sztuka malowania kończyć się ХІХ - dwudziesty wiek

Impresjonizm

(fr. impresjonizm , od wrażenia - wrażenie)

- kierunek w malarstwie pojawił się w ostatniej tercji XIX wieku. we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat.

Jej przedstawiciele starali się opracować metody i techniki, które pozwoliły im w najbardziej naturalny i żywy sposób uchwycić rzeczywisty świat w jego mobilności i zmienności, przekazać swoje ulotne wrażenia.

Przedstawiciele: Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frédéric Bazille i Berthe Morisot.

Claude Monet « Wrażenie, soleil levant ", 1872-73

Symbolizm

- pojawił się pod koniec XIX wieku jako protest przeciwko naturalizmowi i realizmowi.

Gustaw moreau « Hezjode i muza », 1891

Cechy symboliki

• - odrzucenie rzeczywistości;
• - odejście od prawdziwego życia, obraz mistycznego, nieznanego;
• - problem osobowości w warunkach cywilizacji burżuazyjnej;
• - pragnienie wewnętrznego spokoju i spokoju ducha;
• - egzotyczne, dekoracyjne, symboliczne;
• - nostalgia za przeszłością;
• - zanurzenie się w nierealnym, fantastycznym świecie.
• Przedstawiciele: Gustave Moreau, Henri Fantel-Latour, Odilon Redon, Puvis de Chavannes, Eugene Carrière, Edgar Maxence, Elisabeth Sonrel.

Pierre-Cecile Puvis de Chavannes „Pieśń pasterza” , 1891

Elżbieta Sonrel « Jeune kobieta pomocniczy hortensje ", 1900

Puentylizm

• (fr. Puentylizm , dosłownie „punkt”, punkt – kropka) – nurt stylistyczny w malarstwie neoimpresjonistycznym, który powstał we Francji około 1885 roku, który opiera się na sposobie pisania oddzielnymi kreskami o regularnym, kropkowanym lub prostokątnym kształcie. Charakteryzuje się odrzuceniem fizycznego mieszania kolorów na rzecz efektu optycznego („mieszanie” na siatkówce widza).

Przedstawiciele: Paul Signac, Henri Cross, Lucien Pissarro.

Georgesa Seurata Un dimanche après-midi à l "Île de la Grande Jatte.

Alberta Dubois-Pillet « La Merne a laube Sun » , 1899-90

Maksymiliana Luce Le Quai Saint-Michel i Notre-Dameen 1901

fowizm

styl les Fauves (po francusku „dzikie zwierzęta”), luźna grupa z początku XX wieku, płótna artystów wyróżniały się pozornie dzikim pędzlem i chropowatą kolorystyką, a ich tematyka charakteryzowała się wysokim stopniem uproszczenia i abstrakcji.

Henryk Matisse Pani Matisse 1907

Andrzej Derain „Barki na Sekwanie”, 1903

Futuryzm

Nurt literacki i artystyczny w sztuce lat 1910. Nazywając siebie sztuką przyszłości, futuryzm obalił kulturowe stereotypy i zamiast tego oferował apologię technologii i urbanistyki jako głównych znaków teraźniejszości i przyszłości.

Gino Severini « Pamiątka z podróży »

Władimir Jewgrafowicz Tatlin „Portret artysty”, 1914 r

Paweł Nikołajewicz Filonow „Perkusiści”, 1935

Ekspresjonizm

(z francuskiego wyrażenia - ekspresyjność) - nurt sztuki zachodnioeuropejskiej, dystrybuowany głównie w Niemczech i ukształtowany w przededniu I wojny światowej. Podstawą ideologiczną był indywidualistyczny protest przeciwko szpetnemu światu, postępującej alienacji człowieka upadku, dezintegracji tych zasad, na których kultura europejska zdawała się tak mocno stać.

Techniki artystyczne: odrzucenie iluzorycznej przestrzeni, dążenie do płaskiej interpretacji przedmiotów, deformacja obiektów, zamiłowanie do ostrych dysonansów barwnych, szczególna kolorystyka ucieleśniająca apokaliptyczny dramat.

Ernsta Ludwiga Kirchnera „Dwie kobiety na ulicy” 1914

W ekspresjonizmie wyróżnia się dwa okresy: przed I wojną światową i po niej.

• Pierwszy lub wczesny okres. Pierwszy okres obejmuje twórczość niemieckich artystów Paula Klee, Alfreda Kubina i Oskara Kokoschki, stowarzyszeń „Most”, „Niebieski Jeździec”.
• Okres drugi: ekspresjonizm okresu I wojny światowej iw latach powojennych.

OTTO DIX . PORTRET SILVII VON HARDEN , 1926

PAWEŁ KLEJ . OSTRZEŻENIE DOTYCZĄCE STATKÓW, .1917

Kubizm

• najbardziej wpływowy ruch artystyczny XX wieku.

Kubizm zapoczątkował awangardę i zrewolucjonizował europejskie malarstwo i rzeźbę oraz wprowadził pokrewne ruchy do muzyki, literatury i architektury.

Założycielami byli Georges Braque i Pablo Picasso. Później dołączyli Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Fernand Léger i Juan Gris.

Pablo Picasso „Awinion dziewczęta”, 1907. Pierwsze dzieło kubizmu

Georgesa Braque'a Park w Carrières-Saint-Denis, 1909

Kubizm. Rzeźba

Rajmund

Duchampa Villona Porozmawiaj , 1913

Kubizm Orfizm lub orfizm

(termin ukuty przez francuskiego poetę Guillaume'a Apolinera w 1912 r.) odgałęzienie kubizmu, które skupiało się na czystej abstrakcji i żywych kolorach, pod wpływem fowizmu.

Franciszek Kupka” MADAME KUPKA MIĘDZY PIONAMI ", 1911

Roberta Delaunaya Portugalska kobieta 1915

kubofuturyzm

– lokalny nurt w sztuce rosyjskiej (malarstwo i poezja), który powstał pod wpływem kubizmu. Główne prace powstały w latach 1911-15.

Prezentowane prace to półprzedmiotowe kompozycje złożone z cylindrycznych, stożkowych, kolbowych, muszlowych pustych, trójwymiarowych form barwnych, często z metalicznym połyskiem.

AV Lentulov "Katedra św. Bazylego", 1913

Kazimierz Malewicz „Krowa i skrzypce”, 1913„Logika zawsze stawiała barierę dla nowych ruchów podświadomości, a aby pozbyć się uprzedzeń, zaproponowano kurs alogizmu” - napisał autor o tym obrazie.

suprematyzm

- (od łac. supremus - najwyższy, najwyższy) - kierunek sztuki awangardowej, którego twórcą, głównym przedstawicielem i teoretykiem był Kazimierz Malewicz.

W rozumieniu Malewicza suprematyzm jest najwyższym etapem rozwoju sztuki na drodze wyzwolenia od wszystkiego, co nieartystyczne, na drodze do ostatecznego utożsamienia się z nieobiektywnością jako istotą wszelkiej sztuki. W tym sensie Malewicz uważał również prymitywną sztukę zdobniczą za suprematystyczną (lub „podobną do najwyższej”).

