Twórcze dziedzictwo mistrza sztuki i rzemiosła. Kurs mistrzowski w sztuce i rzemiośle dla nauczycieli edukacji dodatkowej z wideo Dekoracje w domu

Tatiana Perowa

Ogromne znaczenie w edukacji dzieci w wieku przedszkolnym ma ludowość sztuka i rzemiosło. Nauczyciel powinien zapoznać dzieci z wyrobami ludowymi mistrzowie, zaszczepiając w ten sposób dziecku miłość do Ojczyzny, do sztuki ludowej, szacunek do pracy.

Pracuj, aby zapoznać dzieci dekoracyjny- sztuka użytkowa przewiduje stworzenie rozwijającego się środowiska - w sali grupowej należy wydzielić miejsce na wystawę próbki wyrobów sztuki i rzemiosła ludowego.

A skoro autentyczny próbki Nie nabyłem jeszcze niektórych rzemiosł, a rozwijające się środowisko wymaga wzbogacenia, postanowiłem znaleźć wyjście i zrobić własne próbki.

A oto co mam!

1. Półka oparta na Gzhel.

W ich Sugerowałem się we wcześniejszych postach. mistrz-klasy do wykonywania płyt i paneli na bazie Gzhel. Dziś chcę kontynuować ten temat i proponuję zrobić zegar Gzhel.

Do zrób ten zegarek, musisz wydrukować obraz takie godziny na kolorowej drukarce, wytnij je, zalaminuj i ponownie wytnij.

Gdy klej wyschnie, możesz bezpiecznie postawić zegarek na półce.

2. Półka z gniazdującymi lalkami.

Wykonujemy lalki gniazdujące,Jak wykonał zegary Gzhel.

Wyszukiwanie zdjęć z obraz gniazdowania lalek lub wydrukować na drukarce, wyciąć, zalaminować i ponownie wyciąć.

Zagnieżdżone lalki są gotowe do dekoracji półki!

majstrować zaskoczyć, zachwycić, rozwinąć ich uczniów i wzbogacić środowisko w swojej grupie!

Życzę twórczego sukcesu i dziękuję za uwagę!

Powiązane publikacje:

Edukacja moralna i patriotyczna przedszkolaków poprzez prace plastyczne z elementami folkloru PROJEKT „Wychowanie moralne i patriotyczne przedszkolaków za pomocą prac plastycznych z elementami folkloru” „Miłość.

Program pracy kubka sztuki i rzemiosła „Masterilka” Program pracy koła sztuki dekoracyjnej i użytkowej „Masterilka” Opracowany przez: pedagog Beschastnaya T.V. Wiek dzieci: 4-6 lat.

Zwracam uwagę na tablicę biznesową - tablicę rozwojową dla dzieci zrób to sam. Celem stworzenia tej tablicy jest zaangażowanie dzieci w ciekawe badania.

Od rana na łące rosną mlecze. Idę po słonecznej łące, pozdro! Nie zrywam wiosennych kwiatów, ale zrobię je własnymi rękami! Do zrobienia.

Sprawozdanie z samokształcenia „Kształtowanie zdolności artystycznych przedszkolaków poprzez prace plastyczne” Tematem samokształcenia jest „Kształtowanie zdolności artystycznych uczniów w wieku przedszkolnym średnim i starszym w ramach posiadanych środków.

Pedagogiczne możliwości plastyki i rękodzieła w kształtowaniu percepcji kolorów starszych przedszkolaków W starszym wieku przedszkolnym dzieci opanowują już cięcie symetryczne, wielowarstwowe i sylwetkowe, a także tkactwo i cięcie, uczą się.

Roboczy program edukacyjny dodatkowej edukacji dla dzieci z koła sztuki i rzemiosła „Lesovichok” Przygotował: nauczyciel Chumak E. V. Nota wyjaśniająca W projekcie federalnego komponentu stanowego standardu edukacyjnego.

Galaburda Lubow Iwanowna

Lubow Iwanowna urodził się w r. Priuralskoje w 1957 roku. Od dzieciństwa uwielbiała rysować, ale kształtowanie się jej osobowości twórczej miało miejsce już w starszym wieku. Po przeprowadzce do Odessy Ljubow Iwanowna zbliżył się do artystów i zaczął pobierać od nich lekcje. Następnie ukończyła kursy projektowania, a następnie wydział sztuki i grafiki Odeskiego Instytutu Pedagogicznego i rozpoczęła pracę w swojej specjalności. Jej praca dyplomowa „Drzewo życia” została wykonana w technice makramy.

„Stroje Izhma z XVII-XIX wieku”, „Rodzina hodowców reniferów”, „Młoda para”, „Łowcy starożytnych Komi” to tytuły prac, które brały udział w pierwszych wystawach. To już nie pojedyncze lalki, ale całe wątki z mitologii ludu Komi.

Dzisiaj o L.I. Galaburd jest znany nie tylko w Peczorze, ale także w innych miastach Republiki Komi, a nawet za granicą. W 1997 roku jej lalki odwiedziły Finlandię na wystawie ludów ugrofińskich.

Od 1989 roku Ljubow Iwanowna jest członkiem miejskiego stowarzyszenia artystów i rzemieślników Peczory.

W lutym 2000 r. LI Galaburda zdała ważny egzamin dojrzałości - na tradycyjnej wystawie w Syktywkar została przyjęta do Związku Mistrzów Republiki Komi. Ale przed nami, według Ljubowa Iwanowna, wciąż jest dużo pracy, aby wdrożyć nowe pomysły i pomysły.

Okoliczności życiowe zmusiły Ljubowa Iwanowna do przybycia w 1991 roku na ziemię Komi. Tutaj staje się sławnym twórcą lalek.

Muzeum Historii Lokalnej zainteresowało się twórczością Ljubowa Iwanowna i zleciło jej wykonanie lalek w strojach ludowych.

Drewniana podstawa lalki, buzia, ubranko, wszystkie inne detale wykonane są przez samą rzemieślniczkę i jej pomocników z koła szkolnego "Sprawne Ręce". L. I. Galaburda i dzieci zaczęły robić takie lalki na zamówienie.

Okazały się jasne, wyraziste i wkrótce było ich tak dużo, że starczyło na całą wystawę.

W 1996 roku w mieście Syktywkar odbyła się jej pierwsza indywidualna wystawa. Twórcze prace zostały wysoko ocenione przez specjalistów. Ljubow Iwanowna otrzymał dyplom „Za rozwój tradycji ludu Komi”.

Na wystawach artystów użytkowych w muzeum lalki L. I. Galaburda można od razu odróżnić od wszystkich innych, ponieważ każda z nich jest prawdziwym dziełem sztuki. Aby zrobić taką lalkę, potrzeba dużo czasu i różnorodnych materiałów. Rzemieślniczka pracuje z drewnem, korą brzozową, tkaniną, papierem, skórą, futrem, zamszem i koralikami. Lalki wykonane są według opisów ze źródeł etnograficznych.

Udział w wystawach:

Od 1997 - stały uczestnik republikańskiej wystawy "Mistrz Roku".

1997 - Expo-97. Syktywkar - Finlandia.

2000, lipiec-sierpień - Wystawa prac członków Związku Mistrzów Republiki Komi. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

Evtyunin Michaił Wiktorowicz

Mikhail Viktorovich Evtyunin urodził się 8 września 1950 roku w Nebit-Dag, turkmeńska SRR, w rodzinie wojskowego.

Rodzina oficerów często zmieniała garnizony, a Misza poszła do pierwszej klasy w litewskim mieście Poniewież. Studiował w Kiejdanach, Siauliai, a szkołę w Polsce ukończył w 1968 roku.

Jego ojciec, oficer trzeciego pokolenia, marzył o karierze wojskowej dla syna, ale życie zdecydowało inaczej: Michaił wstąpił do Instytutu Inżynierów Lotnictwa Cywilnego w Rydze. W latach studiów w instytucie (1968-1979) udało mu się odsłużyć dwa lata w oddziałach pancernych i przez rok pracować jako ślusarz w fabryce w Riazaniu.

Jako uczeń ekipy budowlanej Michaił odwiedził Norylsk i Dudinkę. Północ przyciągała romansem, surowym pięknem, a po dystrybucji młody specjalista zdecydowanie zdecydował się udać tylko na północ. W 1979 roku Michaił został przyjęty jako inżynier elektryk w Przedsiębiorstwie Lotniczym Peczora.

W Peczorze w tamtych latach klub turystyczny Arktos był niezwykle popularny. Turyści odbywali wycieczki na Ural i Karpaty, opanowali Karelię, podbili górskie rzeki Kaukazu i Ałtaju. Na pamiątkę każdej kampanii Michał przynosił kamienie: agat, jadeit, kryształ. W 1985 roku do jego kolekcji dołączył czerwony jaspis. Wtedy pojawił się pomysł obróbki kamienia. Ten kamień, który stał się dziełem sztuki, jest przechowywany w kolekcji Michaiła Wiktorowicza.

Pierwsze wyroby artystyczne: koraliki i kaboszony. Potem kolczyki, wisiorki, bransoletki, znowu koraliki, świeczniki. W swoich pracach mistrz używa kalifornitu, charoitu, kryształu, jadeitu, rodochrozytu. Ale najbardziej ulubionym kamieniem jest agat. Z niego powstają najlepsze prace. Michaił Wiktorowicz studiował literaturę dotyczącą techniki obróbki kamienia, sam zaprojektował niektóre maszyny.

Na początku lat 90. XX wieku postanowiono zorganizować w linii lotniczej warsztat usług dodatkowych i zaproponowano kierowanie nim do M.V. Evtyunin. Następnie warsztat zamienił się w warsztat kamieniarski, hobby Michaiła Wiktorowicza stało się pracą. To prawda, że ​​\u200b\u200bmusiałem zaangażować się w kreatywność w wolnym czasie od spraw administracyjnych.

Sława mistrza Peczory przekroczyła granice miasta i republiki. W 1986 roku jego prace były wystawiane w muzeum Inta. W latach 1994-1995 MV Evtyunin został zaproszony na wystawę w stolicy przemysłu kamieniarskiego - Jekaterynburgu, gdzie spotkali się rzemieślnicy z całego byłego ZSRR.

W 1995 roku Michaił Wiktorowicz wziął udział w republikańskiej wystawie w Syktywkar. Kilkakrotnie jego prace wystawiano i sprzedawano z powodzeniem w pawilonie WOGN na targach kamienia kolorowego Gemma. Od 1996 r. M.V. Evtyunin pracuje w zajezdni. Wolny czas poświęca swojej ulubionej pracy.

Udział w wystawach:

1986 - Wystawa. Inta.

1995 - Wystawa. Syktywkar.

1995 - Wystawa. Jekaterynburg.

1998 - Wystawa. Peczora Muzeum Historii Lokalnej

Iwanow Borys Borysowicz

Urodzony w obwodzie włodzimierskim w 1944 r. Rodzice przywieźli do Peczory trzyletnie dziecko, od tego czasu mieszka i pracuje w tym mieście.

Zdolność i miłość Borysa Borysowicza do rysowania jest dziedziczna, jego rodzice dobrze rysowali. Mama była świetną szwaczką: haftowała dużo i dobrze, cały dom był jej rękoma przyozdobiony.

Kreatywność BB Iwanow to rzadkie połączenie kilku dziedzin: malarstwa, grafiki, sztuki użytkowej.

Pierwszych lekcji malarstwa udzielali mu represjonowani artyści odbywający kary w Peczorze. Szczególnie pamiętam A.A. Wasiliewa, był w stanie dostrzec i rozwinąć zdolności artystyczne u dziewięcioletniego chłopca.

Być może dlatego Borys Borysowicz zajmuje się dogłębnym badaniem historii represji politycznych na terytorium regionu Peczora. Jest członkiem Towarzystwa Pamięci. Gazeta Peczora Time publikowała jego artykuły na temat historii Gułagu. W martyrologium „Pokuta” znajduje się jego grafika „Zabity, zapalony papieros”.

