Aleksander Nikołajewicz Ostrowski jest jednym z najwybitniejszych rosyjskich dramatopisarzy, którego twórczość stała się ważnym etapem w rozwoju rosyjskiej literatury i teatru narodowego. Można śmiało powiedzieć, że to dzieła Ostrowskiego położyły podwaliny pod rosyjski repertuar teatralny.

Sztuki Ostrowskiego są znane i kochane przez wiele pokoleń rosyjskich widzów i czytelników. Kręcono na nich filmy fabularne, pytania, które Ostrovsky porusza w swoich pracach, są nadal aktualne.

Dzieciństwo i młodość

Rosyjski dramaturg urodził się 13 marca 1823 roku w Moskwie, w rodzinie urzędnika sądowego. Matka przyszłego dramaturga zmarła wcześnie, rodzina miała sześcioro dzieci. Ojciec Ostrowskiego naprawdę chciał, aby jego syn poszedł w jego ślady. Po ukończeniu moskiewskiego gimnazjum Aleksander wstępuje na wydział prawa Uniwersytetu Moskiewskiego. Ostrovsky nigdy go nie skończył.

W 1843 Ostrovsky został zatrudniony jako urzędnik sądowy i pracował w różnych moskiewskich sądach aż do roku 1851. Ten okres życia bardzo pomógł Ostrowskiemu w jego przyszłej pracy. Pracując na dworze, doskonale studiował świat rosyjskiej klasy kupieckiej i drobnomieszczańskiej, co później genialnie opisał w swoich dziełach. Wiele postaci, postaci bierze dramaturg z jego prawdziwego życia.

Pierwsze sztuki

W 1847 r. Eseje Ostrowskiego zostały opublikowane w gazecie Moscow City Leaf pod tytułem „Notatki mieszkańca Zamoskvoretsky”. Jednak dramaturg zyskał dużą popularność po opublikowaniu sztuki „Nasi ludzie - osiedlimy się”. Ta praca, napisana w gatunku komediowym, została entuzjastycznie przyjęta przez publiczność i otrzymała doskonałe recenzje od krytyków. Gogol i Goncharov wypowiadali się pozytywnie o tej sztuce.

Dzieło nie spodobało się jednak przedstawicielom klasy kupieckiej i po ich skardze do władz zabroniono wystawiania sztuki, a jej autora zwolniono z pracy. "Nasz lud - usiądźmy" dopuszczono do wystawiania dopiero po śmierci cesarza Mikołaja, w 1861 roku. W drugiej sztuce Aleksander Nikołajewicz miał znacznie więcej szczęścia. „Nie wsiadaj do sań” zostało napisane przez niego w 1852 roku i już w 1853 roku pojawiło się na deskach teatrów. Od 1856 roku Ostrovsky stale pracuje w czasopiśmie Sovremennik.

Od 1853 roku w moskiewskich i petersburskich teatrach co roku wystawiane były nowe sztuki dramatopisarza, które spotkały się z życzliwym przyjęciem zarówno publiczności, jak i rodzimej krytyki.

U szczytu popularności

W 1856 r. Aleksander Nikołajewicz Ostrowski udał się w rejon Wołgi, aby studiować życie i życie mieszkańców regionu. To właśnie po tej podróży Ostrowski napisał jedną ze swoich najbardziej uderzających sztuk, Burzę z piorunami. W 1859 roku ukazały się pierwsze zebrane prace Ostrowskiego, które zostały entuzjastycznie przyjęte przez krytyków. W 1860 r. Ostrowski zaczął studiować historię Rosji, szczególnie interesował się okresem kłopotów.

W 1863 roku otrzymał nagrodę Uvarova i został członkiem korespondentem Petersburskiej Akademii Nauk. W latach 60. dramaturg założył Koło Artystyczne, które dało start życiowy wielu przyszłym gwiazdom rosyjskiej sceny. W 1874 r. Z inicjatywy Ostrowskiego powstało Towarzystwo Rosyjskich Pisarzy Dramatycznych i Kompozytorów Operowych. W 1885 roku Aleksander Nikołajewicz został szefem repertuaru wszystkich moskiewskich teatrów.

Ostrovsky ciężko pracował przez całe życie, co poważnie podważyło jego zdrowie. W czerwcu 1886 zmarł w swoim majątku w guberni kostromskiej. Cesarz Aleksander III przeznaczył dużą sumę na pogrzeb dramatopisarza, a także wyznaczył wdowę po nim rentę i przeznaczył środki na kształcenie dzieci.

Sztuki Ostrowskiego pokazują życie i codzienność zwykłych ludzi, jego prace są bardzo realistyczne, ale jednocześnie stawiają widza przed głębokimi i wiecznymi problemami.

Ostrowskiego można nazwać założycielem teatru rosyjskiego, stworzył nową szkołę teatralną i nową koncepcję aktorstwa.

A.N. Ostrovsky urodził się 31 marca (12 kwietnia) 1823 r. W Moskwie, w rodzinie duchownego, urzędnika, a później prawnika Moskiewskiego Sądu Handlowego. Rodzina Ostrowskich mieszkała w Zamoskworieczje, kupieckiej i drobnomieszczańskiej dzielnicy starej Moskwy. Z natury dramaturg był domatorem: prawie całe życie mieszkał w Moskwie, w części Jauzy, regularnie wyjeżdżając, z wyjątkiem kilku podróży po Rosji i za granicę, tylko do majątku Shchelykovo w guberni kostromskiej. Tutaj zmarł 2 (14 czerwca) 1886 r., w trakcie prac nad tłumaczeniem sztuki Szekspira Antoniusz i Kleopatra.

Na początku lat czterdziestych XIX wieku. Ostrovsky studiował na wydziale prawa Uniwersytetu Moskiewskiego, ale nie ukończył kursu, wchodząc w 1843 r., Aby służyć w biurze Moskiewskiego Sądu Sumiennego. Dwa lata później został przeniesiony do Moskiewskiego Sądu Handlowego, gdzie służył do 1851 roku. Praktyka prawnicza dała przyszłemu pisarzowi obszerny i różnorodny materiał. Niemal we wszystkich jego pierwszych sztukach o nowoczesności rozwijane lub zarysowywane są wątki kryminalne. Ostrovsky napisał swoje pierwsze opowiadanie w wieku 20 lat, a swoją pierwszą sztukę w wieku 24 lat. Po 1851 jego życie związane było z literaturą i teatrem. Jego głównymi wydarzeniami były spory z cenzurą, pochwały i besztanie krytyków, premiery, spory między aktorami o role w sztukach.

Przez prawie 40 lat twórczości Ostrowski stworzył najbogatszy repertuar: około 50 autorskich sztuk, kilka utworów napisanych wspólnie. Zajmował się także tłumaczeniami i adaptacjami dramatów innych autorów. Wszystko to składa się na „Teatr Ostrowskiego” - tak I.A. Goncharov określił skalę teatru stworzonego przez dramatopisarza.

Ostrovsky namiętnie kochał teatr, uważając go za najbardziej demokratyczną i skuteczną formę sztuki. Wśród klasyków literatury rosyjskiej był pierwszym i pozostał jedynym pisarzem, który całkowicie poświęcił się dramaturgii. Wszystkie sztuki, które tworzył, nie były „sztukami do czytania” – były pisane dla teatru. Widowisko sceniczne jest dla Ostrowskiego niezmiennym prawem dramaturgii, dlatego jego twórczość należy w równym stopniu do dwóch światów: świata literatury i świata teatru.

Sztuki Ostrowskiego były publikowane w czasopismach niemal równocześnie z ich przedstawieniami teatralnymi i były postrzegane jako jasne zjawiska życia literackiego i teatralnego. w 1860 roku wzbudziły takie samo żywe zainteresowanie opinii publicznej jak powieści Turgieniewa, Gonczarowa i Dostojewskiego. Ostrovsky uczynił dramaturgię „prawdziwą” literaturą. Przed nim w repertuarze rosyjskich teatrów było tylko kilka sztuk, które niejako zstąpiły na scenę z wyżyn literatury i pozostały samotne („Biada dowcipowi” A.S. Gribojedowa, „Generalny inspektor” i „Małżeństwo” N.V. Gogola). Repertuar teatralny wypełniony był albo tłumaczeniami, albo dziełami, które nie różniły się zauważalną wartością literacką.