Kazimierz Malewicz

„Wieśniaczki w cerkwi”, 1913 r

„Suprematyzm”, 1915

Puryzm

(łac. purus - czysty) - nurt w malarstwie francuskim lat 1910-tych i 20-tych.

Puryści dążyli do racjonalistycznie uporządkowanego przeniesienia stabilnych i zwięzłych form obiektywnych, jakby „oczyszczonych” ze szczegółów, na obraz elementów „pierwotnych”. Prace purystów charakteryzują się płaskością, płynnym rytmem lekkich sylwetek i konturów przedmiotów tego samego typu.

Amedee Ozanfant” LE PICHET BLANC ", 1926

Amedee Ozanfant” MACIERZYŃSTWO ", 1941

Amedee Ozanfant” VOILER ", 1963

neoplastycyzm

• rodzaj sztuki abstrakcyjnej.

Stworzony pod koniec lat 20. Holenderski malarz Pieta Mondriana oraz inni artyści stowarzyszenia „Styl”.

Główną cechą neoplastycyzmu było użycie środków wyrazu. Do budowania formy dopuszcza się tylko linie poziome i pionowe. Pierwsza zasada to przecinanie pod kątem prostym. Później dodano do niej drugą, która usuwając kreskę i podkreślając płaszczyznę, ogranicza kolorystykę do czerwieni, błękitu i żółci, tj. trzy podstawowe kolory, do których można dodać tylko biały i czarny.

Pieta Mondriana

„Kompozycja z kratami”, 1919

„Kompozycja z czerwienią i błękitem”, 1938 r

Wielki był jednym z najgorętszych wielbicieli jego talentu Yves Saint Laurent, to właśnie on stworzył kolekcję jesienno-zimową z lat 1965-1966. Ta kolekcja zawierała słynne Sukienki Mondriana- proste sukienki

bez kołnierzyka i rękawów z dzianiny, która posiadała wystrój w postaci dużych kolorowych komórek – „cytatów” z obrazów słynnego artysty, który w latach 60. wrócił do mody.

Dadaizm to artystyczny kierunek europejskiej awangardy początku XX wieku.

Georg Gross wspominał później, że jego sztuka Dada miała być protestem „przeciwko temu światu wzajemnej zagłady”.

Według Hansa Richtera Dada nie był sztuką: był „anty-sztuką”.

Franciszek Picabia Taniec u źródła (1912)

1921 - Jean Crotty zorganizował pierwszą wystawę Dada w Salon des Indépedants w Paryżu. Jeana Crotty'ego « A uważne interieures aux voix” 1920

Surrealizm

Ruch kulturowy, który rozpoczął się na początku lat dwudziestych XX wieku i jest najbardziej znany ze swoich dzieł wizualnych i pism. Celem było „rozwiązanie wcześniej sprzecznych warunków snu i rzeczywistości”.

André-Aime-Rene Masson Stolik na cokole w pracowni , 1922

Mężczyzna Ray La Fortune , 1938

Rene Magritte'a La Voix des Airs, 1931

W 1947 roku w Galerie Maeght w Paryżu odbyła się Międzynarodowa Wystawa Surrealistów. główna powojenna wystawa artystów surrealistów Jedna z prac: Jakuba Herolda Personnages surrealists-1947

abstrakcyjny ekspresjonizm

Prąd, który narodził się w USA w latach 40. i reprezentowana głównie przez twórczość artystów tzw. szkoły nowojorskiej.

Po surrealizmie abstrakcyjny ekspresjonizm nadal „wyzwalał” sztukę spod wszelkiej kontroli umysłu i logicznych praw, stawiając sobie za cel spontaniczną ekspresję wewnętrznego świata artysty.

W szybkim rytmie artyści często uciekali się do kapania. Ta ekspresyjna metoda malowania była uważana za nie mniej ważną niż samo dzieło, dlatego proces tworzenia obrazu często odbywał się publicznie.

Jacksona Pollocka „Pejzaż jesienny”, 1950 r

Willem de Kooning: Martwa natura, 1945

Mark Rothko „Biały środek”, 1955

taszyzm

(francuski taszyzm, od Tache - spot) - francuski styl malarstwa abstrakcyjnego lat 40.-60. XX wieku. To obraz z plamami, które nie odtwarzają obrazów rzeczywistości, ale wyrażają nieświadomą aktywność artysty.

Jeana Dubuffeta „Palmy arabskie” 1948 . Żaluzja

Mikołaj de Stael "Improwizacja", 1948

Abstrakcja liryczna - ruch artystyczny, który narodził się w Paryżu po II wojnie światowej.

Pierre'a Souiages

« LITOGRAFIA », 1957

Kamila Bryena « heperyl ", 1951. Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paryż, Francja Niektórzy krytycy sztuki postrzegali nową abstrakcję jako próbę przywrócenia obrazu artystycznego Paryża.

Wiek XX to epoka afirmacji wartości awangardy.

Jean Dubuffet aktywnie wspiera „sztuka obca”(dosłownie surowa sztuka): która jest podzielona na kilka obszarów:

• sztuka chorych psychicznie;
• sztuka ludowa - każdy wytwór praktycznego rzemiosła i umiejętności zdobniczych z reguły ucieleśnia tradycyjne formy i wartości społeczne;
• sztuka intuicyjna/sztuka fantomowa - przedstawienia o charakterze duchowym lub religijnym.
• sztuka ekstremalna – odnosi się do artystów z pogranicza świata sztuki;
• sztuka naiwna: termin ten zwykle odnosił się do niewyszkolonych artystów, którzy aspirują do „normalnego” statusu artystycznego, tj. mają znacznie bardziej świadomą interakcję z głównym nurtem świata sztuki niż artyści z zewnątrz.

Pierre'a Vuittona (1880 - 1962), francuski artysta. Po szoku, jaki przeżył podczas pierwszej wojny światowej, Vuitton porzucił swoje poprzednie życie. Po kilku pobytach w sanatoriach i szpitalach psychiatrycznych przeniósł się w 1920 do Paryża, gdzie poznał kilku artystów paryskiej bohemy, m.in. Dubuffeta, Cocteau, Picassa, de Chirico, Picabię.

Op-art lub sztuka optyczna

(termin ukuty w 1964 roku przez magazyn Time) to styl sztuki wykorzystujący złudzenia optyczne. Dzieła op-artu są abstrakcyjne z wieloma bardziej znanymi dziełami.

Kiedy widz na nie patrzy, ma wrażenie ruchu, utajonych obrazów, błysków i wibracji, wzorów, ewentualnie obrzęków lub deformacji.

Wiktor Vasarly- twórca op-artu

Neoekspresjonizm- styl najnowszego modernistycznego lub wczesnego postmodernistycznego malarstwa i rzeźby, który pojawił się pod koniec lat 70. XX wieku. Czasami nazywano neoekspresjonistów Nowa dzikość(„Nowy Dziki”). Charakteryzuje się intensywnym subiektywizmem i nieostrożnym obchodzeniem się z materiałami.