Na początku życia twórczego zajmował się malarstwem i grafiką. Szczególnie lubi malować pejzaże. „Człowiek i przyroda, według B. Iwanowa, stanowią jedno środowisko, nie mogą bez siebie istnieć”. Dlatego lubi pracować z drewnem, każdym, które jest w danej chwili dostępne.

Boris Borisovich jest jednym z mistrzów zajmujących się obróbką metali, kuciem metali. W swoich pracach stara się odtworzyć zapomniane tradycje wykańczania stolarki kutym metalem. Trudno w pełni zaangażować się w artystyczną obróbkę metalu, gdyż wymaga to specjalnych warsztatów i sprzętu, których w Peczorze nie ma. Tworzenie produktów dekoracyjnych i użytkowych wymaga dużo czasu

Dzieła Borysa Borysowicza to biżuteria, wyróżniają się nienagannym smakiem, subtelnością, złożoną techniką wykonania. Na przykład świecznik, wykonany w oparciu o mitologię Komi-Zyryjczyków, składa się ze 100 elementów, z których każdy musiał zostać doprowadzony do perfekcji. Jego praca jest wysoce profesjonalna.

Artysta nie ma wolnego czasu, jest zawsze zajęty, więc nie ma studentów. „Nauczanie wiąże mistrza ręką, ponieważ nie będzie czasu na pracę dla siebie” B.B. Iwanow. To było powodem odrzucenia propozycji wydziału kultury utworzenia i prowadzenia szkoły mistrzowskiej.

Boris Borisovich jest stałym uczestnikiem wystaw sztuki Peczora Museum of Local Lore and Local Lore, republikańskich wystaw sztuki ludowej. W 2000 roku został przyjęty do Związku Mistrzów Republiki Komi.

Udział w wystawach:

1996 - Wystawa. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

1997 - Expo 1997. Syktywkar - Helsinki.

1997 - Wystawa. Peczora Muzeum Historii Lokalnej

1998 - Rzemieślnik Peczora. Syktywkar, rzemieślnik Peczora. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

1999 - Wystawa indywidualna. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

2000 - „Mistrz Roku - 1999”. Syktywkar; Aleja mistrzów. Peczora Muzeum Historii Lokalnej; Peczora Jesień - 2000. Muzeum Historii i Krajoznawstwa Peczora.

Izyumow Jurij Aleksandrowicz

„Jest piękno, trzeba je znaleźć, stworzyć i pokazać innym” - to twórcze credo mistrza Jurija Aleksandrowicza Izyumowa.

Izyumov Jurij Aleksandrowicz urodził się 30 maja 1944 r. We wsi Wodny w obwodzie uchackim. Jego ojciec, nauczyciel, działacz komsomołu, jeszcze przed wojną był represjonowany i więziony w obozach Uchty: głośno wątpił, czy tempo budowy socjalizmu jest zbyt szybkie. Wkrótce podążyła za nim matka. I tak rodzina pozostała w miejscach Ukhta. W 1963 roku, po ukończeniu szkoły średniej, Jurij został powołany do wojska. Przybył do Peczory na bilecie Komsomołu w 1966 roku. Przez ponad 20 lat pracował w ATP UNGG jako kierowca ciężarówki, a następnie w warsztatach samochodowych lutował, cynował i nitował.

Umiejętność rysowania objawiła się w latach szkolnych. Już wtedy zaskakiwał szkicami portretów znanych pisarzy i poetów. Od dzieciństwa kochał drzewo, jego zapach, ciepło. Kiedyś zauważyłem, że kolega z pracy zajmował się rzeźbieniem w drewnie. Chciałem spróbować sam. Pokazał mu pierwsze proste sztuczki, wręczył narzędzie - kawałek skalpela medycznego, bezpiecznie włożony w domowej roboty drewnianą rączkę. Yu Izyumov zaczął robić swoje rzeźbione rzemiosło za pomocą tego narzędzia. Mądrości uczył się z książek, wszystko rozumiał sam. Ulubione drzewo - wzrost osiki i brzozy - czapka.

Od 1991 r. Yu.A. Izyumov jest głównym mentorem studia sztuki i rzemiosła Shondiban, otwartego w wydziale kultury Komitetu Wykonawczego Miasta Peczora. Jurij Aleksandrowicz starał się przekazać swoje sekrety utalentowanym, sympatycznym uczniom i dorosłym. Chciałem zapoznać się z doświadczeniem stołecznych snycerzy, odwiedzić wystawy republikańskie i ogólnorosyjskie, muzea sztuki użytkowej. Odwiedziłem warsztat rzeźbiarza z Syktywkaru W. Rokhina, na seminarium republikańskim, na wystawie w Wołogdzie.

Nie wiadomo, jak los potoczyłby się z talentem mistrza, gdyby w pobliżu nie było wiernej przyjaciółki, wytrwałej żony Lidii Władimirowna, która sama zabrała pierwsze prace do muzeum. Żona pomagała i wspierała w trudnych chwilach, doradzała.

Umiejętność rysowania przekazała córce. Daje swoje obrazy przyjaciołom w Petersburgu, rodzicom.

Jurij Aleksandrowicz uwielbiał tworzyć do muzyki. Z przyjemnością słuchałem piosenek w wykonaniu I. Talkova, V. Vysotsky'ego, N. Kadysheva. Ulubiony piosenkarz - A. Pugaczowa. Interesuje się powieściami historycznymi. Od dzieciństwa kochał wszystkie zwierzęta, a zwłaszcza psy. Wielu, którzy znali Jurija Aleksandrowicza, zauważa, że ​​\u200b\u200bbył z natury miły, emanowało z niego jakieś światło.

W ciągu półtorej dekady działalności twórczej mistrz stworzył ponad 200 produktów. Yu.A. Izyumov jest członkiem Związku Mistrzów Republiki Komi od 1993 roku. Twórczość Izyumova Yu.A. odznaczony dyplomami Ministerstwa Kultury ASRR Komi, Ministerstwa Kultury Republiki Kazachstanu oraz dyplomami za wkład w rozwój sztuki ludowej.

Całe mieszkanie Izyumowów zostało udekorowane miłością zręcznymi rękami Jurija Aleksandrowicza. Czego nie ma na koronkowych półkach wykonanych z drewna.

Wnętrze kuchni to bajka z drewna, marzenie każdej gospodyni, której piękno nie jest obojętne. Szafki, komody, pudła - wszystko zdobią rzeźbienia, sama kuchnia jest jak magiczna skrzynia z bajki.

Produkty Yu.A. Izyumov wystawiał na wystawach w Rydze, Petersburgu, Pietrozawodsku, Moskwie, Syktywkar, Peczorze. Peczora Museum of Local Lore zakupiło dziesięć produktów mistrza-aplikatora. Norwegowie zabrali do ojczyzny dwa produkty. Wiosną 1993 roku przyszło zaproszenie na wystawę-targi w Ameryce, ale nie udało się odbyć tej podróży. 30 prac zostało wystawionych w muzeum etnograficznym w Petersburgu. Po wystawie mistrz zaczął otrzymywać oferty od struktur handlowych, ale Y. Izyumov czuł duszą, że włączenie drewnianej rzeźby do strumienia oznacza wyjęcie z niej duszy. A zamiast radości dostaje się tanie pamiątki od tych, których ani rozumu, ani serca nie ma. Mistrz oddawał swoje wyroby tylko tym, których szanował, oddawał w niezawodne ręce. Nie zabiegał o ich sprzedaż, odmawiał nawet zakupu produktów na Złoty Fundusz Muzeum Sztuki Ludowej.

Udział w wystawach:

Od 1985 r. wyroby J. A. Izyumowa są stale wystawiane w Muzeum Historii Lokalnej Peczora.

1987 - W 70. rocznicę Wielkiej Rewolucji Październikowej. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

1996 - Tęcza radości. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

1996 - Wystawa indywidualna "Czarodzieje Rzeźbieniem". Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

Krotow Andriej Jurjewicz

Urodzony w 1956 roku w mieście Baku, w rodzinie wojskowej. Ze względu na charakter służby ojca rodzina często przenosiła się z miejsca na miejsce, podróżując po całym Kaukazie Północnym.

W 1977 r. Andriej, wybierając karierę wojskową, ukończył Wyższą Szkołę Wojskową w Stawropolu. Od 1977 do 1993 służył w lotnictwie wojskowym jako nawigator w kontroli bojowej. W 1989 r. do Peczory przybył A. Krotow.

Pasja Andrieja do minerałów rozpoczęła się od spotkania z Michaiłem Evtyuninem, wokół którego zebrał się zespół pasjonatów obróbki kamienia. Kamień, według Andrieja, przyciąga go, fascynuje niepowtarzalną kolorystyką, rysunkami i grą światła.

Wspólnym wysiłkiem zapalonych kamieniarzy w piwnicy urządzono warsztat. Mieścił się w nim sprzęt, częściowo zakupiony, ale w większości wykonany ręcznie. Przechowywane są tu również minerały, po które rzemieślnicy czasami udają się w góry. Są to kryształ górski, jaspis, amazonit, agat, kwarc i inne.

Andrei Yuryevich jest znany w mieście jako mistrz biżuterii kamiennej: naszyjników, kolczyków, broszek, bransoletek i wisiorków. Wykonana przez niego biżuteria jest poszukiwana przez wielu przedstawicieli „słabszej płci”. Wyroby mistrza wzbudziły duże zainteresowanie na wystawach w mieście Inta, w muzeum geologicznym w Syktywkar. Kilkakrotnie jego prace były wystawiane w pawilonie WOGN na targach kamienia kolorowego Gemma.

Oprócz biżuterii Andrey Yuryevich rzeźbi świeczniki, figurki i inne przedmioty z kamienia. Kiedyś zrobił na zamówienie nagrodę za mistrzostwa Rosji w narciarstwie biegowym.

"Oryginalność i jakość" - to motto, które przyświeca A.Yu. Krotov jest uznanym mistrzem Peczory w przetwarzaniu i produkcji biżuterii i przedmiotów dekoracyjnych z kamienia.

Udział w wystawach:

1993 -1995 - Stały uczestnik wystaw w Czytelni Rodzinnej.

1996-1999 - Muzeum Geologiczne. Syktywkar.

1997 - Wystawa. Inta.

Morozow Władimir Nikołajewicz

Urodzony w północno-rosyjskim mieście Kargopol w obwodzie archangielskim w 1927 r. W rodzinie pracownika. Mój ojciec pracował jako księgowy, mama zajmowała się domem.

W 1932 roku mój ojciec pojechał do Syktywkaru, aby zorganizować stowarzyszenie dla głuchoniemych. Cała rodzina przeniosła się do Syktywkaru po ojcu: żona i troje dzieci. Władimir Nikołajewicz mieszkał w Syktywkarze do 1944 roku. Ciężko żyli w piwnicy. Wiosną mieszkanie zostało zalane po kolana wodą. Matka była zmuszana do chodzenia do pracy: w ciągu dnia pracowała w policji, wieczorami uczyła w programie wychowawczym, a nocami stała w kolejkach po chleb. Z powodu porodu i choroby matka wcześnie zmarła.

Vladimir ukończył szkołę FZO w Syktywkar jako mechanik łodzi, pracował jako pomocnik sztygara, aw 1942 został sztygarem.

W 1944 zgłosił się jako ochotnik na front, ale nie musiał walczyć. Został wysłany na studia do Szkoły Młodszych Dowódców na stacji Obozerskaja w obwodzie archangielskim, gdzie zachorował i został zdemobilizowany w 1946 roku. W tym samym roku wyjeżdża do Chersoniu na leczenie i pracę. Po Chersoniu los rzucił Stalina, w Dnieprodzierżyńsku. W Stalinie opanował specjalizację modelarza.

