Sandro Botticellego(1 marca 1445 – 17 maja 1510) – człowiek głęboko religijny, działał we wszystkich najważniejszych kościołach Florencji i w Kaplicy Sykstyńskiej Watykanu, ale w historii sztuki pozostał przede wszystkim jako autor wielkoformatowych poezji płótna o tematyce inspirowanej starożytnością – „Wiosna” i „Narodziny Wenus”. .
Przez długi czas Botticelli pozostawał w cieniu renesansowych gigantów, którzy pracowali po nim, aż w połowie XIX wieku został ponownie odkryty przez brytyjskich prerafaelitów, którzy czcili kruchą linearność i wiosenną świeżość jego dojrzałej płótna jako najwyższy punkt w rozwoju sztuki światowej.
Urodzony w rodzinie zamożnego obywatela Mariano di Vanni Filipepi. Otrzymał dobre wykształcenie. Studiował malarstwo u mnicha Filippo Lippiego i przejął od niego pasję do przedstawiania wzruszających motywów, która wyróżnia historyczne obrazy Lippiego. Następnie pracował dla słynnego rzeźbiarza Verrocchio. W 1470 zorganizował własny warsztat.
Subtelność i precyzję linii przejął od swojego drugiego brata, który był jubilerem. Przez pewien czas studiował u Leonarda da Vinci w warsztacie Verrocchio. Oryginalną cechą talentu Botticellego jest jego skłonność do fantastyki. Jako jeden z pierwszych wprowadził starożytny mit i alegorię do sztuki swoich czasów, ze szczególnym zamiłowaniem zajmował się tematami mitologicznymi. Szczególnie spektakularna jest jego Wenus, która pływa nago po morzu w muszli, a bogowie wiatrów obsypują ją deszczem róż i kierują muszlę na brzeg.
Za najlepsze dzieło Botticellego uważa się freski, które rozpoczął w 1474 roku w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie. Ukończył wiele obrazów na zlecenie Medyceuszy. W szczególności namalował sztandar Giuliano Medici, brata Lorenza Wspaniałego. W latach 1470-1480 portret staje się niezależnym gatunkiem w twórczości Botticellego („Człowiek z medalem”, ok. 1474; „Młody mężczyzna”, lata 80. XIV wieku). Botticelli zasłynął ze swojego delikatnego gustu estetycznego i takich dzieł, jak Zwiastowanie (1489-1490), Opuszczona kobieta (1495-1500) itp. W ostatnich latach życia Botticelli najwyraźniej opuścił malarstwo.
Sandro Botticelli jest pochowany w rodzinnym grobowcu w kościele Ognisanti we Florencji. Zgodnie z wolą został pochowany w pobliżu grobu Simonetty Vespucci, która zainspirowała najpiękniejsze wizerunki mistrza.
Leonardo di Ser Piero da Vinci(15 kwietnia 1452, wieś Anchiano, niedaleko miasta Vinci, niedaleko Florencji – 2 maja 1519, – wielki włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz, jeden z największych przedstawicieli sztuki Wielkiego Renesansu, sztandarowy przykład „człowieka uniwersalnego”.
Leonardo jest znany naszym współczesnym przede wszystkim jako artysta. Ponadto możliwe, że da Vinci mógł być rzeźbiarzem: naukowcy z Uniwersytetu w Perugii - Giancarlo Gentilini i Carlo Sisi - twierdzą, że głowa z terakoty, którą znaleźli w 1990 roku, jest jedynym zachowanym dziełem rzeźbiarskim Leonarda da Vinci do nas. Jednak sam da Vinci w różnych okresach swojego życia uważał się przede wszystkim za inżyniera lub naukowca. Nie poświęcał zbyt wiele czasu sztukom plastycznym i pracował dość wolno. Dlatego artystyczne dziedzictwo Leonarda nie jest ilościowo duże, a wiele jego dzieł zaginęło lub zostało poważnie uszkodzonych. Jednak jego wkład w światową kulturę artystyczną jest niezwykle ważny nawet na tle kohorty geniuszy, jaką dał włoski renesans. Dzięki jego twórczości sztuka malarska przeszła na jakościowo nowy etap rozwoju. Renesansowi artyści poprzedzający Leonarda zdecydowanie porzucili wiele konwencji sztuki średniowiecznej. Był to ruch w kierunku realizmu i wiele już osiągnięto w badaniu perspektywy, anatomii, większej swobodzie w decyzjach kompozycyjnych. Ale jeśli chodzi o malowniczość, pracę z farbą, artyści nadal byli dość konwencjonalni i powściągliwi. Linia na obrazie wyraźnie zarysowywała temat, a obraz miał wygląd malowanego rysunku. Najbardziej warunkowy był krajobraz, który odgrywał drugorzędną rolę. .
Leonardo zrealizował i urzeczywistnił nową technikę malarską. Jego kreska ma prawo się zacierać, bo tak to widzimy. Uświadomił sobie zjawisko rozpraszania światła w powietrzu i pojawiania się sfumato - zamglenia między widzem a przedstawionym obiektem, które łagodzi kontrasty kolorystyczne i linie. W rezultacie realizm w malarstwie przeszedł na jakościowo nowy poziom. . malarstwo renesansowe renesans botticellego
Rafał Santi(28 marca 1483 – 6 kwietnia 1520) – wielki włoski malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.
Syn malarza Giovanniego Santiego wstępną edukację artystyczną odbył w Urbino u ojca Giovanniego Santiego, ale w młodym wieku trafił do pracowni wybitnego artysty Pietro Perugino. To artystyczny język i obrazowość obrazów Perugino, ich skłonność do symetrycznej, zrównoważonej kompozycji, wyrazistości rozdzielczości przestrzennej i miękkości w rozdzielczości koloru i światła, miały zasadniczy wpływ na manierę młodego Rafaela.