Neoekspresjonizm rozwinął się jako reakcja na sztukę konceptualną i minimal art.

Robercie Combasy » Saint-Sebastien » , 1991

Herve Di ROSA « Koncert multimedialny », 1984.

Pop Art -(angielski skrót od sztuka popularna) - nurt w sztukach plastycznych Europy Zachodniej i USA na przełomie lat 50. i 60. XX wieku. W rzeczywistości kierunek ten zastąpił tradycyjne sztuki wizualne demonstracją niektórych obiektów kultury masowej lub świata materialnego.

Richarda Hamiltona „Co sprawia, że ​​nasze dzisiejsze domy są tak różne i zachęcające?” (1956) jedno z najwcześniejszych dzieł pop-artu

hiperrealizm

(ang. Hiperrealizm - superrealizm; inne nazwy - superrealizm, fotorealizm, zimny realizm, radykalny realizm) to kierunek artystyczny w malarstwie i rzeźbie, który powstał w USA w latach 60. XX wieku i rozprzestrzenił się w latach 70. XX wieku.

Styl w malarstwie i rzeźbie oparty na fotograficznej realizacji przedmiotu.

Don Eddy

Ryszard Estes

Chuck Close „Linda”, 1976

Ralph Goings „Obiad Ralpha”, 1982

„Nowy świat narodził się, gdy namalowali go impresjoniści”

Henryka Kahnweilera

XIX wiek. Francja. W malarstwie stało się coś nie do pomyślenia. Grupa młodych artystów postanowiła wstrząsnąć 500-letnią tradycją. Zamiast wyraźnego rysunku zastosowali szerokie „niechlujne” pociągnięcie pędzla.

I całkowicie porzucili zwykłe obrazy, przedstawiające wszystkich z rzędu. I damy łatwych cnót i dżentelmenów o wątpliwej reputacji.

Publiczność nie była gotowa na malarstwo impresjonistyczne. Byli wyśmiewani i besztani. A co najważniejsze, nic od nich nie kupowali.

Ale opór został złamany. A niektórzy impresjoniści doczekali swojego triumfu. To prawda, mieli już ponad 40 lat. Jak Claude Monet czy Auguste Renoir. Inni czekali na uznanie dopiero pod koniec życia, jak Camille Pissarro. Ktoś tego nie sprostał, jak Alfred Sisley.

Co za rewolucjonista zrobił każdy z nich? Dlaczego społeczeństwo tak długo ich nie akceptowało? Oto 7 najsłynniejszych francuskich impresjonistów na świecie.

1. Edward Manet (1832-1883)

Edwarda Mane'a. Autoportret z paletą. 1878 Kolekcja prywatna

Manet był starszy niż większość impresjonistów. Był ich główną inspiracją.

Sam Manet nie twierdził, że jest przywódcą rewolucjonistów. Był człowiekiem światowym. Marzyłem o oficjalnych nagrodach.

Ale bardzo długo czekał na uznanie. Publiczność chciała zobaczyć greckie boginie lub w najgorszym przypadku martwe natury, aby pięknie wyglądały w jadalni. Manet chciał malować współczesność. Na przykład kurtyzany.

Rezultatem było „Śniadanie na trawie”. Dwóch dandysów relaksuje się w towarzystwie pań łatwych cnót. Jeden z nich, jakby nic się nie stało, siedzi obok ubranych mężczyzn.

Edwarda Mane'a. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż

Porównaj jego „Śniadanie na trawie” z „Rzymianami u schyłku” Thomasa Couture’a. Obraz Couture zrobił furorę. Artysta natychmiast stał się sławny.

„Śniadanie na trawie” zostało oskarżone o wulgaryzmy. Kobietom w ciąży absolutnie nie zalecano patrzenia na nią.

Tomasz Couture. Rzymianie w upadku. 1847 Musée d'Orsay w Paryżu. artchive.ru

W malarstwie Couture'a widzimy wszystkie atrybuty akademizmu (malarstwo tradycyjne XVI-XIX wieku). Kolumny i posągi. Lud apolliński. Tradycyjne stonowane kolory. Manieryzm postaw i gestów. Fabuła z odległego życia zupełnie innych ludzi.

„Śniadanie na trawie” Maneta to inny format. Przed nim nikt nie przedstawiał tak łatwo kurtyzan. Blisko szanowanych obywateli. Chociaż wielu ówczesnych mężczyzn spędzało w ten sposób wolny czas. To było prawdziwe życie prawdziwych ludzi.

Kiedyś przedstawiał szanowaną damę. Brzydki. Nie mógł schlebiać jej pędzlem. Pani była rozczarowana. Zostawiła go we łzach.

Edwarda Mane'a. Angelina. 1860 Musée d'Orsay w Paryżu. wikimedia.commons.org

Kontynuował więc eksperymenty. Na przykład z kolorem. Nie starał się przedstawiać tak zwanego naturalnego koloru. Jeśli widział szarobrązową wodę jako jasnoniebieską, przedstawiał ją jako jasnoniebieską.

To oczywiście zirytowało opinię publiczną. „W końcu nawet Morze Śródziemne nie może pochwalić się takim błękitem jak woda w Manet” – żartowali.

Edwarda Mane'a. Argenteuil. 1874 Muzeum Sztuk Pięknych, Tournai, Belgia. wikipedia.org

Ale fakt pozostaje. Manet zasadniczo zmienił cel malarstwa. Obraz stał się ucieleśnieniem indywidualności artysty, który pisze tak, jak mu się podoba. Zapomnij o wzorcach i tradycjach.

Innowacje długo mu nie wybaczały. Uznanie czekało dopiero pod koniec życia. Ale już go nie potrzebował. Umierał w męczarniach na nieuleczalną chorobę.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autoportret w berecie. 1886 Kolekcja prywatna

Claude'a Moneta można nazwać podręcznikowym impresjonistą. Temu kierunkowi był bowiem wierny przez całe swoje długie życie.

Nie malował przedmiotów i ludzi, lecz jednobarwną konstrukcję świateł i plam. Oddzielne uderzenia. Drżenie powietrza.

Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Metmuseum.org

Monet malował nie tylko naturę. Był również dobry w krajobrazach miejskich. Jeden z najbardziej sławnych - .

Na tym obrazie jest dużo fotografii. Na przykład ruch jest przekazywany za pomocą rozmytego obrazu.

Uwaga: odległe drzewa i postacie wydają się być zamglone.

Claude Monet. Boulevard des Capucines w Paryżu. 1873 (Galeria Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX wieku), Moskwa

Przed nami zatrzymany moment tętniącego życiem Paryża. Bez inscenizacji. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawiani jako zbiór kresek. Taki brak fabuły i efekt „zatrzymania klatki” to główna cecha impresjonizmu.

W połowie lat 80. artyści byli rozczarowani impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobra. Ale bezczynność wielu uciśnionych.

Tylko Monet nadal upierał się, wyolbrzymiając impresjonizm. To przekształciło się w serię obrazów.

