Style znanych artystów. Główne kierunki sztuk pięknych XX wieku - SkillsUp - wygodny katalog lekcji projektowania, grafiki komputerowej, lekcji Photoshopa, lekcji Photoshopa

Malarstwo jest prawdopodobnie najstarszą formą sztuki. Nawet w czasach prymitywnych nasi przodkowie robili wizerunki ludzi i zwierząt na ścianach jaskiń. To są pierwsze przykłady malarstwa. Od tego czasu ten rodzaj sztuki na zawsze pozostał towarzyszem ludzkiego życia. Przykłady malarstwa dzisiaj są liczne i różnorodne. Postaramy się omówić ten rodzaj sztuki w jak największym stopniu, aby porozmawiać o głównych gatunkach, stylach, kierunkach i technikach.

techniki malarskie

Rozważ najpierw podstawowe techniki malowania. Jednym z najczęstszych jest masło. Jest to technika, w której stosuje się farby olejne. Farby te nakłada się pociągnięciami. Za ich pomocą możesz tworzyć różnorodne odcienie, a także przekazywać niezbędne obrazy z maksymalnym realizmem.

tempera to kolejna popularna technika. Mówimy o tym, gdy stosuje się farby emulsyjne. Spoiwem w tych farbach jest jajko lub woda.

Gwasz- technika szeroko stosowana w grafice. Farba gwaszowa jest wytwarzana na bazie kleju. Można nim pracować na kartonie, papierze, kości czy jedwabiu. Obraz jest trwały, a linie wyraźne. Pastel- Jest to technika rysowania suchymi ołówkami, podczas gdy powierzchnia musi być szorstka. I oczywiście warto wspomnieć o akwarelach. Ta farba jest zwykle rozcieńczana wodą. Tą techniką uzyskuje się miękką i cienką warstwę farby. Szczególnie popularne Oczywiście wymieniliśmy tylko główne techniki, które są najczęściej używane w malarstwie. Są inni.

Na czym zazwyczaj maluje się obrazy? Najpopularniejszy obraz na płótnie. Jest naciągnięty na ramę lub przyklejony do kartonu. Należy pamiętać, że w przeszłości dość często używano drewnianych desek. Dziś popularne jest nie tylko malowanie na płótnie, ale do stworzenia obrazu można użyć dowolnych innych płaskich materiałów.

Rodzaje malarstwa

Istnieją 2 główne jego rodzaje: malarstwo sztalugowe i monumentalne. Ta ostatnia związana jest z architekturą. Ten typ obejmuje malowidła na sufitach i ścianach budynków, dekorowanie ich obrazami wykonanymi z mozaiki lub innych materiałów, witraże i tak dalej. Malarstwo sztalugowe nie jest kojarzone z konkretnym budynkiem. Można go przenosić z miejsca na miejsce. W malarstwie sztalugowym istnieje wiele odmian (inaczej nazywa się je gatunkami). Rozważmy je bardziej szczegółowo.

Gatunki malarstwa

Słowo „gatunek” ma pochodzenie francuskie. Tłumaczy się jako „rodzaj”, „gatunek”. Oznacza to, że pod nazwą gatunku kryje się jakaś treść, a wymawiając jej nazwę, rozumiemy, o czym jest obraz, co w nim znajdziemy: osobę, naturę, zwierzę, przedmioty itp.

Portret

Najstarszym gatunkiem malarstwa jest portret. To obraz osoby, która wygląda tylko jak on i nikt inny. Innymi słowy, portret jest w malarstwie obrazem o indywidualnym wyglądzie, ponieważ każdy z nas ma indywidualną twarz. Ten gatunek malarstwa ma swoje własne odmiany. Portret może być pełnej długości, do klatki piersiowej lub malowana jest tylko jedna osoba. Zwróć uwagę, że nie każdy wizerunek osoby jest portretem, ponieważ artysta może stworzyć na przykład „osobę w ogóle”, nie spisując jej od nikogo. Kiedy jednak przedstawia konkretnego przedstawiciela rodzaju ludzkiego, pracuje nad portretem. Nie trzeba dodawać, że istnieje wiele przykładów malarstwa w tym gatunku. Ale poniższy portret jest znany prawie każdemu mieszkańcowi naszego kraju. Mówimy o obrazie A. S. Puszkina, stworzonym w 1827 roku przez Kiprensky'ego.

Do tego gatunku można również dodać autoportret. W tym przypadku artysta przedstawia siebie. Jest portret sparowany, gdy na zdjęciu są ludzie w parze; oraz portret grupowy, gdy przedstawiona jest grupa ludzi. Można również zwrócić uwagę na portret ceremonialny, którego odmianą jest jeździectwo, jeden z najbardziej uroczystych. Było to bardzo popularne w przeszłości, ale takie prace są teraz rzadkością. Jednak następny gatunek, o którym będziemy mówić, jest istotny w dowolnym momencie. O czym to jest? Można się tego domyślić, sortując gatunki, których jeszcze nie nazwaliśmy, charakteryzujące malarstwo. Jedną z nich jest martwa natura. To o nim teraz porozmawiamy, nadal rozważając malowanie.

Martwa natura

To słowo ma również francuskie pochodzenie, oznacza „martwą naturę”, chociaż znaczenie byłoby dokładniejsze „natura nieożywiona”. Martwa natura - obraz przedmiotów nieożywionych. Są bardzo różnorodne. Zwróć uwagę, że martwe natury mogą również przedstawiać „żywą naturę”: motyle opadły na płatki, piękne kwiaty, ptaki, a czasem wśród darów natury można zobaczyć człowieka. Jednak nadal będzie to martwa natura, ponieważ obraz żywych nie jest w tym przypadku najważniejszy dla artysty.

Sceneria

Krajobraz to kolejne francuskie słowo oznaczające w tłumaczeniu „widok na kraj”. Jest to analogiczne do niemieckiej koncepcji „krajobrazu”. Krajobraz to przedstawienie natury w jej różnorodności. Do tego gatunku dołączają następujące odmiany: pejzaż architektoniczny oraz bardzo popularny pejzaż morski, który często nazywany jest jednym słowem „marina”, a artyści w nim pracujący nazywani są malarzami morskimi. Liczne przykłady malarstwa z gatunku pejzażu morskiego można znaleźć w twórczości I. K. Aivazovsky'ego. Jednym z nich jest „Tęcza” z 1873 roku.

Ten obraz jest namalowany olejem i jest trudny do wykonania. Ale tworzenie akwarelowych krajobrazów nie jest trudne, więc w szkole, na lekcjach rysunku, to zadanie zostało powierzone każdemu z nas.

Gatunek zwierzęcy

Kolejnym gatunkiem jest zwierzęcy. Tutaj wszystko jest proste - to obraz ptaków i zwierząt w przyrodzie, w naturalnym środowisku.

gatunek domowy

Gatunek codzienności to przedstawienie scen z życia codziennego, zabawnych „incydentów”, życia domowego oraz opowieści zwykłych ludzi w zwyczajnym otoczeniu. I możesz obejść się bez historii - po prostu uwiecznij codzienne czynności i sprawy. Takie obrazy są czasami określane mianem malarstwa rodzajowego. Jako przykład rozważmy powyższą pracę Van Gogha (1885).

gatunek historyczny

Tematyka malarstwa jest różnorodna, ale gatunek historyczny wyróżnia się osobno. Jest to obraz historycznych bohaterów i wydarzeń. Przylega do niego gatunek batalistyczny, przedstawia epizody wojenne, batalistyczne.

Gatunek religijny i mitologiczny

W gatunku mitologicznym obrazy są pisane na tematy starożytnych i starożytnych legend o bogach i bohaterach. Należy zauważyć, że wizerunek ma charakter świecki i tym różni się od wizerunków bóstw przedstawionych na ikonie. Nawiasem mówiąc, malarstwo religijne to nie tylko ikony. Skupia różne prace napisane na tematy religijne.

Zderzenie gatunków

Im bogatsza treść gatunku, tym więcej pojawia się jego „towarzyszy”. Gatunki mogą się łączyć, więc istnieje obraz, którego w ogóle nie da się umieścić w ramach żadnego z nich. W sztuce istnieje zarówno to, co ogólne (techniki, gatunki, style), jak i to, co indywidualne (konkretne dzieło rozpatrywane osobno). Oddzielny obraz niesie ze sobą coś wspólnego. Dlatego wielu artystów może mieć jeden gatunek, ale obrazy w nim malowane nigdy nie są do siebie podobne. Takie cechy ma kultura malarstwa.

