Delacroix stworzył obraz oparty na rewolucji lipcowej 1830 r., Która położyła kres restauracyjnemu reżimowi monarchii Burbonów. Po licznych szkicach przygotowawczych ukończenie obrazu zajęło mu zaledwie trzy miesiące. W liście do brata z 12 października 1830 r. Delacroix pisze: „Jeśli nie walczyłem za Ojczyznę, to przynajmniej będę dla niej pisał”. Obraz ma również drugie imię: „Wolność prowadzi lud”. Początkowo artysta chciał po prostu odtworzyć jeden z epizodów bitew lipcowych z 1830 roku. Był świadkiem bohaterskiej śmierci d''Arcol'a, kiedy rebelianci zdobyli ratusz w Paryżu. Na wiszącym moście Greve pod ostrzałem pojawił się młody mężczyzna i wykrzyknął:'' Jeśli umrę, pamiętajcie, że nazywam się d''Arcol''. I naprawdę został zabity, ale udało mu się zniewolić ludzi.
W 1831 roku na Salonie Paryskim Francuzi po raz pierwszy zobaczyli ten obraz, poświęcony „trzem chwalebnym dniom” rewolucji lipcowej 1830 roku. Płótno zrobiło na współczesnych oszałamiające wrażenie siłą, demokracją i odwagą artystycznej decyzji. Według legendy jeden szanowany mieszczanin wykrzyknął: „Mówisz - dyrektor szkoły? Powiedz mi lepiej - szef buntu! *** Po zamknięciu Salonu rząd, przestraszony potężnym i inspirującym urokiem bijącym z obrazu, pospiesznie zwrócił go autorowi. Podczas rewolucji 1848 r. został ponownie wystawiony publicznie w Pałacu Luksemburskim. I znowu wrócił do artysty. Dopiero po wystawieniu płótna na Wystawie Światowej w Paryżu w 1855 roku trafiło do Luwru. Do dziś zachowało się tu jedno z najlepszych dzieł francuskiego romantyzmu - natchniona relacja naocznego świadka i wieczny pomnik walki ludu o wolność.
Jaki język artystyczny znalazł młody francuski romantyk, aby połączyć ze sobą te dwie pozornie przeciwstawne zasady – szerokie, wszechogarniające uogólnienie i konkretną, okrutną w swej nagości rzeczywistość?
Paryż słynnych dni lipcowych 1830 r. W oddali, ledwo zauważalne, ale dumnie wznoszą się wieże katedry Notre Dame – symbolu historii, kultury i ducha Francuzów. Stamtąd, z zadymionego miasta, ponad ruinami barykad, nad trupami poległych towarzyszy, uporczywie i zdecydowanie wychodzą powstańcy. Każdy z nich może zginąć, ale krok rebeliantów jest niewzruszony – inspiruje ich wola zwycięstwa, wolności.
Ta inspirująca siła jest ucieleśniona w obrazie pięknej młodej kobiety, w namiętnym wybuchu, który ją wzywa. Z niewyczerpaną energią, swobodną i młodzieńczą szybkością ruchów przypomina grecką boginię zwycięstwa Nike. Jej silna sylwetka ubrana jest w chitonową suknię, jej twarz o doskonałych rysach, z płonącymi oczami zwrócona jest ku buntownikom. W jednej ręce trzyma trójkolorową flagę Francji, w drugiej pistolet. Na głowie czapka frygijska – starożytny symbol wyzwolenia z niewoli. Jej krok jest szybki i lekki - tak chodzą boginie. Jednocześnie obraz kobiety jest prawdziwy - jest córką Francuzów. Jest siłą przewodnią ruchu grupy na barykadach. Z niej, jak ze źródła światła w centrum energii, wychodzą promienie, naładowane pragnieniem i wolą zwycięstwa. Ci, którzy są jej bliscy, każdy na swój sposób, wyrażają swoje zaangażowanie w to inspirujące wezwanie.
Po prawej chłopiec, paryski gamen, wymachujący pistoletami. Najbliższy jest Wolności i niejako rozpalony jej entuzjazmem i radością swobodnego impulsu. Szybkim, chłopięcym ruchem niecierpliwym nawet trochę wyprzedza swojego inspiratora. To poprzednik legendarnego Gavroche'a, sportretowanego dwadzieścia lat później przez Victora Hugo w Nędznikach: „Gavroche, pełen natchnienia, promienny, wziął na siebie zadanie wprawienia całości w ruch. Biegał w tę iz powrotem, wznosił się, upadał, wznosił się, hałasował, iskrzył się z radości. Wydawać by się mogło, że przyszedł tutaj, aby wszystkich rozweselić. Czy miał ku temu jakiś motyw? Tak, oczywiście, jego ubóstwo. Czy miał skrzydła? Tak, oczywiście, jego radość. To był rodzaj wichru. Zdawał się wypełniać powietrze sobą, będąc wszędzie jednocześnie... Ogromne barykady czuło to na jego kręgosłupie.**
Gavroche na obrazie Delacroix jest uosobieniem młodości, „pięknym impulsem”, radosną akceptacją jasnej idei Wolności. Dwa obrazy – Gavroche i Liberty – zdają się dopełniać: jeden to ogień, drugi to zapalona od niego pochodnia. Heinrich Heine opowiadał, jak żywy odzew wśród paryżan wywołała postać Gavroche'a. "Cholera! wykrzyknął kupiec. „Ci chłopcy walczyli jak olbrzymy!” ***
Po lewej student z pistoletem. Wcześniej był postrzegany jako autoportret artysty. Ten buntownik nie jest tak szybki jak Gavroche. Jego ruch jest bardziej powściągliwy, bardziej skoncentrowany, znaczący. Ręce pewnie ściskają lufę pistoletu, twarz wyraża odwagę, stanowczą determinację, by stanąć do końca. To głęboko tragiczny obraz. Uczeń zdaje sobie sprawę z nieuchronności strat, jakie poniosą buntownicy, ale ofiary go nie przerażają – wola wolności jest silniejsza. Za nim stoi równie dzielny i zdecydowany robotnik z szablą. Zraniony u stóp Wolności. Z trudem wstaje, by jeszcze raz spojrzeć na Wolność, by zobaczyć i poczuć całym sercem to piękno, za które umiera. Ta figura stanowi dramatyczny początek dźwięku płótna Delacroix. Jeśli obrazy Gavroche'a, Liberty'ego, studenta, robotnika są niemal symbolami, ucieleśnieniem nieubłaganej woli bojowników o wolność - inspirują i wzywają widza, to zraniony człowiek wzywa do współczucia. Człowiek żegna się z Wolnością, żegna się z życiem. Jest jeszcze impulsem, ruchem, ale już słabnącym impulsem.