Należy również zastrzec, że styl twórczy Rafaela zawierał syntezę technik i znalezisk innych mistrzów. Początkowo Rafael opierał się na doświadczeniach Perugino, później z kolei na ustaleniach Leonarda da Vinci, Fra Bartolomeo, Michała Anioła. .
Wczesne utwory („Madonna Conestabile” 1502 - 1503) są przepojone wdziękiem, miękkim liryzmem. Wychwalał ziemską egzystencję człowieka, harmonię sił duchowych i fizycznych na obrazach sal Watykanu (1509-1517), osiągając nienaganne wyczucie proporcji, rytmu, proporcji, harmonii koloru, jedności figur i majestatu tła architektoniczne.
We Florencji, po zetknięciu się z dziełami Michała Anioła i Leonarda, Rafael nauczył się od nich anatomicznie poprawnego obrazu ludzkiego ciała. W wieku 25 lat artysta wyjeżdża do Rzymu i od tego momentu rozpoczyna się okres największego rozkwitu jego twórczości: wykonuje monumentalne obrazy w Pałacu Watykańskim (1509-1511), wśród których znajduje się niekwestionowane arcydzieło sztuki mistrz - fresk "Szkoła ateńska", pisze kompozycje ołtarzowe i obrazy sztalugowe, wyróżnia się harmonią projektu i wykonania, pracuje jako architekt (od pewnego czasu Rafał nadzoruje nawet budowę katedry św. Piotra). W niestrudzonym poszukiwaniu swojego ideału, ucieleśnionego dla artysty w obrazie Madonny, tworzy swoje najdoskonalsze dzieło – „Madonnę Sykstyńską” (1513), symbol macierzyństwa i samozaparcia. Obrazy i malowidła ścienne Rafaela zostały docenione przez współczesnych i wkrótce Santi stał się centralną postacią życia artystycznego Rzymu. Wielu szlachciców we Włoszech chciało zawrzeć związek małżeński z artystą, w tym bliski przyjaciel Rafaela, kardynał Bibbiena. Artysta zmarł w wieku trzydziestu siedmiu lat z powodu niewydolności serca. Niedokończone obrazy willi Farnesina, watykańskich loggii i inne dzieła zostały ukończone przez uczniów Rafaela według jego szkiców i rysunków.
Jeden z największych przedstawicieli sztuki Wielkiego Renesansu, którego obrazy cechuje podkreślona równowaga i harmonia całości, równowaga kompozycji, regularność rytmu i delikatne wykorzystanie możliwości koloru. Nienaganna znajomość linii oraz umiejętność uogólniania i podkreślania najważniejszej rzeczy uczyniły Rafaela jednym z najwybitniejszych mistrzów rysunku wszechczasów. Spuścizna Rafaela posłużyła jako jeden z filarów w procesie kształtowania się europejskiego akademizmu. Zwolennicy klasycyzmu - bracia Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov i wielu innych artystów - wychwalali dziedzictwo Rafaela jako najdoskonalsze zjawisko w sztuce światowej.
Tycjan Vecellio(1476/1477 lub 1480-1576) - włoski malarz renesansu. Imię Tycjana jest na równi z takimi artystami renesansu, jak Michał Anioł, Leonardo da Vinci i Rafael. Tycjan malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, zasłynął jako portrecista. Został zamówiony przez królów i papieży, kardynałów, książąt i książąt. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, kiedy został uznany za najlepszego malarza w Wenecji.
Z miejsca urodzenia (Pieve di Cadore w prowincji Belluno) jest czasami nazywany da Cadore; znany również jako Tycjan Boski.
Tycjan urodził się w rodzinie Gregorio Vecellio, męża stanu i dowódcy wojskowego. W wieku dziesięciu lat został wysłany wraz z bratem do Wenecji na studia u słynnego mozaikarza Sebastiana Zuccato. Kilka lat później wstąpił jako praktykant do pracowni Giovanniego Belliniego. Studiował u Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) i wielu innych artystów, którzy później stali się sławni.
W 1518 r. Tycjan maluje obraz „Wniebowstąpienie Matki Bożej”, w 1515 r. – Salome z głową Jana Chrzciciela. Od 1519 do 1526 maluje szereg ołtarzy, w tym ołtarz rodziny Pesaro.
Tycjan żył długo. Do ostatnich dni nie przestawał pracować. Tycjan napisał swój ostatni obraz, Opłakiwanie Chrystusa, na swój własny nagrobek. Artysta zmarł na dżumę w Wenecji 27 sierpnia 1576 r., zaraziwszy się chorobą od syna podczas opieki nad nim.
Cesarz Karol V przywołał Tycjana do siebie i otoczył go honorem i szacunkiem i nieraz powtarzał: „Mogę stworzyć księcia, ale skąd wziąć drugiego Tycjana”. Kiedy pewnego dnia artysta upuścił pędzel, Karol V podniósł go i powiedział: „To zaszczyt służyć Tycjanowi nawet cesarzowi”. Zarówno królowie hiszpańscy, jak i francuscy zapraszali Tycjana do siebie, aby osiedlił się na dworze, ale artysta po wykonaniu rozkazów zawsze wracał do rodzinnej Wenecji.Na cześć Tycjana nazwano krater na Merkurym. .
Renesans rozpoczął się we Włoszech. Swoją nazwę zawdzięcza gwałtownemu rozkwitowi intelektualnemu i artystycznemu, który rozpoczął się w XIV wieku i wywarł ogromny wpływ na europejskie społeczeństwo i kulturę. Renesans wyrażał się nie tylko w malarstwie, ale także w architekturze, rzeźbie i literaturze. Najwybitniejszymi przedstawicielami renesansu są Leonardo da Vinci, Botticelli, Tycjan, Michał Anioł i Rafael.