Przedstawiał ten sam krajobraz dziesiątki razy. O różnych porach dnia. W różnych porach roku. Pokazać, jak bardzo temperatura i światło mogą zmienić ten sam widok nie do poznania.

Stogów siana było więc mnóstwo.

Obrazy Claude'a Moneta w Museum of Fine Arts w Bostonie. Po lewej: Stogi siana o zachodzie słońca w Giverny, 1891 Po prawej: Stóg siana (efekt śniegu), 1891

Należy pamiętać, że cienie na tych obrazach są kolorowe. I nie szary lub czarny, jak to było w zwyczaju przed impresjonistami. To kolejny z ich wynalazków.

Monetowi udało się cieszyć sukcesem i dobrobytem materialnym. Po czterdziestce zapomniał już o biedzie. Mam dom i piękny ogród. I robił to dla swojej przyjemności przez wiele lat.

Przeczytaj o najbardziej kultowym obrazie mistrza w artykule

3. August Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling and Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest

Impresjonizm jest najbardziej pozytywnym malarstwem. A najbardziej pozytywnym spośród impresjonistów był Renoir.

W jego obrazach nie znajdziesz dramatu. Nie użył nawet czarnej farby. Tylko radość bycia. Nawet najbardziej banalny Renoir wygląda pięknie.

W przeciwieństwie do Moneta Renoir częściej malował ludzi. Pejzaże miały dla niego mniejsze znaczenie. Na obrazach jego przyjaciele i znajomi odpoczywają i cieszą się życiem.

Pierre-Auguste Renoir. Śniadanie wioślarzy. 1880-1881 Phillips Collection, Waszyngton, USA. wikimedia.commons.org

Nie znajdziesz w Renoirze i zamyśleniu. Był bardzo zadowolony z przyłączenia się do impresjonistów, którzy całkowicie odrzucali tematy.

Jak sam powiedział, w końcu ma możliwość malowania kwiatów i nazywania ich po prostu „Kwiatami”. I nie wymyślaj o nich żadnych historii.

Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolem w ogrodzie. 1875 Muzeum Thyssen-Bormenis, Madryt. arteuam.com

Renoir najlepiej czuł się w towarzystwie kobiet. Poprosił swoje pokojówki, aby śpiewały i żartowały. Im bardziej głupia i naiwna była ta piosenka, tym lepiej dla niego. Męska paplanina go męczyła. Nic dziwnego, że Renoir znany jest z nagich obrazów.

Modelka na obrazie „Akt w słońcu” zdaje się pojawiać na kolorowym, abstrakcyjnym tle. Bo dla Renoira nie ma nic drugorzędnego. Oko modelki lub obszar tła są równoważne.

Pierre-Auguste Renoir. Nago w słońcu. 1876 ​​Musée d’Orsay w Paryżu. wikimedia.commons.org

Renoir żył długo. I nigdy nie odkładaj pędzla i palety. Nawet kiedy jego ręce były całkowicie spętane reumatyzmem, przywiązał sznurkiem szczotkę do ramienia. I malował.

Podobnie jak Monet, na uznanie czekał po 40 latach. A moje obrazy widziałam w Luwrze, obok dzieł znanych mistrzów.

Przeczytaj o jednym z najbardziej uroczych portretów Renoira w artykule

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgara Degasa. Autoportret. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkiana, Lizbona, Portugalia. kultura.com

Degas nie był klasycznym impresjonistą. Nie lubił pracować na wolnym powietrzu (pod gołym niebem). Nie znajdziesz u niego celowo rozjaśnionej palety.

Wręcz przeciwnie, kochał wyraźną linię. Ma dużo czerni. I pracował wyłącznie w studiu.

Ale nadal jest zawsze stawiany na równi z innymi wielkimi impresjonistami. Bo był impresjonistą gestu.

Nieoczekiwane kąty. Asymetria w rozmieszczeniu przedmiotów. Postacie zaskoczone. Oto główne atrybuty jego obrazów.

Zatrzymał chwile życia, nie pozwalając bohaterom dojść do siebie. Spójrz choćby na jego „Orkiestrę Operową”.

Edgara Degasa. Orkiestra Operowa. 1870 Musée d'Orsay w Paryżu. commons.wikimedia.org

Na pierwszym planie oparcie krzesła. Muzyk jest odwrócony do nas plecami. A w tle baletnice na scenie nie mieściły się w „ramce”. Ich głowy są bezlitośnie „obcinane” przez krawędź obrazu.

Dlatego jego ulubieni tancerze nie zawsze są przedstawiani w pięknych pozach. Czasami po prostu się rozciągają.

Ale taka improwizacja jest wyimaginowana. Oczywiście Degas dokładnie przemyślał kompozycję. To tylko efekt stop-klatki, a nie prawdziwy stop-klatka.

Edgara Degasa. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelburne, Wermouth, USA

Edgar Degas uwielbiał malować kobiety. Ale choroba lub cechy ciała nie pozwalały mu na fizyczny kontakt z nimi. Nigdy się nie ożenił. Nikt nigdy nie widział go z kobietą.

Brak prawdziwych wątków w jego życiu osobistym dodał subtelnego i intensywnego erotyzmu do jego obrazów.

Edgara Degasa. Gwiazda baletu. 1876-1878 Musee d'Orsay w Paryżu. wikimedia.comons.org

Zwróć uwagę, że na zdjęciu „Gwiazda baletu” narysowana jest tylko sama baletnica. Jej koledzy za kulisami są ledwo rozpoznawalni. Tylko kilka nóg.

Nie oznacza to, że Degas nie dokończył obrazu. Taki jest odbiór. Skoncentruj się tylko na najważniejszych rzeczach. Niech reszta zniknie, nieczytelna.

Przeczytaj o innych obrazach mistrza w artykule.

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edwarda Mane'a. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzeum Marmottana Moneta w Paryżu.

Bertha Morisot rzadko stawiana jest w czołówce wielkich impresjonistów. Jestem pewien, że to niezasłużone. Właśnie w niej znajdziesz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli podoba Ci się ten styl, pokochasz jej twórczość całym sercem.

Morisot pracowała szybko i z impetem, przenosząc swoje wrażenie na płótno. Postacie wydają się zaraz rozpływać w przestrzeni.

Berthe Morisot. Lato. 1880 Muzeum Fabre, Montpellier, Francja.

Podobnie jak Degas, często pozostawiała niedokończone szczegóły. A nawet części ciała modelki. Nie możemy rozróżnić rąk dziewczyny na obrazie „Lato”.

Droga Morisota do wyrażania siebie była trudna. Nie tylko zajmowała się „niechlujnym” malarstwem. Nadal była kobietą. W tamtych czasach dama miała marzyć o małżeństwie. Potem zapomniano o jakimkolwiek hobby.

Dlatego Bertha długo odmawiała małżeństwa. Aż znalazła mężczyznę, który z szacunkiem traktował jej zawód. Eugene Manet był bratem malarza Edouarda Maneta. Posłusznie niósł sztalugi i farby dla swojej żony.