Jego postać jest przejściowa. Wzrok widza, wciąż zafascynowany i porwany rewolucyjną determinacją powstańców, schodzi na dół barykady, pokrytej ciałami chwalebnych poległych żołnierzy. Śmierć ukazana jest przez artystę w całej nagości i dowodach faktu. Widzimy błękitne twarze zmarłych, ich nagie ciała: walka jest bezlitosna, a śmierć jest tak samo nieuniknionym towarzyszem rebeliantów jak piękna inspiratorka Wolność.
Z okropnego widoku na dolnej krawędzi obrazu ponownie podnosimy wzrok i widzimy piękną młodą postać - nie! życie wygrywa! Idea wolności, ucieleśniona tak wyraźnie i namacalnie, jest tak skoncentrowana na przyszłości, że śmierć w jej imieniu nie jest straszna.
Artysta przedstawia tylko niewielką grupę buntowników, żywych i umarłych. Ale obrońcy barykady wydają się niezwykle liczni. Kompozycja jest zbudowana w taki sposób, aby grupa bojowników nie była ograniczona, nie zamykała się w sobie. Jest tylko częścią niekończącej się lawiny ludzi. Artysta podaje niejako fragment grupy: kadr obrazu odcina postacie z lewej, prawej i dolnej strony.
Zwykle kolor w pracach Delacroix nabiera emocjonalnego brzmienia, odgrywa dominującą rolę w tworzeniu dramatycznego efektu. Kolory, czasem szalejące, czasem blaknące, stłumione, tworzą napiętą atmosferę. W Liberty at the Barricades Delacroix odchodzi od tej zasady. Bardzo dokładnie, jednoznacznie wybierając farbę, nakładając ją szerokimi pociągnięciami, artysta oddaje atmosferę bitwy.
Ale zakres kolorów jest ograniczony. Delacroix skupia się na reliefowym modelowaniu formy. Było to wymagane przez graficzne rozwiązanie obrazu. Wszak artysta, przedstawiając konkretne wczorajsze wydarzenie, stworzył także pomnik tego wydarzenia. Dlatego postacie są prawie rzeźbiarskie. Dlatego też każda postać, będąc częścią jednej całości obrazu, stanowi także coś zamkniętego w sobie, reprezentuje symbol odlany w skończoną formę. Dlatego kolor nie tylko oddziałuje emocjonalnie na uczucia widza, ale niesie ze sobą ładunek symboliczny. W brązowo-szarej przestrzeni, gdzieniegdzie uroczyście triada błysków czerwieni, błękitu, bieli – barw sztandaru Rewolucji Francuskiej 1789 roku. Powtarzające się powtórzenia tych kolorów wspierają potężny akord trójkolorowej flagi powiewającej nad barykadami.
Obraz Delacroix „Wolność na barykadach” jest złożonym, imponującym dziełem w swoim zakresie. Tutaj łączy się autentyczność bezpośrednio widzianego faktu i symbolika obrazów; realizm, sięgający brutalnego naturalizmu i idealnego piękna; szorstki, straszny i wzniosły, czysty.
Obraz „Wolność na barykadach” utrwalił zwycięstwo romantyzmu we francuskiej „Bitwie pod Poitiers” i „Zabójstwie biskupa Liège”. Delacroix jest autorem obrazów nie tylko o tematyce Rewolucji Francuskiej, ale także kompozycji batalistycznych o tematyce narodowej („Bitwa pod Poitiers”). Podczas swoich podróży artysta wykonał szereg szkiców z natury, na podstawie których po powrocie tworzył obrazy. Dzieła te wyróżnia nie tylko zainteresowanie egzotyką i romantyczną kolorystyką, ale także głęboko odczuwana oryginalność narodowego życia, mentalności i charakterów.
, Lans
K: Obrazy z 1830 roku„Wolność prowadząca lud”(fr. La Liberte guidant le peuple) lub „Wolność na barykadach” to obraz francuskiego artysty Eugène Delacroix.
