Jakie są style muzyczne? Styl muzyczny to pojęcie pojemne i wieloaspektowe. Można go określić jako jedność figuratywną, zespół środków wyrażania treści artystycznych i ideowych poprzez język muzyki.
Pojęcie stylu muzycznego jest tak szerokie, że sama jego konkretyzacja nasuwa się sama: pojęcie to odnosi się zarówno do różnych epok, gatunków, nurtów i szkół, jak i do poszczególnych kompozytorów, a nawet wykonawców. Spróbujmy dowiedzieć się, jakie są style muzyczne.
Styl epoki
Koncepcja stylu epoki skupia się na aspekcie historycznym. Istnieje wiele klasyfikacji, z których niektóre wyróżniają największe epoki historyczne w rozwoju muzyki (renesans, barok, klasycyzm, nowoczesność itp.), Podczas gdy inne wręcz przeciwnie, dzielą historię muzyki na stosunkowo małe okresy zidentyfikowane wcześniej przez inne dyscypliny sztuki (romantyzm, impresjonizm, modernizm itp.).
Klasycznym przykładem stylu epoki jest muzyka barokowa, której charakterystycznymi cechami są zainteresowanie wewnętrznym światem jednostki, dramatyzm, kontrastowy obraz sił natury, rozwój muzyki operowej i instrumentalnej (C. Monteverdi , A. Vivaldi, GF Handel).
styl gatunkowy
Styl odzwierciedla specyfikę treści, technik muzycznych i cech określonych gatunków muzycznych, które z kolei można klasyfikować według różnych podstaw.
Dlatego koncepcja stylu jest najbardziej akceptowalna dla tych, w których wyraźnie wyrażono najczęstsze cechy. Obejmuje to gatunki oparte na muzyce ludowej (różne pieśni rytualne, tańce ludowe), pieśni kościelne i romanse.
Jeśli weźmiemy duże dzieła (opera, oratorium, symfonia itp.), To tutaj styl gatunku jest zawsze wyraźnie odczytywany, mimo że nakładają się na niego style epoki, trendy i styl autora.
Ale jeśli kompozytor wymyśli jakiś nowy gatunek, to w tym przypadku trudno jest od razu ustalić cechy stylu gatunkowego - w tym celu musi upłynąć czas, podczas którego pojawią się inne utwory z tego samego gatunku. Tak było np. z "Pieśniami bez słów" Mendelssohna. Zgadzam się, dziwna piosenka bez słów, ale po jego 48 próbkach sztuk tego gatunku inni kompozytorzy zaczęli śmiało nazywać swoje sztuki tą samą nazwą.
Styl kierunku muzycznego
Styl kierunku muzycznego pod wieloma względami ma coś wspólnego ze stylem epoki: w końcu niektóre kierunki są uważane przez muzykologów za całe epoki w muzyce.
Ale są też takie kierunki, dla których można wyróżnić charakterystyczne tylko dla nich niuanse stylistyczne. Należą do nich wiedeńska szkoła klasyczna (L. van Beethoven, J. Haydn, W. A. Mozart). Kierunek klasyczny charakteryzuje się prostotą, ekspresją, bogatym językiem harmonicznym, szczegółowym opracowaniem tematu.
Mówiąc o tym, czym są style muzyczne, nie można pominąć cech narodowych.
styl narodowy
Folklor jest podstawą narodowego stylu muzycznego. Wielu wielkich kompozytorów inspirowało się melodiami ludowymi, wplatając je w swoją twórczość. Niektóre utwory mają nawet odpowiednie tytuły (np. Rapsodie węgierskie F. Liszta, „Tańce węgierskie” I. Brahmsa, „Norweskie pieśni i tańce ludowe na fortepian” E. Griega, „Jota aragońska” M.I. Glinki). W innych motywy ludowe stają się tematami przewodnimi (np. „W polu brzoza stanęła” w finale IV Symfonii P. I. Czajkowskiego).
Jeśli podejdziemy do pytania, czym są style muzyczne, z punktu widzenia szkół kompozytorskich, poszczególnych kompozytorów i muzyków, to można wyróżnić jeszcze kilka stylów muzycznych.
Styl stowarzyszenia kompozytorów
Jeśli szkoła kompozytorska charakteryzuje się wysokim stopniem powszechności technik artystycznych, to logiczne jest wyodrębnienie stylu właściwego tej szkole.
Można mówić o stylach szkół polifonicznych renesansu, stylach różnych włoskich szkół operowych XVII wieku czy stylach szkół instrumentalnych XVII-XVIII wieku.
W muzyce rosyjskiej XIX wieku istniało także twórcze stowarzyszenie kompozytorów - słynna „Potężna garstka”. Stylistyczna wspólność kompozytorów należących do tej grupy przejawiała się w jednej linii rozwoju, doborze wątków i poleganiu na rosyjskim folklorze muzycznym.
Styl indywidualnego kompozytora
Styl kompozytorski jest pojęciem znacznie łatwiejszym do sprecyzowania, ponieważ twórczość każdego kompozytora ogranicza się do stosunkowo krótkiego okresu i pewnych trendów epoki muzycznej. A więc dosłownie po pierwszych taktach można rozpoznać np. muzykę Mozarta czy Rossiniego.
Oczywiście kompozytor, jak każdy człowiek, zmienia się przez całe życie, co odciska piętno na stylu jego twórczości. Ale niektóre cechy stylistyczne pozostają niezmienione, właściwe tylko jemu, są rodzajem „wizytówki” autora.
Styl występu
Sztuka performatywna opiera się na indywidualnym stylu wykonawczym muzyka, który na swój sposób interpretuje intencję kompozytora. Styl wykonawczy przejawia się w emocjonalnej kolorystyce wykonania dzieł jednego lub drugiego autora.
Żywym przykładem są tutaj kompozytorzy, którzy byli ponadto muzykami-wirtuozami. To Niccolo Paganini, który zadziwił publiczność nienaganną techniką i niezwykłymi metodami gry na skrzypcach oraz genialny pianista Siergiej Rachmaninow, prawdziwy rycerz muzyki, który podporządkował melodyczne płótno ścisłemu schematowi rytmicznemu.
Oto style muzyki. Tę listę można oczywiście uzupełnić klasyfikacją na innych podstawach, ponieważ światowe dziedzictwo muzyczne jest duże i różnorodne.
Gatunki muzyki(gatunki muzyczne) - wykaz i krótki opis gatunków i nurtów muzycznych.
Gatunki muzyki
1. Muzyka ludowa - muzyka różnych ludów świata.
2. Muzyka latynoamerykańska- uogólniona nazwa gatunków i stylów muzycznych krajów Ameryki Łacińskiej.
3. Indyjska muzyka klasyczna- muzyka Indian, jeden z najstarszych gatunków muzycznych. Wywodzi się z praktyk religijnych hinduizmu.
4. muzyka europejska- uogólniona koncepcja charakteryzująca muzykę krajów europejskich.
5. Muzyka pop Disco (od słowa „disco”) to gatunek muzyki tanecznej, który powstał na początku lat 70. XX wieku. Pop (od słowa „popularny”) to rodzaj masowej kultury muzycznej. Muzyka lekka (od „łatwego słuchania” - „łatwego do słuchania”) - muzyka, która obejmuje różne style, cechą wspólną takiej muzyki są proste, wpadające w ucho melodie. Piosenkarka wykonująca muzykę z gatunku Pop - Madonna.
6. Muzyka rockowa - uogólniona nazwa kierunku muzycznego, słowo "rock" oznacza - "huśtanie się, kołysanie" i wskazuje rytm muzyki.
country rocka - gatunek łączący country i rock, który stał się częścią rock and rolla po występie Elvisa Presleya w Grand Ole Opry w 1955 roku.
południowa skała - "południowy" rock, był popularny w USA w 1970 roku.
skała serca - "rock z odludziu", założony w 1980 roku na "country" i "bluesie".
skała garażowa – założony w Stanach Zjednoczonych i Kanadzie w 1960 roku prekursor „punk rocka”.
skała surfingowa - (od angielskiego „surf”) – amerykańska muzyka plażowa, popularna na początku lat 60.
instrumentalny rock - jest to gatunek muzyki rockowej, w muzyce tego gatunku dominuje muzyka, a nie wokale, był popularny w latach 50. i 60. XX wieku.
folk rock - gatunek łączący elementy folku i rocka, powstał w Wielkiej Brytanii i USA w połowie lat 60.
blues rocka - gatunek hybrydowy, łączący w sobie elementy bluesa i rock and rolla, zaczął się rozwijać w Anglii i USA w 1960 roku.
