Krótki opis obrazów Goi związanych z siłami ciemności, czarownicami i diabłem.
udanej podróży
kaprysy
Prawdopodobnie największym dziełem poświęconym tematyce czarów i czarownic jest cykl rycin caprichos. Przedstawione w nim ryciny ośmieszają sytuację polityczną kraju, status społeczny i religijne uprzedzenia ludności.
polowanie na zęby
świetna koza
Data powstania: 1798.
Typ: fresk.
Sabat
Ten wspaniały obraz jest częścią serii sześciu prac zamówionych przez Goyę dla księcia Osun w celu udekorowania jego posiadłości pod Madrytem. Bohaterem sceny jest diabeł. Przedstawiany jest w postaci dużego kozła, gotowego złożyć w ofierze dwoje dzieci. Praca jest uważana za satyryczną i krytyczną wobec przesądów niewykształconego społeczeństwa.
Lot czarownic
Data powstania: 1797.
Lokalizacja: Prado.
Lot czarownic
Inna praca dla księcia Osun, podobnie jak seria Caprichos, przedstawia sceny czarów. Trzy postacie w kapeluszach chwyciły w powietrzu nagiego mężczyznę. Oprócz nich można zobaczyć biedaka zakrywającego uszy oraz biegnącego mężczyznę w białym płaszczu, odtwarzającego prawą ręką gest mający chronić przed złym okiem. Ten obraz został zakupiony przez Muzeum Prado w 1999 roku.
Wniosek
Francisco Goya, choć stworzył wiele dzieł o tematyce mistycznej, traktował ją z humorem i nieufnością, dostrzegając zapewne jedynie ciekawe sceny i obrazy w tajemniczych rytuałach i wierzeniach.
Czarownice z Goya aktualizacja: 15 września 2017 r. przez: Gleb
„Jestem Goya! Oczodoły lejków wydziobał kruk lecący na nagie pole. Jestem Gore. Tak napisał Andriej Wozniesienski w swoim słynnym wierszu, potwierdzając istniejącą opinię, że współczesny człowiek postrzega wielkiego Hiszpana przede wszystkim jako twórcę mrocznych, przerażających i trudnych do zrozumienia kreacji.
Tymczasem Francisco Goya to nie tylko głód i powieszone kobiety. Przede wszystkim jest pierwszym artystą modernistycznym, który zmienił klasyczną ideę kompozycji w malarstwie. Goya słusznie uważany jest za łącznika między starą a nową sztuką, spadkobiercę Velazqueza i poprzednika Maneta. W jego obrazach jest zarówno zmysłowość i klarowność minionych wieków, jak i płaski antyiluzjonizm współczesności.
Goya nie miał ulubionego gatunku. Malował pejzaże i martwe natury. Równie dobrze radził sobie z twarzami pompatycznych szlachciców i ponętnymi rysami kobiecych ciał. Jego pędzle należą do jasnych historycznych płócien i obrazów, które w pomysłowy sposób oddają treść biblijnych opowieści. Ale w twórczości Goi jest jedna cecha, której nie znajdziesz u innych artystów. Nikt nigdy nie przedstawił tak przekonująco i autentycznie okrucieństwa, przesądów i szaleństwa. Goya potrafił z maksymalnym realizmem i szczerością pokazać najbardziej skrajne i odrażające właściwości natury ludzkiej. Najwyraźniej ta cecha jego artystycznego charakteru objawiła się w tzw. „Czarnych obrazach”, zespole fresków, którymi Goya pokrył ściany swojego domu na obrzeżach Madrytu.
W 1819 roku Goya przeniósł się z Madrytu do wiejskiego domu z posiadłością znaną jako Quinta del Sordo (Dom Głuchych).
Quinta del Sordo (Dom Głuchych). Rysunek wykonał św. Elma Goutier w 1877 roku. Dom Goi to mały budynek po lewej stronie. Prawe skrzydło wzniesiono po śmierci artysty.
W tym czasie artysta przeżył szereg osobistych tragedii: śmierć żony i kilkorga dzieci, rozłąkę z bliskimi przyjaciółmi, poważną chorobę, która spowodowała głuchotę. Osiedlając się poza miastem, w cichym miejscu po drugiej stronie rzeki Manzanares, Goya ma nadzieję znaleźć spokój ducha i uniknąć plotek na temat swojego związku z Leocadią Weiss, piękną młodą kobietą, która w tym czasie była żoną bogatego kupca Isidoro Weissa.
Jednak trudna sytuacja w kraju, w której artysta dotkliwie przeżywa, oraz ciężki zawał serca odbijają się druzgocąco na jego zdrowiu i psychice. Goya wpada w depresję. Nie widzi nic radosnego i jasnego w otaczającym go świecie. Próbując poradzić sobie z wewnętrznym chaosem i tęsknotą, Goya maluje farbami olejnymi piętnaście obrazów na ścianach pomieszczeń swojego domu, które później nazwano „czarnymi” ze względu na niepokojący nastrój i dominację w palecie ciemnych tonów. Część z nich poświęcona jest tematyce biblijnej lub mitologicznej, ale zasadniczo „Czarne obrazy” to ponure twory wyobraźni artysty.