Władimir Nikołajewicz mieszkał w południowych regionach kraju przez ponad dziesięć lat, w 1957 r. Przybył do swojej siostry w Kożwie. Wcześniej nic nie wiedziałem ani nie słyszałem o nowym mieście Peczora. W tym czasie w Peczorze trwała budowa Domu Kultury Nadrzecznych (DKR). Dowiedziawszy się, że Władimir Nikołajewicz jest modelarzem, został zatrudniony jako instruktor. Dali studentom sześć osób, których nauczył ich sztukatorskiego rzemiosła. Zbudowali DKR i jednocześnie studiowali.

Po DKR w kinie wykonano sztukaterie. M. Gorki. Tutaj w kinie są też dwa dzieła rzeźbiarskie jego autora – „Górnik” i „Łowca”.

Musiałem ozdobić proste budynki mieszkalne sztukatorstwem (na przykład dwa domy na Placu Gorkiego): gzymsy, gniazda. W latach 1962-1963 zaprzestano modelarstwa w domach.

Zespół rzeźbiarzy kierowany przez V.N. Morozow był popularny w Republice Komi: poszli do pracy przy budowie Domu Kultury w Workucie, stacji kolejowej w Syktywkarze.

Pracując w Peczorstroju, ukończył z wyróżnieniem Wołchowską Szkołę Budowlaną zaocznie i został brygadzistą w zakładzie wyrobów żelbetowych. W zakładzie jego ręce wykonały wiele prac projektowych: betonowa płaskorzeźba Lenina, Rada Honorowa Pechorstroy, ozdoby ścienne, panele. Musiałem też malować malownicze portrety dla Hall of Fame. Szczególnie dużo pracy było przed wakacjami - projektowaniem plakatów.

Otrzymano również zamówienia na inne prace projektowe. Zaprojektowali hostel na Byzovaya.

Od 1983 V.N. Morozow przeszedł na emeryturę. Zaczął rąbać drewno. Szczególnie lubię pracować z czapką. Interesuje się pracą z różnymi materiałami. W jego kolekcji znajduje się wiele wazonów wykonanych z ażurowego metalu, róg do wina, różne szkatułki.

Udział w wystawach:

1990 - Wystawa charytatywna. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

1992 - Wystawa. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

1995 - Wystawa. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

1996 - Wystawa indywidualna. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

1998 - Wystawa. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

Osipowa (Ogorodnikowa) Oksana Walentinowna

Rzemieślniczki Peczory, matka i córka Ogorodnikowów, znane są nie tylko w Republice Komi, ale także za granicą. Łączą ich nie tylko więzy rodzinne, ale także twórcze. Galina Jakowlewna Ogorodnikowa urodziła się w 1947 roku we wsi Soski w obwodzie kirowskim. Ojciec Jakow Iwanowicz Saadakow przez całe życie pracował w zakładzie Selmash. Był stolarzem, cieślą i stolarzem. Mama Nina Mitrofanovna - stewardessa - umiejętnie szydełkowana. Babcia Maria Efimovna miała wielki wpływ na Galinę Jakowlewną, która umiała tkać, kręcić, robić na drutach, szyć, haftować.

Galina Jakowlewna przyjechała do Peczory z mężem w 1963 roku. Cały czas szyła i robiła na drutach dla swoich dzieci.

W połowie lat 80. wiele kobiet Peczory zainteresowało się tkactwem techniką makramy, Galina Jakowlewna osiągnęła doskonałość w tego rodzaju sztuce użytkowej. Pierwsza praca to „Pudel”. Początkowo kopiowała produkty z czasopism, kalendarzy, a następnie zaczęła tworzyć własne, autorskie prace. W 1991 roku wydała swój album fotograficzny „Makrama”, jej produkty zostały wykorzystane przy projektowaniu placówek przedszkolnych w mieście „Korablik”, „Yolochka”. Panele narracyjne autorstwa Galiny Jakowlewnej tworzą niepowtarzalny obraz wnętrz przedszkoli.

Od 1984 roku Galina Jakowlewna jest członkiem miejskiego stowarzyszenia artystów, rady artystycznej i eksperckiej, w 1985 roku przewodniczyła stowarzyszeniu artystów. W 1988 brała udział w festiwalu sztuki ludowej w Syktywkar.

Galina Yakovlevna, mistrz aplikatora, posiada wiele rodzajów kreatywności: tkanie w technice makramy, frywolitki, dzianie, szydełkowanie, rzeźbienie w drewnie.

Galina Jakowlewna uważa mistrza Yu.A. Izyumova, któremu udało się przekazać studentowi swoje sekrety. Nie stroni ani od surowych prac „przygotowawczych”, ani od poszukiwania materiału. Współpracuje z brzozą, osiką. Pod koniec lat 80. pracowała w spółdzielni „Elegant”. W 1990 roku prowadziła koło makramy, w latach 1991-1992 uczyła w pracowni Shondiban.

Córka Oksana Valentinovna Osipova poszła w ślady matki. Urodzony w 1969 roku w Peczorze. Od dzieciństwa rodzice zauważyli umiejętność rysowania dziewczynki. Przez kilka lat Oksana studiowała w pracowni sztuk pięknych Domu Pionierów pod kierunkiem A. Akishina.

Wstąpiła do szkoły zawodowej nr 22 w Syktywkar z dyplomem z malarstwa artystycznego. W 1989 ukończyła studia. Praca dyplomowa Oksany: autorska biżuteria, która z powodzeniem łączy malowanie na drewnie i makramę. To był wspólny produkt matki i córki.

W ten sposób narodziła się twórcza unia. Później stworzyli wiele jasnych dzieł, z których jednym jest bajeczna beczka „The Tale of the North”. Na zewnątrz wygląda jak stary pień ze splecionymi korzeniami i jest podzielony na cztery fabularne obrazy z życia starożytnego Komi (ozdobione techniką makramy).

Oksana Valentinovna pracowała w spółdzielni „Elegant”, w prywatnym przedsiębiorstwie „Souvenir”, w pracowni ludowej „Shondiban”. Jej umiejętności pedagogiczne ujawniły się podczas pracy w zakładzie szkoleniowo-produkcyjnym, gdzie prowadziła kurs artystycznego malarstwa na drewnie. Posiada dwanaście rodzajów malarstwa (Khokhloma, Gorodets, Polkhov-Maidanovskaya, Vyatka, Severodvinsk, Ural-Siberian itp.). Studiując literaturę dotyczącą sztuki użytkowej, Oksana odtworzyła obraz Peczory, a Galina Jakowlewna opracowała fabułę na podstawie obrazu Peczory do robienia na drutach.

Głównym tematem prac Oksany jest rodzina, dom, dzieci. Pod tym względem interesujące są jej panele fabularne „Wczesny poranek”, „Czas jagodowy”, przedstawiające życie Izhma Komi.

Aktywnie działał w miejskim stowarzyszeniu artystów użytkowych. W latach 1997 - 1998 Oksana, pracownik Muzeum Historii Lokalnej Peczora, organizuje z funduszy wystawy objazdowe. Od 1999 roku mieszka we wsi Czernoreczenskoje, rejon Knyazhpogostsky. Pracuje w liceum. Oksana Valentinovna jest członkiem Związku Mistrzów Republiki Komi od 1998 roku.

Rzemieślniczki Ogorodnikowów brały udział we wszystkich wystawach miejskich lokalnego muzeum historycznego, jeździły ze swoimi pracami na krajowe przeglądy talentów. Wizytówką Ogorodnikowów był wisiorek „Krin”, który chętnie dają ludziom jako dobrą pamiątkę. Ich prace jako pamiątki po Peczorze wywożono do wielu miast Rosji, a także do innych krajów: Bułgarii, Czech, Włoch.

Udział w wystawach:

Od 1985 - stały uczestnik corocznych wystaw mistrzów sztuki użytkowej w Peczora Muzeum Historii i Krajoznawstwa, od 1994 - wystawy w Związku Mistrzów "Mistrz Roku" w Syktywkar.

1989 - Wystawa artystów użytkowych. Uchta.

1990 - Wystawa charytatywna. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

1992 - Wystawa rękodzieła uczniów i nauczycieli. Perm, Niżny Nowogród.

1996 - Nauczyciel, wychowuj ucznia. Syktywkar.

1997 - Komi Expo - 97, Tęcza radości. Syktywkar.

1999 - Wystawa indywidualna "Lot fantazji i smaku" w Bibliotece Głównej. Peczora.

Charuzin Jurij Fiodorowicz

Urodzony w 1953 r. W mieście Kowrow w obwodzie włodzimierskim. Mój ojciec całe życie był związany z lasem: pracował w leśnictwie, stolarstwie. Znały i kochały las: pomagały ojcu w pracy. Matka zajmowała się domem i dziećmi.

W latach 90. szkoły w Republice Komi zaczęły przywiązywać dużą wagę do odrodzenia tradycji ludu Komi i Yu.F. Kharuzinowi zaproponowano, aby spróbował pracować z korą brzozy, aby nauczyć tej umiejętności dzieci w wieku szkolnym. Od tego czasu Jurij Fiodorowicz zaczął samodzielnie studiować literaturę na temat sztuki dekoracyjnej i użytkowej Komi, ukończył kursy nauczania sztuki użytkowej w Syktywkar. Chęć opanowania sztuki użytkowej do perfekcji i przekazania swojej wiedzy i umiejętności dzieciom sprawiła, że ​​Jurij Fiodorowicz uczył się u zasłużonych mistrzów sztuki użytkowej Komi M. Kocheva i S. Overina. Pokazali nie tylko, jak pracować z korą brzozową i drewnem, ale także jakim narzędziem się posługiwać, jak samemu wykonać to narzędzie.

Udział w wystawach:

1996 - Tęcza radości. Peczora Muzeum Historii Lokalnej

1997 - Nauczyciel-uczeń. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

1998 - Rzemieślnik Peczora. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

1999 - Konferencja ludu Komi. GO „Wypoczynek”. Peczora.

2000 - Peczora jesień-2000. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

Jurkiewicz Galina Pawłowna

Galina Pavlovna urodziła się w 1950 roku we wsi Nyashabozh, rejon Izhma. Po szkole wybrała zawód nauczyciela. Ukończyła Komi wydział wychowania przedszkolnego w Wyższej Szkole Pedagogicznej w Syktywkar. Następnie przez 20 lat pracowała jako nauczycielka w przedszkolach w Vuktylu i Peczorze. Od początku lat 90. Galina Pavlovna uczy w szkole z internatem nr 8. Pracuje jako etnopedagog, uczy dzieci Komi mówić, zapoznaje je z ludowymi zabawkami, strojami i folklorem.

Pod jej kierownictwem odbywają się święta tematyczne, wystawiane są przedstawienia kukiełkowe oparte na mitologii ludu Komi. Sztuka dekoracyjna i użytkowa G.P. Jurkiewicz studiuje od 1984 roku. Zainteresowała się szyciem ze skrawków: pasków, dywaników, zabawek Komi. W 1993 roku tak bardzo zafascynowała ją ta profesja, że ​​tworzenie lalek stało się jej hobby i pracą. Lalka jest z nią zawsze: zarówno w domu, jak iw podróży. W szkolnym teatrze lalek Galina Pavlovna wraz z dziećmi studiuje historię lalek Komi według legend i baśni.

W 1994 r. G.P. Yurkevich otrzymał paszport-zaświadczenie o prawie do robienia lalek w strojach narodowych Komi i ich sprzedaży. Jest członkiem Związku Mistrzów Republiki Komi. Co roku jej prace biorą udział w wystawie „Mistrz Roku” w Syktywkar.

Twórczym zadaniem mistrza-aplikatora jest przestrzeganie tradycji ludowych, a jednocześnie tworzenie własnego, nowego w sztuce dekoracyjnej.

Udział w wystawach:

Od 1996 - stały uczestnik republikańskiej wystawy „Mistrz Roku”, „Moja ulubiona zabawka” Muzeum Historii Lokalnej Peczora.