Rock'n'roll - (od słowa „roll”) gatunek, który narodził się w latach 50. w Stanach Zjednoczonych, jest wczesnym etapem rozwoju muzyki rockowej.
Merseybit - (znaczenie gatunku pochodzi od nazwy zespołów z Liverpoolu, położonego nad rzeką Mersey) – gatunek powstał w Wielkiej Brytanii w latach 60.
Rock psychodeliczny - Gatunek muzyczny, wywodzący się z Europy Zachodniej i Kalifornii w połowie lat 60., kojarzony jest z pojęciami „psychedelia” (halucynogeny).
Rock progresywny - gatunek, który charakteryzuje się skomplikowaniem form muzycznych i wprowadzeniem dialogu.
rock eksperymentalny - styl, który opiera się na eksperymentach z brzmieniem muzyki rockowej, inna nazwa to rock awangardowy.
glam rocka - (od słowa „spektakularny” – „glamorous”) – gatunek narodził się w Wielkiej Brytanii w latach 70.
rock pubowy Prekursor punk rocka, gatunku muzyki, który powstał w latach 70. jako protest przedstawicieli brytyjskiego rocka przeciwko nadmiernej czystości brzmienia w amerykańskim AOR i prog rocku.
hardcore - gatunek pojawił się w Wielkiej Brytanii i USA pod koniec lat 70. Dźwięk jest szybszy i cięższy niż tradycyjne brzmienie punkrockowe.
skiffle - śpiew z akompaniamentem. Oprzyrządowanie obejmowało tarę, harmonijkę ustną i gitarę jako instrument rytmiczny.
Hard Rock - („hard rock”) – gatunek, który charakteryzuje się wydaniem brzmienia instrumentów perkusyjnych i gitary basowej. Gatunek powstał w latach 60., a ukształtował się na początku lat 70.
punk rocka - gatunek muzyczny, który powstał w USA w latach 70., nieco później - w Wielkiej Brytanii. Znaczenie, jakie wczesne zespoły przypisywały temu gatunkowi, brzmi: „chęć do grania dominuje nad umiejętnością grania”.
rock barda - gatunek, który pojawił się w „Związku Radzieckim” w latach 70. Rozwijał się pod wpływem poezji: Wiktora Coja, Okudżawy.
J-rock („japoński rock”) to nazwa różnych stylów muzyki rockowej wywodzących się z Japonii.
Metal – gatunek, który powstał i hard rock w Anglii i Stanach Zjednoczonych w latach 70.
postpunkowy – gatunek muzyczny, który powstał pod koniec lat 70. w Wielkiej Brytanii. Był kontynuacją punk rocka i wyróżniał się różnorodnością autoekspresji w muzyce.
Nowa fala - kierunku, który obejmuje różne gatunki muzyki rockowej, zrywając ideologicznie i stylistycznie ze wszystkimi dotychczasowymi gatunkami rockowymi. Pojawił się pod koniec lat siedemdziesiątych i na początku lat osiemdziesiątych.
bez fali - kierunek w kinie, muzyce i sztuce performance. Opracowany w Nowym Jorku pod koniec lat 70. To rodzaj odpowiedzi wolnych muzyków i artystów na reklamę „Nowa fala”.
stoner rocka to muzyka w średnim tempie lub wolna z instrumentami muzycznymi o niskiej częstotliwości, takimi jak bas i gitara.
Gatunek powstał w latach 90. na podstawie twórczości grupy Kyuss.
Alternatywny rock - termin ten odnosi się do różnych stylów muzyki rockowej. Pojawił się w latach 80. i obejmuje wiele stylów i trendów wywodzących się z post-punka, punk rocka i innych stylów i gatunków muzycznych.
post-rock to eksperymentalny gatunek muzyczny muzyki rockowej. Gatunek jest scharakteryzowanyużycie instrumentów, które są zwykle używane w muzyce rockowej i akordów, które nie są charakterystyczne dla rocka (tradycyjne).
7. Bluesa – gatunek muzyczny, który powstał pod koniec XIX wieku w południowo-wschodnich Stanach Zjednoczonych w społeczności Afroamerykanów, wśród buntowników z Pasa Bawełnianego.
8. Jazzu – gatunek muzyczny, który powstał na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych w wyniku syntezy kultur europejskich i afrykańskich.
9. Kraj - („muzyka country”) jest jedną z najbardziej rozpowszechnionych odmian muzyki północnoamerykańskiej.
10. pieśń - (przetłumaczone z francuskiego - chanson, co oznacza piosenkę).
Ma 2 znaczenia:
1. Francuska piosenka kabaretowa.
2. Pieśń radziecka w języku francuskim, renesansowym i późnym średniowieczu.
Pierwszym kompozytorem i poetą, który wykonał pieśni w stylu chanson, był Guillaume de Machaux.
Osobliwością gatunku jest to, że wykonawca, autor piosenki, muzyki i słów to jedna i ta sama osoba.
12. Romans - ("romans" oznacza - "po hiszpańsku") - krótki wiersz o treści lirycznej, śpiewany do muzyki. Sam termin pochodzi ze średniowiecznej Hiszpanii i oznaczał radziecką pieśń śpiewaną po hiszpańsku.
13. Piosenka Błatnaja - gatunek piosenki, w której śpiewana jest o ciężkich obyczajach i życiu w środowisku przestępczym. Od lat 90. rosyjski przemysł muzyczny nazywa piosenkę złodziei „rosyjską chanson”, chociaż nie ma to nic wspólnego z chansonem.
13. Muzyka elektronicznato gatunek muzyczny oznaczający muzykę, która została stworzona przy użyciu elektronicznych instrumentów muzycznych. Często do jego tworzenia wykorzystywane są różne programy komputerowe.
14. Ska - styl, który pojawił się pod koniec lat 50. na Jamajce.
Styl charakteryzuje się rytmem 2 na 4: kiedy gitara basowa lub kontrabas podkreśla nieparzyste uderzenia perkusji, a gitara podkreśla parzyste.
15. Hip-hop – gatunek muzyczny, który narodził się w Nowym Jorku wśród klasy robotniczej – 12 listopada 1974 roku. Hip-hop został założony przez DJ-a Kevina Donovana.
Powyższa lista obejmuje tylko najpopularniejsze gatunki muzyczne.
Obecnie ciągle pojawiają się nowe gatunki muzyczne (gatunki muzyczne) i kierunki.
Lady Gaga - Judasz (łączy muzykę elektroniczną i taneczne rytmy).
Serwisowy spis artykułów stworzony w celu koordynowania prac nad rozwojem tematu. To ostrzeżenie nie zainstalowało ... Wikipedii
- ... Wikipedii
WYDAWNICTWA I WYDANIA DUCHOWE I MUZYCZNE- organizacje państwowe, kościelne i prywatne w Rosji i innych krajach, które wydawały drukowane wydania prawosławia. hymny kościelne i ich publikacje. W Rosji na początku XVII. XX wiek w XVII wieku publikacja śpiewaków haczykowych. książki w Rosji nie miały miejsca ani w 1652 roku, kiedy ... ... Encyklopedia prawosławna
Style muzyczne wpisane w twórczość zespołu: Aggro Industrial, EBM, Future Pop Kiedyś ktoś powiedział, że gra MAGIK BRITE: Metal, Post Industrial Jeśli odrzucić etykiety i podzielić brzmienie zespołu na składowe, okazuje się, że MAGIK… ... Wikipedii
Muzyka alternatywna (alternatywna) Kierunek: Rock Pochodzenie: punk rock, post-punk, hardcore punk, nowa fala Miejsce i czas powstania: koniec lat 70., początek lat 80., USA i Wielka Brytania ... Wikipedia
Ruch: hip hop Geneza: jazz, fusion, jazz funk, hip hop Miejsce i czas powstania: koniec lat 80., wschodnie USA Okres rozkwitu: koniec lat 80.; pocierać ... Wikipedię
Kierunek: rytm i blues Pochodzenie: soul, gospel, jazz Miejsce i czas powstania: lata 60., południowe stany USA Heyday ... Wikipedia
Nerdcore Kierunek: hip hop Pochodzenie: subkultura nerd, nintendocore, hip hop, alternatywny hip hop Miejsce i czas powstania: koniec lat 80., USA Nerdcore (angielski ... Wikipedia
Kierunek: Reggae Pochodzenie: rocksteady, ska, reggae, dancehall Miejsce i czas powstania: lata 80., Jamajka Okres rozkwitu: lata 80. ... Wikipedia
- (빅뱅) ... Wikipedia
Książki
- Kompozytorzy świata. Kalendarz referencyjny, . Kalendarz referencyjny adresowany jest do melomanów i profesjonalnych muzyków, uczniów i nauczycieli szkół muzycznych, bibliotekarzy, pracowników środków masowego przekazu…
- Muzyka. 4 klasie. Podręcznik. W 2 częściach (zestaw 2 książek + CD-ROM), VV Aleev. Podręcznik przeznaczony jest dla uczniów klasy IV. Motywem przewodnim roku jest „Muzyczna Podróż”. Uczniowie zapoznają się z kulturą muzyczną Rosji, a także krajów bliskiej i dalekiej zagranicy - ...