Styl

Styl w jest aspektem wizualnej percepcji obrazów. Może łączyć twórczość jednego artysty lub twórczość artystów z określonego okresu, kierunku, szkoły, obszaru.

Malarstwo akademickie i realizm

Malarstwo akademickie to szczególny kierunek, którego powstanie wiąże się z działalnością akademii sztuk pięknych w Europie. Pojawił się w XVI wieku w Akademii Bolońskiej, której tubylcy starali się naśladować mistrzów renesansu. Od XVI wieku metody nauczania malarstwa zaczęto opierać na ścisłym przestrzeganiu reguł i norm, kierując się wzorami formalnymi. sztuka w Paryżu była uważana za jedną z najbardziej wpływowych w Europie. Propagowała estetykę klasycyzmu, która dominowała we Francji w XVII wieku. akademia paryska? przyczyniając się do systematyzacji edukacji, stopniowo przekształcił zasady kierunku klasycznego w dogmat. Tak więc malarstwo akademickie stało się szczególnym kierunkiem. W XIX wieku jednym z najwybitniejszych przejawów akademizmu była twórczość J. L. Gerome'a, Alexandre'a Cabanela, J. Ingresa. Klasyczne kanony zastąpiono kanonami realistycznymi dopiero na przełomie XIX i XX wieku. To właśnie realizm na początku XX wieku stał się podstawową metodą nauczania w akademiach, przekształcając się w system dogmatyczny.

Barokowy

Barok to styl i epoka w sztuce, którą cechuje arystokracja, kontrast, dynamika obrazów, prostota detali w przedstawianiu obfitości, napięcie, dramatyzm, przepych, fuzja rzeczywistości i iluzji. Ten styl pojawił się we Włoszech w 1600 roku i rozprzestrzenił się w całej Europie. Jego najwybitniejszymi przedstawicielami są Caravaggio i Rubens. Barok często porównywany jest z ekspresjonizmem, jednak w przeciwieństwie do tego drugiego nie wywołuje zbyt odpychających efektów. Obrazy tego stylu charakteryzują się dziś złożonością linii i bogactwem ornamentów.

Kubizm

Kubizm to awangardowy ruch artystyczny, który powstał w XX wieku. Jego twórcą jest Pablo Picasso. Kubizm dokonał prawdziwej rewolucji w rzeźbie i malarstwie Europy, inspirując do powstania podobnych nurtów w architekturze, literaturze i muzyce. Malarstwo artystyczne w tym stylu charakteryzuje się rekombinowanymi, rozbitymi przedmiotami, które mają abstrakcyjną formę. Przedstawiając je, wykorzystuje się wiele punktów widzenia.

Ekspresjonizm

Ekspresjonizm to kolejny ważny nurt w sztuce współczesnej, który pojawił się w Niemczech w pierwszej połowie XX wieku. Początkowo obejmowała tylko poezję i malarstwo, z czasem rozprzestrzeniła się na inne dziedziny sztuki.

Ekspresjoniści przedstawiają świat subiektywnie, zniekształcając rzeczywistość, aby stworzyć większy efekt emocjonalny. Ich celem jest skłonienie widza do myślenia. Ekspresja w ekspresjonizmie dominuje nad obrazem. Można zauważyć, że wiele prac charakteryzuje się motywami udręki, bólu, cierpienia, krzyku (przedstawione powyżej dzieło Edvarda Muncha nosi tytuł „Krzyk”). Artyści ekspresjonistyczni w ogóle nie interesują się materialną rzeczywistością, ich obrazy są wypełnione głębokim znaczeniem i przeżyciami emocjonalnymi.

Impresjonizm

Impresjonizm - kierunek malarstwa, nastawiony głównie na pracę w plenerze (plener), a nie w pracowni. Swoją nazwę zawdzięcza obrazowi „Impresja, wschód słońca” Claude’a Moneta, który prezentujemy na poniższym zdjęciu.

Słowo „wrażenie” w języku angielskim to wrażenie. Obrazy impresjonistyczne oddają przede wszystkim wrażenie świetlne artysty. Główne cechy malarstwa w tym stylu to: ledwo widoczne, cienkie kreski; zmiana oświetlenia, trafnie oddana (często uwaga skupiona jest na efekcie upływu czasu); kompozycja otwarta; prosty wspólny cel; ruch jako kluczowy element ludzkiego doświadczenia i percepcji. Najwybitniejszymi przedstawicielami takiego nurtu jak impresjonizm są Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.

Modernizm

Kolejnym kierunkiem jest modernizm, który powstał jako zbiór nurtów w różnych dziedzinach sztuki na przełomie XIX i XX wieku. Paryski „Salon Odrzuconych” został otwarty w 1863 roku. Wystawiano tu artystów, których obrazów nie wpuszczono do oficjalnego salonu. Datę tę można uznać za datę powstania modernizmu jako odrębnego kierunku w sztuce. W przeciwnym razie modernizm jest czasami nazywany „inną sztuką”. Jego celem jest tworzenie unikalnych obrazów, które nie są jak inne. Główną cechą prac jest szczególna wizja świata autorstwa autora.

Artyści w swojej twórczości buntowali się przeciwko wartościom realizmu. Charakterystyczną cechą tego kierunku jest samoświadomość. Często prowadzi to do eksperymentowania z formą, a także zamiłowania do abstrakcji. Przedstawiciele modernizmu zwracają szczególną uwagę na użyte materiały i proces pracy. Jednymi z jego najwybitniejszych przedstawicieli są Henry Matisse (jego dzieło „Czerwony pokój” z 1908 r. prezentujemy powyżej) oraz Pablo Picasso.

Neoklasycyzm

Neoklasycyzm jest głównym kierunkiem malarstwa w Europie Północnej od połowy XVIII wieku do końca XIX wieku. Charakteryzuje się powrotem do cech antycznego renesansu, a nawet czasów klasycyzmu. Pod względem architektonicznym, artystycznym i kulturowym neoklasycyzm powstał jako odpowiedź na rokoko, postrzegane jako płytki i artystyczny styl artystyczny. Artyści neoklasyczni, dzięki dobrej znajomości praw kościelnych, starali się wprowadzać kanony do swojej twórczości. Unikali jednak prostego odtwarzania klasycznych motywów i tematów. Artyści neoklasyczni starali się osadzić swoje malarstwo w ramach tradycji, demonstrując w ten sposób mistrzostwo gatunku. Neoklasycyzm pod tym względem bezpośrednio przeciwstawia się modernizmowi, w którym improwizacja i autoekspresja są uważane za cnoty. Do jego najsłynniejszych przedstawicieli należą Nicolas Poussin, Raphael.

Pop Art

Ostatnim kierunkiem, który rozważymy, jest pop-art. Pojawił się w Wielkiej Brytanii w połowie lat 50. ubiegłego wieku, a pod koniec lat 50. w Ameryce. Uważa się, że pop-art powstał jako reakcja na dominujące wówczas idee abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Mówiąc o tym kierunku, nie sposób nie wspomnieć, że w 2009 roku jeden z jego obrazów „Eight Elvis” został sprzedany za 100 milionów dolarów.

Styl(z gr. stilos – laska, kij do pisania) – ustalona forma artystycznego samookreślenia epoki, regionu, narodu, grupy społecznej lub twórczej lub jednostki. Narodziny największych, tzw. „historycznych stylów artystycznych”, determinowane są wewnętrzną logiką rozwoju ludzkiego myślenia artystycznego, określonymi sposobami widzenia świata, rozumienia właściwości przestrzeni i czasu, w których człowiek żyje i działa . Style w sztuce nie mają wyraźnych granic, przechodzą jeden w drugi i podlegają ciągłemu rozwojowi.

romański (X-trzynasty wiek). Słowo „romans” pochodzi od łacińskiego romanus – rzymskiego. Budowle romańskie symbolizowały nie tylko ciągłość polityczną i kulturową ze starożytnego Rzymu, ale także świadczyły o nieograniczonej potędze nowych władców Europy, wszechmocy chrześcijańskiego Boga. Styl romański w architekturze charakteryzuje się stosowaniem w budynkach konstrukcji sklepionych i łukowych, masywnych murów, wąskich okien, wież o różnej sylwetce. Styl charakteryzuje się prostotą, celowością, rygorem. W stylu romańskim budowano świątynie, zespoły klasztorne, zamki rycerskie.

