszystkich narodów. Jedynym miejscem, w którym króluje obecnie wskazany sposób prezentacji instrumentów perkusyjnych – na samym dole partytury – jest zespół różnorodny. Ale ogólnie rzecz biorąc, wszystkie instrumenty układa się inaczej, kierując się jedynie znakiem wysokości uczestniczących instrumentów. W tamtych odległych czasach, gdy w orkiestrze grał jeszcze tylko jeden kotły, zwyczajem było umieszczanie ich ponad wszystkimi innymi instrumentami, najwyraźniej uważając taką prezentację za wygodniejszą. Ale w tamtych latach partytura była na ogół komponowana nieco nietypowo, czego teraz nie trzeba przypominać. Trzeba zgodzić się, że współczesna metoda prezentacji-partytury jest wystarczająco prosta i wygodna, dlatego nie ma sensu angażować się w wszelkiego rodzaju fabrykacje, o których właśnie szczegółowo wspomniano.

Jak już wspomniano, wszystkie instrumenty perkusyjne dzielą się na instrumenty o określonej wysokości i instrumenty bez określonej wysokości. Obecnie takie rozróżnienie bywa kwestionowane, choć wszystkie propozycje w tym kierunku sprowadzają się raczej do pomieszania i celowego podkreślenia istoty tej niezwykle jasnej i prostej propozycji, w której nie ma nawet bezpośredniej potrzeby pamiętania o samo- oczywista koncepcja wysokości dźwięku za każdym razem. W orkiestrze instrumenty „o określonym brzmieniu” oznaczają przede wszystkim pięcioliniową pięciolinię lub pięciolinię, a instrumenty „o nieokreślonym brzmieniu” – warunkowa metoda notacji muzycznej – „haczyk” lub „nić”, czyli to jedna pojedyncza linia, w której główki nut reprezentują tylko wymagany wzór rytmiczny. Taka przeróbka, dokonana bardzo trafnie, miała zyskać miejsce i przy znacznej liczbie instrumentów perkusyjnych uprościć ich prezentację. Jednak nie tak dawno temu dla wszystkich instrumentów perkusyjnych „bez określonego brzmienia” przyjęto zwykłe pięciolinii z tonacjami Sol i Fa oraz z warunkowym rozmieszczeniem główek nut między odstępami. Niedogodności takiego zapisu nie dawały się długo we znaki, gdy tylko liczba instrumentów perkusyjno-szumowych wzrosła do „astronomicznych granic”, a sami kompozytorzy stosujący ten sposób prezentacji gubili się w niedostatecznie rozwiniętym porządku ich zarysu .

Ale co powołało do życia kombinację kluczy i nici, bardzo trudno powiedzieć. Najprawdopodobniej sprawa zaczęła się od błędu drukarskiego, który następnie przyciągnął niektórych kompozytorów, którzy zaczęli ustawiać klucz wiolinowy na strunie, przeznaczony do stosunkowo wysokich instrumentów perkusyjnych, a tonację Fa do stosunkowo niskich. Czy trzeba tu mówić o absurdalności i całkowitej niekonsekwencji takiego przedstawienia? O ile nam wiadomo, tonacje na nitce po raz pierwszy znaleziono w drukowanych w Niemczech partyturach Antona Rubinsteina, reprezentujących niewątpliwe literówki, a znacznie później reaktywowanych w partyturach flamandzkiego kompozytora Arthura Meulemansa (1884-? ), który przyjął zasadę, aby środkową nitkę zaopatrywać w klucz Sol, a najniższą w klucz Fa. Taka prezentacja wygląda szczególnie dziko w tych przypadkach, gdy między dwoma wątkami nie oznaczonymi kluczami pojawia się jeden z kluczem Fa. W tym sensie belgijski kompozytor Francis de Bourguignon (1890-?) okazał się bardziej konsekwentny, dostarczając klucz do każdego wątku uczestniczącego w partyturze.

Wydawnictwa francuskie przyjęły specjalny „klucz” dla instrumentów perkusyjnych w postaci dwóch pionowych pogrubionych taktów przypominających łacińską literę „H” i przekreślających nitkę na samym akordzie. Nie ma nic do zarzucenia takiemu zdarzeniu, o ile ostatecznie prowadzi ono do jakiejś zewnętrznej kompletności partytury orkiestrowej w ogóle.

Byłoby jednak całkiem sprawiedliwie uznać wszystkie te dziwactwa za równe zeru w obliczu „niepewności”, jaka istnieje – do dziś – w prezentacji instrumentów perkusyjnych. Rimski-Korsakow zasugerował również, że wszystkie samobrzmiące instrumenty lub, jak je nazywa, „perkusja i dzwonienie bez określonego dźwięku”, można uznać za wysokie - trójkąt, kastaniety, dzwonki, średnie - tamburyn, pręty , werbel, talerze, a także niski bęben basowy i tam-tam, „co oznacza ich zdolność do łączenia z odpowiednimi obszarami skali orkiestrowej w instrumentach z dźwiękami o określonej wysokości”. Pomijając pewne szczegóły, z powodu których „pręty” należy wykluczyć z listy instrumentów perkusyjnych jako „akcesorium instrumentów perkusyjnych”, a nie sam w sobie instrument perkusyjny, obserwacja Rimskiego-Korsakowa pozostaje do dziś w pełni siła. Opierając się na tym założeniu i uzupełniając je wszystkimi najnowszymi instrumentami perkusyjnymi, najrozsądniej byłoby ułożyć wszystkie instrumenty perkusyjne w kolejności ich wysokości i napisać „wysoki” nad „średnim” i „średni” nad „niskim”. Wśród kompozytorów nie ma jednak jednomyślności, a prezentacja instrumentów perkusyjnych odbywa się bardziej niż arbitralnie.

Sytuację tę w mniejszym stopniu można wytłumaczyć jedynie przypadkowym udziałem instrumentów perkusyjnych, w większym zaś całkowitym lekceważeniem samych kompozytorów i ich złych nawyków czy błędnych założeń. Jedynym uzasadnieniem dla takiej „instrumentalnej galimatiasu” może być chęć przedstawienia całego składu działających w tym przypadku instrumentów perkusyjnych, w kolejności partii, gdy każdemu wykonawcy przyporządkowane są ściśle określone instrumenty. Doszukując się błędów w słowach, taka ekspozycja ma większy sens w partiach samych perkusistów, aw partyturze jest użyteczna tylko wtedy, gdy jest podtrzymywana z „pedantyczną precyzją”.