DOM KWASOWY- druga generacja "house", generowana przez atmosferę Chicago. Od innych kierunków różni się obfitością tripowych brzmień syntezatorowych oraz głębszym, psychodelicznym brzmieniem. Bardzo ważnym czynnikiem jest niemal całkowity brak wokali.
KWAŚNY JAZZ- styl muzyki tanecznej, który szczególną popularność zyskał od początku lat 90. Jej korzenie można nazwać „funkowymi”, „soulowymi” i tanecznymi tradycjami lat 70., a bezpośrednim przodkiem pod względem psychodelicznym jest ACID ROCK. Z punktu widzenia cech czysto muzycznych „acid jazz” jest pojęciem niejasnym. Decyduje jasne myślenie riffowe, połączenie racjonalnych partii tanecznych z improwizacjami, bogate i jednocześnie miękkie brzmienie. Wyraźne kwadratowe struktury w tempach od 88 do 116 bpm, duża liczba żywych instrumentów w połączeniu z elektronicznymi efektami dźwiękowymi - to właśnie odróżnia acid jazz od właściwej muzyki jazzowej, funkowej i tanecznej.
OTOCZENIA- styl muzyczny, który pojawił się w latach 70. Termin, podobnie jak pojęcie, został wprowadzony przez Briana Eno. Styl charakteryzuje się niejasnością jakichkolwiek składników: niejasnymi melodiami, niejasnym ruchem, często całkowitym brakiem rytmu. Tak naprawdę to wcale nie jest muzyka w klasycznym tego słowa znaczeniu, a zestaw szumów zwielokrotnionych przez opóźnienia i podkreślonych przez pogłos.
AVANTGARDE - Awangardowy rock, to pojęcie, które powstało w połowie lat 60., pochłonęło wszystko, co rozwinęło się pod wpływem jazzu, rocka, folku. Najjaśniejszymi przedstawicielami tego nurtu są „Velvet Underground” i „Mothers Of Invention”. Później termin „awangarda” zaczął odnosić się do różnych nietradycyjnych form muzycznych.
SZTUKA ROCKA- termin ten odnosi się do formy rocka łączącej elektroniczne brzmienie, rytm i blues, wschodnio- i średniowieczny folklor europejski, klasykę i jazz. Zespoły art-rockowe wykonują wieloaspektowe kompozycje i całe suity. Oratoria kościelne, średniowieczne madrygały, gotyckie pieśni i wstawki symfoniczne stały się swoistymi kliszami tego stylu. Charakterystyczne cechy to głęboki konceptualizm, duży udział instrumentalnej muzyki improwizowanej, długie utwory daleko wykraczające poza ramy popowego singla. Nie ostatnią rolę odgrywa scenografia, podczas koncertów można odgrywać mini-spektakle. Wśród przedstawicieli tego stylu są takie zespoły jak „King Crimson”, „Yes”, „Emerson, Lake & Palmer” czy „Genesis”. We współczesnej muzyce pop istnieją również terminy „klasyczny rock”, „rock symfoniczny”, „rock intelektualny”, wszystkie one oznaczają prawie to samo i po prostu niemożliwe jest ich jednoznaczne rozróżnienie.
BALLADA(ballada) - kompozycja wokalna, głównie o charakterze narracyjnym, pochodząca z kultury ludowej Anglii XVI-XVII wieku. Ballady charakteryzują się monofonią, formą dwuwierszowo-pieśniową, lakoniczną rytmiką. Od czasu do czasu zainteresowanie tym gatunkiem wyraźnie wzrosło, w wyniku czego ballady szkockie, chopinowskie instrumentalne, jazzowe, rockowe itp. są znane światu muzycznemu.
BARD- (bard - słowo pochodzenia celtyckiego) poeta i muzyk, wykonawca własnych pieśni.
BIĆ- ten styl pojawił się na początku lat 60., kiedy w Ameryce fala zamiłowania do rock and rolla zaczęła słabnąć. W Anglii, a dokładniej w Liverpoolu, zaczęły powstawać setki zespołów, które grały w szkołach, klubach i na tańcach. Grali ten sam rock and roll, ale z charakterystyczną dla Brytyjczyków powściągliwością. Najjaśniejszym przedstawicielem tego stylu są wcześni „The Beatles”.
DUŻE UDERZENIE- głównym wyróżnikiem „big-beatu” jest specyficzne brzmienie tworzone przy pomocy specjalnego sprzętu studyjnego, a także mocne dociążenie (w porównaniu z tripem czy hip-hopem) głównego groove’u i całościowej faktury. „Big Beat” łączy w sobie funkowe rytmy hip-hopu, moc rocka i swingowe techniki house. Lepiej tańczyć do „big beatu” niż go słuchać. Często w publikacjach muzycznych „big beat” nazywany jest także „chemicznymi bitami”. Wśród ojców założycieli „big beatu” znajduje się tzw. „CHEMICAL BROTHERS”. Jeśli słyszysz „grubą” linię basu, inną zarówno od „techno”, jak i „jangle” z bębnem basowym na pierwszym takcie, jeśli czujesz przerywany pulsujący rytm, nie wahaj się – to „big beat”. Najbardziej znanymi i znanymi przedstawicielami tego stylu są „EBOMAN”, „PROPELLERHEADS”, „RHYTHM ACE”.
BLUES- ten styl był pierwotnie solowym wykonaniem przez Afroamerykanów kompozycji lirycznych, głównie o charakterze smutnym. Celowa monotonia i powtarzalność bitów charakterystyczna dla bluesa stała się podstawą rock and rolla.
BREAKDANCE- taniec, który pojawił się na samym początku lat 80. w nowojorskiej dzielnicy Bronx. Jego korzenie sięgają Afryki, a muzycznym akompaniamentem jest „rap” i progresywna muzyka elektroniczna. Ruchy podstawowe: kroki ślizgowe, podskoki, obroty na podłodze, a także wszelkiego rodzaju numery akrobatyczne. W połowie lat 80. moda na breakdance prawie całkowicie zniknęła, ale w latach 90. ponownie o niej przypomniano.
PRZERWA- ("broken" beat) styl, a właściwie cały kierunek, ukształtował się na początku lat 90., stylistycznie ostatecznie ukształtowany w 1994 roku. Za miejsce jego narodzin uważa się Wielką Brytanię, a głównymi miastami, w których początkowo ten styl był najbardziej rozpowszechniony, są Londyn i Bristol. Nazwa stylu w pełni oddaje jego istotę: brak bezpośredniości i delikatności. Często określenie „breakbeat” odnosi się do bardzo specyficznej, agresywnej muzyki w tempie około 130-140 bpm, z gęstym brzmieniem gitary, z wyraźnymi akcentami perkusji na 2 i 4 bicie i zamieszaniem w 3. obszarze. Głównymi kryteriami definiującymi „breakbeat” są czyste, prawie nieobrobione bębny i perkusja (z możliwym wyjątkiem kompresji) oraz standardowy rytm 4/4. Celowość brzmienia podkreślają namacalne linie basu, wykorzystujące analogowe urządzenia typu „Roland TB-303”. Czasami do końcowego patosu używane są instrumenty dęte lub orkiestra symfoniczna.
BRISTOLSKI DŹWIĘK- Na szczególną uwagę zasługuje w tym przypadku "trip-hop" z Bristolu. Najbardziej znanymi i wybitnymi przedstawicielami tego nurtu są: „MASSIVE ATTACK”, „PORTISHEAD” oraz Tricky. Styl ten charakteryzuje się wolnym rytmem opartym na "hip-hopie" połączonym z elementami "reggae dub" i ciekawymi dźwiękami elektronicznymi.