Berthe Morisot. Eugene Manet z córką w Bougival. 1881 Muzeum Marmottana Moneta w Paryżu.

Ale to było jeszcze w XIX wieku. Nie, Morisot nie nosił spodni. Ale nie mogła sobie pozwolić na pełną swobodę ruchów.

Nie mogła iść do parku do pracy sama, bez kogoś bliskiego. Nie mogłem siedzieć sam w kawiarni. Dlatego jej obrazy to ludzie z kręgu rodzinnego. Mąż, córka, krewni, nianie.

Berthe Morisot. Kobieta z dzieckiem w ogrodzie w Bougival. 1881 Muzeum Narodowe Walii, Cardiff.

Morisot nie czekał na uznanie. Zmarła w wieku 54 lat na zapalenie płuc, nie sprzedając prawie żadnej swojej pracy za życia. Na jej akcie zgonu w kolumnie „zawód” była myślnik. Nie do pomyślenia było, aby kobieta nazywała się artystką. Nawet jeśli naprawdę nią była.

Przeczytaj o obrazach mistrza w artykule

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Kamila Pissarro. Autoportret. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu. wikipedia.org

Kamila Pissarro. Niekonfrontacyjny, rozsądny. Wielu uważało go za nauczyciela. Nawet najbardziej temperamentni koledzy nie mówili źle o Pissarro.

Był wiernym wyznawcą impresjonizmu. W skrajnej potrzebie, z żoną i pięciorgiem dzieci, nadal ciężko pracował w swoim ulubionym stylu. I nigdy nie przeszedł na malowanie salonowe, aby stać się bardziej popularnym. Nie wiadomo, skąd wziął siłę, by w pełni uwierzyć w siebie.

Aby w ogóle nie umrzeć z głodu, Pissarro malował wachlarze, które były ochoczo wyprzedane. A prawdziwe uznanie przyszło mu dopiero po 60 latach! W końcu mógł zapomnieć o potrzebie.

Kamila Pissarro. Dyliżans w Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay w Paryżu

Powietrze na obrazach Pissarro jest gęste i gęste. Niezwykłe połączenie koloru i objętości.

Artysta nie bał się malować najbardziej zmiennych zjawisk natury, które pojawiają się na chwilę i znikają. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.

Kamila Pissarro. Mróz. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu

Jego najbardziej znanymi dziełami są widoki Paryża. Z szerokimi bulwarami, próżnym pstrokatym tłumem. W nocy, w ciągu dnia, przy różnej pogodzie. W pewnym sensie przypominają serię obrazów Claude'a Moneta.

Francuską szkołę artystyczną przełomu XVII i XVIII wieku można nazwać wiodącą szkołą europejską, to właśnie we Francji w tym czasie narodziły się takie style artystyczne jak rokoko, romantyzm, klasycyzm, realizm, impresjonizm i postimpresjonizm.

Rokoko (rokoko francuskie, od rocaille – motyw ozdobny w kształcie muszli) – styl w sztuce europejskiej I połowy XVIII wieku. Rokoko cechuje hedonizm, wycofanie się w świat idyllicznej teatralnej zabawy, zamiłowanie do tematów sielankowych i zmysłowo-erotycznych. Charakter wystroju rokokowego nabrał form zdecydowanie eleganckich, wyrafinowanych i wyrafinowanych.

Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard pracowali w stylu rokoko.

Klasycyzm - styl w sztuce europejskiej XVII - początku XIX wieku, którego cechą charakterystyczną było odwoływanie się do form sztuki antycznej, jako idealnej normy estetycznej i etycznej.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David pracowali w stylu klasycyzmu.

Romantyzm - styl sztuki europejskiej w XVIII-XIX wieku, którego charakterystycznymi cechami było stwierdzenie przyrodzonej wartości życia duchowego i twórczego jednostki, obraz silnych i często buntowniczych namiętności i charakterów.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake pracowali w stylu romantyzmu.

Edwarda Maneta. Śniadanie w warsztacie. 1868

Realizm - styl sztuki, którego zadaniem jest jak najdokładniejsze i obiektywne utrwalanie rzeczywistości. Stylistycznie realizm jest wielostronny i wielowariantowy. Różne aspekty realizmu w malarstwie to barokowy iluzjonizm Caravaggia i Velazqueza, impresjonizm Maneta i Degasa oraz dzieła Nyunena Van Gogha.

Narodziny realizmu w malarstwie kojarzone są najczęściej z twórczością francuskiego artysty Gustave'a Courbeta, który w 1855 r. Francois Millet, Jules Breton pracowali w realistyczny sposób. w 1870 roku realizm został podzielony na dwa główne obszary - naturalizm i impresjonizm.

Malarstwo realistyczne rozpowszechniło się na całym świecie. Wędrowcy pracowali w stylu realizmu o ostrej orientacji społecznej w Rosji XIX wieku.

Impresjonizm (z francuskiego impresja - impresja) - styl w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, którego cechą charakterystyczną była chęć jak najbardziej naturalnego uchwycenia świata rzeczywistego w jego ruchliwości i zmienności, przekazania ich ulotnych wrażeń . Impresjonizm nie poruszał kwestii filozoficznych, ale skupiał się na płynności chwili, nastroju i oświetleniu. Tematem impresjonistów staje się samo życie, jako seria małych świąt, przyjęć, przyjemnych pikników na łonie natury w przyjaznym otoczeniu. Impresjoniści jako jedni z pierwszych malowali w plenerze, nie kończąc pracy w pracowni.

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley i inni pracowali w stylu impresjonizmu.

postimpresjonizm - styl w sztuce, który powstał pod koniec XIX wieku. Postimpresjoniści dążyli do swobodnego i ogólnego oddania materialności świata, uciekając się do dekoracyjnej stylizacji.

Postimpresjonizm dał początek takim dziedzinom sztuki jak ekspresjonizm, symbolizm i nowoczesność.

Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec pracowali w stylu postimpresjonizmu.

Rozważmy bardziej szczegółowo impresjonizm i postimpresjonizm na przykładzie twórczości poszczególnych mistrzów Francji XIX wieku.

Edgara Degasa. Autoportret. 1854-1855

Edgara Degasa (lata życia 1834-1917) – francuski malarz, grafik i rzeźbiarz.

Wychodząc od ściśle historycznych obrazów i portretów, w latach 70. XIX wieku Degas zbliżył się do przedstawicieli impresjonizmu i zwrócił się ku obrazowi współczesnego życia miejskiego - ulicom, kawiarniom, przedstawieniom teatralnym.

W obrazach Degasa dynamiczna, często asymetryczna kompozycja, dokładny elastyczny rysunek, nieoczekiwane kąty, aktywna interakcja figury z przestrzenią są starannie przemyślane i zweryfikowane.