W latach 1850-1860. spełniły się marzenia pisarzy rosyjskich, by teatr stał się potężną siłą edukacyjną, narzędziem kształtowania opinii publicznej. Dramat ma szerszą publiczność. Poszerzył się krąg ludzi piśmiennych - zarówno czytelników, jak i tych, dla których poważna lektura była jeszcze niedostępna, ale teatr jest dostępny i zrozumiały. Tworzyła się nowa warstwa społeczna - inteligencja Raznochinskaya, która wykazywała zwiększone zainteresowanie teatrem. Nowa publiczność, demokratyczna i różnorodna w porównaniu z publicznością pierwszej połowy XIX wieku, nadała „porządek społeczny” dramaturgii społecznej z życia rosyjskiego.

Wyjątkowość pozycji Ostrowskiego jako dramatopisarza polega na tym, że tworząc sztuki oparte na nowym materiale, nie tylko wychodził naprzeciw oczekiwaniom nowych widzów, ale także walczył o demokratyzację teatru: wszak teatru – najbardziej masowego okulary - w latach 60. XIX wieku. wciąż pozostawał elitarny, nie było jeszcze taniego teatru publicznego. Repertuar teatrów w Moskwie i Petersburgu zależał od urzędników Dyrekcji Teatrów Cesarskich. Ostrowski, reformując rosyjską dramaturgię, zreformował także teatr. Widzami swoich sztuk chciał widzieć nie tylko inteligencję i światłych kupców, ale także „właścicieli zakładów rzemieślniczych” i „rzemieślników”. Pomysłodawcą Ostrowskiego był Moskiewski Teatr Mały, który ucieleśniał jego marzenie o nowym teatrze dla demokratycznej publiczności.

W twórczym rozwoju Ostrowskiego wyróżnia się cztery okresy:

1) Pierwszy okres (1847-1851)- czas pierwszych eksperymentów literackich. Ostrovsky zaczął całkiem w duchu czasu - od prozy narracyjnej. W esejach o życiu i zwyczajach Zamoskvorechie debiutant odwoływał się do tradycji Gogola i twórczego doświadczenia „szkoły naturalnej” lat czterdziestych XIX wieku. W tych latach powstały pierwsze dzieła dramatyczne, w tym komedia „Bankrut” („Nasi ludzie - osiedlimy się!”), Która stała się głównym dziełem wczesnego okresu.

2) Drugi okres (1852-1855) zwany „Moskvityaninsky”, ponieważ w tych latach Ostrovsky zbliżył się do młodych pracowników magazynu „Moskvityanin”: A.A. Grigoriev, T.I. Filippov, B.N. Almazov i EN Edelson. Dramaturg popierał program ideowy „młodych redaktorów”, którzy dążyli do uczynienia z pisma organu nowego nurtu w myśli społecznej – „pochvennichestvo”. W tym okresie powstały tylko trzy sztuki: „Nie siadaj w saniach”, „Ubóstwo nie jest wadą” i „Nie żyj tak, jak chcesz”.

3) Trzeci okres (1856-1860) naznaczony odmową Ostrowskiego szukania pozytywnych początków w życiu patriarchalnej klasy kupieckiej (było to typowe dla dramatów pisanych w pierwszej połowie lat pięćdziesiątych XIX wieku). Dramaturg, który z wyczuciem dostrzegał zmiany w życiu społecznym i ideologicznym Rosji, zbliżył się do przywódców raznochinskiej demokracji - pracowników magazynu Sovremennik. Twórczym rezultatem tego okresu były sztuki „Kac na cudzej uczcie”, „Dochodowe miejsce” i „Burza z piorunami”, „najbardziej decydujące”, według N.A. Dobrolyubova, dzieło Ostrowskiego.

4) Czwarty okres (1861-1886)- najdłuższy okres twórczości Ostrowskiego. Gama gatunkowa poszerzyła się, poetyka jego dzieł stała się bardziej zróżnicowana. Od dwudziestu lat powstają sztuki, które można podzielić na kilka grup gatunkowo-tematycznych: 1) komedie z życia kupieckiego („Nie wszystko dla kota to zapusty”, „Prawda jest dobra, ale szczęście lepsze”, „Serce to nie kamień”), 2) komedie satyryczne („W każdym mądrym człowieku jest dość prostoty”, „Gorące serce”, „Szalony pieniądz”, „Wilki i owce”, „Las”), 3) sztuki, które Ostrovsky sam nazwał „obrazami z życia Moskwy” i „scenami z życia na odludziu”: łączy je temat „małych ludzi” („Stary przyjaciel jest lepszy niż dwa nowe”, „Ciężkie dni”, „Jokery ” i trylogia o Balzaminowie), 4) dramaty kronikarskie („Kozma Zacharyich Minin-Sukhoruk”, „Tushino” itp.), wreszcie 5) dramaty psychologiczne („Posag”, „Ostatnia ofiara” itp. ). Wyróżnia się baśniowa sztuka „The Snow Maiden”.

Początki twórczości Ostrowskiego sięgają „szkoły naturalnej” lat czterdziestych XIX wieku, choć moskiewski pisarz nie był organizacyjnie związany ze środowiskiem twórczym młodych petersburskich realistów. Zaczynając od prozy, Ostrovsky szybko zdał sobie sprawę, że jego prawdziwym powołaniem jest dramaturgia. Już wczesne eksperymenty prozatorskie są „inscenizowane”, pomimo najbardziej szczegółowych opisów życia i zwyczajów, charakterystycznych dla esejów „szkoły naturalnej”. Na przykład podstawą pierwszego eseju „Opowieść o tym, jak zaczął tańczyć dzielnicowy strażnik, czyli krok od wielkiego do śmiesznego” (1843), jest anegdotyczna scena z całkowicie ukończoną fabułą.

Tekst tego eseju został wykorzystany w pierwszej opublikowanej pracy - „Notatki mieszkańca Zamoskvoretsky'ego” (opublikowane w 1847 r. W gazecie „Arkusz miasta Moskwy”). To właśnie w Notatkach... Ostrowski, nazywany przez współczesnych „Kolumbem z Zamoskvorechye”, odkrył nieznany wcześniej w literaturze „kraj”, zamieszkany przez kupców, drobnomieszczaństwa i drobnych urzędników. „Do tej pory znane było tylko położenie i nazwa tego kraju – zanotował pisarz – co do jego mieszkańców, to jest ich sposób życia, język, zwyczaje, stopień wykształcenia, wszystko to spowijała ciemność niejasności”. Doskonała znajomość materiału życiowego pomogła prozaikowi Ostrowskiemu stworzyć szczegółowe studium życia kupieckiego i rolnictwa, które poprzedziło jego pierwsze sztuki o klasie kupieckiej. W Notatkach mieszkańca Zamoskworiecka zarysowane zostały dwie charakterystyczne cechy twórczości Ostrowskiego: dbałość o codzienne otoczenie, które determinuje życie i psychikę postaci „spisanych z natury” oraz szczególny, dramatyczny charakter przedstawienia codzienności . Pisarz potrafił dostrzec w opowieściach z życia codziennego potencjał, niewykorzystany dla dramaturga materiał. Po esejach o życiu Zamoskvorechie powstały pierwsze sztuki.

Ostrowski uważał 14 lutego 1847 r. za najbardziej pamiętny dzień w swoim życiu: tego dnia wieczorem u słynnego profesora słowianofila SP Szewrewa przeczytał swoją pierwszą krótką sztukę „Obraz rodzinny”. Ale prawdziwym debiutem młodego dramatopisarza jest komedia „Osiedlimy naszych ludzi!” (tytuł oryginalny - „Bankrut”), nad którym pracował od 1846 do 1849 roku. Cenzura teatralna natychmiast zakazała sztuki, ale podobnie jak „Biada dowcipowi” A.S. Moskiewskie domy zimą 1849/50. przez samego autora i głównych aktorów - P.M. Sadovsky i M.S. Shchepkin. W 1850 r. Komedia ukazała się w czasopiśmie „Moskwitianin”, ale dopiero w 1861 r. została wystawiona.