Istnieje wiele wyjaśnień filozoficznego i symbolicznego znaczenia obrazów z „Domu Głuchych”. Niektórzy badacze twórczości Goi uważają, że „Czarne obrazy” są generalnie niezrozumiałe. Co to za freski? Projekcje koszmarów, odciśnięte halucynacje chorego umysłu czy zaszyfrowane proroctwa przyszłych kłopotów, które czekają zarówno samego Goyę, jak i całą ludzkość? Nie ma jednej odpowiedzi.
Można jednak z całą pewnością stwierdzić, że w „Czarnych obrazach” Goya, być może spontanicznie i nieumyślnie, wyraził w formie przerażających tajemniczych obrazów to, co go dręczyło i niepokoiło: wojna domowa, upadek rewolucji hiszpańskiej, stosunki z Leocadią Weissa, jego własnego nieuchronnego starzenia się i zbliżającej się śmierci. Umiejscowienie „czarnych obrazów” na ścianach „Domu Głuchych” artysta podporządkował pewnemu planowi, łącząc swoje dzieło w jeden kompleks, który można podzielić na dwie części: dolną i górną. Dlatego, aby „odczytać” obrazy Quinta del Sordo, zrozumieć ich ukryte znaczenie, należy wyjść nie tylko z tego, co jest przedstawione na freskach, ale także wziąć pod uwagę ich wzajemne relacje przestrzenne.
Freski na parterze
W podłużnym pomieszczeniu dolnej kondygnacji, w filarach, znajdowało się siedem fresków, wykonanych w tym samym stylu i przedstawiających kompletną kompozycję.
Po obu stronach drzwi wejściowych umieszczono dwa portrety: prawdopodobnie samego pana i jego gospodyni Leokadii Weiss, która później została gospodynią domu.
Znajdujący się po lewej stronie portret Leokadii przedstawia młodą elegancką kobietę opartą o ogrodzenie grobu.
Co znaczy grób? Być może Goya chciał pokazać, że Leocadia czeka na śmierć męża, który uniemożliwia jej zostanie legalną żoną artysty. A może to grób samego Goi, a portret mówi o ponurych przeczuciach, które go ogarnęły?
Na prawo od drzwi są „Dwóch starców”.
Starzec z długą brodą, przypominający postać z rysunku Goyi „Jeszcze się uczę”, przedstawia najprawdopodobniej samego malarza. Drugą postacią jest demon jego natchnienia lub piekielny kusiciel, który zmuszony jest krzyczeć do ucha głuchego artysty, aby ten go usłyszał.
We wnęce nad drzwiami - "Dwie staruszki jedzące ze wspólnego talerza". Temu freskowi poświęca się niewiele uwagi, ma on jednak ogromne znaczenie dla całej kompozycji. Przedstawione na nim postacie nie tylko jedzą, ale także wskazują jakieś miejsce poza przestrzenią obrazu. Gdzie wskazują palce?
Może artysta sparodiował samego siebie, nawiązując do portretów księżnej Alby, które kiedyś malował?
Ale najprawdopodobniej stare kobiety wskazują na Goyę, jakby przypominając mu o starczej niemocy i nieuchronnej śmierci.
Na ścianie naprzeciwko drzwi wejściowych Goya namalował dwa oddzielone oknem obrazy, które później stały się najbardziej znane wśród jego współczesnych wielbicieli: „Saturn pożerający swoje dzieci” i „Judyta odcinająca głowę Holofernesowi”, które podobnie jak freski przy drzwiach wejściowych są wizerunki Goi i Leocadii, ale symboliczne.
Utożsamiając się z Saturnem, Goya wyraził obawę o syna Javiera, którego bał się zniszczyć niewłaściwym wychowaniem, zazdrością czy niesprawiedliwym gniewem. Brzydkie pogańskie bóstwo zjadające własne dziecko jest emocjonalną metaforą nieuchronnego starcia ojców i dzieci.
W obrazie Judyty, uosabiającej władzę kobiety nad mężczyzną, znalazły odzwierciedlenie doświadczenia Goi związane z jego starzeniem się i zanikaniem sił. Oczywiście związek z Leocadią potęgował to gorzkie uczucie.
Na lewo od „Leokadii”, na dużej podłużnej ścianie między oknami, znajdował się ogromny fryz „Sabat Czarownic” lub „Wielka Koza”. Naprzeciw niego na prawej ścianie znajduje się fryz „Pielgrzymka do św. Isidore”, przedstawiający doroczne uroczystości odbywające się w Madrycie.