W tamtych czasach głównym celem malarzy było realistyczne przedstawienie ludzkiego ciała, dlatego malowali głównie ludzi, przedstawiali różne tematy religijne. Wymyślono również zasadę perspektywy, co otworzyło przed artystami nowe możliwości.
Centrum renesansu stała się Florencja, następnie Wenecja, a później, bliżej XVI wieku, Rzym.
Leonardo jest nam znany jako utalentowany malarz, rzeźbiarz, naukowiec, inżynier i architekt renesansu. Przez większość życia Leonardo pracował we Florencji, gdzie stworzył wiele arcydzieł znanych na całym świecie. Wśród nich: „Mona Lisa” (inaczej – „Gioconda”), „Dama z gronostajem”, „Madonna Benois”, „Jan Chrzciciel” i „Św. Anna z Maryją i Dzieciątkiem Jezus.
Artysta ten jest rozpoznawalny dzięki unikalnemu stylowi, który wypracował przez lata. Malował też ściany Kaplicy Sykstyńskiej na osobiste zlecenie papieża Sykstusa IV. Botticelli malował słynne obrazy o tematyce mitologicznej. Do takich obrazów należą „Wiosna”, „Pallas i centaur”, „Narodziny Wenus”.
Tycjan był głową florenckiej szkoły artystów. Po śmierci swojego nauczyciela Belliniego Tycjan został oficjalnym, powszechnie uznanym artystą Republiki Weneckiej. Malarz ten znany jest ze swoich portretów o tematyce religijnej: „Wniebowstąpienie Maryi”, „Danae”, „Miłość ziemska i Miłość niebiańska”.
Włoski poeta, rzeźbiarz, architekt i artysta przedstawił wiele arcydzieł, wśród których znajduje się słynna rzeźba „Dawida” wykonana z marmuru. Ten posąg stał się główną atrakcją Florencji. Michał Anioł namalował sklepienie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, co było głównym zleceniem papieża Juliusza II. W okresie swojej twórczości poświęcił więcej uwagi architekturze, ale dał nam „Ukrzyżowanie św. Piotra”, „Złożenie do grobu”, „Stworzenie Adama”, „Wróżbiarz”.
Jego twórczość powstała pod wielkim wpływem Leonarda da Vinci i Michała Anioła, dzięki którym zdobył bezcenne doświadczenie i umiejętności. Malował sale reprezentacyjne w Watykanie, przedstawiając działalność człowieka i przedstawiając różne sceny z Biblii. Wśród słynnych obrazów Rafaela są „Madonna Sykstyńska”, „Trzy gracje”, „Święty Michał i diabeł”.
Iwan Siergiejewicz Ceregorodcew
7 sierpnia 2014 r
Studenci uczelni artystycznych i osoby zainteresowane historią sztuki wiedzą, że na przełomie XIV i XV wieku nastąpił w malarstwie ostry przełom – renesans. Około lat dwudziestych XV wieku wszyscy nagle stali się znacznie lepsi w rysowaniu. Dlaczego obrazy nagle stały się tak realistyczne i szczegółowe, i dlaczego obrazy miały światło i objętość? Nikt o tym długo nie myślał. Dopóki David Hockney nie podniósł szkła powiększającego.
Dowiedzmy się, co znalazł...
Pewnego dnia oglądał rysunki Jeana Auguste Dominique Ingresa, lidera francuskiej szkoły akademickiej XIX wieku. Hockney zainteresował się obejrzeniem swoich małych rysunków w większej skali i powiększył je na kopiarce. W ten sposób natknął się na tajemną stronę historii malarstwa od renesansu.
Po wykonaniu kserokopii małych (około 30 centymetrów) rysunków Ingresa Hockney był zdumiony ich realizmem. Wydawało mu się też, że kwestie Ingresa coś dla niego znaczą.
przypominać. Okazało się, że przypominają mu twórczość Warhola. I Warhol zrobił to - rzucił zdjęcie na płótno i obrysował je.
Po lewej: fragment rysunku firmy Ingres. Po prawej: rysunek autorstwa Mao Zedonga Warhola
Ciekawe przypadki, mówi Hockney. Podobno Ingres zastosował Camera Lucida – urządzenie będące konstrukcją z pryzmatem, którą mocuje się np. do podstawki pod tablet. W ten sposób artysta, patrząc jednym okiem na swój rysunek, widzi rzeczywisty obraz, a drugim rzeczywisty rysunek i swoją rękę. Okazuje się, że jest to złudzenie optyczne, które pozwala dokładnie przenieść rzeczywiste proporcje na papier. I to jest właśnie „gwarancja” realizmu obrazu.
Rysowanie portretu aparatem lucida, 1807
Wtedy Hockney poważnie zainteresował się tym „optycznym” rodzajem rysunków i obrazów. W swojej pracowni wraz ze swoim zespołem powiesił na ścianach setki reprodukcji obrazów powstałych na przestrzeni wieków. Prace, które wyglądały na „prawdziwe” i te, które nie wyglądały. Ułożone według czasu powstania i regionów - północ na górze, południe na dole, Hockney i jego zespół dostrzegli ostry zwrot w malarstwie na przełomie XIV i XV wieku. Ogólnie rzecz biorąc, każdy, kto choć trochę wie o historii sztuki, wie - renesans.
Może użyli tego samego camera-lucida? Został opatentowany w 1807 roku przez Williama Hyde'a Wollastona. Chociaż w rzeczywistości takie urządzenie zostało opisane przez Johannesa Keplera w 1611 roku w jego dziele Dioptrice. W takim razie może użyli innego urządzenia optycznego - camera obscura? W końcu znana jest od czasów Arystotelesa i jest ciemnym pomieszczeniem, do którego światło wpada przez mały otwór iw ten sposób w ciemnym pokoju uzyskuje się rzut tego, co znajduje się przed otworem, ale do góry nogami. Wszystko byłoby dobrze, ale obraz, który uzyskuje się przy projekcji camera obscura bez obiektywu, delikatnie mówiąc, nie jest wysokiej jakości, nie jest wyraźny, wymaga dużo jasnego światła, nie mówiąc już o wielkości projekcja. Ale wysokiej jakości soczewki były prawie niemożliwe do wykonania aż do XVI wieku, ponieważ w tamtym czasie nie było możliwości wytworzenia tak wysokiej jakości szkła. Rzeczy, pomyślał Hockney, który już wtedy zmagał się z problemem z fizykiem Charlesem Falco.