E. Degasa. Łazienka. 1885

W wielu pracach Edgar Degas pokazuje specyfikę zachowania i wyglądu ludzi, generowaną przez osobliwości ich życia, ujawnia mechanizm profesjonalnego gestu, postawy, ruchu osoby, jej plastycznego piękna. Sztuka Degasa tkwi w połączeniu piękna z prozaicznością; artysta, jako trzeźwy i subtelny obserwator, uchwycił jednocześnie żmudną codzienną pracę kryjącą się za elegancką rozrywką.

Ulubiona technika pasteli pozwoliła Edgarowi Degasowi w pełni pokazać swój talent rysownika. Nasycone tony i „mieniące się” akcenty pasteli pomogły artyście stworzyć tę szczególną barwną atmosferę, tę opalizującą zwiewność, która tak wyróżnia wszystkie jego prace.

W dojrzałych latach Degas często zwraca się do tematu baletu. Delikatne i nieważkie postacie baletnic pojawiają się przed widzem czy to w półmroku zajęć tanecznych, czy w świetle reflektorów na scenie, czy też w krótkich chwilach odpoczynku. Pozorna przypadkowość kompozycji i bezstronność autora sprawiają wrażenie podglądania czyjegoś życia, artysta pokazuje nam świat pełen wdzięku i piękna, nie popadając w przesadny sentymentalizm.

Edgara Degasa można nazwać subtelnym kolorystą, jego pastele są zaskakująco harmonijne, czasem delikatne i lekkie, czasem zbudowane na ostrych kontrastach kolorystycznych. Maniery Degasa wyróżniały się niesamowitą swobodą, nakładał pastele odważnymi, łamanymi pociągnięciami, czasami pozostawiając ton papieru przebijający się przez pastel lub dodając pociągnięcia olejem lub akwarelą. Kolor na obrazach Degasa powstaje z opalizującego blasku, z płynącego strumienia opalizujących linii, które dają początek formie.

Późne prace Degasa wyróżniają się intensywnością i bogactwem barw, które uzupełniają efekty sztucznego oświetlenia, powiększonych, niemal płaskich form oraz ograniczenia przestrzeni, które nadają im napięty i dramatyczny charakter. W tym

okres Degas napisał jedno ze swoich najlepszych dzieł - „Niebiescy tancerze”. Artysta operuje tu dużymi plamami koloru, przywiązując ogromną wagę do dekoracyjnej organizacji powierzchni obrazu. Pod względem piękna harmonii kolorystycznej i rozwiązania kompozycyjnego obraz „Niebiescy tancerze” można uznać za najlepsze ucieleśnienie tematu baletu Degasa, który osiągnął w tym obrazie najwyższe bogactwo faktur i zestawień kolorystycznych.

PO Renoir. Autoportret. 1875

Pierre'a Augusta Renoira (lata życia 1841-1919) – francuski malarz, grafik i rzeźbiarz, jeden z głównych przedstawicieli impresjonizmu. Renoir znany jest przede wszystkim jako mistrz świeckiego portretu, nie pozbawiony sentymentalizmu. W połowie lat osiemdziesiątych XIX wieku. właściwie zerwał z impresjonizmem, wracając do linearności klasycyzmu w okresie twórczości Ingresa. Niezwykły kolorysta, Renoir, często osiąga wrażenie malarstwa monochromatycznego za pomocą najlepszych kombinacji valères, podobnych w tonacji kolorystycznej.

PO Renoir. Brodzik dla dzieci. 1869

Jak większość impresjonistów, Renoir wybiera ulotne epizody życia jako tematy swoich obrazów, preferując świąteczne sceny miejskie - bale, tańce, spacery („Nowy most”, „Żaba”, „Moulin da la Galette” i inne). Na tych płótnach nie zobaczymy ani czerni, ani ciemnego brązu. Tylko gama czystych i jasnych kolorów, które łączą się ze sobą, gdy patrzy się na nie z pewnej odległości. Postacie ludzi na tych obrazach są namalowane tą samą impresjonistyczną techniką, co otaczający ich krajobraz, z którym często się łączą.

PO Renoir. Portret aktorki Jeanne Samary. 1877

Szczególne miejsce w twórczości Renoira zajmują poetyckie i urocze kobiece wizerunki: różne wewnętrznie, ale na zewnątrz nieco do siebie podobne, wydają się być naznaczone wspólną pieczęcią epoki. Renoir namalował trzy różne portrety aktorki Jeanne Samary. Na jednym z nich aktorka jest przedstawiona w wykwintnej zielono-niebieskiej sukience na różowym tle. Na tym portrecie Renoirowi udało się podkreślić najlepsze cechy swojego modelu: piękno, żywy umysł, otwarte spojrzenie, promienny uśmiech. Styl pracy artysty jest bardzo swobodny, czasem aż do zaniedbania, ale tworzy to atmosferę niezwykłej świeżości, duchowej klarowności i pogody ducha. W obrazie aktu Renoir osiąga rzadkie wyrafinowanie goździków (malowanie koloru ludzkiego skin), zbudowane na połączeniu ciepłych, cielistych tonacji z przesuwającymi się jasnymi zielonkawymi i szaroniebieskimi refleksami, nadające powierzchni płótna gładkość i matowość. W obrazie „Akt w słońcu” Renoir używa głównie kolorów podstawowych i drugorzędnych, całkowicie wykluczając czerń. Kolorowe plamy uzyskane za pomocą małych kolorowych kresek dają charakterystyczny efekt łączenia, gdy widz oddala się od obrazu.

Należy zauważyć, że użycie odcieni zieleni, żółci, ochry, różu i czerwieni do przedstawienia skóry zszokowało ówczesną publiczność, nieprzygotowaną na dostrzeżenie faktu, że cienie powinny być kolorowe, wypełnione światłem.

W latach osiemdziesiątych XIX wieku w twórczości Renoira rozpoczął się tak zwany „okres Ingres”. Najbardziej znanym dziełem tego okresu są Wielcy Kąpiący się. Po raz pierwszy Renoir zaczął używać szkiców i szkiców do budowania kompozycji, linie rysunku stały się wyraźne i wyraźne, kolory straciły dawną jasność i nasycenie, obraz jako całość zaczął wyglądać na bardziej powściągliwy i zimniejszy.

Na początku lat 90. XIX wieku w sztuce Renoira zaszły nowe zmiany. W malarski sposób pojawia się opalizacja koloru, dlatego okres ten nazywany jest czasem „perłowym”, następnie okres ten ustępuje miejsca „czerwonemu”, nazwany tak ze względu na preferencje dla odcieni czerwonawych i różowych kwiatów.

Eugene Henri Paul Gauguin (lata życia 1848-1903) – francuski malarz, rzeźbiarz i grafik. Był obok Cezanne'a i Van Gogha największym przedstawicielem postimpresjonizmu. Zaczął malować w wieku dorosłym, wczesny okres twórczości związany jest z impresjonizmem. Najlepsze dzieła Gauguina powstały na wyspach Tahiti i Hiva-Oa w Oceanii, gdzie Gauguin opuścił „przewrotną cywilizację”. Charakterystyczną cechą stylu Gauguina jest tworzenie na dużych płaskich płótnach kompozycji statycznych i kontrastujących kolorystycznie, głęboko emocjonalnych i jednocześnie dekoracyjnych.

