Publikacje działu muzeów

Sekrety słynnych obrazów

Dzieła sztuki często stają się szczególnie popularne, jeśli są legendarne lub gdy nagle okazują się nie być tym, czym wydają się na pierwszy rzut oka. „Culture.RF” zdradza sekrety znanych – i niezbyt – rosyjskich obrazów.

Zakonnica Ilya Repin

Ilja Repin. Siostra zakonna. 1878. Państwowa Galeria Trietiakowska / Portret pod zdjęciem rentgenowskim

Młoda dziewczyna w surowym monastycznym stroju patrzy w zamyśleniu na widza z portretu. Obraz jest klasyczny i znajomy - prawdopodobnie nie wzbudziłby zainteresowania krytyków sztuki, gdyby nie wspomnienia Ludmiły Szewcowej-Sporej, siostrzenicy żony Repina. Mają ciekawą historię.

Nie przeszkodziło to artyście w wielokrotnym malowaniu portretów Zofii. Dla jednego z nich dziewczyna pozowała w uroczystej sali balowej: lekka elegancka sukienka, koronkowe rękawy, wysoko ułożone włosy. Podczas pracy nad obrazem Repin poważnie pokłócił się z modelem. Jak wiecie, każdy może obrazić artystę, ale niewielu potrafi zemścić się tak pomysłowo, jak zrobił to Repin. Obrażony artysta „ubrał” Sophię na portrecie w strój zakonny.

Historia, przypominająca żart, została potwierdzona prześwietleniem. Naukowcy mieli szczęście: Repin nie zmył oryginalnej warstwy farby, co umożliwiło szczegółowe zbadanie oryginalnego stroju bohaterki.

„Park Alley” Izaaka Brodskiego

Izaak Brodski. Aleja parkowa. 1930. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa / Izaak Brodski. Aleja parkowa w Rzymie. 1911

Uczeń Repina, Izaak Brodski, pozostawił badaczom równie interesującą tajemnicę. W Galerii Trietiakowskiej znajduje się jego obraz „Park Alley”, który na pierwszy rzut oka nie wyróżnia się: Brodsky miał wiele prac na temat „parku”. Jednak im dalej w park – tym bardziej kolorowe warstwy.

Jeden z badaczy zauważył, że kompozycja obrazu podejrzanie przypomina inną pracę artysty – „Park Alley in Rome” (Brodski skąpił oryginalnych tytułów). Obraz ten przez długi czas uważany był za zaginiony, a jego reprodukcję opublikowano dopiero w dość rzadkim wydaniu z 1929 roku. Za pomocą radiogramu odnaleziono rzymską aleję, która w tajemniczych okolicznościach zniknęła - tuż pod sowiecką. Artysta nie oczyścił już gotowego obrazu i po prostu dokonał w nim szeregu prostych zmian: zmienił ubrania przechodniów na modę lat 30. XX wieku, „odebrał” dzieciom serso, usunęli marmurowe posągi i nieco zmodyfikowali drzewa. Tak więc słoneczny włoski park kilkoma lekkimi ruchami ręki zamienił się w wzorowy sowiecki.

Zapytani, dlaczego Brodski zdecydował się ukryć swoją rzymską alejkę, nie znaleźli odpowiedzi. Ale można przypuszczać, że przedstawienie „skromnego uroku burżuazji” w 1930 roku było już nieodpowiednie z ideologicznego punktu widzenia. Niemniej jednak ze wszystkich porewolucyjnych prac krajobrazowych Brodskiego najciekawsza jest „Park Alley”: pomimo zmian obraz zachował czarującą elegancję nowoczesności, której niestety nie było już w sowieckim realizmie.

„Poranek w sosnowym lesie” Iwana Szyszkina

Iwan Szyszkin i Konstanty Sawicki. Rano w sosnowym lesie. 1889. Państwowa Galeria Trietiakowska

Leśny pejzaż z młodymi bawiącymi się na zwalonym drzewie to chyba najbardziej znane dzieło artysty. To tylko pomysł na krajobraz, który Iwan Szyszkin podsunął innemu artyście - Konstantinowi Savitsky'emu. Namalował też niedźwiedzicę z trzema młodymi: niedźwiedziami, znawcy lasu Szyszkinowi, nic się nie udało.

Shishkin doskonale rozumiał leśną florę, zauważył najmniejsze błędy na rysunkach swoich uczniów - albo kora brzozy nie jest przedstawiona w ten sam sposób, albo sosna wygląda jak fałszywa. Jednak ludzie i zwierzęta w jego twórczości zawsze stanowili rzadkość. Tutaj na ratunek przybył Sawicki. Nawiasem mówiąc, zostawił kilka rysunków przygotowawczych i szkiców z młodymi - szukał odpowiednich póz. „Poranek w lesie sosnowym” nie był pierwotnie „Porankiem”: obraz nosił tytuł „Niedźwiedzia rodzina w lesie” i były na nim tylko dwa niedźwiedzie. Savitsky jako współautor złożył swój podpis na płótnie.