Styl gotycki (XII-16 wiek). Słowo „gotyk” pochodzi od nazwy germańskiego plemienia Gotów. Po stylu romańskim gotyk stał się drugim kanonem średniowiecza i pierwszym ogólnoeuropejskim stylem artystycznym w historii. Podstawą stylu jest architektura. Potrzeba technologiczna odciążenia sklepienia dała początek nowemu projektowi.

Wysokie ostrołukowe łuki, sklepienia żebrowe i ramowy system podpór pozwoliły zablokować gigantyczne przestrzenie, zwiększyć wysokość budynku i uwolnić ściany od obciążenia bez obawy, że się zawalą. Ściany poprzecinane były ogromnymi oknami i witrażami, tworząc szczególną grę kolorów i światła. Pion staje się główną dominantą kompozycyjną. Wszystkie te techniki umożliwiły stworzenie artystycznego obrazu, który odzwierciedla irracjonalne, mistyczne dążenie duszy ludzkiej do nieba. Najbardziej znaną gotycką katedrą jest katedra Notre Dame we Francji.

Barokowy (koniec XVI – połowa XVIII wieku). Epoka baroku związana jest z powstaniem absolutyzmu, a także z rozwojem teatru i opery. Powstał we Włoszech, a po renesansie rozprzestrzenił się na inne kraje europejskie. Samo słowo „barok” - pochodzenia portugalskiego i oznacza „nieregularną perłę”. Sztuka baroku charakteryzuje się rozmachem, przepychem, zamiłowaniem do efektownych efektów, łączeniem fantastyczności z realnością, kontrastami skali i rytmu, materiałów i faktur. Głównym środkiem wyrazu sztuki barokowej jest gra światła i cienia. Barok charakteryzuje się malarską iluzorycznością, czyli chęcią oszukania oka, wydostania się z przestrzeni przedstawionej w przestrzeń rzeczywistą.

Klasycyzm (XVII - początek XIX wieku). Słowo „klasycyzm” pochodzi od łacińskiego classicus – pierwszorzędny, wzorowy. W Europie Zachodniej klasycyzm dominował w sztuce w XVII-XVIII wieku, w Rosji - w drugiej połowie XVIII-XIX wieku. Ten styl artystyczny jest najwyższym przejawem idei kompozycyjnej integralności, kompletności, równowagi. Wyraża pragnienie prostoty, jasności, racjonalności, logiki obrazu artystycznego. Ideał ten najdobitniej objawił się w epoce antycznej klasyki.

Dlatego w większości przypadków przewaga myślenia klasycznego oznacza orientację na formy sztuki antycznej. Jako metoda myślenia klasycyzm jest normatywny i systematyczny. To nie przypadek, że w klasycyzmie istnieje system reguł i kompletna teoria twórczości artystycznej. Klasycyzm wysuwa takie normy estetyczne, jak opór wobec okrucieństwa losu i zmienności życia, podporządkowanie tego, co osobiste, temu, co wspólne, namiętności wobec obowiązku, rozumu i najwyższych interesów społeczeństwa. W literaturze klasycyzmu istniała ścisła hierarchia gatunków: „wysoki” (tragedia, epos, oda, obrazy historyczne, mitologiczne, religijne) i „niski” (komedia, satyra, bajka, malarstwo rodzajowe).

Późnym etapem klasycyzmu jest styl empirowy.

Rokoko (pierwsza połowa XVIII wieku). Słowo „rokoko” pochodzi od francuskiego „rocaille”, co oznacza „asymetryczny”, „ozdobiony ozdobnymi lokami”. Rozpowszechniony we Francji za Ludwika XV. Rokoko, kojarzone z kryzysem absolutyzmu, charakteryzuje się odejściem od życia w świat fantazji, teatralnej zabawy i wątków sielankowych, sytuacji erotycznych. Rokoko dominowało w wystroju wnętrz, rzeźbie, malarstwie oraz rzemiośle artystycznym.

Kierunek- ruch społeczny, artystyczny; światopogląd szybko zmieniającego się czasu, ujawniony w sztuce.

Romantyzm (koniec XVIII - początek XIX wieku). Romantyzm odzwierciedlał rozczarowanie ideami rewolucji francuskiej i światopoglądem oświecenia. Podstawą światopoglądu romantycznego jest bolesny rozdźwięk między rzeczywistością idealną a społeczną. Dramatyczna zmiana w życiu codziennym w wyniku industrializacji zmusiła wielu ludzi do zwrócenia się w świat uczuć i przeżyć emocjonalnych. Teksty kwitły w literaturze europejskiej w tym okresie, głównym gatunkiem stały się wiersze i powieści wierszowane.

Romantyzm charakteryzuje się opozycją dwóch światów: realnego i urojonego. Widząc świat wad we współczesnej rzeczywistości, romantyzm próbuje znaleźć wyjście dla człowieka. To wyjście jest jednocześnie wyjściem ze społeczeństwa na różne sposoby. Wariant pierwszy – romantyczny bohater udaje się w swój wewnętrzny świat, świat namiętności i przeżyć, świat fikcji i marzeń. Wariant drugi – lot do egzotycznych krajów. Innym kierunkiem opieki może być opieka w innym czasie. Romantyzm zaczyna idealizować przeszłość, zwłaszcza średniowiecze, widząc w niej inną rzeczywistość, kulturę, której wartości są nieporównywalne z utylitaryzmem współczesnego społeczeństwa.

Realizm (powstał w renesansie, wyróżniał się jako niezależny kierunek w XIX-XX wieku). Termin w szerokim tego słowa znaczeniu oznaczający pragnienie pełniejszego, głębszego i wszechstronniejszego odzwierciedlenia rzeczywistości we wszystkich jej przejawach. Nurt realizmu w myśleniu przejawia się w różnych formach w różnych rodzajach sztuki, ruchach artystycznych i stylach. Rozwój realizmu mógł najpełniej wyrazić sprzeczności rozwoju społecznego.

Wiodące zasady realizmu: obiektywne odzwierciedlenie życia w połączeniu z autorskim ideałem; reprodukcja typowych postaci, konfliktów, sytuacji z ich artystyczną indywidualizacją; dominujące zainteresowanie problemem „osobowości i społeczeństwa”. Realizm doprowadził do rozkwitu gatunku literackiego, jakim jest powieść społeczno-historyczna. Literatura z kolei wpłynęła na malarstwo realistyczne. Gustawa Courbeta(1819-1877) jako pierwszy w odniesieniu do swoich obrazów zaczął używać terminu „realizm”, oznaczający obraz rzeczywistości. Courbet przedstawiał ludzi przy pracy, a nie w radości i zadowoleniu, jak to często pokazywano wcześniej.

Naturalizm (ostatnia tercja XIX wieku). Słowo „naturalizm” pochodzi od łacińskiego natura – natura. Kierunek w literaturze i sztuce dążący do obiektywnie dokładnego i beznamiętnego odwzorowania obserwowanej rzeczywistości. Był teoretykiem i liderem naturalizmu Emil Zola. Przedstawiciele naturalizmu wyszli ze stanowiska, że ​​los człowieka jest całkowicie zdeterminowany przez środowisko społeczne, sposób życia, dziedziczność i fizjologię.

Historyzm, czyli eklektyzm (nurt w architekturze 1820-1920). Połączenie heterogenicznych elementów stylistycznych lub arbitralny wybór projektu stylistycznego dla budynków o jakościowo różnym znaczeniu i przeznaczeniu. Podczas budowy różnych konstrukcji architekci w większości przypadków uciekali się do kopiowania stylów z przeszłości. Te różne style budowlane łączy wspólna nazwa „historyzm”. Wykorzystanie stylów historycznych w architekturze było wyrazem dumy z osiągnięć technicznych XIX wieku.

Symbolizm. W szerokim znaczeniu symbolika jest integralną właściwością sztuki, ponieważ twórczość artystyczna ma charakter symboliczny. Jest to nurt myślenia artystycznego, który w różnych epokach znalazł swój wyraz w sztuce sakralnej, w romantyzmie, w okresie nowożytnym. Symbolizm jest istotną właściwością sztuki, mającą na celu ustanowienie związku między tym, co widzialne, a tym, co konkretne, z królestwem idealnych przedstawień.

