Materiały edukacyjne i metodyczne na temat muzyki na temat: Kurs mistrzowski „Metody i techniki nauki gry na gitarze klasycznej. Podręcznik metodyczny „Pierwsze kroki na gitarze sześciostrunowej

Nie jest tajemnicą, że rekrutacja do szkół muzycznych stała się znacznie młodsza. Coraz częściej rodzice myślą o wczesnym rozwoju dziecka. W tej sytuacji szkoły muzyczne, zgodnie z duchem czasu, zmuszone są rozszerzać zakres swoich usług edukacyjnych.

I jeśli wcześniej do szkoły chodziły tylko dzieci uzdolnione muzycznie lub dzieci zorientowane zawodowo, czy jak wierzono, to dziś szkoła muzyczna oferuje całe spektrum rozwoju estetycznego. Coraz częściej na lekcje gry na gitarze przychodzą dzieci w wieku 7-8 lat, a czasem nawet w wieku przedszkolnym. Ale jeszcze 10-15 lat temu normy edukacyjne zalecały zabieranie dzieci w wieku 10-12 lat do gry na gitarze, uzasadniając, że ze względu na specyfikę sadzenia i inscenizacji nie wszyscy uczniowie w młodym wieku mogą sobie z tym zadaniem poradzić, instrumenty dla wzrostu - 2/4 lub 3/4 po prostu nie były dostępne. Dziś zmieniają się metody nauczania, programy szkoleniowe i wymagania konkursowe, co jest szczególnie widoczne w wynikach najnowszych ogólnorosyjskich i międzynarodowych zawodów.I oczywiście w tym przypadku z reguły standardowe schematy szkoleniowe nie działają.

Oczywiście każdy nauczyciel sam decyduje „czego” i „jak” uczyć swoich uczniów.Lekcja to twórczość dwóch osób, nauczyciela i ucznia, inaczej można to nazwać współtworzeniem. I to nauczyciel, stworzywszy własny, autorski system kształcenia i wychowania, będzie mógł uwzględniać i rozwijać indywidualne zdolności ucznia, dać dziecku możliwość jak najszerszej realizacji jego zdolności twórczych oraz uczyć go myśleć nieszablonowo w przyszłości.

Ściągnij:

Zapowiedź:

MIEJSKA INSTYTUCJA EDUKACYJNA

KSZTAŁCENIE DODATKOWE DLA DZIECI

„STRAŻ SZKOŁY MUZYCZNEJ DLA DZIECI”

Raport

Początek nauki gry na gitarze

Dzieci w młodym wieku.

Przygotowany

Nauczyciel szkoły muzycznej

Gwardiejska

Kozickaja E.M.

Gwardiejsk

2011

1 .Wprowadzenie………………………………………………………………1

2.1 Koordynacja ruchów, lądowania i ustawiania ………………………….3

2.2 Notacja muzyczna lub rysuję nuty………………………………………..6

2.2.Metro - pulsacja rytmiczna………………………………………..7

2.4 Różne drobiazgi lub „wiatr grający w struny”……………………………8

3. Zakończenie……………………………………………………………….8

4 Literatura …………………………………10

Nie jest tajemnicą, że rekrutacja do szkół muzycznych stała się znacznie młodsza. Coraz częściej rodzice myślą o wczesnym rozwoju dziecka. W tej sytuacji szkoły muzyczne, zgodnie z duchem czasu, zmuszone są rozszerzać zakres swoich usług edukacyjnych. I jeśli wcześniej do szkoły chodziły tylko dzieci uzdolnione muzycznie lub dzieci zorientowane zawodowo, czy jak wierzono, to dziś szkoła muzyczna oferuje całe spektrum rozwoju estetycznego. Coraz częściej na lekcje gry na gitarze przychodzą dzieci w wieku 7-8 lat, a czasem nawet w wieku przedszkolnym. Ale jeszcze 10-15 lat temu normy edukacyjne zalecały zabieranie dzieci w wieku 10-12 lat do gry na gitarze, uzasadniając, że ze względu na specyfikę sadzenia i inscenizacji nie wszyscy uczniowie w młodym wieku mogą sobie z tym zadaniem poradzić, instrumenty dla wzrostu - 2/4 lub 3/4 po prostu nie były dostępne. Dziś zmieniają się metody nauczania, programy szkoleniowe i wymagania konkursowe, co jest szczególnie widoczne w wynikach ostatnich ogólnorosyjskich i międzynarodowych zawodów.

I oczywiście w tym przypadku standardowe schematy szkolenia z reguły nie działają. Ale jak określić stopień zdolności uczenia się dziecka i czy każdy powinien być przyjęty do szkoły muzycznej? Na egzaminach wstępnych, które same w sobie są stresujące, dziecko może po prostu się wycofać. A dla kogoś - umiejętność nie pojawia się z powodu braku rozwoju. W ciągu kilku minut nie da się określić prawdziwej głębi możliwości danego dziecka.

Praca z dziećmi od najmłodszych lat jest bardzo ciekawa i nie sposób jej odmówić. Skrzypkowie, a zwłaszcza pianiści, których szkoły przeszły mniej cierniową drogę rozwoju niż szkoła gitarowa w Rosji, mają w tym zakresie bogate doświadczenie i mogą pochwalić się wypracowanymi i przetestowanymi metodami nauczania gry na instrumencie, ich doskonalenia nawet trzyletnich dzieci, nie mówiąc już o wieku przedszkolnym czy szkolnym.

Jest to wiek, w którym dziecko jest nie tylko spontanicznie i swobodnie aktywne, ale także ważny okres, w którym dzieci nabywają umiejętności, które pozwalają im dalej opanowywać świat dorosłych. W wieku 7-9 lat następuje aktywny rozwój mózgu. Muzyka z kolei sprzyja integracji półkul mózgowych i poprawia ich aktywność – np. tych związanych z językoznawstwem, matematyką, kreatywnym myśleniem, gdyż ruch ręki przyspiesza dojrzewanie nie tylko stref czuciowo-ruchowych mózgu, ale także centrum mowy. W tym okresie dziecko aktywnie rozumie swoje działania poprzez uczucia. Nauczyciel musi myśleć nieszablonowo, bo tylko w stanie wzmożonego zainteresowania, przypływu emocjonalnego dziecko jest w stanie skupić swoją uwagę na konkretnym zadaniu, utworze muzycznym, przedmiocie, zapamiętać zdarzenie ze wszystkimi szczegółami i niuansami. Chęć ponownego przeżycia przyjemnego dla niego stanu (kontakt z instrumentem, komunikacja z nauczycielem) może być najsilniejszym motywem jego działania, bodźcem do studiów muzycznych.
Kolejnym warunkiem przemawiającym „za” nauką gry na gitarze we wcześniejszym wieku niż 10-12 lat jest wskaźnik, że więzadła i mięśnie dziecka są najdelikatniejsze i najbardziej giętkie, mimo że do 5-6 roku życia układ mięśniowo-szkieletowy jest już w pełni ukształtowany, proces ten jest całkowicie zakończony w wieku 11-12 lat i zmniejsza się ruchliwość mięśni.
Jeszcze raz powtórzę – gitara to specyficzny instrument i mimo pozornej łatwości w opanowaniu gry na instrumencie, od razu pojawia się szereg problemów, szczególnie u małych dzieci. To niemożność zakrycia podstrunnicy, ból przy naciskaniu strun, a co za tym idzie niezbyt wysokiej jakości dźwięk. Oczywiście to wszystko może powodować nerwowość u dziecka i tutaj głównym zadaniem nauczyciela jest pomoc uczniowi w pokonywaniu trudności, aby pierwsze doznania nie stały się ostatnim pragnieniem dziecka. Wiele zależy od osobistych cech dziecka, od poziomu jego percepcji muzycznej, rozwoju intelektualnego i danych fizycznych, ale rozsądne ostrożne podejście do dziecka, niewymuszony proces uczenia się, kreatywne podejście pomogą nauczycielowi w pełni ujawnić zdolności ucznia potencjał osobisty i jego indywidualność twórcza.
Dziś nie mówię o pewnym wieku, moje osiągnięcia można zastosować w młodym wieku, aw szkole podstawowej, w zależności od danych ucznia, jego wieku, techniki będą się zmieniać z uwzględnieniem psychologii wieku. Możesz zgadzać się lub nie zgadzać z psychologami, ale zauważono, że w ciągu swojego życia osoba pokonuje kilka etapów rozwoju, a każdy nowy etap musi zaczynać się od kryzysu. „Okresy krytyczne” charakteryzują się wysokim stopniem podatności i plastyczności mózgu. Jeśli spotkanie z muzyką przypada na taki okres, to jako jasny błysk wydarzenie jest „odciskane” lub „pod wrażeniem”, jak nazwał to rosyjski genetyk V.P. Efroimson. Jest to najbardziej aktywny wpływ środowiska na najbardziej wrażliwy okres rozwojowy, a czasem determinujący całe późniejsze życie człowieka. Takie okresy występują w 1 roku, potem bardzo silnie w wieku 3-4 lat iw wieku 7 lat, jeśli chodzi o wczesne dzieciństwo. Jeśli wpadniesz w ten okres, twoje szczęście, jeśli nie, po prostu trzeba pracować kompetentnie pomimo imponującego. Ale to moja osobista opinia.

Kiedy po raz pierwszy zabrałam dziecko do swojej klasy w wieku 6,5 lat, napotkałam pierwsze trudności. Dziecko umiało czytać, ale zwykła terminologia muzyczna po prostu nie działała w tym przypadku. Tu do szkoły weszło jeszcze dwóch 7-latków. I zacząłem szukać nowych, jak mi się wtedy wydawało, rozwiązań. Ale jak podpowiada życie: „Wszystko jest nowe, to dobrze zapomniane stare!”. Zwróciłem się do literatury na temat rytmu, znalazłem wiele interesujących rozwiązań od pianistów, pożyczyłem coś z podręczników do solfeżu Kalinina i oczywiście szukałem materiału od innych gitarzystów. Pozostało najważniejsze - dostosować cały materiał w stosunku do gitary. I tu chcę przytoczyć słowa genialnego pianisty I. Hoffmanna: „Żadna zasada ani rada dana jednej osobie nie może odpowiadać komuś innemu, jeśli te zasady i rady nie przejdą przez sito jego własnego umysłu i nie zostaną poddane takim zmiany, które sprawią, że będą odpowiednie na tę okazję”.

Więc oto kilka moich prac. Od razu chcę zastrzec, że proces twórczy, poszukiwanie ciekawych form prezentacji materiału jeszcze się nie zakończył.

i myślę, że ciągle coś nowego będzie się pojawiać, odkąd każde dzieckoniesie ze sobą własne pytania, problemy i zainteresowania.

Najważniejsze, że byłbyś tym zainteresowany. Nie musisz oczekiwać szybkich rezultatów, ale będzie dużo przyjemności z komunikowania się z dziećmi, pozytywnych z ich niestandardowego myślenia, ze wspólnych zwycięstw i znalezisk.

Małe sekrety gitary Senorita

Edukacja małych dzieci ma swoje własne cechy, z których główną jest powszechne stosowanie form gier. Ze względu na swoje cechy psychiczne dziecko nie może pracować na przyszłość, na długoterminowy wynik. Ucieleśnia wrażenie rzeczywistości w grze, jako najbardziej zrozumiałą dla niego czynność. Gra sprawia, że ​​proces uczenia się jest bardziej ekscytujący, zrozumiały, pomaga pełniej odkrywać możliwości dzieci i identyfikować problemy.

Koordynacja ruchów, lądowanie, inscenizacja.

Jeśli porównamy obciążenie dzieci w wieku szkolnym i przedszkolnym w chwili obecnej i co najmniej w minionej dekadzie, a najlepiej dwie dekady temu, to porównanie nie będzie na korzyść dnia dzisiejszego. Chęć rodziców do rozwoju swoich dzieci ma czasem charakter „tragiczny”, ponieważ dziecko uczęszcza do kilku kółek, sekcji na raz, a jednocześnie chodzi do przedszkola. Oczywiście nie ma w tym nic złego, ale nie należy przeciążać organizmu dziecka ponad miarę. W wyniku długich zajęć i braku niezbędnej dla organizmu dziecka mobilności wiele dzieci już do 7 roku życia ma problemy z narządem ruchu, hipo lub odwrotnie hiper napięciem mięśniowym. I nawet w wieku dorosłym nasze życie, przeciążone stresem psychicznym i fizycznym, prowadzi zazwyczaj do zniewolenia w obrębie karku i barków oraz problemów z kręgosłupem.

Gitara jest jednym z najbardziej „niewygodnych” instrumentów muzycznych pod względem siedzenia. W przeciwieństwie do harfy, fortepianu, trąbki, skrzypiec i wielu innych instrumentów, gdzie wykonawca siedzi wyprostowany, a jego plecy są w symetrycznej pozycji, gitara skazuje gitarzystę na lądowanie, które wygina górną część ciała. Inną przyczyną napięć jest pozycja statyczna. W kontakcie z naszym ciałem gitara nas krępuje, gitarzysta niejako „opływa” gitarę swoim ciałem, ciało jest pochylone do przodu, co prowadzi do zwiększenia obciążenia kręgosłupa. Stałe pochylenie górnej części ciała do przodu, przygarbione, przygarbione ramiona są przejawem złej postawy, podczas gdy klatka piersiowa jest ściśnięta, punkt podparcia ciała jest przesunięty. W rezultacie plecy są w ciągłym napięciu. Dzieci zwykle od razu siadają nieprawidłowo, a nawet jeśli ciągle komentujesz ucznia, zareaguje on na krótki czas i zmieni lądowanie na zwykłe, dziecko nie może początkowo samodzielnie kontrolować procesu lądowania, ponieważ ma nie rozwinął jeszcze prawidłowych odczuć. Dlatego nauczyciel musi wypracować odpowiednie dopasowanie, które jest niezbędne i wygodne dla ucznia.

Utalentowany nauczyciel, skrzypek V. Mazel, przywiązywał dużą wagę do tych kwestii w swoich pracach, na przykład w pracy „Muzyk i jego ręce”, w której można dowiedzieć się wielu przydatnych rzeczy.

Aby pomóc dziecku w łatwiejszym opanowaniu gry na instrumencie, wyczuciu jego ciała, zacząłem również wykonywać z dziećmi ćwiczenia, które rozwijają swobodę rąk, elastyczność stawów, wzmacniają mięśnie palców, a także rozładowuje napięcie mięśni pleców, które często pojawia się podczas lekcji. Te ćwiczenia można nazwać czymkolwiek, najważniejsze jest to, że zachowana jest podstawowa forma gry i sam możesz wymyślić obraz.

Zwykle każdy proces motoryczny składa się z trzech faz: 1. przygotowanie do działania (koncentracja uwagi na określonych grupach mięśni); 2.konkretne działanie (sama praca mięśni); 3.relaks po akcji. Uważa się, że ostatnia faza jest najtrudniejsza do uregulowania. Wszystkie ćwiczenia przeprowadzane z dziećmi mają na celu umożliwienie dziecku odczuwania napięcia i odprężenia, tj. rozwijać „intuicję ruchową”, jak to nazywa V. Mazel.

Dzisiaj podam małą ilość przykładów ćwiczeń, które wykonuję na zajęciach. W rzeczywistości asortyment jest znacznie bardziej zróżnicowany. W tej chwili literatury jest bardzo dużo i nietrudno uzupełnić swój zasób o nowe ćwiczenia.

„Nowa i zepsuta lalka» 1. Usiądź jak lalka w witrynie sklepowej (od 2-20 sekund) jak w witrynie sklepowej z wyprostowanymi plecami, a następnie zrelaksuj się na 5-10 sekund. Uruchom kilka razy.

2. „Lalka” kołysze się w przód iw tył z prostym napiętym grzbietem, następnie uzwojenie kończy się na zatrzymaniu lalki - plecy się rozluźniają.

„Robot” lub „Żywe drzewo”- ciało jest rozluźnione i zgięte w pół - drzewo śpi, ale poruszają się małe liście (pracują tylko palce), potem kołyszą się większe gałęzie (pracują ręce), później łączy łokieć, przedramię i całkowicie ramiona. Unosimy tułów do góry - drzewo się obudziło i podnosząc ręce do góry wykonujemy pełne ruchy okrężne, oddychając prawidłowo. W górę - wdech, w dół - wydech. Kiedy „drzewo” zasypia, robimy wszystko w odwrotnej kolejności, „Robot” jest podobny do „drzewa” pod względem nastroju. Chłopcy bardziej lubią robić ćwiczenie o robocie, a dziewczynka o magicznym drzewie. Dziecko postrzega całą swoją rękę od dłoni do ramienia, to ćwiczenie daje mu możliwość zrozumienia i wyczucia wszystkich części dłoni osobno. Na początku jest to trudne, ale umiejętności przychodzą stopniowo.

„Boks” - pełną ręką od barku uderzamy w powietrzu.

„Ptaki”- pełna ręka przedstawia rozpiętość skrzydeł.

Teraz ćwiczenia dla rozwoju zdolności motorycznych palców. Ręka muzyka jest twórcą, instrumentem wyrażania twórczej myśli. Ale ręka, obszar palców dłoni, jest najbardziej niechroniony w systemie rąk i jest najbardziej podatny na przeciążenia. Nauczyciel pracujący z małymi dziećmi powinien zwrócić szczególną uwagę na organizację czynności ręki i palców, ponieważ to właśnie ta część dłoni wykonuje najbardziej subtelne i precyzyjne ruchy, wykonując ogromną pracę w celu wydobycia dźwięku.