Goya wcześniej poruszał temat czarów i satanizmu. Czarownice były głównymi bohaterami jego słynnych rycin „Caprichos”. W 1798 roku namalował obraz o tym samym tytule, co fresk w Domu głuchoniemych. Ale najwyraźniej artysta nie był zainteresowany magią jako taką, ale przesądami, które istniały w tym czasie w społeczeństwie hiszpańskim. Sabat czarownic, mimo przygnębiającego i niepokojącego nastroju, jest najprawdopodobniej dziełem satyrycznym, w którym Goya wyśmiewa ludzką głupotę, brak wykształcenia i racjonalnego myślenia. Muszę powiedzieć, że ten fresk ma inny, polityczny wydźwięk. Jej treść jest skierowana przeciwko rojalistom i duchowieństwu, które po klęsce rewolucji hiszpańskiej zdobyło znaczącą władzę.
„Pielgrzymka do św. Izydora” Goi, ponura karykatura życia i zwyczajów Hiszpanii na początku XIX wieku. Pijanego, wrzeszczącego tłumu plebsu wyraźnie nie ogarnia uczucie religijne. Dla uczestników pielgrzymki święto jednego z najbardziej czczonych świętych w Hiszpanii to tylko pretekst do wypicia i popisania się. Jednak ciemność spowijająca spacerujący tłum i przerażone twarze pielgrzymów nadają obrazowi ponury nastrój. Dla wzmocnienia dramatyzmu tego, co się dzieje, Goya umieścił w prawym dolnym rogu fresku postać mnicha, który z goryczą i smutkiem obserwuje procesję. „Pielgrzymka do św. Izydora” mimowolnie chce się porównywać z innym, pełnym światła i radości dziełem Goi, „Ucztą w dniu św. Izydora”, którą napisał czterdzieści pięć lat przed powstaniem „czarnych obrazów”.
Freski na drugim piętrze
W pokoju na drugim piętrze znajdowało się osiem nadających się do malowania pomostów, ale Goya wykorzystał tylko siedem z nich. Na prawo od drzwi wejściowych widniał tajemniczy „Pies”, na dłuższej lewej ścianie „Atropos” lub „Moira” i „Pojedynek z pałkami”, po przeciwnej prawej stronie „Asmodeusz” i „Spacer Inkwizycji”, na na ścianie naprzeciwko wejścia i po lewej stronie okna znajdowały się „Czytelniczki”, po prawej – „Śmiejące się kobiety”.
„Pies”, najdziwniejszy fresk, który dał początek wielu interpretacjom, jest wizualnie podzielony na dwie części, górną i dolną.
Górna jasnożółta część zajmuje główną przestrzeń obrazu, dlatego widzowie zazwyczaj postrzegają ją jako złote niebo rozpostarte nad brązowymi ruchomymi piaskami, z którego próbuje się wydostać pies. Jej spojrzenie skierowane ku górze, ku tajemniczej ciemnej przestrzeni, zdaje się być apelem do sił wyższych o pomoc. Niewykluczone, że właśnie tak czuł się artysta w tym trudnym dla niego okresie: samotny, umierający w otchłani nędzy i nieszczęść, które go ogarnęły, ale nie tracący nadziei na cudowne ocalenie.
Znajdujący się na lewej ścianie obraz „Atropos” nawiązuje do fabuły starożytnej mitologii greckiej.
Atropos (Moira)
Goya przedstawiał boginie losu, Clotho, Lachesis i Atropos jako brzydkie, odpychające stworzenia unoszące się w powietrzu. Pośrodku obrazu, w otoczeniu bogiń, znajduje się postać mężczyzny z rękami związanymi z tyłu, co najwyraźniej oznacza bezsilność człowieka przed ciosami losu.
Obok Atropos „Bitwa maczug” przedstawia dwóch mężczyzn walczących na śmierć i życie, którzy ugrzęźli głęboko w błocie i przez to nie mogą opuścić pola bitwy.
Sądząc po tym, że mężczyźni są do siebie bardzo podobni, ich walka symbolizuje wojnę domową, która szalała w tym czasie w Hiszpanii.
Zajmująca pierwszą prawą ścianę „Asmodeusza”, prawdopodobnie najtrudniejsza do wyjaśnienia praca ze wszystkich, napisana przez artystę na ścianach „Domu Głuchych”.
Dwie postacie, mężczyzna i kobieta, są zamrożone w powietrzu. Ich twarze są wykrzywione strachem, gesty wyrażają niepokój. Najwyraźniej bohaterowie fresku nie czują się chronieni przed niebezpieczeństwami czyhającymi na świat, który leży pod nimi. Mężczyzna wyciągnął rękę do ogromnej skały, na której znajduje się miasto z murami twierdzy. Kobieta patrzy w przeciwnym kierunku. Poniżej, pod latającymi postaciami, widoczni są żołnierze francuscy gotowi do prowadzenia ognia celnego oraz grupa ludzi z końmi i wozami. Pomimo przerażającego i niezwykle niepokojącego nastroju, obraz jest niesamowicie piękny, dzięki wypełniającemu go złotym tłem, z niebieskimi i srebrnymi plamami, na których znajdują się dwa, niezwiązane ze sobą, jaskrawoczerwone obiekty.