1996 - Tęcza radości. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

1996 - I Kongres Ludów Tureckich. Usinsk.

1996 - III Zjazd Stowarzyszenia Iżma. Izma.

1997 - Wystawa. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

1997 - Nauczyciel, wychowuj ucznia. Syktywkar.

1997 - Drzewo życia. Podporoże.

1997 - Expo-97. Syktywkar-Helsinki.

1997 - Patchworkowa mozaika. Syktywkar.

1998 - Zabawki świąteczne. Moskwa.

1998 - Rzemieślnik Peczora. Syktywkar.

1999 - Wystawa artykułów przemysłowych. Peczora. Pałac Sportu „Jubileusz”

2000 - Peczora jesień-2000. Peczora Muzeum Historii Lokalnej.

Źródło tekstu i zdjęcia:
Mała encyklopedia Peczory [Zasoby elektroniczne]: historia, kultura, ekologia. - Elektron. dane tekstowe. i Hrabia. Dan. - Peczora: Peczora CBS, 2001. - 1 el. optować. płyta (CD-R).

Sztuka dekoracyjna i użytkowa to obszerny dział sztuki, obejmujący różne obszary działalności artystycznej i ukierunkowany na tworzenie przedmiotów użytkowych. Poziom estetyczny takich prac jest z reguły dość wysoki. Zbiorcze określenie łączy w sobie dwa rodzaje sztuki – użytkową i dekoracyjną. Pierwsza nosi ślady praktycznego zastosowania, druga ma za zadanie ozdobić otoczenie człowieka.

Kreatywność i użyteczność

Sztuka użytkowa - co to jest? Przede wszystkim są to przedmioty o cechach zbliżonych do stylu artystycznego, a ich przeznaczenie jest dość różnorodne. Wazony, dzbanki, naczynia czy komplety ze szlachetnej porcelany, a także wiele innych przedmiotów zdobią salony, zestawy kuchenne, sypialnie i pokoje dziecięce. Niektóre przedmioty mogą być prawdziwymi dziełami sztuki, a mimo to należą do kategorii sztuki użytkowej.

Szeroki zakres działań

Sztuka użytkowa - czym jest z punktu widzenia mistrza? Pracochłonny proces twórczy czy proste rzemiosło z improwizowanych materiałów? dzieło sztuki zasługujące na najwyższą pochwałę. Użyteczny cel produktu nie umniejsza jego zalet. Sztuka dekoracyjna i użytkowa to szerokie pole działania artystów i rzeźbiarzy, projektantów i stylistów. Szczególnie cenione są ekskluzywne dzieła sztuki powstałe w jednym egzemplarzu. Jednocześnie produkty masowe są klasyfikowane jako pamiątki.

Dekoracje w domu

Sztuka dekoracyjna i użytkowa - co to jest, jeśli uznamy ją za część estetycznego wypełnienia środowiska domowego? Można śmiało powiedzieć, że wszystkie produkty i przedmioty znajdujące się w pobliżu odzwierciedlają gusta osób, które znajdują się w ich pobliżu, ponieważ człowiek stara się otaczać pięknymi rzeczami. Sztuka dekoracyjna i użytkowa umożliwia dekorowanie mieszkań, przestrzeni biurowych, terenów rekreacyjnych. Szczególną uwagę przywiązuje się do projektowania pokoi dla dzieci.

I wreszcie sztuka użytkowa – czym jest w rozumieniu odbiorców? Są to wystawy, wernisaże, targi i wiele innych imprez masowych, które przybliżają ludziom kulturę. Sztuka i rzemiosło artystyczne podnosi poziom rozwoju człowieka, przyczynia się do kształtowania jego gustu estetycznego. Ponadto zwiedzanie ekspozycji poszerza ogólne horyzonty. Każda wystawa sztuki użytkowej jest zapoznaniem szerokiej publiczności z nowymi osiągnięciami w dziedzinie twórczości artystycznej. Takie wydarzenia mają szczególne znaczenie w edukacji młodego pokolenia.

Trochę historii

Sztuka i rzemiosło ludowe wywodzi się z rosyjskich wsi. Proste rękodzieła rodzimych rzemieślników są często klasyfikowane jako produkty w kategorii „rękodzieło ludowe”. Dobrym przykładem stylu folklorystycznego są tzw. malowane koguciki, figurki, ozdoby z czerwonej gliny.

Rybołówstwo jest zakorzenione w przeszłości, ma ponad czterysta lat. Starożytna sztuka użytkowa pojawiła się dzięki świętu narodowemu „Gwizdek”, kiedy cała populacja kobiet rzeźbiła gliniane gwizdki na ten dzień w postaci kurczaków, jagniąt, koni. Impreza trwała dwa dni.

Z czasem święto straciło na znaczeniu, a sztuka ludowa i rzemiosło nadal się rozwijały. Obecnie wyroby artystyczne Dymkovo są replikowane w stowarzyszeniu producentów zabawek Vyatka. Produkty są tradycyjnie bielone i malowane jasnymi, bogatymi kolorami.

sztuki piękne

Produkty sztuki ludowej w swojej oryginalnej formie z reguły stają się podstawą bajkowych postaci wymyślonych przez mieszkańców rosyjskich wiosek, są eksponowane w słynnych szkatułkach Palekh, tacach Zhostovo i drewnianych produktach Khokhloma. Sztuka użytkowa Rosji jest różnorodna, każdy kierunek jest na swój sposób interesujący, produkty rosyjskich mistrzów cieszą się dużym zainteresowaniem wśród zagranicznych kolekcjonerów.

„Popyt rodzi podaż” – to sformułowanie doskonale oddaje stan rzeczy w dziedzinie rzemiosła ludowego w Rosji. Na przykład produkty artystyczne w stylu Gzhel są popularne na całym świecie od kilku stuleci. Słynne biało-niebieskie wazony, talerze i czarki są pożądane w każdym domu, a szczególnie cenne okazy są ozdobą kolekcjonerów. Wciąż nie jest jasne, czym jest sztuka użytkowa – praca, rzemiosło czy twórczość artystyczna. Tak naprawdę każdy produkt wymaga pewnego wysiłku, aby go stworzyć, a jednocześnie konieczne jest nadanie obrazowi walorów artystycznych.

Sztuka użytkowa w pokoju dziecięcym

W niektórych przypadkach temat twórczości artystycznej można skierować do młodszego pokolenia. Szczególną wartość mają wyroby wykonane rękami dzieci. Spontaniczność tkwiąca w chłopcach i dziewczynkach w wieku przedszkolnym, naiwna fantazja połączona z chęcią wyrażenia najskrytszych uczuć dają początek prawdziwym arcydziełom. Sztuka i rękodzieło dziecięce, reprezentowane przez rysunki, figurki z plasteliny, kartonowe ludziki, to najbardziej prawdziwa twórczość artystyczna. Dziś w całej Rosji odbywają się konkursy, w których biorą udział mali „artyści” i „rzeźbiarze”.

Współczesna rosyjska sztuka użytkowa

Fotografie, sztylety, akwaforty, ryciny, ryciny i wiele innych przykładów to także twórczość artystyczna. Produkty mogą być bardzo różne. Jednocześnie wszystkich łączy przynależność do życia społecznego i kulturalnego pod wspólną nazwą – sztuka dekoracyjna i użytkowa. Prace z tego obszaru wyróżniają się szczególnym stylem folklorystycznym. Nie bez powodu całe rzemiosło artystyczne powstało w głębi Rosji, w wioskach i wioskach. Jest domowa bezpretensjonalność i całkowity brak tej pretensjonalności, którą czasami można znaleźć w dziełach sztuki w produktach. Jednocześnie poziom artystyczny sztuki ludowej jest dość wysoki.

W Rosji sztuka i rzemiosło są częścią potęgi gospodarczej kraju. Poniżej znajduje się lista głównych dziedzin rzemiosła ludowego, które zyskały uznanie na całym świecie i są eksportowane w ilościach przemysłowych.

1. Miniatury lakierowane na podstawce drewnianej (Palekh, Mstyora, Fedoskino).
2. Malarstwo artystyczne Zhostovo na metalu, emalia Limoges, emalia.
3. Khokhloma, Gorodets, Mezen malarstwo artystyczne na drewnie.
4. Gzhel, zabawka Filimonovo, zabawka Dymkovo - artystyczne malowanie na ceramice.

Palech

Rzemiosło sztuki ludowej Palekh pojawiło się na rosyjskich otwartych przestrzeniach na początku XX wieku. Sztuka rysunku laką narodziła się w małej wiosce w prowincji Iwanowo zwanej Palech. Rzemiosło było kontynuacją sztuki malowania ikon, której korzenie sięgają czasów przedpiotrowych. Później mistrzowie Palecha brali udział w malowaniu Kremla moskiewskiego, klasztoru Nowodziewiczy, katedr Ławry Świętej Trójcy Sergiusza.

Rewolucja 1917 roku zniosła malowanie ikon, artyści zostali bez pracy. W 1918 r. rzemieślnicy utworzyli artel artystyczny Palech, w którym malowano drewniane wyroby rękodzielnicze. Następnie rzemieślnicy nauczyli się tworzyć pudełka z papier-mache i malować je w miniaturowym stylu, stosując tradycyjne techniki malowania ikon.

W 1923 r. Miniatury lakowe zostały zaprezentowane na Ogólnorosyjskiej Wystawie Rolniczo-Przemysłowej, gdzie otrzymały dyplom II stopnia. A dwa lata później trumny Palekh zostały wystawione w Paryżu na Wystawie Światowej.

Sukces niezwykłych wyrobów artystycznych stał się bodźcem do powstania organizacji „Związek Artystów Palechów” i „Warsztatów Artystycznych Palechów” w ramach Funduszu Sztuki ZSRR.

Fedoskino

Słowo to kojarzone z rosyjskim malarstwem lakowym przy użyciu rzemiosła pojawiło się we wsi Fedoskino pod Moskwą w drugiej połowie XVIII wieku. Rysunek został nałożony na wyroby z papieru-mache, a następnie lakierowany w kilku warstwach.

Początki sztuki miniatury Fedoskino położył rosyjski kupiec P. I. Korobov, który odwiedził niemieckie miasto Brunszwik i przyjął tam technologie tworzenia tabakierek, koralików, szkatułek i innych przedmiotów ozdobionych malowniczymi obrazami.

Miniatura lakieru Fedoskino jest malowana farbami olejnymi w czterech etapach: najpierw wykonywany jest szkic rysunku („malowanie”), następnie szczegółowe badanie („przemalowanie”), szkliwienie - powlekanie przezroczystymi farbami, ostatni proces - odblaski , który przekazuje światła i cienie na obrazie.

Technika rysowania Fedoskino polega na użyciu warstwy odcienia elementów odblaskowych: proszku metalicznego lub płatków złota. W niektórych przypadkach mistrz może wykonać podszewkę z masy perłowej. Transparentne farby do glazury wraz z okładziną tworzą niepowtarzalny efekt głębokiego blasku. Warstwa tuszu jest podkreślona czarnym tłem.

Mstera

Tak nazywało się rosyjskie rzemiosło ludowe, które pojawiło się w połowie XVIII wieku w prowincji Władimir. Wszystko zaczęło się od „drobnych literek” - miniaturowych ikonek z najdrobniejszymi szczegółami. Po rewolucji 1917 r., kiedy nie było potrzeby malowania ikon, mstyora przerzucił się na szkatułki i pudełka z papier-mache. Rysunek został naniesiony wymieszany na żółtko. W połowie XX wieku ostatecznie ukształtowały się technologie lakowej miniatury mstyory.