„Szczeniak” („Kotek”)- miękkimi ruchami okrągłym pędzlem przedstawiamy, jak szczeniak zakopuje kość. Bardzo często podczas zabawy dziecko nie panuje nad ustawieniem rączki, a raczej rączki, najczęściej mięśnie są zaciśnięte. Od razu przypominam, jaką miękką łapkę ma kociak, reakcja jest natychmiastowa - pozycja dłoni jest korygowana, ponieważ podłoże emocjonalne jest bliskie dziecku.

„Lornetki” lub „Okulary”- każdy palec po kolei stąpa z podkładką na kciuku. Można powiedzieć, że ta lornetka usuwa obraz w zależności od stopnia przejścia palców od palca wskazującego do małego i przybliża go w przejściu od małego do palca wskazującego.

"rura" - jak "Punkty" tylko grające jednocześnie obiema rękami, jak na fajce. Oba ćwiczenia ponownie pomagają w ustawieniu prawej ręki.

"Ośmiornica" - najpierw uczy się chodzić każdą nogą (palcem po kolei), maszerują, potem parami. Opcje mogą się różnić, od prostych do złożonych: 1-2, 2-3, 3-4. 4-5; 1-4, 2-3; 1-3, 2-4 Ćwiczenie jest bardzo trudne, nie działa od razu i nie trzeba wymagać jego dokładnego wykonania, z czasem będzie coraz lepiej.

"Wieszak" - dziecko kładzie palce na stole, ale z takim uczuciem, że zawiesiło na nich ręce. Teraz możesz swobodnie potrząsać łokciami. Porównaj: wieszak to ręka, palce to hak.

W okresie bez treningu muzycznego nadal ćwiczę następujące ćwiczenia:

Grając na otwartych strunach podczas palcowania p-i-m-a, wymawiając słowa wykonywanej piosenki, łączymy naprzemiennie palce prawej i lewej ręki, tak jakby były na powitanie.

To samo można zrobić, grając na otwartych strunach podczas palcowania

p-ja-m-a-m-ja. W ten sposób koncentrujemy uwagę dziecka na kolejności gry palcem. Najważniejsze, aby wersety nie były skomplikowane, dobrze zapamiętane, interesujące dla dziecka i odpowiednie do wielkości sztuki, czyli dwóch lub trzech ćwiartek.

Na szczęście jest teraz całkiem sporo zbiorów do zajęć na ten temat. Po wypróbowaniu wielu ćwiczeń na treningu wybieram te, które są dla mnie akceptowalne. Ostatnio natknąłem się na najwygodniejszy moim zdaniem w użyciu - "Gimnastyka muzyczna na palce" St. Petersburg, 2008. Dziękuję kompilatorom za przydatny i ciekawy materiał edukacyjny.

Notacja muzyczna lub rysuję muzykę.

W swojej praktyce wykorzystuję tablicę magnetyczną. Taśma izolacyjna

Reprezentuję kadrę muzyczną. Wielokolorowe magnesy służą jako notatki. Zapoznajemy się ze strunami, a każda struna ma swój własny kolor. Na początku pozwalałam każdemu dziecku narysować własny sznurek swoim własnym kolorem, ale potem przekonałam się, że wygodniej będzie mu pomóc w wyborze. Wybierając określony kolor, od razu ustalamy wysokość struny. Tak więc pierwsza struna „mi” jest żółta – jasna jak słońce, czyli przede wszystkim i nuty na niej są najwyższe. Drugi ciąg „si” to błękitne niebo, na którym świeci słońce. Trzeci ciąg „sól” to zielona trawa, jest niższa niż słońce i niebo. Struna „re” to rudy lis, „la” to fioletowa lub biała kałuża, z której lis pije, a wszystko to na czarnej ziemi, nuta „mi” to szósta struna, która jest najniższa. I oczywiście narysuj obrazek na ten temat. Dużo rysujemy na początkowym etapie. Wszystkie wrażenia, nowe koncepcje, zabawy przenosimy z wciąż niejasnego świata muzycznego do bardziej zrozumiałego świata rysunku.

Na początku, w okresie donotowym, te same kolorowe magnesy pomogą Ci zagrać najprostsze melodie przy opanowaniu basu - 4, 5, 6 strun. Weźmy na przykład znaną piosenkę dla dzieci „Rides, a parowóz jedzie”, dziecko gra na basie (rytm lub puls), układa sekwencję uderzeń w struny za pomocą kolorowych magnesów, a nauczyciel gra melodię. Ćwiczenie, nota bene nudne, uderzanie palcem „r” w struny. Piosenki najlepiej wykonywać w A-dur, ponieważ główne funkcje T, D, S spadają na otwarte struny gitary. W piosence jest wiele wersów, dziecko odtworzy ją kilka razy, w każdym wersecie powstaje obraz różnych zwierząt jadących parowozem - króliczków bez biletu, dzielnego szczeniaka maszynisty, kaczuszek. Utwór zawiera więc nie tylko moment gry, ale pierwsze zapoznanie się z tempem, charakterem i dynamiką wykonywanej muzyki. W tej chwili jest jeszcze za wcześnie, aby wymagać od ucznia frazowania, elastycznych niuansów, ale może on wyrazić ogólny charakter, jeśli nie grą, to w zwykły sposób - głosem. Ważne jest to, że sam wybiera sposób wykonywania muzyki i taka jest jego intencja artystyczna. Jakoś w sklepie muzycznym natknąłem się na autorską kolekcję Very Donskoy „Rysuję muzykę” i „Rysuję muzykę obrazem”, w której również zastosowano system kolorowych nut. Oszczędziło mi to kłopotu z przepisywaniem notatek w zeszytach moich uczniów. Kolekcje okazały się interesujące, jasne i zrozumiałe dla dzieci. Teraz bierzemy kawałek do nauki, analizujemy, na jakim sznurku jest grany, a dziecko maluje nuty na określone kolory, na które bardzo dobrze reaguje podczas gry. Aby nie przyzwyczaić się do koloru i nie popaść w bezradność przy pisaniu czarno-białym, prostych piosenek ze zbiorów używam również podczas gry na instrumencie, kiedy nuty są już wyuczone. Bardzo wygodna w tym sensie jest autorska kolekcja L. Ivanova „Plays for Beginners”, a także V. Kalinin „młody gitarzysta”.

W przypadku trudności z tekstem nutowym możemy wyłożyć na tablicy osobny trudny element utworu, wizualnie dziecko lepiej przyswaja informacje.

Ponadto, gdy po raz pierwszy zapoznasz się z gitarą, z tyłu planszy, a są one zwykle dwustronne, możesz również wykonać tabulaturę za pomocą taśmy izolacyjnej. A grając na otwartych strunach, dopasowując magnesy do struny i jej koloru, można zrobić kolor tabulatury.

Tablica magnetyczna pomaga w rozwiązaniu wielu problemów. Studiując skalę, możesz ułożyć ją nutami dwóch kolorów, na przykład czerwonego i zielonego. Może istnieć wiele opcji określania koloru, na przykład:

1. kolejno czerwono-zielone śpiewamy gamy, czerwone nuty śpiewa nauczyciel – zielony uczeń i odwrotnie;

2. układamy skalę dwóch identycznych nut jednocześnie zielona, ​​zielono - czerwona, czerwona: śpiewamy kolejno dwie nuty według koloru lub w górę nauczyciel śpiewa jeden kolor, w dół zmieniają kolory;

3. budujemy skalę od „do” do „do” - zaśpiewaj to, następnie przesuń jedną nutę w górę i śpiewaj już od „re” do „re”, od „mi” do „mi” i tak dalej.

Również wprowadzając pojęcia wysokości dźwięku można na tablicy umieścić po dwie nuty na oktawę, np. „do” pierwszej oktawy i obok „do” drugiej oktawy śpiewamy do słowa „E-ho” , sięgając głosem od dołu do góry i do słowa „U-pal” od góry do dołu. Zwykle „Echo” od góry do dołu nie jest zbyt dobre dla dzieci.

Opcji będzie tyle, ile podpowiada wyobraźnia.

Metro - rytmiczne pulsowanie.

Oczywiście tę ważną pracę, rozwój poczucia rytmu metra, należy rozpocząć od pierwszych lekcji. Przeważnie kieruję się standardowymi wzorami. Nie będę przepisywać wszystkim dobrze znanych dogmatów. Ćwiczenia z czytania poezji, klaskania w rytm to po prostu konieczność. Wyjaśniam, czym jest puls, czym różni się od rytmu. Oczywiście porównanie z życia pomaga - mama chodzi płynnie, jej kroki są duże, a dziecko obok niej, żeby dotrzymać kroku, robi dwa kroki.
Pewnego razu, klaskając w rytm wiersza o żołnierzach, zdecydowaliśmy się z moim uczniem na marsz, ale okazało się, że dziecku trudno jest jednocześnie opanować nogi i ręce. Tak więc, wraz z klaskaniem, zacząłem używać tupania wersów.

Przygotowując rozwiązanie jednego problemu, należy przemyśleć, jak sprawdzi się przy rozwiązaniu kolejnych. Tylko w tym przypadku można uznać, że czas początkowego etapu szkolenia został w pełni wykorzystany.

Różne drobiazgi lub „wiatr grający w strunach”.

Długo zastanawiałem się, jak wyznaczyć kolejną serię pytań - palcowanie, słowa, których używam na lekcji w rozmowie z dziećmi, ogólnie te wszystkie małe rzeczy, bez których czasami nie da się wytłumaczyć dziecku rzeczy, które dla nas są elementarne, a dla niego nie do końca jasne. Ty będziesz sędzią, ale czujemy się komfortowo z naszymi małymi sekretami i nowymi magicznymi słowami. Oczywiście to nie jest moje „know-how”, a każdy nauczyciel, jeśli chce osiągać wyniki, wymyśla własne małe sztuczki. Oto nasze:

dla małego dziecka znaki palcowe, czyli palcowanie, to po prostu martwe dźwięki. W lewej ręce są liczby i wszystko jest z nimi jakoś jasne, ale co to jest „p-i-m-a”, zwłaszcza jeśli nie uczysz się języka obcego?! Dla małego człowieka głównymi osobami są mama i tata i bardzo dobrze postrzega ich role społeczne. Dlatego:

„p” - tata

"Ja i

„m” - matka

"a" - ja?

Zaznaczyliśmy więc palce prawej dłoni. Staje się bardzo jasne, dlaczego kciuk prawej ręki jest zawsze z przodu - ponieważ „Tata” jest najsilniejszy i najważniejszy. Dzięki tej terminologii upraszczane są również pierwsze eksperymenty z pobieraniem dwóch dźwięków jednocześnie. Na przykład: jeśli weźmiemy dźwięk palcami „p” i „m” - to jest tata-mama itp. Co więcej, przy braniu dwóch dźwięków (i więcej - akordu) natychmiast zostaje naruszone, już dobrze zbudowane ustawienie prawej ręki przy graniu jednego dźwięku po kolei. Zwykle ruch pędzla idzie w bok - nie w prawo. Aby zwrócić uwagę ucznia na ten moment, zwykle mówię, że gramy „Żadinę”,

czyli bierzemy cały dźwięk w garść, ku sobie, „jesteśmy zachłanni”, a nie „odrzucamy” go na bok.

Często występują problemy w lewej ręce - z położeniem palca na progu. Dzieci z reguły kładą go na początku progu, a nie na orzechu. Wyjaśniam, że szyja to drabina, aby skakać ze stopnia na stopień, trzeba stanąć bliżej krawędzi. Na początku oczywiście często pamiętamy o „piosence na drabinie”, ale stopniowo uczeń przyzwyczaja się do niej i ręka znajduje się we właściwej pozycji, blisko pozycji pozycji.

Wniosek.

Na zakończenie chciałbym powiedzieć, że pracując z dziećmi w wieku przedszkolnym czy wczesnoszkolnym często trzeba wymyślać nowe formy edukacji. Ale to właśnie jest interesujące - wyszukiwanie i rozwiązywanie problematycznych problemów. W końcu głównym zadaniem jest sprawienie, aby nauka gry na instrumencie była żywa, interesująca, ekscytująca i użyteczna. A emocjonalność, entuzjazm i otwartość dziecka sprawią, że poczujesz prawdziwą wdzięczność. Jeszcze nie zepsute myślą „co pomyślą inni”, dzieci z reguły komunikują się z tobą bardzo bezpośrednio na lekcji, czasami uderzając nowością ich myśli, wrażeniem lekcji lub po prostu myląc cię z ich pytanie. Oczywiście każdy nauczyciel sam decyduje "czego" i "jak" uczyć swoich uczniów, ale trzeba pamiętać, że lekcja to twórczość dwóch osób, nauczyciela i ucznia, inaczej można to nazwać współtworzeniem, gdzie nauczyciel odgrywa dominującą rolę. I to nauczyciel, stworzywszy własny, autorski system kształcenia i wychowania, będzie mógł uwzględniać i rozwijać indywidualne możliwości. student da dziecku możliwość jak najszerszego wykorzystania swoich zdolności twórczych, w przyszłości nauczy go nieszablonowego myślenia.

I ostatnia rzecz……Zastanawiając się nad przelaniem moich małych odkryć na papier, zdałem sobie sprawę, że jest to o wiele trudniejsze niż praca z lekcji na lekcję. W trakcie przygotowań przeczytałem tyle literatury o orientacji muzycznej i pedagogicznej, wiele zapomnianych zostało wskrzeszonych w mojej pamięci, pojawiła się nowa wiedza, że ​​​​teraz mówię: „To nie na próżno!” Ile doświadczeń zgromadzono na przestrzeni wieków, ile wciąż nie wiemy. Jeśli moja praca komuś się przyda, będzie mi bardzo miło. Nie pretenduję do oryginalności, ponieważ „wszystko, co nowe, jest dobrze zapomniane stare” i oczywiście „Żadna zasada ani rada dana jednemu nie może odpowiadać nikomu innemu, jeśli te zasady i rady nie przechodzą przez sito jego własnego umysłu i nie są poddawane tym modyfikacjom, które uczynią je odpowiednimi na tę okazję”. Tymi słowami genialnego pianisty XX wieku I. Hoffmanna zakończę swoją pracę.

Bibliografia:

1. Donskikh V. „Rysuję muzykę”, „Kompozytor”, SP, 2006.
2. Żukow G. N. Podstawy ogólnej pedagogiki zawodowej. Instruktaż. Moskwa, 2005.
3. Intelson LB Wykłady z psychologii ogólnej. "Wydawnictwo AST", M. 2000
4. „Jak nauczyć grać na gitarze” Wydawnictwo „Klasyka XX1”, M. 2006
5. Kogan G. „U bram mistrzostwa” radziecki kompozytor, Moskwa, 1977
6. Kozlov V. „Małe sekrety gitary Senorita”, CJSC „Typografia Avtograf”, Czelabińsk, 1998
7. Mazel V. „Muzyk i jego ręce” książka pierwsza, „Kompozytor” SP.2003.
8. Mazel V. „Muzyk i jego ręce”, księga druga, „Kompozytor” SP.2006.
9. „Gimnastyka muzyczna na palce” St. Petersburg, 2008.
10. Pedagogika twórczości. numer 2, „Związek Artystów”, SP 2004
11. Smirnova GI Wytyczne. Intensywny kurs gry na fortepianie. "Allegro", M., 2003
12. Urshalmi I. „Droga do wolności”, magazyn muzyczny „Gitara” nr 1, 1991.
13. Shipowalenenko I.N. „Psychologia związana z wiekiem”, "Gardariki", 2005
14. Yudovina-Golperina T.B. „Przy fortepianie bez łez, czyli jestem nauczycielem dzieci” „Związek Artystów” St.P., 2002.
15. Janewicz SA „Zabawmy się” Rozwój zdolności muzycznych u dzieci w wieku 4-6 lat. „Związek Artystów”, S-P., 2007.

Muzykowanie zespołowe jako metoda wszechstronnego rozwoju

Sprawozdanie metodyczne nauczyciela gry na gitarze Pikuliny G.B.

Starożytni Rzymianie wierzyli, że korzenie tej doktryny są gorzkie. Ale kiedy nauczyciel zwraca się do zainteresowania jako sprzymierzeniec, kiedy dzieci zarażają się pragnieniem wiedzy, dążą do aktywnej, twórczej pracy, korzeń nauki zmienia swój smak i budzi w dzieciach zupełnie zdrowy apetyt. Zainteresowanie nauką jest nierozerwalnie związane z odczuwaniem przyjemności i radości, jakie przynosi człowiekowi praca i twórczość. Zainteresowanie i radość z nauki są niezbędne, aby dzieci były szczęśliwe..

Rozwojowi zainteresowań poznawczych sprzyja taka organizacja nauki, w której uczeń aktywnie działa, angażuje się w proces samodzielnego poszukiwania i odkrywania nowej wiedzy oraz rozwiązuje problemy o charakterze problemowym, twórczym. Dopiero przy aktywnym podejściu uczniów do sprawy, ich bezpośrednim udziale w „tworzeniu” muzyki budzi się zainteresowanie sztuką..