Entuzjastyczne przyjęcie pierwszej komedii z życia kupieckiego spowodowane było nie tylko tym, że Ostrovsky, „Kolumb z Zamoskvorechye”, wykorzystał zupełnie nowy materiał, ale także niesamowitą dojrzałością jego warsztatu dramatycznego. Odziedziczywszy tradycje komika Gogola, dramaturg jednocześnie jasno określił swój pogląd na zasady przedstawiania postaci oraz fabułę i kompozycyjne ucieleśnienie materiału codziennego użytku. Tradycja Gogola jest wyczuwalna w samej naturze konfliktu: oszustwo kupca Bolszowa jest produktem życia kupieckiego, moralności własnościowej i psychologii zbuntowanych bohaterów. Bolynov ogłasza bankructwo, ale jest to fałszywe bankructwo, wynik jego zmowy z urzędnikiem Podhalyuzinem. Transakcja zakończyła się nieoczekiwanie: właściciel, który liczył na podwyższenie kapitału, został oszukany przez urzędnika, który okazał się jeszcze większym oszustem. W rezultacie Podkhalyuzin otrzymał zarówno rękę córki kupca Lipochki, jak i kapitał. Początek Gogola wyczuwalny jest w jednorodności komicznego świata dramatu: nie ma w nim postaci pozytywnych, jak w komediach Gogola, jedynego takiego „bohatera” można nazwać śmiechem.

Główna różnica między komedią Ostrowskiego a sztukami jego wielkiego poprzednika polega na roli intrygi komediowej i stosunku do niej bohaterów. W „Inside Your Own People” są postacie i całe sceny, które nie tylko nie są potrzebne do rozwoju fabuły, ale wręcz ją spowalniają. Sceny te są jednak nie mniej ważne dla zrozumienia dzieła niż intryga oparta na wyimaginowanym bankructwie Bolszowa. Są one niezbędne, aby pełniej opisać życie i zwyczaje kupców, warunki, w jakich toczy się główna akcja. Po raz pierwszy Ostrovsky używa techniki, która jest powtarzana w prawie wszystkich jego sztukach, w tym w Burzy, Lesie i Posagu, rozszerzonej ekspozycji w zwolnionym tempie. Niektóre postacie nie są w ogóle wprowadzane, aby skomplikować konflikt. Te „osoby ustawiające” (w spektaklu „Nasz lud – rozstrzygnijmy!” – swatka i Tishka) są interesujące same w sobie, jako przedstawiciele domowego środowiska, obyczajów i zwyczajów. Ich funkcja artystyczna jest podobna do funkcji domowych detali w utworach narracyjnych: uzupełniają obraz kupieckiego świata małymi, ale jasnymi, kolorowymi akcentami.

Codzienność, codzienność, interesuje dramatopisarza Ostrowskiego nie mniej niż coś niezwykłego, na przykład oszustwo Bolszowa i Podhaluzina. Znajduje skuteczny sposób na dramaturgiczne przedstawienie codzienności, wykorzystując możliwości słowa, które rozbrzmiewa ze sceny. Rozmowy matki i córki o strojach i zalotnikach, kłótnia między nimi, narzekanie starej niani doskonale oddają zwyczajową atmosferę kupieckiej rodziny, zakres zainteresowań i marzeń tych ludzi. Mowa ustna bohaterów stała się wiernym „zwierciadłem” życia i zwyczajów.

To właśnie rozmowy bohaterów na tematy codzienne, jakby „wyłączone” z akcji fabularnej, odgrywają we wszystkich sztukach Ostrowskiego wyjątkową rolę: przerywając fabułę, wycofując się z niej, zanurzają czytelnika i widza w świat zwykłe relacje międzyludzkie, w których potrzeba komunikacji werbalnej jest nie mniej ważna niż potrzeba jedzenia, jedzenia i ubrania. Zarówno w pierwszej komedii, jak iw kolejnych sztukach Ostrowski często świadomie spowalnia rozwój wydarzeń, uważając za konieczne pokazanie, o czym myślą bohaterowie, w jaką formę słowną przybrane są ich refleksje. Po raz pierwszy w rosyjskiej dramaturgii dialogi postaci stały się ważnym środkiem opisu moralnego.

Niektórzy krytycy uważali, że szerokie wykorzystanie codziennych szczegółów jest naruszeniem praw sceny. Uzasadnieniem ich zdaniem mogło być tylko to, że początkujący dramatopisarz był odkrywcą kupieckiego życia. Ale to „pogwałcenie” stało się prawem dramaturgii Ostrowskiego: już w pierwszej komedii połączył ostrość intrygi z licznymi codziennymi szczegółami i nie tylko później nie porzucił tej zasady, ale także ją rozwinął, osiągając maksymalny efekt estetyczny zarówno elementy spektaklu – dynamiczna fabuła i statyczne „potoczne » sceny.

„Własni ludzie - rozstrzygnijmy!” - komedia oskarżycielska, satyra na maniery. Jednak na początku lat pięćdziesiątych XIX wieku dramaturg doszedł do idei konieczności porzucenia krytyki kupców z „oskarżycielskiego kierunku”. Jego zdaniem światopogląd wyrażony w pierwszej komedii był „młody i za twardy”. Teraz uzasadnia inne podejście: Rosjanin powinien się cieszyć, widząc siebie na scenie, a nie tęsknić. „Reformatorów znajdzie się nawet bez nas” — podkreślił Ostrowski w jednym ze swoich listów. - Aby mieć prawo do poprawiania ludzi bez obrażania ich, konieczne jest pokazanie im, że znasz dobro, które za nimi stoi; to właśnie robię teraz, łącząc haj z komiksem. „Wysokie”, jego zdaniem, to ideały ludowe, prawdy, które naród rosyjski uzyskał w ciągu wielu wieków rozwoju duchowego.

Nowa koncepcja kreatywności zbliżyła Ostrowskiego do młodych pracowników magazynu Moskvityanin (wydawanego przez słynnego historyka M.P. Pogodina). W pracach pisarza i krytyka A.A. Grigoriewa powstała koncepcja „pochvennichestvo”, wpływowego nurtu ideologicznego lat 50. i 60. XIX wieku. Podstawą „pochvennichestvo” jest dbałość o duchowe tradycje narodu rosyjskiego, tradycyjne formy życia i kultury. Szczególnie interesująca dla „młodego wydania” „Moskwicjanina” była klasa kupiecka: wszak ta klasa zawsze była niezależna finansowo, nie doświadczyła zgubnego wpływu pańszczyzny, którą „poczwennicy” uważali za tragedię narodu rosyjskiego . To właśnie w środowisku kupieckim, zdaniem „moskali”, należy szukać autentycznych ideałów moralnych wypracowanych przez naród rosyjski, nie wypaczonych przez niewolnictwo, jak chłopi pańszczyźniani, i oderwanie od „gleby” ludowej, jak szlachta. W pierwszej połowie 1850 r. Ostrovsky był pod silnym wpływem tych idei. Nowi przyjaciele, zwłaszcza AA Grigoriew, popchnęli go do wyrażenia w swoich sztukach o klasie kupieckiej „fundamentalnego światopoglądu rosyjskiego”.

W sztukach „moskiewskiego” okresu twórczości - „Nie siedź we własnych saniach”, „Ubóstwo nie jest wadą” i „Nie żyj tak, jak chcesz” - krytyczny stosunek Ostrowskiego do kupców nie zniknął, ale została znacznie złagodzona. Pojawił się nowy nurt ideowy: dramaturg przedstawił obyczaje współczesnych kupców jako zjawisko historycznie zmienne, starając się dociec, co zostało w tym środowisku zachowane z najbogatszego doświadczenia duchowego zgromadzonego przez naród rosyjski na przestrzeni wieków, a co uległo deformacji lub zanikło. .

Jednym ze szczytów twórczości Ostrowskiego jest komedia „Ubóstwo nie jest wadą”, której fabuła opiera się na konflikcie rodzinnym. Gordey Tortsov, apodyktyczny kupiec-tyran, poprzednik Diky'ego z Grozy, marzy o poślubieniu swojej córki Lyuby z Afrykaninem Korshunovem, kupcem nowej, „europejskiej” formacji. Ale jej serce należy do innego - biednego urzędnika Mityi. Brat Gordeya, Ljubim Torcow, pomaga zakłócić małżeństwo z Korszunowem, a zadufany w sobie ojciec w przypływie złości grozi, że wyda swoją zbuntowaną córkę za mąż pierwszej napotkanej osobie. Szczęśliwym zbiegiem okoliczności okazało się, że to Mitia. Udana fabuła komediowa dla Ostrowskiego jest tylko pełną wydarzeń „skorupą”, która pomaga zrozumieć prawdziwy sens tego, co się dzieje: zderzenie kultury ludowej z „półkulturą”, która rozwinęła się wśród kupców pod wpływem mody „na Europa". Korszunow, obrońca patriarchalnej, „glebowej” zasady, Lubim Torcow, główny bohater sztuki, jest rzecznikiem fałszywej kultury kupca w sztuce.