Kiedy płótno zostało dostarczone do kupca Pawła Tretiakowa, był oburzony: zapłacił za Shishkina (zamówił dzieło autora), ale otrzymał Shishkina i Savitsky'ego. Shishkin, jako uczciwy człowiek, nie przypisywał sobie autorstwa. Ale Trietiakow poszedł dla zasady i bluźnierczo wymazał podpis Savitsky'ego z obrazu terpentyną. Savitsky później szlachetnie odmówił praw autorskich, a niedźwiedzie przez długi czas przypisywano Shishkinowi.

„Portret chórzystki” Konstantina Korowina

Konstanty Korowin. Portret chórzystki. 1887. Państwowa Galeria Trietiakowska / Rewers portretu

Na odwrocie płótna badacze znaleźli na tekturze wiadomość od Konstantina Korowina, która okazała się niemal ciekawsza niż sam obraz:

„W 1883 r. w Charkowie portret chórzystki. Napisane na balkonie w komercyjnym ogrodzie publicznym. Repin powiedział, kiedy Mamontow S.I. pokazał mu ten szkic, że on, Korowin, pisze i szuka czegoś innego, ale po co to jest - to jest malarstwo tylko do malowania. Sierow nie malował wtedy jeszcze portretów. A malowanie tego szkicu uznano za niezrozumiałe??!! Dlatego Polenow poprosił mnie o usunięcie tego szkicu z wystawy, ponieważ ani artystom, ani członkom - panu Mosołowowi i kilku innym się to nie podoba. Modelka była brzydką kobietą, nawet trochę brzydką.

Konstanty Korowin

„List” rozbroił swoją bezpośredniością i śmiałym wyzwaniem dla całego środowiska artystycznego: „Sierow jeszcze wtedy nie malował portretów” – ale namalował je on, Konstantin Korowin. I podobno jako pierwszy zastosował techniki charakterystyczne dla stylu, który później nazwano rosyjskim impresjonizmem. Wszystko to okazało się jednak mitem, który artysta stworzył celowo.

Harmonijna teoria „Korovin - prekursor rosyjskiego impresjonizmu” została bezlitośnie zniszczona przez obiektywne badania techniczne i technologiczne. Na przedniej stronie portretu znaleźli malowany podpis artysty, nieco niżej atramentem: „1883, Charków”. W Charkowie artysta pracował w maju - czerwcu 1887 r.: malował dekoracje do przedstawień Rosyjskiej Prywatnej Opery Mamontowa. Ponadto krytycy sztuki dowiedzieli się, że „Portret chórzystki” został wykonany w pewien artystyczny sposób - a la prima. Ta technika malarstwa olejnego umożliwiła namalowanie obrazu podczas jednej sesji. Korovin zaczął stosować tę technikę dopiero pod koniec lat osiemdziesiątych XIX wieku.

Po przeanalizowaniu tych dwóch niespójności pracownicy Galerii Trietiakowskiej doszli do wniosku, że portret powstał dopiero w 1887 roku, a Korovin dodał wcześniejszą datę, aby podkreślić własną innowacyjność.

„Człowiek i kołyska” Iwana Jakimowa

Iwan Jakimow. Człowiek i kołyska.1770. Państwowa Galeria Trietiakowska / Pełna wersja pracy

Przez długi czas obraz Iwana Jakimowa „Człowiek i kołyska” intrygował krytyków sztuki. I nie chodzi nawet o to, że takie codzienne szkice były zupełnie nietypowe dla XVIII-wiecznego malarstwa - koń na biegunach w prawym dolnym rogu obrazu miał zbyt nienaturalnie naciągniętą linę, która logicznie powinna leżeć na podłodze. Tak, i było za wcześnie, aby dziecko od kołyski bawiło się takimi zabawkami. Poza tym kominek nie mieścił się nawet do połowy płótna, co wyglądało bardzo dziwnie.

„Oświecił” sytuację – w dosłownym tego słowa znaczeniu – prześwietleniem. Pokazała, że ​​płótno zostało przecięte z prawej i górnej strony.