Kontynuacja Asmodei, The Walk of the Inquisition, ma niejasną fabułę i mogła nie zostać ukończona.
Kompozycja obrazu jest zepsuta: uwagę widza przykuwa prawy dolny róg, w którym znajduje się grupa nieestetycznych postaci z mężczyzną w szatach inkwizytora na pierwszym planie. Resztę zajmuje ponury górski krajobraz z niewyraźnymi postaciami ludzkimi. Ten obraz ma drugie imię – „Pielgrzymka do źródła San Isidro” i często jest mylony z obrazem znajdującym się na pierwszym piętrze, który ma podobną nazwę.
„Czytelniczki” i „Śmiejące się kobiety” oddzielone oknem wykonane są w tej samej stylistyce i kompozycyjnie się uzupełniają.
„Czytelnicy” przedstawiają grupę mężczyzn, którzy z wielką uwagą słuchają mężczyzny czytającego na głos gazetę leżącą na jego kolanach. Niektórzy badacze twórczości Goi uważają, że są to politycy, którzy studiują poświęcony im artykuł.
Laughing Women to parafraza The Readers, w której uwaga dwóch roześmianych kobiet skupia się na mężczyźnie, który wydaje się masturbować. Jakie jest prawdziwe znaczenie tego osobliwego dyptyku? Prawdopodobnie artysta chciał pokazać, że spotkania polityczne, podobnie jak masturbacja, to zajęcie bezowocne, ale przyjemne.
Tajemnice związane z „czarnymi obrazami” nie ograniczają się do ich tajemniczej treści. Istnieje jednak przypuszczenie, wielokrotnie obalane, że autorem fresków Quinta del Sordo nie jest Goya, lecz jego syn Javier. Autorzy tej teorii wychodzą z faktu, że współcześni Goi nie wiedzieli o istnieniu „ciemnych obrazów” i nigdy ich nie widzieli, a pierwsza wzmianka o freskach pojawiła się drukiem 40 lat po śmierci artysty. Ponadto „Dom Głuchych” w czasach, gdy mieszkał w nim Goya, miał tylko jedno piętro, a drugie dobudowano po jego wyjeździe do Francji. Dlatego autorstwa Goi nie można uznać za niepodważalne.
Obecnie „czarne obrazy”, przeniesione ze ścian na płótno, można oglądać w Muzeum Prado w Madrycie. Pomimo tego, że kolejność obrazów nie odpowiada „Domu głuchych” i naruszona jest integralność kompozycji, ich oddziaływanie na widza nie zmniejszyło się. Ponure i przerażające obrazy stworzone przez hiszpańskiego geniusza budzą silne i sprzeczne uczucia, zmuszając do podziwiania brzydoty, podziwiania brzydoty i cieszenia się obrzydliwością.
4 kwietnia 2013 w ukraińskich kinach swoją premierę będzie miał dramat kryminalny "Trans" w reżyserii Danny'ego Boyle'a ("Slumdog Millionaire" i "Trainspotting"), znanego ze śmiałych eksperymentów i niespodzianek w swojej twórczości. Od redakcji Beintrend! przestudiowałem historię powstania tego filmu i przygotowałem 5 ciekawostek, które z pewnością Cię zainteresują i najprawdopodobniej doprowadzą do premiery.
Trance to porywający thriller o organizatorze aukcji dzieł sztuki, Simonie (James McAvoy), który zleca gangowi przestępców upozorowanie kradzieży drogiego obrazu. Jednak podczas „napadu” bandyci zadają mu silny cios w głowę, po czym nasz bohater traci pamięć i nie może sobie przypomnieć, gdzie ukrył bezcenny skarb. Aby przywrócić pamięć i poszukać zdjęcia, szef gangu (Vincent Cassel) zatrudnia profesjonalnego hipnotyzera (Rosario Dawson). Pod wpływem hipnozy Simon musi odnaleźć wśród swoich wspomnień lokalizację kryjówki, ale zamiast tego bohater zaczyna gubić granice między tym, co pożądane, a tym, co rzeczywiste.
Scenariusz do filmu „Trans” powstawał przez ponad dwa lata (2009 – 2011).
Michael Fassbender i Colin Firth byli brani pod uwagę do roli, którą później otrzymał Vincent Cassel.
Rosario Dawson studiowała zawód hipnotyzera: uczęszczała na zajęcia z hipnozy oraz czytała książki z zakresu hipnoterapii i psychologii.