Ogromną rolę w realizacji tych zadań odgrywa muzykowanie zespołowe – jest to rodzaj wspólnego muzykowania, który był praktykowany zawsze, przy każdej okazji i na każdym poziomie zaawansowania instrumentalnego i jest nadal praktykowany. Wartość pedagogiczna tego typu wspólnego muzykowania nie jest dostatecznie poznana, dlatego zbyt rzadko wykorzystywana jest w nauczaniu. Chociaż korzyści płynące z gry zespołowej dla rozwoju uczniów znane są od dawna.

Jaka jest korzyść z tworzenia muzyki zespołowej? Z jakich powodów jest w stanie stymulować ogólny rozwój muzyczny uczniów?

Zespołowe muzykowanie jako metoda wszechstronnego rozwoju uczniów.

1. Gra zespołowa jest formą aktywności, która otwiera najkorzystniejsze możliwości wszechstronnego i wszechstronnegowprowadzenie do literatury muzycznej.Przed muzykiem stoją dzieła różnych stylów artystycznych, epok historycznych. Należy zauważyć, że grający zespołowo jest jednocześnie w szczególnie sprzyjających warunkach – obok repertuaru skierowanego do samej gitary, może korzystać z repertuaru na inne instrumenty, transkrypcje, aranżacje. Innymi słowy, gra zespołowa stała i szybka zmiana nowych poglądów, impresje, „odkrycia”, intensywny napływ bogatych i różnorodnych informacji muzycznych.

2. Zespołowe muzykowanie stwarza najkorzystniejsze warunki dla krystalizacji walorów muzycznych i intelektualnych ucznia. Dlaczego, w jakich okolicznościach? Student zajmuje się materiałem, słowami V.A. Suchomlinskiego „nie dla zapamiętywania, nie dla zapamiętywania, ale z potrzeby myślenia, uczenia się, odkrywania, rozumienia i wreszcie zachwytu”. Dlatego podczas zajęć w zespole panuje szczególne nastawienie psychologiczne. Myślenie muzyczne zauważalnie się poprawia, percepcja staje się jaśniejsza, żywsza, wyostrzona, wytrwała.

3. Zapewnienie ciągłego dopływu świeżych i różnorodnych wrażeń, doświadczeń, muzykowanie zespołowe przyczynia się do rozwoju „centrum muzykalności” – emocjonalnego wrażliwość na muzykę.

4. Nagromadzenie zasobu jasnych, licznych reprezentacji słuchowych stymuluje kształtowanie słuchu muzycznego,wyobraźnia artystyczna.

5. Wraz z rozszerzaniem się wolumenu muzyki rozumianej i analizowanej zwiększają się również możliwościmyślenie muzyczne. Na grzbiecie fali emocjonalnej następuje ogólny wzrost aktywności muzycznych i intelektualnych. Wynika z tego, że lekcje gry zespołowej są ważne nie tylko jako sposób na poszerzenie horyzontów repertuarowych czy gromadzenie informacji muzyczno-teoretycznych i muzyczno-historycznych, lekcje te przyczyniają się do jakościowego doskonalenia procesówmyślenie muzyczne.

Ta forma pracy jako muzykowania zespołowego jest bardzo owocnarozwój twórczego myślenia.Uczeń przy akompaniamencie nauczyciela wykonuje najprostsze melodie, uczy się słuchać obu stron, rozwija słuch harmoniczny, melodyczny, poczucie rytmu.

Gra w zespole jest więc jedną z najkrótszych, najbardziej obiecujących dróg ogólnego rozwoju muzycznego uczniów. To właśnie w trakcie zabawy zespołowej ujawniają się w całej pełni i wyrazistości podstawowe zasady edukacji rozwojowej:

a) zwiększenie głośności wykonywanego materiału muzycznego.

b) przyspieszyć tempo jego przejścia.

Tak więc gra zespołowa to nic innego jak przyswojenie maksimum informacji w jak najkrótszym czasie.

Nie trzeba chyba mówić, jak ważny jest twórczy kontakt nauczyciela z uczniem. I właśnie wspólne muzykowanie zespołowe jest do tego idealnym środkiem. Od samego początku nauki gry na instrumencie pojawia się wiele zadań: lądowanie, ustawianie rąk, studiowanie gryfu, metody wydobywania dźwięku, nuty, liczenie, pauzy itp. Ale wśród mnóstwa zadań do rozwiązania , ważne jest, aby w tym kluczowym okresie nie przegapić najważniejszego - nie tylko zachować miłość do muzyki, ale także rozwijać zainteresowanie muzycznymi pościgami. I w tej sytuacji muzykowanie zespołowe będzie idealną formą pracy ze studentami. Od pierwszych zajęć uczeń jest zaangażowany w aktywne muzykowanie. Wraz z nauczycielem gra proste, ale już artystyczne sztuki.

Nauka w grupie ma zarówno pozytywne, jak i negatywne strony. Bardziej interesujące dla dzieci jest nauka w grupie, komunikują się z rówieśnikami, uczą się nie tylko od nauczyciela, ale także od siebie nawzajem, porównują swoją grę z grą przyjaciół, starają się być pierwsi, uczą się słuchać sąsiada, grać w zespole, rozwijać słuch harmoniczny. Ale jednocześnie są też wady takiego szkolenia. Głównym jest to, że trudno jest osiągnąć jakość wykonania, ponieważ szkoli się uczniów o różnych zdolnościach, którzy zresztą są zaangażowani na różne sposoby. Kiedy wszyscy grają w tym samym czasie, nauczyciel nie zawsze zauważa błędy poszczególnych uczniów, ale jeśli każdy jest sprawdzany indywidualnie na każdej lekcji, proces nauki przy tak dużej liczbie uczniów praktycznie się zatrzyma. Jeśli postawisz na profesjonalną jakość gry, poświęcając jej dużo czasu, tak jak to się dzieje na indywidualnych lekcjach, to większość szybko się nią znudzi i straci zainteresowanie nauką. Repertuar musi być zatem przystępny, ciekawy, nowoczesny i użyteczny, a tempo postępu odpowiednio prężne,

trzeba unikać monotonii, stale interesować uczniów. Aby sprawdzić zdobytą wiedzę przed przeprowadzeniem lekcji kontrolnych, można zastosować następującą formę pracy: po zapamiętaniu utworu, oprócz wykonania w grupie, warto zagrać go naprzemiennie przez wszystkich uczniów w małych partiach (np. dwa takty) bez zatrzymywania się we właściwym tempie, upewnij się, że gra była wyraźna i głośna. Taka technika skupia uwagę, rozwija słuch wewnętrzny i zwiększa odpowiedzialność ucznia. Można również skorzystać z takiej formy pracy, jak patronat silnych uczniów nad tymi, którzy mają zaległości (ci, którzy dobrze opanowali materiał w czasie wolnym pomagają tym, którzy nie radzą sobie z zadaniami, po uzyskaniu pozytywnego wyniku nauczyciel zachęca takiego asystenta z oceną doskonałą).

Celem i specyfiką nauczania dzieci w klasie gitary jest wykształcenie melomanów piśmiennych, poszerzanie ich horyzontów, rozwijanie zdolności twórczych, gustu muzycznego i plastycznego, a na lekcjach indywidualnych – nabywanie czysto zawodowych umiejętności gry muzycznej: gra w zespole, dobór ze słuchu, a vista.

„Zapalić”, „zarazić” dziecko chęcią opanowania języka muzyki – główne z początkowych zadań nauczyciela.

W klasie gitary stosowane są różne formy pracy. Wśród nich szczególne możliwości rozwojowe ma granie zespołowe. Zbiorowe muzykowanie instrumentalne jest jedną z najbardziej przystępnych form wprowadzania uczniów w świat muzyki. Twórcza atmosfera tych zajęć polega na aktywnym udziale dzieci w procesie uczenia się. Radość i przyjemność wspólnego muzykowania od pierwszych dni szkolenia jest gwarancją zainteresowania tą sztuką - muzyką. Jednocześnie każde dziecko staje się aktywnym członkiem zespołu, niezależnie od aktualnego poziomu jego możliwości, co sprzyja odprężeniu psychicznemu, wolności i przyjaznej atmosferze.

Praktykujący pedagodzy wiedzą, że gra w zespole najlepiej dyscyplinuje rytm, poprawia umiejętność czytania z kartki, jest niezbędna do rozwijania umiejętności technicznych i umiejętności gry solowej. Wspólne muzykowanie przyczynia się do rozwoju takich cech jak uważność, odpowiedzialność, dyscyplina, celowość, kolektywizm. Co ważniejsze, tworzenie muzyki zespołowej uczy słuchania partnera, uczy muzycznego myślenia.

Zbiorowe występy w duecie lub trio gitarzystów są bardzo atrakcyjne, ponieważ niosą ze sobą radość wspólnej pracy. Byli zaangażowani we wspólne tworzenie muzyki na każdympoziomie biegłości instrumentu i przy każdej okazji. Wielu kompozytorów pisało w tym gatunku do muzyki domowej i koncertowej. Bela Bartok, węgierski kompozytor, pedagog, folklorysta, uważał, że dzieci powinny być wprowadzane w muzykowanie zespołowe jak najwcześniej, od pierwszych muzycznych kroków.

Zespołowi jako dyscyplinie akademickiej nie zawsze poświęca się należytą uwagę. Często godziny przewidziane na muzykowanie nauczyciele wykorzystują na lekcje indywidualne. Jednak obecnie nie sposób sobie wyobrazić życia muzycznego bez występów zespołów. Świadczą o tym występy duetów, triów, większych zespołów na estradach koncertowych, festiwalach i konkursach. Duety i tria gitarzystów to ugruntowana forma zespołowa, której tradycje sięgają XIX wieku, z własną historią, „ewolucyjnym rozwojem”, bogatym repertuarem – utwory oryginalne, transkrypcje, aranżacje. Ale to są profesjonalne zespoły. A dla zespołów szkolnych są problemy. Na przykład problem repertuaru. Brak odpowiedniej literatury dla zespołów gitarzystów szkoły muzycznej spowalnia proces uczenia się i możliwość pokazania się na scenie koncertowej. Wielu nauczycieli samodzielnie dokonuje transkrypcji, opracowań sztuk, które im się podobają.

Ważne jest, aby pracę w zespole rozpocząć już od pierwszych lekcji gry na instrumencie. Im wcześniej uczeń zacznie grać w zespole, tym bardziej kompetentny, techniczny muzyk wyrośnie.

Wielu nauczycieli instrumentu specjalnego trenuje w klasie zespoły. Mogą to być zarówno zespoły jednorodne, jak i mieszane. Lepiej jest rozpocząć pracę w zespole z uczniami tej samej klasy. W praktyce przekonaliśmy się, że pracę zespołową można podzielić na trzy etapy.

Więc etap I . Dziecko nabywa umiejętności muzykowania zespołowego już na pierwszych lekcjach. Niech to będą utwory składające się z jednego lub kilku dźwięków, ułożonych rytmicznie. W tym czasie nauczyciel wykonuje melodię i akompaniament. W trakcie tej pracy student rozwija słuch do grania utworów z akompaniamentem, koncentruje się na dokładności rytmicznej, opanowuje elementarną dynamikę i wstępne umiejętności gry. Rozwija się rytm, słuch, a co najważniejsze poczucie zespołowości, poczucie odpowiedzialności za wspólną sprawę.Takie wykonanie wzbudzi zainteresowanie ucznia nowym brzmieniem muzyki, ciekawej i barwnej. Na początku na instrumencie (wszystko zależy od umiejętności ucznia) uczeń przy akompaniamencie nauczyciela gra proste melodie. Na tym etapie pracy ważne jest, aby studenci wyczuli specyfikę gry homofoniczno-harmonicznej i spróbowali swoich sił w wykonywaniu utworów z elementami polifonii. Utwory powinny być dobrane zróżnicowane pod względem tempa, charakteru itp.

Z doświadczenia wiem, że studenci lubią grać w zespole. W związku z tym powyższe utwory można grać indywidualnie z każdym uczniem lub łączyć uczniów w duety, tria (według uznania prowadzącego, w oparciu o możliwości instrumentów, ich dostępność). W przypadku duetu (trio) ważne jest, aby wybrać uczniów, którzy są równi pod względem wykształcenia muzycznego i umiejętności instrumentalnych. Ponadto należy wziąć pod uwagę relacje międzyludzkie uczestników. Na tym etapie studenci powinni rozumieć podstawowe zasady gry w zespole. Przede wszystkim najtrudniejsze miejsca to początek i koniec pracy lub jej część.

Początkowe i końcowe akordy lub dźwięki muszą być odtwarzane synchronicznie i czysto, niezależnie od tego, co i jak brzmiało między nimi. Synchroniczność wynika z głównej cechy zespołu: wspólnego zrozumienia i wyczucia rytmu i tempa. Synchroniczność jest również wymogiem technicznym gry. Musisz jednocześnie wziąć i usunąć dźwięk, zatrzymać się razem, przejść do następnego dźwięku. Pierwszy akord zawiera w sobie dwie funkcje – wspólny początek i określenie dalszego tempa. Oddychanie pomoże. Wdech jest dla każdego muzyka najbardziej naturalnym i zrozumiałym sygnałem do rozpoczęcia gry. Tak jak śpiewacy biorą oddech przed występem, tak robią muzycy - wykonawcy, ale każdy instrument ma swoją specyfikę. Instrumentaliści dęciowi wskazują wdech wraz z początkiem dźwięku, skrzypkowie – ruchem smyczka, pianiści – „westchnieniem” ręki i dotknięciem klawisza, akordeoniści i akordeoniści – wraz z ruchem ręki miechem. Wszystko to zawiera się w początkowej fali dyrygenta - auftakte. Ważnym punktem jest odpowiednie tempo. Wszystko zależy od szybkości inhalacji. Ostry oddech mówi wykonawcy o szybkim tempie, spokojny - sygnał wolnego. Dlatego ważne jest, aby członkowie duetu nie tylko się słyszeli, ale także widzieli, potrzebny jest kontakt wzrokowy. W pierwszym etapie członkowie zespołu uczą się słuchać melodii i drugiego głosu, akompaniamentu. Prace powinny mieć jasną, zapadającą w pamięć, nieskomplikowaną melodię, drugi głos - z wyraźnym rytmem. Sztuka słuchania i słyszenia partnerów to bardzo trudna rzecz. W końcu większość uwagi jest skierowana na czytanie muzyki. Kolejnym ważnym szczegółem jest umiejętność odczytywania wzoru rytmicznego. Jeśli uczeń odczytuje rytm bez wychodzenia poza rozmiar, to jest gotowy do gry w zespole, ponieważ utrata mocnego uderzenia prowadzi do załamania i zatrzymania. Gdy zespół jest gotowy, możliwe są pierwsze występy, np. na zebraniu rodziców lub koncercie klasowym.

Na etapie II rozwijamy wiedzę, umiejętności i zdolności zdobyte na pierwszym etapie. Rozumiemy również głębię tworzenia muzyki zespołowej. W trakcie tej pracy student rozwija słuch do grania utworów z akompaniamentem, koncentruje się na dokładności rytmicznej, opanowuje elementarną dynamikę i wstępne umiejętności gry. Rozwija się rytm, słuch, jedność uderzeń zespołowych, przemyślane wykonanie i, co najważniejsze, poczucie zespołowości, poczucie odpowiedzialności za wspólną sprawę. Repertuar obejmuje, obok utworów klasycznych, popowe miniatury. Taki repertuar budzi zainteresowanie, wsłuchuje się w nowe utwory, spektakle.

Etap III . Ten etap odpowiada klasom starszym (6-7), kiedy program nauczania nie przewiduje godzin muzykowania. Moim zdaniem jest to pominięcie, ponieważ studenci dysponują już niezbędnym zasobem wiedzy, umiejętności i zdolności, zarówno w wykonaniu solowym, jak iw zespołach, mogą wykonywać bardziej złożone, widowiskowe utwory. W tym przypadku duet (lub trio) jest w stanie rozwiązać bardziej złożone problemy artystyczne.

Dla bardziej barwnego brzmienia duetu lub trio gitarzystów dopuszcza się poszerzenie składu o dodatkowe instrumenty. Może to być flet, fortepian, skrzypce. Takie rozszerzenia są w stanie „pokolorować” pracę, rozjaśnić ją. Ta metoda nadaje się do wykonań koncertowych i uatrakcyjni każdy, nawet najprostszy utwór. Jednak w klasie lepiej jest prowadzić zajęcia bez dodatków, aby członkowie duetu usłyszeli wszystkie niuanse tekstu muzycznego.

Do występów musisz zgromadzić repertuar różnych gatunków. ponieważ musisz występować przed różnymi publicznościami, przed ludźmi o różnych mentalnościach, musisz mieć inny repertuar: od muzyki klasycznej po pop.