Obraz trafił do Galerii Trietiakowskiej po sprzedaży kolekcji Pawła Pietrowicza Tugogoi-Svinina. Był właścicielem tzw. „Muzeum Rosyjskiego” – kolekcji malarstwa, rzeźby i antyków. Ale w 1834 r. Z powodu problemów finansowych kolekcja musiała zostać sprzedana - a obraz „Człowiek z kołyską” trafił do Galerii Trietiakowskiej: nie cały, ale tylko jego lewa połowa. Właściwy niestety zaginął, ale nadal można zobaczyć dzieło w całości dzięki kolejnej wyjątkowej wystawie Galerii Trietiakowskiej. Pełna wersja prac Jakimowa została znaleziona w albumie „Zbiór doskonałych dzieł rosyjskich artystów i ciekawych starożytności domowych”, który zawiera rysunki większości obrazów wchodzących w skład kolekcji Svinina.

Ewolucja malarstwa w Rosji od X do połowy XX wieku

Niemal w każdym znaczącym dziele sztuki kryje się tajemnica, podwójne dno lub sekretna historia, którą chcesz odkryć.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich, 1500-1510.

Fragment tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie cichną od czasu jego pojawienia się. Na prawym skrzydle tryptyku zwanego „Muzycznym piekłem” ukazani są grzesznicy torturowani w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma notatki odciśnięte na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetransponowała XVI-wieczny zapis na współczesny zwrot i nagrała „500-letnią piekielną pieśń”.

Naga Mona Lisa

Słynna „Gioconda” istnieje w dwóch wersjach: wersja naga nazywa się „Monna Vanna”, namalował ją mało znany artysta Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu krytyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których ubrana w kobiecą sukienkę Salai służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Chontvari namalował obraz „Stary rybak”. Wydawałoby się, że na obrazie nie ma nic niezwykłego, ale Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób pomyślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (prawe ramię Starca jest zduplikowane), jak i Diabeł (lewe ramię Starca jest zduplikowane).

Czy był wieloryb?

Hendrika van Antonissena „Scena na brzegu”.

Wydawało się, że to zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i pustynnym morzu. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale badali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Artysta uznał jednak, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba i przemalował obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, Śniadanie na trawie, 1863.

Claude Monet, Śniadanie na trawie, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta, „Śniadanie na trawie”, Monet pożyczył i napisał swoje „Śniadanie na trawie”.

Bliźniacy na Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, Ostatnia Wieczerza, 1495-1498.

Kiedy Leonardo da Vinci pisał Ostatnią wieczerzę, szczególną wagę przywiązywał do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich opiekunek. W końcu udało mu się znaleźć wśród młodych śpiewaków wzór obrazu Chrystusa. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć opiekunki dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka leżącego w rynsztoku na ulicy. Był młodym mężczyzną, który postarzał się przez intensywne picie. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął pisać od niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. To było kilka lat temu, kiedy śpiewał w kościelnym chórze, Leonardo napisał od niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, Straż nocna, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta, „Występ kompanii strzelców kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga”, wisiał w różnych salach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postaci zdawały się wyróżniać na ciemnym tle, nazwano ją Nocną Strażą i pod taką nazwą weszła do skarbnicy światowej sztuki.

I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku okazało się, że w sieni obraz zdążył już pokryć się warstwą sadzy, która zniekształciła jego kolor. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie ujawniono, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w ciągu dnia. Pozycja cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas trwania akcji to nie więcej niż 14 godzin.

wywrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

W nowojorskim Museum of Modern Art w 1961 roku wystawiono obraz Henri Matisse'a „The Boat”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisi do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie pomylić się z tym, jak obraz powinien się zawiesić, musisz zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien być skierowany w prawy górny róg.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Teraz najbardziej wiarygodną wersją jest to, że ucho van Gogha zostało uszkodzone w małej bójce z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest interesujący, ponieważ oddaje rzeczywistość w zniekształconej postaci: artysta jest przedstawiony z zabandażowanym prawym uchem, ponieważ podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości lewe ucho zostało uszkodzone.

obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do pędzla Shishkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, bał się, że dotykanie niedźwiedzi nie zakończy się tak, jak chciał. Dlatego Shishkin zwrócił się do znanego malarza zwierząt Konstantina Savitsky'ego.

Savitsky namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow kazał zmyć swoje imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „począwszy od pomysłu, a skończywszy na wykonaniu, wszystko mówi o sposobie malowania, o metoda twórcza charakterystyczna dla Shishkina”.

Niewinna historia „Gotyk”

Grant Wood, „Amerykański gotyk”, 1930.

Twórczość Granta Wooda uważana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką przepełniony jest szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób.
W rzeczywistości artysta nie zamierzał przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem idealnie nadawaliby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają unieśmiertelnieni w postaci postaci, które tak bardzo obrażały mieszkańców Iowa.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, kiedy Dali miał 21 lat. Wtedy Gala nie wkroczyła jeszcze w życie artysty, a jego siostra Ana Maria była jego muzą. Relacje między bratem a siostrą pogorszyły się, gdy napisał na jednym z obrazów: „czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego.