Ponadto filmowcy zaprosili profesora Davida Oakleya, psychologa klinicznego i badacza z Uniwersytetu Londyńskiego, aby pełnił rolę konsultanta przy filmie.
Możliwość obserwowania relacji między lekarzem a pacjentem pomogła aktorce stworzyć główną część wizerunku władczej, spokojnej i doświadczonej specjalistki, zdolnej do przeprowadzania hipnotycznych sesji z postacią McAvoya. „Spotkałem się z wieloma specjalistami. Wszedłem w stan hipnozy” – mówi Rosario. „Hipnotyzer przychodził też do nas na próby, aby każdy mógł zapoznać się z jego pracą.”
Niektóre odcinki były kręcone przez szkło lub pleksi, aby celowo zniekształcić obraz, dając widzowi efekt „transu”.
„Dużo kręciliśmy przez szkło lub pleksiglas, więc kilka pierwszych zdjęć było trochę dziwnych” — wyjaśnia reżyser Mark Tyldesley. „Nie jest to łatwe, ponieważ nie chcieliśmy powiedzieć wprost: „Patrz, on jest w transie”, chcieliśmy to zrobić dyskretnie. Publiczność musiała zobaczyć prawdziwy świat trochę zniekształcony, niezwykły, ale w taki sposób, aby nie wyśledzić idei, że coś się dzieje.
Aby jak najdokładniej oddać głos na planie (barwa głosu i dźwięki są bardzo ważne dla hipnozy), mikrofon został umieszczony centymetr od granicy kadru.
Kamera otwiera przed widzem kalejdoskop: na chwilę uchwycone twarze i ciała zostają zastąpione graficznymi inscenizacjami, półtony - jaskrawym światłem.
Gładki głos hipnotyzera to rytm bębnów w ścieżce dźwiękowej Ricka Smitha z grupy „Underworld”, przywodzący na myśl bicie mocno bijącego serca.
Jako obraz do porwania wybrano Goyę „Witches in the Air”.
Dla Danny'ego Boyle'a, który na swoich obrazach nie ma ani jednego przypadkowego szczegółu, wybór „Witches in the Air” Goyi jako kluczowej układanki jest przemyślanym i przygotowanym krokiem.
4 kwietnia na rosyjskich ekranach pojawi się nowy film Danny'ego Boyle'a "Trans", opowiadający o konfrontacji licytatora, gangstera i psychoterapeuty w sprawie skradzionego obrazu o wartości 25 milionów dolarów. Boyle jest jednym z tych Brytyjczyków, którym udało się zdobyć bezwarunkowe uznanie Hollywood. Jego film „Slumdog Millionaire” został uznany za najlepszy film 2008 roku w Anglii i USA i zebrał wszystkie najważniejsze rynkowe nagrody – BAFTA, Złoty Glob i Oscara. Jednocześnie motywy Boyle'a dalekie są od akceptowanych w kulturze masowej: narkomanii, przemocy, wrogości religijnej i narodowej. W nowym filmie bada hipnozę. I potęga pieniądza. Jak prawdziwy brytyjski ekscentryk sam rozpoczął wywiad
Czy rozmawiałeś już z Vincentem (Vincent Cassel, który grał rolę przywódcy gangu Frank. - „RR”)? Widzisz, Vincent często odwiedzał Rosję. Ma wiele historii i przemyśleń na ten temat. Jeśli chodzi o mnie, prezentowałem tylko swoje filmy i tak naprawdę nic nie widziałem. Chociaż w zeszłym roku, kiedy moja córka skończyła 21 lat, zabrałem ją do Petersburga. Ermitaż mnie zaszokował. Mogłabym tam spędzić kilka tygodni. Wyobraź sobie, że wchodzisz do pokoju - a tam wisi Matisse i nikogo tam nie ma! Rozglądasz się: gdzie są goście? Gdzie jest ochrona? Nikt! Możesz spokojnie spojrzeć na zdjęcie i nikt nie będzie się wtrącał. Takiego drugiego miejsca na świecie nie ma!
Czy to stąd wziął się pomysł nakręcenia filmu o skradzionym obrazie?
Może… (śmiech)
I dlaczego wybrałeś do filmu „Witches in the Air” Francisco Goya?
Goya rozszerzył zakres swojej sztuki współczesnej: zaczął rysować nie tylko świat rzeczywisty, ale także to, o czym ludzie myślą lub zgadują. Często badał sny. „Witches in the Air” to jego najbardziej surrealistyczne dzieło, które pogrąża widza w szaleństwie. Kiedy zobaczyłem na zdjęciu mężczyznę, który biegnie z welonem na głowie, byłem zdumiony, jak bardzo odpowiada to charakterowi głównego bohatera – licytatora Szymona, który biegnie, ale nie wie dokąd.