MUZYKA KLUBOWA- (muzyka klubowa) odnosi się do szeregu nowych kierunków, które stały się modne w ostatnich czasach. Wśród nich są „acid jazz”, „drum-and-bass”, „jungle” i inne. Wspólną cechą jest taneczność, monotonia, wykorzystanie technologii sekwencera i pętli, zwiększona rola DJ-a w tworzeniu muzyki.
KRAJ- czysto amerykańska muzyka, która ucieleśnia tradycje białej populacji Stanów Zjednoczonych. Jej korzenie tkwią w folklorze. Od czasów Dzikiego Zachodu te bezpretensjonalne piosenki o miłości, lojalności, przyjaźni i domu wykonywane są na banjo, gitarach i małych skrzypkach. Tak znane zespoły jak "EAGLES" czy "CREEDENCE" czerpały wiele swoich pomysłów z muzyki country.
MUZYKA TANECZNA(muzyka taneczna) to przede wszystkim muzyka elektroniczna i pokrewna. Chociaż, oczywiście, rzadka praca powstaje teraz bez pomocy komputera lub syntezatora. Jeśli chcesz zorientować się w stylach, najlepszym sposobem na poznanie stylu danej kompozycji tanecznej jest zapytanie jej autorów lub przyjrzenie się napisowi na płycie lub płycie CD. Faktem jest, że wiele pojęć jest tak niejasnych, że nie podlegają jasnemu uporządkowaniu.
DYSKOTEKA- styl muzyczny przeznaczony głównie do tańca. Pojawił się na początku lat 70. Melodia i schemat rytmiczny zbudowane są wokół tego samego i częstego uderzenia perkusji (120 - 140 uderzeń na minutę). Najjaśniejszymi przedstawicielami tamtych czasów są „Boney” M, Donna Summer, „Bee Gees” itp. Następnie styl „disco” stał się punktem wyjścia dla współczesnej kultury tanecznej i dał początek wielu modnym stylom i trendom opartym na wykorzystanie nowoczesnych najnowszych technologii muzycznych.
UPADKI- styl muzyczny zbliżony do "hip-hopu", relaksujący, raczej powolny schemat rytmiczny z miękkim, ciepłym basem. Termin ten pojawił się w związku z publikacją w prasie recenzji instrumentalnego „hip-hopu”. W styczniu 1998 roku francuski zespół "AIR" wydał swój debiutancki album "Moon Safari", który jest świetnym przykładem tej kategorii.
WYMARZONY POP- powstał na początku lat 80-tych na bazie brytyjskiego elektronicznego psychodelicznego "PINK FLOYD", ambientu Briana Eno, "soundscapes" Roberta Frippa, niemieckich poszukiwań "kraut-rocka". "Dream Pop" stworzył atmosferę tajemniczości, ponętnej i przyjemnej tajemnicy, jakby dochodzącej "z otchłani czasu". Przedstawiciele tego nurtu przykładali dużą wagę do aranżacji, szeroko wykorzystując akustyczne, symfoniczne, „chóralne”, a także absolutnie fantazyjne brzmienia syntezatorów, wykorzystując elementy artystycznego języka „klasyki” i folku. Ponadto nie stronili od „wizyt” w muzyce pop. Zwiewna, płynna, "atmosferyczna" gitarowo-elektroniczna materia, obszerne brzmienie z obfitością perkusji rozsianych po panoramie stereo, niemal operowe, kobiece wokale z charakterystycznym vibrato były wizytówką liderów "dream-popu". W drugiej połowie lat 80. na bazie "dream-popu" wyrósł taki kierunek jak "Shoegazing", charakteryzujący się bogatszym gitarowo-syntetycznym brzmieniem i ponurym duchem. Z drugiej strony badania nad „dream popem” okazały się bliskie muzyce relaksacyjnej „new age”, a także niektórym obszarom „house” („dream house”, „trip hop” itp.).
DRUM"N"BASS- jedno z wcieleń koncepcji „breakbeat”. Utworzony na początku lat 90. jako styl, który łączy linię basu przy 80 bpm i obfitość różnych bębnów przy 160 bpm. Nic więcej. Ze względu na temperament bębnów styl ten odbierany jest jako styl taneczny, ze względu na wolniejszą (często o charakterze reggae) linię basu może być odbierany jako muzyka relaksacyjna. Stopniowo do tego stylu zaczęto dodawać piękne, czasem melancholijne melodie. Krótko mówiąc, do połowy lat 90-tych "Drum" n "bass" powoli, ale konsekwentnie przekształcił się w inteligentną dżunglę.
DUB - Ten styl muzyczny jest najczęściej używany do relaksu. Jego głównym wyróżnikiem jest soczysty, jasny, głośny bas prowadzący wyraźną, choć towarzyszącą mu linię. Kolejną cechą jest powolny łamany rytm i duża ilość pogłosu.
MUZYKA ELEKTRONICZNA- szkoła muzyczna nastawiona przede wszystkim na badanie i wykorzystanie możliwości syntezy dźwięku, tworzenie zupełnie nowych, niespotykanych wcześniej, sztucznych barw. Historycznie grunt pod narodziny muzyki elektronicznej przygotował rozwój sonorystycznej interpretacji dźwięku w twórczości kompozytorów pierwszej połowy XX wieku. Muzyka elektroniczna narodziła się w Niemczech i po raz pierwszy dała się poznać w 1951 roku, kiedy na Letnich Kursach Muzyki Współczesnej w Darmstadt W. Mayer-Eppler zademonstrował przykład montażu „elektrodźwiękowego”. Najwięksi przedstawiciele szkoły elektronicznej to Niemcy Herbert Eimert, Karlheinz Stockhausen, Hans Werner Henze, Francuz Henri Pusser, Pierre Boulez, Włosi Bruno Maderna, Luciano Berio, Japończyk Toshiro Mayuzumi i inni. Osiągnięcia szkoły elektronicznej wywarły ogromny wpływ na muzykę pop, rock i taniec nowoczesny.
BOJ- kierunek wywodzący się wśród czarnoskórych wykonawców jako kontynuacja muzyki soul, ale na innej, bardziej sztywnej podstawie rytmicznej. Pod koniec lat 60. stał się znaczącym czynnikiem w walce amerykańskich Murzynów o swoje prawa. Stanowiła podstawę muzyki „fusion”, „motown”, „hip-hop”, a także niektórych form współczesnej „muzyki klubowej”.
GABBER- najszybszy i najtwardszy rodzaj "hardcore'u" został wynaleziony w Holandii w 1989 roku. Liczba uderzeń na minutę dla tej odmiany dochodzi czasami do 400, ale zasadniczo liczba ta mieści się w granicach 200 BPM. Często używane są przyspieszone zabawne próbki z audycji radiowych dla dzieci i inne zabawne skecze dźwiękowe, które podobno nadają muzyce trochę głupkowatości.
GLAM-ROCK- to samo, co „glitter rock”. Ten muzyczny trend narodził się na początku lat 70. w Wielkiej Brytanii. Charakteryzuje się pompatycznością, błyskotliwością i naciskiem na wygląd artysty lub muzyka. W tekstach jest dużo estetyki i fantazji. Głównymi przedstawicielami tego stylu są "KISS", DAVID BOWIE, ALICE COOPER, "ROXY MUSIC" i inni.
POZDRAWIAM HARDCOREM- pop i najbardziej taneczna wariacja na temat "hardcore". Dziecinne głosy, słodziutkie melodie, ten sam szybki bit, który jednak jest łagodzony różnymi komercyjnie opłacalnymi brzmieniami i modnymi syntezatorami. Typowym przedstawicielem tego kierunku jest grupa „SCOOTER”.
HARD ROCK- Hard Rock. W połowie lat 60., opierając się na „bluesie”, wiele grup, czyniąc ten styl muzyczny cięższym, zbliżyło się do idei „hard rocka”. Jako niezależny styl muzyczny, „hard rock” został w pełni rozwinięty do końca 1966 roku. W tym czasie w Anglii i USA pojawiła się jednocześnie ogromna liczba zespołów najwyższej klasy, między innymi „LED ZEPPELIN”, „DEEP PURPLE”, „BLACK SABBATH”, „URIAH HEEP” i inne. Każdy z nich wniósł do tej muzyki swoje specyficzne brzmienie. Przez kilka lat „hard rock” rozwijał się i poszerzał swoje możliwości, jednak w połowie lat 70. zainteresowanie tą muzyką zaczęło zanikać. Mimo to wielu współczesnych wykonawców dość często sięga do dziedzictwa kulturowego tego stylu.