Jest jednak obraz Jana van Eycka, mistrza z Brugii, flamandzkiego malarza wczesnego renesansu, w którym ukryta jest wskazówka. Obraz nazywa się „Portret Cheta Arnolfini”.
Jan Van Eyck „Portret Arnolfinich” 1434
Obraz po prostu błyszczy ogromną ilością szczegółów, co jest dość interesujące, ponieważ został namalowany dopiero w 1434 roku. A wskazówką, jak autorowi udało się zrobić tak duży krok naprzód w realizmie obrazu, jest lustro. A także świecznik - niezwykle złożony i realistyczny.
Hockney był pełen ciekawości. Dostał kopię takiego żyrandola i spróbował go narysować. Artysta stanął przed faktem, że tak złożoną rzecz trudno narysować z perspektywy. Kolejnym ważnym punktem była materialność obrazu tego metalowego przedmiotu. Podczas przedstawiania obiektu stalowego bardzo ważne jest, aby rozmieścić światła tak realistycznie, jak to możliwe, ponieważ daje to ogromny realizm. Ale problem z tymi światłami polega na tym, że poruszają się one, gdy porusza się oko widza lub artysty, co oznacza, że wcale nie jest łatwo je uchwycić. A realistyczny obraz metalu i blasku jest także znakiem rozpoznawczym malarstwa renesansowego, wcześniej artyści nawet nie próbowali tego robić.
Odtwarzając dokładny model 3D żyrandola, zespół Hockneya zapewnił, że żyrandol w Arnolfini został narysowany w prawdziwej perspektywie z pojedynczym punktem zbiegu. Problem polegał jednak na tym, że tak precyzyjne przyrządy optyczne, jak camera obscura z obiektywem, istniały dopiero około wieku po stworzeniu obrazu.
Fragment obrazu Jana van Eycka „Portret pary Arnolfinich” 1434
Powiększony fragment pokazuje, że lustro na obrazie „Portret Arnolfinich” jest wypukłe. Były więc lustra wręcz przeciwnie - wklęsłe. Co więcej, w tamtych czasach takie lustra robiono w ten sposób - brano szklaną kulę, a jej dno pokrywano srebrem, po czym odcinano wszystko oprócz dna. Tylna strona lustra nie była przyciemniana. Oznacza to, że wklęsłe zwierciadło Jana van Eycka może być tym samym zwierciadłem, które widać na zdjęciu, tylko od tyłu. A każdy fizyk wie, czym jest lustro, kiedy się odbija, wyświetla obraz odbitego. To tutaj jego przyjaciel, fizyk Charles Falco, pomagał Davidowi Hockneyowi w obliczeniach i badaniach.
Wklęsłe lustro rzutuje na płótno obraz wieży za oknem.
Rozmiar wyraźnej, skupionej części projekcji to około 30 centymetrów kwadratowych - a to właśnie wielkość głów na wielu renesansowych portretach.
Hockney szkicuje projekcję osoby na płótnie
Jest to wielkość na przykład portretu doża Leonarda Loredana autorstwa Giovanniego Belliniego (1501), portretu mężczyzny autorstwa Roberta Campina (1430), własnego portretu „mężczyzny w czerwonym turbanie” Jana van Eycka i wielu inne wczesne portrety holenderskie.
Portrety renesansowe
Malarstwo było wysoko płatną pracą i oczywiście wszystkie sekrety tego biznesu były utrzymywane w najściślejszej tajemnicy. Dla artysty było korzystne, aby wszyscy niewtajemniczeni wierzyli, że tajemnice są w rękach mistrza i nie można ich ukraść. Zakład był zamknięty dla osób postronnych – artyści byli w cechu, składał się też z rozmaitych rzemieślników – od tych, którzy robili siodła, po tych, którzy robili lustra. A w cechu św. Łukasza, założonym w Antwerpii i po raz pierwszy wspomnianym w 1382 r. (wówczas podobne cechy otwierały się w wielu północnych miastach, a jednym z największych był cech w Brugii - mieście, w którym mieszkał Van Eyck) byli też mistrzowie, czyniący lustra.
Hockney odtworzył więc sposób, w jaki można narysować złożony żyrandol z obrazu Van Eycka. Nic dziwnego, że rozmiar żyrandola zaprojektowanego przez Hockneya dokładnie odpowiada rozmiarowi żyrandola na obrazie „Portret Arnolfinich”. No i oczywiście podświetlenia na metalu - na projekcji stoją nieruchomo i nie zmieniają się, gdy artysta zmienia pozycję.
Ale problem wciąż nie jest do końca rozwiązany, bo do pojawienia się wysokiej jakości optyki, która jest potrzebna do korzystania z camera obscura zostało jeszcze 100 lat, a wielkość projekcji uzyskiwanej za pomocą lustra jest bardzo mała . Jak malować obrazy większe niż 30 centymetrów kwadratowych? Powstały jako kolaż - z różnych punktów widzenia wyszło takie sferyczne widzenie z wieloma znikającymi punktami. Hockney zdał sobie z tego sprawę, ponieważ sam zajmował się takimi obrazami - wykonał wiele kolaży fotograficznych, które osiągają dokładnie ten sam efekt.