Podstawowe zasady rysowania obrazu polegają na przeniesieniu ogólnych konturów z kalki na powierzchnię produktu, po czym następuje „otwarcie”, rysowanie samego obrazu. Następnym krokiem jest szczegółowe malowanie. I wreszcie „topienie” – ostateczne zabarwienie z blaskiem, w którym zawarte jest stworzone złoto (najmniejszy złoty proszek). Gotowy produkt pokrywany jest przezroczystym lakierem w sześciu warstwach z pośrednim suszeniem, a następnie polerowany.

Charakterystycznymi cechami malarstwa mstyorskiego są dekoracyjność dywanowa, wyrafinowana gra odcieni oraz trzy tonacje kolorystyczne zastosowane w kolorystyce: żółta ochra, czerwień i srebrnoniebieski. Tematyka rysunku jest klasyczna: bajki, zabytki, architektura.

Żostowo

Ludowe rzemiosło Zhostova to metalowe tace malowane w specjalnym stylu. Sztuka Zhostovo narodziła się na początku XIX wieku we wsiach Trójcy Świętej w obwodzie moskiewskim. Mieszkańcy trzech wiosek (Ostaszkowa, Zhostowa i Chlebnikowa) zaczęli robić przedmioty malowane papier-mache. A w warsztacie braci Wiszniakowów zaczęli robić tace z cyny z kolorowym wzorem.

Cennik Wiszniakowów obejmował dwa tuziny różnych przedmiotów wykonanych z metalu i papier-mache, wszystkie malowane, barwnie zaprojektowane i bardzo poszukiwane na jarmarkach, a malowana taca była zawsze na pierwszym planie.

Obraz Zhostovo to motyw kwiatowy w kilku wersjach: bukiet ogrodowy, przypadkowe kwiaty, girlanda, wiklinowy wieniec. Osobną kompozycję stanowiły rośliny polne.

Bukiety na tacy wyglądają naturalnie dzięki starannemu przestudiowaniu drobnych szczegółów. W takim przypadku paleta kolorów jest używana tak nasycona, jak to możliwe. Tło z reguły jest czarne, brzegi tacy zdobią ażurowe ornamenty, wegetatywne lub stylizowane na strukturę drewna. Taca Zhostovo jest zawsze ręcznie malowana i stanowi ekskluzywne dzieło sztuki.

Khokhloma

Nazwę tę nadano rosyjskiemu rzemiosłu ludowemu, którego historia sięga początku XVII wieku. Malarstwo Khokhloma jest najbardziej złożoną i kosztowną ze wszystkich obecnie istniejących technik. Artystyczna sztuka użytkowa to długi proces twórczy związany z obróbką drewna, wielowarstwowym gruntowaniem i malowaniem farbami olejnymi.

Proces wytwarzania produktów Khokhloma rozpoczyna się od wykrojów. Najpierw rzemieślnicy, czyli rąbią siekierą drewniane pręty. Następnie detale są obrabiane na maszynach do pożądanego rozmiaru i kształtu. Przetworzone półfabrykaty nazywane są „płótnem”. Po zmieleniu są one powlekane specjalną płynną glinką i suszone. Następnie już zagruntowane przedmioty są pokrywane kilkoma warstwami oleju lnianego z suszeniem pośrednim. Po tym następuje cynowanie lub wcieranie proszku aluminiowego w powierzchnię, po czym produkt nabiera białego lustrzanego koloru. Na tym etapie jest już gotowy do malowania.

Główne kolory Khokhloma to czarny i czerwony (sadza i cynober), kolory pomocnicze to złoty, brązowy, jasnozielony i żółty. W tym przypadku używane są bardzo cienkie pędzle (wykonane wyłącznie z ogonów wiewiórek), ponieważ pociągnięcia są nakładane z ledwo zauważalnym dotykiem.

Treść tematyczna obrazu to jagody jarzębiny, kalina, truskawki, małe liście, cienkie, lekko zakrzywione zielone łodygi. Wszystko jest narysowane jasnymi, intensywnymi kolorami, kontury są wyraźnie zaznaczone. Obraz zbudowany jest na zasadzie kontrastu.

gżel

To najpopularniejsze rzemiosło ludowe, tradycyjne rosyjskie centrum produkcji ceramiki artystycznej. Zajmuje rozległy region, składający się z 27 wsi, pod ogólną nazwą Gzhel Bush, 60 km od Moskwy.

Od niepamiętnych czasów miejsca Gzhel słynęły ze złóż wysokiej jakości gliny, nadającej się do wyrobu naczyń aptecznych. W 1770 r. ziemie gżelskie zostały przydzielone Zakonowi Farmaceutycznemu. W tym samym czasie we wsiach Gzhel uruchomiono produkcję cegieł, fajek ceramicznych, kafli piecowych i zabawek dla dzieci dla Moskwy.

Naczynia wykonane z gliny Gzhel były szczególnie dobre, lekkie i trwałe. Na początku XIX w. w parafii istniało 25 fabryk produkujących zastawę stołową. Bliskość Moskwy sprzyjała rozwojowi produkcji wyrobów glinianych, na stołecznych jarmarkach sprzedawano niezliczoną ilość misek, talerzy, półmisków i innych przyborów kuchennych.

Zabawki Gzhel w tym czasie były wykonane z odpadów. Bez względu na to, ile gliny zostało, wszystko służyło do modelowania kogutów, kur, baranków i kóz. Początkowo warsztaty rzemieślnicze działały chaotycznie, ale wkrótce wytyczono pewien kierunek produkcji. Surowce zaczęto zbierać specjalnie na pamiątki, rzemieślnicy specjalizowali się także w profilu najbardziej poszukiwanych produktów.

Białe błyszczące konie i figurki malowano na różne kolory, aż pojawił się kobalt, uniwersalna farba. Intensywny jasnoniebieski kolor najlepiej komponuje się ze śnieżnobiałą emalią obrabianego przedmiotu. W latach 50. ubiegłego wieku artyści całkowicie zrezygnowali z innych kolorów i zaczęli używać glazurowanego niebieskiego kobaltu. Jednocześnie motywy rysunku mogą być bardzo różne, na dowolny temat.

Inne rzemiosło

Zakres rosyjskiego rzemiosła artystycznego i rzemieślniczego jest niezwykle szeroki. Oto artystyczne odlewanie i wytłaczanie Kasli z przeplatanymi elementami. Technologie intarsji i intarsji pozwalają tworzyć wspaniałe obrazy i panele. Rosyjska sztuka użytkowa to rozległa warstwa kulturowa kraju, własność społeczeństwa.

rozmiar czcionki: 14.0pt; line-height:150%;font-family:"times new roman>, Pracownik naukowy w Departamencie Sztuki Ludowej i Dekoracyjnej i Stosowanej, Regionalne Muzeum Architektury, Etnografii i Krajobrazu Wschodniego Kazachstanu-Rezerwat

Twórcze dziedzictwo mistrza sztuki i rzemiosła.

W funduszach Regionalnego Architektoniczno-Etnograficznego i Przyrodniczo-Krajobrazowego Muzeum-Rezerwatu Wschodniego Kazachstanu znajduje się wspaniała kolekcja prac Mameevy Margarity Stepanovnej () - utalentowanej artystki i nauczycielki Ust-Kamenogorsk, mistrza sztuki i rzemiosła. W tym roku skończyłaby 80 lat. Pokazała swój talent artystyczny i wiedzę fachową w najbardziej kobiecych dziedzinach sztuki i rzemiosła: hafcie, aplikacji, szyciu i robieniu na drutach. była jedną z nielicznych rzemieślniczek we wschodnim Kazachstanie, które doskonale opanowały tak złożoną i żmudną technikę haftu jak artystyczna gładkość. Wysoki profesjonalizm i kunszt jej prac podniosły technikę haftu na nowy poziom, ujawniły jej szerokie możliwości i wzbudziły prawdziwe zainteresowanie wśród miłośników sztuki. Rzemieślniczka swoją pracą udowodniła, że ​​taki kameralny rodzaj sztuki zdobniczej i użytkowej, jakim jest haft, może wyjść daleko poza granice „domowych robótek ręcznych” i zająć należne mu miejsce obok prawdziwych dzieł sztuki.

Małgorzata Stiepanowna Mameeva urodziła się w 1933 roku we wsi Durnitsyno, Rejon Romanowski, Obwód Saratowski. Po II wojnie światowej przeniosła się z rodziną do miasta Semipałatyńsk, gdzie ukończyła szkołę średnią. Umiejętności i zamiłowanie do sztuk pięknych zadecydowały o wyborze przyszłego zawodu, poszła na studia do Republikańskiej Szkoły Artystycznej. w Taszkencie na wydziale sztuki i teatru. Po ukończeniu studiów w 1957 roku Mameeva przez pewien czas pracował jako artysta w Uzbeckim Teatrze Muzyczno-Dramatycznym im. Achunbabajewa w Andiżanie. Następnie przez kilka lat uczyła pracy fizycznej i rysunku w Państwowym Instytucie Pedagogicznym w Andiżanie.

W połowie lat 60. Margarita Stepanovna przyjechała do Ust-Kamenogorska, gdzie mieszkała do końca życia. W naszym mieście najpierw pracowała jako artystka w przedsiębiorstwach i instytucjach, następnie poświęciła się całkowicie nauczaniu, pracując w różnych średnich specjalistycznych placówkach oświatowych: w szkołach pedagogicznych, muzycznych i kulturalno-oświatowych. Uczyła takich dyscyplin akademickich, jak szkolenie robotnicze (aplikacja, haft, dziewiarstwo itp.), Sztuki plastyczne, SNAP (środki wizualnej agitacji i propagandy). Według wspomnień jej uczennic Margarita Stiepanowna była nauczycielką wrażliwą, uważną, a jednocześnie wymagającą, bezgranicznie oddaną swemu zawodowi.

Równolegle z działalnością dydaktyczną Mameeva aktywnie zajmowała się twórczością. W hafcie satynowym stworzyła własny styl, oparty na realistycznym obrazie i oddaniu najdrobniejszych niuansów kolorystycznych. Te cechy sprawiają, że jej haft przypomina obrazy. W literaturze specjalistycznej technika leżąca u podstaw prac Margarity Mameevej określana jest jako „swobodna powierzchnia”, podczas gdy sama rzemieślniczka określała ją mianem „artystycznej”. Wykorzystując tradycyjną technikę haftu unowocześniła jej technikę techniczną i artystyczną, zbliżając haft jak najbardziej do malarstwa. W tego rodzaju twórczości Mameeva najpełniej pokazała swój naturalny dar rysownika i kolorysty.

Oprócz techniki ściegu atłasowego, rzemieślniczka doskonale znała się na innych rodzajach haftu, uwielbiała też pracować w technice aplikacji. Jej prace aplikacyjne z tkaniny są często wykonywane w połączeniu z haftem lub przy użyciu różnorodnych szwów łączących i wykończeniowych. Są to zarówno przedmioty użytkowe - torebki, poszewki na poduszki, serwetki ozdobne, jak i przedmioty czysto estetyczne - panele dekoracyjne, z reguły z kompozycją fabularną.

Umiejętności i miłość do robótek ręcznych zostały zaszczepione w Mameeva w młodym wieku. Jej matka Aleksandra Fiodorowna pięknie szyła i haftowała, szydełkowała wspaniałe serwetki i obrusy. Ponadto dzieciństwo i młodość przyszłej rzemieślniczki były ściśle związane z ówczesnymi trendami mody. Pośrodku XX XIX wieku sztuka haftu w naszym kraju przeżywa swój rozkwit, staje się masowym hobby większości kobiet, robótki ręczne w równym stopniu lubiły zarówno małe dziewczynki, jak i ich mamy i babcie. Za jeden z najlepszych prezentów uznano własnoręcznie wykonany przedmiot – obrus z haftem lub aplikacją, poszewkę na poduszkę lub po prostu serwetkę. Te urocze, urocze produkty ozdobiły wnętrze, tworząc przytulność i ciepłą, radosną atmosferę w domu.