Jako nurt w sztuce europejskiej i rosyjskiej przełomu XIX i XX wieku, symbolika nasycona jest mistycyzmem, tajemnicą, pragnieniem zrozumienia najwyższych wartości za pomocą symboli, alegorii i uogólnień. Wyrażanie tego, co niewyrażalne, jest zadaniem symbolizmu. Symbolizm to dwa światy: świat codzienności i świat transcendentny, czyli świat poza percepcją zmysłową. Symboliści wierzyli, że sztuka ma szczególną, magiczną moc, która może odnowić życie, światopogląd i życie ludzi.

Impresjonizm (ostatnia trzecia XIX - początek XX wieku). Słowo „impresjonizm” pochodzi od francuskiego impresja - wrażenie. Nazwa powstała po wystawie w 1874 roku, na której wystawiono obraz Claude'a Moneta „Impresja. Wschodzące słońce". Impresjoniści byli innowatorami, którzy wywarli największy wpływ na rozwój sztuki w XX wieku. Impresjoniści przekazywali wrażenia środkami artystycznymi, tak jak krótkie chwile rejestruje kamera.

Oddawali zewnętrzne wrażenie światła, cienia, refleksów na powierzchni przedmiotów osobnymi pociągnięciami czystych kolorów, które wizualnie rozpuszczały formę w otoczeniu. Metoda malarska opierała się na zasadzie kontrastowego postrzegania barw dopełniających. Fabuła obrazów miała dla artystów drugorzędne znaczenie. Starali się uchwycić ruch na obrazie i jednocześnie zobrazować, uchwycić ulotne niuanse tego ruchu. Szczególnym zainteresowaniem artystów cieszyły się nieustalone, przejściowe stany zjawisk naturalnych (woda, chmury, światło).

Postimpresjonizm (koniec XIX - początek XX wieku). Post - po + impresjonizm. Ogólna nazwa różnych nurtów artystycznych w malarstwie XX wieku, które powstały jako reakcja na metodę impresjonizmu: symbolizm, dywizjonizm, ekspresjonizm, fowizm, orfizm, kubizm. Postimpresjoniści są Georgesa Seurata,Paweł Cezanne,Paul Gauguin,Vincent van Gogh,Henri Toulouse-Lautrec, a także przedstawiciele neoimpresjonizmu i grupy Nabis. Każdy artysta poszedł własną drogą, kształtując własną metodę twórczą i indywidualny styl artystyczny.

Puentylizm, dywizjonizm lub neoimpresjonizm (koniec XIX wieku). Od Francuzów punkt – punkt, od łac. podział — podział. Metoda obrazkowa i powstały na jej podstawie nurt w malarstwie postimpresjonistycznym, w którym praca nad obrazem odbywa się za pomocą małych oddzielnych pociągnięć o kropkowanym lub prostokątnym kształcie czystego koloru. Pociągnięcia farb o różnych kolorach trzeba było mieszać optycznie, gdy widz oglądał obraz z pewnej odległości, a nie mechanicznie na palecie artysty, jak to było zawsze.

Art Nouveau (koniec XIX - początek XX wieku). Rosyjska nazwa stylu, odpowiednio, po francusku „l” „art nouveau” to nowa sztuka. Nowoczesność to zbiór prób stworzenia holistycznego, przeciwstawnego eklektycznego stylu sztuki w architekturze i sztuce dekoracyjnej. Przedstawiciele nowoczesności zastosowali nowe technicznie konstruktywne środki (metal, szkło, ceramika), swobodne rozplanowanie, rodzaj wystroju architektonicznego do tworzenia nietypowych, uwydatnionych pojedynczych budowli (głównie miejskich rezydencji), których wszystkie elementy poddane zostały jednemu rytmowi zdobniczemu i swoistej symbolice. sztuka dekoracyjna nowoczesności wyróżnia się poetyką symbolizmu, dekoracyjnym rytmem giętkich, płynnych linii, stylizowanym motywem kwiatowym.

Dekadencja lub dekadencja (druga połowa XIX - początek XX wieku). Od francuskiego słowa dekadencja - rozkład, upadek. Ogólna nazwa zjawisk kryzysowych kultury europejskiej, które charakteryzują nastroje beznadziejności, odrzucenia życia, indywidualizmu. Stałymi motywami dekadencji są motywy niebytu i śmierci, tęsknota za wartościami duchowymi, odrzucenie obywatelskich ideałów, wiara w rozum, co wiąże się z rosnącą rolą intelektu. Dekadencja rozpowszechniła się w Rosji, zwłaszcza po rewolucji 1905-1907, w twórczości wielu mistrzów stowarzyszeń World of Art i Blue Rose.

Awangarda (XX wiek). Termin określający zespół barwnych i różnorodnych nowatorskich, rewolucyjnych, buntowniczych ruchów i nurtów w kulturze artystycznej XX wieku. Zjawiska awangardowe są charakterystyczne dla wszystkich etapów przejściowych w dziejach kultury artystycznej, poszczególnych rodzajów sztuki. Jednak w XXw. awangarda nabrała światowego znaczenia jako potężne zjawisko kultury artystycznej, co wiąże się z przełomem w procesach kulturowych i cywilizacyjnych spowodowanym postępem naukowym i technologicznym XX wieku. Głównym nurtem awangardy jest odrzucenie tradycji i eksperymentalne poszukiwanie nowych form.

Będąc skrajnym wyrazem szerszego nurtu modernizmu, awangarda szuka różnych sposobów bezpośredniego oddziaływania na czytelników, słuchaczy, widzów. Wywoływać szok, skandal, szok - bez tego sztuka awangardowa jest niemożliwa. Najważniejsza jest skuteczność sztuki - ma zadziwić, poruszyć, wywołać aktywną reakcję u osoby z zewnątrz. Jednocześnie pożądane jest, aby reakcja była natychmiastowa, natychmiastowa, z wyłączeniem długiego i skoncentrowanego postrzegania estetycznej formy i treści. Nieporozumienie, całkowite lub częściowe, organicznie wkracza w plan awangardy. W awangardzie najistotniejsza jest jej niezwykłość, chwytliwość.

Zasady awangardy przejęły kubizm, futuryzm, dadaizm, sztuka abstrakcyjna, surrealizm, ekspresjonizm, konstruktywizm i inne nurty. Rosyjska awangarda w sztukach wizualnych obejmuje M. Chagalla,K. Malewicz,V. Kandinsky. To właśnie awangarda, rozluźniając i niszcząc tradycyjne normy i zasady estetyczne, formy i sposoby wypowiedzi artystycznej oraz otwierając możliwości nieograniczonych innowacji, często opartych na najnowszych osiągnięciach nauki i techniki, otworzyła drogę do przemian kultury artystycznej do nowej jakości. W ten sposób awangarda spełniła swoją funkcję w nowej kulturze europejskiej iw zasadzie zakończyła swoje istnienie jako swego rodzaju zjawisko globalne w latach 60. i 70. XX wieku.

Modernizm (koniec XIX - połowa XX wieku). Ogólne określenie zjawisk sztuki i literatury, potwierdzające nowe podejście do przedstawiania życia. Modernizm łączy w sobie wiele stosunkowo niezależnych nurtów i nurtów ideowych i artystycznych, różniących się skalą społeczną oraz znaczeniem kulturowym i historycznym (fowizm, ekspresjonizm, symbolizm, kubizm, abstrakcjonizm, konstruktywizm). Kształtowanie się modernizmu jako prawowitego systemu artystycznego i estetycznego zostało przygotowane przez jego etapy, takie jak dekadencja i awangarda. Przewaga ponurej kolorystyki, pesymistyczne nastroje i niespokojne, dręczące przeczucia, świadomość niepoznawalności i niezmienności nieludzkiego świata - taki emocjonalny nastrój dzieł modernizmu.

Postmodernizm (druga połowa XX wieku). Do połowy XX wieku. postmodernizm był rozumiany jako nowoczesna faza rozwoju kultury europejskiej. Czołowi zachodni politolodzy interpretują postmodernizm jako symbol społeczeństwa postindustrialnego. Postmodernizm to szeroki nurt kulturowy, w którym krążą filozofia, estetyka, sztuka i nauki humanistyczne.