MIEJSKA INSTYTUCJA EDUKACYJNA BUDŻETU MIEJSKIEGO

KSZTAŁCENIE DODATKOWE DLA DZIECI

SZKOŁA MUZYCZNA DLA DZIECI

SCHOLKOWSKI OBWÓD MIEJSKI REGIONU MOSKWA

PRZESŁANIE METODOLOGICZNE

na temat

„Cechy pracy z początkującymi w klasie gitary”

nauczyciel gry na instrumentach ludowych

Szczołkowo

Gitarzyści weszli na drogę profesjonalnej działalności pedagogicznej stosunkowo niedawno, kiedy pianiści i skrzypkowie mieli już wielowiekowe tradycje wykonawcze i pedagogiczne, bogaty repertuar koncertowy i edukacyjny oraz literaturę metodyczną. Wykorzystanie doświadczeń zdobytych przez innych instrumentalistów pozwoliło gitarzystom na osiągnięcie w krótkim czasie wielkich sukcesów i przejście od amatorskiej muzyki domowej do występów koncertowych, od samokształcenia do gry ze słuchu do profesjonalnego systemu edukacji. Jednak dla dalszego rozwoju i doskonalenia umiejętności wykonawczych konieczne było stworzenie wysoce artystycznej oryginalnej literatury i metod nauczania uwzględniających wszystkie cechy i specyfikę instrumentu. Obecnie w repertuarze gitarzystów znajduje się już pokaźna liczba autorskich kompozycji, które są zróżnicowane i ciekawe pod względem treści i formy. Trwa proces tworzenia szkół, pomocy dydaktycznych i literatury edukacyjnej do gry na gitarze. Wystarczy wymienić dzieła G. Fetisowa. N. Kalinina, V. Agafoshina. Programy zostały opracowane dla wszystkich poziomów szkolenia w klasie gitary. Poprawiła się jakość szkolenia gitarzystów w szkołach muzycznych, kolegiach, instytutach i konserwatoriach. Sale metodyczne i wydziały uczelni nieustannie pracują nad doskonaleniem umiejętności nauczycieli-gitarzystów.

Jednocześnie praktyka pedagogiczna nie posiada wystarczającego doświadczenia w pracy z dziećmi w wieku 5,6 lat, nie jest wolna od istotnych braków, z których wiele wiąże się z naruszeniem zasad dydaktyki. Typowym zjawiskiem było nieprzestrzeganie dydaktycznej zasady dostępności – w szczególności tzw. „przeszacowanie repertuaru”. Należy podkreślić, że naruszenie zasady dostępności w początkowym okresie szkolenia prowadzi do najpoważniejszych konsekwencji, które są trudne, a czasem niemożliwe do skorygowania na późniejszych etapach szkolenia.

Zadając to pytanie, spodziewamy się konsternacji wielu ekspertów: „Czy powinniśmy rozmawiać o rzeczach oczywistych?” Ale cały kłopot polega na tym, że zasada dostępności jest częściej rozpoznawana tylko w słowach. W praktyce program jest często przeszacowany i to nie tylko w specjalności, ale także w zespole, klasie akompaniatora i orkiestrze. Przyczyny tego zjawiska są różne, a ich wyeliminowanie nie jest tak proste, jak się wydaje na pierwszy rzut oka. Przeanalizujmy pięć głównych, naszym zdaniem, powodów:

1. Formalne podejście do planów lekcji, układanie planów bez uwzględnienia indywidualnych cech ucznia. Czasami wynika to z faktu, że nauczyciel po prostu nie zna metodologii opracowywania indywidualnych planów lub nie przestudiował materiału edukacyjnego. Sytuację pogarsza niedostateczna kontrola ze strony kierowników katedr gitary w placówkach oświatowych.

2. Błędne określenie złożoności pracy. Często nauczyciel zwraca uwagę tylko na trudności techniczne pracy, nie myśląc o złożoności najważniejszej rzeczy - treści.

3. Celowe komplikowanie programu ze względu na swoistą pedagogiczną ambicję. Omawiając wyniki egzaminów, tacy nauczyciele, skłonni do powierzchowności, często mówią: „Mój uczeń zagrał trudny program, więc zasługuje na najwyższą ocenę”, nie zdając sobie sprawy, że takie rozumowanie świadczy o nieznajomości elementarnych zasad doboru materiałów edukacyjnych i kryteriów oceny wyników.

Uważa się również, że jedna praca, przekroczenie pojemności student, musi być wpisany w program jego „wzrostu”. Tym samym do repertuaru trafia nie tylko trudna, ale i niedostępna dla ucznia na tym etapie praca, która w efekcie nie jest wyuczona. Ale problem polega nie tylko na tym: z reguły do ​​czasu egzaminu cały program pozostaje niedostatecznie przestudiowany. Należy zauważyć, że najzdolniejsi studenci najczęściej cierpią z powodu przeszacowania programu z tego powodu.

4. Chęć uczniów do grania pewnych niedostępnych dla nich utworów oraz „giętkość” nauczycieli, motywująca to faktem, że uczeń szybko nauczy się pracy, którą lubi, że będzie więcej się uczył i więcej osiągnął. Takie rozumowanie oczywiście nie jest pozbawione podstaw, ale jeśli możliwości ucznia są zupełnie niewspółmierne do trudności danej zabawy, to nie będzie w stanie ich pokonać.

5. Muzyczna bezradność nauczyciela, nieumiejętność pracy nad muzyczną treścią utworu. Oto, co pisze o tym V. Avratiner w swojej pracy „Materiały metodyczne z pedagogiki”: „Praktyka pokazuje, że praca nad treścią muzyczną utworu (maksymalne rozpoznanie niezbędnych dla danego utworu środków wyrazu muzycznego) jest trudniejsza dla niektórych nauczycieli niż praca nad trudnościami technicznymi. Taki „nauczyciel” czasami nie ma nic do powiedzenia swojemu uczniowi, jeśli technicznie przedstawienie nie jest trudne, a uczeń przezwyciężył trudności techniczne. Chcąc zatuszować swoją pedagogiczną bezradność, nauczyciel przecenia program, czyniąc z niego swego rodzaju środek samoobrony.

Ale bez względu na przyczyny komplikacji programu, jego konsekwencje są katastrofalne. Gitarzysta, który zaczyna uczyć się utworu, który jest dla niego niedostępny, nie radzi sobie przede wszystkim z trudnościami technicznymi. Parsowanie, uczenie się tekstu na pamięć zajmuje mu zbyt dużo czasu, uniemożliwiając analizę formy i treści pracy, wypracowanie realizacji dźwięku, niuansów, kresek itp. Całą tę pracę student odkłada na późniejszy okres, gdy dostatecznie rozumie tekst pracy. Będąc więźniem pracy ponad siły, Bayan zawodnik nie ma czasu na wyłapanie wszystkich błędów na początkowym etapie treningu, a potem już trudno mu się ich pozbyć, gdyż przyzwyczaja się do niedoskonałego dźwięku i nie zauważa już błędów swojego wykonania.

Oczywiście zdolności muzyczne ucznia odgrywają ważną rolę w opanowaniu sztuk scenicznych. Ale nawet osoba utalentowana, jeśli poświęci cały swój czas wyłącznie na naukę skomplikowanych utworów, pracując nad trudnościami technicznymi, nie osiągnie wysokiego poziomu wykonawczego. Talent wymaga bardzo ostrożnego podejścia do siebie. Doświadczony nauczyciel będzie pielęgnował, rozwijał talent z lekcji na lekcję, rok po roku, i nie zrujnuje go wygórowanymi trudnościami.

Gitarzysta pracuje nad nieznośnym dziełem z wielką intensywnością, z ogromnym napięciem. W wyniku takiej pracy utrata jakości jest nieunikniona. Pojęcie „utrata jakości” jest bardzo pojemne: implikuje niedokładne wykonanie kresek, niuansów, błędy natury rytmicznej, błędy stylistyczne, aw końcu nieprawidłowe, zniekształcone stworzenie artystycznego obrazu. Ale być może przede wszystkim cierpi na tym jakość produkcji dźwięku i ma to ogromne znaczenie dla występującego muzyka.

Łamiąc zasadę dostępności, nauczyciel nieświadomie ogranicza pracę do „szkolenia”. Po otrzymaniu zbyt skomplikowanej pracy student uczy się tylko tekstu przez trzy do czterech tygodni. Mija półtora miesiąca, uczeń nadal myli nuty, harmonię, palcowanie, nie jest w stanie nadążyć za kolejnością prezentacji materiału, a nauczyciel już zaczyna z nim pracować nad artystycznymi cechami utworu. Ale uczeń nie może spełnić wymagań nauczyciela, co więcej, jest już zmęczony zabawą. Zainteresowanie zajęciami w ogóle spada, a on niechętnie siada w domu przy instrumencie. I tak nauczyciel, aby pomóc uczniowi, zaczyna uczyć się pracy z nim na lekcji, odrabiając właściwie jego pracę domową. Tydzień lub dwa przed publicznym występem (zaliczeniem, egzaminem) w dzienniku ucznia wciąż zalegają notatki nauczyciela: „Zagraj bez błędów”; „Graj z niuansami”; „Nie mylić palców” itp. Takie zalecenia i wymagania mają moc słów lekarza skierowanych do ciężko chorego: „Nie choruj!”

Po „przygotowaniu” niedostępnego programu, czyli wyuczeniu się niejako na pamięć, ucznia, a wraz z nim nauczyciela, na krótko przed spektaklem ogarnia gorączkowe podniecenie. Dręczy ich jedno pytanie: czy da się grać bez przerwy?

Wielu znanych muzyków pisało o emocjach związanych z występami publicznymi. Zjawisko to jest niezwykle złożone i wciąż dalekie od zbadania. Można jednak z całą pewnością stwierdzić, że jednym z powodów podniecenia jest wygórowana trudność dzieła.

Pracownicy laboratorium biocybernetyki Instytutu Cybernetyki Akademii Nauk Ukraińskiej SRR D. Galenko i V. Starinets we współpracy ze scenarzystą I. Sabelnikowem stworzyli film „Formuła emocji”. Opowiada o „cudzie” emocji, które są rezerwowym mechanizmem pomagającym w kluczowych momentach, mobilizującym wszystkie siły, ukryte zasoby człowieka. Ale są też emocje, które prowadzą do katastrofy. Do ich kategorii zalicza się „podniecenie-panika” (określenie P. Jacobsona), które obejmuje muzyka wykonującego niedostępny dla niego program. Doktor nauk medycznych profesor P. Simonow twierdzi, że negatywne emocje mogą wynikać z brak informacji. W tym przypadku oznacza to niedostatek środków na realizację celu artystycznego. Oczywiście taki występ jest skazany na porażkę. Oto, co mówi o tym G. Kogan: „… gra traci kontrolę, wykonawca „niesie” jak chip wzdłuż fal, jego ruchy są skompresowane, jego pamięć się zmienia, zgniata się, rozmazuje, myli w najbardziej nieoczekiwanych miejsca.

A więc z jednej strony bez twórczej ekscytacji, bez pozytywnych emocji nie może być prawdziwego występu na scenie. Emocje tworzą windę, którą prawdziwy artysta musi stworzyć, a nie ograniczać się do obojętnej, rzemieślniczej pracy. Z drugiej strony negatywne emocje spowodowane niedopasowaniem celów do środków mogą prowadzić do niepowodzenia.

Czasami nieudany występ powoduje poważne konsekwencje: uczeń zaczyna czuć się niepewnie na scenie, nawet grając utwory dość przystępne i dobrze wyuczone, traci panowanie nad sobą na myśl, że coś się teraz wydarzy, że zapomni, pomyli się itp. To, o czym boją się zapomnieć, zapominają, ponieważ się martwią. Zjawisko to postępuje, działalność koncertowa staje się dla muzyka udręką i zmuszony jest ją przerwać.

Mówiliśmy już, że jedną z przyczyn naruszenia zasady dostępności jest niedostateczna uwaga nauczyciela na planowanie pracy każdego ucznia. Praktyka pedagogiczna wykształciła różne formy planowania w zależności od przedmiotu studiów. Plan w dowolnej formie budowany jest przede wszystkim na podstawie programu nauczania. Największy błąd popełniają ci nauczyciele akordeonu, którzy opierając się na swoim doświadczeniu pedagogicznym, latami nie zaglądają do programu. Oprócz programu indywidualne planowanie opiera się na uwzględnieniu indywidualnych cech ucznia. Różne instytucje edukacyjne przyjęły różne formy planowania. Czasami plany sprowadzają się tylko do wyliczenia sztuk i szkiców, a nie jest wskazane, czym kieruje się nauczyciel przy wyborze prac dla danego ucznia. Naszym zdaniem za podstawę należy przyjąć następującą postać planu indywidualnego:

1. Krótki opis studenta na początku semestru.

Powinna zawierać ocenę danych muzycznych, poziomu rozwoju muzycznego i ogólnego, cech psychicznych i fizjologicznych ucznia.

2. Zadanie indywidualne na pół roku.

Powinna być oparta na charakterystyce ucznia i ogólnym zadaniu uczenia się określonym w programie, być wykonalna i konkretna – czyli określać zakres wiedzy, umiejętności i zdolności, które student powinien nabyć.

3. Materiały instruktażowe i utwory muzyczne, które przyczynią się do realizacji tego zadania.

Cel pracy na materiale instruktażowym – gamy, arpedo-

zhio, ćwiczenia, etiudy - będą to: „1) rozwój pewnego rodzaju techniki; 2) przygotowanie studenta do pokonywania technicznych trudności pracy. W pierwszym przypadku celem jest wszechstronny rozwój techniczny ucznia ... W drugim przypadku należy wykonać szkice zawierające rodzaj techniki i te elementy ruchów, które występują w pracy.

Część artystyczna repertuaru powinna obejmować różne dzieła sztuki ludowej, klasykę rosyjską i zachodnią, kompozytorów radzieckich i zagranicznych. Wszystkie prace muszą posiadać niewątpliwą wartość artystyczną.

4. Część końcowa.

Powstaje na koniec semestru i stanowi ocenę wyników pracy. Na podstawie tych ustaleń nauczyciel wyznacza nowe zadanie pedagogiczne na najbliższe pół roku.

Taki indywidualny plan pozwoli na realizację zasady sekwencje uczenie się.

Sukces ucznia zależy bezpośrednio od umiejętności i sztuki nauczyciela. Jak pokazała praktyka pedagogiczna, istnieją cztery kategorie nauczycieli muzyki: 1) wykonawcy-nauczyciele, czyli, co jest prawie tożsame, nauczyciele-wykonawcy, 2) wykonawcy-nie-nauczyciele; 3) nauczyciele niepracujący; 4) nauczyciele niepracujący. Jednym z największych mankamentów młodych nauczycieli jest nieumiejętność przekazania uczniom swojej wiedzy i umiejętności wykonawczych. Jest wśród nich wielu dobrych muzyków, których jedynym problemem jest brak doświadczenia pedagogicznego. Rola głębokiego, systematycznego studiowania metod nauczania jest nie do przecenienia.

Jaki jest klucz do sukcesu jako nauczyciela? Przede wszystkim dostępność i spójność wymagań i instrukcji kierowanych do ucznia. Związek między tymi dwiema zasadami dydaktyki jest szczególnie widoczny na początkowym etapie edukacji.

Już na pierwszych lekcjach uczeń staje przed wieloma pytaniami: urządzenie instrumentu i klawiszy, nagrywanie dźwięków, pozycja akordeonisty i ustawienie instrumentu, pozycja rąk, pojęcie czasu trwania dźwięku, miara i jego wielkość, funkcje itp. Niedoświadczony nauczyciel wymaga od ucznia wykonania kilku poleceń jednocześnie. Co prawda każdy z nich z osobna nie sprawia trudności, ale naruszenie zasady kolejności je uniemożliwia, ponieważ uczeń nie może skupić swojej uwagi na dużej liczbie obiektów i postrzegać wszystkiego jednocześnie. Sztuką nauczyciela w tym przypadku będzie umiejętność natychmiastowego przeanalizowania lekcji i znalezienia tego, co przeszkadza w percepcji ucznia.

Czasami dość przystępny materiał staje się niedostępny z powodu tego, że nauczyciel, który nie wykonał poprzedniego zadania, zaczyna stawiać nowe wymagania uczniowi. W rezultacie tworzą się znaczne luki w wiedzy ucznia i przestaje on rozumieć polecenia nauczyciela. Lekcja w takich przypadkach zwykle wygląda następująco: nauczyciel często przerywa grę ucznia, dużo mówi, a uczeń, mając mgliste pojęcie o tym, co należy zrobić i przyzwyczajając się do komentarzy, nie słucha już jego słowa.

Jedną z niezbędnych cech studenta jest umiejętność samodzielnej pracy w domu. Nie bez powodu można argumentować, że determinuje to rozwój młodego muzyka i stanowi gwarancję jego udanej pracy w przyszłości. Zadaniem nauczyciela jest nauczenie ich samodzielnej pracy nad pracą. W związku z tym dostępność, wykonalność pracy domowej ma ogromne znaczenie. Należy wziąć pod uwagę: ilość materiału, termin wykonania, stopień skomplikowania zadania oraz wykonanie przez studenta. Niezgodność między jednym z tych danych a pozostałymi sprawia, że ​​zadanie jest niedostępne.

Nieodrobienie pracy domowej jest sygnałem o niebezpieczeństwie, a nauczyciel jest zobowiązany do ustalenia przyczyn tego stanu rzeczy. Ale przede wszystkim musi zadać sobie pytanie: Zrobiłeś swoją pracę domową?" Nauczyciele zbyt często zarzucają uczniom lenistwo, dezorganizację. I wyobraź sobie stan ucznia, który ciężko pracował w domu, ale przyszedł na zajęcia nieprzygotowany. I wcale nie są rzadkie przypadki, kiedy nauczyciel, zamiast w myślach dać sobie „dwójkę”, niezachwianą ręką, wpisuje ją do dzienniczka ucznia!