Ljubim Torcow, broniący wartości moralnych pijak, przyciąga widza błazeństwami i głupstwami. Od niego zależy cały przebieg wydarzeń w spektaklu, każdemu pomaga, między innymi przyczyniając się do moralnego „zdrowia” swego brata-tyrana. Ostrovsky pokazał mu „najbardziej rosyjskiego” ze wszystkich aktorów. Nie ma pretensji do wykształcenia, jak Gordey, po prostu myśli rozsądnie i postępuje zgodnie ze swoim sumieniem. Z punktu widzenia autora to w zupełności wystarczy, aby wyróżnić się ze środowiska kupieckiego, stać się „naszą osobą na scenie”.

Sam pisarz uważał, że szlachetny impuls jest w stanie ujawnić w każdym człowieku proste i jasne cechy moralne: sumienie i życzliwość. Kontrastował rosyjską moralność „patriarchalną” z niemoralnością i okrucieństwem współczesnego społeczeństwa, dlatego świat sztuk okresu „moskiewskiego”, pomimo typowej dla Ostrowskiego dokładności „instrumentacji” codziennego życia, jest w dużej mierze warunkowy, a nawet utopijny. Głównym osiągnięciem dramaturga była jego wersja pozytywnej postaci ludowej. Wizerunek pijanego herolda prawdy, Lubima Torcowa, nie został bynajmniej stworzony według szablonów, które doprowadzają zęby do szału. To nie jest ilustracja do artykułów Grigoriewa, ale pełnokrwisty obraz artystyczny; nie bez powodu rola Lubima Torcowa przyciągnęła aktorów wielu pokoleń.

W drugiej połowie 1850 r. Ostrovsky raz po raz nawiązuje do tematu klasy kupieckiej, ale jego stosunek do tej klasy się zmienił. Od idei „moskiewskich” cofnął się o krok, wracając do ostrej krytyki inercji środowiska kupieckiego. Żywy obraz kupca-tyrana Tit Titych („Kita Kitych”) Bruskowa, którego nazwisko stało się powszechnie znane, powstał w satyrycznej komedii Kac na dziwnej uczcie (1856). Ostrovsky nie ograniczył się jednak do „satyry na twarzach”. Jego uogólnienia stały się szersze: sztuka przedstawia sposób życia, który zaciekle opiera się wszystkiemu, co nowe. Według krytyka N.A. Dobrolyubova jest to „ciemne królestwo”, które żyje zgodnie ze swoimi okrutnymi prawami. Obłudnie broniąc patriarchatu, mali tyrani bronią swojego prawa do nieograniczonej arbitralności.

Rozszerzył się zakres tematyczny dramatów Ostrowskiego, w jego polu widzenia pojawili się przedstawiciele innych stanów i grup społecznych. W komedii Opłacalne miejsce (1857) po raz pierwszy zwrócił się do jednego z ulubionych tematów rosyjskich komików - satyrycznego przedstawienia biurokracji, aw komedii Uczeń (1858) odkrył życie ziemiańskie. W obu utworach łatwo dostrzec podobieństwa do sztuk „kupieckich”. Tak więc bohater „Miejsca dochodowego” Żadow, oskarżyciel przekupności urzędników, jest typologicznie bliski poszukiwaczowi prawdy Lubimowi Torcowowi, a bohaterowie „Ucznia” — drobna właścicielka ziemska Ułanbekowa i jej ofiara, uczennica Nadia — przypominają bohaterów wczesnych sztuk Ostrowskiego i napisanej rok później tragedii Burza »: Kabanikh i Katerina.

Podsumowując wyniki pierwszej dekady twórczości Ostrowskiego, A. A. Grigoriew, który polemizował z Dobrolubowską interpretacją Ostrowskiego jako oskarżyciela tyranów i „ciemnego królestwa”, napisał: „Nazwisko tego pisarza, dla tak wielkiego pisarza, mimo swoich wad nie jest satyrykiem, lecz poetą ludowym. Słowem wyjaśniającym jego działalność nie jest „tyrania”, ale „narodowość”. Tylko to słowo może być kluczem do zrozumienia jego twórczości. Wszystko inne - mniej lub bardziej wąskie, mniej lub bardziej teoretyczne, arbitralne - ogranicza krąg jego twórczości.

Burza z piorunami (1859), która nastąpiła po trzech oskarżycielskich komediach, stała się szczytem dramaturgii okresu przedreformacyjnego Ostrowskiego. Wracając ponownie do obrazu klasy kupieckiej, pisarz stworzył pierwszą i jedyną w swoim dziele tragedię społeczną.

Twórczość Ostrowskiego w latach 1860-1880 niezwykle różnorodny, choć w jego światopoglądzie i poglądach estetycznych nie było tak gwałtownych wahań jak przed 1861 rokiem. Dramaturgia Ostrowskiego uderza szekspirowskim rozmachem problemów i klasyczną doskonałością form artystycznych. Można zauważyć dwa główne nurty, które wyraźnie przejawiają się w jego sztukach: wzmacnianie tragizmu tradycyjnych dla pisarza wątków komediowych oraz wzrost psychologicznej treści konfliktów i postaci. „Teatr Ostrowskiego”, ogłoszony „przestarzałym”, „konserwatywnym” dramatopisarzami „nowej fali” w latach 1890-1900, faktycznie rozwinął dokładnie te trendy, które stały się wiodącymi w teatrze początku XX wieku. Nieprzypadkowo, poczynając od Burzy, codzienne i moralizatorskie dramaty Ostrowskiego obfitowały w symbole filozoficzne i psychologiczne. Dramaturg dotkliwie odczuwał niedosyt scenicznego realizmu „codziennego”. Nie naruszając naturalnych praw sceny, zachowując dystans między aktorami a widzami, będący podstawą podstaw teatru klasycznego, w swoich najlepszych sztukach zbliżał się do filozoficznego i tragicznego brzmienia powieści tworzonych w latach 60.-70. XIX wieku. przez współczesnych mu Dostojewskiego i Tołstoja, do mądrości i organicznej siły artysty, której wzorem był dla niego Szekspir.

Nowatorskie aspiracje Ostrowskiego są szczególnie widoczne w jego komediach satyrycznych i dramatach psychologicznych. Cztery komedie o życiu poreformatorskiej szlachty — Dość głupoty dla każdego mędrca, Wilki i owce, Szalona forsa i Las — łączy wspólny temat. Przedmiotem satyrycznych kpin jest w nich niepohamowana żądza zysku, która ogarnęła zarówno szlachtę, która utraciła przyczółek – przymusową pracę chłopów pańszczyźnianych i „szalonego pieniądza”, jak i ludzi nowej formacji, biznesmenów, którzy swój kapitał zbijają na ruiny upadłego pańszczyzny.

W komediach powstają barwne obrazy „ludzi biznesu”, dla których „pieniądze nie śmierdzą”, a jedynym celem życiowym staje się bogactwo. W sztuce Dość prostoty dla każdego mędrca (1868) taką osobą był zubożały szlachcic Głumow, który tradycyjnie marzy o otrzymaniu spadku, bogatej narzeczonej i karierze. Jego cynizm i przedsiębiorczość nie stoją w sprzeczności ze stylem życia starej szlacheckiej biurokracji: on sam jest brzydkim wytworem tego środowiska. Głumow jest sprytny w porównaniu z tymi, przed którymi jest zmuszony się pochylić - Mamajewem i Krutickim, nie ma nic przeciwko kpieniu z ich głupoty i arogancji, potrafi zobaczyć siebie z zewnątrz. „Jestem bystry, zły, zazdrosny” — wyznaje Glumov. Nie szuka prawdy, tylko czerpie korzyści z czyjejś głupoty. Ostrovsky pokazuje nowe zjawisko społeczne charakterystyczne dla poreformowanej Rosji: nie „umiar i dokładność” Mołchalinów prowadzą do „szalonych pieniędzy”, ale zjadliwy umysł i talent Chatskych.