Wracając do kwestii prezentacji instrumentów perkusyjnych, to dążenie wielu kompozytorów, w tym całkiem wybitnych, do umieszczania talerzy i bębna basowego bezpośrednio po kotłach, a trójkąta, dzwonków i ksylofonu - poniżej tych ostatnich, należy uznać za bezwzględnie nieudany. Nie ma oczywiście wystarczających podstaw do takiego rozwiązania problemu, a wszystko to można przypisać nieuzasadnionemu pragnieniu bycia „oryginalnym”. Za najprostsze i naturalne, aw świetle ogromnej liczby instrumentów perkusyjnych działających we współczesnej orkiestrze, za najrozsądniejsze można uznać umieszczenie wszystkich instrumentów perkusyjnych za pomocą pięciolinii, wyżej niż za pomocą nitki.

W każdym stowarzyszeniu byłoby oczywiście pożądane trzymać się poglądów Rimskiego-Korsakowa i rozmieszczać głosy zgodnie z ich względną wysokością. Z tych powodów, po kotłach, które zgodnie z „pierwotną tradycją” zachowują prymat, nad ksylofonem i marimbą można było postawić dzwonki, wibrafon i tubafon. W instrumentach bez określonego brzmienia takie rozłożenie będzie nieco trudniejsze ze względu na dużą liczbę uczestników, ale w tym przypadku nic nie stanie na przeszkodzie, aby kompozytor zastosował się do dobrze znanych zasad, o których wiele zostało już powiedziane powyżej .

Trzeba pomyśleć, że określenie względnej wysokości samobrzmiącego instrumentu w zasadzie nie powoduje plotek, a jeśli tak, to nie powoduje żadnych; trudności w jego realizacji. Pod wszystkimi instrumentami perkusyjnymi zwykle umieszczane są tylko dzwony, gdyż ich partia zadowala się najczęściej konwencjonalnym zarysem nut i ich rytmicznym trwaniem, a nie pełnym „dzwonkiem”, jak to zwykle bywa w odpowiednich nagraniach. Część dzwonów „włoskich” lub „japońskich”, które wyglądają jak długie metalowe piszczałki, wymaga zwykłej pięcioliniowej laski, umieszczonej pod wszystkimi innymi instrumentami „o określonym brzmieniu”. W związku z tym dzwony służą tu również jako obramowanie pięciolinii, które łączy wspólna cecha „określoności” i „niepewności” brzmienia. W przeciwnym razie nie ma osobliwości w nagraniu instrumentów perkusyjnych, a jeśli z jakiegoś powodu się pojawią, zostaną wymienione we właściwym miejscu.

We współczesnej orkiestrze symfonicznej instrumenty perkusyjne służą tylko dwóm celom – rytmicznej, aby zachować wyrazistość i ostrość ruchu oraz szeroko pojętej dekoracyjności, gdy autor poprzez instrumenty perkusyjne przyczynia się do tworzenia czarujących obrazów dźwiękowych lub „nastrojów”, pełnych podniecenia, zapału lub porywczości. Z tego, co zostało powiedziane, wynika oczywiście, że instrumenty perkusyjne muszą być używane z wielką ostrożnością, wyczuciem i umiarem. Zróżnicowane brzmienie instrumentów perkusyjnych może szybko zmęczyć uwagę słuchaczy, dlatego autor musi zawsze pamiętać, co robią jego instrumenty perkusyjne. Tylko kotły mają pewne zalety, ale nawet one mogą zostać zniweczone przez nadmierne ekscesy.

Klasycy przywiązywali dużą wagę do instrumentów perkusyjnych, ale nigdy nie podnieśli ich do poziomu jedynych członków orkiestry. Jeśli coś takiego się zdarzało, to działanie bębnów ograniczało się najczęściej do zaledwie kilku uderzeń taktu lub zadowalało się niezwykle nieznaczącym czasem trwania całej konstrukcji. Spośród rosyjskich muzyków Rimski-Korsakow użył jednego z instrumentów perkusyjnych jako wstępu do bardzo bogatej i ekspresyjnej muzyki w hiszpańskim Capriccio, ale najczęściej solowe instrumenty perkusyjne znajdują się w „muzyce dramatycznej” lub w balecie, kiedy autor chce stworzyć szczególnie ostre, niezwykłe lub „niewiarygodne uczucie”. Właśnie to zrobił Siergiej Prokofiew w spektaklu muzycznym Noce egipskie. Tutaj dźwięk instrumentów perkusyjnych towarzyszy scenie zamieszania w domu ojca Kleopatry, którą autor poprzedza tytułem „Alarm”. Nie odmówił usług instrumentów perkusyjnych i Victora Oransky'ego (1899-1953). Miał okazję wykorzystać tę niesamowitą dźwięczność w balecie Trzech grubasów, gdzie jeden akompaniament perkusyjny powierzył ostremu rytmicznemu płótnu „tańca ekscentrycznego”. Wreszcie, całkiem niedawno, usługi niektórych instrumentów perkusyjnych wykorzystano w zawiłej sekwencji „dynamic

Francuzi, śmiejąc się z takiego „artystycznego objawienia”, dość jadowicie pytają, czy stąd pochodzi nowe francuskie słowo bruisme, jako pochodna brui, „szum”. W języku rosyjskim nie ma odpowiednika, ale sami Orkiestratorzy zatroszczyli się już o nową nazwę dla takiej muzyki, którą dość złośliwie nazwali definicją „młocarni perkusyjnej”. W jednym ze swoich wczesnych dzieł symfonicznych Aleksander Czerepnin poświęcił całe miejsce takiemu „zespołowi”. O związkach z wykorzystaniem kwintetu smyczkowego jako instrumentu perkusyjnego była już okazja, aby trochę porozmawiać o tym utworze, dlatego nie ma pilnej potrzeby ponownego do niego powracania. Szostakowicz oddał też hołd niefortunnemu złudzeniu „szoku” w tamtych czasach, kiedy jego twórczy światopogląd nie był jeszcze wystarczająco stabilny i dojrzały.

Całkowicie pomija się kwestię „onomatopeiczną”, gdy autor, przy najmniejszej faktycznie użytej liczbie instrumentów perkusyjnych, ma chęć, a ściślej artystyczną potrzebę stworzenia jedynie „perkusyjnego czucia” wszelkiej muzyki przeznaczonej głównie na instrumenty smyczkowe i dęte drewniane. Jeden z takich przykładów, niezwykle dowcipny, zabawny i świetnie brzmiący „w orkiestrze”, jeśli skład uczestniczących w nim instrumentów można właśnie określić tym pojęciem, znajdujemy w balecie Trzech grubasów Oransky'ego i nosi on tytuł Patrol.