W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnej pochwały. Książka rozwścieczyła Salwador. Potem przez następne dziesięć lat ze złością wspominał ją przy każdej okazji. I tak w 1954 roku pojawia się obraz „Młoda dziewica oddająca się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do Postaci w oknie. Istnieje wersja, że ​​​​w ten sposób Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta zostało ujawnionych dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Na przykład strzelanina pokazała, że ​​we wczesnej wersji twarz księżniczki, która nawiązała romans z Zeusem, wyglądała jak twarz Saskii, żony zmarłego w 1642 roku malarza. W ostatecznej wersji obraz zaczął przypominać twarz Gertier Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

W maju 1888 roku Van Gogh nabył mały warsztat w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest gotowe i postanawia namalować Sypialnię Van Gogha w Arles. Dla artystki bardzo ważny był kolor, komfort pomieszczenia: wszystko miało sugerować myśli o relaksie. Jednocześnie obraz utrzymany jest w niepokojącej żółtej tonacji.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta wziął naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na zielono-żółte odcienie.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret pani Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

Powszechnie uważa się, że Mona Lisa jest perfekcyjna, a jej uśmiech piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że ​​sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła dużo zębów. Badając powiększone fotografie arcydzieła, Borkowski znalazł także blizny wokół jej ust. „Ona uśmiecha się tak często właśnie przez to, co ją spotkało” – uważa ekspert. „Jej wyraz twarzy jest typowy dla osób, które straciły przednie zęby”.

Major o kontroli twarzy

Pavel Fedotov, Swatanie majora, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnych widzów. Na przykład major najwyraźniej nie zna zasad szlacheckiej etykiety: pojawił się bez odpowiednich bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została zwolniona przez swoich kupieckich rodziców w wieczorowej sukni balowej, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzała sukienkę z głębokim dekoltem, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego Wolność jest naga

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Wolność na barykadach, 1830.

Według historyka sztuki Etienne Julie, Delacroix namalował twarz kobiety ze słynnej paryskiej rewolucjonistki - praczki Anny-Charlotte, która poszła na barykady po śmierci swojego brata z rąk królewskich żołnierzy i zabiła dziewięciu strażników. Artysta przedstawił ją z nagą klatką piersiową. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: nagie piersi pokazują, że Swoboda, podobnie jak plebejusz, nie nosi gorsetu.

niekwadratowy kwadrat

Kazimierz Malewicz, Plac Czarnych Suprematystów, 1915.

W rzeczywistości „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do ​​żadnego z pozostałych jego boków, ani żaden z boków kwadratowej ramy obramowującej obraz. A ciemny kolor jest wynikiem mieszania różnych kolorów, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.

Specjaliści z Galerii Trietiakowskiej odkryli autorską inskrypcję na słynnym obrazie Malewicza. Napis brzmi: „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini”. Ta fraza odnosi się do tytułu żartobliwego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse'a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który był absolutnie czarnym prostokątem.

Melodramat austriackiej Mona Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowego Ferdynanda Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował o burzliwym romansie Adele ze słynnym artystą. Zraniony mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zacznie się od niej odwracać.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, a modelka mogła zobaczyć, jak zanikają uczucia Klimta. Złożył artystce hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona za 4 lata, kochankowie już dawno ochłodzili się. Adele Bloch-Bauer nigdy nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.

Najsłynniejsze płótno Gauguina ma jedną cechę: jest „czytane” nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W takiej właśnie kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w jego pazury w lewym dolnym rogu).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie wyszło: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął pudełko arszeniku i udał się w góry, by umrzeć. Nie przeliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka doczołgał się do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego sprawy poszły w górę i rozpoczął się jaśniejszy okres w jego pracy.

112 przysłów na jednym obrazku

Pieter Brueghel Starszy, „Przysłowia niderlandzkie”, 1559

Pieter Brueghel Starszy przedstawił krainę zamieszkaną przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Na malowanym obrazie znajduje się około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są używane do dziś, jak np. „płynąć pod prąd”, „walić głową w ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą”.

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Podmiotowość sztuki

Paul Gauguin, bretońska wioska pod śniegiem, 1894

Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków, a ponadto pod nazwą „Wodospad Niagara”. Licytator przypadkowo powiesił obraz do góry nogami po tym, jak zobaczył na nim wodospad.

ukryty obraz

Pablo Picasso, Niebieski pokój, 1901

W 2008 roku podczerwień pokazała, że ​​pod „Niebieskim pokojem” ukryto jeszcze jeden obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z motylem i opierającego głowę na dłoni. „Gdy tylko Picasso wpadł na nowy pomysł, chwycił za pędzel i wcielił go w życie. Ale nie miał okazji kupić nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza ”, historyk sztuki Patricia Favero wyjaśnia możliwy powód tego.