Delacroix stworzył obraz w oparciu o rewolucję lipcową 1830 roku, która zakończyła reżim restauracyjny monarchii Burbonów. Po licznych szkicach przygotowawczych ukończenie obrazu zajęło mu zaledwie trzy miesiące. W liście do brata z 12 października 1830 r. Delacroix pisze: „Jeśli nie walczyłem za Ojczyznę, to przynajmniej będę dla niej pisał”.
Po raz pierwszy „Wolność wiodąca lud” została wystawiona na Salonie Paryskim w maju 1831 r., gdzie obraz został entuzjastycznie przyjęty i od razu kupiony przez państwo. W szczególności Heinrich Heine mówił o swoich wrażeniach z salonu i malarstwa Delacroix. Ze względu na rewolucyjny spisek płótno nie było wystawiane publicznie przez następne ćwierć wieku.
W centrum obrazu znajduje się kobieta symbolizująca wolność. Na głowie ma czapkę frygijską, w prawej ręce flagę republikańskiej Francji, w lewej pistolet. Odsłonięta klatka piersiowa symbolizuje poświęcenie ówczesnych Francuzów, którzy z „nagą klatką piersiową” szli naprzeciw wrogowi. Postacie wokół Liberty – robotnik, burżuj, nastolatek – symbolizują jedność narodu francuskiego podczas rewolucji lipcowej. Niektórzy historycy i krytycy sztuki sugerują, że artysta przedstawił się jako mężczyzna w cylindrze po lewej stronie głównego bohatera.
W 1999 roku Svoboda odbyła 20-godzinny lot z Paryża na wystawę w Tokio przez Bahrajn i Kalkutę. Transport odbywał się na pokładzie Airbusa Beluga (wymiary plandeki – 2,99 m wysokości i 3,62 m długości – były zbyt duże dla Boeinga 747) w pozycji pionowej w izotermicznej komorze ciśnieniowej zabezpieczonej przed wibracjami.
W dniu 7 lutego 2013 r. Odwiedzająca muzeum Louvre-Lance, w którym wystawiana jest Liberty, zakryła dolną część płótna markerem, po czym została zatrzymana. Następnego dnia konserwatorzy usunęli uszkodzenia w mniej niż dwie godziny.
Filmografia
- „Na mostach. Zatrzymana chwila, film Alaina Jauberta z cyklu "Palety" (Francja, 1989).
Napisz recenzję artykułu „Wolność prowadząca lud”
Notatki
Spinki do mankietów
- w bazie danych Luwru (fr.)
Fragment charakteryzujący Wolność prowadzącą lud
I dusza moja nasiąknęła tym śmiechem, jak skazaniec nasiąka ciepłymi, pożegnalnymi promieniami zachodzącego już słońca...- No co ty mamusiu, my jeszcze żyjemy!..Jeszcze możemy walczyć!..Sama mi powiedziałaś, że będziesz walczyć, póki żyjesz... Więc pomyślmy, czy możemy coś zrobić. Czy możemy uwolnić świat od tego Zła.
Po raz kolejny wsparła mnie swoją odwagą!.. Znów znalazła właściwe słowa...
Ta słodka dzielna dziewczyna, prawie dziecko, nie mogła sobie nawet wyobrazić, jakim torturom może ją poddać Karaffa! W jakim brutalnym bólu mogła utonąć jej dusza... Ale ja wiedziałem... Wiedziałem wszystko, co ją czeka, jeśli nie pójdę mu na spotkanie. Jeśli się nie zgodzę, dam Papieżowi jedyną rzecz, jakiej pragnął.
- Moje dobro, moje serce ... Nie mogę patrzeć na twoją udrękę ... Nie dam ci go, moja dziewczyno! Północ i inni jemu podobni nie dbają o to, kto zostanie w tym ŻYCIU... Więc dlaczego mamy być inni?.. Dlaczego ty i ja mamy dbać o czyjś los?!.
Sam byłem przerażony moimi słowami... chociaż w głębi serca doskonale rozumiałem, że były one spowodowane jedynie beznadziejnością naszej sytuacji. I oczywiście nie zamierzałem zdradzić tego, po co żyłem… Za co zginął mój ojciec i mój biedny Girolamo. Po prostu, tylko na chwilę, chciałem uwierzyć, że możemy po prostu wziąć to i opuścić ten okropny, „czarny” świat Caraffy, zapominając o wszystkim… zapominając o innych ludziach, których nie znaliśmy. Zapomnij o złu...
To była chwilowa słabość zmęczonego człowieka, ale zrozumiałam, że nie mam nawet prawa do tego dopuścić. A potem, na domiar wszystkiego, najwyraźniej nie mogąc już wytrzymać przemocy, płonące wściekłe łzy spłynęły strumieniem po mojej twarzy… Ale tak bardzo się starałam, żeby do tego nie dopuścić!.. Starałam się nie okazywać mojej kochanej dziewczynie w jakie otchłanie rozpaczy moja wyczerpana, zbolała dusza...
Anna spojrzała na mnie smutno swoimi wielkimi szarymi oczami, w których mieszkał głęboki, wcale nie dziecinny smutek... Cicho gładziła moje ręce, jakby chcąc mnie uspokoić. A moje serce krzyczało, nie chcąc zaakceptować... Nie chcąc jej stracić. Była jedynym sensem mojego nieudanego życia. I nie mogłem pozwolić, by nie-ludzie, zwani Papieżem Rzymu, mi ją zabrali!