Ale najbardziej oburzającym przykładem formalizmu muzycznego pozostaje dzieło Edgarda Varèse (1885-?). Przeznaczony jest dla trzynastu wykonawców, przeznaczony na dwie kombinacje instrumentów perkusyjnych i nosi nazwę przez autora lonizacji, co oznacza "Nasycenie". To „dzieło” obejmuje tylko ostro brzmiące instrumenty perkusyjne z fortepianem. Ten ostatni jest jednak również używany jako „instrument perkusyjny”, a wykonawca gra na nim zgodnie z najnowszą „amerykańską metodą” Henry'ego Cauela (1897-?), który, jak wiadomo, sugerował grę tylko jednym łokciem, wyciągniętym na całej szerokości klawiatury. Według recenzji ówczesnej prasy – a stało się to w latach trzydziestych obecnego stulecia – paryscy słuchacze, wprowadzeni tym utworem w stan dzikiego szału, domagali się pilnie jego powtórzenia, co zostało natychmiast wykonane. Nie mówiąc złego słowa, historia współczesnej orkiestry nie zna jeszcze drugiego takiego poza kolejnością „przypadku”.

1. Bibliografia

1. „Encyklopedia muzyczna”, Yu.V. Keldysz, tom 2, wydawnictwa „Soviet Encyclopedia” i „Soviet Composer”, 1974

2. „Encyklopedia muzyczna”, Yu.V. Keldysz, tom 5, wydawnictwa „Soviet Encyclopedia” i „Soviet Composer”, 1981

3. „Rozmowy o orkiestrze”, Dm. Rogal-Levitsky, Państwowe Wydawnictwo Muzyczne, Moskwa, 1961

4. „Wiolonczela, kontrabas i inne instrumenty muzyczne”, H. Tserashi, Wydawnictwo Muzyczne, 1979

5. „Instrumenty perkusyjne we współczesnych orkiestrach”, A.N. Panajotow, 1973

6. Zespół instrumentów perkusyjnych w orkiestrze

7. Instrumenty perkusyjne: nazwy i rodzaje

Ciekawe, ale prawdziwe...

Fizyk Albert Einstein, zastanawiając się nad najtrudniejszymi pytaniami, grał na skrzypcach, dopóki nie pojawiło się rozwiązanie. Potem wstał i oznajmił: „Cóż, w końcu zrozumiałem, o co chodzi!”

Struktura orkiestry symfonicznej

Orkiestra w starożytnej Grecji zwany miejsce, przeznaczony dla chóru(Greckie orheomai – tańczę). Obecnie orkiestrę nazywa się pewną kompozycją instrumentów muzycznych, które tworzą organiczną całość opartą na głębokim wewnętrznym powiązaniu barw. Praktyka muzyczna rozwinęła różne typy orkiestr. Każdy ma określoną kompozycję narzędzi i inną ich liczbę. Główne typy: opera i symfonia, instrumenty dęte blaszane, orkiestra instrumentów ludowych, orkiestra jazzowa.

Z kolei orkiestra symfoniczna ma odmiany. Orkiestra Kameralna (10 - 12 osób) jest stworzona do wykonywania muzyki dawnej przez kompozycję, dla której została napisana (Koncerty brandenburskie Bacha, Concerto grosso Vivaldiego, Corellego, Haendla). Trzon orkiestry kameralnej stanowi zespół smyczkowy z dodatkiem klawesynu, fletu, oboju, fagotu i rogów. Odwoływanie się do orkiestry kameralnej w muzyce współczesnej wiąże się albo z poszukiwaniem nowych możliwości wyrazowych (Szostakowicz. Opera „Nos”, XIV symfonia, A. Schnittke. Concerto grosso na dwoje skrzypiec i orkiestrę kameralną, 1977), albo tłumaczy się względy praktyczne. Takie okoliczności okazały się decydujące, kiedy I. Strawiński stworzył w 1918 roku Historię żołnierza: „...nasze zaplecze inscenizacyjne było bardzo skromne... Nie widziałem innego wyjścia, jak poprzestać na takiej kompozycji, która zawierałaby najbardziej charakterystyczne instrumenty wysokich i niskich rejestrów. Ze smyczków - skrzypce i kontrabas, z drewna - klarnet i fagot, z miedzi - trąbka i puzon, wreszcie perkusja, którą kontroluje jeden muzyk.

orkiestra smyczkowa składa się z grupy smyczkowej orkiestry (Czajkowski. Serenada na orkiestrę smyczkową, Onneger. II Symfonia).

Pod koniec XVIII wieku, kiedy zakończyła się droga twórcza Haydna i Mozarta i pojawiły się pierwsze symfonie Beethovena, nastąpił mała (klasyczna) orkiestra. Jego skład:

grupa smyczkowa bębny dęte drewniane

skrzypce I flety 2 rogi 2 – 4 kotły 2 – 3

skrzypce II oboje 2 trąbki 2

klarnety altowe 2

fagoty wiolonczelowe 2

kontrabasy

J. Haydna. Symfonia „Godziny”, część II

W drugiej połowie XIX w wielka orkiestra symfoniczna. Głównym wyróżnikiem dużej orkiestry od małej jest obecność trzech puzonów i tuby ( ciężki miedziany kwartet ). Aby stworzyć dynamiczną równowagę, zwiększa się liczba wykonawców w grupie smyczkowej.

mała orkiestra duża orkiestra

skrzypce I 4 konsole 8 – 10 konsol

skrzypce II 3 konsole 7 – 9 konsol

altówki 2 piloty 6 pilotów

wiolonczele 2 piloty 5 pilotów

kontrabasy 1 konsola 4 – 5 konsol

W zależności od liczby instrumentów dętych drewnianych występuje kilka kompozycji dużej orkiestry symfonicznej.

Podwójne lub podwójny skład , w którym znajdują się po 2 instrumenty z każdej rodziny

Schuberta. Symfonia h-moll.

Glinka. Fantazja walca.

Czajkowski. Symfonia nr 1.

potrójny skład, w którym znajdują się 3 instrumenty z każdej rodziny:

Lyadov. Baba jest jagą.

Rimskiego-Korsakowa. Opery Złoty Kogucik, Opowieść o Caru Saltanie.

Czteroosobowy skład : 4 flety, 4 oboje, 4 klarnety, 4 fagoty.

Sposób napotkania wyjątku pojedynczy skład:

Prokofiew. Bajka symfoniczna „Piotruś i wilk”.

Rimskiego-Korsakowa. Opera Mozart i Salieri.