W Żółtym Chrystusie Gauguin przedstawił krucyfiks na tle typowego francuskiego krajobrazu wiejskiego, cierpiącego Jezusa otoczonego przez trzy bretońskie wieśniaczki. Spokój w powietrzu, spokojne, uległe pozy kobiet, pejzaż nasycony słonecznie żółtym kolorem z drzewami w czerwonym jesiennym listowiu, chłop zajęty w oddali swoimi sprawami, nie mogą nie kłócić się z tym, co dzieje się na krzyżu. Otoczenie ostro kontrastuje z Jezusem, na którego twarzy maluje się ten etap cierpienia, graniczący z apatią, obojętnością na wszystko wokół. Sprzeczność z bezgranicznymi mękami przyjętymi przez Chrystusa i „niewidzialnością” tej ofiary przez ludzi – to główny temat tej pracy Gauguina.

P. Gauguina. Czy jesteś zazdrosny? 1892

Obraz „Czy jesteś zazdrosny?” nawiązuje do polinezyjskiego okresu twórczości artysty. Obraz oparty jest na scenie z życia, podglądanej przez artystę:

na brzegu dwie siostry - dopiero co pływały, a teraz ich ciała leżą rozłożone na piasku w swobodnych zmysłowych pozach - rozmawiają o miłości, jedno wspomnienie budzi spór: „Jak? Czy jesteś zazdrosny!".

Malując soczyste, pełnokrwiste piękno tropikalnej przyrody, naturalnych ludzi nieskażonych cywilizacją, Gauguin przedstawił utopijne marzenie o ziemskim raju, o życiu człowieka w zgodzie z naturą. Polinezyjskie płótna Gauguina przypominają panele dekoracyjną barwą, płaskością i monumentalnością kompozycji, uogólnieniem stylizowanego wzoru.

P. Gauguina. Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy? 1897-1898

Obraz „Skąd się wzięliśmy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?" Gauguin rozważał wzniosłą kulminację swoich przemyśleń. Zgodnie z intencją artysty, obraz należy czytać od prawej do lewej: trzy główne grupy figur ilustrują postawione w tytule pytania. Grupa kobiet z dzieckiem po prawej stronie obrazu przedstawia początek życia; środkowa grupa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w grupie skrajnie lewicowej Gauguin przedstawiał ludzką starość, zbliżającą się do śmierci; niebieski idol w tle symbolizuje inny świat. Ten obraz jest szczytem innowacyjnego postimpresjonistycznego stylu Gauguina; jego styl łączył wyraźne operowanie kolorem, dekoracyjne rozwiązania kolorystyczne i kompozycyjne, płaskość i monumentalność obrazu z ekspresją emocjonalną.

Twórczość Gauguina antycypowała wiele cech stylu Art Nouveau, który rozwinął się w tym okresie i wpłynął na kształtowanie się mistrzów grupy Nabis i innych malarzy początku XX wieku.

W Van Gogha. Autoportret. 1889

Vincent van Gogh (lata życia 1853-1890) – francuski i holenderski malarz postimpresjonistyczny, zaczął malować, podobnie jak Paul Gauguin, już w wieku dorosłym, w latach 80. XIX wieku. Do tego czasu Van Gogh z powodzeniem pracował jako handlarz, następnie jako nauczyciel w szkole z internatem, później studiował w protestanckiej szkole misyjnej i przez sześć miesięcy pracował jako misjonarz w biednej dzielnicy górniczej w Belgii. Na początku lat 80. XIX wieku Van Gogh zwrócił się ku sztuce, uczęszczając do Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli (1880-1881) i Antwerpii (1885-1886). We wczesnym okresie swojej twórczości Van Gogh malował szkice i obrazy w ciemnej gamie malarskiej, wybierając jako fabuły sceny z życia górników, chłopów i rzemieślników. Prace Van Gogha z tego okresu („Zjadacze ziemniaków”, „Wieża starego kościoła w Nynen”, „Buty”) charakteryzują się boleśnie ostrym postrzeganiem ludzkiego cierpienia i uczuciami depresji, przytłaczającą atmosferą napięcia psychicznego. W listach do brata Theo artysta tak pisał o jednym z obrazów z tego okresu, Jedzących kartofle: „Starałem się w nim podkreślić, że ci ludzie, jedząc ziemniaki przy świetle lampy, wykopali ziemię tymi samymi rękami, które wyciągnęli do naczynia; tak więc płótno mówi o ciężkiej pracy io tym, że bohaterowie uczciwie zasłużyli na jedzenie. ”W latach 1886-1888. Van Gogh mieszkał w Paryżu, odwiedzał prestiżową prywatną pracownię artystyczną słynnego w całej Europie nauczyciela P. Cormona, studiował malarstwo impresjonistyczne, japońskie ryciny i dzieła syntetyczne Paula Gauguina. W tym okresie paleta Van Gogha stała się jasna, zniknął ziemisty odcień farby, pojawiły się czyste niebieskie, złotożółte, czerwone odcienie, jego charakterystyczna dynamika, jakby płynne pociągnięcie pędzla („Agostina Segatori in the Tambourine Cafe”, „Most nad Sekwaną” ”, „Papa Tanguy”, „Widok Paryża z mieszkania Theo przy Rue Lepic”).

W 1888 roku Van Gogh przeniósł się do Arles, gdzie ostatecznie ustalono oryginalność jego twórczego sposobu. Ognisty temperament artystyczny, dręczący pęd ku harmonii, pięknu i szczęściu, a jednocześnie lęk przed siłami wrogimi człowiekowi, ucieleśniają albo mieniące się słonecznymi kolorami krajobrazy południa („Żółty dom”, „Żniwa La Crot Valley”), czy też w złowrogich, przypominających koszmarne obrazy („Night Cafe Terrace”); dynamika koloru i obrysu

W Van Gogha. Nocny taras kawiarni. 1888

wypełnia uduchowionym życiem i ruchem nie tylko przyrodę i zamieszkujących ją ludzi („Czerwone winnice w Arles”), ale także przedmioty nieożywione („Sypialnia Van Gogha w Arles”).

Intensywnej pracy Van Gogha w ostatnich latach towarzyszyły napady choroby psychicznej, które doprowadziły go do szpitala dla psychicznie chorych w Arles, następnie w Saint-Remy (1889-1890) i w Auvers-sur-Oise (1890), gdzie popełnił samobójstwo. Twórczość ostatnich dwóch lat życia artysty naznaczona jest ekstatyczną obsesją, skrajnie wzmożoną ekspresją zestawień kolorystycznych, nagłymi wahaniami nastrojów – od szaleńczej rozpaczy i ponurej wizjonerstwa („Droga z cyprysami i gwiazdami”) po drżące uczucie oświecenia i spokój („Krajobraz w Auvers po deszczu”).