W komedii „Mad Money” (1870) Ostrovsky kontynuował swoją „Moscow Chronicle”. Ponownie pojawił się w nim Jegor Głumow ze swoimi epigramatami „na całą Moskwę”, a także kalejdoskopem satyrycznych moskiewskich typów: świeckich kolesi, którzy przeżyli kilka fortun, dam gotowych do trzymania przez „milionerów”, miłośników darmowego gorzały , próżniaków i lubieżników. Dramaturg stworzył satyryczny portret sposobu życia, w którym honor i uczciwość ustępuje niepohamowanej żądzy pieniędzy. Pieniądze determinują wszystko: działania i zachowanie bohaterów, ich ideały i psychikę. Centralną postacią sztuki jest Lydia Cheboksarova, która sprzedaje zarówno swoje piękno, jak i miłość. Nie dba o to, kim będzie - żoną czy utrzymanką. Najważniejsze jest, aby wybrać grubszą sakiewkę: w końcu jej zdaniem „bez złota nie da się żyć”. Przekupna miłość Lydii w Crazy Money jest tym samym sposobem zarabiania pieniędzy, co umysł Glumova w sztuce Dosyć prostoty dla każdego mędrca. Ale cyniczna bohaterka, która wybiera bogatszą ofiarę, znajduje się w najgłupszej sytuacji: poślubia Wasilkowa, uwiedziona plotkami o jego kopalniach złota, zostaje oszukana przez Telyateva, którego fortuna jest tylko mitem, nie gardzi pieszczotami „ tatusia” Kuczumowa, wytrącając go z pieniędzy. Jedynym antypodem łapaczy „szalonych pieniędzy” w spektaklu jest „szlachetny” biznesmen Wasilkow, który mówi o „inteligentnych” pieniądzach uzyskanych uczciwą pracą, zaoszczędzonych i mądrze wydanych. Ten bohater to nowy typ „uczciwego” mieszczanina, którego odgadł Ostrowski.

Komedia „Las” (1871) poświęcona jest popularnej w literaturze rosyjskiej lat 70. XIX wieku. temat wyginięcia „szlacheckich gniazd”, w których żyli „ostatni Mohikanie” dawnej rosyjskiej szlachty.

Obraz „lasu” jest jednym z najbardziej pojemnych symbolicznych obrazów Ostrowskiego. Las to nie tylko tło, na którym rozgrywają się wydarzenia w oddalonej o pięć kilometrów od miasta powiatowego posiadłości. Jest to przedmiotem umowy między starszą panią Gurmyżską a kupcem Wosmibratowem, który kupuje ziemie ich przodków od zubożałej szlachty. Las jest symbolem duchowych rozlewisk: odrodzenie stolic prawie nigdy nie dociera do leśniczówki Penki, nadal panuje tu „świecka cisza”. Psychologiczne znaczenie symbolu ujawnia się, jeśli porównamy „las” z „dziczymi” wulgarnych uczuć i niemoralnych czynów mieszkańców „szlachetnego lasu”, przez które nie może się przedrzeć szlachta, rycerskość i ludzkość. „... - I naprawdę, bracie Arkady, jak dostaliśmy się do tego lasu, do tego gęstego, wilgotnego lasu? - mówi tragiczny Neschastlivtsev na końcu sztuki - Dlaczego my, bracie, spłoszyliśmy sowy i sowy? Co ich powstrzyma! Niech żyją jak chcą! Tu wszystko jest w porządku, bracie, jak przystało w lesie. Stare kobiety wychodzą za mąż za licealistów, młode dziewczyny topią się w gorzkim życiu swoich krewnych: lasu, brata ”(D. 5, yavl. IX).

Las to komedia satyryczna. Komedia przejawia się w różnych sytuacjach fabularnych i zwrotach akcji. Dramaturg stworzył na przykład małą, ale bardzo aktualną społeczną karykaturę: bohaterowie niemal Gogola opowiadają o działalności popularnych w czasach poreformatorskich ziemstw – ponurego mizantropijnego ziemianina Bodajewa, przypominającego Sobakiewicza, i dobrodusznego jak Maniłow. Jednak głównym przedmiotem satyry Ostrowskiego jest życie i zwyczaje „szlachetnego lasu”. Spektakl wykorzystuje wypróbowaną akcję fabularną - historię biednego ucznia Aksyushy, uciskanego i upokarzanego przez obłudnego „dobroczyńcę” Gurmyżską. Ciągle mówi o swoim wdowieństwie i czystości, chociaż w rzeczywistości jest zła, zmysłowa i próżna. Sprzeczności między twierdzeniami Gurmyżskiej a prawdziwą istotą jej postaci są źródłem nieoczekiwanych komicznych sytuacji.

W pierwszym akcie Gurmyzhskaya robi swego rodzaju show: aby zademonstrować swoją cnotę, zaprasza sąsiadów do podpisania testamentu. Według Milonowa „Raisa Pawłowna ozdabia całą naszą prowincję surowością swojego życia; nasza atmosfera moralna jest, że tak powiem, pachnąca jej cnotami. „Wszyscy baliśmy się tutaj twojej cnoty” - powtarza Bodaev, przypominając sobie, jak kilka lat temu spodziewali się jej przybycia do posiadłości. W akcie piątym sąsiedzi dowiadują się o nieoczekiwanej metamorfozie Gurmyżskiej. Pięćdziesięcioletnia dama, która ospale mówiła o złych przeczuciach i rychłej śmierci („jeśli nie umrę dzisiaj, nie jutro, przynajmniej wkrótce”), ogłasza swoją decyzję o poślubieniu na wpół wykształconego licealisty Aleksisa Bułanowa . Małżeństwo uważa za poświęcenie, „żeby majątek był uporządkowany i nie dostał się w niepowołane ręce”. Jednak sąsiedzi nie dostrzegają komedii w przejściu od umierającego testamentu do małżeńskiego związku „niewzruszonej cnoty” z „czułą, młodą pracowitością szlacheckiego przedszkola”. „To bohaterski wyczyn! Jesteś bohaterką!” – wykrzykuje żałośnie Milonov, podziwiając obłudną i zdeprawowaną matronę.

Kolejnym węzłem w fabule komedii jest historia tysiąca rubli. Pieniądze krążyły w kółko, co umożliwiło dodanie ważnych akcentów do portretów wielu różnych osób. Kupiec Wosmibratow próbował zgarnąć tysiąc, płacąc za zakupione drewno. Neschastlivtsev, sumiennie i „radując się” kupcem („honor jest nieskończony. A ty go nie masz”), skłonił go do zwrotu pieniędzy. Gurmyzhskaya dała Bułanowowi „szalony” tysiąc na sukienkę, a następnie tragik, grożąc pechowemu młodzieńcowi fałszywym pistoletem, zabrał te pieniądze, zamierzając je roztrwonić z Arkadym Schastlivtsevem. W końcu tysiąc stało się posagiem Aksyushy i… wróciło do Wosmibratowa.

Dość tradycyjna komediowa sytuacja „zmiennokształtnego” pozwoliła przeciwstawić złowrogiej komedii mieszkańców „lasu” wielką tragedią. Nędzny „komik” Neschastlivtsev, siostrzeniec Gurmyzhskaya, okazał się dumnym romantykiem, który patrzy na swoją ciotkę i jej sąsiadów oczami szlachetnego człowieka, zszokowanego cynizmem i wulgarnością „sów i sów”. Ci, którzy traktują go z pogardą, uważając go za nieudacznika i renegata, zachowują się jak źli aktorzy i publiczni błazny. „Komików? Nie, my jesteśmy artystami, szlachetnymi artystami, a wy komikami - rzuca im gniewnie Neschastsev w twarz. - Jeśli kochamy, kochamy tak bardzo; jeśli nie kochamy, kłócimy się lub walczymy; jeśli pomożemy, to ostatni grosz za robociznę. I ty? Całe życie mówiliście o dobru społeczeństwa, o miłości do ludzkości. Co zrobiłeś? Kto był karmiony? Kto został pocieszony? Bawisz się tylko sobą, bawisz się. Wy jesteście komikami, błaznami, nie my” (D. 5, yavl. IX).