Logiczna kontynuacja „hard rocka”. Stare autorytety zostały zastąpione przez ambitną młodzież, która miała aż nadto energii - wylewała ją potem na słuchaczach pod koniec lat 70. Muzycy tego stylu grali jeszcze mocniej i szybciej. Z biegiem czasu „metal” ma swoje własne trendy, z których najważniejsze to „THRASH” i „SPEED METAL”. W tym stylu trudno znaleźć oryginalne drogi rozwoju i dlatego wiele grup było do siebie podobnych. Ale były też prawdziwe gwiazdy, na przykład „METALLICA”, „BON JOVI”, „DEF LEPPARD”, „SCORPIONS”, „AC / DC”, „AEROSMITH”, „IRON MAIDEN” i inne.
hip hop- rodzaj miejskiej czarnej subkultury, która wyszła na powierzchnię poza gettem na początku lat 80. Stając się modną, wykroczyła poza granice Stanów Zjednoczonych i objęła na krótki okres część białej młodzieży zdolnej do odbioru muzyki „funk”. Główne elementy to rap, breakdance (elektryczne boogie, breakdance, frieze), graffiti i sporty uliczne. Lata 90. przyniosły drugą falę zainteresowania hip-hopem, zwłaszcza rapem w jego nowszych formach.
MUZYKA HOUSE- to jest tak zwana "muzyka domowa", bo można ją było robić w domu i na dyskotekach. Występowała w połowie lat 80. w Chicago i Nowym Jorku. DJ-e, korzystając z kilku odtwarzaczy, sekwencera i syntezatora, za pomocą miksowania i nakładania utworów, grali własną muzykę, czasami łącząc zupełnie różnych wykonawców. Struktura klasycznego „house” jest dość prosta: standardowe metrum 4/4 i niezbyt szybkie tempo (około 120 BPM). „Solo” lub klaskanie zwykle przypada na drugą i czwartą kwartę, a kapelusz rozbrzmiewa co szesnasty takt (w przerwie między bębnem basowym). Utwory „House” są zwykle wypełnione jasnymi i pięknymi pasażami, głównymi akordami i prostymi, ale chwytliwymi melodiami. Korzenie stylu wywodzą się z takiej muzyki jak „disco” i „soul”.
IDM (INTELIGENTNA MUZYKA DO TAŃCA)- Założycielem tego alternatywnego kierunku muzyki elektronicznej jest angielski muzyk techno Richard James, znany jako "Aphex Twin". Powszechnie przyjmuje się, że styl ten powstał w 1989 roku, a termin powstał w czeluściach sieci komputerowych w 1993 roku w celu określenia muzyki, która nie mieściła się w ramach żadnego z istniejących stylów lub w ogóle nie była podobna. Lekką ręką angielskich informatyków, którzy wprowadzili ten termin, cała niezrozumiała eksperymentalna muzyka techno (czyli muzyka wykorzystująca technologię) zaczęła być nazywana trzema literami IDM. W pewnym momencie zespoły od „Cosmic Baby” do „Cabaret Voltaire”, od „Banco De Gaia” do „Goldie”, od „Portishead” do „Underworld” mieściły się w definicji tego stylu. Od tego czasu styl ten uzyskał bardzo określone ramy.
INTELIGENTNY- muzyka o tej charakterystyce przeznaczona jest bardziej do słuchania i relaksu niż do użytku na imprezach, zwłaszcza jako dekoracja parkietu. Istnieją inteligentne warianty „dżungli”, „techno”. W porównaniu do czystych stylów, ich rozsądne wersje są bardziej melodyjne, klimatyczne i można prześledzić temat, często bardzo ładny.
JAZZ-ROCK- kierunek konceptualny, który powstał pod koniec lat 60. w oparciu o syntezę kilku kultur muzycznych - jazzu, funky soul, muzyki rockowej, muzyki klasycznej i etnicznej. Stop działalności białych i czarnych muzyków, starożytnych tradycji Wschodu i nowoczesnych zachodnich technologii.
DŻUNGLA- styl narodził się w Anglii w 1988 roku. To muzyczny kierunek, który łączy w sobie energię połamanych afrykańskich rytmów i możliwości współczesnej technologii. "Jungle" wyróżnia się agresywnym brzmieniem, przyjętym tempem: 180-190 bpm, polifonią rytmiczną, poszarpaną linią basu, swobodnym przesuwaniem schematów rytmicznych, lekkim zróżnicowaniem barwy. Od 1992 roku nastąpił przełom stylistyczny na dużej scenie dzięki singlowi SL2 „On A Ragga Tip”. Od tej pory „dżungla” cieszy się dużą popularnością, zwłaszcza wśród Brytyjczyków i zaawansowanych jazzmanów. Dowody na istnienie tego sub-stylu „jungle jazz”.
MINIMALNA TECHNOLOGIA- to po prostu niezwykle prosty rytm i kilka specyficznych, często syntetyzowanych dźwięków z niewielką ilością różnego szumu. Z muzycznego punktu widzenia ten styl jest bardzo interesujący i oryginalny właśnie ze względu na maksymalną prostotę wykonania.
NOWA ERA- rodzaj muzyki, głównie instrumentalnej, rozwinięty w związku z działalnością nowej klasy - "młodych zawodowców miejskich" - "yuppies". Kojąca, szlachetna, przeważnie spokojna muzyka oparta na nowej klasyce i starożytnej medytacji. Nieagresywny i z natury - nie improwizacyjny. Wykorzystuje najbardziej zaawansowaną technologię elektroniczną wraz z czystymi dźwiękami akustycznymi.
MUZYKA POPOWA- koncepcja obejmująca różnorodne style, nurty i gatunki współczesnej muzyki. Termin „muzyka pop” pojawił się po raz pierwszy pod koniec lat pięćdziesiątych. i pierwotnie był używany w odniesieniu do komercyjnej muzyki rockowej. W dzisiejszych czasach muzyka pop obejmuje wszystkie zjawiska komercyjnego przemysłu muzycznego i rozrywkowego. Najważniejszymi kanałami dystrybucji muzyki pop są radio, telewizja i wytwórnie płytowe. Współczesny rynek muzyki pop jest współwłasnością kilku europejskich i amerykańskich wytwórni płytowych, ściśle powiązanych z radiem, prasą, sklepami i telewizją. Ich działania zapewniają ciągłą komercjalizację i standaryzację twórczych ustaleń, a także promowanie popularności artystów „gwiazd”, legitymizując lub umiejętnie kopiując zestaw modnych cech stylistycznych.
POST-PUNK- jedna z odmian „nowej fali”, która zastąpiła „punk rocka” drugiej połowy lat 70. W przeciwieństwie do „nowej fali”, „post-punk” jest konceptem stylistycznym, a nie socjokulturowym, choć i tutaj mamy do czynienia nie z jednym stylem, ale z całym ich konglomeratem. „Post-punk” pojawił się w latach 1977-78, kiedy brytyjska „histeria” punkowa zaczęła powoli uspokajać się i komercjalizować. Muzycy, którzy zastąpili pokolenie punków, lubili niezależnego ducha i surowe brzmienie punka, jednak swój stosunek do otaczającego ich świata starali się wyrazić za pomocą nowych środków wyrazu, nowych technologii i barw. Poza tym publiczność jest już zmęczona agresywnością, nihilizmem, cynizmem, „brudami”, które wylał na nią „punk”. Post-punk stał się więc w pewnym stopniu nie tylko kontynuacją, ale i reakcją na twórczość swoich poprzedników. Przywrócił muzyce nutę romansu, czasem nawet smutku, depresji i skupił się na wewnętrznych, osobistych problemach. Oprócz „punka” znaczący wpływ na powstanie „post-punka” miał również taneczny gatunek „disco”, elektroniczny „ambient”, a także wiele innych źródeł – od „art rocka” po amerykański akademicki minimalizm. Przedstawiciele „post-punka” w Wielkiej Brytanii („THE CURE”, „ECHO & THE BUNNYMEN”, „BAUHAUS”, „JOY DIVISION”, „JAPAN” itp.) grali ponurą, zimną, nerwową muzykę. Nastrój muzyki amerykańskich post-punkowców przełomu lat 70. i 80. był bardziej pozytywny, energetyczny, ironiczny. Styl muzyczny był eklektyczny: łączył w sobie cechy „rock and rolla”, „big beatu”, garażowego rocka lat 60., „rockabilly”, „country”, „disco”, a wszystko to opierało się na tanecznym rytmie ( „THE B-52”, „BLONDIE”, „SAMOCHODY”, „PRETENDERY” itp.).