Niemal sto lat później, w XVI wieku, stało się wreszcie możliwe dobre pozyskiwanie i obróbka szkła – pojawiły się duże soczewki. I wreszcie można je było włożyć do camera obscura, której zasada działania znana jest od starożytności. Camera obscura z obiektywem była niesamowitą rewolucją w sztukach wizualnych, ponieważ teraz projekcja mogła mieć dowolną wielkość. I jeszcze jedno, teraz obraz nie był "szerokokątny", ale o normalnym aspekcie - czyli mniej więcej takim, jaki jest dzisiaj przy fotografowaniu obiektywem o ogniskowej 35-50 mm.
Jednak problem z używaniem camera obscura z obiektywem polega na tym, że bezpośredni rzut z obiektywu jest lustrzany. Doprowadziło to do powstania wielu leworęcznych w malarstwie na wczesnych etapach używania optyki. Jak na tym obrazie z XVII wieku z Muzeum Fransa Halsa, gdzie tańczy para leworęcznych, leworęczny starzec grozi im palcem, a leworęczna małpa zagląda pod suknię kobiety.
Wszyscy na tym zdjęciu są leworęczni.
Problem rozwiązuje się instalując lusterko, w które skierowana jest soczewka, uzyskując w ten sposób prawidłowy rzut. Ale podobno dobre, równe i duże lustro kosztowało dużo pieniędzy, więc nie każdy je miał.
Kolejnym problemem była ostrość. Faktem jest, że niektóre części obrazu w jednym miejscu płótna pod promieniami projekcji były nieostre, niewyraźne. W pracach Jana Vermeera, gdzie użycie optyki jest dość dobrze widoczne, jego prace na ogół wyglądają jak fotografie, można też dostrzec miejsca nieostre. Widać nawet wzór, jaki daje obiektyw – osławiony „bokeh”. Jak na przykład tutaj, na obrazie „Mleczarka” (1658) kosz, chleb w nim i niebieski wazon są nieostre. Ale ludzkie oko nie widzi „nieostre”.
Niektóre szczegóły obrazu są nieostre
W świetle tego wszystkiego nie dziwi fakt, że Antony Phillips van Leeuwenhoek, naukowiec i mikrobiolog, a także wyjątkowy mistrz, który stworzył własne mikroskopy i soczewki, był dobrym przyjacielem Jana Vermeera. Naukowiec został pośmiertnym menadżerem artysty. A to sugeruje, że Vermeer dokładnie przedstawił swojego przyjaciela na dwóch płótnach - „Geograf” i „Astronom”.
Aby zobaczyć ostrość dowolnej części, musisz zmienić położenie płótna pod promieniami projekcji. Ale w tym przypadku pojawiły się błędy w proporcjach. Jak widać tutaj: ogromne ramię Anthei autorstwa Parmigianino (około 1537), mała głowa „Lady Genovese” Anthony'ego van Dycka (1626), ogromne stopy wieśniaka na obrazie Georgesa de La Tour.
Błędy w proporcjach
Oczywiście wszyscy artyści używali soczewek na różne sposoby. Ktoś do szkiców, ktoś złożony z różnych części - w końcu teraz można było zrobić portret, a wszystko inne dokończyć innym modelem, a nawet manekinem.
Nie ma prawie żadnych rysunków pozostawionych przez Velasqueza. Pozostało jednak jego arcydzieło - portret papieża Innocentego X (1650). Na papieskim płaszczu – oczywiście jedwabnym – jest piękna gra świateł. Blask. Aby napisać to wszystko z jednego punktu widzenia, trzeba było bardzo się postarać. Ale jeśli zrobisz projekcję, to całe to piękno nigdzie nie ucieknie - blask już się nie porusza, możesz pisać dokładnie takimi szerokimi i szybkimi pociągnięciami, jak Velazquez.
Hockney odtwarza obraz Velasqueza
Później wielu artystów było stać na camera obscura i przestało to być wielką tajemnicą. Canaletto aktywnie wykorzystywał aparat do tworzenia swoich widoków Wenecji i nie ukrywał tego. Obrazy te, dzięki swojej dokładności, pozwalają mówić o Canaletto jako o twórcy filmów dokumentalnych. Dzięki Canaletto można zobaczyć nie tylko piękny obraz, ale także samą historię. Możesz zobaczyć, jak wyglądał pierwszy most Westminster w Londynie w 1746 roku.
Canaletta „Most Westminsterski” z 1746 r
Brytyjski artysta Sir Joshua Reynolds posiadał camera obscura i najwyraźniej nikomu o tym nie powiedział, ponieważ jego aparat składa się i wygląda jak książka. Dziś znajduje się w londyńskim Muzeum Nauki.
Camera obscura przebrana za książkę
W końcu na początku XIX wieku William Henry Fox Talbot, używając aparatu lucida - tego, w który trzeba patrzeć jednym okiem i rysować rękami, zaklął, uznając, że taką niedogodność należy raz usunąć i dla wszystkich, i stał się jednym z wynalazców fotografii chemicznej, a później popularyzatorem, który uczynił ją masową.
Wraz z wynalezieniem fotografii zniknął monopol malarstwa na realizm obrazu, teraz monopolem stało się zdjęcie. I tutaj wreszcie malarstwo zostało uwolnione od obiektywu, kontynuując ścieżkę, z której odwróciło się w XV wieku, a Van Gogh stał się prekursorem całej sztuki XX wieku.