– Mamo, nie martw się o mnie – wyszeptała Anna, jakby czytając w moich myślach. - Nie boję się bólu. Ale nawet jeśli to bardzo boli, dziadek obiecał mnie odebrać. Rozmawiałem z nim wczoraj. Będzie na mnie czekał, jeśli tobie i mnie się nie uda... I tata też. Obaj będą tam na mnie czekać. Ale opuszczenie cię będzie bardzo bolesne ... Tak bardzo cię kocham, mamusiu! ..
Anna ukryła się w moich ramionach, jakby szukała ochrony... Ale ja nie mogłem jej ochronić... Nie mogłem jej uratować. Nie znalazłem "klucza" do Karaffy...
- Wybacz mi, moje słońce, zawiodłem cię. Zawiodłem nas oboje... Nie znalazłem sposobu, by go zniszczyć. przykro mi Aniu...
Godzina minęła niepostrzeżenie. Rozmawialiśmy o różnych rzeczach, nie wracając do zabójstwa Papieża, bo obaj doskonale wiedzieli, że dzisiaj przegraliśmy… I nieważne, czego chcieliśmy… Caraffa żył, i to było najgorsze i najważniejsze rzecz. Nie udało nam się uwolnić od niego naszego świata. Nie udało się ocalić dobrych ludzi. Żył, mimo wszelkich prób, wszelkimi pragnieniami. Nieważne co...
W swoim dzienniku młody Eugene Delacroix napisał 9 maja 1824 r.: „Odczułem chęć pisania na tematy współczesne”. To nie była przypadkowa fraza, miesiąc wcześniej zapisał podobną frazę: „Chcę pisać o fabułach rewolucji”. Artysta wielokrotnie mówił o swoim pragnieniu pisania na współczesne tematy, ale bardzo rzadko te swoje pragnienia realizował. Stało się tak, ponieważ Delacroix wierzył: „… wszystko należy poświęcić w imię harmonii i prawdziwego przekazu fabuły. Musimy sobie radzić na zdjęciach bez modelek. Żywy model nigdy nie odpowiada dokładnie obrazowi, który chcemy przekazać: model jest albo wulgarny, albo gorszy, albo jego piękno jest tak inne i doskonalsze, że wszystko trzeba zmienić”.
Artysta wolał wątki z powieści od piękna modelu życia. „Co należy zrobić, aby znaleźć spisek? pyta siebie pewnego dnia. „Otwórz książkę, która może zainspirować i zaufać Twojemu nastrojowi!” I święcie przestrzega własnej rady: z roku na rok książka staje się dla niego coraz większym źródłem tematów i wątków.
W ten sposób mur stopniowo rósł i umacniał się, oddzielając Delacroix i jego sztukę od rzeczywistości. Tak zamknięty w samotności zastał go rewolucja 1830 roku. Wszystko, co jeszcze kilka dni temu stanowiło sens życia pokolenia romantyków, zostało natychmiast odrzucone daleko w przeszłość, zaczęło „wydawać się małe” i niepotrzebne w obliczu wielkości wydarzeń, które miały miejsce.
Zdumienie i entuzjazm, jakich doświadczyły te dni, przenikają odosobnione życie Delacroix. Rzeczywistość traci dla niego odrażającą skorupę wulgarności i codzienności, odsłaniając prawdziwą wielkość, której nigdy w niej nie widział, a której wcześniej szukał w wierszach Byrona, kronikach historycznych, starożytnej mitologii i na Wschodzie.
Lipcowe dni odbijały się echem w duszy Eugene'a Delacroix ideą nowego obrazu. Bitwy barykadowe z 27, 28 i 29 lipca w historii Francji zadecydowały o wyniku przewrotu politycznego. W tych dniach obalony został król Karol X, ostatni przedstawiciel znienawidzonej przez lud dynastii Burbonów. Po raz pierwszy dla Delacroix nie była to fabuła historyczna, literacka ani orientalna, ale prawdziwe życie. Jednak zanim ten pomysł został wcielony, musiał przejść długą i trudną drogę zmian.
R. Escollier, biograf artysty, napisał: „Na samym początku, pod pierwszym wrażeniem tego, co zobaczył, Delacroix nie zamierzał przedstawiać Wolności wśród swoich wyznawców… Chciał po prostu odtworzyć jeden z lipcowych odcinków jak śmierć d'Arcola”. Tak, wtedy dokonano wielu wyczynów i dokonano poświęceń. Bohaterska śmierć d'Arcola związana jest ze zdobyciem przez rebeliantów paryskiego ratusza. W dniu, w którym wojska królewskie ostrzeliwały wiszący most Greve, pojawił się młody człowiek, który rzucił się do ratusza. Wykrzyknął: „Jeśli umrę, pamiętaj, że nazywam się d'Arcol”. Naprawdę został zabity, ale udało mu się zniewolić ludzi i ratusz został zdobyty.
Eugene Delacroix wykonał szkic piórem, który być może stał się pierwszym szkicem przyszłego obrazu. O tym, że nie był to zwykły rysunek, świadczy trafny dobór momentu, kompletność kompozycji, przemyślane akcenty poszczególnych postaci, organicznie połączone z akcją tło architektoniczne i inne szczegóły. Ten rysunek mógłby rzeczywiście służyć jako szkic do przyszłego obrazu, ale krytyk sztuki E. Kozhina uważał, że pozostał tylko szkicem, który nie miał nic wspólnego z płótnem, które później namalował Delacroix.