PROGRESYWNY– słowo ukute wśród dziennikarzy muzycznych, pierwotnie oznaczało kierunek muzyki techno, który podkreślał bynajmniej nie umiejętne samplowanie i syntezatorowe „pętle”. Preferowano dokładne kopiowanie żywych instrumentów i poszukiwanie udanych krótkich melodii. Jednak nigdy nie powstał odrębny styl, więc termin „progresywny” ma sens tylko jako cecha charakterystyczna (na przykład „progresywny dom” itp.)
PUNK- powstał w 1974 roku w Nowym Jorku, a swoje apogeum osiągnął w 1976 roku w Anglii. Uważa się, że był to protest przeciwko oficjalnej muzyce rockowej, która ucieleśniała rozpacz młodego pokolenia. Filozofia punków jest elementarna: uniwersalny nihilizm i zaprzeczanie wartościom społecznym. Głównym muzycznym ideologiem ruchu punkowego była grupa „SEX PISTOLS”.
RAGTIME- To gatunek muzyki fortepianowej, później orkiestrowej przełomu XIX i XX wieku. Otrzymał najszerszą dystrybucję zarówno na scenie, jak iw życiu codziennym. Pomimo pozornej łatwości, styl fortepianowy „ragtime” wymaga wysokiego poziomu techniki.
ZACHWYCAĆ SIĘ- "rave", w odróżnieniu od zwykłej tanecznej imprezy, coś w rodzaju zbiorowej medytacji, kiedy to pod wpływem ostrego rytmu i elektronicznych melodii tancerze wchodzą w stan półhipnozy. Sercem rave jest DJ. W tej muzyce istnieje wiele tak zwanych stylów, często różnią się one jedynie schematem perkusji, ale dzielą się na dwie imponujące grupy - „trance” i „house”. „Trance” jest wykonywany przy użyciu analogowych syntezatorów (a czasem samplowanych instrumentów „na żywo”, takich jak etniczne) i ma silny wpływ emocjonalny na słuchacza, co znajduje odzwierciedlenie w tytule. „Trance” pojawił się w Europie, „house” narodził się w Nowym Jorku. Muzyka techno powstała w Niemczech w 1987 roku, wymyślona przez DJ-a o imieniu Westbam. DJ-e zwykle specjalizują się w jednym lub kilku stylach, ale są też generaliści. R&B - (Rhythm and blues), bluesowy styl wokalno-instrumentalny muzyki murzyńskiej lat 30., który powstał pod wpływem swingu. Następnie skomercjalizowane. Jest uważana za jedną z najwcześniejszych form murzyńskiej muzyki rockowej. Jego komercyjne modyfikacje, stworzone przez białych muzyków, obejmują „rock and roll” i „twist”.
GŁAZ(skrót od rock „n” roll) – nurt w amerykańskiej i europejskiej muzyce rozrywkowej (od lat 50. XX wieku), zrodzony na fali społecznych „nonkonformistycznych” ruchów młodzieżowych. Wywodząca się z USA pod postacią rock and rolla muzyka rockowa od lat 60. zdobywa szeroką popularność, głównie dzięki brytyjskim zespołom rockowym - THE BEATLES, ROLLING STONES itp. (do lat 80. oba kraje zajmowały czołowe pozycje na świecie muzyka rockowa). Przyswojenie przez muzyków rockowych cech kompozycyjnych i harmonicznych bluesa odegrało decydującą rolę w kształtowaniu stylu muzyki rockowej. Jego istotnymi cechami są szczególne pulsacje rytmiczne w basie, stosowanie głównie instrumentów elektromuzycznych, które decydują o wzmożonej dynamice muzyki, przewaga zasad rytmicznych i harmonicznych nad melodycznymi. W przyszłości, rozwijając się w interakcji z muzyką pop oraz w związku z ekspansją show-biznesu, muzyka rockowa przeszła znaczną ewolucję stylistyczną. Teraz jest to rozgałęziona kultura, składająca się z wielu ruchów muzycznych z własnymi cechami w różnych krajach.
ROCKABILLY to jeden z najbardziej kontrowersyjnych pod względem etymologicznym stylów muzyki popularnej. Niewiele osób w Europie wie, że przez długi czas w USA „rockabilly” uznawany był za jeden z podstylów „country”. „Rockabilly” łączy w sobie elementy „hillbilly” i „rhythm and blues”. Styl ten narodził się w południowych Stanach Zjednoczonych wśród białych nastolatków, którzy mieszali elementy muzyki country, energię „rock and rolla” i rytmy czarnej muzyki.
ROCK N ROLL- termin ten pojawił się na początku lat 50. Zaczęli więc nazywać nieco zmodyfikowaną czerń „rhythm and blues”. Biała populacja Stanów Zjednoczonych potrzebowała własnej muzyki tanecznej, która opierałaby się na wyraźnym basowym rytmie i wyrazistych melodiach. W kwietniu 1954 roku ukazał się singiel „ROCK AROUND THE CLOCK” w wykonaniu Billa Haleya - to on był impulsem do gwałtownego wzrostu zainteresowania tym stylem. W latach 50. było wielu pierwszorzędnych wykonawców i kompozytorów: Chuck Berry, Buddy Holly, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Elvis Presley - wszyscy oni stali u początków „rock and rolla”. Z biegiem czasu ten styl się zmienił, wchłaniając różne muzyczne kierunki, teksty piosenek rozrywkowych stały się filozoficzne i dotkliwie towarzyskie. Teraz ta koncepcja obejmuje całą współczesną muzykę gitarową, z wyjątkiem kultury tańca masowego.
SZYBKI GARAŻ- styl klubowej muzyki tanecznej pojawił się w 1996 roku, a rok 1997 to czas jego aktywnego rozwoju w muzycznym świecie. Najpierw Stany Zjednoczone, potem Anglia, a wkrótce cały świat zaczął poruszać się w rytmie „speed-garage”. To był początek swoistego eksperymentalnego „house”, który szybko przekształcił się z eksperymentalnego w potężny ruch taneczny, słusznie nazywany modnym „speed-garage”. Cechą charakterystyczną jest linia basu, która dosłownie zajmuje pierwszy plan muzycznego obrazu i nadaje energiczne pompowanie rytmu i atmosfery na parkiecie, dzięki czemu „speed-garage” szybko spopularyzował się na całym świecie. świat. Nawiasem mówiąc, prawdopodobnie dlatego niektórzy nazywają „speed-garage” taneczną mieszanką „house” i „jungle”. Inną cechą muzyki „speed-garage” są liczne i długie, pozbawione bitów sekcje, które czasami służą jako preludium do drugiej części kompozycji, zmuszając tancerzy do rozweselenia narastającą falą przerw i rozżarzonej atmosfery na parkiecie . Czas przejść do bezpośrednich przykładów – jest ich sporo, ale podam te najbardziej wyraziste: Goldie feat. KRS jeden "Da Digital" (Armand's Speed Garage Mix), Double 69 "Ripgroove", Ultra Nate "Free" (R.I.P. Up North Mix), Mousse T, Armand van Helden, Todd Terry, Double 99, Ultra Nate, 187 Lockdown, Serious Danger „Speed Garage” to świetna taneczna hybryda starego i nowego w dzisiejszej kulturze tanecznej.
SPEED-METAL- jedna z wczesnych odmian "metalu", która pojawiła się w pierwszej połowie lat 80. Decydowało o tym szybsze niż w „klasycznym” heavy metalu tempo, większa agresywność, wojowniczość, energetyczne brzmienie, ciążenie w kierunku wirtuozowskiego gitarowego solo oraz szybkich „szachów” w akompaniamencie (stąd nazwa: od angielskiego speed – speed), bardziej częsta siatka rytmiczna (dwie beczki), bardziej ekspresyjna maniera wokalna (bardzo wysoki tenor lub „warczący” wokal). „Speed metal” nie rozwinął się w potężny, masowy kierunek, stając się raczej etapem przejściowym do thrash metalu: ten ostatni wziął za podstawę takie cechy, jak duża szybkość wykonania, technika, asertywność, interpretując je na swój własny sposób drogę do jeszcze większej agresji w „thrash”. Niemniej jednak wpływ „AIDS” jest widoczny do dziś, nawet na poziomie poszczególnych dzieł. Wśród aktualnych „szybkich” dzieł można wymienić: debiut amerykańskiego zespołu „METALLICA”, wczesne albumy kanadyjskiego zespołu „EXCITER”, niemieckiego „HELLOWEEN”, „RAGE”, „BLIND GUARDIAN”. Czasami twórczość takich mistrzów sztuki gitarowej, jak Yngwie Malmsteen czy Joe Satriani, nazywana jest także „speed metalem”, co nie jest prawdą, nawet biorąc pod uwagę niezwykłą techniczność, wirtuozerię i inspirację tkwiącą w tych wykonawcach.