Większość prac Margarita Stepanovna Mameeva ukończyła w późniejszym okresie - od 1985 do 1995 roku, kiedy masowa pasja do haftu i aplikacji nie była już tak popularna jak w latach 50. i 60. XX wieku. Mameyeva rozpoczęła współpracę z Regionalnym Muzeum Etnograficznym Wschodniego Kazachstanu w 1987 roku, biorąc czynny udział w różnych wydarzeniach muzealnych: corocznych wystawach sztuki i rzemiosła, jarmarkach („Miasto Mistrzów”). Jej prace były wystawiane w różnych miastach: Ałmaty, Nowosybirsku, Leningradzie, Moskwie. Należy zauważyć, że Margarita Stepanovna była bardzo wspomagana w swojej pracy przez męża, który pomagał jej w znajdowaniu działek, rysunków i wzorów, a także zajmował się projektowaniem gotowych prac, samodzielnie wykonując dla nich ramy.

Pozyskiwanie prac rzemieślniczki za fundusze muzeum rozpoczęło się w 1991 roku, kiedy to zakupiono panel dekoracyjny „Żurawie” w technice haftu atłasowego. Następnie odbiór eksponatów przeprowadzono w małych partiach w latach 1992, 1993, 1999. a ostatnią kolekcję zakupiono od Jurija Iwanowicza Mamejewa w 2007 roku, 10 lat po śmierci jego żony. W efekcie powstał kompletny i kompletny zbiór prac rzemieślniczki, dość zróżnicowany pod względem technik, stylów i gatunków obrazu, liczący 29 pozycji. Na podstawie posiadanej kolekcji prac możemy scharakteryzować jej twórczość jako całość i każdą pracę z osobna, zidentyfikować ich cechy artystyczne i techniczne oraz zgłębić historię powstania konkretnej kompozycji.

Wyjątkowym eksponatem jest serwetka w technice haftu atłasowego, wykonana przez Mameevą w 1942 r., gdy miała zaledwie 9 lat. Produkt wykonany trochę nieśmiało, ale z dużą starannością i starannością. Wzór haftu - kosz z bukietem polnych kwiatów - jest dość złożony, wyróżnia się elegancją i różnorodnością drobnych detali. Kombinacje kolorystyczne nici dobierane są kompetentnie i ze smakiem. Już w tej wczesnej twórczości ujawniły się wybitne zdolności twórcze przyszłej rzemieślniczki. Warto zauważyć, że w jej dojrzałych utworach zachowane zostanie to samo dziecięco radosne i entuzjastyczne poczucie piękna otaczającego świata.

Temat dzikiej przyrody jest ulubionym tematem prac rzemieślniczki, która jako priorytet wybrała gatunek animalistyczny. W większości haftowanych kompozycji znajdziemy poetyckie, malarskie przedstawienie zwierząt i ptaków na tle natury. Mameeva zawsze bardzo odpowiedzialnie i poważnie podchodziła do wyboru kompozycji do swoich prac, wybrała prace najlepszych artystów zwierząt, którzy pracowali w realistycznym kierunku. Wykorzystując reprodukcje obrazów i rysunków, a także fotografie znanych mistrzów, stworzyła ich piękne kopie, różniące się od oryginału jedynie techniką i rozmiarem.

Aby dokładnie odtworzyć rysunek, Margarita Stepanovna użyła siatki skali, aby powiększyć małą ilustrację do potrzebnych jej rozmiarów, po czym rysunek został przeniesiony na tkaninę. Dzięki wrodzonemu wyczuciu koloru, profesjonalnej wiedzy i doświadczeniu rzemieślniczka potrafiła doskonale oddać kolorystykę kopiowanych prac, posługując się techniką artystycznej gładkości oraz szeroką gamą odcieni nici.

Kompozycja „Psy na ladzie” powstała w 1987 roku z reprodukcji akwareli autorstwa słynnego radzieckiego grafika Walentina Iwanowicza Kurdowa. Ilustrował książki dla dzieci o tematyce przyrodniczej takich pisarzy jak W. Bianchi, R. Kipling, W. Scott. „Artysta rysuje energicznie, intensywnie. Jego zwierzęta są czujne, gotowe do skoku, walki. Nie ma tu miejsca na idealizację, piękne pismo” – czytamy w publikacji poświęconej kreatywności. Rzeczywiście, kompozycja wyróżnia się niezwykłą dynamiką i intensywnością sceny myśliwskiej. Cechy te oddają nie tylko szybki bieg psów, ale także niektóre detale krajobrazu: trawa pełzająca po ziemi pod silnym podmuchem wiatru, alarmujące przebłyski świtu.

Haft kompozycji "Psy na wieszaku" wykonany jest z kunsztem i swobodą charakterystyczną dla dojrzałego mistrza. Swobodna powierzchnia pokrywa całą płaszczyznę podłoża tkaniny, tworząc wrażenie malowniczego płótna szkliwionego. Zestawienie kolorystyczne nici doskonale oddaje barwę oryginału, zbudowaną na półtonach i niuansach. Zastosowanie pewnych technik plastycznych, takich jak szerokie, zamaszyste ściegi nałożone na siebie w różnych, czasem przecinających się kierunkach, kontrastowe plamy barwne potęgują wrażenie dynamizmu i niepokoju, tworzą ekscytujący, wyrazisty nastrój.

Należy zauważyć, że kompozycja cieszyła się dużym zainteresowaniem wśród miłośników sztuki, dlatego Mameeva wykonał kilka jej kopii, z których jedna została zakupiona przez rezerwat muzealny w 1993 roku. Panel ten, różniący się od pierwszego jedynie zmniejszonymi rozmiarami i designem, od wielu lat zdobi stałą ekspozycję rzemiosła artystycznego w sali ekspozycyjnej muzeum. Oryginalna kompozycja po 14 latach trafiła także do muzeów w ramach różnorodnej kolekcji zakupionej od 2007 roku.

Mameeva wyhaftowała jedno ze swoich najlepszych dzieł, kompozycję fabularną „Łoś” z reprodukcji obrazu rosyjskiego artysty o tym samym tytule, opublikowanej w czasopiśmie „Artysta”, nr 3, 1977. żyją na płótnie, więc ich bycie jest upolityczniony, przekazany przez artystę przez jego serce…”. Obraz, przechowywany w Państwowej Galerii Trietiakowskiej, urzeka szczególnym spokojem, wielkością i mądrością natury. Zwierzęta i otaczający je świat są w nierozerwalnej jedności i harmonii.

Malarz pejzaży i zwierząt Aleksiej Stiepanowicz Stiepanow, który żył w drugiej poł XIX - pierwsza połowa XX wieków, był wybitnym malarzem, obdarzonym rzadkim taktem reżyserskim, z którym magicznie posługiwał się niejako przypadkowymi plamami matowego różu, cytryny, głębokiej czerni w najszlachetniejszej gamie popielato-szarych tonów. Starała się dokładnie przekazać tę samą wykwintną kolorystykę, wybierając niezbędne odcienie i kombinacje nici. Mimo bogactwa niuansów kolorystycznych udało jej się zachować w kompozycji jedność i spójność kolorystyczną, odpowiadającą ogólnemu nastrojowi dzieła.

Cały cykl prac w technice haftu poświęcony jest pięknemu i tajemniczemu światu ptaków. Są to z reguły niewielkie, kameralne kompozycje, przypominające raczej pobieżne szkice niż gotowe prace. Łatwość wykonania i pewien niedopowiedzenie w nich nie są przypadkowe, cechy te korespondują z niespokojnym charakterem przedstawionych postaci, ich nieuchwytnością, szybką reakcją, a nawet siedliskiem. Poczucie przestrzeni powietrznej, nieba i wysokości obecne jest niemal w każdej pracy. Nawet kształt większości kompozycji jest celowo lub intuicyjnie wybierany jako koło lub owal. Jednocześnie Mameeva z wrodzoną dokładnością i dokładnością ornitologa przekazuje najdrobniejsze szczegóły wyglądu i charakteru poszczególnych gatunków ptaków: wielkość, kształt, kolor upierzenia, ruchy i zwyczaje. Nawet krajobraz lub jego szczegóły w kompozycjach niezawodnie odpowiadają siedliskom niektórych ptaków. Warto zwrócić uwagę na jeszcze jedną charakterystyczną cechę tego cyklu: niemal wszędzie znajdziemy wizerunek pary ptaków – samca i samicy, które siadają obok siebie na gałęzi, pływają lub stoją w wodzie. Potwierdzają to tytuły prac: „Gile”, „Wilgi”, „Szczygły”, „Pelikany”, „Żurawie”.

Wspaniała kompozycja „Flamingo” wyróżnia się w serii prac „ptasich”. W przeciwieństwie do wszystkich innych obrazów ptaków, ta praca jest dość duża i jest kompletnym dziełem „malarskim”, wypełnionym specjalnym lirycznym nastrojem, światłem słonecznym i wieloma odcieniami kolorów. Panel ten zapoczątkował serię haftów poświęconych ptakom. Powstał wcześniej niż inne, bo w 1991 roku na podstawie fotografii G. Smirnova, opublikowanej w jednym z magazynów.

Do najnowszych paneli dekoracyjnych w technice haftu należą pejzaż „Na dzhailau” i „Portret Abai”, wykonane w 1995 roku i zbiegające się w czasie z rocznicą wielkiego kazachskiego poety i oświecającego. Prace te były wystawiane w Semipałatyńsku na objazdowych wystawach sztuki dekoracyjnej i użytkowej poświęconych obchodom 150-lecia Abaya Kunanbaeva i 100-lecia Mukhtara Auezova. Należy zauważyć, że te dwie prace stanowią wyjątek w gatunku prac haftowanych Mameevej, jako jedyne wykonane w „czystym” gatunku: pejzażu i portretu. W większości jej haftów odnajdujemy fuzję gatunków, najczęściej pejzażu ze zwierzęcym.

Niewiele jest ozdobnych haftów do celów użytkowych w twórczości. Wśród nich na szczególną uwagę zasługuje komplet serwetek „Jesienne motywy” oraz wspaniały ozdobny obrus. Produkty te charakteryzują się jednolitym stylem wykonania, który przejawia się w plastycznych formach kompozycji, eleganckim wzorze gałązek porzeczki oraz jasnej świątecznej kolorystyce opartej na kontrastowym zestawieniu zielonych i czerwonych kwiatów.

Prace w technice aplikacji stanowią zaledwie jedną trzecią całej kolekcji Mameevy, wśród nich są dwa panele, reszta to prace praktyczne - dekoracyjne torby i poszewki na poduszki. Aplikacje Margarity Stepanovny są wykonane z charakterystycznym dla niej wysokim profesjonalizmem, łączy je szereg charakterystycznych cech, które przejawiają się zarówno w języku obrazkowym, jak iw technikach technicznych. Wszystkie prace wyróżniają się lakoniczną kompozycją, stylizowanym wzorem i ornamentyką, przemyślanym doborem zestawień kolorystycznych tkanin. Subtelny artystyczny gust rzemieślniczki przejawia się we wszystkim – od ogólnego pomysłu na produkt po wyrafinowanie najdrobniejszych detali i wykończeń. Mameeva zawsze używała ściegów ręcznych i maszynowych, aby przymocować formy aplikacji do tła lub głównego materiału. Ponadto wiele produktów jest ozdobionych różnymi szwami wykończeniowymi, aw kompozycjach fabularnych aplikację harmonijnie uzupełnia haft.