Artysta nie zadowala się już samą postacią d'Arcola, pędzącego naprzód i zniewalającego buntowników swoim heroicznym porywem. Eugene Delacroix przenosi tę centralną rolę na samą Liberty.
Artysta nie był rewolucjonistą i sam to przyznał: „Jestem buntownikiem, ale nie rewolucjonistą”. Polityka mało go interesowała, dlatego chciał przedstawić nie jeden ulotny epizod (nawet jeśli była to bohaterska śmierć d'Arcola), ani jeden fakt historyczny, ale charakter całego wydarzenia. Tak więc miejsce akcji, Paryż, można ocenić jedynie na podstawie fragmentu napisanego w tle obrazu po prawej stronie (w głębi ledwie widoczny sztandar podniesiony na wieży katedry Notre Dame), ale po mieście domy. Skala, poczucie ogromu i rozmachu tego, co się dzieje – oto, co Delacroix opowiada swoim ogromnym płótnem i czego nie dałby obraz prywatnego epizodu, choćby majestatycznego.
Kompozycja obrazu jest bardzo dynamiczna. W centrum obrazu znajduje się grupa uzbrojonych mężczyzn w prostych ubraniach, przesuwa się w kierunku pierwszego planu obrazu iw prawo. Z powodu dymu prochowego kwadrat nie jest widoczny ani nie widać, jak duża jest ta grupa. Nacisk tłumu wypełniający głębię obrazu tworzy narastającą presję wewnętrzną, która nieuchronnie musi się przebić. I tak przed tłumem, z chmury dymu na szczyt zajętej barykady, szeroki krok zrobiła piękna kobieta z trójkolorowym sztandarem republikańskim w prawej ręce i pistoletem z bagnetem w lewej. Na głowie ma czerwoną czapkę frygijską jakobinów, szaty powiewają odsłaniając pierś, profil twarzy przypomina klasyczne rysy Wenus z Milo. To jest Wolność, pełna siły i inspiracji, która zdecydowanym i odważnym ruchem wskazuje drogę wojownikom. Prowadząc ludzi przez barykady, Swoboda nie rozkazuje i nie rozkazuje - zachęca i prowadzi buntowników.
Podczas pracy nad obrazem w światopoglądzie Delacroix zderzyły się dwie przeciwstawne zasady – z jednej strony inspiracja rzeczywistością, a z drugiej zakorzeniona w jego umyśle nieufność do tej rzeczywistości. Nieufność wobec faktu, że życie może być piękne samo w sobie, że ludzkie obrazy i środki czysto obrazowe mogą przekazać ideę obrazu w całości. Ta nieufność podyktowała symboliczną postać Wolności Delacroix i kilka innych alegorycznych udoskonaleń.
Artysta przenosi całe zdarzenie w świat alegorii, my odzwierciedlamy ideę w taki sam sposób, jak Rubens, którego jest idolem (Delacroix powiedział młodemu Edouardowi Manetowi: „Musisz zobaczyć Rubensa, musisz być przepojony Rubensem, ty trzeba naśladować Rubensa, bo Rubens jest bogiem”) w swoich kompozycjach, uosabiając pojęcia abstrakcyjne. Ale Delacroix wciąż nie podąża za swoim idolem we wszystkim: wolność symbolizuje dla niego nie starożytne bóstwo, ale najprostsza kobieta, która jednak staje się królewsko majestatyczna.
Alegoryczna Wolność jest pełna żywotnej prawdy, w szybkim impulsie wyprzedza kolumnę rewolucjonistów, ciągnąc ich za sobą i wyrażając najwyższy sens walki - siłę idei i możliwość zwycięstwa. Gdybyśmy nie wiedzieli, że Nika z Samotraki została wykopana z ziemi po śmierci Delacroix, można by przypuszczać, że artysta inspirował się tym arcydziełem.
Wielu historyków sztuki zauważało i zarzucało Delacroix, że cała wielkość jego malarstwa nie może przesłonić wrażenia, które na pierwszy rzut oka okazuje się ledwie zauważalne. Mowa o zderzeniu w umyśle artysty przeciwstawnych aspiracji, które odcisnęło swoje piętno nawet w ukończonym płótnie, wahaniu Delacroix między szczerą chęcią ukazania rzeczywistości (tak jak ją widział) a mimowolną chęcią podniesienia jej do rangi coturny , pomiędzy pociągnięciem do malarstwa uczuciowym, bezpośrednim a przyzwyczajonym już do tradycji artystycznej. Wielu nie było usatysfakcjonowanych, że najbardziej bezwzględny realizm, który przerażał pełną dobrych intencji publiczność salonów artystycznych, połączył się w tym obrazie z nieskazitelnym, idealnym pięknem. Uznając za cnotę poczucie autentyczności życia, które nigdy wcześniej (i nigdy później) nie przejawiało się w twórczości Delacroix, zarzucano artystce uogólnienie i symbolikę obrazu Wolności. Jednak za uogólnienie innych obrazów, obwinianie artysty za to, że naturalistyczna nagość trupa na pierwszym planie sąsiaduje z nagością Wolności.
Ta dwoistość nie umknęła zarówno współczesnym Delacroix, jak i późniejszym koneserom i krytykom. Nawet 25 lat później, kiedy publiczność przyzwyczaiła się już do naturalizmu Gustave'a Courbeta i Jean-Francois Milleta, Maxime Ducan wciąż szalał przed „Wolnością na barykadach”, zapominając o jakiejkolwiek powściągliwości wypowiedzi: „Och, jeśli taka jest Wolność , jeśli ta dziewczyna z bosymi stopami i z odkrytymi piersiami, która biegnie, krzycząc i wymachując bronią, to nie jest nam potrzebna. Nie mamy nic wspólnego z tą haniebną lisicą!”