SURFOWAĆ- czysto amerykański styl muzyczny, który powstał na początku lat 60. Jego najjaśniejszym przedstawicielem była grupa „BEACH BOYS”, która wykonywała słodkie piosenki z prostym motywem.
HUŚTAĆ SIĘ- styl jazzu orkiestrowego, który rozwinął się na przełomie lat 20. i 30. XX wieku. w wyniku syntezy murzyńskich i europejskich form muzyki jazzowej. Charakterystyczny rodzaj pulsacji polegający na stałych odchyleniach rytmu (wyprzedzenie lub opóźnienie) od udziałów referencyjnych. Stwarza to wrażenie dużej energii wewnętrznej w stanie niestabilnej równowagi.
SYNTY POP- styl, który stał się jednym z godnych uwagi zjawisk w ramach wczesnej "nowej fali" (obok post-punka, z którym synth-pop ma wiele przecięć). Na przełomie lat 70. i 80. skończył się krótkotrwały, ale bardzo jasny okres „punka”. Ale dla niektórych brytyjskich muzyków idea „punka” była tak słodka, że nie zamierzali się z nią rozstawać. Innowatorzy, tacy jak Gary Numan i HUMAN LEAGUE, przenieśli się na syntezatory i automaty perkusyjne, łącząc szaleńczą energię „punk rocka” z rytmami disco i elektronicznymi możliwościami, które już udowodnili „geniusze komputerowi”, tacy jak „KRAFTWERK”, „CAN” i Brian Eno ( Briana Eno). Idealną równowagę między mroczną, ponuro-melancholijną energią a tanecznością znalazł "DEPECHE MODE". Zwrócił się do synth-popu „JOY DIVISION” i „NEW ORDER”. Synth-pop jest często określany jako BRONSKI BEAT, PET SHOP BOYS, Howard Jones i kilku innych artystów, którzy pojawili się na scenie bliżej połowy lat 80-tych. Z początku bardzo niekomercyjny, skoncentrowany na twardym, chłodnym brzmieniu syntezatorów i minimalistycznych „haczykach”, ruch „synth-pop” szybko przekształcił się w bardziej zabawny, romantyczny plan, nabierając bardziej płynnego brzmienia (z schematycznymi melodiami i rodzajami akompaniament), główny nastrój. Na gruncie "post-punka" i "synthesis-popu" w latach 1981-82 rozpoczął się ruch "nowego romantyzmu", później - electro-popu i "gotyku".
TECHNO- termin ten pojawił się na przełomie lat 70-tych i 80-tych, kiedy kompozycje muzyczne nabrały futurystycznego brzmienia, normą stały się minimalistyczne melodie i mechanistyczny wokal, ktoś postanowił nazwać to wszystko techno-popem. Oczywiste jest, że atrybutami definiującymi „techno” są wszelkiego rodzaju technologie, od automatu perkusyjnego po sampler. Oprócz, że tak powiem, ogólnego znaczenia, „techno” ma jeszcze jedną rzecz: jest to styl taneczny z prostym rytmem i wyraźnymi melodiami na trzy lub cztery akordy. Po ciężkiej fali "Detroit techno" przełomu lat 80-tych i 90-tych, termin ten mocno i niezawodnie zakorzenił się w muzyce hard minimalistycznej w zakresie tempa 130-150 bpm.
TECHNO HARDCOREM- cięższa, mniej abstrakcyjna i bardziej agresywna wersja "techno". Bardzo szybki i bezpośredni bit, mnóstwo industrialnych brzmień, krzyków, krzyków, zgrzytów i wyjących syntezatorowych motywów. W utworach „hardcore” ludzie lubią używać „crashów”, a także efektów takich jak „distortion”. Charakterystyczną cechą tego stylu jest szybkie tempo (od 170 do 400 BPM) oraz twarda bęben basowy, przechodzący przez przester. Warto powiedzieć, że to właśnie w „hardcore” w dawnych czasach po raz pierwszy zaczęto stosować łamany rytm, charakterystyczny dla utworów „dżungli”. Wraz z prostym rytmem można również usłyszeć dość synkopowane wypełnienia.
THRASH METAL- jedna z odmian „metalu”, która powstała w pierwszej połowie lat 80. Główna zasługa powstania („thrash” należy do amerykańskich muzyków (w większości rodowitych z Kalifornii), którzy zakochali się w brytyjskim „heavy metalu”. Entuzjastyczne recenzje „nowej fali brytyjskiego heavy metalu” przedostały się do Ameryki poprzez prasę, a muzyka dotarła do Nowego Świata na płytach. Wśród grup pierwszego „thrashowego eszelonu” obok „METALLICA” wymienić należy „MEGADETH”, „EXODUS”, „ANTHRAX”, „SLAYER”, „OVERKILL”, „TESTAMENT”, „ANNIHILATOR”, „SEPULTURA”, „KREATOR” itp. „Thrash” charakteryzuje się twardymi, lapidarnymi basowymi i gitarowymi riffami, „piekielnymi” trytonowymi zwrotami (pochodzącymi z „BLACK SABBATH”). Tempo w „thrash”, podobnie jak w „speed-metalu”, waha się od średnio szybkiego do bardzo szybkiego. Typową oznaką „thrash” jest intensywne tremolo gitary basowej i rytmiczny unisono z wybuchami dwóch beczek (stąd właściwie , nazwa stylu: z angielskiego na thrash - thrash, drum) Linie wokalne są często dysonansowe z fakturą instrumentalną, choć generalnie m stylu wokalnego, choć dość wymuszonego, nie można nazwać antymuzycznym. Rola „thrash metalu” dla dalszego rozwoju międzynarodowej muzyki „ortodoksyjnej” i „alternatywnej” jest nie do przecenienia. Odmiany „thrash” to „techno-thrash” i „thrashcore”.
TRIP HOP- Anglia jest uważana za miejsce narodzin tego stylu, skąd pochodzi większość muzyków tego kierunku. Nazwę „trip hop” nadano w 1994 roku, choć podobna muzyka grana była dużo wcześniej. Styl oparty jest na powolnym (nie więcej niż 110 uderzeń na minutę) łamanym ruchu rapowym. Najczęściej jest to muzyka instrumentalna, często zawiera elementy jazzu. Żywe instrumenty są tu z powodzeniem łączone z elektronicznymi.
Piosenka jest najczęstszym rodzajem muzyki wokalnej. Rozróżnij pieśń ludową i autorską (profesjonalną). Te dwa rodzaje pieśni nieustannie na siebie oddziałują: elementy pieśni ludowych są wykorzystywane przez kompozytorów w ich twórczości, a najpopularniejsze pieśni autorskie są folkloryzowane. Pieśni różnią się także gatunkiem, strukturą, formami wykonania, sferami istnienia itp. (zarówno codzienne, liryczne i hymniczne, monofoniczne i polifoniczne, solowe i chóralne, z akompaniamentem i bez, pieśni dla śpiewaków zawodowych i do wykonania masowego itp. . P.). W niektórych krajach termin „piosenka” (niem. skłamał, Francuski pieśń, Język angielski utwór muzyczny) dotyczy .
Teksty to zwykle szczególny gatunek poezji. Wyróżnia się klarownością kompozycji, zbieżnością aspektów składniowych i strukturalnych (równość strofy i pełnej myśli, wersu i frazy). W rosyjskiej poezji pieśniowej najczęstsze są czterostopowe trocheje i trzyczęściowe rozmiary. Wiersze skonstruowane w ten sposób najczęściej stawały się popularnymi piosenkami, ludowymi lub autorskimi (A. S. Puszkin - „Zimowa droga”, A. A. Delvig - „Słowik, mój słowik”, Ya. P. Polonsky - „Pieśń Cygana”, N A. Niekrasow - „Och, pudełko jest pełne, pełne ...” i inne).
M. Jakowlew. „Wieczór zimowy” (wersety A. S. Puszkina)
Piosenki charakteryzują się szczególnym rodzajem związku między muzyką a słowem. Melodia pieśni jest uogólnionym, ostatecznym wyrazem figuratywnej treści tekstu jako całości; w przeciwieństwie do romansu nie wiąże się z poszczególnymi obrazami poetyckimi ani intonacjami mowy tekstu. Jednocześnie melodia i tekst mają podobną strukturę; składają się z równych (w muzyce - i tych samych) konstrukcji: zwrotek lub kupletów (często z refrenem - refrenem). Podział wewnętrzny strofy muzycznej (kuplet) odpowiada również podziałowi strofy poetyckiej.