Dekoracyjne panele „Tea Party” i „Matchmaker” powstały mniej więcej w tym samym czasie – w 1986 i 1987 roku. Kompozycje tych prac znalazła także rzemieślniczka w literaturze, w jednym z najpopularniejszych wówczas pism kobiecych – „ Sowiecka kobieta". W ten sposób reprodukcja panelu „Matchmaker” została opublikowana na 4. okładce magazynu nr 2 z 1986 r. Kompozycje te są pod wieloma względami podobne, łączy je temat życia chłopskiego i rosyjskiej gościnności. Fabuła w nich jest prosta i bezpretensjonalna, w „Tea Party” to spotkania przy samowarach dwóch babć-dziewczynek, w „Swatce” scena swatania z obfitym poczęstunkiem. W stosowanych środkach wyrazu artystycznego można doszukać się związku ze sztuką ludową: styl i kształt obrazu przypominają szynę, a wielobarwne i kolorowe kawałki materiału, mocowane ręcznymi ściegami, mają charakter patchworku. W przeciwieństwie do lirycznych kompozycji hafciarskich, panele z aplikacjami są wypełnione dobrodusznym humorem i psotami oraz są wypełnione jasnymi kolorowymi obrazami.

Dużym zainteresowaniem cieszy się seria ozdobnych toreb i poszewek ze stylizowanym kazachskim ornamentem. Dzięki profesjonalnemu, kreatywnemu podejściu autora produkty te, zachowując cechy etnograficzne, zyskały nowe brzmienie. Wyglądają stylowo i nowocześnie, są praktyczne w życiu codziennym, doskonale zdobią wnętrze domu. Uwagę zwraca prostota i zwięzłość form, wyrafinowanie wykończenia, powściągliwość gustownie dobranej kolorystyki, składającej się tylko z dwóch, trzech kolorów tkaniny i oczywiście najwyższy kunszt wykonania. Wykonane są głównie z zielonych i czerwonych draperii, które najczęściej spotyka się w kazachskiej sztuce i rzemiośle, do ozdób i dekoracji używa się diagonalu lub tkaniny bawełnianej. Zarówno w torebkach, jak iw poszewkach stosuje się tylko dwa rodzaje ozdób, ale w różnych wariantach kompozycyjnych.

Twórcze dziedzictwo Margarity Stepanovny Mameevy jest bogate i różnorodne. Będąc profesjonalną artystką i biegle posługującą się różnymi technikami haftu, aplikacji, dziania i szycia, stworzyła prawdziwe dzieła sztuki od małej bezpretensjonalnej serwetki po złożoną kompozycję fabularną. Mameeva zmieniła ideę haftu jako jedynego domowego kobiecego haftu, ujawniła jego szerokie możliwości w swoich pracach gatunkowych, które można bezpiecznie postawić na równi z najlepszymi obrazami. Jej prace wyróżniał się nie tylko wysokim profesjonalizmem, nienaganną techniką wykonania, każdy produkt ociepla miłością i życzliwym podejściem autorki do otaczającego ją świata: przyrody, ludzi, zwierząt i roślin. Dzięki takim właściwościom magnetycznym prace rzemieślniczki nie pozostawiają nikogo obojętnym, przyciągają uwagę odbiorców, wzbudzając w nich szczere zainteresowanie i podziw.

Źródła i literatura

1. Archiwum VK regionalnego muzeum-rezerwatu architektury, etnografii i krajobrazu przyrodniczego.

2. Bogateev ozdób ludowych w aplikacjach dla dzieci. M., Oświecenie, lata 19.

3. Gusakow. M., Oświecenie, lata 19.

4. Kalmykov V., Sarabyanov A. i wsp. Sto pamiętnych dat. Kalendarz artystyczny na rok 1975. M., artysta radziecki, 1974. S. 278-280.

5. Plastov N. Wzruszający rosyjski talent. //Malarz. - 1977, nr 3. s. 46-51.

32 rzemieślników z regionu Biełgorod otrzymało certyfikaty, odznaki i nagrody pieniężne

Certyfikat i znak „Ludowy Mistrz Regionu Biełgorod” otrzymało 13 mistrzów sztuki i rzemiosła, którzy otrzymali tytuł honorowy po raz pierwszy, oraz 19, którzy potwierdzili ten tytuł w 2012 roku. 13 marca w Państwowym Centrum Sztuki Ludowej w Biełgorodzie było tłoczno. W sali wystawowej, w której wyeksponowano najlepsze dzieła rzemieślników ludowych, goście uważnie przyglądali się utalentowanym dziełom rzemieślników ludowych – patchworkowe panele, wyroby drewniane, tace malowane metalem, koraliki, gliniane i tekstylne zabawki, prastare ręczniki haftowane krzyżem itp. A rzemieślnicy ludowi, jak gdyby przed wręczeniem międzynarodowej nagrody, z niecierpliwością czekali na jej wręczenie i udzielali wywiadów lokalnej prasie. Kilka minut później na scenie, gdzie bufony i łyżki zespołu instrumentalnego Vezelinka stworzyły na widowni rosyjski ludowy nastrój, ludowi rzemieślnicy zostali nagrodzeni przez Zastępcę Naczelnika Wydziału Polityki Wewnętrznej i Kadrowej Regionu – Naczelnika Wydziału ds. Wydziału Kultury Obwodu Siergieja Iwanowicza Kurgańskiego wręczył im certyfikaty, odznaki i nagrody pieniężne.

Lydia Darenskaya, mistrzyni rzemiosła hafciarskiego z miasta Shebekino, od 17 lat ubiega się o tytuł „Mistrza ludowego obwodu biełgorodzkiego”. „Z wykształcenia jestem muzykiem, a robótki ręczne to moje hobby” – mówi rzemieślniczka. Lidia Wasiliewna haftuje ściegiem krzyżykowym i satynowym, robi pluszaka, aplikację z tkaniny. Rzemieślniczka przywiozła na wystawę dziewięć haftowanych ręczników - prawie wszystkie płótna, na których pracowała przez kilka lat: rosyjskie, ukraińskie ręczniki, dzieżniki. „Wyhaftowanie ręcznika jest bardzo trudne”, mówi szwaczka. - To rzemiosło jest bardzo rzadkie i prawie zapomniane w naszych czasach. Kilka lat temu w mojej okolicy spotkałam kolekcjonerkę folkloru Galinę Greznevą i znalazłam w niej mojego mentora w dziedzinie kreatywności. Nauczyła mnie ludowej sztuki haftowania ręczników”. Wybór ozdoby na produkty podsunęła jej mądra wieśniaczka. „Wybierając ozdoby, wzory, rysunki na ręcznik, mistrz zawsze chce coś przekazać, życzyć ludziom. Haftowane kwiaty symbolizują szczęście, korona - słońce, liście dębu - życie, wielkość ”Lydia Vasilievna pokazuje nam ślubny ręcznik.

Tatyana Fesina z miasta Grayvorona, była operatorka żurawia wieżowego, posiada obecnie bardzo rzadkie rzemiosło. Tatiana Nikołajewna tka pasy na trzcinie, na haczykach lub deskach, tkane na palcach i igle, „w butelce”, w sposób obelżywy lub na bękarcie. Rzemieślniczka osiąga ogromną różnorodność w zdobieniu pasów, z powodzeniem dobiera kolory nici i wzorów pasów oraz tka je dla grup ludowych z regionu Grayvoron.

Tkanie wykroju na krośnie to bardzo trudne zadanie, wymagające przede wszystkim obecności narzędzia i miejsca do jego umieszczenia. „Aby odciągnąć nici, używam specjalnych desek - kilofów. Dlatego to tkactwo nazywa się tak - „branoe”, - Tatiana Nikołajewna opowiada nam o cechach starego rzemiosła. - Pasy były kiedyś tkane jako posag dla panny młodej. A od czasów starożytnych paski były nieodzownym elementem strojów męskich i damskich. Bez pasa, podobnie jak bez krzyża, nie można było chodzić po wsi.

… Dziś w regionie tytuł honorowy ma już 75 mistrzów. Rzemieślnicy ludowi na zawsze wpisali się w historię regionu Biełgorod, robią dobry uczynek - ożywiają i pielęgnują tradycyjną kulturę ludową regionu.

Przypomnijmy, że tytuł „Ludowego Mistrza Obwodu Biełgorodzkiego” został ustanowiony w 2008 roku przez Rząd Obwodu Biełgorodzkiego. Dziś w regionie pracuje ponad 2000 rzemieślników, z których większość to amatorzy.

Wystawa „Ludowy mistrz regionu biełgorodzkiego” zostanie wystawiona w sali wystawowej Państwowego Centrum Sztuki Ludowej w Biełgorodzie” (ul. Shirokaya, 1).

Anna Vorobieva, redaktorka BGTsNT.

marzec 2013 r

Mistrz ludowy regionu Biełgorod

13 marca w Państwowym Centrum Sztuki Ludowej w Biełgorodzie odbyła się uroczysta ceremonia wręczenia certyfikatów tytułu „Ludowego Mistrza Regionu Biełgorodzkiego”. W tym roku ten honorowy tytuł otrzymało 13 mistrzów z regionu Biełgorod. Wśród nagrodzonych - mistrz Novooskolsky House of Crafts Rybakova Yana Vladimirovna.

Certyfikaty, odznaki i nagrody pieniężne wręczył mistrzom sztuki i rzemiosła Siergiej Iwanowicz Kurganski, Zastępca Kierownika Wydziału Polityki Wewnętrznej i Personalnej - Kierownik Wydziału Kultury Obwodu Biełgorodzkiego.

Ceremonię wręczenia nagród poprzedziła wystawa prac nominowanych mistrzów, rozmieszczona w sali wystawowej BSCNT. Piękne prace wykonane w różnych technikach wzbudziły szczery podziw zwiedzających. Malarstwo i snycerstwo, różne hafty, wyplatanie koszy, beading, wyplatanie klockami, wyroby ze słomy, kory brzozowej, szmaciane lalki, technika patchworku – każdy wyrób to prawdziwe dzieło sztuki i rzeczywiście dzieło prawdziwych Mistrzów.

Yana Vladimirovna otrzymała wspaniały kreatywny prezent. Uwielbiała rysować od dzieciństwa. I stale się uczyła, podnosząc swój poziom zawodowy. Z powodzeniem ukończyła Wydział Sztuk Pięknych Nowooskolskiej Dziecięcej Szkoły Artystycznej (klasa nauczyciela Kozmenko L.G.), a następnie Alekseevsky Pedagogical College z dyplomem Sztuk Pięknych i Rysunku. W 2007 roku, pracując już w Domu Rzemiosła, wstąpiła na wydział korespondencji Biełgorodzkiego Uniwersytetu Państwowego.

Yana po mistrzowsku posiada wiele gatunków sztuki i rzemiosła (papier plastikowy, malowanie na jedwabiu, koraliki), ale jej ulubioną rzeczą jest malowanie na drewnie.

Rzemieślniczka dużo zajmuje się tradycyjnym malarstwem rosyjskim, m.in. Khokhloma, Mezen, Severodvinsk, ale także aktywnie rozwija własne malarstwo dekoracyjne. A te prace są tak zachwycające, wykonane z takim artystycznym smakiem, gracją i kunsztem, że po prostu urzekły profesjonalne jury. Jako mistrz malarstwa na drewnie Yana Rybakova otrzymała tytuł „Mistrza ludu regionu biełgorodzkiego”.

Serdecznie gratulujemy Yanie Vladimirovnej tego honorowego tytułu i życzymy jej nowych sukcesów twórczych, utalentowanych studentów i inspiracji.

Swietłana Nikulina, rejon Nowooskolski.

marzec 2013 r

Mistrzowie Domu Rzemiosła Starego Oskola pokazali akrobacje lotnicze na ziemi lipieckiej

W dniach 13-14 marca mistrz Domu Rzemiosła Starego Oskola Jekaterina Krawczenko i uczennica pracowni dziecięcej „Żywa glina” Karina Nikiszyna wzięły udział w Międzyregionalnej Wystawie Tradycyjnych Zabawek Z Gliny „Starożytne wizerunki glinianych zabawek w pracach Współcześni rzemieślnicy ludowi”. Wystawa ta odbyła się w ramach federalnego programu celowego „Kultura Rosji” na ziemi lipieckiej w regionalnym centrum zabawek Romanowów.