Liczba stylów i trendów jest ogromna, jeśli nie nieskończona. Style w sztuce nie mają wyraźnych granic, płynnie przechodzą jeden w drugi i podlegają ciągłemu rozwojowi, mieszaniu i przeciwstawianiu. W ramach jednego historycznego stylu artystycznego zawsze rodzi się nowy, który z kolei przechodzi w następny. Wiele stylów współistnieje jednocześnie i dlatego w ogóle nie ma „czystych stylów”.

Abstrakcjonizm (z łac. abstractio - usunięcie, odwrócenie uwagi) - kierunek artystyczny w sztuce, który porzucił obraz form bliskich rzeczywistości.

awangarda, awangarda (z francuskiej awangardy - zaawansowany dystans) - ogólna nazwa nurtów artystycznych w sztuce XX wieku, które charakteryzują się poszukiwaniem nowych form i środków artystycznego popisu, niedocenianiem lub całkowitym zaprzeczaniem tradycji i absolutyzacją innowacji .

akademizm (od francuskiego akademizmu) - kierunek w malarstwie europejskim XVI-XIX wieku. Opierała się na dogmatycznym przylgnięciu do zewnętrznych form sztuki klasycznej. Zwolennicy scharakteryzowali ten styl jako refleksję nad formą sztuki starożytnego świata starożytnego i renesansu. Akademizm uzupełniał tradycje sztuki antycznej, w której idealizowano obraz natury, rekompensując jednocześnie normę piękna. W tym stylu pisali Annibale, Agostino i Lodovico Carracci.

Akcjonizm (z angielskiego action art – art of action) – happening, performance, event, proces, sztuka demonstracyjna i szereg innych form, które powstały w sztuce awangardowej lat 60. Zgodnie z ideologią akcjonizmu artysta musi organizować wydarzenia i procesy. Akcjonizm dąży do zatarcia granicy między sztuką a rzeczywistością.

Imperium (od cesarstwa francuskiego – imperium) – styl w architekturze i sztuce zdobniczej, który powstał we Francji na początku XIX wieku, w okresie I cesarstwa Napoleona Bonaparte. Imperium - ostateczny rozwój klasycyzmu. Dla ucieleśnienia majestatu, wyrafinowania, luksusu, potęgi i siły militarnej, Imperium charakteryzuje się odwołaniem do sztuki starożytnej: starożytnych egipskich form dekoracyjnych (trofea wojenne, skrzydlate sfinksy ...), Etrusków wazy, malowidła pompejańskie, greckie i rzymskie wystrój, renesansowe freski i ornamenty. Głównym przedstawicielem tego stylu był J. L. David (obrazy „Przysięga Horacjuszy” (1784), „Brutus” (1789))

pod ziemią (z angielskiego underground – underground, dungeon) – szereg nurtów artystycznych w sztuce współczesnej, które przeciwstawiają się kulturze masowej, mainstreamowi. Podziemie odrzuca i narusza orientacje polityczne, moralne i etyczne oraz typy zachowań akceptowane w społeczeństwie, wprowadzając zachowania antyspołeczne do życia codziennego. W okresie sowieckim, ze względu na surowość reżimu, prawie każdy nieoficjalny, tj. nie uznana przez władze, sztuka okazała się podziemna.

Art Nouveau (z francuskiej secesji, dosłownie - nowa sztuka) - nazwa stylu Art Nouveau powszechna w wielu krajach (Belgia, Francja, Anglia, USA itp.). Najsłynniejszy artysta tego kierunku malarstwa: Alfons Mucha.

Art Deco (z francuskiego art deco, w skrócie decoratif) - nurt w sztuce połowy XX wieku, który oznaczał syntezę awangardy i neoklasycyzmu, zastąpił konstruktywizm. Charakterystyczne cechy tego kierunku: zmęczenie, geometryczne linie, luksus, szyk, drogie materiały (kość słoniowa, skóra krokodyla). Najbardziej znaną artystką tego nurtu jest Tamara Łempicka (1898-1980).

Barok (z włoskiego barocco - dziwny, dziwaczny lub z portu. perola barroca - perła o nieregularnym kształcie, istnieją inne przypuszczenia co do pochodzenia tego słowa) - styl artystyczny w sztuce późnego renesansu. Charakterystyczne cechy tego stylu: przesada wielkości, łamane linie, bogactwo ozdobnych detali, ciężkość i kolosalność.

Odrodzenie lub renesans (od francuskiego renesansu, włoskiego rinascimento) to epoka w dziejach kultury europejskiej, która zastąpiła kulturę średniowiecza i poprzedziła kulturę czasów nowożytnych. Przybliżone ramy chronologiczne epoki - XIV-XVI wiek. Charakterystyczną cechą renesansu jest świecki charakter kultury i jej antropocentryzm (czyli zainteresowanie przede wszystkim osobą i jej działaniami). Istnieje zainteresowanie kulturą antyczną, jakby jej „odrodzenie” - i tak pojawił się ten termin. Rysując obrazy o tradycyjnej tematyce religijnej, artyści zaczęli stosować nowe techniki artystyczne: budowanie trójwymiarowej kompozycji z pejzażem w tle, co pozwoliło im uczynić obrazy bardziej realistycznymi i żywymi. To ostro odróżniało ich twórczość od poprzedniej tradycji ikonograficznej, przepełnionej konwencjami obrazu. Najsłynniejsi artyści tego okresu: Sandro Botticelli (1447-1515), Leonardo da Vinci (1452-1519), Raphael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Tycjan (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534), Hieronima Boscha (1450-1516), Albrechta Durera (1471-1528).

Woodland (z ang. forest land) – styl w sztuce, wywodzący się z symboliki sztuki naskalnej, mitów i legend północnoamerykańskich Indian.

Gotyk (z włoskiego gotico – niezwykły, barbarzyński) – okres w rozwoju sztuki średniowiecznej, obejmujący niemal wszystkie dziedziny kultury i rozwijający się w Europie Zachodniej, Środkowej i częściowo Wschodniej od XII do XV wieku. Gotyk zakończył rozwój europejskiej sztuki średniowiecznej, powstałej na bazie dorobku kultury romańskiej, aw okresie renesansu sztukę średniowiecza uznano za „barbarzyńską”. Sztuka gotycka była kultowa w celu i religijna w temacie. Odwoływał się do najwyższych mocy boskich, wieczności, światopoglądu chrześcijańskiego. Gotyk w swoim rozwoju dzieli się na wczesny gotyk, rozkwit, późny gotyk.

Impresjonizm (z francuskiego impresja - impresja) to nurt w malarstwie europejskim, który powstał we Francji w połowie XIX wieku, którego głównym celem było przekazanie ulotnych, zmiennych wrażeń.

Kicz, kicz (z niemieckiego kicz - zły smak) to termin określający jedno z najbardziej odrażających zjawisk kultury masowej, synonim pseudosztuki, w której główną uwagę zwraca się na ekstrawagancję wyglądu, głośność jej elementów . W rzeczywistości kicz jest rodzajem postmodernizmu. Kicz to sztuka masowa dla elit. Dzieło należące do kiczu musi być wykonane na wysokim poziomie artystycznym, musi mieć fascynującą fabułę, ale nie jest to prawdziwe dzieło sztuki w wysokim tego słowa znaczeniu, ale umiejętne do tego podróbki. W kiczu mogą tkwić głębokie psychologiczne konflikty, ale nie ma prawdziwych artystycznych odkryć i rewelacji.

Klasycyzm (z łac. classicus - wzorowy) to styl artystyczny w sztuce, którego podstawą było odwołanie się, jako idealnego standardu estetycznego, do obrazów i form sztuki starożytnej i renesansu, wymagające ścisłego przestrzegania szeregu zasad i kanony.

Kosmizm (z greckiego kosmos – zorganizowany świat, kosma – dekoracja) jest artystycznym i filozoficznym światopoglądem, który opiera się na wiedzy o Kosmosie i idei człowieka jako obywatela Świata, a także mikrokosmosu podobnego do Makrokosmosu. Kosmizm kojarzy się z astronomiczną wiedzą o wszechświecie.

Kubizm (z francuskiego sześcian – sześcian) to modernistyczny nurt w sztuce, przedstawiający przedmioty rzeczywistości rozłożone na proste geometryczne kształty.