Rimbaud de Vaqueira. Estampida
Początki gatunku pieśni sięgają czasów starożytnych. W sztuce starożytnej poezja i muzyka nie były rozdzielone i istniały jako jedna sztuka pieśni. Monofoniczne pieśni trubadurów, truwerów, minnesingerów i mistrzów średniowiecza ujawniają nierozerwalną jedność słowa i melodii. Z reguły wyraźnie wyczuwalny jest w nich związek struktury strofy poetyckiej i muzycznej, jedność rymu i rytmu melodycznego.
Gatunki pieśni monofonicznych obejmują również włoskie laudy, hiszpańskie cantigas itp. W erze ars nova we Włoszech i Francji monofoniczne formy pieśni są zastępowane pieśniami z towarzyszeniem jednego lub więcej instrumentów. Francja w XVI wieku określenie „pieśń” (chanson) zaczęto stosować do polifonicznych utworów wokalnych, niekiedy o charakterze programowo-obrazowym („Bitwa” Janekena)
W tym samym okresie rozwinęły się także prostsze formy pieśni polifonicznych, skłaniające się ku magazynowi homofonicznemu: włoskie frottole, villanelles i podobne pieśni przeznaczone do domowego grania. Tradycję tę kontynuowały włoskie kanzonety z końca XVI-XVII w., które wywarły ogromny wpływ na twórczość kompozytorów niemieckich, francuskich i angielskich. Do gatunków pieśni XV-XVI wieku. obejmują różne pieśni religijne i wojskowe: pieśni husyckie, hymny hugenotów, pieśni protestanckie itp.
W 2. połowie XVIII wieku. wewnątrz gatunków pieśni krystalizuje się romans kameralny przy akompaniamencie smyczkowego instrumentu klawiszowego. Formy pieśni zajmują poczesne miejsce w XVIII-wiecznej operze. oraz w innych gatunkach muzycznych i teatralnych. W okresie rewolucji francuskiej ukształtował się gatunek masowej pieśni rewolucyjnej. Pieśni „Marsylianka” i „Ca ira” („Ça ira”), które powstały w tym czasie, zachowały swoje znaczenie jako artystyczne symbole walki wyzwoleńczej ludu.
W 19-stym wieku w związku z powszechnym rozkwitem form sztuki lirycznej, a także rosnącym zainteresowaniem kolekcjonowaniem i badaniem folkloru, intensywnie rozwijają się gatunki pieśni, dzielące się na romans i pieśń właściwą (często w duchu ludowym). Granica między nimi jest czasami trudna do ustalenia. Struktura dwuwierszowa jest ważną, ale nie decydującą cechą, ponieważ romans może być dwuwierszem (na przykład „Nie kuś” Glinki), ale piosenka może nie być dwuwierszem. Właściwszym kryterium może być uogólnienie melodii pieśni, które niekiedy można wykonać nawet z innym tekstem (pod warunkiem zachowania stroficznej struktury i metrum). Ważne są również inne cechy gatunku. Romans kojarzy się głównie z liryczną sferą uczuć, pojęcie „pieśni” obejmuje w XIX-XX wieku. szeroka gama odmian gatunkowych (pieśń satyryczna, dramatyczna i inne). Pośrednie formy pieśni-romansu, z przewagą cech pieśni, zajmują poczesne miejsce w twórczości kompozytorów rosyjskich pierwszej połowy XIX wieku. - A. A. Alyabyeva, A. E. Varlamov, A. L. Gurilev i inni. Klasyka XIX wieku - od M. I. Glinki do S. V. Rachmaninowa - pozostawili po sobie stosunkowo niewiele pieśni w ścisłym tego słowa znaczeniu, jednak tekściarstwo jako rodzaj myślenia melodycznego, ściśle związanego z folklorem, jest bardzo charakterystyczne dla ich twórczości. Dotyczy to również muzycznej spuścizny wielu zagranicznych kompozytorów XIX wieku: F. Schuberta, I. Brahmsa, J. Bizeta, G. Rossiniego, G. Verdiego.
Równolegle z twórczością profesjonalnych kompozytorów rozwijała się tradycja pieśni, reprezentowana przez poetów, którzy sami tworzyli (lub wybierali z popularnych piosenek) melodie do swoich piosenek i sami je wykonywali. Ich prace często wyróżniały się jasnym publicystyką. Piosenki francuskich poetów chansonnier, od P. J. Berangera po E. Pottiera, cieszyły się popularnością daleko poza granicami Francji.
Na początku XX wieku. w wielu krajach robotnik przeżywa wzrost, którego najlepsze przykłady nabrały znaczenia międzynarodowego („Międzynarodowy”). Była jednym z zaczątków sowieckiej pieśni masowej, która wchłonęła także cechy pieśni ludowych, chłopskich i miejskich, rosyjskich i ukraińskich. stał się jednym z wiodących gatunków radzieckiej twórczości muzycznej, zwłaszcza podczas wojny domowej w latach 1918-20, w latach 30. oraz podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej 1941-45. Miała wielki wpływ na inne gatunki: operę, romans, kantatę, muzykę filmową. Wiele sowieckich piosenek rozprzestrzeniło się za granicą.
Od lat 30 rozwój gatunku piosenki obserwuje się także w innych krajach; wiąże się to z dążeniem kompozytorów do demokratyzacji twórczości (G. Eisler, kompozytorzy francuscy będący członkami Ludowej Federacji Muzycznej). Wielki rozwój w XX wieku. sięgnął po piosenkę pop, wykonywaną przez solistów lub zespoły wokalno-instrumentalne. W latach 60-70. w wielu krajach, w tym w ZSRR, odradza się tradycja chansonnier. Społeczna, organizacyjna rola pieśni nowożytnej (przede wszystkim sowieckiej) ujawnia się wyraźnie w międzynarodowym ruchu na rzecz pokoju i postępu społecznego.
Krótka historia utworu. LITERATURA. BIBLIOGRAFIA
Rozanow I. N. (artykuł wprowadzający), w wydaniu: Pieśni poetów rosyjskich, M., 1936;
Liwanowa T. N., Eseje i materiały o historii rosyjskiej kultury muzycznej, numer 1 - Esej o czwartym. Sąd muzyczny, teatralny i domowy, M., 1938;
jej własne, Rosyjscy poeci i teksty wokalne, w książce: Iwanow G.K., Poezja rosyjska w muzyce rosyjskiej, M., 1966;
Asafiew B., O pieśniarstwie rosyjskim, w książce: Prace wybrane, t. 4, M., 1955;
jego własny, Radziecka muzyka i kultura muzyczna, tamże, t. 5, M., 1957;
Vasina-Grossman VA, Formy wokalne, M., 1960;
Kułakowski L., Pieśń, jej język, struktura, losy, M., 1962;
Keldysz Yu V., Muzyka rosyjska XVIII wieku, M., 1965, rozdział 4 - Od Kanta do „pieśni rosyjskiej”;
Nestijew IV, O muzyce tradycji ustnej, w książce: Rosyjska kultura artystyczna końca XIX - początku XX wieku, księga 1, M., 1968;
Sohor A. N., Ścieżka sowieckiej pieśni, M., 1968;
Popowa T.V., O pieśniach naszych czasów, M., 1969;
Lewaszowa O. E., Song and Romance, w książce: Historia muzyki rosyjskiej, t. 1, M., 1972;
Erismana G., Piosenka francuska, M., 1974;
Artemenko E., Rosyjska ludowa pieśń liryczna, jej melodia, struktura poetycka, zjawiska składniowe, Woroneż, 1976;
Tiersot J., Histoire de la chanson populaire en France, P., 1889;
Aubry P., Trubadurzy Trouvèreset, P., 1909;
Vetter W., Wort und Weise im deutschen Kunstlied des 17. Jahrhunderts, „ZfMw”, 1928, Jahrg. 10, nr 11 - 12;
Müller-Blattau J. Das Verhältnis von Wort und Ton in der Geschichte der Musik, 1952;
piękne M., Music du son, musique du verbe, P., 1954;
Mullera G., Geschichte des deutschen Liedes vom Zeitalter des Barock bis zur Gegenwart, 1959;
Sydów A., Das Lied. Ursprung, Wesen und Wandel, Gott., ;
Ruwet N., Język, muzyka, poésie, P., 1972.