Działa Krawczenko E.K. i Nikishina N.N. żywo reprezentował zadeklarowany temat: „Kobieta, ptaki, konie”, gdyż tradycyjna gliniana zabawka Starego Oskola łączy w sobie wizerunki kobiet, wizerunki ptaków i zwierząt. Selekcji prezentowanych zabawek dokonała komisja wystawowa złożona ze znawców sztuki i rzemiosła miasta Lipieck.

Otwarcie wystawy odbyło się w sali wystawowej Regionalnego Centrum Zabawek Romanowów. Serdecznie przywitani przez gospodarzy OCRI, lokalni rzemieślnicy chętnie podzielili się cennymi i ciekawymi informacjami na temat technik lepienia zabawek z gliny i ceramiki.

Szczególnym zainteresowaniem gości wystawy cieszyła się konferencja naukowo-praktyczna „Problemy współczesnych tradycyjnych zabawek glinianych”, gdzie każdy z prelegentów mówił o głównych palących problemach swojego rzemiosła. Uczestnicy z Lipiecka, Penzy, Kaługi, Tambowa, Woroneża, Starego Oskola, Biełgorodu, Kurska i Orła zgłosili najciekawsze artykuły, w których zidentyfikowali główne problemy odrodzenia, zachowania i rozwoju tradycyjnych glinianych zabawek.

Nasze rzemieślniczki zwiedziły miasto Lipieck, a także uczestniczyły w kursach mistrzowskich z ceramiki (S.V. Ilyina), lalki tekstylnej (S.A. Grishina) i modelowania zabawki Romanowa (V.V. Markin).

Na zakończenie głównych wydarzeń wszyscy mistrzowie biorący udział w wystawie otworzyli kiermasz glinianych zabawek. Grupa turystyczna mogła kupić Filimonovskaya, Sudzhanskaya, Abashevskaya, Starooskolskaya, Romanovskaya i inne gliniane zabawki. Tutaj zabrzmiał słowiczy tryl gwizdka i dudnienie wielkich okaryn.

Dom Rzemiosła Stary Oskol dziękuje pomysłodawcom i organizatorom wystawy i chętnie weźmie udział w kolejnych międzyregionalnych wydarzeniach poświęconych tradycyjnej zabawce z gliny.

Rejon Starooskolski.

marzec 2013 r

Mozaika tekstylna Ludmiły Podgornej jest zawsze funkcjonalna

W rejonie Rakitjanskim od dawna pracuje patchworkowa rzemieślniczka Ludmiła Nikołajewna Podgornaja. Od dzieciństwa miała styczność z przedmiotami wykonanymi zręcznymi rękami ludowych rzemieślniczek. Rodzina Podgórnych przez wiele lat starannie przechowywała patchworkową kołdrę uszytą przez prababkę. Wszystko to stopniowo ukształtowało u mistrza wrażliwy, pełen szacunku stosunek do sztuki ludowej, zrozumienie jej kanonów estetycznych. Po szkoleniu jako krawcowa zdobyła umiejętności niezbędne do tłumaczenia jej kreatywnych pomysłów. Praca w Domu Rzemiosła dała jej możliwość zarówno tworzenia autorskich prac, jak i przekazywania swojej wiedzy studentom.

Od 2000 roku Ludmiła Nikołajewna aktywnie uczestniczy w regionalnych i regionalnych wystawach i festiwalach z pracami, które zawsze wykazywały jej umiejętność tworzenia kompozycji, w harmonijnej kolorystyce, uważne podejście do tradycji ludowych. W swojej pracy mistrz wykorzystuje nie tylko tradycyjną dla Rosji technikę patchworku, ale także pracuje w nowoczesnym „pikowaniu”, które łączy w sobie wiele wizualnych technik pracy z tekstyliami. Ciekawe efekty mistrz tworzy przy użyciu tkanin o różnych fakturach, takich jak satyna i perkal.

Mozaika tekstylna Ludmiły Podgornej jest zawsze funkcjonalna, jej prace mają zastosowanie w życiu codziennym. Są to koce, narzuty, zasłony, obrusy, serwetki, które swoją wielobarwnością ozdobią każde wnętrze.

W 2012 roku Podgornaja Ludmiła Nikołajewna otrzymała tytuł „Mistrza Ludu Regionu Biełgorod” za talent, umiejętności i pracę pedagogiczną. Tajniki sztuki techniki patchworku przejmują od mistrzyni jej młodzi podopieczni w kołach „Cudowne Chwile” i „Szwaczka”. Według indywidualnego programu Ludmiła Podgornaja uczy dzieci z internatu poprawczego, a także prowadzi kursy mistrzowskie dla szerokiego grona osób zainteresowanych rzemiosłem ludowym.

Lekcje mistrza uczą dostrzegać i tworzyć splendor obiektywnego świata, rozumieć związek między pięknem a użytecznością. To także lekcje kultury ludowej, stopniowo wychowujące patriotyzm. To jest duchowość, która rodzi sztukę i rzemiosło.

Zotova IP, starszy pracownik naukowy, Biełgorodskie Państwowe Centrum Sztuki Ludowej.

kwiecień 2013

Mistrzowie Domu Rzemieślniczego Stary Oskol - in

XIII międzyregionalna powszechna sprzedaż hurtowa i detaliczna

Targi Kurskie Koreńskie

Od 5 do 7 lipca w Kursku odbyły się XIII Międzyregionalne Powszechne Targi Hurtowe i Detaliczne Korenskaya. Znajduje się w pobliżu Świętej Bramy klasztoru w miejscowości Swoboda. Przed rozpoczęciem oficjalnego otwarcia jarmarku na placu przed klasztorem Narodzenia Najświętszej Maryi Panny odbyło się nabożeństwo przed Ikoną Matki Bożej „Znak”.

Obecnie Jarmark Koreński jest główną wystawą i imprezą targową regionu kurskiego i stał się szeroko znany daleko poza jego granicami. Szeroka geografia uczestników Kursk Korenskaya Fair i federalny status imprezy podkreślają jej wyjątkowość. Od 13 lat Jarmark Kurski Koreński ma charakter międzynarodowy: w Swobodzie gromadzą się uczestnicy z Ukrainy, Białorusi, Serbii, Polski, Bułgarii, Czech, Wietnamu, Kazachstanu, Izraela, Mołdawii, Iraku, Estonii, Węgier, Słowacji, Włoch, Angoli stacja metra.

Stale zwiększa się również liczba uczestników targów, w tym roku w rejonie kurskim zgromadziło się ponad sześć tysięcy gości i uczestników. Ponad 1500 przedsiębiorstw i organizacji przemysłu, kompleksu rolno-przemysłowego, budownictwa, przemysłu maszynowego i motoryzacyjnego, energetycznego, spożywczego i przetwórczego, chemicznego i lekkiego, małych i średnich przedsiębiorstw, nauki, kultury.

Na jarmarku odbyły się tradycyjne wystawy gospodarstw rolnych regionu. Miasto Stary Oskol reprezentowały MBUK „Starooskolski Dom Rzemiosła” oraz MBUK „Centrum Sztuki i Rzemiosła”.

Dom rzemieślniczy reprezentowały rzemieślniczki DPT - rzemieślnik ludowy regionu Biełgorod Shatalova L.Yu. i mistrz DPT Kravchenko E.K. Jasne, kolorowe prace rzemieślniczek harmonijnie wpasowują się w długie rzędy jarmarku sztuki ludowej. Rzemieślniczki zaprezentowały prace wykonane w technikach tradycyjnych w ośmiu obszarach: tradycyjne szmaciane i designerskie lalki, filcowe ozdoby i „wesołe” pamiątki, wyroby patchworkowe – hammany, torby i panele ozdobne, tradycyjne gliniane zabawki Staroskolskie.

Shatalova E.Yu., metodolog MBUK „Starooskol House of Crafts”.

Lipiec 2013

Lalki od Mayi Sysoeva

18 i 19 października na bazie Domu Rzemiosła Starego Oskola odbyły się kursy mistrzowskie Ludowego Rzemieślnika Rosji Mai Sysojewej „Wyprawa lalek regionu Wołogdy”.

Maya Sysoeva jest jedną z czołowych lalkarek tradycyjnych. Prowadzi naukowe wyprawy etnograficzne do wsi Wołogdy, opracowuje oryginalne lalki oparte na tradycyjnych obrazach. Jej lalki znajdują się w zbiorach muzeów etnograficznych i prawosławnych klasztorów.

Kursy mistrzowskie zgromadziły czcigodne i początkujące rzemieślniczki ze Starego Oskola, Gubkina, Biełgorodu. Tematem pracy były tradycyjne lalki z północy Rosji.

Sysoeva zapoznał publiczność z metodami wykonywania lalki jesionowej, lalki z pogranicza Kostromy i Wołogdy, lalek kręconych, lalek „ojciec-matka”, „rodzina”, pary Czerepowiec, lalek kręconych z fleksją.

Maya Anatolyevna podbiła wszystkich swoimi niezrównanymi umiejętnościami, urokiem i licznymi opowieściami o wyprawach do wiosek Wołogdy.

Twórcze spotkanie zakończyło się sukcesem, rzemieślniczki mogły nauczyć się wielu nowych sztuczek i intryg, a także zanurzyć się w niekończący się świat lalek.

Starooskolski Dom Rzemiosła.

Październik 2013

Rzemieślniczka-czarodziejka

„Najwyższy rodzaj sztuki,

najbardziej utalentowani, najbardziej błyskotliwi

to sztuka ludowa,

to znaczy, co jest zapieczętowane przez ludzi,

zachowane, które ludzie nosili przez wieki.

MI. Kalinin

Ludowa sztuka masowa pozostaje bardzo ważnym wypełniaczem czasu wolnego współczesnego nastolatka, dziecka i środkiem realizacji jego ambicji twórczych. A sztuczna natura i pozytywna energia, życzliwe spojrzenie i talent mistrza to niewątpliwie główna wartość dzieł sztuki ludowej. Do tych mistrzów należy mistrz sztuki i rzemiosła Domu Rzemiosła MBUK „Volokonovsky RDK” Lotokhova Elena Ivanovna.

Elena Ivanovna jest mistrzynią pracującą w kilku gatunkach sztuki i rzemiosła: nitkowanie, robienie na drutach i szydełkowanie, haftowanie satynowymi wstążkami, technika patchworku, miękka zabawka, ręcznie zwijana lalka, aplikacja z tkaniny. Jeden z ważnych kierunków w pracy z dziećmi Elena Iwanowna stawia rozwój ich sfery poznawczej, co otwiera dziecku ogromne okno na świat wiedzy, świat niesamowitych odkryć, zaszczepia miłość do twórczości artystycznej, sprzyja poczuciu uroda, rozwija zdolności twórcze, wyobraźnię, zdolności motoryczne rąk. W klasie członkowie koła wykonują rękodzieło i przekazują swoim rodzicom własnoręcznie wykonane przedmioty. Organizują wystawy prac dzieci, kursy mistrzowskie dla uczniów wsi. Wiele dzieł różnego rodzaju zdobi salę Domu Rzemiosła: są to pamiątki, amulety, obrazy. Różnorodne amulety: dla bogactwa, szczęścia, pomyślności, narodzin dzieci, zdrowia.

Elena Ivanovna - uczestniczka wystaw regionalnych, międzyrejonowych i regionalnych (I międzyokręgowy festiwal-konkurs „Jestem rosyjskim chłopem!”, II międzyregionalny festiwal kultury kozackiej „Kozacki krąg”, festiwal-jarmark „Belgorodskaya Sloboda” , festiwal „Złota Podkowa” - prezentacja tańca turystyczno-rekreacyjnego z elementami turystyki imprezowej w obwodzie wołokonowskim, IX Międzynarodowy Festiwal Kultury Słowiańskiej „Jesień Chotmyżska”).

Rejon Wołokonowski.