Letryzm (z angielskiego litera – list, wiadomość) to kierunek w modernizmie oparty na wykorzystaniu obrazów podobnych do czcionki, nieczytelnego tekstu, a także kompozycji opartych na literach i tekście.

Metarealizm, realizm metafizyczny (z greckiego meta - między i uzdrowienie - materialny, rzeczywisty) to kierunek w sztuce, którego główną ideą jest wyrażenie nadświadomości, nadfizyczności rzeczy.

Minimalizm (wywodzący się z angielskiego minimal art – minimal art) to nurt artystyczny, który wywodzi się z minimalnej przemiany materiałów użytych w procesie twórczym, prostoty i jednolitości form, monochromatycznej, twórczej samokontroli artysty. Minimalizm charakteryzuje się odrzuceniem podmiotowości, reprezentacji, iluzjonizmu. Odrzucając klasyczne techniki i tradycyjne materiały artystyczne, minimaliści stosują przemysłowe i naturalne materiały o prostych geometrycznych kształtach i neutralnych kolorach (czerń, szarość), małe objętości, stosują seryjne, przenośnikowe metody produkcji przemysłowej.

Modern (z francuskiego moderne – najnowszy, nowoczesny) to styl artystyczny w sztuce, w którym cechy sztuki różnych epok są przemyślane i stylizowane za pomocą technik artystycznych opartych na zasadach asymetrii, ornamentyki i detalu .

Neoplastycyzm jest jedną z najwcześniejszych odmian sztuki abstrakcyjnej. Stworzony do 1917 roku przez holenderskiego malarza P. Mondriana i innych artystów zrzeszonych w stowarzyszeniu „Styl”. Cechą charakterystyczną neoplastycyzmu jest, zdaniem jego twórców, dążenie do „uniwersalnej harmonii”, wyrażającej się w ściśle wyważonych zestawieniach dużych prostokątnych figur, wyraźnie oddzielonych prostopadłymi czarnymi liniami i pomalowanych lokalnymi barwami głównego spektrum (z dodatkiem bieli i odcienie szarości).

Prymitywizm, sztuka naiwna, naiwny - styl malarstwa, w którym obraz jest celowo uproszczony, jego formy są prymitywne, jak sztuka ludowa, dzieło dziecka lub osoby prymitywnej.

Op art (z angielskiego optical art – optical art) to neoawangardowy nurt w sztukach wizualnych, w którym efekty ruchu przestrzennego, łączenia i „unoszenia się” form uzyskuje się poprzez wprowadzenie ostrych kontrastów kolorystycznych i tonalnych, rytmiczne powtórzenia, przecinające się konfiguracje spiral i krat, wijące się linie.

Orientalizm (z łac. oriens – wschód) – kierunek w sztuce europejskiej wykorzystujący tematy, symbole i motywy Wschodu i Indochin

Orfizm (od francuskiego orfizmat, od Orpee - Orfeusz) - kierunek w malarstwie francuskim lat 1910-tych. Imię nadał w 1912 roku francuski poeta Apollinaire malarzowi Robertowi Delaunayowi. Orfizm kojarzy się z kubizmem, futuryzmem i ekspresjonizmem. Główne cechy tego stylu malarstwa to estetyzm, plastyczność, rytm, elegancja sylwetek i linii.
Mistrzowie orfizmu: Robert Delaunay, Sonia Turk-Delaunay, Frantisek Kupka, Francis Picabia, Vladimir Baranov-Rossine, Fernand Léger, Morgan Russell.

pop Art

Postmodernizm (z francuskiego postmodernisme – po modernizmie) to nowy styl artystyczny, który różni się od modernizmu powrotem do piękna rzeczywistości wtórnej, narracją, odwołaniem do fabuły, melodią, harmonią form wtórnych. Postmodernizm charakteryzuje się łączeniem w ramach jednego dzieła stylów, motywów figuratywnych i technik artystycznych zapożyczonych z różnych epok, regionów i subkultur.

Realizm (z łac. gealis – materialny, realny) to nurt w sztuce charakteryzujący się jak najbardziej zbliżonym do rzeczywistości przedstawianiem zjawisk społecznych, psychologicznych i innych.

Rokoko (pochodzące z francuskiego rokoko, rocaille) to styl w sztuce i architekturze, który powstał we Francji na początku XVIII wieku. Wyróżniał się wdziękiem, lekkością, intymno-zalotnym charakterem. Zastępując ociężały barok, rokoko było zarówno logiczną konsekwencją jego rozwoju, jak i jego artystycznym antypodem. Ze stylem barokowym rokoko łączy pragnienie kompletności form, ale jeśli barok skłania się ku monumentalnej powadze, rokoko preferuje elegancję i lekkość.

Symbolizm (od francuskiego symbolizmu - znak, znak identyfikacyjny) to kierunek artystyczny w sztuce, oparty na ucieleśnieniu głównych idei dzieła poprzez wielowartościową i wielostronną asocjacyjną estetykę symboli.

Realizm socjalistyczny, socrealizm to nurt artystyczny w sztuce, który jest estetycznym wyrazem świadomej socjalistycznej koncepcji świata i człowieka, wynikającej z epoki społeczeństwa socjalistycznego.

Hiperrealizm, superrealizm, fotorealizm (z angielskiego hyperrealism - over realism) to kierunek w sztuce polegający na wiernym fotograficznym odwzorowaniu rzeczywistości.

Surrealizm (od francuskiego surrealisme - nad + realizm) to jeden z kierunków modernizmu, którego główną ideą jest wyrażanie podświadomości (połączenie snu i rzeczywistości).

Transawangarda (z łac. trans – przez, przez i francuska awangarda – awangarda) to jeden z nowoczesnych nurtów postmodernizmu, który powstał jako reakcja na konceptualizm i pop-art. Transawangarda obejmuje mieszanie i przekształcanie stylów zrodzonych w awangardzie, takich jak kubizm, fowizm, futuryzm, ekspresjonizm itp.

Ekspresjonizm (wywodzący się z francuskiego wyrażenia – ekspresyjność) to modernistyczny nurt w sztuce, który traktuje obraz świata zewnętrznego jedynie jako środek wyrażania subiektywnych stanów twórcy.

Kierunki w sztuce to system technik artystycznych, środków wyrazu, które mają na celu wyrażenie określonej idei, światopoglądu dominującego w określonej społeczności w danym okresie. Style rozwijały się przez ostatnie tysiąclecie, sukcesywnie zastępując się nawzajem. Czasem nowy styl powstawał jako kontynuacja i rozwinięcie poprzedniego, czasem stawał się wynikiem zmagań z ideami poprzednika.

W niektórych przypadkach tak trudno jest wyodrębnić styl, że jest on raczej klasyfikowany jako kierunek. Tak więc symbolizm, kubizm można przypisać jako niezależnie ukształtowany styl i można je uznać za kierunki wszechstronnego modernizmu.

Każda epoka dała początek więcej niż jednemu stylowi artystycznemu. Studiując dzieła sztuki, można lepiej poznać czas, w którym ukształtował się i zdominował ten lub inny styl artystyczny.

Główne nurty w sztuce X-XIX wieku

Styl romański (X - XIII w.)

Styl gotycki (XIII - XVI w.)

Barok (XVI - XVIII w.)

Klasycyzm (XVII - XIX w.)

Sentymentalizm (XVIII w.)

Romantyzm (XVIII - XIX w.)

Realizm (XIX wiek)

Główne nurty w sztuce XX wieku

Modernizm

Symbolizm

Impresjonizm

Surrealizm

Powstały w latach 20. ubiegłego wieku styl paradoksalnych form i aluzji, odzwierciedlający połączenie snu z rzeczywistością. W malarstwie surrealizm jest wyraźnie odzwierciedlony w obrazach Magritte'a, Ernsta, Dali, Matty...