Po lewej: mozaika bizantyjska z XII wieku. Po prawej: Vincent van Gogh „Portret pana Trabuka” 1889
Wynalezienie fotografii to najlepsze, co spotkało malarstwo w całej jego historii. Nie było już konieczne tworzenie wyłącznie prawdziwych obrazów, artysta stał się wolny. Oczywiście publiczności zajęło stulecie, zanim dogoniła artystów w ich rozumieniu muzyki wizualnej i przestała myśleć, że ludzie tacy jak Van Gogh są „szaleni”. W tym samym czasie artyści zaczęli aktywnie wykorzystywać fotografie jako „materiał odniesienia”. Potem byli tacy ludzie jak Wassily Kandinsky, rosyjska awangarda, Mark Rothko, Jackson Pollock. Po malarstwie ukazała się architektura, rzeźba i muzyka. To prawda, że \u200b\u200brosyjska akademicka szkoła malarstwa utknęła w czasie, a dziś w akademiach i szkołach nadal uważa się za wstyd używanie fotografii do pomocy, a czysto techniczna umiejętność rysowania tak realistycznie, jak to możliwe gołymi rękami, jest uważana za najwyższy wyczyn .
Dzięki artykułowi dziennikarza Lawrence'a Weschlera, który był obecny podczas badań Davida Hockneya i Falco, ujawnia się kolejny interesujący fakt: portret pary Arnolfinich autorstwa Van Eycka jest portretem włoskiego kupca z Brugii. Pan Arnolfini jest Florentyńczykiem, a ponadto jest przedstawicielem banku Medyceuszy (praktycznie mistrzów renesansowej Florencji, uważanych za mecenasów ówczesnej sztuki we Włoszech). Co to mówi? Fakt, że mógł z łatwością zabrać ze sobą tajemnicę cechu św. Łukasza - lustro - do Florencji, w której według tradycyjnej historii rozpoczął się renesans, a artyści z Brugii (a zatem i inni mistrzowie) są uważane za „prymitywne”.
Istnieje wiele kontrowersji wokół teorii Hockneya-Falco. Ale z pewnością jest w tym ziarno prawdy. Jeśli chodzi o historyków sztuki, krytyków i historyków, to nawet trudno sobie wyobrazić, ile prac naukowych z historii i sztuki faktycznie okazało się kompletnymi bzdurami, ale to zmienia całą historię sztuki, wszystkie ich teorie i teksty.
Fakty użycia optyki w najmniejszym stopniu nie umniejszają talentu artystów - w końcu technologia jest środkiem przekazywania tego, czego artysta chce. I odwrotnie, fakt, że w tych obrazach jest realna rzeczywistość, tylko dodaje im wagi - w końcu tak właśnie wyglądali ówcześni ludzie, rzeczy, lokale, miasta. To są prawdziwe dokumenty.
Narody Europy starały się ożywić skarby i tradycje utracone w wyniku niekończących się wojen eksterminacyjnych. Wojny zabrały ludzi z powierzchni ziemi i wielkie rzeczy, które ludzie stworzyli. Idea wskrzeszenia wysokiej cywilizacji starożytnego świata dała początek filozofii, literaturze, muzyce, powstaniu nauk przyrodniczych, a przede wszystkim rozkwitowi sztuki. Epoka wymagała silnych, wykształconych ludzi, którzy nie bali się żadnej pracy. To właśnie wśród nich stało się możliwe pojawienie się tych nielicznych geniuszy, których nazywa się „tytanami renesansu”. Tych, do których zwracamy się tylko po imieniu.
Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka w tym okresie osiągnęła swój największy rozkwit i rozkwit. To tutaj pojawiają się dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, artystów wielkich i po prostu utalentowanych.
MUZYKA LEONARDA.
Cóż za szczęściarz! powie o nim wielu. Był obdarzony rzadkim zdrowiem, przystojny, wysoki, niebieskooki. W młodości nosił blond loki, a jego dumny wzrost przypominał św. Jerzego Donatelli. Posiadał niesłychaną i odważną siłę, męską waleczność. Śpiewał wspaniale, przed publicznością komponował melodie i wiersze. Grał na każdym instrumencie muzycznym, zresztą sam je stworzył.
Dla sztuki Leonarda da Vinci współcześni i potomkowie nigdy nie znaleźli innych definicji niż „genialny”, „boski”, „wielki”. Te same słowa odnoszą się do jego odkryć naukowych: wynalazł czołg, koparkę, helikopter, łódź podwodną, spadochron, broń automatyczną, hełm nurka, windę, rozwiązał najtrudniejsze problemy akustyki, botaniki, medycyny, kosmografii , stworzył projekt okrągłego teatru, wymyślił o wiek wcześniej niż Galileusz wahadło zegarowe, narysował współczesne narty wodne, rozwinął teorię mechaniki.
Cóż za szczęściarz! - wielu powie o nim i zacznie wspominać jego ukochanych książąt i królów, którzy szukali z nim znajomości, spektakli i świąt, które wymyślił jako artysta, dramaturg, aktor, architekt i bawił się nimi jak dziecko.
Czy jednak niestrudzony, długowieczny Leonardo był szczęśliwy, którego każdy dzień dawał ludziom i światu opatrzność i wgląd? Przewidział straszny los swoich dzieł: zniszczenie „Ostatniej Wieczerzy”, rozstrzelanie pomnika Franceski Sforzy, niski handel i nikczemną kradzież jego pamiętników, zeszytów ćwiczeń. W sumie do dziś zachowało się tylko szesnaście obrazów. Nieliczne rzeźby. Ale dużo rysunków, zakodowanych rysunków: podobnie jak bohaterowie współczesnej fantastyki naukowej, zmienił detal w swoim projekcie, jakby tak, że drugi nie mógł z niego korzystać.
Leonardo da Vinci zajmował się różnymi typami i gatunkami sztuki, jednak największą sławę przyniosło mu malarstwo.
Jednym z najwcześniejszych obrazów Leonarda jest Madonna z kwiatem lub Madonna Benois. Już tutaj artysta jawi się jako prawdziwy innowator. Pokonuje granice tradycyjnej fabuły i nadaje obrazowi szerszy, uniwersalny sens, jakim jest macierzyńska radość i miłość. W tej pracy wyraźnie zamanifestowało się wiele cech sztuki artysty: wyraźna kompozycja postaci i objętości form, pragnienie zwięzłości i uogólnienia oraz psychologiczna ekspresja.