Bohaterowie „Trance” to ludzie sukcesu. Dlaczego muszą uciekać? Simon pracuje w dużym domu aukcyjnym, Frank jest wielkim biznesmenem, Elizabeth ma bogatych klientów. Poczucie, że chcą ukraść obraz Goi, bo się po prostu nudzą.
Kiedy tworzysz film, chcesz, aby miał on impuls do czegoś nowego. Energia przejścia do innego świata. Impulsem do takiej przemiany może być walizka z pieniędzmi, która spadnie na głowę, skradziony obraz, czy udział w programie „Kto chce być milionerem” w Indiach.
Pracując nad filmem, otwierasz się na ten nowy świat. Lubię kino właśnie dlatego, że jako reżyser nie wiesz, dokąd zaprowadzą Cię nowe okoliczności. Pochodzę z zepsutego, rozpieszczonego świata i chcę przełamać jego ograniczenia. Moi bohaterowie chcą zrobić coś niezwykłego. Elżbieta na co dzień pracuje z ludźmi, którzy przychodzą do niej, by pozbyć się lęku przed pająkami czy uzależnienia od golfa. Oczywiście, że się nudzi!
Czyli mieszkańcy bogatych krajów podświadomie dążą do okrucieństwa i chaosu?
Weźmy na przykład Igrzyska Olimpijskie w Londynie. Rok przed igrzyskami w Anglii wybuchały powstania. Londyn płonął, ludzie kradli, wylewała się chciwość. A rok później - igrzyska olimpijskie, które stały się wyrazem ducha narodowego. Społeczeństwo zawsze wymaga konformizmu: konieczne jest zachowanie porządku i samego społeczeństwa. Jednak wolność słowa nadal wymaga ochrony, choć nie zawsze jest to przyjemne. Kiedy ruch punkowy zaczął się w Anglii, był nie do przyjęcia dla większości ludzi. A dziś ten ruch jest pełen niewinności i romantyzmu. Ponieważ idea wolności jest zawsze romantyczna i idealistyczna. Nawiasem mówiąc, sam byłem punkiem.
Simon nieustannie powtarza, że żaden obraz nie jest wart ludzkiego życia. Czy w ogóle jest coś warte?
Życie drugiego człowieka. Tylko to. Jeśli o tym zapomnisz, bardzo łatwo znowu zacząć palić ludzi w piecach.
Kto według ciebie jest bohaterem XXI wieku?
Albo bohaterka. W Trance po raz pierwszy dałem kobiecie poważną rolę. Nie jest to od razu oczywiste, ale motorem całego filmu jest kobieta. Mam dwie piękne córki po dwudziestce, ale wciąż nie nakręciłem filmu z kobiecą rolą, możesz sobie wyobrazić? Chociaż, jeśli wybierzesz bohatera XXI wieku, jestem pewien, że będzie to kobieta.
Skąd ona będzie pochodzić?
Staramy się patrzeć w przyszłość, ale wszystko, na czym polegamy, pochodzi z przeszłości. Wydaje mi się, że kobiety będą miały największy wpływ na nauki stosowane. Na przykład Samsung wypuścił smartfon, który Cię obserwuje. Jeśli przestaniesz na niego patrzeć, wyłączy się; spójrz ponownie, włączy się. Spójrz na ludzi wokół: sprawdzają telefony co dwie sekundy. Związek między człowiekiem a technologią będzie coraz silniejszy. Wkrótce biotechnologowie uczynią gadżety częścią ludzkiego ciała, a nasza bohaterka XXI wieku musi pochodzić z tego świata, a nie z tradycyjnych dziedzin, takich jak kultura czy polityka.
I gdzie w tej sytuacji trafi film?
Dziś nawet w kinie ten sam film, na który przyszedł, można obejrzeć jednocześnie na ekranie swojego smartfona. Tylko dlatego, że jest bardziej znajomy. Nie możesz powstrzymać ludzi przed aktualizowaniem ich Twittera co minutę filmu. Musimy nauczyć się to akceptować.
Wiem jedno: ludzie zawsze lubili dobre historie. Z psychologicznego punktu widzenia ludzie są uwięzieni za ciągłe poszukiwanie nowych historii i faktów za pośrednictwem jakichkolwiek nadawców, czy to telewizji, telefonu, kina czy sceny teatralnej. Zawsze potrzebujemy więcej.
Wiele osób uważa, że kina nie przetrwają, ale mam nadzieję, że tak. Ponieważ jest coś szczególnego w zbiorowym postrzeganiu idei. Z drugiej strony, mój pogląd jest poglądem mojego pokolenia. Osobiście uwielbiam chodzić do kina. A jako reżyser staram się znaleźć powód, dla którego ludzie chcą iść do kina i siedzieć tam w ciemnym pokoju z nieznajomymi, a nie tylko ściągać film i oglądać go gdzie i kiedy jest to wygodne.