Niedostępne Marokanki

Zinaida Serebryakova, Naga, 1928

Pewnego dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą propozycję - udania się w twórczą podróż w celu portretowania nagich postaci orientalnych dziewic. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie można było znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy, który przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikt przed i po tym nie był w stanie sfotografować nagich kobiet z orientu.

Spontaniczny wgląd

Valentin Serov, „Portret Mikołaja II w kurtce”, 1900

Serow przez długi czas nie mógł namalować portretu króla. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Mikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole, wyciągając przed siebie ręce ... A potem artysta olśnił - oto on! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest uważany za najlepsze przedstawienie ostatniego cesarza.

Znowu dwójka

© Fiodor Reszetnikow

Słynny obraz „Znowu dwójka” to dopiero druga część artystycznej trylogii.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z peryferii klasy robotniczej, apogeum roku szkolnego, tępy ogłuszacz, który znów złapał dwójkę. W lewym górnym rogu widać obrazek „Przyjechałem na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy spacerują, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, musi siedzieć w czterech ścianach i wkuwać. W lewym górnym rogu widać obrazek "Znowu dwójka".

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 r. pani Szymon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się potężna ulewa. Siedzący naprzeciw niej starszy pan wstał, otworzył okno, wystawił głowę i patrzył tak przez jakieś dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i spojrzała przed siebie. Rok później odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk i była w stanie rozpoznać w nim sam epizod w pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, Stworzenie Adama, 1511

Kilku amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że ​​Michał Anioł rzeczywiście pozostawił anatomiczne ilustracje w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Uważają, że po prawej stronie obrazu przedstawiony jest ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A chwytliwa zielona wstążka idealnie pasuje do lokalizacji tętnicy kręgowej.

Ostatnia wieczerza Van Gogha

Vincent van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że ​​Nocny taras kawiarni Van Gogha zawiera dedykację dla Ostatniej wieczerzy Leonarda da Vinci. W centrum obrazu kelner z długimi włosami i białą tuniką przypominającą szaty Chrystusa, a wokół niego dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca również uwagę na krzyż, znajdujący się bezpośrednio za plecami kelnera w kolorze białym.

Obraz pamięci Dalego

Salvador Dali, Trwałość pamięci, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały postać bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Tak więc, zdaniem samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narodziły się na widok sera topionego.

O czym krzyczy Munch

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch mówił o idei jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi – ​​zachodziło słońce – nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, wyczerpany, i oparłem się o ogrodzenie - patrzyłem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem - moi przyjaciele szli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę. Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, według której pomysł „Krzyku” zrodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka najsilniejszych erupcji wulkanu Krakatau – tak potężnych, że zmieniły one temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Obfite ilości pyłu i popiołu rozprzestrzeniły się po całym świecie, docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby zbliżała się apokalipsa – jeden z nich stał się dla artysty źródłem inspiracji.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, 1837-1857.

Dziesiątki opiekunek pozowało do głównego zdjęcia Aleksandra Iwanowa. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, można dostrzec postać w brązowej tunice. Jego Iwanow pisał z Mikołajem Gogolem. Pisarz ściśle komunikował się z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych, udzielał mu rad w procesie malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Raphael Santi, Szkoła Ateńska, 1511.

Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michał Anioł Buonarroti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Zwierciadło Arnolfinich

Jan van Eyck, „Portret Arnolfinich”, 1434

W lustrze za Arnolfinimi możesz zobaczyć odbicie jeszcze dwóch osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawieraniu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy umieszczony wbrew tradycji łaciński napis nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck tu był”. Tak zwykle zawierano kontrakty.

Jak wada przerodziła się w talent

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i stwierdziła, że ​​\u200b\u200bartysta cierpiał na zeza: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego mistrz nie obserwuje na portretach innych ludzi. Choroba doprowadziła do tego, że artysta mógł lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby z normalnym wzrokiem. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością widzenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z dwuwymiarowym obrazem, właśnie ta wada Rembrandta mogła być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, Narodziny Wenus, 1482-1486.

Przed pojawieniem się Narodzin Wenus obraz nagiego kobiecego ciała w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym europejskim malarzem, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że pogańska bogini miłości symbolizuje chrześcijański wizerunek na fresku: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła obrzęd chrztu.

Lutnik czy lutnik?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutnik, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutniarz”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że płótno nadal przedstawia młodego mężczyznę (prawdopodobnie pozował Caravaggio jego przyjaciel artysta Mario Minniti): na nutach przed muzykiem nagrano basową partię widoczny jest madrygał Jacoba Arcadelt „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta z trudem mogłaby dokonać takiego wyboru - to po prostu trudne dla gardła. Ponadto lutnia, podobnie jak skrzypce na samym skraju obrazu, w epoce Caravaggia była uważana za instrument męski.