Do dyspozycji skład pośredni:

Rimskiego-Korsakowa. „Szeherezada”.

Szostakowicz. Symfonie 7, 8, 10.

Czajkowski. Symfonia nr 5. Uwertury „Francesca da Rimini”, Romeo i Julia.

Organizacja orkiestry symfonicznej polega na łączeniu powiązanych ze sobą instrumentów w grupy. Jest ich pięć:

Instrumenty strunowe - Archi

Instrumenty dęte drewniane - fiati (legno)

Instrumenty dęte blaszane - ottoni

Instrumenty perkusyjne - perkusja

Instrumenty szarpane na klawiaturze.

3. Znajdź informacje o składzie orkiestry w operze Monteverdiego „Orfeusz”

Instrumenty muzyczne orkiestry symfonicznej

Najlepszym sposobem na słuchanie muzyki jest oczywiście sala koncertowa. Bo żaden nowoczesny sprzęt nie jest w stanie oddać całego bogactwa brzmienia instrumentów muzycznych w orkiestrze. Na przykład w symfonii. Samo słowo „orkiestra” przyszło do nas ze starożytnej Grecji. Tak nazywała się przestrzeń przed sceną w antycznym teatrze. W tym miejscu znajdował się starożytny grecki chór. Na scenie aktorzy odgrywali komedię lub tragedię, a chór tworzył oprawę muzyczną. Dziś przez słowo „orkiestra” rozumiemy grupę muzyków grających na różnych instrumentach muzycznych. A słowo „symfoniczna” wskazuje, że ta orkiestra jest największa i najbogatsza pod względem swoich możliwości. Ponieważ zawiera instrumenty smyczkowe, dęte i perkusyjne. W takiej orkiestrze może uczestniczyć od 60 do 120 muzyków. I nawet więcej. Orkiestra składa się z 4 głównych grup instrumentów muzycznych: smyczków, instrumentów dętych drewnianych, blaszanych i perkusyjnych. W skład smyczków smyczkowych wchodzą: skrzypce, altówki, wiolonczele, kontrabasy. Instrumenty dęte drewniane obejmują: flety, oboje, klarnety, fagoty. Instrumenty dęte blaszane to rogi, trąbki, puzony, tuby. Instrumenty perkusyjne obejmują kotły, werble, ksylofony, bębny basowe, cymbały, trójkąty, kastaniety i wiele innych.

Rola dyrygenta

Czy orkiestra może grać bez dyrygenta? Aby odpowiedzieć na to pytanie, musisz wiedzieć, jaka jest rola dyrygenta w orkiestrze. Należy przede wszystkim zadbać o to, aby wszyscy muzycy grali w tym samym tempie. Wcześniej rolę dyrygenta pełniła osoba, która wybijała rytm specjalną rózgą. Następnie został pierwszym skrzypkiem. Stawał przed orkiestrą, grając na skrzypcach, a ruchami głowy i korpusu smyczka pokazywał muzykom tempo i rytm utworu. Z czasem w orkiestrze pojawiało się coraz więcej instrumentów muzycznych, więc potrzebna była osoba do pełnienia funkcji dyrygenta. Dyrygent stoi na podwyższeniu, tak aby wszyscy muzycy widzieli jego gesty. W prawej ręce trzyma patyk, którym pokazuje rytm i tempo muzyki. Lewa ręka oddaje charakter i subtelne niuanse wykonania. Rola dyrygenta jest bardzo ważna. Jakie cechy powinna mieć osoba wykonująca ten zawód? Przede wszystkim musi być profesjonalnym muzykiem z odpowiednim wykształceniem. Podczas dyrygowania muzyk używa swojego ciała, a nie tylko rąk, aby przekazać innym muzykom swoje myśli i uczucia. Chociaż główną rolę w orkiestrze odgrywa dyrygent, w historii istniała jeszcze niezależna orkiestra. Dokładniej zespół. Nazywał się „Persimfans”. Składał się z bardzo znanych muzyków tamtych czasów. Grali tam harmonijnie, co mogło obejść się bez dyrygenta.

Fiodorow Anżelika, Gibadullina Xenia

Prezentacje odbyły się w ramach projektu „W świecie instrumentów muzycznych”.

Pobierać:

Zapowiedź:

https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Instrumenty muzyczne Fedorov Anzhelika klasa 5 A

Bałałajki

Bałałajka to rosyjski ludowy trójstrunowy szarpany instrument muzyczny, o długości od 600-700 mm ( prima bałałajka ) do 1,7 metra ( bałałajka kontrabasowa ), z trójkątną, lekko zakrzywioną (również owalną w XVIII-XIX wieku) drewnianą obudową. Bałałajka jest jednym z instrumentów, które stały się (obok akordeonu iw mniejszym stopniu litości) muzycznym symbolem narodu rosyjskiego.

Opis: Ciało jest sklejone z oddzielnych (6-7) segmentów, głowa długiej szyi jest lekko wygięta do tyłu. Metalowe struny (w XVIII wieku dwa z nich były żyłkowane; współczesne bałałajki mają nylonowe lub węglowe struny). Na gryfie współczesnej bałałajki znajduje się 16-31 metalowych progów (do końca XIX wieku - 5-7 progów wymuszonych).

Dźwięk: głośny, ale cichy. Najpopularniejsze techniki wydobywania dźwięku: grzechotanie, pizzicato, podwójne pizzicato, pojedyncze pizzicato, vibrato, tremolo, ułamki, sztuczki gitarowe.

System Do momentu przekształcenia bałałajki w instrument koncertowy pod koniec XIX wieku przez Wasilija Andriejewa nie miała ona stałego, wszechobecnego systemu. Każdy wykonawca stroił instrument zgodnie z własnym stylem gry, ogólnym nastrojem granych utworów i lokalnymi tradycjami. Wprowadzony przez Andriejewa system (dwie struny unisono – nuta „mi”, jedna – o kwartę wyżej – nuta „la” (zarówno „mi”, jak i „la” pierwszej oktawy) był szeroko stosowany przez bałałajków koncertowych i zaczęto nazywać „akademickim”. Istnieje również system „ludowy” - pierwszy ciąg to „sol”, drugi - „mi”, trzeci - „do”. W tym systemie triady są łatwiejsze, wadą Jednym z nich jest trudność gry na otwartych strunach Oprócz tego istnieją również regionalne tradycje strojenia instrumentu Liczba rzadkich ustawień lokalnych dochodzi do dwóch tuzinów.