Ostrowski konfrontuje prymitywną farsę Gurmyżskiego i Bułanowa z prawdziwie tragicznym postrzeganiem świata, jakie reprezentuje Nieszczastiwcew. W piątym akcie komedia satyryczna ulega przeobrażeniu: jeśli wcześniej tragik wyzywająco zachowywał się wobec „błaznów” błazeńsko, podkreślając swoją pogardę dla nich, złośliwie kpiąc z ich czynów i słów, to w finale sztuki scena, nie przestając być przestrzenią komediowej akcji, zamienia się w tragiczny teatr jednego aktora, który swój ostatni monolog rozpoczyna jako „szlachetny” artysta wzięty za błazna, a kończy jako „szlachetny zbój” z dramatu F. Schillera – w słynnych słowach Karla Moora. Cytat Schillera znów mówi o „lasie”, a dokładniej o wszystkich „krwiożerczych mieszkańcach lasów”. Ich bohater chciałby „być wściekły na to piekielne pokolenie”, które napotkał w szlacheckiej posiadłości. Nierozpoznany przez słuchaczy Neschastlivtseva cytat podkreśla tragikomiczny sens tego, co się dzieje. Po wysłuchaniu monologu Milonov woła: „Ale przepraszam, za te słowa można pociągnąć was do odpowiedzialności!” „Tak, tylko do obozu. Wszyscy jesteśmy świadkami, ”Bułanow,„ urodzony, by dowodzić ”, odpowiada jak echo.

Neschastlivtsev jest bohaterem romantycznym, ma dużo Don Kichota, „rycerza o smutnym wizerunku”. Wyraża się pompatycznie, teatralnie, jakby nie wierząc w powodzenie walki z „wiatrakami”. „Gdzie do mnie mówisz”, Nieszczastwiecew zwraca się do Milonowa. „Ja czuję się i mówię jak Schiller, a ty jak urzędnik”. Bawiąc się komicznie słowami Karla Moora o „krwiożerczych mieszkańcach lasów”, uspokaja Gurmyżską, która odmówiła mu ręki na pożegnanie: „Nie ugryzę, nie bój się”. Uciekać może tylko od ludzi, którzy jego zdaniem są gorsi od wilków: „Ręka, towarzyszu! (Podaje rękę Schastlivtsevowi i wychodzi). Symboliczne są ostatnie słowa i gest Neschastlivtseva: podaje rękę swojemu przyjacielowi „komikowi” i dumnie odwraca się od mieszkańców „szlachetnego lasu”, z którymi nie jest po drodze.

Bohater „Lasu” jest jednym z pierwszych „wybuchów”, „dzieci marnotrawnych” swojej klasy w literaturze rosyjskiej. Ostrovsky nie idealizuje Neschastlivtseva, wskazując na jego światowe wady: podobnie jak Lubim Torcow nie ma nic przeciwko hulankom, ma skłonność do oszukiwania i zachowuje się jak arogancki dżentelmen. Ale najważniejsze jest to, że to Neschastlivtsev, jeden z najbardziej ukochanych bohaterów „Teatru Ostrowskiego”, wyraża wysokie ideały moralne, całkowicie zapomniane przez błaznów i faryzeuszy z leśnego majątku. Jego poglądy na temat honoru i godności osoby są bliskie samemu autorowi. Jakby rozbijając „zwierciadło” komedii, Ostrovsky ustami prowincjonalnego tragika o smutnym nazwisku Neschastlivtsev chciał przypomnieć ludziom o niebezpieczeństwie kłamstwa i wulgarności, które z łatwością zastępują prawdziwe życie.

Jedno z arcydzieł Ostrowskiego, dramat psychologiczny Posag (1878), podobnie jak wiele jego dzieł, jest sztuką „kupiecką”. Wiodące miejsce zajmują w nim ulubione motywy dramatopisarza (pieniądze, handel, kupiecka „odwaga”), tradycyjne typy obecne niemal w „sprzedać” za wyższą cenę córkę prowincjonalnego aktora). Intryga przypomina również wcześniej stosowane wątki fabularne: o Larisę Ogudalovą walczy kilku rywali, z których każdy ma własne „zainteresowanie” dziewczyną.

Jednak w przeciwieństwie do innych dzieł, takich jak komedia „Las”, w której biedny uczeń Aksyusha był tylko „osobą sytuacyjną” i nie brał czynnego udziału w wydarzeniach, bohaterka „Posagu” jest centralną postacią bawić się. Larisa Ogudalova to nie tylko piękna „rzecz” bezwstydnie wystawiona na aukcję przez jej matkę Haritę Ignatiewnę i „kupiona” przez bogatych kupców w mieście Bryachimow. Jest osobą wszechstronnie uzdolnioną, myślącą, głęboko czującą, rozumiejącą absurdalność swojego położenia, a jednocześnie o naturze przekornej, próbującą gonić „dwa zające”: pragnie zarówno wysokiej miłości, jak i bogatego, pięknego życia. Współistnieją w nim romantyczny idealizm i marzenia o filisterskim szczęściu.

Główną różnicą między Larisą a Kateriną Kabanovą, z którą jest często porównywana, jest wolność wyboru. Ona sama musi dokonać własnego wyboru: zostać utrzymanką bogatego kupca Knurowa, uczestnikiem brawurowej zabawy „genialnego dżentelmena” Paratowa lub żoną dumnej nicości - urzędnika „z ambicjami” Karandyszewa. Miasto Briachimow, podobnie jak Kalinow w Burzy, jest także miastem „na wysokim brzegu Wołgi”, ale nie jest już „ciemnym królestwem” złej, tyrańskiej siły. Czasy się zmieniły - oświeceni „nowi Rosjanie” w Bryachimowie nie poślubiają bezdomnych kobiet, ale je kupują. Bohaterka sama może zdecydować, czy wziąć udział w targu. Przed nią przechodzi cała „parada” zalotników. W przeciwieństwie do nieodwzajemnionej Kateriny, opinia Larisy nie jest lekceważona. Jednym słowem nastały „ostatnie czasy”, których tak obawiał się Kabanikha: upadł dawny „porządek”. Larysa nie musi błagać swojego narzeczonego Karandyszewa, tak jak Katerina błagała Borysa („Zabierz mnie stąd!”). Sam Karandyshev jest gotów zabrać ją z dala od pokus miasta - do odległego Zabolotye, gdzie chce zostać sędzią pokoju. Bagna, które jej matka wyobraża sobie jako miejsce, gdzie poza lasem, wiatrem i wyjącymi wilkami nie ma nic, Larisie wydaje się wiejską idyllą, swego rodzaju bagnistym „rajem”, „cichym zakątkiem”. W dramatycznych losach bohaterki splata się to, co historyczne i światowe, tragedia niespełnionej miłości i drobnomieszczańska farsa, subtelny dramat psychologiczny i patetyczny wodewil. Wiodącym motywem spektaklu nie jest siła otoczenia i okoliczności, jak w Burzy, ale motyw odpowiedzialności człowieka za własny los.

„Posag” to przede wszystkim dramat o miłości: to właśnie miłość stała się podstawą intrygi fabularnej i źródłem wewnętrznych sprzeczności bohaterki. Miłość w „Posagu” jest pojęciem symbolicznym, polisemantycznym. „Szukałam miłości i nie znalazłam” – taka gorzka konkluzja pada na koniec sztuki przez Larisę. Ma na myśli miłość-współczucie, miłość-zrozumienie, miłość-litość. W życiu Larisy prawdziwa miłość została wyparta przez „miłość” wystawiona na sprzedaż, miłość jest towarem. Targowanie się w sztuce toczy się właśnie dzięki niej. Tylko ci, którzy mają więcej pieniędzy, mogą kupić taką „miłość”. Dla „zeuropeizowanych” kupców, Knurowa i Wozhewatowa, miłość Larisy jest towarem luksusowym, który kupuje się po to, by wyposażyć swoje życie w „europejski” szyk. Małostkowość i roztropność tych „dzieci” Diky przejawia się nie w bezinteresownym znęcaniu się z powodu grosza, ale w brzydkiej miłosnej umowie.