Nawet te arcydzieła malarstwa, które wydają się nam znajome, mają swoje tajemnice. Ogólnie rzecz biorąc, w prawie każdym znaczącym dziele sztuki jest tajemnica, „podwójne dno” lub tajna historia, którą chcesz odkryć.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, kiedy Dali miał 21 lat. Wtedy Gala nie wkroczyła jeszcze w życie artysty, a jego siostra Ana Maria była jego muzą. Relacje między bratem a siostrą pogorszyły się, gdy napisał na jednym z obrazów: „czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego. W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnej pochwały. Książka rozwścieczyła Salwador. Potem przez następne dziesięć lat ze złością wspominał ją przy każdej okazji. I tak w 1954 roku pojawia się obraz „Młoda dziewica oddająca się sodomii przy pomocy rogów własnej czystości”.

Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do Postaci w oknie. Istnieje wersja, że ​​​​w ten sposób Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta zostało ujawnionych dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Na przykład strzelanina pokazała, że ​​we wczesnej wersji twarz księżniczki, która nawiązała romans z Zeusem, wyglądała jak twarz Saskii, żony zmarłego w 1642 roku malarza. W ostatecznej wersji obraz zaczął przypominać twarz Gertier Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

W maju 1888 roku Van Gogh nabył mały warsztat w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest gotowe i postanawia namalować Sypialnię Van Gogha w Arles. Dla artystki bardzo ważny był kolor, komfort pomieszczenia: wszystko miało sugerować myśli o relaksie. Jednocześnie obraz utrzymany jest w niepokojącej żółtej tonacji. Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta wziął naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na zielono-żółte odcienie.

Bezzębna doskonałość

Powszechnie uważa się, że Mona Lisa jest perfekcyjna, a jej uśmiech piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że ​​sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła dużo zębów. Badając powiększone fotografie arcydzieła, Borkowski znalazł także blizny wokół jej ust. "Ona jest taka" uśmiechnięta "właśnie przez to, co jej się przydarzyło" - uważa ekspert. "Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby".

Major o kontroli twarzy

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, śmiała się serdecznie: Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnych widzów. Na przykład major najwyraźniej nie zna zasad szlacheckiej etykiety: pojawił się bez odpowiednich bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została zwolniona przez swoich kupieckich rodziców w wieczorowej sukni balowej, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzała sukienkę z głębokim dekoltem, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego Wolność jest naga

Według historyka sztuki Etienne Julie, Delacroix namalował twarz kobiety ze słynnej paryskiej rewolucjonistki - praczki Anny-Charlotte, która poszła na barykady po śmierci swojego brata z rąk królewskich żołnierzy i zabiła dziewięciu strażników. Artysta przedstawił ją z nagą klatką piersiową. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: nagie piersi pokazują, że Swoboda, podobnie jak plebejusz, nie nosi gorsetu.

niekwadratowy kwadrat

W rzeczywistości „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do ​​żadnego z pozostałych jego boków, ani żaden z boków kwadratowej ramy obramowującej obraz. A ciemny kolor jest wynikiem mieszania różnych kolorów, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.

Melodramat austriackiej Mona Lisy

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowego Ferdynanda Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował o burzliwym romansie Adele ze słynnym artystą. Zraniony mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zacznie się od niej odwracać. Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, a modelka mogła zobaczyć, jak zanikają uczucia Klimta. Złożył artystce hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona za 4 lata, kochankowie już dawno ochłodzili się. Adele Bloch-Bauer nigdy nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Najsłynniejsze płótno Gauguina ma jedną cechę: jest „czytane” nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W takiej właśnie kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w jego pazury w lewym dolnym rogu). Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie wyszło: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął pudełko arszeniku i udał się w góry, by umrzeć. Nie przeliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka doczołgał się do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego sprawy poszły w górę i rozpoczął się jaśniejszy okres w jego pracy.

stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Chontvari namalował obraz „Stary rybak”. Wydawałoby się, że na obrazie nie ma nic niezwykłego, ale Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty. Niewiele osób pomyślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu.

W każdej osobie może być zarówno Bóg (prawe ramię Starca jest zduplikowane), jak i Diabeł (lewe ramię Starca jest zduplikowane).

Sztuka to nie tylko sposób na wyrażenie inspiracji, ale także wielka tajemnica. Artyści często dodają do swoich obrazów ciekawe drobiazgi lub pozostawiają „wiadomości”, które trudno dostrzec na pierwszy rzut oka. Sporządziliśmy listę słynnych arcydzieł malarstwa, które skrywają nieoczekiwane tajemnice.