Obraz „Madonna Litta” był kontynuacją rozpoczętego tematu, w którym wyraźnie ujawniła się kolejna cecha twórczości artystki – gra kontrastów. Temat dopełnił obraz „Madonna w grocie”, który wyznacza idealne rozwiązanie kompozycyjne, dzięki któremu przedstawione postacie Madonny, Chrystusa i aniołów łączą się z pejzażem w jedną całość, obdarzoną spokojną równowagą i harmonią.
Jednym ze szczytów twórczości Leonarda jest fresk Ostatnia Wieczerza w refektarzu klasztoru Santa Maria Della Grazie. Praca ta zachwyca nie tylko całokształtem kompozycji, ale także dokładnością. Leonardo nie tylko oddaje stan psychiczny apostołów, ale robi to w momencie, gdy dochodzi on do punktu krytycznego, przeradza się w psychologiczną eksplozję i konflikt. Ta eksplozja spowodowana jest słowami Chrystusa: „Jeden z was mnie zdradzi”. Leonardo w pełni wykorzystał w tej pracy metodę konkretnego zestawienia postaci, dzięki czemu każda postać jawi się jako niepowtarzalna indywidualność i osobowość.
Drugim szczytem twórczości Leonarda był słynny portret Mony Lisy, czyli „La Gioconda”. Ta praca położyła podwaliny pod gatunek portretu psychologicznego w sztuce europejskiej. Tworząc go, wielki mistrz znakomicie wykorzystał cały arsenał środków artystycznego wyrazu: ostre kontrasty i miękkie tony, zamrożony bezruch oraz ogólną płynność i zmienność, najsubtelniejsze psychologiczne niuanse i przejścia. Cały geniusz Leonarda tkwi w niezwykle żywym spojrzeniu Mony Lisy, jej tajemniczym i enigmatycznym uśmiechu, mistycznej mgle spowijającej krajobraz. Ta praca jest jednym z najrzadszych arcydzieł sztuki.
Każdy, kto widział Giocondę przywiezioną z Luwru w Moskwie, pamięta minuty swojej całkowitej głuchoty w pobliżu tego małego płótna, napięcie wszystkiego, co w sobie najlepsze. Gioconda wydawał się być „Marsjaninem”, przedstawicielem nieznanego – to musi być przyszłość, a nie przeszłość ludzkiego plemienia, ucieleśnienie harmonii, o której marzyć świat nie znudził się i nigdy nie znudzi .
Dużo więcej można o nim powiedzieć. Zaskoczony, że to nie fikcja ani fantazja. Tutaj na przykład możemy przypomnieć sobie, jak proponował przenieść katedrę San Giovanni – takie prace zadziwiają nas, mieszkańców XX wieku.
Leonardo powiedział: „Dobry artysta musi umieć namalować dwie główne rzeczy: osobę i reprezentację jego duszy. A może mówi się o „Kolombinie” z Ermitażu w Petersburgu? Niektórzy badacze nazywają to, a nie płótno z Luwru, „La Gioconda”.
Chłopiec Nardo, tak miał na imię w Vinci: nieślubny syn notariusza, który uważał ptaki i konie za najlepsze stworzenia na ziemi. Ukochany przez wszystkich i samotny, wyginający stalowe miecze i rysujący wisielców. Wynalazł most przez Bosfor i idealne miasto, piękniejsze niż miasta Corbusiera i Niemeyera. Śpiewając miękkim barytonem i wywołując uśmiech Mony Lisy. W jednym z ostatnich zeszytów ten szczęściarz napisał: „Wydawało mi się, że uczę się żyć, ale uczę się umierać”. Jednak potem podsumował to: „Dobrze przeżyte życie to długie życie”.
Czy można nie zgodzić się z Leonardem?
SANDRO BOTTICELLI.
Sandro Botticelli urodził się we Florencji w 1445 roku w rodzinie garbarza skór.
Za pierwsze oryginalne dzieło Botticellego uważa się Pokłon Trzech Króli (około 1740 r.), W którym główna właściwość jego oryginalnego sposobu bycia, senność i subtelna poezja, już w pełni dotknęły. Był obdarzony wrodzonym zmysłem poezji, ale wyraźna nuta kontemplacyjnego smutku przebijała go dosłownie we wszystkim. Nawet św. Sebastian, dręczony strzałami oprawców, patrzy na niego z zadumą i dystansem.
Pod koniec lat 70. XIV wieku Botticelli zbliżył się do kręgu faktycznego władcy Florencji, Lorenza Medici, zwanego Wspaniałym. W luksusowych ogrodach Lorenzo zgromadziło się towarzystwo ludzi, prawdopodobnie najbardziej światłych i utalentowanych we Florencji. Byli filozofowie, poeci, muzycy. Panowała atmosfera zachwytu nad pięknem, ceniono nie tylko piękno sztuki, ale także piękno życia. Starożytność, postrzegana jednak przez pryzmat późniejszych warstw filozoficznych, uznawana była za pierwowzór idealnej sztuki i idealnego życia. Bez wątpienia pod wpływem tej atmosfery powstał pierwszy duży obraz Botticellego „Primavera (Wiosna)”. To oniryczna, wyrafinowana, cudownie piękna alegoria odwiecznego cyklu, nieustannej odnowy natury. Jest przesiąknięty najbardziej złożonym i kapryśnym rytmem muzycznym. Udekorowana kwiatami figura Flory, tańczące gracje w Ogrodzie Eden, były obrazami piękna, jakiego wówczas jeszcze nie widziano i dlatego robiły szczególnie urzekające wrażenie. Młody Botticelli natychmiast zajął czołowe miejsce wśród mistrzów swoich czasów.