Dawanie niedrogiej pracy w domu to wielka sztuka pedagogiczna. Istotna jest specyfika pracy domowej. Doświadczony nauczyciel formułuje zadanie w taki sposób, aby na lekcji łatwo było określić, jak bardzo i w jakim stopniu uczeń był zaangażowany. Czy na przykład nauczyciel może ocenić pracę ucznia, jeśli w dzienniku jest napisane: „Graj pewniej, bez błędów”; „Graj rytmicznie, nie przyspieszaj” czy nawet „Graj niuansami”? Wielokrotne przypominanie o poprawnym wykonaniu nie przyniesie żadnej korzyści – uczeń musi usłyszeć i uświadomić sobie swoje błędy. Aby to zrobić, konieczne jest uproszczenie zadania: zaproponowanie zagrania małego pasażu lub nawet kilku taktów w wolnym tempie. I dopiero po ustąpieniu błędów uczeń może kontynuować pracę w domu.

Ważną częścią lekcji jest sprawdzenie wykonania pracy domowej. Nauczyciel powinien dać uczniowi możliwość całkowitego „wypowiedzenia się”, bez przerywania gry komentarzami. Dowiedziawszy się do końca, jak dobrze praca domowa została opanowana, będzie mógł budować dalszą pracę nad pracą. Niestety bywa inaczej: nauczyciel zatrzymuje ucznia już przy pierwszych taktach i pracuje nad nimi przez całą lekcję. W rezultacie pozostaje niejasne, jak zadanie zostało wykonane i na co należy zwrócić uwagę w pierwszej kolejności.

Wraz z umiejętnością słuchania ucznia, nauczyciel musi mieć również umiejętność słuchania go. Często w trakcie pracy nad pracą nauczyciel doświadcza niezauważalnej zmiany pomysłów i zaczyna przyjmować pożądany dźwięk za prawdziwy, nie zauważając trudności, jakich doświadcza uczeń. W trakcie lekcji taki nauczyciel nadrabia braki w grze ucznia dyrygenturą, śpiewem czy słowem i dopiero na egzaminie nie mogąc „pomóc” uczniowi odkrywa, że ​​jego wykonanie jest dalekie od bezbłędności. Może się zdarzyć, że nauczyciel przyzwyczaiwszy się do niedoskonałego dźwięku, nie usłyszy go również na egzaminie. Jest to jeden z powodów, dla których nauczyciele, choć dość dobrze zorientowani w grze uczniów „zagranicznych”, nie zawsze krytycznie oceniają występy swoich.

Kilka słów o dostępność aplikacji.

Jeśli nauczyciel często musi wpisywać ten sam wpis w dzienniczku ucznia6 „Nie mylić palców”, powinno to wzbudzić w nim niepokój i skłonić do zastanowienia się nad przyczynami nieprzestrzegania zaleceń. Przede wszystkim musimy przejrzeć wymagania z poprzednich lekcji. Być może uczeń został poproszony o grę w szybkim tempie, niedostępnym dla niego na tym etapie. W trakcie występu uczeń pomieszał palce, a wynikająca z tego niestabilność palcowania przekształciła się następnie w stałe pomieszanie i stało się przyczyną nierytmicznej gry, błędów i zatrzymań. Sytuację można poprawić tylko przywracając uczniowi dostępne tempo i sprawdzając palcowanie w wolnym tempie. Ponadto aparat wykonawczy każdego akordeonisty ma swoje własne cechy fizjologiczne i nauczyciel musi to wiedzieć, aby wybrać najbardziej emocjonalne palcowanie dla danego ucznia.

Stwierdziliśmy więc, że nie tylko skomplikowanie programu, ale także odejście od głównych wytycznych dydaktycznych podczas uczenia się utworu może prowadzić do naruszenia zasady dostępności. Jednocześnie kolejny i kolejny wniosek, na pierwszy rzut oka nieco paradoksalny, jest niewątpliwy: prawie nie ma dzieł niewykonalnych - kwestia dotyczy tylko okresu przygotowania i metod pracy nad nimi.

Umiejętność udostępniania materiału jest jednym z głównych warunków udanej pracy nauczyciela. To jest nauka umiejętności i sztuki.

Bibliografia:

1. G. Fetisow. Zagadnienia pedagogiki gitary.

2. V. Avratiner. Materiały metodyczne z pedagogiki, tom. 1M,

Ministerstwo Kultury RFSRR, 1970 Strona 18.

3. L. Barenboim. Zagadnienia pedagogiki fortepianowej i wykonawczej. L.,

Muzyka, 1969

4. G. Kogan. U bram mistrzostwa. M., „radziecki kompozytor”, 1961.

5. W. Domogacki. Siedem poziomów mistrzostwa. Kwestie techniki gry na gitarze.

6. M. Feigin. Indywidualność ucznia i sztuka nauczyciela. M., „Muzyka”,

zestaw narzędzi

„Pierwsze kroki na gitarze sześciostrunowej”

· Wstęp.

· Główną częścią.

· Rozdział I. Donotny okres studiów.

· Rozdział II. Wprowadzenie do notatek.

Rozdział III. Uwaga aplikacji.

Rozdział IV. Tworzenie podstaw selekcji przez słuch.

· Wniosek.

Wstęp.

W pracy przedstawiono materiał metodyczny i przykłady muzyczne, które autor wykorzystał w nauce gry na gitarze sześciostrunowej z uczniami w wieku przedszkolnym i szkolnym. Szkoły gry na gitarze klasycznej - M. Karkassy, ​​​​E. Puhol, P. Agafoshin, A. Ivanov-Kramskoy są przeznaczone dla starszych uczniów i na początkowym etapie są trudne dla dzieci w wieku 6-7 lat, które czasami nie potrafią czytać i pisać, ale grać na instrumencie życzą sobie od pierwszych lekcji. Istnieją bardziej nowoczesne kolekcje dla początkujących, takie jak Guitar Primer. Poradnik dla początkujących. (gitara sześciostrunowa)” pod redakcją czy „Lekcje mistrzowskie dla początkujących” Dmitrija Agejewa. Są one jednak przeznaczone bardziej dla dorosłych „miłośników” gry na gitarze niż dla dzieci. Obejmują okres od pierwszych kroków do gry w zespołach muzycznych, dysponują obszernym materiałem źródłowym o różnym charakterze edukacyjnym, do nauki wykorzystują głównie tabulatury gitarowe i inne symbole, co jest niedopuszczalne w szkole muzycznej. Edukacja w szkole opiera się na zapisie nutowym, a uczniów od pierwszych lekcji należy uczyć kultury obchodzenia się z materiałem muzycznym. Wychodząc z tego, czyli braku nauczania przykładów muzycznych o lekkim charakterze, zaistniała potrzeba stworzenia tego rodzaju podręcznika metodycznego. Najpierw bierze się pod uwagę okres nauki przed notacją, a następnie, w miarę stopniowego studiowania nut, materiał staje się coraz bardziej skomplikowany wraz z dodawaniem coraz większej liczby nowych elementów. W szkoleniu stosowana jest główna metoda dydaktyczna - od prostych do złożonych poprzez powtarzanie przeszłości. W procesie uczenia się należy stale wymagać od uczniów dokładnego i poprawnego wykonywania wszystkich poleceń umieszczonych w notatkach, a także rozwijać w każdy możliwy sposób samokontrolę, która jest niezbędna do pomyślnego odrabiania zadań domowych.

Materiał muzyczny, ćwiczenia - wszystko ma swoją nazwę, ponieważ pomaga dziecku w rozwoju myślenia figuratywnego.

Praca nie uwzględnia zagadnień lądowania, inscenizacji, metod wydobywania dźwięku na gitarze, gdyż ma to miejsce w kształceniu zawodowym każdego nauczyciela. Szczegółowo, w przystępnej formie podanej

instrukcje”, w zbiorze A. Gitmana „Podstawowy trening gry na sześciostrunowej

gitara” – „Sekcja I”.

Ogromne znaczenie w rozwoju każdego instrumentu muzycznego ma umiejętność wyboru przez ucznia melodii, którą lubi ze słuchu. Ta umiejętność jest dodatkową zachętą do studiowania muzyki. Rozdział „Kształtowanie podstaw doboru ze słuchu” przedstawia próbę niejako usystematyzowania tego procesu w treningu, tak aby uformował się on z badanego materiału i stał się podstawą doboru akompaniamentu do piosenek i innych rodzajów gry na gitarze.

Autor uważa, że ​​to opracowanie metodyczne, podręcznik, przyda się początkującym młodym gitarzystom we wstępnym szkoleniu młodych gitarzystów i tworzeniu własnych metod, a także pomoże praktykom innych specjalności, którzy w naszych czasach często uczą „gitary klasa".

Główną częścią.

RozdziałI.

Donotny okres studiów.

Ten okres w szkoleniu młodego gitarzysty w żaden sposób nie oznacza „grania ręką”. Zakłada się, że nauczyciel zapisuje uczniowi materiał nutowy w zeszycie nutowym, a uczeń gra i wykonuje zadania z obserwacji palców prawej i lewej ręki, progów na gryfie itp.

Kiedy po raz pierwszy zapoznasz się z instrumentem - sześciostrunową gitarą - powinieneś wyjaśnić nazwę palców prawej ręki:

P - kciuk

i - palec wskazujący

m - środkowy palec

a - palec serdeczny

mały palec prawej ręki nie bierze udziału w wydobywaniu dźwięku, a dla prawej ręki obowiązuje zasada - obowiązkowa zmiana palców: „Nie mamy prawa bawić się jednym palcem!”. Dla porównania możesz poprosić ucznia, aby chodził na jednej nodze i zapytać go o odczucia: czy to wygodne, ile możesz tak skoczyć?

Gdzie jest napisane na pięciolinii muzycznej,

Gdzie gra się na gitarze?

Następnie pokazuję serię ćwiczeń na zmianę palców prawej ręki, zapisuję to graficznie – gramy:

ćwiczenie numer 1

https://pandia.ru/text/78/486/images/image002_24.jpg" width="193" height="92 src=">

Wskazane jest również, aby od razu podać pojęcie czasów trwania i od pierwszych lekcji uczyć ucznia głośnego liczenia - pomoże to uniknąć problemów z rytmem w przyszłości:

https://pandia.ru/text/78/486/images/image004_21.jpg" width="232" height="94 src=">

Komplikujemy zadanie:

1) skala chromatyczna od nuty „fa” przez całą podstrunnicę wzdłuż I struny,

lewa ręka - 1-2 palce, prawa ręka - na przemian i-m

2) skala chromatyczna od nuty „fa” przez całą podstrunnicę na pierwszej strunie,

od 1. do 13. progu w ruchach wstępujących i opadających,

lewa ręka - 1-2-3 palce, prawa ręka - na przemian

3) skala chromatyczna od nuty „fa” przez całą podstrunnicę wzdłuż I struny,

od 1. do 13. progu w ruchach wstępujących i opadających,

lewa ręka - 1-2-3-4 palce, prawa ręka - na przemian i-m, a poruszając się w górę, dochodząc do 12 progu, przesuwamy palec 4 do 13 progu, a schodząc w dół, dochodząc do 2 pierwszy palec lewej ręki, przesuń ten palec na I próg:

https://pandia.ru/text/78/486/images/image008_19.jpg" width="742" height="99 src=">

Gra na chromatyzmie, w której cztery palce lewej ręki grają w górę

ruch w dół, trzy razy z rzędu, palec lewej ręki odpowiada progowi na gryfie. Przy okazji wyjaśnij: pojęcie „crescendo-diminuendo” – wzmocnienie – zanik dźwięku, pojęcie „reprise” – powtórzenie

https://pandia.ru/text/78/486/images/image010_19.jpg" width="622" height="82">

w prawej ręce - umieść kciuk „r” na szóstej strunie, a reszta palców gra pod nią.

"Śpiewanie"

W tym przykładzie, w porównaniu z poprzednim, występuje naprzemienność długich nut - półnut i krótkich - ćwierćnut, czyli komplikacja układu rytmicznego. Zwróć uwagę na ucznia.

"Spadek"

Do tej pory uczeń grał melodie podobne do siebie, dodawane były tylko nowe nuty. I w tym przykładzie melodia nie zaczyna się od otwartej struny, a nuty nie grają dwóch identycznych, ale sekwencyjnie od „sol” w dół. Zwróć uwagę ucznia na te niuanse, a także podkreśl – na przemian – i-m – w prawej ręce.

"Dwa koty"

Czwarty palec lewej ręki, mały palec, zaczął brać udział w pracy. Od tego momentu w grze biorą udział wszystkie palce lewej ręki, należy zwrócić uwagę ucznia na dokładne przestrzeganie palcowania, gdyż przed nutą „la” palce lewej ręki pokrywały się z progami na podstrunnica:

nuta „fa” - 1. próg - 1. palec

Nuta Fis - 2. próg - 2. palec

uwaga „sól” - 3. próg - 3. palec

nuta „sol sharp” - 4. próg - 4. palec,

a teraz taki zbieg okoliczności nie jest konieczny.

„Na polu była brzoza”

Pierwsze lekcje to granie prostych (rytmicznych) utworów, ćwiczenia na jednej strunie dla utrwalenia podstawowych umiejętności i technik gry na instrumencie, takich jak „apoyando”, alternacja - i-m -. Gdy opanujesz to, dodaj drugą strunę i przestudiuj nuty na niej.

"Lokomotywa"

Od piosenki dla dzieci „Steam Engine” zaczynamy aktywnie grać na 2. strunach. Tutaj musisz zwrócić uwagę na dziecko, że grane są nuty „do” i „re”.

na drugiej strunie na tych samych progach, co nuty „fa” i „sól” na pierwszej strunie.

Trudność polega na skokowym ruchu palców lewej ręki, a nie 2 identycznych nutach, jak to miało miejsce we wcześniejszych przykładach. Pracujemy nad ruchem w górę podobnym do gamma. W refrenie: naprzemienność długich nut

- półnuty i stosunkowo krótkie nuty - ćwierćnuty.

Możesz jednocześnie bawić się i śpiewać słowami, co jest również bardzo przydatne dla rozwoju motoryki mowy, słuchu, koordynacji rąk z głosem:

Lokomotywa jedzie,

Dwie rury i sto kół

Dwie rury, sto kół

Mechanik to czerwony pies!

Dwie rury, sto kół

Mechanik to czerwony pies!

"Królik"

Kawałek na 3. palcu lewej ręki. Tutaj są skoki z drugiej struny na pierwszą. W takim przypadku trzeci palec należy zdjąć z jednej struny i założyć drugą. Trzeci palec zawsze gra w tym utworze - m -.

"Kołysanka"

Technika gry na prawą rękę - a-m-i - polega na graniu „szczypnięciem” kolejno na trzech strunach, zaczynając od pierwszej struny, „p” stoi na szóstej strunie, podczas wykonywania słuchamy melodii układającej się na 1. strunę i zaznaczamy nutę pod „a”, uzyskujemy legato w głosie górnym.

„Preludium nr 1”

Gra na 3 strunach po kolei w określonej sekwencji palców prawej ręki - i-m-a-m -, ze szczyptą. Zwróć uwagę na położenie kciuka prawej ręki: „p” jest na szóstej strunie, a reszta palców gra pod nią.

Wyjaśnij czas trwania „ósmego” - pojęcie woltów

„Miś z lalką”

https://pandia.ru/text/78/486/images/image022_8.jpg" width="384 height=103" height="103">

Gramy na I-tej pozycji, od 2-ej struny, od nuty „la” na 1-tej strunie przechodzimy na V-tą pozycję i kładziemy 1-szy palec, czyli zaczynamy grę pozycyjną lewą ręką .

„Piosenka o koniku polnym”.

Pojęcie - "zatakt" - wyjaśnić. W części II - refren - palcowanie jest zbliżone do gamy C-dur, zaczynając od nuty "A" - zmiana położenia lewej ręki.

Obliczamy pauzę „kwartał” i czas trwania = „ósmy”.

Gra z basami: uważaj - "r" - zawsze na podporze, "apoyando", reszta ze szczyptą.

„Etiuda nr 1”

Granie na basach – trzeba bawić się różnymi opcjami naprzemiennego sekwencjonowania palców prawej ręki, tzw. „brute force”:

p-i-m-a-m-i i tym podobne.

„Etiuda nr 2”

Pojawia się przed-# . Zwykle dzieci wykonują to ćwiczenie łatwo i swobodnie, tutaj palce lewej ręki są uwolnione od pewnej sztywności, która pojawia się podczas gry w „apoyando”, ćwiczymy „szczypanie”.

„Etiuda nr 3”

W „Etiudzie nr 3” nuty pojawiają się na 3. strunie –‑‑ la, sol-# –‑. Nutę - la - czyli II palec należy pozostawić na II progu, nie podnosić jej w czasie, gdy palce prawej ręki wydobywają inne nuty (takt I - II, IV - V - 6 - o ćwierćnuty) . Jest to trudne, ale trzeba to osiągnąć, ponieważ rozwiązano kilka problemów technicznych:

Wzmacnia palce lewej ręki

trenuje samodzielny ruch palców lewej ręki

Trenowana jest koordynacja ruchów obu rąk

Ruchy ekonomiczne są opracowywane dla palców lewej ręki.

Preludium nr 2"

Tutaj musisz zwrócić uwagę ucznia na fakt, że każdy kolejny takt powtarza poprzedni, następuje niejako konsolidacja każdego taktu - rozwija to uwagę ucznia. A potem próbuje znaleźć podobne rzeczy, studiując inne prace.

„Próby”

Od tego utworu zaczynamy grać na dwóch strunach jednocześnie - i-m -,

„r” oznacza szóstą strunę. Zadanie: słuchaj, aby palce grały razem, a dwie nuty rezonowały pod palcami lewej ręki. Z gry na dwóch strunach jednocześnie łatwo przyswoić technikę „tirando” - szczypanie palcami lewej ręki.