Odmiany: bałałajka kontrabasowa We współczesnej orkiestrze rosyjskich instrumentów ludowych stosuje się pięć odmian bałałajek: prima, sekunda, altówka, bas i kontrabas. Spośród nich tylko prima jest instrumentem solowym, wirtuozowskim, pozostałe pełnią funkcje czysto orkiestrowe: druga i altówka realizują akompaniament akordowy, podczas gdy bas i kontrabas pełnią funkcję basu.

Pochodzenie: Tar - jeden z prekursorów gitary Najwcześniejsze zachowane ślady instrumentów strunowych z rezonującym korpusem i gryfem, przodków współczesnej gitary, pochodzą z II tysiąclecia pne. mi. Wizerunki kinnora (sumerońskiego – babilońskiego instrumentu smyczkowego, wspominanego w biblijnych legendach) znaleziono na glinianych płaskorzeźbach podczas wykopalisk archeologicznych w Mezopotamii. W starożytnym Egipcie i Indiach znane były również podobne instrumenty: nabla, nefer, cytra w Egipcie, wino i sitar w Indiach. W starożytnej Grecji i Rzymie popularny był instrument cithara. Poprzednicy gitary mieli wydłużony, okrągły, wydrążony, rezonujący korpus i długą szyjkę z naciągniętymi na nią strunami. Korpus wykonywany był w jednym kawałku - z suszonej dyni, skorupy żółwia lub wydrążony z jednego kawałka drewna. W III - IV wieku naszej ery. mi. w Chinach pojawiają się instrumenty ruan (lub yuan) i yueqin, w których drewniany korpus został złożony z górnej i dolnej płyty rezonansowej oraz łączących je boków. W Europie spowodowało to wprowadzenie gitary łacińskiej i mauretańskiej około VI wieku. Później, w XV-XVI wieku pojawił się instrument vihuela, który również wpłynął na ukształtowanie się konstrukcji współczesnej gitary.

Pochodzenie nazwy: Słowo „gitara” pochodzi od połączenia dwóch słów: sanskryckiego słowa „sangeeta” oznaczającego „muzykę” i staroperskiego „tar”, oznaczającego „strunę”. Według innej wersji słowo „gitara” pochodzi od sanskryckiego słowa „kutur”, oznaczającego „czterostrunowy” (por. setar – trójstrunowy). Gdy gitara rozprzestrzeniła się z Azji Środkowej przez Grecję do Europy Zachodniej, słowo „gitara” ulegało zmianom: „cithara (ϰιθάϱα)” w starożytnej Grecji, łacińskie „cithara”, „guitarra” w Hiszpanii, „chitarra” we Włoszech, „guitare” ” we Francji, „gitara” w Anglii i wreszcie „gitara” w Rosji. Nazwa „gitara” po raz pierwszy pojawiła się w europejskiej literaturze średniowiecznej w XIII wieku.

Urządzenia gitarowe Główne części: Gitara to korpus z długą szyjką, zwaną „gryfem”. Przednia, robocza strona szyi jest płaska lub lekko wypukła. Wzdłuż niej naciągnięte są sznurki, zamocowane jednym końcem na korpusie, a drugim na kołeczku na końcu gryfu. Na korpusie struny mocowane są nieruchomo za pomocą podstawki, na główce za pomocą mechanizmu kołkowego, który umożliwia regulację naciągu strun. Struna leży na dwóch siodełkach, dolnej i górnej, odległość między nimi, która określa długość roboczej części struny, jest skalą gitary. Nakrętka znajduje się w górnej części szyi, w pobliżu głowy. Dolny osadzony jest na statywie na korpusie gitary. Jako siodło można zastosować tzw. „siodła” to proste mechanizmy, które pozwalają na regulację długości każdego naciągu.

Flet to potoczna nazwa szeregu instrumentów z grupy instrumentów dętych drewnianych, ale teraz powstały również instrumenty metalowe. Jest to jeden z najstarszych instrumentów muzycznych pochodzenia. W przeciwieństwie do innych instrumentów dętych, dźwięki fletu powstają w wyniku cięcia strumienia powietrza na krawędzi, zamiast użycia stroika. Muzyk grający na flecie jest powszechnie nazywany flecistą.

Historia rozwoju fletu Flet kostny epoki paleolitu (kultura oryniacka). Najstarszą formą fletu wydaje się być gwizdek. Stopniowo w rurkach gwizdków zaczęto wycinać otwory na palce, zamieniając zwykły gwizdek w flet gwizdkowy, na którym można było już wykonywać utwory muzyczne. Pierwsze znaleziska archeologiczne fletu datowane są na 35 - 40 tysięcy lat pne, dlatego flet jest jednym z najstarszych instrumentów muzycznych. Flet podłużny był znany w Egipcie pięć tysięcy lat temu i pozostaje głównym instrumentem dętym na całym Bliskim Wschodzie. W Europie był szeroko rozpowszechniony w XV - XVII wieku. Podłużny flet, który ma 5-6 otworów na palce i jest zdolny do oktawowego dmuchania, zapewnia pełną skalę muzyczną, poszczególne interwały, w których można się zmieniać, tworząc różne progi poprzez skrzyżowanie palców, zamykanie otworów w połowie, a także zmianę kierunku i siłę oddechu. Teraz okazjonalnie używany w wykonywaniu muzyki dawnej.

Flet Piccolo pod względem brzmieniowym jest instrumentem wśród instrumentów dętych. Ma genialną, in the forte – przenikliwą i świszczącą barwę. Mały flet jest o połowę krótszy od zwykłego i brzmi o oktawę wyżej i nie da się na nim wydobyć wielu niskich dźwięków. Zakres piccolo wynosi od d ² do c 5 (re drugiej oktawy - do piątej oktawy), są też instrumenty, które mają zdolność przyjmowania c ² i cis ². Nuty dla ułatwienia czytania są zapisywane o oktawę niżej.

Flet Pana, „flet Pana” Główny artykuł: flet Pana Flet Pana (flet Pana) to klasa instrumentów dętych drewnianych, flet wielolufowy składający się z kilku (2 lub więcej) pustych rurek o różnych długościach. Dolne końce rur są zamknięte, górne są otwarte.

Flet irlandzki Główny artykuł: flet irlandzki Flet irlandzki to flet poprzeczny używany do odtwarzania irlandzkiej (a także szkockiej, bretońskiej itp.) muzyki ludowej. Jest to flet poprzeczny tzw. prosty system - jego 6 głównych otworów nie jest zamykanych zaworami, podczas grania są zamykane bezpośrednio palcami wykonawcy. Flet irlandzki występuje w wersjach z wentylami (od 1 do 10) oraz bez. A także jest jeszcze 6 rodzajów fletów.