Reżyserował pan ceremonię otwarcia Igrzysk Olimpijskich w Londynie. Czy jest to trudniejsze niż zrobienie filmu?
Dla mnie osobiście robienie filmów jest trudniejsze. Olimpiada to historia kraju, zawsze jest aktualna. A w filmach opowiadasz osobiste historie. Ale osobista historia jest rzeczą organiczną, zmienia się co minutę. Ciągle muszę coś robić, żeby historia, którą kręcę, nie zdezaktualizowała się już na planie.
To jest prawdziwy problem współczesnego kina. Tworzysz historię, film wychodzi za rok. Masz tam jakąś techniczną nowość, a rok później technologie poszły do przodu i nikt nie będzie pamiętał, co tam pokazujesz. Dlatego sam nigdy nie robiłem filmów tematycznych. I dlatego reżyserzy nieustannie wybierają jako tematy miłość, śmierć, seks, strach – odwieczne składniki naszego życia.
Czyli tematy uwielbiane przez Hollywood. Ale nadal pracujesz z nimi w inny sposób - bardziej ponury, czy coś ... I nadal dostajesz za to Oscary.
Zawsze staram się pracować poza systemem Hollywood. Ale w praktyce wszyscy pracujemy w ramach tego systemu. Weźmy nawet niskobudżetowe, utalentowane filmy: nikt ich nie zobaczy, dopóki studio nie weźmie ich pod swoje skrzydła i nie zacznie ich dystrybuować.
Przyznaję. Ale staram się, aby moje historie były nieoczekiwane. Starałem się zrobić „Trance” tak, aby widz cały czas miał wątpliwości: na początku filmu James McAvoy wydaje się być bohaterem (gra Simona licytatora – „RR”), ale w prawdziwym świetle pojawia się przed nami dopiero na końcu. Cassel zaczyna jako klasyczny złoczyńca, ale pod koniec filmu staje się nastolatkiem, który nie wie, co zrobić ze swoimi uczuciami. Wszystkie te odcienie można pokazać tylko wtedy, gdy pracujesz z mniejszym budżetem, który pozwala przeciwstawić się tradycjom Hollywood. Hollywood działa, ponieważ ludzie chcą prostych wartości, oczywiście. Ale zawsze miło jest go zawstydzić i nakręcić coś mroczniejszego, niż chce.
Czarownice z Goya Francisco Jose de Goya y Lucientes (hiszp. Francisco Jose de Goya y Lucientes, 30 marca 1746 r., Fuendetodes, niedaleko Saragossy - 16 kwietnia 1828 r., Bordeaux) był wielkim hiszpańskim artystą i rytownikiem. Jeden z najjaśniejszych mistrzów romantycznego kierunku i sztuki.
1797. Obraz Lot czarownic przedstawia sceny czarów. Trzy postacie w kapeluszach chwyciły w powietrzu nagiego mężczyznę. Oprócz nich można zobaczyć biedaka zakrywającego uszy oraz biegnącego mężczyznę w białym płaszczu, odtwarzającego prawą ręką gest mający chronić przed złym okiem. Ten obraz został zakupiony przez Muzeum Prado w 1999 roku.
Wielka koza, Data powstania: 1798. Typ: fresk. Jedno ze zdjęć wchodzących w skład serii "Gloom Pictures". Płótno zostało namalowane w najtrudniejszym okresie życia artysty, kiedy zaczął tracić słuch i cierpieć na potworne wizje nawiedzające go we śnie iw rzeczywistości. Przeniósł te niesamowite halucynacje na ściany własnego domu. Sabat Czarownic znajdował się wzdłuż ściany pomieszczenia i swoim niesamowitym surrealizmem oraz ponurą kolorystyką wprawiał każdego wchodzącego w osłupienie. Tylko geniusz Goi mógł poradzić sobie z tak dużym płótnem. Nieproporcjonalne, szczerze brzydkie postacie o brzydkich twarzach są gromadzone na tym obrazie. Kompozycja zbudowana jest na bazie owalu, co stwarza wrażenie ciągłego obracania się tej ciemnej, obrzydliwej masy. To odzwierciedlenie wyobrażeń załamanego, chorego artysty o otaczającym go świecie. Niestabilność polityczna, lęk o własne życie, ciężka choroba dały początek depresji, której efektem jest seria obrazów, które zadziwiają ponurą percepcją i ekspresją obrazu. Starając się zobrazować wszystkie ludzkie wady i szatańskie przejawy, Goya sprawia, że wygląd czarownic jest zniekształcony i odrażający. To ucieleśnienie uniwersalnego zła na podobieństwo człowieka, artystyczne odbicie chorego wewnętrznego świata artysty. Na tym płótnie nie ma ani śladu wczesnych prac Goi. Nie ma jasnych kolorów, nie ma łagodnych ładnych twarzy jego uroczych Hiszpanów. Tylko ciemne, martwe kolory, zupełny brak piękna i napięty, nienaturalny cykl różnych form zła. A po wielu latach The Great Goat zachwyca swoją ekspresją i mroczną, negatywną ekspresją. Francisco de Goya. Malowidło na ścianie Domu Głuchych. 1819 - 1823. Do tej pory fresk z pewnymi uszkodzeniami został przeniesiony na płótno i umieszczony w Muzeum Prado (Madryt). Płótno, olej. 140 x 438 cm
Malarstwo, Sabat czarownic, Data powstania: 1797-1798. Lokalizacja: Muzeum Lazaro Galdiano. Ten wspaniały obraz jest częścią serii sześciu prac zamówionych przez Goyę dla księcia Osun w celu udekorowania jego posiadłości pod Madrytem. Bohaterem sceny jest diabeł. Przedstawiany jest w postaci dużego kozła, gotowego złożyć w ofierze dwoje dzieci. Praca jest uważana za satyryczną i krytyczną wobec przesądów niewykształconego społeczeństwa. Francisco Goya, choć stworzył wiele dzieł o tematyce mistycznej, traktował ją z humorem i nieufnością, dostrzegając zapewne jedynie ciekawe sceny i obrazy w tajemniczych rytuałach i wierzeniach.