„Melodia orientalna”

Tu i gra z basami i dwoma nutami w lewej ręce, jak w "Próbach".

„Organy uliczne”

Po opanowaniu tego utworu uczeń ma pewną swobodę zarówno w zakresie tekstu nutowego, jak i posiadania instrumentu. Możesz rozpocząć naukę proponowanego repertuaru z „Aplikacji muzycznej”.

RozdziałIII.

Uwaga aplikacji.

Dodatek z nutami jest dodatkiem do rozwinięcia dowolnego tematu z rozdziału „Wprowadzenie do nut”. Oto „Etiudy” i „Utwory”, które poszerzają i pogłębiają obecnie badany element nauki gry na gitarze.

Oferowane są etiudy do rozwijania różnych rodzajów techniki prawej ręki. Na pierwszych etapach gry na gitarze dziecku trudno jest poruszać się po instrumencie:

szyja nie znajduje się przed oczami (jak np. klawiatura w pianinie)

6 strun jest w jednej płaszczyźnie, a prawa i lewa ręka w innej

palce w każdej ręce mają swoje własne nazwy, różniące się od siebie

· Nie od razu wiadomo, kiedy prawa ręka gra – „apoyando” – na podporze dolnej struny, a kiedy – „tirando” – szczypta.

Prawa i lewa ręka grają apoyando. Jest pauza - ósma, którą należy zachować, ścisła zmiana palców lewej ręki - i-m

Tutaj na strunach basowych „r” gra na podporze „apoyando”, a po wydobyciu dźwięku pozostaje na miejscu, na dolnej strunie. Wskaż specyfikę drugiego taktu: kciuk „p” po zagraniu basu idzie w górę i nie pozostaje na strunie, ponieważ 4. i 3. struna znajdują się obok siebie.

Palce - i-m - grają szczyptą - „tirando” - na 1. i 2. strunie.

W tego typu ćwiczeniu ćwiczone jest chwytanie dwóch strun jednocześnie, można powiedzieć, że trwają przygotowania do techniki akordowej. Dla uczniów w wieku szkolnym bardzo ważna jest liczba wykonanych prac. Utwory z reguły są do siebie bardzo podobne, ale mają drobne różnice, komplikacje, które generalnie rozwijają technikę gry na instrumencie.

To ćwiczenie ma wartość wielofunkcyjną:

wzmacnia wiedzę muzyczną

Linia melodyczna zbudowana w oktawach

rozwija swobodę ruchu rąk w 1. pozycji.

Zwróć uwagę ucznia na palcowanie prawej ręki:

gra palcem na trzeciej strunie - i

gra palcami na drugiej strunie - m

gra palcami na pierwszej strunie - a

Zasada ta jest (w pewnym sensie) ważna, gdyż pomaga rozwijać logiczne myślenie małego gitarzysty.

Metoda wydobywania dźwięku prawej ręki:

kciuk „r” gra na podporze - „apoyando”

gram ze szczyptą - "tirando"

Pracuj nad rozwojem trzeciego palca lewej ręki. Uczeń po tej „Etiudzie” dobrze koreluje 3. próg gitary ze strunami basowymi. Pojawiły się pierwsze trójdźwiękowe akordy. Uwaga: kciuk prawej ręki – „r” – gra na podporze „apoyando”, musi poruszać się zwinnie, łatwo i swobodnie.

Rozwija umiejętności zabawy „Króliczek” z poprzedniego rozdziału. Melodia jest monofoniczna. Grają na dwóch strunach, wydobywanie dźwięku prawej ręki to „apoyando”, naprzemienność to i-m. Upewnij się, że po długiej nucie - pół - zmienia się palec w prawej ręce. Osobliwością tego utworu jest to, że progi na gryfie i palce lewej ręki są takie same, ale struny są inne.

Walc marionetkowy.

Gra z otwartymi strunami basowymi. Utrwalamy w pamięci ucznia ich położenie na pięciolinii i instrumencie. Produkcja dźwięku prawej ręki: „r” gra „apoyando”, i-m jest odtwarzane z szczyptą. Nazwa utworu implikuje pewne zadania artystyczne: „lalka” znaczy „nierzeczywista”, więc trzeba ją wykonać niejako mechanicznie, ale łatwo i swobodnie. Prosty materiał muzyczny pozwala poradzić sobie z takimi zadaniami.

Rodzaj utworu polifonicznego. Symbolicznie można go podzielić na dwie części: I - ta część - górna linia i II - ta część - dolna linia.

I-ta część - linia melodyczna o charakterze gamowym, dwutaktowa, powtarzana w różnych wysokościach. Najpierw w 1. oktawie na trzech górnych strunach, potem oktawę niżej – na trzech strunach basowych. Wszyscy grają apoyando.

Część II - jakby naśladując głos kukułki "kukułka" i nasłuchując w odpowiedzi echa. „Ku-ku” wydobywa się szczyptą, a „r” - opierając się na dolnym łańcuchu. Spektakl ma charakter dość figuratywny i po zapoznaniu się z nim uczeń ma możliwość przedstawienia spektaklu w formie muzycznej zagadki poprzez wykonanie go na instrumencie. Dzieci z reguły łatwo odgadują nazwę, a następnie same bawią się z przyjemnością.

Piosenka wieczorna.

Wszystkie struny są zaangażowane w grę. W prawej ręce możesz zaoferować 2 opcje palcowania:

I- dwie nuty są jednocześnie grane palcami - i-m

II- najpierw grają jednocześnie - i-m, potem - a-m - i tym podobne.

Drugi wariant wydobywania dźwięku należy stosować w przypadku uczniów bardziej zaawansowanych.

Nowy poziom nauczania:

Rytmiczny wzór w prawej ręce staje się bardziej skomplikowany.

· Po raz pierwszy zaczynamy używać małego „barre” na dwóch strunach w lewej ręce.

Zabawa jest dość duża.

Produkcja dźwięku palców prawej ręki jest już znana i nie budzi wątpliwości.

Naszkicować.

Zabawa dotycząca rozwoju techniki kciuka prawej ręki – „p”. Melodia zbudowana jest na strunach basowych. Tutaj palce lewej ręki odpowiadają progom na gryfie, więc uczeń może grać ten utwór bez uczenia się nut na 6., 5., 4. strunie. Wystarczy wskazać, na której strunie grać i którym palcem lewej ręki.

Rower.

Produkt w formie dwuczęściowej. Powtarzające się motywy.

W pierwszej części - element gamy chromatycznej, próby na cztery palce lewej ręki. W prawej ręce - i-m - „apoyando”.

W drugiej części - grając ze strunami basowymi, musisz głośno liczyć, naprzemiennie - i-m - bardziej celowe jest wykonanie ze szczyptą „tirando”.

Utwór ten należy przekazać uczniowi w drugiej połowie roku, kiedy kształtuje się umiejętność czytania nut z kartki. Tutaj melodia jest śledzona na strunach basowych, a dwutonowe akordy, które wspierają harmonię, zmieniają się z każdym basem. Dziecko musi znać nuty na gitarze w pierwszej pozycji na tyle dobrze, aby dokładnie podążać za palcowaniem wskazanym w tekście nutowym.

RozdziałIV .

Tworzenie podstaw selekcji przez słuch.

Jednym z elementów pomocniczych w nauce gry na gitarze klasycznej sześciostrunowej jest umiejętność wykonywania przez ucznia melodii ze słuchu. Wybierz dla niej akompaniament. Takie umiejętności pomagają nauczycielowi w realizacji określonych zadań pedagogicznych:

zaszczepić miłość do instrumentu

· Pielęgnuj ciężką pracę i wytrwałość

Poszerz swoje muzyczne horyzonty

rozwijać gust muzyczny

Ten rozdział, zawierający ćwiczenia muzyczne i przykłady muzyczne z muzyki popularnej, codziennej, moim zdaniem, pomoże nauczycielowi w rozwijaniu zainteresowania nauką i opanowaniem gry na instrumencie. Chociaż moim zdaniem dość trudno jest nauczyć ucznia samodzielnego „podniesienia” instrumentu, to jeśli nie ma on danych muzycznych (słuch, rytm, pamięć muzyczna), powinien mieć w sobie chęć wybrania melodię, którą lubi, ucho do muzyki do śpiewania i akompaniowania sobie.

Trening, ukształtowanie podstaw do selekcji ze słuchu (biegłość w posługiwaniu się instrumentem, koordynacja ręki, teoretyczne budowanie akordów, technika akordowa) - dają określone efekty. Możesz pokazać uczniowi przykłady, nauczyć się z nim najprostszych metod selekcji ze słuchu, nauczyć się na pamięć określonych zwrotów muzycznych i akompaniamentów. Przy kompetentnym podejściu do tematu muzykowania uczeń, nawet jeśli nie potrafi samodzielnie „wybrać” ze słuchu materiału muzycznego, a następnie wykonać znaną melodię z nut, „poda ją publiczności ” - jest całkiem zdolny, można tego nauczyć.

W tej sytuacji zachęta będzie

i komentarze rodziców: „Jaka znajoma piosenka, jak dobrze ją grasz!”,

i inni: „Słyszałem, jak twoje dziecko gra na gitarze, a koledzy z klasy śpiewają razem z nim” - to wszystko pobudza zainteresowanie i rozwija swobodę gry na instrumencie.

Więc , zamiar ta praca - doskonalenie umiejętności gry na gitarze.

Zadania:

opanowanie prostych 3-dźwiękowych arpeggiowanych akordów na pierwszej pozycji

zastosowanie akordów, wykorzystanie w ćwiczeniach

opanowanie umiejętności najprostszego akompaniamentu

To od czego, od jakiego momentu nauki gry na gitarze można zacząć grać akordy i umieć akompaniamentować?

1) kiedy mniej więcej opanowali laskę muzyczną, szyję;

2) po wykonaniu zadań pierwszego etapu szkolenia:

ułożenie dłoni

Rozpoczął pracę nad techniką, płynnością

wyuczone podstawowe czasy trwania

Rozpoczęła się znajomość gry na gitarze z najprostszymi zwrotami kadencji w klawiszach

Ujawniono zdolność do wybierania ze słuchu w ogóle, aw szczególności do odtwarzania muzyki.

Przybliżony plan podejścia do tematu „selekcja przez słuch»

1) praca domowa dla ucznia:

Podnieś na gitarze melodię M. Kraseva „Mała choinka”

2) praca nad wybraną melodią:

pomóż odebrać

naprawić palcowanie

3) praca domowa - zapisz melodię, narysuj ją graficznie, zagraj według własnego zapisu nutowego z partyturą.

Etap II - ćwiczenie 1), 2) i "Cyganka":

1) Zapisuję pierwszą wersję spektaklu, uczymy się

2) praca domowa - na tym materiale muzycznym - różne układy rytmiczne.

koncepcja literowego oznaczenia notatek

zapis akordów na pięciolinii muzycznej i u góry ich oznaczenie literowe

pojęcie „minor - moll”, „major -dur”, przedstawienie graficzne

· d-moll, D-dur.

nauka zapisu krokowego akordów.

Nauka prostych form w różnych rytmach.

Proponuję przestudiować to na najprostszym repertuarze pieśni „barda”, popularnym planie, który „na słuch” jest zarówno wśród uczniów, jak i ich rodziców. Akompaniament na gitarze najwygodniej jest rozpocząć w tonacjach a-moll, e-moll - tam, gdzie nie trzeba stosować techniki „barre”, palce znajdują się w pierwszej pozycji, znanej początkującym gitarzystom.

Iscena

M. Krasev „Mała choinka”

Melodia jest monofoniczna. Zwykle przy wyborze dzieci nie słuchają końca i oczywiście nie liczą połowy czasu trwania. W linii melodycznej „Chóru” należy zwrócić uwagę na palcowanie gamy „C-dur” monofonicznej. Następnie możesz wykonać piosenkę w zespole „nauczyciel-uczeń”, w którym uczeń gra swoją monofoniczną melodię, a nauczyciel gra akompaniament.

Ten rodzaj melodii, piosenek dla dzieci należy dobierać „ze słuchu” bardziej ilościowo, aby utrwalić najprostszą umiejętność. Nawiasem mówiąc, zaobserwowano z praktyki, że współczesne dzieci w ogóle nie znają rosyjskich pieśni i melodii ludowych, dlatego najlepiej jest wybierać znane piosenki „ze słuchu”, na przykład z kreskówek:

V. Shainsky „Piosenka o koniku polnym” z filmu „Przygody Dunno”

G. Gladkov „Pieśń żółwia” z filmu „Lew i żółw”

E Krylatow „Kołysanka niedźwiedzia” z filmu „Umka”

B Savelyev „Jeśli jesteś dobry” z filmu „Urodziny Leopolda”

I Ostrovsky „Zmęczone zabawki śpią”

Y. Cziczkow „Chunga-changa”

IIscena

Ćwiczenie nr 1:

Ćwiczenia rozwijające technikę „akordową”.

Ćwiczenie oparte na akordach „arpeggiowanych” (rozłożonych).

Nad każdym akordem konieczne jest wskazanie literowego oznaczenia funkcji harmonicznej – pozwala to uczniowi na wizualne zakrycie akordu w zapisie nutowym i jego oznaczenie literowe:

Cygańska dziewczyna.

· Utwór ten można początkowo zaproponować uczniowi, aby spróbował samodzielnie podnieść, jeśli jest z nim zaznajomiony.

· Poprawiać błędy.

Zapisz numer 1 w zeszycie, zapamiętaj go.

· A w partiach dla nr 2 i nr 3 wskazać tylko rytm i uczeń samodzielnie uzupełni cały utwór na poznanym materiale muzycznym z części nr 1.

Zapisz w zeszycie części dla nr 2 i nr 3.

Ćwiczenie nr 2:

To ćwiczenie jest trudniejsze niż ćwiczenie nr 1. Zmieniono kolejność funkcji, dodano A7.

Ćwiczenie nr 3:

Zacznijmy wydobywać 3 dźwięczne akordy. Palcowanie jest studiowane w ćwiczeniach arpeggio. Trudność ucznia w zrobieniu trzech notatek

równocześnie. Należy zwrócić uwagę studenta na fakt, że w takcie zmienia się tylko bas, a akord jest jeden.

Ćwiczenie nr 4:

Materiał muzyczny stał się bardziej skomplikowany:

Za każdym razem, gdy zmienia się bas i akord,

Ćwiczenie nr 5:

Funkcje, akordy są znane uczniowi z poprzedniego ćwiczenia, układ rytmiczny uległ zmianie.

Ćwiczenie nr 6:

Ćwiczenie numer 7

Ćwiczenie nr 8:

Komplikujemy zadanie - zmieniamy tonację, układ rytmiczny.

Wszystkie ćwiczenia muszą być głośno liczone, odtwarzane zgodnie z nutami, aby jednocześnie rozwijała się pamięć motoryczna, wzrokowa, słuchowa dziecka, ćwiczyła koordynację ruchów i doprowadziła do automatyzmu różne wzorce rytmiczne. W przyszłości, gdy opanujesz tę technikę, będziesz mógł łączyć rytmy z różnych ćwiczeń w tej samej tonacji: wyobraźnia każdego nauczyciela jest już dostępna. Wszystko to ma na celu głębsze poznanie możliwości gitary, wzmocnienie aparatu grającego, tak aby rozwijała się lekkość i swoboda w grze na instrumencie.

Wniosek.

Podana technika pierwszych kroków na gitarze została sprawdzona w praktyce. Dzieci lubią grać na instrumencie od pierwszych lekcji, wybrany materiał jest przystępny dla zrozumienia uczniów w wieku 6-7 lat, gra na gitarze jest łatwa. Na lekcjach specjalności rozwijają się pozytywne emocje, uczeń ma poczucie lekkości i swobody, które musi umiejętnie utrzymywać i rozwijać przez cały okres nauki. Jeśli wcześniej szkoła muzyczna miała kształcić przyszłych zawodowych muzyków, komisje rekrutacyjne przeprowadzały ścisłą selekcję, odbywał się konkurs między tymi, którzy chcieli „uczyć się muzyki”, to w naszych czasach szkoła muzyczna współpracuje z każdym, kto przychodzi, bez wybór obecności danych muzycznych. I to prawda, człowiek musi się rozwijać i doskonalić w wielu dziedzinach, mimo że natura nie obdarzyła go zdolnościami i supertalentami. Wszystkie zainteresowane dzieci można nauczyć gry na dowolnym instrumencie muzycznym w tomie szkoły muzycznej, nauczyciel musi uzbroić się w cierpliwość i pomóc w osiągnięciu pewnych rezultatów.

Po drodze nauczyciel rozwiązuje problemy wydobywania dźwięku, jakości wykonywanego materiału muzycznego. Nazwy ćwiczeń dają pole do popisu dziecięcej wyobraźni. Przygotuje to studentów do opracowywania zbiorów repertuarowych i utworów znanych już gitarzystów klasycznych oraz kompozytorów współczesnych. Do pracy z dziećmi możesz skorzystać z kolekcji V. Yarmolenki „Antologia gitarzysty dla uczniów klas 1-7 szkoły muzycznej”. Zgromadzono tu wiele melodii ludowych i najczęściej wykonywany repertuar na gitarę z wielu znanych kolekcji.

Bibliografia:

Ageev D. Gitara. Lekcje mistrzowskie dla początkujących. - Petersburg: Piotr, 2009.