To właśnie wysoka reputacja młodego malarza zapewniła mu zamówienie na biblijne freski do watykańskiej Kaplicy Sykstyńskiej, które stworzył na początku lat 80. XIV wieku w Rzymie. Namalował „Sceny z życia Mojżesza”, „Kara Koracha, Datana i Avirona”, wykazując się niezwykłą kunsztem kompozytorskim. Klasyczny spokój starożytnych budowli, na tle których Botticelli rozwijał akcję, ostro kontrastuje z dramatycznym rytmem przedstawionych postaci i namiętności; ruch ludzkich ciał jest złożony, zawiły, nasycony wybuchową siłą; odnosi się wrażenie zachwianej harmonii, bezbronności widzialnego świata przed gwałtownym atakiem czasu i ludzkiej woli. Freski Kaplicy Sykstyńskiej po raz pierwszy wyraziły głęboki niepokój, który żył w duszy Botticellego, który z czasem narastał. Niesamowity talent Botticellego jako portrecisty znalazł odzwierciedlenie w tych freskach: każda z wielu namalowanych twarzy jest całkowicie oryginalna, niepowtarzalna i niezapomniana ...
W latach osiemdziesiątych XIV wieku, po powrocie do Florencji, Botticelli kontynuował niestrudzoną pracę, ale pogodna przejrzystość „Przykładów” była już daleko w tyle. W połowie dekady napisał swoje słynne Narodziny Wenus. Badacze zauważają w późniejszych utworach mistrza niezwykły dla niego wcześniej moralizm, egzaltację religijną.
Być może bardziej znaczące niż późne malarstwo, rysunki Botticellego z lat 90. są ilustracjami do Boskiej komedii Dantego. Malował z wyraźnym i nieskrywanym zachwytem; wizje wielkiego poety z miłością i pieczołowitością oddaje doskonałość proporcji wielu postaci, przemyślana organizacja przestrzeni, niewyczerpana pomysłowość w poszukiwaniu wizualnych ekwiwalentów poetyckiego słowa...
Mimo wszelkich psychicznych burz i kryzysów Botticelli do samego końca (zmarł w 1510 r.) pozostał wielkim artystą, mistrzem swojej sztuki. Dobitnie świadczy o tym szlachetne modelowanie twarzy w „Portrecie młodzieńca”, ekspresyjna charakterystyka modelki, nie pozostawiająca wątpliwości co do jej wysokiej godności ludzkiej, solidny rysunek mistrza i jego życzliwe spojrzenie.
Włochy to kraj, który zawsze słynął ze swoich artystów. Wielcy mistrzowie, którzy kiedyś mieszkali we Włoszech, wychwalali sztukę na całym świecie. Możemy z całą pewnością powiedzieć, że gdyby nie włoscy artyści, rzeźbiarze i architekci, świat wyglądałby dziś zupełnie inaczej. Najważniejszy w sztuce włoskiej jest oczywiście brany pod uwagę. Włochy w okresie renesansu lub renesansu osiągnęły bezprecedensowy wzrost i dobrobyt. Utalentowani artyści, rzeźbiarze, wynalazcy, prawdziwi geniusze, którzy pojawili się w tamtych czasach, są nadal znani każdemu uczniowi. Ich sztuka, kreatywność, pomysły, osiągnięcia są dziś uważane za klasykę, rdzeń, na którym zbudowana jest światowa sztuka i kultura.
Jednym z najbardziej znanych geniuszy włoskiego renesansu jest oczywiście Wielki Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci był tak utalentowany, że osiągnął wielkie sukcesy w wielu dziedzinach działalności, w tym w sztukach wizualnych i nauce. Innym znanym artystą, który jest uznanym mistrzem, jest Sandro Botticellego(1445-1510). Obrazy Botticellego są prawdziwym darem dla ludzkości. Dziś jego gęste znajdują się w najsłynniejszych muzeach świata i są naprawdę bezcenne. Nie mniej znany niż Leonardo da Vinci i Botticelli Rafał Santi(1483-1520), który żył 38 lat iw tym czasie udało mu się stworzyć całą warstwę oszałamiającego malarstwa, które stało się jednym z najjaśniejszych przykładów wczesnego renesansu. Nie ma wątpliwości, że jest jeszcze jeden wielki geniusz włoskiego renesansu Michał Anioł Buonarotti(1475-1564). Oprócz malarstwa Michał Anioł zajmował się rzeźbą, architekturą i poezją i osiągnął świetne wyniki w tych sztukach. Posąg Michała Anioła zwany „Dawidem” uważany jest za niezrównane arcydzieło, przykład najwyższego osiągnięcia sztuki rzeźbiarskiej.
Oprócz wspomnianych artystów, największymi artystami Włoch renesansu byli tacy mistrzowie jak Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Tycjan, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi i inni. . Wszystkie były doskonałym przykładem wspaniałej weneckiej szkoły malarstwa. Do florenckiej szkoły malarstwa włoskiego należą tacy artyści jak: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea Del Sarto.
Aby wymienić wszystkich artystów, którzy pracowali w okresie renesansu, późnego renesansu i wieków później, którzy stali się znani całemu światu i gloryfikowali sztukę malarską, opracowali podstawowe zasady i prawa leżące u podstaw wszystkich typów i gatunków malarstwa. sztuk pięknych, być może napisanie tego zajmie kilka tomów, ale ta lista wystarczy, aby zrozumieć, że Wielcy Artyści Włoscy to sztuka, którą znamy, którą kochamy i którą zawsze będziemy cenić!
Obrazy wielkich włoskich artystów
Andrea Mantegna – Fresk w Camera degli Sposi
Giorgione - Trzech Filozofów
Leonardo da Vinci – Mona Lisa
Nicolas Poussin - Wielkoduszność Scypiona
Paolo Veronese - Bitwa pod Lepanto