Siergiej Siergiejewicz Paratow, najbardziej ekstrawagancki i lekkomyślny spośród przedstawionych w sztuce kupców, jest postacią parodystyczną. To jest „kupiec Pechorin”, łamiący serce z zamiłowaniem do melodramatycznych efektów. Uważa swój związek z Larisą Ogudalovą za miłosny eksperyment. „Chcę wiedzieć, jak szybko kobieta zapomina o namiętnie kochanej osobie: następnego dnia po rozstaniu, tydzień lub miesiąc później” - wyznaje Paratow. Jego zdaniem miłość nadaje się tylko do „użytku domowego”. Własna „przejażdżka” Paratowa na wyspę miłości z posagiem Larisa była krótkotrwała. Została zastąpiona hałaśliwymi szaleństwami z Cyganami i małżeństwem z bogatą panną młodą, a raczej z jej posagiem - kopalniami złota. „Ja, Moky Parmenych, nie mam nic cenionego; Znajdę zysk, więc sprzedam wszystko, cokolwiek” – taka jest zasada życiowa Paratowa, nowego „bohatera naszych czasów” z manierami zepsutego sprzedawcy z modnego sklepu.

Narzeczony Larisy, „ekscentryk” Karandyszew, który stał się jej zabójcą, jest osobą żałosną, komiczną i jednocześnie złowrogą. Miesza się w absurdalnym zestawieniu „kolorów” różnych scenicznych obrazów. Jest to karykatura Otella, parodia „szlachetnego” rozbójnika (na balu przebierańców „przebrał się za rozbójnika, wziął siekierę w dłonie i rzucał brutalne spojrzenia na wszystkich, a zwłaszcza na Siergieja Siergiejicza”) i jednocześnie czas „handlarz w szlachcie”. Jego ideałem jest „powóz z muzyką”, luksusowy apartament i obiady. To ambitny urzędnik, który wpadł w szaloną ucztę kupiecką, gdzie otrzymał niezasłużoną nagrodę - piękną Larisę. Miłość Karandyszewa, „rezerwowego” pana młodego, to miłość-próżność, miłość-ochrona. Dla niego Larisa to też „rzecz”, którą się chwali, prezentując całemu miastu. Sama bohaterka dramatu postrzega jego miłość jako upokorzenie i zniewagę: „Jaki jesteś dla mnie obrzydliwy, gdybyś tylko wiedział!... Dla mnie najpoważniejszą zniewagą jest twój patronat; Nie spotkałem się z żadnymi innymi obelgami od nikogo”.

Główna cecha, która wyłania się w wyglądzie i zachowaniu Karandyszewa, jest dość „czechowowska”: jest to wulgarność. To właśnie ta cecha nadaje postaci urzędnika ponury, złowrogi posmak, pomimo jego mierności w porównaniu z innymi uczestnikami miłosnego układu. Larisa zostaje zabita nie przez prowincjonalnego Otella, nie przez żałosnego komika, który z łatwością zmienia maski, ale przez wcieloną w niego wulgarność, która - niestety! - stał się dla bohaterki jedyną alternatywą dla miłosnego raju.

Ani jedna cecha psychologiczna Larisy Ogudalovej nie została ukończona. Jej duszę wypełniają mroczne, niejasne impulsy i namiętności, których ona sama nie do końca rozumie. Nie jest w stanie dokonać wyboru, zaakceptować ani przekląć świata, w którym żyje. Myśląc o samobójstwie, Larisa nigdy nie była w stanie rzucić się do Wołgi, jak Katerina. W przeciwieństwie do tragicznej bohaterki Burzy jest tylko uczestniczką wulgarnego dramatu. Ale paradoks spektaklu polega na tym, że to wulgarność, która zabiła Larisę, uczyniła z niej w ostatnich chwilach życia także bohaterkę tragiczną, górującą nad wszystkimi bohaterami. Nikt nie kochał jej tak, jak by tego chciała - umiera ze słowami przebaczenia i miłości, przesyłając buziaka ludziom, którzy omal nie zmusili jej do wyrzeczenia się najważniejszej rzeczy w jej życiu - miłości: „Ty musisz żyć, ale ja muszę ... umrzeć. Nie narzekam na nikogo, nie obrażam się na nikogo ... wszyscy jesteście dobrymi ludźmi ... Kocham was wszystkich ... wszystkich ... kocham ”(wysyła buziaka). Dopiero „głośny cygański chór”, symbol całego „cygańskiego” trybu życia, w jakim żyła, odpowiedział na to ostatnie, tragiczne westchnienie bohaterki.

Aleksander Nikołajewicz Ostrowski V.G. Perow. Portret AN Ostrovsky (1877) Data urodzenia: 31 marca (12 kwietnia) 1823 (18230412) Miejsce urodzenia ... Wikipedia

Ostrowski, Aleksander Nikołajewicz- Aleksander Nikołajewicz Ostrowski. OSTROWSKI Aleksander Nikołajewicz (1823-86), dramaturg rosyjski. Kreatywność Ostrowskiego położyła podwaliny pod narodowy repertuar rosyjskiego teatru. W komediach i dramatach społeczno-psychologicznych Ostrovsky przyniósł galerię ... Ilustrowany słownik encyklopedyczny

Ostrovsky, Aleksander Nikołajewicz, słynny dramaturg. Urodzony 31 marca 1823 w Moskwie, gdzie jego ojciec służył w izbie cywilnej, a następnie zajmował się prywatnym adwokaturą. Ostrovsky stracił matkę w dzieciństwie i nie ... ... Słownik biograficzny

Rosyjski dramaturg. Urodzony w rodzinie prawnika; matka - pochodzi z niższego duchowieństwa. Dzieciństwo i wczesną młodość spędził w Zamoskvorechye - szczególnym ... ... Wielka radziecka encyklopedia

Ostrowski Aleksander Nikołajewicz- (18231886), dramaturg. Do Petersburga przyjeżdżał wielokrotnie od 1853 r., był ściśle związany z życiem społecznym, literackim i kulturalnym stolicy. Większość sztuk Ostrowskiego została po raz pierwszy opublikowana w Petersburgu w czasopismach Sovremennik, ... ... Encyklopedyczna książka informacyjna „St. Petersburg”

- (1823 86) rosyjski dramaturg, członek korespondent Petersburskiej Akademii Nauk (1863). Kreatywność Ostrowskiego położyła podwaliny pod narodowy repertuar rosyjskiego teatru. W komediach i dramatach społeczno-psychologicznych Ostrovsky wydobył galerię typów z tych, które były objęte ... ... Wielki słownik encyklopedyczny

- (1823 1886), dramaturg. Do Petersburga przyjeżdżał wielokrotnie od 1853 r., był ściśle związany z życiem społecznym, literackim i kulturalnym stolicy. Większość sztuk O. została po raz pierwszy opublikowana w Petersburgu w czasopismach Sovremennik i Vremya. W czasopiśmie…… Petersburg (encyklopedia)

Pisarz dramatyczny, szef repertuaru Cesarskiego Teatru Moskiewskiego i dyrektor Moskiewskiej Szkoły Teatralnej. A. N. Ostrovsky urodził się w Moskwie 31 stycznia 1823 r. Jego ojciec, Nikołaj Fiodorowicz, pochodził z duchowej rangi i według ... ... Wielka encyklopedia biograficzna

- (1823 1886), rosyjski dramaturg, członek korespondent Petersburskiej Akademii Nauk (1863). Brat M. N. Ostrowskiego. Kreatywność Ostrowskiego położyła podwaliny pod narodowy repertuar rosyjskiego teatru. W komediach i dramatach społeczno-psychologicznych Ostrovsky wydobył ... ... słownik encyklopedyczny

OSTROWSKI Aleksander Nikołajewicz- (182386), rosyjski dramaturg. Organizator i Prev. O va rus. dramatyczny pisarze i kompozytorzy operowi (od 1870). Dramaty (komedia i dramaty): prozą „Obraz rodzinny” (1847, post. 1855), „Nasz lud dogadajmy się” (1850, post. 1861), ... ... Literacki słownik encyklopedyczny

Książki

• Nie wszystkie koty Zapusty, Ostrowski, Aleksander Nikołajewicz. Aleksander Nikołajewicz Ostrowski urodził się i wychował w Moskwie, w samym centrum Zamoskworiecze, które w tamtym czasie było bardzo szczególnym światem. Ludzie, którzy tam mieszkali, ich relacje, sposób życia, żywi i…
• Gra: Ostrowski A. N., Czechow AP, Gorki M., Gorki Maksym, Ostrowski Aleksander Nikołajewicz, Czechow Anton Pawłowicz. A. Ostrowski, A. Czechow i M. Gorki to znakomici reformatorzy i innowatorzy sceny, którzy radykalnie zmienili teatr. Ta książka zawiera pięć słynnych dramatów wielkich dramaturgów - „Burza z piorunami”, ...