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji, załóż konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Skład orkiestry symfonicznej Wykonywała uczennica klasy 6 B Gibadullina Ksenia

Z czego składa się orkiestra symfoniczna Współczesna orkiestra symfoniczna składa się z 4 głównych grup. Podstawą orkiestry jest zespół smyczkowy (skrzypce, altówki, wiolonczele, kontrabasy). Do grupy instrumentów dętych drewnianych należą flety, oboje, klarnety, fagoty. Trzecia grupa instrumentów orkiestrowych to instrumenty dęte blaszane (róg, trąbka, puzon, trąbka). Instrumenty perkusyjne (kotły, trójkąty, werble i bębny basowe, cymbały) zyskują coraz większe znaczenie w orkiestrze symfonicznej.

Skrzypce to strunowy instrument muzyczny o wysokim tonie. Ma ludowe pochodzenie, nowoczesny wygląd uzyskał w XVI wieku, a rozpowszechnił się w XVII wieku. Ma cztery struny strojone w kwintach: g, d1, a1, e² (sól małej oktawy, re, la pierwszej oktawy, mi drugiej oktawy), zakres od g (sól małej oktawy) do a4 ( la czwartej oktawy) i wyżej. Barwa skrzypiec jest gęsta w dolnym rejestrze, miękka w środku i błyszcząca w wysokich. Skrzypce

Pochodzenie skrzypiec Przodkami skrzypiec byli rebab arabski, fidel hiszpański, crotta brytyjska, z których połączenia powstała altówka. Formy skrzypiec powstały w XVI wieku; słynni wytwórcy skrzypiec - rodzina Amati - należą do tego stulecia i początku XVII wieku. Ich instrumenty mają doskonały kształt i doskonały materiał. Generalnie Włochy słynęły z produkcji skrzypiec, wśród których obecnie wysoko cenione są skrzypce Stradivariego i Guarneriego. Fidela. Fragment ołtarza kościoła św. Zachariasza, Wenecja, Giovanni Bellini, 1505.

Wiolonczela Wiolonczela (włoska wiolonczela, skr. wiolonczela, niem. Violoncello, franc. altówka jest jednak znacznie większa. Wiolonczela posiada szerokie możliwości ekspresyjne i starannie opracowaną technikę wykonawczą, jest używana jako instrument solowy, zespołowy i orkiestrowy.

Pochodzenie wiolonczeli Pojawienie się wiolonczeli datuje się na początek XVI wieku. Początkowo był używany jako instrument basowy do towarzyszenia śpiewowi lub grze na instrumencie o wyższym rejestrze. Istniało wiele odmian wiolonczeli, które różniły się między sobą wielkością, liczbą strun i strojeniem (najczęstszym strojeniem był ton niższy niż współczesny). W XVII-XVIII wieku staraniem wybitnych mistrzów muzycznych szkół włoskich (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana itp.) powstał klasyczny model wiolonczeli o ugruntowanej wielkości korpusu.

Flet to popularna nazwa wielu instrumentów dętych drewnianych. W przeciwieństwie do innych instrumentów dętych, dźwięki fletu powstają w wyniku cięcia strumienia powietrza na krawędzi, zamiast użycia stroika. Muzyk grający na flecie jest powszechnie nazywany flecistą. flet prosty

Pochodzenie fletu Najstarszą formą fletu wydaje się być gwizdek. Stopniowo w rurkach gwizdków zaczęto wycinać otwory na palce, zamieniając zwykły gwizdek w flet gwizdkowy, na którym można było już wykonywać utwory muzyczne. Pierwsze znaleziska archeologiczne fletu datowane są na 35 - 40 tysięcy lat pne, dlatego flet jest jednym z najstarszych instrumentów muzycznych. Flet podłużny był znany w Egipcie pięć tysięcy lat temu i pozostaje głównym instrumentem dętym na całym Bliskim Wschodzie. Podłużny flet, który ma 5-6 otworów na palce i jest zdolny do oktawowego dmuchania, zapewnia pełną skalę muzyczną, poszczególne interwały, w których można się zmieniać, tworząc różne progi poprzez skrzyżowanie palców, zamykanie otworów w połowie, a także zmianę kierunku i siłę oddechu.

Obój Oboe (z francuskiego hautbois, dosłownie „wysokie drzewo”, angielski, niemiecki i włoski obój) to instrument muzyczny dęty drewniany z rejestru sopranowego, który jest stożkową tubą z systemem zaworów i podwójnym stroikiem (językiem). Obój uzyskał swój nowoczesny wygląd w pierwszej połowie XVIII wieku. Instrument ma melodyjną, ale nieco nosową, aw górnym rejestrze - ostrą barwę.

Geneza oboju W drugiej ćwierci XIX wieku konstrukcja instrumentów dętych drewnianych przeżyła prawdziwą rewolucję: Theobald Böhm wynalazł system specjalnych zaworów pierścieniowych do zamykania kilku otworów jednocześnie i zastosował go na swoim instrumencie – flecie, później system ten został dostosowany do klarnetu i innych instrumentów. Rozmiar i położenie otworów nie zależały już od długości palców muzyka. Umożliwiło to poprawę intonacji, uczynienie barwy czystszą i czystszą oraz poszerzenie zakresu instrumentów. W przypadku oboju ten system w swojej pierwotnej formie nie był odpowiedni. Po pewnym czasie Guillaume Triber i jego synowie Charles-Louis (profesor Konserwatorium Paryskiego) i Frederic zaproponowali ulepszony mechanizm dostosowany do oboju, zmieniając jednocześnie nieco konstrukcję samego instrumentu. Ich następcy, François i Lucien Lauret, stworzyli nowy model oboju nazwany „Flat Valve Conservator Model”, który szybko został przyjęty przez wszystkich oboistów.

Puzon Puzon (włoski puzon, dosł. „duża rura”, puzon angielski i francuski, niemiecki Posaune) to instrument muzyczny dęty blaszany z rejestru basowo-tenorowego. Puzon jest znany od XV wieku. Różni się od innych instrumentów dętych blaszanych obecnością backstage'u - specjalnej ruchomej rurki w kształcie litery U, za pomocą której muzyk zmienia objętość powietrza zawartego w instrumencie, uzyskując w ten sposób możliwość odtwarzania dźwięków o skali chromatycznej (służą temu zawory na trąbce, rogu i tubie).