1. Niewłaściwe ucho

Autoportret Vincenta van Gogha przedstawia artystę z uszkodzonym prawym uchem. Ale tak naprawdę odciął sobie lewe ucho, a nie prawe. Tę rozbieżność tłumaczy fakt, że Van Gogh użył lustra do stworzenia własnego portretu.

2. Malowanie pod obrazem

Jeśli przyjrzysz się uważnie Staremu gitarzyście Pabla Picassa, za głową mężczyzny dostrzeżesz niewyraźną kobiecą sylwetkę. Naukowcy z Art Institute of Chicago wykonali zdjęcia tego słynnego obrazu w podczerwieni i promieniami rentgenowskimi i odkryli, że pod spodem było ukrytych kilka innych rysunków. Najprawdopodobniej artysta nie miał dość pieniędzy na zakup nowych płócien i musiał malować na starych.

3. „Straż nocna” przedstawia dzień, a nie noc

W 1947 roku odrestaurowano obraz Rembrandta „Występ kompanii strzelców…” (lepiej znany jako „Nocna straż”). Po oczyszczeniu obrazu z grubej warstwy sadzy stało się jasne, że przedstawiona na nim scena rozgrywa się nie w nocy, ale w dzień.

4. Kaplica Sykstyńska

Obraz ludzkiego mózgu jest zauważalny nie tylko w „Stworzeniu Adama” Michała Anioła, ale także w innym fresku zatytułowanym „Rozdzielenie światła i ciemności”, który można zobaczyć w Kaplicy Sykstyńskiej. Spójrz na szyję Boga: idealnie pasuje do fotografii ludzkiego mózgu.

5. Symbol siły

Postacie Dawida i Goliata na fresku stworzonym przez Michała Anioła tworzą hebrajską literę gimel, która w mistycznej tradycji kabalistycznej symbolizuje władzę.

6. Zez Rembrandta

Po przestudiowaniu autoportretów Rembrandta niektórzy naukowcy zdecydowali, że artysta cierpi na zeza. Ta cecha sprawiła, że ​​trochę inaczej postrzegał świat: widział rzeczywistość w 2D zamiast w 3D. Być może jednak to zez pomógł Rembrandtowi stworzyć jego nieśmiertelne arcydzieła.

7. Zemsta na kochankach

Najsłynniejszy obraz Gustava Klimta przedstawia Adele Bloch-Bauer. Ten portret został zamówiony przez męża Adele, barona cukrowego Ferdinanda Bloch-Bauera. Dowiedział się, że Adele i Klimt są kochankami i zdecydował, że po setkach szkiców artysta znienawidzi swojego modela. I oszukany mąż miał rację. Wspólna praca naprawdę ochłodziła uczucia między Adele i Gustavem.

8. Świat na żółto

Do prawie wszystkich swoich obrazów Vincent van Gogh wybrał kolor żółty. Naukowcy uważają, że jest to efekt uboczny leku na padaczkę, który zmienia postrzeganie koloru. Być może artysta naprawdę widział świat tak, jak przedstawiał go na swoich płótnach.

9. Zapowiedź końca świata

Włoska badaczka Sabrina Sforza Galizia proponuje bardzo niezwykłą interpretację „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. Mówi, że w tym obrazie ukryta jest przepowiednia końca świata, który nastąpi 21 marca 4006 roku. Badacz doszedł do takiego wniosku, rozszyfrowując matematyczne i astrologiczne kody obrazu.

Ale to nie jedyna tajemnica Ostatniej Wieczerzy. Ręce Chrystusa i apostołów wraz z chlebem na stole tworzą coś na kształt oznaczenia nut. Okazuje się, że to naprawdę brzmi jak melodia.

10. Mozart i masoni

Istnieją mocne dowody na to, że Wolfgang Amadeusz Mozart był masonem. Nawet na portrecie dziecka, namalowanym przez Pietro Antonio Lorenzoniego, widzimy masoński symbol: ukrytą rękę, wskazującą na hierarchiczną rangę w tajnym stowarzyszeniu.

11. Bezzębna Mona Lisa

Dentysta i krytyk sztuki Joseph Borkowski, po przestudiowaniu obrazu Leonarda da Vinci, jest pewien, że udało mu się odkryć sekret uśmiechu Mony Lisy. Uważa, że ​​nie miała przednich zębów i to wpłynęło na jej wyraz twarzy.

Istnieje wiele arcydzieł sztuki znanych na całym świecie. Ale nie wszyscy wiedzą, że niektórzy z nich skrywają tajemnice, które zostały odkryte po śmierci twórców dzieł. Chociaż istnieją takie tajemnice, które zostały poznane za życia artystów, co czyni obrazy jeszcze bardziej tajemniczymi i atrakcyjnymi.