Gitarzysta Bocharow. Poradnik dla początkujących. - M.: Porozumienie, 2002.

Gitman A. Wstępne szkolenie na gitarze sześciostrunowej. - M.: Presto, 1999.

Iwanowa. Rozwój umiejętności muzykowania w pracy z początkującymi w klasie fortepianu. (DShI nr 1, Czelabińsk). - Czelabińsk, 2000.

Ivanov-Kramskoy grający na sześciostrunowej gitarze. - M.: Muzyka, 1979.

Kołoturskaja. Akompaniament. (DSHI nr 5, Czelabińsk).

- Czelabińsk, 2000.

Michaił. Rozwój umiejętności muzykowania (dobór ze słuchu, aranżacja, improwizacja) w klasach 1-7 Dziecięcej Szkoły Plastycznej. (DSHI nr 12, Czelabińsk).

- Czelabińsk, 2000.

Kroki Fetisowa gitarzysty. Zeszyt numer 1. - M .: Wydawnictwo V. Katansky, 2005.

Yarmolenko V. Lektor gitarzysty dla uczniów klas 1-7 szkoły muzycznej. - M., 2010.

Podręcznik metodyczny Shishkina Ludmiła Wiktorowna
MOU „Gimnazjum nr 10”, Żeleznogorsk, obwód kurski

„Pierwsze kroki na gitarze sześciostrunowej”

Treść.

Wstęp.


Główną częścią.


Rozdział I. Donotny okres studiów.


Rozdział II. Wprowadzenie do notatek.


Rozdział III Nota aplikacyjna.


Rozdział IV. Tworzenie podstaw selekcji przez słuch.


Wniosek.

Wstęp.W pracy przedstawiono materiał metodyczny i przykłady muzyczne, które autor wykorzystał w nauce gry na gitarze sześciostrunowej z uczniami w wieku przedszkolnym i szkolnym. Szkoły gry na gitarze klasycznej - M. Karkassy, ​​​​E. Pukhol, P. Agafoshin, A. Ivanov-Kramskoy są przeznaczone dla starszych uczniów i na początkowym etapie są trudne dla dzieci w wieku 6-7 lat, które czasami nie potrafią czytać i pisać , ale grać na instrumencie życzą sobie od pierwszych lekcji. Istnieją bardziej nowoczesne kolekcje dla początkujących, takie jak Guitar Primer. Poradnik dla początkujących. (gitara sześciostrunowa)” pod redakcją Bocharowa O.A. lub „Lekcje mistrza dla początkujących” Dmitrija Agejewa. Są one jednak przeznaczone bardziej dla dorosłych „miłośników” gry na gitarze niż dla dzieci. Obejmują okres od pierwszych kroków do gry w zespołach muzycznych, dysponują obszernym materiałem źródłowym o różnym charakterze edukacyjnym, do nauki wykorzystują głównie tabulatury gitarowe i inne symbole, co jest niedopuszczalne w szkole muzycznej. Edukacja w szkole opiera się na zapisie nutowym, a uczniów od pierwszych lekcji należy uczyć kultury obchodzenia się z materiałem muzycznym. Wychodząc z tego, czyli braku nauczania przykładów muzycznych o lekkim charakterze, zaistniała potrzeba stworzenia tego rodzaju podręcznika metodycznego. Najpierw bierze się pod uwagę okres nauki przed notacją, a następnie, w miarę stopniowego studiowania nut, materiał staje się coraz bardziej skomplikowany wraz z dodawaniem coraz większej liczby nowych elementów. W szkoleniu stosowana jest główna metoda dydaktyczna - od prostych do złożonych poprzez powtarzanie przeszłości. W procesie uczenia się należy stale wymagać od uczniów dokładnego i poprawnego wykonywania wszystkich poleceń umieszczonych w notatkach, a także rozwijać w każdy możliwy sposób samokontrolę, która jest niezbędna do pomyślnego odrabiania zadań domowych.

Materiał muzyczny, ćwiczenia - wszystko ma swoją nazwę, ponieważ pomaga dziecku w rozwoju myślenia figuratywnego.

Praca nie uwzględnia zagadnień lądowania, inscenizacji, metod wydobywania dźwięku na gitarze, gdyż ma to miejsce w kształceniu zawodowym każdego nauczyciela. Szczegółowo, w przystępnej formie podanej

aspekt w szkoleniu omawiają współcześni autorzy: w zbiorze G.A. Fetisowa „Pierwsze kroki gitarzysty”, zeszyt nr 1 w dziale „Metodologiczne

instrukcje”, w zbiorze A. Gitmana „Podstawowy trening gry na sześciostrunowej

gitara" "Sekcja I".

Ogromne znaczenie w rozwoju każdego instrumentu muzycznego ma umiejętność wyboru przez ucznia melodii, którą lubi ze słuchu. Ta umiejętność jest dodatkową zachętą do studiowania muzyki. Rozdział „Kształtowanie podstaw doboru ze słuchu” przedstawia próbę niejako usystematyzowania tego procesu w treningu, tak aby uformował się on z badanego materiału i stał się podstawą doboru akompaniamentu do piosenek i innych rodzajów gry na gitarze.

Autor uważa, że ​​to opracowanie metodyczne, podręcznik, przyda się początkującym młodym gitarzystom we wstępnym szkoleniu młodych gitarzystów i tworzeniu własnych metod, a także pomoże praktykom innych specjalności, którzy w naszych czasach często uczą „gitary klasa".Główną częścią.

Rozdział I.

Donotny okres studiów. Ten okres w szkoleniu młodego gitarzysty w żaden sposób nie oznacza „grania ręką”. Zakłada się, że nauczyciel zapisuje uczniowi materiał nutowy w zeszycie nutowym, a uczeń gra i wykonuje zadania z obserwacji palców prawej i lewej ręki, progów na gryfie itp.

Kiedy po raz pierwszy zapoznasz się z instrumentem - sześciostrunową gitarą - powinieneś wyjaśnić nazwę palców prawej ręki:

Kciuk P

palec wskazujący

m środkowy palec

a - palec serdeczny

mały palec prawej ręki nie bierze udziału w wydobywaniu dźwięku, a dla prawej ręki obowiązuje zasada - obowiązkowa zmiana palców: „Nie mamy prawa bawić się jednym palcem!”. Dla porównania możesz poprosić ucznia, aby chodził na jednej nodze i zapytać go o odczucia: czy to wygodne, ile możesz tak skoczyć?

Gdzie jest napisane na pięciolinii muzycznej,

Gdzie gra się na gitarze?

Następnie pokazuję serię ćwiczeń na zmianę palców prawej ręki, zapisuję to graficznie – gramy:

ćwiczenie numer 1

ćwiczenie nr 2

Wskazane jest również, aby od razu podać pojęcie czasów trwania i od pierwszych lekcji uczyć ucznia głośnego liczenia - pomoże to uniknąć problemów z rytmem w przyszłości:

Kolejna zasada gitary:

Ćwiczenie „Swing”.

Najpierw pokazuję dziecku naprzemienność palców lewej i prawej ręki w tym samym czasie, te same palce pracują - bez zabawy. Motyw jest jak na huśtawce - w górę iw dół, w górę iw dół. Następnie zapisujemy graficznie i wykonujemy na instrumencie:

"Huśtać się".

Komplikujemy zadanie:

skala chromatyczna od nuty „fa” przez całą podstrunnicę na pierwszej strunie,

lewa ręka - 1-2 palce, prawa ręka - na przemian i-m
2) skala chromatyczna od nuty „fa” przez całą podstrunnicę na pierwszej strunie,

od 1. do 13. progu w ruchach wstępujących i opadających,

lewa ręka - 1-2-3 palce, prawa ręka - na przemian
3) skala chromatyczna od nuty „fa” przez całą podstrunnicę wzdłuż I struny,

od 1. do 13. progu w ruchach wstępujących i opadających,

lewa ręka - 1-2-3-4 palce, prawa ręka - na przemian i-m, a poruszając się w górę, dochodząc do 12 progu, przesuwamy palec 4 do 13 progu, a schodząc w dół, dochodząc do 2 pierwszy palec lewej ręki, przesuń ten palec na I próg:

"Bryza"Gra na chromatyzmie, w której cztery palce lewej ręki grają w górę

ruch w dół, trzy razy z rzędu, palec lewej ręki odpowiada progowi na gryfie. Przy okazji wyjaśnij: koncepcję wzmocnienia-zaniku dźwięku „crescendo-diminuendo”, koncepcję powtórzeń „reprise”
. Powtórzenie jest bardzo ważnym elementem w praktyce wykonawczej, ponieważ zmusza ucznia do mobilizacji do kilkukrotnego zagrania tego samego momentu, co nie zawsze się sprawdza.

Rozdział II.

Wprowadzenie do notatek. W miarę opanowywania ćwiczeń okresu „dolnego” należy przystąpić do studiowania nut na pierwszej strunie w pozycji I, z dalszym utrwalaniem każdej nowej nuty w materiale muzycznym w postaci różnych śpiewów:

„Na górze na górze”Głośno licz, grając zwróć uwagę na ustawienie lewej ręki – wszystkie palce ułóż dookoła, trzymaj za karkiem,

w prawej ręce - umieść kciuk „r” na szóstej strunie, a reszta palców gra pod nią."Śpiewanie"W tym przykładzie, w porównaniu z poprzednim, występuje naprzemienność długich nut - półnut i krótkich - ćwierćnut, czyli komplikacja układu rytmicznego. Zwróć uwagę na ucznia.

"Kroki"Do studium dodano nutę „sol”, która znajduje się na 3. progu pierwszej struny."Spadek"Do tej pory uczeń grał melodie podobne do siebie, dodawane były tylko nowe nuty. I w tym przykładzie melodia nie zaczyna się od otwartej struny, a nuty grane są nie dwiema identycznymi, ale sekwencyjnie od „sol” w dół. Zwróć uwagę ucznia na te niuanse, a także podkreśl – na przemian – i-m – w prawej ręce."Dwa koty"

Czwarty palec lewej ręki, mały palec, zaczął brać udział w pracy. Od tego momentu w grze biorą udział wszystkie palce lewej ręki, należy zwrócić uwagę ucznia na dokładne przestrzeganie palcowania, gdyż przed nutą „la” palce lewej ręki pokrywały się z progami na podstrunnica:

nuta „fa” 1. próg - 1. palec


uwaga „Fis” 2. próg - 2. palec


uwaga „sól” 3. próg - 3. palec


nuta „sol sharp” 4. próg - 4. palec,

a teraz taki zbieg okoliczności nie jest konieczny.„Na polu była brzoza”

Pierwsze lekcje to granie prostych (rytmicznych) utworów, ćwiczenia na jednej strunie dla utrwalenia podstawowych umiejętności i technik gry na instrumencie, takich jak „apoyando”, alternacja – i-m. Gdy opanujesz to, dodaj drugą strunę i przestudiuj nuty na niej."Lokomotywa"

Od piosenki dla dzieci „Steam Engine” zaczynamy aktywnie grać na 2. strunach. Tutaj musisz zwrócić uwagę na dziecko, że grane są nuty „do” i „re”.

na drugiej strunie na tych samych progach, co nuty „fa” i „sól” na pierwszej strunie.

Trudność polega na skokowym ruchu palców lewej ręki, a nie 2 identycznych nutach, jak to miało miejsce we wcześniejszych przykładach. Pracujemy nad ruchem w górę podobnym do gamma. W refrenie: naprzemienność długich nut

Półnuty i stosunkowo krótkie nuty - ćwierćnuty.

Możesz jednocześnie bawić się i śpiewać słowami, co jest również bardzo przydatne dla rozwoju motoryki mowy, słuchu, koordynacji rąk z głosem:

Lokomotywa jedzie,

Dwie rury i sto kół

Dwie rury, sto kół

Mechanik to czerwony pies!

Dwie rury, sto kół

Mechanik to czerwony pies!"Królik"

Kawałek na 3. palcu lewej ręki. Tutaj są skoki z drugiej struny na pierwszą. W takim przypadku trzeci palec należy zdjąć z jednej struny i założyć drugą. W tym utworze zawsze gra trzeci palec – m.in."Kołysanka"

Technika gry na prawą rękę - a-m-i - polega na „szczypaniu” kolejno na trzech strunach, zaczynając od pierwszej struny, „r” jest na szóstej strunie, podczas wykonywania słuchamy melodii układającej się w 1. strunę i zaznaczamy nutę pod „a”, uzyskujemy legato w głosie górnym.

„Preludium nr 1”
Gra na 3 strunach po kolei w określonej sekwencji palców prawej ręki - i-m-a-m, ze szczyptą. Zwróć uwagę na położenie kciuka prawej ręki: „p” jest na szóstej strunie, a reszta palców gra pod nią.

Wyjaśnij czas trwania „ósmego”, pojęcie woltów„Miś z lalką”

Edukacyjne momenty tej piosenki dla dzieci:

gra na dwóch strunach


kombinacja różnych czasów trwania - ćwierć-ósma-połowa


są powtórzenia, które należy wykonać poprawnie


zgodność palcowania


jest tekst piosenki, którą możesz zaśpiewać przy swoim akompaniamencie.

Gamma „C-dur” w jednej oktawie.

Gramy na I-tej pozycji, od 2-ej struny, od nuty „la” na 1-tej strunie przechodzimy na V-tą pozycję i kładziemy 1-szy palec, czyli zaczynamy grę pozycyjną lewą ręką .„Piosenka o koniku polnym”.

Pojęcie - "zatakt" do wyjaśnienia. W części II - refrenie - palcowanie jest zbliżone do skali "C-dur", począwszy od nuty "A" zmiana położenia lewej ręki.

Obliczamy pauzę „kwartał” i czas trwania = „ósmy”.Granie z basami: uwaga - „p” jest zawsze na podporze, „apoyando”, reszta jest ściśnięta.„Etiuda nr 1”

Granie na basach – trzeba bawić się różnymi opcjami naprzemiennego sekwencjonowania palców prawej ręki, tzw. „brute force”:

p-ja-m-a


p-ja-m-a-ja-m


p-ja-m-ja-m


p-i-m-a-m-i i tym podobne.

„Etiuda nr 2”

Pojawia się przed-# . Zwykle dzieci wykonują to ćwiczenie łatwo i swobodnie, tutaj palce lewej ręki są uwolnione od pewnej sztywności, która pojawia się podczas gry w „apoyando”, ćwiczymy „szczypanie”.„Etiuda nr 3”

W „Etiudzie nr 3” nuty pojawiają się na 3. strunie la, sol-#. Nutę - la, czyli II palec, należy pozostawić na II progu, nie podnosząc, dopóki palce prawej ręki nie wydobędą innych nut (1 - 2 takty, 4 - 5 - 6 tak ty). Jest to trudne, ale trzeba to osiągnąć, ponieważ rozwiązano kilka problemów technicznych:

wzmocnienie palców lewej ręki


trenuje samodzielny ruch palców lewej ręki


trening koordynacji ruchów obu rąk


ruchy ekonomiczne są opracowywane dla palców lewej ręki.

Preludium nr 2"

Tutaj musisz zwrócić uwagę ucznia na fakt, że każdy kolejny takt powtarza poprzedni, następuje niejako konsolidacja każdego taktu - rozwija to uwagę ucznia. A potem próbuje znaleźć podobne rzeczy, studiując inne prace.„Próby”

Od tego utworu zaczynamy grać na dwóch strunach jednocześnie - i-m,

„r” jest na szóstej strunie. Zadanie: słuchaj, aby palce grały razem, a dwie nuty rezonowały pod palcami lewej ręki. Z gry na dwóch strunach jednocześnie łatwo przyswoić technikę „tirando”, polegającą na szczypaniu palców lewej ręki.

„Melodia orientalna”
Tu i gra z basami i dwoma nutami w lewej ręce, jak w "Próbach".„Organy uliczne”
Po opanowaniu tego utworu uczeń ma pewną swobodę zarówno w zakresie tekstu nutowego, jak i posiadania instrumentu. Możesz rozpocząć naukę proponowanego repertuaru z „Aplikacji muzycznej”.Rozdział III.

Uwaga aplikacji.

Dodatek z nutami jest dodatkiem do rozwinięcia dowolnego tematu z rozdziału „Wprowadzenie do nut”. Oto „Etiudy” i „Utwory”, które poszerzają i pogłębiają obecnie badany element nauki gry na gitarze.Szkice.

Oferowane są etiudy do rozwijania różnych rodzajów techniki prawej ręki. Na pierwszych etapach gry na gitarze dziecku trudno jest poruszać się po instrumencie:

szyja nie znajduje się przed oczami (jak np. klawiatura w pianinie)


6 strun jest w jednej płaszczyźnie, a prawa i lewa ręka w innej


palce w każdej ręce mają swoje własne nazwy, różniące się od siebie


nie jest od razu jasne, kiedy prawa ręka gra „apoyando” na dolnej strunie, a kiedy gra „tirando” ze szczyptą.

Etiuda nr 1

Prawa i lewa ręka grają apoyando. Jest pauza - ósma, którą należy zachować, ścisła zmiana palców lewej ręki i-m

Etiuda nr 2


Tutaj na strunach basowych „r” gra na podporze „apoyando”, a po wydobyciu dźwięku pozostaje na miejscu, na dolnej strunie. Wskaż specyfikę drugiego taktu: kciuk „p” po zagraniu basu idzie w górę i nie pozostaje na strunie, ponieważ 4. i 3. struna znajdują się obok siebie.