Ale, zarzucając Delacroix, cóż mogłoby przeciwstawić się jego obrazowi? Rewolucja 1830 roku znalazła odzwierciedlenie w twórczości innych artystów. Po tych wydarzeniach tron królewski objął Ludwik Filip, który swoje dojście do władzy starał się przedstawić jako niemal jedyną treść rewolucji. Wielu artystów, którzy przyjęli takie podejście do tematu, pospieszyło po linii najmniejszego oporu. Rewolucja, jak spontaniczna fala ludu, jak wielki impuls ludu, dla tych mistrzów wydaje się, że w ogóle nie istnieje. Wydają się spieszyć, by zapomnieć o wszystkim, co widzieli na paryskich ulicach w lipcu 1830 roku, a „trzy wspaniałe dni” jawią się w ich przedstawieniu jako całkiem dobre poczynania paryżanów, którym zależało tylko na tym, jak szybko zdobyć nowego króla w miejsce wygnanego. Dzieła te to m.in. obraz Fontaine'a „Gwardia ogłaszająca króla Ludwika Filipa” czy obraz O. Berne'a „Książę Orleanu opuszczający Palais-Royal”.
Wskazując jednak na alegoryczny charakter głównego obrazu, niektórzy badacze zapominają zauważyć, że alegoryczny charakter Wolności wcale nie dysonansuje z resztą postaci na obrazie, nie wygląda na obrazie tak obco i wyjątkowo, jak mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. W końcu reszta aktorskich postaci jest również alegoryczna w swojej istocie i swojej roli. W ich osobie Delacroix niejako wysuwa na pierwszy plan te siły, które dokonały rewolucji: robotników, inteligencję i plebs Paryża. Robotnik w bluzie i student (albo artysta) z pistoletem to przedstawiciele dość określonych warstw społecznych. Są to niewątpliwie jasne i wiarygodne obrazy, ale Delacroix przenosi to uogólnienie ich na symbole. I ta alegoryczność, która już jest w nich wyraźnie wyczuwalna, osiąga swoje najwyższe rozwinięcie w figurze Wolności. To potężna i piękna bogini, a jednocześnie odważna paryżanka. A obok niego, skaczący po kamieniach, krzyczący z zachwytu i wymachujący pistoletami (jakby aranżował wydarzenia), zwinny, rozczochrany chłopak to mały geniusz paryskich barykad, którego za 25 lat Victor Hugo nazwie Gavroche.
Obraz „Wolność na barykadach” kończy romantyczny okres w twórczości Delacroix. Sam artysta bardzo lubił ten swój obraz i dołożył wielu starań, aby trafił do Luwru. Jednak po przejęciu władzy przez „monarchię burżuazyjną” ekspozycja tego płótna została zakazana. Dopiero w 1848 roku Delacroix mógł ponownie wystawiać swoje malarstwo, i to nawet dość długo, ale po klęsce rewolucji na długo trafiło do magazynu. Prawdziwe znaczenie tego dzieła Delacroix określa jego drugie imię, nieoficjalne: wielu od dawna jest przyzwyczajonych do oglądania na tym obrazie „Marsylianki malarstwa francuskiego”.
1830
260x325 cm Luwr, Paryż
„Wybrałem współczesny temat, scenę na barykadach. .. Jeśli nie walczyłem o wolność ojczyzny, to przynajmniej muszę gloryfikować tę wolność ”- poinformował swojego brata Delacroix, odnosząc się do obrazu„ Wolność prowadząca lud ”(znamy to również pod nazwą„ Wolność na barykady"). Zawarte w nim wezwanie do walki z tyranią zostało wysłuchane i entuzjastycznie przyjęte przez współczesnych.
Swoboda z nagim torsem przechodzi po zwłokach poległych rewolucjonistów, wzywając rebeliantów do pójścia za nimi. W uniesionej dłoni trzyma trójkolorową flagę republikańską, a jej kolory – czerwony, biały i niebieski – odbijają się echem w całym płótnie. W swoim arcydziele Delacroix połączył to, co wydawałoby się nie do pogodzenia - protokolarny realizm reportażu z wysublimowaną tkaniną poetyckiej alegorii. Nadał ponadczasowy, epicki dźwięk krótkiemu epizodowi walk ulicznych. Centralną postacią płótna jest Swoboda, która łączyła majestatyczną postawę Afrodyty de Milo z cechami, jakie nadał Wolności Auguste Barbier: „To silna kobieta o potężnych piersiach, o ochrypłym głosie, z ogniem w , szerokim krokiem”.