KRÓTKA BIOGRAFIA ALEKSANDRA OSTROWSKIEGO

Ostrowski Aleksander Nikołajewicz (1823-1886), dramaturg

Aleksander Nikołajewicz Ostrowski urodził się 12 kwietnia 1823 r. W Moskwie w rodzinie urzędnika sądowego. Otrzymał dobre wykształcenie w domu. W wieku 12 lat został wysłany do I Gimnazjum Moskiewskiego, które ukończył w 1840 r. Następnie wstąpił na wydział prawa Uniwersytetu Moskiewskiego. W 1843 roku opuścił uniwersytet: nauki prawne przestały go interesować i postanowił poważnie zająć się literaturą. Jednak za namową ojca wstąpił do służby w Moskiewskim Sądzie Sumiennym, a następnie (1845) przeniósł się do biura Moskiewskiego Sądu Handlowego.

Praktyka adwokacka i służba sądowa ojca przez prawie osiem lat zapewniły przyszłemu dramaturgowi bogaty materiał do jego sztuk. W 1849 r. Magazyn Moskvityanin opublikował komedię „Nasz lud - usiądźmy”, a Ostrovsky został pracownikiem magazynu. W 1851 r. Odszedł ze służby, aby poświęcić się twórczości literackiej.

Ostrovsky stworzył około 50 sztuk (Opłacalne miejsce, 1856; Burza z piorunami, 1859; Szalone pieniądze, 1869; Las, 1870; Snow Maiden, 1873; Posag ”, 1878 i wiele innych). Z nazwiskiem Ostrowskiego związana jest cała epoka w rozwoju rosyjskiego teatru. Jest autorem przekładów Cervantesa, Szekspira, Terence'a, Goldoniego. Jego twórczość obejmuje ogromny okres rozwoju Rosji w XIX wieku. - z epoki pańszczyzny w latach 40. przed rozwojem kapitalizmu w latach 80.

Dramaturgia Ostrowskiego odegrała decydującą rolę w tworzeniu oryginalnego i żywego repertuaru na rosyjskiej scenie i przyczyniła się do powstania narodowej szkoły teatralnej. W 1865 roku Ostrowski założył w Moskwie koło artystyczne i został jednym z jego liderów. W 1870 z jego inicjatywy powstało Towarzystwo Rosyjskich Pisarzy Dramatycznych, którego był stałym prezesem od 1874 do końca życia.

W latach 1881-1884. Ostrowski brał udział w pracach komisji ds. rewizji statutów teatrów cesarskich. 1 stycznia 1886 został mianowany szefem repertuaru moskiewskich teatrów. Ale zdrowie dramatopisarza już znacznie się pogorszyło do tego czasu i 14 czerwca 1886 r. Ostrovsky zmarł w majątku Shchelykovo w Kossushu w guberni tromskiej.

JAKIŚ. Ostrovsky jest jednym z najpopularniejszych dramatopisarzy w Rosji i warto się nad nim zastanowić ciekawe fakty z życia Ostrowskiego. Był założycielem rosyjskiej szkoły teatralnej, a także nauczycielem powszechnie znanych Stanisławskiego i Bułhakowa. Życie Ostrowskiego jest równie interesujące jak jego twórczość.

1. Dramaturg urodził się 12 kwietnia 1823 roku w Moskwie w rodzinie duchownej i studiował w domu. Matka zmarła, gdy przyszły pionier rosyjskiego teatru miał siedem lat, a ojciec ożenił się z baronową Emilią von Tessin. Macocha wraz z braćmi brała czynny udział w wychowaniu i edukacji przyszłego pisarza.
2. Ostrovsky był poliglotą i od najmłodszych lat znał wiele języków obcych, w tym: francuski, grecki i niemiecki. Później nauczył się więcej hiszpańskiego, włoskiego i angielskiego. Przez całe życie dokonywał tłumaczeń swoich sztuk na języki obce, doskonaląc je.

   

3. Ostrovsky wstąpił na uniwersytet, ale został zmuszony do rezygnacji z powodu konfliktów z jednym z nauczycieli.

   

4. Po ukończeniu szkoły Aleksander dostał pracę w sądzie moskiewskim jako skryba, gdzie rozstrzygano spory między krewnymi.

   

5. W 1845 roku przyszły dramaturg podjął pracę w kancelarii sądu handlowego.. Ten etap jego kariery dał Ostrowskiemu wiele żywych wrażeń, które przydały mu się w przyszłości w jego twórczości.

   

6. Wydana komedia „Własni ludzie - ustalmy!” przyniosły dramatopisarzowi uznanie i popularność. Ale wraz z ogromnym sukcesem ta gra stała się prawie ostatnią w twórczości pisarza. Rozgniewała biurokratów, których potępiała. Aleksander Nikołajewicz został usunięty ze służby i objęty ścisłym nadzorem policji.

   

7. Nie do pozazdroszczenia los mógł również spodziewać się spektaklu „Burza z piorunami”. Ta praca w ogóle nie mogłaby się narodzić, gdyby nie interwencja cesarzowej, której się spodobała. Dobrolyubov nazwał tę sztukę „Promieniem światła w ciemnym królestwie”.

   

8. Pomimo faktu, że Ostrowski pochodził z wyższej klasy, bardzo dobrze znał zwyczaje zwykłych ludzi.. To jest zasługa jego żony, która była plebsem. Ten związek nie został zatwierdzony przez rodziców Aleksandra Nikołajewicza i sprzeciwił się jego małżeństwu z przedstawicielem niższej klasy. Dlatego żył przez 20 lat w nieoficjalnym małżeństwie ze swoją pierwszą żoną. Mieli pięcioro dzieci, ale wszyscy wcześnie zmarli. Drugie małżeństwo było z aktorką Marią Bakhmetyevą, z którą mieli 2 córki i 4 synów.

   

9. W 1856 r. pracował w czasopiśmie „Sowremennik” i udał się na wyprawę wzdłuż górnego biegu Wołgi, gdzie prowadził badania. Zebrane podczas wyprawy materiały dotyczące języka i obyczajów będą później bardzo przydatne dramatopisarzowi do urealnienia jego dzieł.

   

10. Wielu nie zdaje sobie sprawy, że opera P.I. „Śnieżna Panna” Czajkowskiego to wspólne dzieło wybitnego kompozytora i wielkiego dramatopisarza. Opera została oparta na podaniach i legendach ludowych.

    

11. Jako twórca rosyjskiego teatru Ostrowski odegrał dużą rolę w karierze Stanisławskiego.. Można powiedzieć, że Aleksander Nikołajewicz był pionierem rosyjskiego aktorstwa. Stworzył szkołę, w której uczył aktorów ekspresyjnego i emocjonalnego aktorstwa, nie tracąc przy tym autentyczności. Podejście to zyskało ogromną popularność. Ale byli też zdecydowani przeciwnicy tej techniki. Shchepkin, znany wówczas aktor, otwarcie skrytykował ten sposób gry i wyszedł z próby spektaklu Burza z piorunami.

    

12. Nawet według współczesnych standardów należy uznać, że Ostrowski był geniuszem. Poliglota, wybitny dramaturg, twórca rosyjskiej sztuki teatralnej. Wybitny, wykształcony i dociekliwy człowiek.

    

13. Po wielu latach ciężkiej pracy stan zdrowia pisarza pogorszył się, a 14 czerwca 1886 r. Aleksander Nikołajewicz zmarł i został pochowany w rejonie Kostromy.

    

14. Przez 40 lat spędzonych w sztuce wywarł silny wpływ na całą warstwę rosyjskiego teatru.. Za osiągnięcia w sztuce został odznaczony Nagrodą Uvarova. W tym czasie był członkiem korespondentem Akademii Nauk w Petersburgu, prowadził Koło Artystyczne, w którym pomagał rozwijać się przyszłym talentom.

    

15. Ostrovsky napisał, że publiczność przychodzi oglądać grę aktorską, a nie sztukę..