Malowanie „Powodzenia!” (Seria „Kaprichos”). Data powstania 1799. Biografia: Słynny malarz Francisco de Goya urodził się 30 marca 1746 roku w Fuendetodos w Hiszpanii. Studia artystyczne rozpoczął jako nastolatek, a nawet spędził trochę czasu w Rzymie, aby doskonalić swoje umiejętności. W latach siedemdziesiątych XVIII wieku Goya pracował na hiszpańskim dworze królewskim. Oprócz zamawiania portretów szlachty tworzył prace krytykujące społeczne i polityczne problemy swojej epoki. Syn guldena, Goya, spędził część swojej młodości w Saragossie. Tam zaczął malować w wieku około czternastu lat. Był uczniem Jose Martineza Luzana. Kopiował dzieła wielkich mistrzów, inspirując się twórczością takich artystów jak Diego Rodriguez de Silva Velasquez czy Rembrandt van Rijn. Goya później przeniósł się do Madrytu, gdzie rozpoczął pracę z braćmi Francisco i Ramonem Bayeu y Subías w ich studiu. Starał się kontynuować edukację artystyczną w 1770 lub 1771 podróżując po Włoszech. W Rzymie Goya studiował klasykę i tam pracował. Obraz zgłosił na konkurs Akademii Sztuk Pięknych w Parmie. Podczas gdy sędziom podobała się jego praca, nie udało mu się zdobyć głównej nagrody. Za pośrednictwem niemieckiego artysty Antona Raphaela Mengsa Goya zaczął tworzyć prace dla hiszpańskiej rodziny królewskiej. Najpierw rysował karykatury gobelinów, które służyły jako modele w fabryce w Madrycie. Prace te zawierały sceny z życia codziennego, takie jak „Parasolka” (1777) i „Ganarz” (1779). W 1779 roku Goya został mianowany malarzem dworu królewskiego. Nadal zyskiwał na pozycji, uzyskując przyjęcie do Królewskiej Akademii San Fernando w następnym roku. Z biegiem czasu Goya zyskał reputację portrecisty. Dzieło Książę i księżna Osuna i ich dzieci (1787-1788) doskonale to ilustruje. Umiejętnie malował najmniejsze elementy ich twarzy i ubiorów. W 1792 roku Goya całkowicie ogłuchł, cierpiąc na nieznaną chorobę. Jego styl nieco się zmienił. Kontynuując rozwój zawodowy, Goya został mianowany dyrektorem Akademii Królewskiej w 1795 roku, ale nigdy nie zapomniał o trudnej sytuacji narodu hiszpańskiego i odzwierciedlił to w swojej pracy. Goya stworzył w 1799 roku serię fotografii zatytułowaną „Caprichos”. Badacze uważają, że nawet w swojej oficjalnej pracy krytycznie przyglądał się swoim poddanym. Około 1800 roku namalował portret rodziny króla Karola IV, który pozostaje jednym z jego najsłynniejszych dzieł. Sytuacja polityczna w kraju stała się później tak napięta, że Goya dobrowolnie udał się na wygnanie w 1824 roku. Pomimo złego stanu zdrowia myślał, że poza Hiszpanią będzie bezpieczniejszy. Goya przeniósł się do Bordeaux, gdzie spędził resztę życia. Tutaj kontynuował pisanie. Niektóre z jego późniejszych prac to portrety przyjaciół i życia na wygnaniu. Artysta zmarł 16 kwietnia 1828 roku w Bordeaux we Francji.