Pojawienie się puzonu datuje się na XV wiek. Powszechnie przyjmuje się, że bezpośrednimi poprzednikami tego instrumentu były piszczałki typu rocker, podczas gry na których muzyk miał możliwość poruszania piszczałką instrumentu, uzyskując w ten sposób skalę chromatyczną. Podczas swojego istnienia puzon praktycznie nie przeszedł radykalnych zmian w swojej konstrukcji. Pochodzenie puzonu

Róg (z niemieckiego Waldhorn - „róg leśny”, włoski corno, angielski francuski róg, francuski cor) to dęty instrument muzyczny z rejestru basowo-tenorowego.

Geneza waltorni Wywodząca się z myśliwskiego rogu sygnalizacyjnego, weszła do orkiestry w połowie XVII wieku. Do lat 30. XIX wieku, podobnie jak inne instrumenty dęte blaszane, nie posiadał wentyli i był instrumentem naturalnym o ograniczonej skali (tzw. „róg naturalny”, którym posługiwał się Beethoven). Waltornia jest używana w orkiestrach symfonicznych i dętych, a także w zespołach i instrumencie solowym.

Timpani Timpani (włoskie kotły, francuskie timbales, niemieckie Pauken, angielskie kotły) to perkusyjny instrument muzyczny o określonej wysokości. Są to układ dwóch lub więcej (do siedmiu) metalowych misek w kształcie kociołków, których otwarta strona jest pokryta skórą lub tworzywem sztucznym, a dolna część może mieć otwór.

Pochodzenie kotłów Kotły to instrument o bardzo starożytnym pochodzeniu. W Europie kotły, zbliżone formą do współczesnych, ale o stałym systemie, stały się znane już w XV wieku, a od XVII wieku kotły są częścią orkiestr. Następnie pojawił się śrubowy mechanizm napinający, który umożliwił odbudowę kotłów. W sprawach wojskowych były używane w ciężkiej kawalerii, gdzie były używane jako transmisja sygnałów kontroli walki.

Talerze Talerze to perkusyjny instrument muzyczny o nieokreślonej wysokości. Talerze znane były od czasów starożytnych, spotykając się w Chinach, Indiach, później w Grecji i Turcji. Są wypukłym dyskiem wykonanym ze specjalnych stopów przez odlewanie, a następnie kucie. W centralnej części talerza znajduje się otwór umożliwiający przymocowanie instrumentu do specjalnego statywu lub zamocowanie paska.

Historia cymbałów Blachy, wraz ze wzrostem grupy perkusyjnej w orkiestrze, pojawiły się prawdopodobnie po raz pierwszy w partyturach Glucka. Pod koniec XVIII wieku, w okresie Haydna i Mozarta, cymbały (wraz z bębnem basowym i trójkątem) rzadko pojawiały się w partyturach operowych, by oddać barbarzyński czy turecki posmak

Cel: kształtować u uczniów ideę orkiestry symfonicznej i jej instrumentów muzycznych; rozwijać umiejętności badawcze, umiejętność określania brzmienia różnych instrumentów ze słuchu, analizować utwory muzyczne; pielęgnować miłość do muzyki klasycznej i ludowej.

Rodzaj lekcji: łączona.

Wyposażenie: TCO; karty z wizerunkiem instrumentów muzycznych; układ instrumentów muzycznych orkiestry symfonicznej; nagrania audio z dźwiękiem instrumentów.

Materiał muzyczny: G. Verdiego. Marsz z opery „Aida”; P. Czajkowski. Taniec wróżki Drażetki z baletu „Dziadek do orzechów”; N. Rimskiego-Korsakowa „Lot trzmiela” z opery „Opowieść o Caru Sałtanie”; J. Bizet-R. Szczedrin. Suita Carmen „Taniec”; J. Gershwin. Kołysanka Klary z opery „Porgy and Bess” .

Podczas zajęć

Organizacja zajęć

Aktualizacja podstawowej wiedzy

Co to jest forma sonatowa?

Jakie sekcje to tworzą?

Z ilu elementów składa się sonata klasyczna?

Utwór formy sonatowej, którego uczyliśmy się na poprzedniej lekcji?

Jaka jest różnica między formami sonatowymi a wariacjami?

3. Przesłanie tematu lekcji. Motywacja do działań edukacyjnych

Nauczyciel. Dziś dowiemy się, czym jest orkiestra, orkiestra symfoniczna, aw szczególności instrumenty muzyczne, które ją tworzą. Nauczyciel dołącza do tablicy układ instrumentów muzycznych orkiestry symfonicznej.

1. Studiowanie nowego materiału

Uczniowie przygotowują wcześniej przygotowane prezentacje.

Sprawozdania studentów

Odniesienie do historii

Słowo „orkiestra” pochodzi od greckiego „orkiestra” – tak w starożytnej Grecji nazywano teren przed sceną teatralną, gdzie wychodził chór. Następnie w tym miejscu mieściła się grupa muzyków - „orkiestra”. Z czasem termin ten nabrał szerszego znaczenia; zaczęto wyznaczać liczną grupę muzyków-instrumentalistów. Orkiestry symfoniczne powstały na początku XVII wieku. Ich pojawienie się wiąże się z pojawieniem się koncertów operowych i instrumentalnych, które wymagają znacznej liczby wykonawców. Wielka orkiestra symfoniczna powstała w połowie XIX wieku. Dziś w dużej orkiestrze symfonicznej gra 50-75 wykonawców.

Klasyfikacja instrumentów orkiestry symfonicznej

Raportom towarzyszy diagram.

Już w starożytności, wraz ze wzrostem liczby instrumentów muzycznych, konieczne stało się ich sklasyfikowanie. W starożytnych Chinach instrumenty muzyczne były dystrybuowane według materiału, z którego zostały wykonane. Dziś najpowszechniejsza klasyfikacja autorstwa Ericha von Hornbostela i Kurta Sachsa, według której instrumenty dzieli się ze względu na źródło dźwięku. W orkiestrze symfonicznej instrumenty muzyczne są rozmieszczone zgodnie z metodą wydobywania dźwięku. Najliczniejsza jest grupa instrumentów smyczkowych, do których należą pierwsze i drugie skrzypce, altówki, wiolonczele i kontrabasy.

Do grupy instrumentów dętych drewnianych należą flety, oboje, klarnety, fagoty.

Zespół instrumentów dętych blaszanych - trąbki, rogi, puzony, tuby.

Grupa instrumentów perkusyjnych obejmuje kotły, trójkąt, tamburyn, werbel, talerze, bęben basowy, tam tam, dzwonki orkiestrowe, dzwonki, ksylofon, wibrafon.

W skład orkiestry symfonicznej wchodzą również instrumenty klawiszowe i szarpane: harfa, fortepian, czelesta.