Zachęcony sukcesem rewolucji 1830 roku, Delacroix rozpoczął pracę nad obrazem 20 września, aby gloryfikować rewolucję. W marcu 1831 otrzymał za to nagrodę, aw kwietniu wystawił obraz w Salonie. Obraz swoją gwałtowną siłą odpychał mieszczańskich gości, którzy również zarzucali artyście, że w tej heroicznej akcji pokazuje tylko „motłoch”. Na salonie w 1831 r. francuskie Ministerstwo Spraw Wewnętrznych kupuje „Wolność” dla Muzeum Luksemburskiego. Po 2 latach „Wolność”, której fabuła została uznana za zbyt upolitycznioną, została usunięta z muzeum i zwrócona autorowi. Król kupił obraz, ale przestraszony jego charakterem, niebezpiecznym za panowania mieszczaństwa, kazał go schować, zwinąć, a następnie zwrócić autorowi (1839). W 1848 roku Luwr domaga się obrazu. W 1852 - Drugie Cesarstwo. Obraz ponownie zostaje uznany za wywrotowy i wysłany do magazynu. W ostatnich miesiącach Drugiego Cesarstwa „Wolność” znów była postrzegana jako wielki symbol, a ryciny z tej kompozycji służyły propagandzie republikańskiej. Po 3 latach jest stamtąd usuwany i pokazywany na wystawie światowej. W tej chwili Delacroix przepisuje go ponownie. Być może przyciemnia jaskrawoczerwony odcień kapelusza, aby złagodzić jego rewolucyjny wygląd. Delacroix umiera w domu w 1863 roku. A po 11 latach „Wolność” jest ponownie wystawiana w Luwrze.
Sam Delacroix nie brał udziału w „trzech chwalebnych dniach”, obserwując co się dzieje z okien swojego warsztatu, ale po upadku monarchii Burbonów postanowił uwiecznić obraz Rewolucji.
Szczegółowy widok obrazu:Realizm i idealizm. |
|
|
Obraz Wolności mógł zostać stworzony przez artystę pod wpływem z jednej strony romantycznego poematu Byrona Childe Harold's Pielgrzymka, a z drugiej starożytnej greckiej statuy Wenus z Milo, odnalezionej właśnie przez ówczesnych archeologów. Jednak współcześni Delacroix uważali, że jej pierwowzorem była legendarna praczka Anna-Charlotte, która poszła na barykady po śmierci swojego brata i zniszczyła dziewięciu szwajcarskich strażników. |
|
|
Ta postać w wysokim meloniku przez długi czas uważana była za autoportret artysty, obecnie skorelowana z Etienne Arago, fanatycznym republikaninem i dyrektorem teatru Vaudeville. Podczas wydarzeń lipcowych Arago zaopatrywał rebeliantów w broń z rekwizytów swojego teatru. Na płótnie Delacroix ta postać odzwierciedla udział burżuazji w rewolucji. |
|
|
Na głowie Wolności widzimy jej tradycyjny atrybut – stożkowate nakrycie głowy z ostrym czubkiem, zwane „czapką frygijską”. Takie nakrycie głowy nosili kiedyś perscy żołnierze. |
|
|
W bitwie bierze również udział uliczny chłopiec. Jego uniesiona ręka z pistoletem powtarza gest Wolności. Podekscytowany wyraz twarzy chłopczycy podkreśla po pierwsze padające z boku światło, po drugie ciemna sylwetka nakrycia głowy. |
|
|
Postać rzemieślnika wymachującego ostrzem symbolizuje klasę robotniczą Paryża, która odegrała wiodącą rolę w powstaniu. |
|
|
martwy brat | |
28 lipca 1830 r. mieszkańcy Paryża zbuntowali się przeciwko znienawidzonej monarchii Burbonów. Król Karol X został obalony, a nad Pałacem Tuileries zawisła trójkolorowa flaga Republiki Francuskiej.
To wydarzenie zainspirowało młodego artystę Eugene'a Delacroix do stworzenia dużej kompozycji, która utrwala zwycięstwo ludu. Z głębi gęsty tłum zmierza wprost w stronę widza. Przed nimi, podbiegając do barykady, alegoryczna postać Wolności unosi wysoko niebiesko-biało-czerwony sztandar republiki i wzywa rebeliantów do pójścia za nią. Na pierwszym planie, przy dolnej krawędzi obrazu, znajdują się poległe ciała zmarłych. Pod-le Liberty to nastolatek uzbrojony w dwa pistolety, przez co przypomina heroiczny wizerunek chłopca Gavroche, stworzony później przez Victora Hugo w powieści Nędznicy. Trochę w tyle - robotnik z szablą i albo artysta, albo pisarz z bronią w ręku. Za tymi pierwotnymi postaciami widać ludzkie morze, najeżone bronią. Dalekość pokrywają gęste kłęby dymu; tylko po prawej fragment paryskiego pejzażu z wieżami katedry Najświętszej Marii Panny.
Obraz jest przesiąknięty burzliwym napięciem, namiętną dynamiką. Wolność maszeruje szerokim krokiem, jej ubranie powiewa, flaga powiewa w powietrzu. W ostatnim wysiłku ranny wyciąga do niej rękę; zamaszyste gesty uzbrojonych powstańców; Gavroche wymachiwał pistoletami. Ale nie tylko w pozach, gestach, ruchach przedstawionych osób, nie tylko w falach prochowego dymu, które spowijały miasto, odczuwa się dramat tego, co się dzieje. Rytm kompozycji jest żywiołowy, wyrazisty: postać Wolności wystrzeliła ukośnie z głębi na pierwszy plan. Wydaje się być największa, gdyż znajduje się na szczycie barykady. Kontrastuje z nią niewielka postać chłopca obok niej; ranny mężczyzna i mężczyzna w cylindrze swoim ruchem naśladują wirujący ruch Liberty. Jej dźwięczne żółte ubranie niejako wyciąga ją z otoczenia. Ostre kontrasty części oświetlonych i zacienionych powodują, że wzrok widza biegnie, przeskakując z jednego punktu do drugiego. Intensywne błyski czystego koloru, w których dominuje „trójkolorowy” sztandar republikański, rozświetlają się jeszcze bardziej przenikliwie na tle głuchych „asfaltowych” tonów. Namiętność i gniew Rebelii oddają tu być może nie tyle twarze i gesty poszczególnych postaci, co sam wizualny nastrój obrazu. Sam obraz jest tutaj dramatyczny; intensywność zmagań wyraża się w szaleńczym wirze światła i cienia, w elementarnej dynamice form, w niespokojnie wibrującym wzorze, a przede wszystkim w rozgrzanym kolorze. Wszystko to łączy się w poczuciu nieokiełznanej mocy, zbliżającej się z nieuniknioną determinacją i gotowej zmieść wszelkie przeszkody.