1. Hieronim Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich, 1500-1510.

2. Od czasu pojawienia się tego arcydzieła holenderskiego artysty nie raz wybuchały spory o ukryte w nim znaczenia. Szczególnym zainteresowaniem cieszył się zawsze przedstawiony na prawym skrzydle tryptyku grzesznik, który ma wypisane na pośladkach notatki. Jedna ze studentek Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, postanowiła zmienić zapis XVI wieku na współczesny, a „500-letnia pieśń z piekła rodem z piekła”, która pojawiła się w Internecie, stała się prawdziwą sensacją.

3. „Mona Lisa”
Niewiele osób wie, że istnieją dwie wersje znanego obrazu. Jedna z nich nosi tytuł „Monna Vanna”, a jej autorem jest uczeń i opiekun Leonarda da Vinci, mało znany artysta Salai. Krytycy sztuki są pewni, że to właśnie ten młody artysta był wzorem dla wielkiego Leonarda, malując takie obrazy, jak Jan Chrzciciel i Bachus. Niektórzy podejrzewają nawet, że to Salai pozował do obrazu „Mona Lisa”, ubrany w kobiecą sukienkę.

4. „Stary Rybak”

5. Ten pozornie niczym nie wyróżniający się obraz został namalowany przez węgierskiego artystę Tivadara Kostkę Chontvari w 1902 roku. To tylko podtekst tkwiący w obrazie, został ujawniony dopiero po śmierci autora. Jeśli umieścisz lustro na środku obrazu, to z jednej strony zobaczysz Boga, az drugiej Diabła. Artysta starał się więc oddać dwoistą naturę każdego z nas.

6. „Ostatnia wieczerza”
Pisząc swoje zdjęcie, Leonardo da Vinci zwrócił szczególną uwagę na postacie Chrystusa i Judasza. Jeden z młodych śpiewaków został wybrany na opiekuna obrazu Chrystusa, ale artysta przez całe trzy lata szukał opiekuna dla Judasza. Na ulicy Leonardo natknął się na pijaka, który tak go polubił, że postanowił napisać od niego Judasza. Jakie było zdziwienie artysty, gdy pijak, który opamiętał się, powiedział, że już kilka lat temu pozował mistrzowi i to od niego Leonardo namalował Chrystusa.

7. „Amerykański gotyk”
Wielu uważa pracę Granta Wooda za dziwną i przygnębiającą, chociaż nie ma w niej absolutnie żadnego podtekstu. Artysta wykonał ten obraz podczas podróży do Iowa, kiedy zobaczył mały dom w stylu gotyckim. Siostra Granta i jego dentysta pozowali przed domem jako postacie.

8. Straż nocna
Ten obraz Rembrandta „Występ kompanii strzelców kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Praca ta weszła do skarbca sztuki światowej pod nazwą „Nocna straż”, którą otrzymała ze względu na ciemne tło, na którym działają postacie. W 1947 roku obraz został odrestaurowany i wtedy odkryto pokrywającą go warstwę sadzy. Po oczyszczeniu oryginału okazało się, że artysta miał na myśli scenę dzienną, sądząc po położeniu cienia z lewej strony środkowej postaci około godziny 14.

9. „Łódź”
W 1961 roku Łódź wisiała do góry nogami w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku przez 47 dni. Obraz przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Kiedy odkryto, że drugi żagiel jest tylko odbiciem pierwszego na powierzchni wody, stało się jasne, że obraz został zawieszony nieprawidłowo. U góry obrazu powinien znajdować się duży żagiel.

10. „Autoportret z fajką”
Chociaż wielu uważa, że ​​​​Van Gogh odciął sobie ucho, historycy sztuki są pewni, że artysta zranił się w ucho w walce z artystą Paulem Gauguinem. Biorąc pod uwagę, że autoportret odzwierciedla zniekształconą rzeczywistość, ponieważ został namalowany za pomocą lustra, w rzeczywistości artysta cierpiał na lewe ucho.

11. „Śniadanie na trawie”. Dwaj francuscy artyści, Edouard Manet i Claude Monet, są często zdezorientowani. Nie jest to zaskakujące, ponieważ nawet tytuł obrazu Maneta „Śniadanie na trawie” Monet pożyczył i napisał swoje „Śniadanie na trawie”.

12. Claude Monet, Śniadanie na trawie.

13. „Poranek w sosnowym lesie”
Jak się okazało, nad tym znanym obrazem pracował nie tylko Shishkin. Ponieważ artysta specjalizujący się w malowaniu pejzaży nie dostał niedźwiedzi, zwrócił się o pomoc do malarza zwierząt Konstantina Savitsky'ego.