Liczba stylów i trendów jest ogromna, jeśli nie nieskończona. Kluczową cechą, według której prace można pogrupować według stylu, są ujednolicone zasady myślenia artystycznego. Zmiana niektórych sposobów myślenia artystycznego na inne (przemienne typy kompozycji, techniki konstrukcji przestrzennych, cechy koloru) nie jest przypadkowa. Nasze postrzeganie sztuki jest również historycznie zmienne.
Budując system stylów w porządku hierarchicznym, będziemy trzymać się tradycji eurocentrycznej. Największym w historii sztuki jest pojęcie epoki. Każda epoka charakteryzuje się pewnym „obrazem świata”, na który składają się idee filozoficzne, religijne, polityczne, idee naukowe, psychologiczne cechy światopoglądu, normy etyczne i moralne, estetyczne kryteria życia, według których wyróżnia się jedną epokę od drugiego. Są to epoka prymitywna, epoka starożytnego świata, starożytność, średniowiecze, renesans, nowa era.
Style w sztuce nie mają wyraźnych granic, płynnie przechodzą jeden w drugi i podlegają ciągłemu rozwojowi, mieszaniu i przeciwstawianiu. W ramach jednego historycznego stylu artystycznego zawsze rodzi się nowy, który z kolei przechodzi w następny. Wiele stylów współistnieje jednocześnie i dlatego w ogóle nie ma „czystych stylów”.
Kilka stylów może współistnieć w tej samej epoce historycznej. Na przykład klasycyzm, akademizm i barok w XVII wieku, rokoko i neoklasycyzm w XVIII wieku, romantyzm i akademizm w XIX wieku. Takie style, jak na przykład klasycyzm i barok, nazywane są wielkimi, ponieważ dotyczą wszystkich rodzajów sztuki: architektury, malarstwa, rzemiosła artystycznego, literatury, muzyki.
Należy wyróżnić: style artystyczne, nurty, nurty, szkoły oraz cechy poszczególnych stylów poszczególnych mistrzów. W ramach jednego stylu może istnieć kilka kierunków artystycznych. Na kierunek artystyczny składają się zarówno znaki charakterystyczne dla danej epoki, jak i specyficzne sposoby myślenia artystycznego. Na przykład styl Art Nouveau obejmuje szereg nurtów z przełomu wieków: postimpresjonizm, symbolizm, fowizm i tak dalej. Z drugiej strony koncepcja symbolizmu jako ruchu artystycznego jest dobrze rozwinięta w literaturze, podczas gdy w malarstwie jest bardzo niejasna i jednoczy artystów tak różnych stylistycznie, że często jest interpretowana jedynie jako łączący ich światopogląd.

Poniżej znajdują się definicje epok, stylów i trendów, które w jakiś sposób znajdują odzwierciedlenie we współczesnej sztuce plastycznej i dekoracyjnej.