Czasami saksofony, gitary elektryczne, syntezatory i tym podobne są wprowadzane do orkiestry symfonicznej.

Pracujcie w parach

Nauczyciel rozdaje każdemu biurku po 3 karty z wizerunkiem instrumentów muzycznych.

Ćwiczenie:

— Określ nazwy pokazanych instrumentów i grupę, do której należą.

- Czy wszystkie narzędzia pokazane na kartach należą do wskazanych czterech grup?

— Do jakich grup instrumentów należą tamburyn, kobza, bandura, gitara, akordeon?

Jaka orkiestra ich używa?

- Podsumuj: które instrumenty tworzą orkiestrę instrumentów ludowych, a które - symfonię.

Praca grupowa

Nauczyciel. Wyobraź sobie, że jesteśmy w sali koncertowej. Połączycie się w 5 grupach i będziecie musieli wykonać dwa zadania.

Zadanie grupowe nr 1

1. Wybierz spośród kart z wizerunkiem instrumentów muzycznych należących do grupy smyczkowo-smyczkowej.
2. Wybierz spośród 5 fragmentów muzycznych oferowanych do słuchania, fragment gdzie

brzmią instrumenty grup smyczkowo-smyczkowych. Ustal nazwisko kompozytora i tytuł utworu.

Zadanie grupowe nr 2

1. Wybierz spośród kart z wizerunkiem instrumentów muzycznych należących do grupy instrumentów dętych drewnianych.
2. Wybierz spośród 5 utworów muzycznych do słuchania, utwór z instrumentami dętymi drewnianymi. Ustal nazwisko kompozytora i tytuł utworu.

Zadanie grupowe nr 3

1. Wybierz spośród kart z wizerunkiem instrumentów muzycznych należących do grupy instrumentów dętych blaszanych.
2. Wybierz spośród 5 utworów muzycznych prezentowanych do słuchania, utwór, w którym brzmią instrumenty dęte blaszane. Ustal nazwisko kompozytora i tytuł utworu.

Zadanie grupowe nr 4

1. Wybierz spośród kart z wizerunkiem instrumentów muzycznych należących do grupy instrumentów perkusyjnych.
2. Wybierz spośród 5 fragmentów muzycznych przedstawionych do odsłuchu, fragment, w którym brzmią instrumenty perkusyjne. Ustal nazwisko kompozytora i tytuł utworu.

Zadanie grupowe nr 5

1. Wybierz spośród kart z wizerunkiem instrumentów muzycznych należących do grupy instrumentów klawiszowych.
2. Wybierz spośród 5 fragmentów muzycznych przedstawionych do odsłuchu, fragment, w którym brzmią instrumenty klawiszowe. Ustal nazwisko kompozytora i tytuł utworu.

Utwory do słuchania: 1. G. Verdi. Marsz z opery „Aida” (trąbka); 2. P. Czajkowski. Taniec wróżki z baletu Dziadek do orzechów (celesta) 3. N. Rimski-Korsakow „Lot trzmiela” z opery „Opowieść o Caru Saltanie” (grupa instrumentów smyczkowych); 4. J. Bizet - R. Szczedrin Carmen - suita „Taniec” (perkusja) 5. J. Gershwin Kołysanka Klary z opery „Porgy and Bess” (saksofon).

Prowadzący zachęca uczniów do wyciągnięcia wniosków na temat przynależności instrumentów muzycznych do określonej grupy i ich możliwości wyrazowych.

Historia nauczyciela:

Dziś mamy okazję posłuchać i przeanalizować bardzo ciekawy utwór Benjamina Brittena "Przewodnik po Orkiestrze dla Młodzieży". W 1945 roku wybitny angielski kompozytor B. Britten otrzymał od brytyjskiego Ministerstwa Edukacji zamówienie na napisanie muzyki do filmu edukacyjnego „Orchestra Instruments”. W ten sposób powstało jedno z najsłynniejszych dzieł kompozytora.

Utwór zbudowany jest w formie wariacji na temat G. Purcella (dramat „Abdelazer”). Tu oprócz charakterystyki instrumentów muzycznych poznajemy bliżej wybitnego kompozytora XVII wieku, czujemy związek między przeszłością a teraźniejszością.

Słuchanie utworu.

Utwór rozpoczyna się dźwiękiem podniosłego, radosnego tematu Purcella w wykonaniu całej orkiestry. Stopniowo nabiera cech muzyki współczesnej. Następnie rozpoczynają się wariacje, z których każda wykonywana jest przez jeden instrument lub niewielką grupę. Temat rozpoczyna się dźwiękiem fletu piccolo, instrumentu z grupy instrumentów dętych drewnianych. Dalej temat podejmują pozostałe instrumenty grupy instrumentów dętych drewnianych, a następnie blaszanych. Grupa smyczkowa przekazuje to solowym brzmieniem harf, a następnie - perkusji. Ostateczna wariacja napisana jest w formie fugi granej wspólnie przez wszystkie instrumenty orkiestry. To brzmienie orkiestry nazywa się tutti. Stopniowo główny temat nabiera pierwotnego charakteru, a finał utworu brzmi majestatycznie i uroczyście.

Odbicie

Jaki utwór muzyczny poznaliśmy?

Jakich instrumentów muzycznych używał kompozytor w swojej twórczości?

Kto prowadzi orkiestrę symfoniczną? (Konduktor)

Czym jest ta kontrola?

W jakiej formie napisany jest „Przewodnik…”?

O jakiej nowej formie muzycznej się dowiedzieliśmy?

Jakie grupy instrumentów są użyte w tym utworze?

zbiorowa konkluzja. Wielopłaszczyznowe możliwości brzmieniowe różnych grup instrumentów muzycznych orkiestry symfonicznej pomagają kompozytorowi w realizacji jego pomysłów twórczych, wykonawcy w udowodnieniu swoich umiejętności artystycznych, a słuchaczowi w czerpaniu estetycznej przyjemności ze słuchania i odbierania utworów muzycznych.

Praca domowa

Dla studentów o przeciętnym i dostatecznym poziomie wiedzy: przetworzenie materiału podręcznika i literatury dodatkowej dotyczącej instrumentów muzycznych orkiestry symfonicznej; poznać cechy poszczególnych grup instrumentów muzycznych orkiestry symfonicznej.

Dla studentów o wysokim poziomie wiedzy: dowiedz się z literatury przedmiotu, jakie inne rodzaje orkiestr (poza symfonią) występują w muzycznej praktyce wykonawczej. Jakie instrumenty należą do elektronicznych instrumentów muzycznych i jakie są ich cechy?