Palce - i-m - grają szczyptą - „tirando” na 1. i 2. strunie.
Etiuda nr 3


W tego typu ćwiczeniu ćwiczone jest chwytanie dwóch strun jednocześnie, można powiedzieć, że trwają przygotowania do techniki akordowej. Dla uczniów w wieku szkolnym bardzo ważna jest liczba wykonanych prac. Utwory z reguły są do siebie bardzo podobne, ale mają drobne różnice, komplikacje, które generalnie rozwijają technikę gry na instrumencie.

Etiuda nr 4


To ćwiczenie ma wartość wielofunkcyjną:

wzmacnia wiedzę muzyczną


Linia melodyczna zbudowana w oktawach


rozwija swobodę ruchu rąk w 1. pozycji.

Zwróć uwagę ucznia na palcowanie prawej ręki:

gra palcem na trzeciej strunie - i


gra palcami na drugiej strunie - m


gra palcami na pierwszej strunie - a

Zasada ta jest (w pewnym sensie) ważna, gdyż pomaga rozwijać logiczne myślenie małego gitarzysty.

Metoda wydobywania dźwięku prawej ręki:

kciuk „r” gra na podporze - „apoyando”


gram ze szczyptą - "tirando"

Etiuda nr 5


Pracuj nad rozwojem trzeciego palca lewej ręki. Uczeń po tej „Etiudzie” dobrze koreluje 3. próg gitary ze strunami basowymi. Pojawiły się pierwsze trójdźwiękowe akordy. Uwaga: kciuk prawej ręki - „p” gra na podporze, „apoyando”, powinien poruszać się ruchomo, łatwo i swobodnie.
sztuki.

Poleczka.


Rozwija umiejętności zabawy „Króliczek” z poprzedniego rozdziału. Melodia jest monofoniczna. Grają na dwóch strunach, wydobywanie dźwięku prawej ręki to „apoyando”, naprzemienność to i-m. Upewnij się, że po długiej nucie - pół - zmienia się palec w prawej ręce. Osobliwością tego utworu jest to, że progi na gryfie i palce lewej ręki są takie same, ale struny są inne.
Walc marionetkowy.


Gra z otwartymi strunami basowymi. Utrwalamy w pamięci ucznia ich położenie na pięciolinii i instrumencie. Produkcja dźwięku prawej ręki: „r” gra „apoyando”, i-m jest odtwarzane z szczyptą. Nazwa spektaklu sugeruje pewne zadania artystyczne: „lalka” znaczy „sztuczka”, więc trzeba grać jakby mechanicznie, ale łatwo i swobodnie. Prosty materiał muzyczny pozwala poradzić sobie z takimi zadaniami.
Kukułka.

Rodzaj utworu polifonicznego. Symbolicznie można go podzielić na dwie części: I-ta część to górna linia, a II-ta część to dolna linia.

Część druga to linia melodyczna o charakterze gamowym, dwutaktowa, powtarzana w różnych wysokościach, najpierw w 1. oktawie na trzech górnych strunach, potem o oktawę niżej – na trzech strunach basowych. Wszyscy grają apoyando.


Druga część - jakby naśladując głos kukułki "kukułka" i słuchając w odpowiedzi echa. „Ku-ku” do wydobycia ze szczyptą, a „p” na podstawie dolnej struny. Spektakl ma charakter dość figuratywny i po zapoznaniu się z nim uczeń ma możliwość przedstawienia spektaklu w formie muzycznej zagadki poprzez wykonanie go na instrumencie. Dzieci z reguły łatwo odgadują nazwę, a następnie same bawią się z przyjemnością.

Piosenka wieczorna.


Wszystkie struny są zaangażowane w grę. W prawej ręce możesz zaoferować 2 opcje palcowania:

dwie nuty grane jednocześnie palcami - i-m


najpierw graj i-m w tym samym czasie, potem - a-m - i tym podobne.

Drugi wariant wydobywania dźwięku należy stosować w przypadku uczniów bardziej zaawansowanych.

Taniec.


Nowy poziom nauczania:

Rytmiczny wzór w prawej ręce staje się bardziej skomplikowany.


Po raz pierwszy zaczynamy używać małego „drążka” na dwóch strunach w lewej ręce.


Zabawa jest dość duża.

Produkcja dźwięku palców prawej ręki jest już znana i nie budzi wątpliwości.
Naszkicować.


Zabawa dotycząca rozwoju techniki kciuka prawej ręki – „p”. Melodia zbudowana jest na strunach basowych. Tutaj palce lewej ręki odpowiadają progom na gryfie, więc uczeń może grać ten utwór bez uczenia się nut na 6., 5., 4. strunie. Wystarczy wskazać, na której strunie grać i którym palcem lewej ręki.
Rower.


Produkt w formie dwuczęściowej. Powtarzające się motywy.

W pierwszej części - element gamy chromatycznej, próby na cztery palce lewej ręki. W prawej ręce - i-m - „apoyando”.

W drugiej części - grając ze strunami basowymi, musisz głośno liczyć, naprzemiennie - i-m - bardziej celowe jest wykonanie ze szczyptą „tirando”.

Okrągły taniec.


Utwór ten należy przekazać uczniowi w drugiej połowie roku, kiedy kształtuje się umiejętność czytania nut z kartki. Tutaj melodia jest śledzona na strunach basowych, a dwutonowe akordy, które wspierają harmonię, zmieniają się z każdym basem. Dziecko musi znać nuty na gitarze w pierwszej pozycji na tyle dobrze, aby dokładnie podążać za palcowaniem wskazanym w tekście nutowym.

Rozdział IV.

Tworzenie podstaw selekcji przez słuch.
Jednym z elementów pomocniczych w nauce gry na gitarze klasycznej sześciostrunowej jest umiejętność wykonywania przez ucznia melodii ze słuchu. Wybierz dla niej akompaniament. Takie umiejętności pomagają nauczycielowi w realizacji określonych zadań pedagogicznych:

zaszczepić miłość do instrumentu


pielęgnować ciężką pracę i wytrwałość


poszerzać swoje muzyczne horyzonty


rozwijać gust muzyczny

Ten rozdział, zawierający ćwiczenia muzyczne i przykłady muzyczne z muzyki popularnej, codziennej, moim zdaniem, pomoże nauczycielowi w rozwijaniu zainteresowania nauką i opanowaniem gry na instrumencie. Chociaż moim zdaniem dość trudno jest nauczyć ucznia samodzielnego „podniesienia” instrumentu, to jeśli nie ma on danych muzycznych (słuch, rytm, pamięć muzyczna), powinien mieć w sobie chęć wybrania melodię, którą lubi, ucho do muzyki do śpiewania i akompaniowania sobie.

Trening, ukształtowanie podstaw do selekcji ze słuchu (biegłość w posługiwaniu się instrumentem, koordynacja ręki, teoretyczne budowanie akordów, technika akordowa) - dają określone efekty. Możesz pokazać uczniowi przykłady, nauczyć się z nim najprostszych metod selekcji ze słuchu, nauczyć się na pamięć określonych zwrotów muzycznych i akompaniamentów. Przy kompetentnym podejściu do tematu muzykowania uczeń, nawet jeśli nie potrafi samodzielnie „wybrać” ze słuchu materiału muzycznego, a następnie wykonać znaną melodię z nut, „poda ją publiczności ” - jest całkiem zdolny, można tego nauczyć.

W tej sytuacji zachęta będzie

i komentarze rodziców: „Jaka znajoma piosenka, jak dobrze ją grasz!”,

i inni: „Słyszałem, jak twoje dziecko gra na gitarze, a koledzy z klasy śpiewają razem z nim” - to wszystko pobudza zainteresowanie i rozwija swobodę gry na instrumencie.

Więc, zamiar ta praca - doskonalenie umiejętności gry na gitarze.

Zadania:

opanowanie prostych 3-dźwiękowych arpeggiowanych akordów na pierwszej pozycji


zastosowanie akordów, wykorzystanie w ćwiczeniach


opanowanie umiejętności najprostszego akompaniamentu

To od czego, od jakiego momentu nauki gry na gitarze można zacząć grać akordy i umieć akompaniamentować?

1) kiedy mniej więcej opanowali laskę muzyczną, szyję;

2) po wykonaniu zadań pierwszego etapu szkolenia:

ustawienie rąk


rozpoczęto pracę nad techniką, płynnością


wyuczone podstawowe czasy trwania


Rozpoczęła się znajomość gry na gitarze z najprostszymi zwrotami kadencji w klawiszach


ujawniono umiejętność wybierania ze słuchu w ogóle, aw szczególności odtwarzania muzyki.

Przybliżony plan podejścia do tematu „selekcja przez słuch »
I etap:
1) praca domowa dla ucznia:

Podnieś na gitarze melodię M. Kraseva „Mała choinka”

2) praca nad wybraną melodią:

pomóż odebrać

naprawić palcowanie

3) praca domowa - zapisz melodię, narysuj ją graficznie, zagraj według własnego zapisu nutowego z partyturą.

Etap II - ćwiczenie 1), 2) i "Cyganka":

Zapisuję pierwszą wersję spektaklu, uczę się


praca domowa - na tym materiale muzycznym - różne układy rytmiczne.

III etap:

koncepcja notatek literowych


wypisanie akordów na pięciolinii i u góry - ich oznaczenie literowe


pojęcie „minor - moll”, „major -dur”, obraz graficzny


d-moll, D-dur.


nauka zapisu krokowego akordów.

IV etap:

Nauka prostych form w różnych rytmach.

Proponuję przestudiować to na najprostszym repertuarze pieśni „barda”, popularnym planie, który „na słuch” jest zarówno wśród uczniów, jak i ich rodziców. Akompaniament na gitarze najwygodniej jest rozpocząć w tonacjach a-moll, e-moll - tam, gdzie nie trzeba stosować techniki „barre”, palce znajdują się w pierwszej pozycji, znanej początkującym gitarzystom.
ja inscenizuję

M. Krasev „Mała choinka”


Melodia jest monofoniczna. Zwykle przy wyborze dzieci nie słuchają końca i oczywiście nie liczą połowy czasu trwania. W linii melodycznej „Chóru” należy zwrócić uwagę na palcowanie gamy „C-dur” monofonicznej. Następnie możesz wykonać piosenkę w zespole „nauczyciel-uczeń”, w którym uczeń gra swoją monofoniczną melodię, a nauczyciel gra akompaniament.

Ten rodzaj melodii, piosenek dla dzieci należy dobierać „ze słuchu” bardziej ilościowo, aby utrwalić najprostszą umiejętność. Nawiasem mówiąc, zaobserwowano z praktyki, że współczesne dzieci w ogóle nie znają rosyjskich pieśni i melodii ludowych, dlatego najlepiej jest wybierać znane piosenki „ze słuchu”, na przykład z kreskówek:

V. Shainsky „Piosenka o koniku polnym” z filmu „Przygody Dunno”

G. Gladkov „Pieśń żółwia” z filmu „Lew i żółw”

E Krylatow „Kołysanka niedźwiedzia” z filmu „Umka”

B Savelyev „Jeśli jesteś dobry” z filmu „Urodziny Leopolda”

I Ostrovsky „Zmęczone zabawki śpią”

Y. Cziczkow „Chunga-changa”

II etap
Ćwiczenie nr 1:


Ćwiczenia rozwijające technikę „akordową”.

Ćwiczenie oparte na akordach „arpeggiowanych” (rozłożonych).

Nad każdym akordem konieczne jest wskazanie literowego oznaczenia funkcji harmonicznej – pozwala to uczniowi na wizualne zakrycie akordu w zapisie nutowym i jego oznaczenie literowe:
Cygańska dziewczyna.

Ten kawałek można początkowo zaproponować uczniowi, aby spróbował go podnieść samodzielnie, jeśli jest z nim zaznajomiony.


Poprawiać błędy.


Zapisz numer 1 w zeszycie, zapamiętaj go.


A w częściach nr 2 i nr 3 wskaż tylko rytm, a uczeń samodzielnie uzupełni cały utwór na poznanym materiale muzycznym części nr 1.


Wpisz w zeszycie części dla nr 2 i nr 3.

Ćwiczenie nr 2:

To ćwiczenie jest trudniejsze niż ćwiczenie nr 1. Zmieniono kolejność funkcji, dodano A7.
Etap III
Poniżej przedstawiono przykłady funkcji harmonicznych a-moll (a moll), najczęściej używanych w wariantach pieśni. Klawisz a moll jest wygodny i łatwy dla gitarzystów.
Ćwiczenie nr 3:

Zacznijmy wydobywać 3 dźwięczne akordy. Palcowanie jest studiowane w ćwiczeniach arpeggio. Trudność ucznia w zrobieniu trzech notatek

równocześnie. Należy zwrócić uwagę studenta na fakt, że w takcie zmienia się tylko bas, a akord jest jeden.
Ćwiczenie nr 4:


Materiał muzyczny stał się bardziej skomplikowany:

Za każdym razem, gdy zmienia się bas i akord,

Do znanych już akordów - С-dur - G-dur dodano nowe, ale palcowania nie można odłożyć wszędzie, ale tylko tam, gdzie pojawiają się nieznane akordy - w postaci palców sygnałowych.
Ćwiczenie nr 5:

Funkcje, akordy są znane uczniowi z poprzedniego ćwiczenia, układ rytmiczny uległ zmianie.

Ćwiczenie nr 6:

Ćwiczenie numer 7

Ćwiczenie nr 8:

Komplikujemy zadanie - zmieniamy tonację, układ rytmiczny.


Wszystkie ćwiczenia muszą być głośno liczone, odtwarzane zgodnie z nutami, aby jednocześnie rozwijała się pamięć motoryczna, wzrokowa, słuchowa dziecka, ćwiczyła koordynację ruchów i doprowadziła do automatyzmu różne wzorce rytmiczne. W przyszłości, gdy opanujesz tę technikę, będziesz mógł łączyć rytmy z różnych ćwiczeń w tej samej tonacji: wyobraźnia każdego nauczyciela jest już dostępna. Wszystko to ma na celu głębsze poznanie możliwości gitary, wzmocnienie aparatu grającego, tak aby rozwijała się lekkość i swoboda w grze na instrumencie.

Wniosek.
Podana technika pierwszych kroków na gitarze została sprawdzona w praktyce. Dzieci lubią grać na instrumencie od pierwszych lekcji, wybrany materiał jest przystępny dla zrozumienia uczniów w wieku 6-7 lat, gra na gitarze jest łatwa. Na lekcjach specjalności rozwijają się pozytywne emocje, uczeń ma poczucie lekkości i swobody, które musi umiejętnie utrzymywać i rozwijać przez cały okres nauki. Jeśli wcześniej szkoła muzyczna miała kształcić przyszłych zawodowych muzyków, komisje rekrutacyjne przeprowadzały ścisłą selekcję, odbywał się konkurs między tymi, którzy chcieli „uczyć się muzyki”, to w naszych czasach szkoła muzyczna współpracuje z każdym, kto przychodzi, bez wybór obecności danych muzycznych. I to prawda, człowiek musi się rozwijać i doskonalić w wielu dziedzinach, mimo że natura nie obdarzyła go zdolnościami i supertalentami. Wszystkie zainteresowane dzieci można nauczyć gry na dowolnym instrumencie muzycznym w tomie szkoły muzycznej, nauczyciel musi uzbroić się w cierpliwość i pomóc w osiągnięciu pewnych rezultatów.

Autor zaleca, aby każdy uczeń przejrzał wszystkie przykłady muzyczne zawarte w tym podręczniku.

Po drodze nauczyciel rozwiązuje problemy wydobywania dźwięku, jakości wykonywanego materiału muzycznego. Nazwy ćwiczeń dają pole do popisu dziecięcej wyobraźni. Przygotuje to studentów do opracowywania zbiorów repertuarowych i utworów znanych już gitarzystów klasycznych oraz kompozytorów współczesnych. Do pracy z dziećmi możesz skorzystać z kolekcji V. Yarmolenki „Antologia gitarzysty dla uczniów klas 1-7 szkoły muzycznej”. Zgromadzono tu wiele melodii ludowych i najczęściej wykonywany repertuar na gitarę z wielu znanych kolekcji.

Bibliografia:
Ageev D. Gitara. Lekcje mistrzowskie dla początkujących. - Petersburg: Piotr, 2009.
Bocharow O.A. Elementarz gitarzysty. Poradnik dla początkujących. M.: Akkord, 2002.
Gitman A. Wstępne szkolenie na gitarze sześciostrunowej. M.: Presto, 1999.
Iwanowa S.V. Program. Rozwój umiejętności muzykowania w pracy z początkującymi w klasie fortepianu. (DShI nr 1, Czelabińsk). Czelabińsk, 2000.
Iwanow-Kramskoj A.M. Szkoła gry na gitarze sześciostrunowej. Moskwa: Muzyka, 1979.
Program Kołoturskaja EP. Akompaniament. (DSHI nr 5, Czelabińsk).

Czelabińsk, 2000.
Program Michaił MI. Rozwój umiejętności muzykowania (dobór ze słuchu, aranżacja, improwizacja) w klasach 1-7 Dziecięcej Szkoły Plastycznej. (DSHI nr 12, Czelabińsk).

Czelabińsk, 2000.
Fetisow GA Pierwsze kroki gitarzysty. Zeszyt numer 1. M.: Wydawnictwo V. Katansky, 2005.
Yarmolenko V. Lektor gitarzysty dla uczniów klas 1-7 szkoły muzycznej. - M., 2010.