	- styl artystyczny, który ukształtował się w krajach Europy Zachodniej i Środkowej w XII-XV wieku. Był wynikiem wielowiekowej ewolucji sztuki średniowiecznej, jej najwyższego etapu i jednocześnie pierwszego paneuropejskiego, międzynarodowego stylu artystycznego w historii. Obejmował wszystkie rodzaje sztuki - architekturę, rzeźbę, malarstwo, witraże, projektowanie książek, sztukę i rzemiosło. Podstawą stylu gotyckiego była architektura, którą charakteryzują ostrołukowe łuki skierowane ku górze, wielobarwne witraże, wizualna dematerializacja formy. Elementy sztuki gotyckiej często można odnaleźć we współczesnym wystroju wnętrz, zwłaszcza w malarstwie ściennym, rzadziej w malarstwie sztalugowym. Od końca ubiegłego wieku istnieje subkultura gotycka, wyraźnie przejawiająca się w muzyce, poezji i projektowaniu mody.
	(Renesans) - (francuski renesans, włoski Rinascimento) Epoka w rozwoju kulturowym i ideologicznym wielu krajów Europy Zachodniej i Środkowej, a także niektórych krajów Europy Wschodniej. Główne cechy wyróżniające kulturę renesansu: świeckość, humanistyczny światopogląd, odwoływanie się do antycznego dziedzictwa kulturowego, swego rodzaju „odrodzenie” (stąd nazwa). Kultura renesansu ma specyfikę epoki przejściowej od średniowiecza do czasów nowych, w której stare i nowe, przeplatając się, tworzą swoisty, jakościowo nowy stop. Trudna jest kwestia chronologicznych granic renesansu (we Włoszech - 14-16 wieku, w innych krajach - 15-16 wieku), jego rozmieszczenia terytorialnego i cech narodowych. Elementy tego stylu w sztuce współczesnej są często wykorzystywane w malarstwie ściennym, rzadziej w malarstwie sztalugowym.
	- (od włoskiego maniera - technika, maniera) nurt w sztuce europejskiej XVI wieku. Przedstawiciele manieryzmu odeszli od renesansowego harmonijnego postrzegania świata, humanistycznej koncepcji człowieka jako doskonałego tworu natury. Ostre postrzeganie życia połączono z programowym pragnieniem nie podążania za naturą, ale wyrażenia subiektywnej „wewnętrznej idei” obrazu artystycznego, która zrodziła się w duszy artysty. Najwyraźniej objawia się we Włoszech. Dla włoskiego manieryzmu 1520s. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) charakteryzują się dramatyczną ostrością obrazów, tragizmem światopoglądowym, złożonością i przesadną ekspresją póz i motywów ruchowych, wydłużeniem proporcji postaci, dysonansami kolorystycznymi i światłocieniowymi . Ostatnio jest używany przez historyków sztuki w odniesieniu do zjawisk w sztuce współczesnej związanych z przemianami stylów historycznych.
	- historyczny styl sztuki, który pierwotnie był dystrybuowany we Włoszech w środku. XVI-XVII wieku, a następnie we Francji, Hiszpanii, Flandrii i Niemczech w XVII-XVIII wieku. Szerzej termin ten używany jest do określenia wciąż odradzających się tendencji niespokojnego, romantycznego światopoglądu, myślenia w ekspresyjnych, dynamicznych formach. Wreszcie w każdej epoce, niemal w każdym historycznym stylu artystycznym można odnaleźć swój „okres baroku” jako etap największego rozkwitu twórczego, napięcia emocji, wybuchowości form.
	- styl artystyczny w sztuce zachodnioeuropejskiej XVII - wczes. XIX wiek i rosyjski XVIII - wczesny. XIX, odwołując się do starożytnego dziedzictwa jako ideału do naśladowania. Przejawiało się to w architekturze, rzeźbie, malarstwie, sztuce i rzemiośle. Artyści klasycystyczni uważali starożytność za najwyższe osiągnięcie i uczynili z niej swój standard w sztuce, który starali się naśladować. Z czasem odrodził się w akademizmie.
	- nurt w sztuce europejskiej i rosyjskiej lat 20.-30. XIX wieku, który zastąpił klasycyzm. Romantycy wysunęli na pierwszy plan indywidualność, przeciwstawiając idealne piękno klasycystów „niedoskonałej” rzeczywistości. Artystów przyciągały jasne, rzadkie, niezwykłe zjawiska, a także obrazy o fantastycznej naturze. W sztuce romantyzmu ważną rolę odgrywa ostra indywidualna percepcja i doświadczenie. Romantyzm wyzwolił sztukę z abstrakcyjnych dogmatów klasycyzmu i skierował ją w stronę historii narodowej i obrazów folkloru.
	- (z łac. sentyment - uczucie) - kierunek sztuki zachodniej drugiej połowy XVIII wieku, wyrażający rozczarowanie „cywilizacją” opartą na ideałach „rozumu” (ideologia oświecenia). S. głosi uczucie, samotną refleksję, prostotę wiejskiego życia „małego człowieczka”. J. J. Rousseau uważany jest za ideologa S..
	- kierunek w sztuce dążący do jak największej prawdziwości i rzetelności ukazania zarówno formy zewnętrznej, jak i istoty zjawisk i rzeczy. Jak metoda twórcza łączy cechy indywidualne i typowe przy tworzeniu obrazu. Najdłuższy czas istnienia kierunku, rozwijający się od czasów prymitywnych do współczesności.
	- kierunek w europejskiej kulturze artystycznej przełomu XIX i XX wieku. Powstający jako reakcja na dominację norm mieszczańskiego „rozsądku” w sferze humanitarnej (w filozofii, estetyce – pozytywizm, w sztuce – naturalizm), symbolizm ukształtował się przede wszystkim w literaturze francuskiej końca lat 60. później rozpowszechnił się w Belgii, Niemczech, Austrii, Norwegii, Rosji. Estetyczne zasady symbolizmu pod wieloma względami sięgały idei romantyzmu, a także niektórych doktryn filozofii idealistycznej A. Schopenhauera, E. Hartmanna, częściowo F. Nietzschego, do twórczości i teoretyzowania niemieckiego kompozytora R. Wagnera. Symbolika przeciwstawiała żywą rzeczywistość światu wizji i snów. Symbol generowany przez poetycki wgląd i wyrażający nieziemskie znaczenie zjawisk, ukryte przed zwykłą świadomością, uznano za uniwersalne narzędzie do zrozumienia tajemnic bytu i indywidualnej świadomości. Artysta-twórca uważany był za pośrednika między tym, co realne, a tym, co nadzmysłowe, wszędzie odnajdującego „znaki” światowej harmonii, proroczo odgadującego znaki przyszłości zarówno w zjawiskach nowożytnych, jak iw wydarzeniach z przeszłości.
	- (z francuskiego impresja - impresja) nurt w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji. Nazwę wprowadził krytyk sztuki L. Leroy, który lekceważąco skomentował wystawę artystów z 1874 r., na której m.in. obraz C. Moneta „Wschód słońca. Wrażenie". Impresjonizm podkreślał piękno realnego świata, podkreślając świeżość pierwszego wrażenia, zmienność otoczenia. Dominująca uwaga skierowana na rozwiązywanie problemów czysto obrazowych ograniczyła tradycyjną ideę rysunku jako głównego składnika dzieła sztuki. Impresjonizm wywarł potężny wpływ na sztukę krajów europejskich i Stanów Zjednoczonych, wzbudził zainteresowanie scenami z prawdziwego życia. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley itp.)
	- nurt w malarstwie (synonim dywizjonizmu), który rozwinął się w ramach neoimpresjonizmu. Neoimpresjonizm powstał we Francji w 1885 roku i rozprzestrzenił się także na Belgię i Włochy. Neoimpresjoniści starali się zastosować w sztuce najnowsze zdobycze optyki, zgodnie z którymi malarstwo, wykonane oddzielnymi punktami barw podstawowych, daje w percepcji wizualnej fuzję barw i całą gamę malarską. (J. Seurat, P. Signac, K. Pissarro).
	postimpresjonizm- warunkowa nazwa zbiorcza głównych kierunków malarstwa francuskiego do XIX - I ćw. XX wiek Sztuka postimpresjonizmu powstała jako reakcja na impresjonizm, który skupiał uwagę na przekazie chwili, na poczuciu malowniczości i utracie zainteresowania formą przedmiotów. Wśród postimpresjonistów są P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh i inni.
	- styl w sztuce europejskiej i amerykańskiej przełomu XIX i XX wieku. Secesja przemyślała i stylizowała cechy sztuki różnych epok, wypracowała własne techniki artystyczne oparte na zasadach asymetrii, ornamentyki i dekoracyjności. Naturalne formy stają się również przedmiotem stylizacji nowoczesności. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa - oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы. Ściśle związana z nowoczesnością jest symbolika, która posłużyła za estetyczną i filozoficzną podstawę nowoczesności, opierając się na nowoczesności jako plastycznej realizacji swoich idei. Art Nouveau miało różne nazwy w różnych krajach, które są zasadniczo synonimami: Art Nouveau - we Francji, Secesja - w Austrii, Jugendstil - w Niemczech, Wolność - we Włoszech.
	- (z francuskiego nowoczesny - nowoczesny) ogólna nazwa szeregu ruchów artystycznych pierwszej połowy XX wieku, które charakteryzują się zaprzeczeniem tradycyjnych form i estetyki przeszłości. Modernizm bliski jest awangardyzmowi i przeciwstawny akademizmowi.
	- nazwa łącząca zakres ruchów artystycznych, które były rozpowszechnione w latach 1905-1930. (Fowizm, kubizm, futuryzm, ekspresjonizm, dadaizm, surrealizm). Wszystkie te obszary łączy chęć odnowienia języka sztuki, ponownego przemyślenia jej zadań, uzyskania wolności wypowiedzi artystycznej.
	- kierunek w sztuce do XIX - współczesności. XX wiek, oparty na twórczych lekcjach francuskiego artysty Paula Cezanne'a, który zredukował wszystkie formy obrazu do najprostszych kształtów geometrycznych, a kolor - do kontrastujących konstrukcji ciepłych i zimnych tonów. Cézannism był jednym z punktów wyjścia dla kubizmu. Cezannizm w dużym stopniu wpłynął także na rodzimą szkołę malarstwa realistycznego.
	- (od fauve - dziki) nurt awangardowy w sztuce francuskiej n. XX wiek Nazwa „dziki” została nadana przez współczesnych krytyków grupie artystów, którzy pojawili się w 1905 roku w paryskim Salonie Niezależnych i była ironiczna. W skład grupy weszli A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, K. van Dongen i inni. , poszukiwanie impulsów w twórczości prymitywnej, sztuce średniowiecza i Wschodu.
	- celowe uproszczenie środków wizualnych, naśladowanie prymitywnych etapów rozwoju sztuki. Termin ten odnosi się do tzw. sztuka naiwna artystów, którzy nie otrzymali specjalnego wykształcenia, ale byli zaangażowani w ogólny proces artystyczny końca XIX - początku XIX wieku. XX wiek. Prace tych artystów - N. Pirosmaniego, A. Russo, V. Selivanova i innych cechuje swoista dziecinność w interpretacji natury, połączenie uogólnionej formy i drobnej dosłowności w szczegółach. Prymitywizm formy bynajmniej nie przesądza o prymitywizmie treści. Często służy jako źródło dla profesjonalistów, którzy zapożyczali formy, obrazy, metody od sztuki ludowej, w gruncie rzeczy prymitywnej. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse czerpali inspiracje z prymitywizmu.
	- kierunek w sztuce, który rozwinął się w oparciu o kanony starożytności i renesansu. Istniał w wielu europejskich szkołach artystycznych od XVI do XIX wieku. Akademizm przekształcił klasyczne tradycje w system „odwiecznych” zasad i przepisów, które krępowały twórcze poszukiwania, próbował przeciwstawić niedoskonałej żywej naturze za pomocą „wysoko” udoskonalonych, ponadnarodowych i ponadczasowych form piękna doprowadzonych do perfekcji. Akademizm charakteryzuje się preferencją dla wątków z mitologii starożytnej, motywów biblijnych lub historycznych do wątków z życia współczesnego artysty.
	- (francuski kubizm, od sześcianu - sześcianu) kierunek w sztuce pierwszej ćwierci XX wieku. Plastyczny język kubizmu opierał się na deformacji i rozkładzie przedmiotów na płaszczyzny geometryczne, plastycznym przesunięciu formy. Narodziny kubizmu przypadają na lata 1907-1908 - przeddzień pierwszej wojny światowej. Niekwestionowanym liderem tego nurtu był poeta i publicysta G. Apollinaire. Nurt ten jako jeden z pierwszych ucieleśniał wiodące kierunki dalszego rozwoju sztuki XX wieku. Jednym z takich trendów była dominacja koncepcji nad wartością artystyczną samego obrazu. J. Braque i P. Picasso uważani są za ojców kubizmu. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris i inni dołączyli do powstającego nurtu.
	- nurt w literaturze, malarstwie i kinie, który powstał w 1924 roku we Francji. W znacznym stopniu przyczyniła się do ukształtowania świadomości współczesnego człowieka. Głównymi postaciami tego ruchu są Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Bunuel, Juan Miro i wielu innych artystów z całego świata. Surrealizm wyrażał ideę istnienia poza rzeczywistością, absurdem, nieświadomością, snami, marzeniami na jawie nabierają tutaj szczególnie ważnej roli. Jedną z charakterystycznych metod surrealistycznego artysty jest oderwanie się od świadomej twórczości, co czyni go narzędziem wydobywającym na różne sposoby dziwaczne obrazy podświadomości, zbliżone do halucynacji. Surrealizm przetrwał kilka kryzysów, przetrwał II wojnę światową i stopniowo, łącząc się z kulturą masową, krzyżując się z transawangardą, wszedł jako integralna część postmodernizmu.
	- (od łac. futurum - przyszłość) ruch literacki i artystyczny w sztuce lat 1910-tych. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Ważną ideą artystyczną futuryzmu było poszukiwanie plastycznego wyrazu szybkości ruchu jako głównego znaku tempa współczesnego życia. Rosyjska wersja futuryzmu nazywała się kybofuturyzmem i opierała się na połączeniu zasad plastycznych francuskiego kubizmu i europejskich ogólnych instalacji estetycznych futuryzmu.