Inspiracja rewolucyjnym impulsem znalazła godne wcielenie w malarstwie Delacroix. Głowa romantycznej szkoły malarstwa francuskiego, był właśnie artystą powołanym do uchwycenia elementów powszechnego gniewu. W przeciwieństwie do klasycyzmu znienawidzonych przez niego epigonów Dawida, szukających w sztuce spokojnej harmonii, rozsądnej klarowności, wyobcowanych z wszelkich ziemskich namiętności „boskiej” wielkości, Delacroix poświęcił się całkowicie światu żywych ludzkich namiętności, dramatycznych zderzeń ; bohaterstwo pojawiało się przed jego twórczą wyobraźnią nie w przebraniu wzniosłego męstwa, ale w całej bezpośredniości silnych uczuć, w uniesieniu walki, w kulminacji najwyższego napięcia uczuć i wszelkich sił duchowych i fizycznych.
To prawda, że zbuntowani ludzie na jego obrazie byli prowadzeni przez warunkową postać Wolności. Bosa, z odsłoniętymi piersiami, ubrana jak antyczna tunika, przypomina nieco alegoryczne postacie z akademickich kompozycji. Ale jej ruchy są pozbawione powściągliwości, jej rysy twarzy nie są bynajmniej antyczne, cały jej wygląd jest pełen natychmiastowego impulsu emocjonalnego. A widz jest gotów uwierzyć, że ta Wolność nie jest konwencjonalną alegorią, ale żywą kobietą z krwi i kości z paryskich przedmieść.
Nie odczuwamy więc dysonansu między obrazem Wolności a resztą obrazu, w której dramatyzm łączy się z określoną cechą, a nawet z bezlitosną wiarygodnością. Rewolucyjny naród jest przedstawiony na obrazie bez żadnych upiększeń: obraz tchnie wielką żywotną prawdą. Delacroix przez całe życie przyciągał niezwykłe, znaczące obrazy i sytuacje. Romantyzm szukał w żarze ludzkich namiętności, w mocnych i wyrazistych postaciach, w dramatycznych wydarzeniach historii czy w egzotyce dalekich krain, antytezy współczesnej mieszczańskiej rzeczywistości. Romantycy nienawidzili suchej prozy ich współczesnej cywilizacji, cynicznej dominacji chistoganów, samozadowolenia filisterskiego bogatego mieszczaństwa. Widzieli w sztuce sposób na przeciwstawienie wulgarnej banalności życia światu poetyckich marzeń. Tylko sporadycznie rzeczywistość dawała artyście bezpośrednie źródło poezji wysokiej. Tak było w szczególności w przypadku Wolności na barykadach Delacroix. Takie jest znaczenie obrazu, w którym artyście udało się ucieleśnić prawdziwy heroizm sprawy rewolucyjnej, jej wysoką poezję, w jasnym i podekscytowanym języku. Później De Lacroix niczego takiego nie stworzył, choć przez całe życie pozostawał wierny sztuce, przepojony pasją, jasnością uczuć, załamany w żywiołowej sile swojego malarstwa. W "Wolności na barykadach" kolorystyka artystki jest nadal mocno wykuta, kontrasty światła i cienia miejscami zasuszone. W późniejszych utworach poezja namiętności ucieleśniała się w nim w tak swobodnym posiadaniu elementów koloru, co przywodzi na myśl Rubensa, jednego z jego ulubionych artystów.
Delacroix nienawidził sztywnych konwencji klasycznego epigonizmu. „Największą hańbą – pisał w swoim „Dzienniczku”, wspaniałym dokumencie twórczej myśli artysty – są właśnie nasze konwenanse i nasze drobne korekty natury wielkiej i doskonałej. Brzydkie są nasze upiększone głowy, upiększone fałdy, natura i sztuka, oczyszczone, by zadowolić smak kilku nicości…”
Protestując jednak przeciwko fałszywemu pojmowaniu piękna, Delacroix nigdy nie zapomniał, że przeznaczeniem prawdziwej sztuki nie jest zewnętrzna wiarygodność naturalizmu, ale najwyższa prawda prawdziwej poezji: „Kiedy w otoczeniu drzew i urokliwych miejsc piszę nosem w krajobraz, okazuje się ciężki, zbyt wykończony, może wierniejszy w szczegółach, ale niespójny z fabułą… Podczas podróży do Afryki zacząłem robić coś mniej lub bardziej akceptowalnego dopiero wtedy, gdy zapomniałem wystarczająco małych szczegóły i pamiętał w swoich obrazach tylko znaczącą i poetycką stronę rzeczy; do tego momentu prześladowało mnie zamiłowanie do dokładności, którą zdecydowana większość bierze za prawdę…”