W Van Gogha. Irysy. 1889

W okresie leczenia w klinice Saint-Remy Van Gogh namalował serię obrazów „Irysy”. W jego malowaniu kwiatów nie ma wysokiego napięcia i można prześledzić wpływ japońskich nadruków ukiyo-e. Podobieństwo to przejawia się w doborze konturów przedmiotów, nietypowych kątach, obecności obszarów szczegółowych oraz obszarów wypełnionych jednolitym kolorem, który nie odpowiada rzeczywistości.

W Van Gogha. Pole pszenicy z wronami. 1890

„Pole pszenicy z wronami” to obraz Van Gogha, namalowany przez artystę w lipcu 1890 roku i jest jednym z jego najsłynniejszych dzieł. Obraz został podobno ukończony 10 lipca 1890 roku, 19 dni przed śmiercią w Auvers-sur-Oise. Istnieje wersja, w której Van Gogh popełnił samobójstwo w trakcie pisania tego obrazu (wychodząc na zewnątrz z materiałami do rysowania, zastrzelił się z pistoletu zakupionego w celu odstraszenia stad ptaków w okolicy serca, a następnie samodzielnie dotarł do szpitala, gdzie zmarł z powodu utraty krwi).

Strona główna » Artyści zagraniczni

Wielcy zagraniczni artyści

XIV (XIV wiek) XV (XV wiek) XVI (XVI wiek) XVII (XVII wiek) XVIII (XVIII wiek) XIX (XIX wiek) XX (XX wiek)

Artyści zagraniczni

Lorenzetti Ambrogio
(1319-1348)
Kraj: Włochy

Obrazy Lorenzettiego harmonijnie łączyły tradycje malarstwa sieneńskiego z jego liryzmem i uogólnieniem form oraz charakterystyczną dla sztuki Giotta perspektywicznością konstrukcji przestrzennej. Choć artysta sięga po tematykę religijną i alegoryczną, na obrazach wyraźnie widoczne są cechy współczesnego życia. Pejzaż warunkowy, charakterystyczny dla malarstwa mistrzów XIV wieku, zostaje zastąpiony przez Lorenzettiego rozpoznawalnymi pejzażami toskańskimi. Bardzo realistycznie pisze winnice, pola, jeziora, przystanie morskie, otoczone niezdobytymi skałami.

Eik Wang
Kraj: Holandia

Ojczyzną braci Van Eyck jest miasto Maaseik. Niewiele zachowało się informacji na temat starszego brata Huberta. Wiadomo, że to on rozpoczął prace nad słynnym ołtarzem gandawskim w kościele św. Bawona w Gandawie. Prawdopodobnie do niego należał projekt kompozycyjny ołtarza. Sądząc po zachowanych archaicznych częściach ołtarza - „Kult Baranka”, figury Boga Ojca, Marii i Jana Chrzciciela, - Huberta można nazwać mistrzem przejścia. Jego twórczość znacznie bliższa była tradycjom późnego gotyku (abstrakcyjno-mistyczna interpretacja tematu, umowność w przekazywaniu przestrzeni, mało wyrażane zainteresowanie wizerunkiem osoby).

Artyści zagraniczni

Albrechta Dürera
(1471-1528)
Kraj: Niemcy

Albrecht Dürer, wielki artysta niemiecki, największy przedstawiciel kultury renesansu w Niemczech. Urodzony w Norymberdze w rodzinie złotnika, rodem z Węgier. Początkowo uczył się u ojca, następnie u norymberskiego malarza M. Wohlgemuta (1486-89). W latach studiów i w latach wędrówek po południowych Niemczech (1490-94), podczas podróży do Wenecji (1494-95) chłonął dziedzictwo XV wieku, ale jego głównym nauczycielem stała się natura.

Bosch Hieronim
(1450-1516)
Kraj: Niemcy

Hieronima Boscha, wielkiego malarza holenderskiego. Urodzony w Herzogenbosch. Jego dziadek, brat dziadka i cała piątka wujków byli artystami. W 1478 roku Bosch ożenił się z bogatym patrycjuszem Aleidem van Merwerme, którego rodzina należała do najwyższej arystokracji. Z tego małżeństwa nie było dzieci i nie był szczególnie szczęśliwy. Niemniej jednak przyniósł artyście dobrobyt materialny, a nie będąc jeszcze wystarczająco sławnym, Bosch mógł sobie pozwolić na malowanie tak, jak chciał.

Botticelli Sandro
(1445-1510)
Kraj: Włochy

Prawdziwe imię - Alessandro da Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi, wielki włoski malarz renesansu. Urodzony we Florencji w rodzinie garbarza. Początkowo został wysłany na studia u niejakiego Botticellego, złotnika, od którego Alessandro Filipepi otrzymał swoje nazwisko. Ale pragnienie malarstwa zmusiło go w latach 1459-65 do studiowania u słynnego florenckiego artysty Fra Philippe Lippi. Wczesne prace Botticellego ( Pokłon Trzech Króli, Judyty i Holofernesa a zwłaszcza madonny - Corsini Madonna, Madonna z różą, Madonna z dwoma aniołami) zostały napisane pod wpływem tego ostatniego.

Verrocchio Andrea
(1435-1488)
Kraj: Włochy

Prawdziwe nazwisko - Andrea di Michele di Francesco Choni, wybitny włoski rzeźbiarz. Urodzony we Florencji. Był znanym rzeźbiarzem, malarzem, rysownikiem, architektem, jubilerem i muzykiem. W każdym gatunku dał się poznać jako mistrz innowator, nie powtarzając tego, co zrobili jego poprzednicy.

Carpaccio Vittore
(ok. 1455/1465 - ok. 1526)
Kraj: Włochy

Carpaccio Vittore (ok. 1455/1465 – ok. 1526) – malarz włoski. Urodzony w Wenecji. Studiował u Gentile Belliniego, był pod silnym wpływem Giovanniego Belliniego i częściowo Giorgione. Uważnie obserwując wydarzenia współczesnego życia, artysta ten potrafił nasycić swoje kompozycje religijne żywą narracją i wieloma detalami gatunkowymi. W rzeczywistości stworzył encyklopedię życia i zwyczajów Wenecji w XV wieku. O Carpaccio mówią, że ten mistrz jest „nadal w domu, w Wenecji”. I już sama idea Wenecji jest nierozerwalnie związana ze wspomnieniem zielonkawych, jakby widocznych przez morską wodę, obrazów genialnego rysownika i kolorysty.

Leonardo da Vinci
(1452 - 1519)
Kraj: Włochy

Jeden z najwybitniejszych artystów włoskiego renesansu, Leonardo da Vinci, był także wybitnym naukowcem, myślicielem i inżynierem. Przez całe życie obserwował i badał przyrodę - ciała niebieskie i prawa ich ruchu, góry i tajemnice ich pochodzenia, wodę i wiatry, światło słońca i życie roślin. Za część natury Leonardo uważał także osobę, której ciało podlega prawom fizycznym i jednocześnie służy jako „zwierciadło duszy”. Swoją dociekliwą, czynną, niespokojną miłość do natury przejawiał we wszystkim. To ona pomogła mu odkryć prawa natury, oddała swoje siły na służbę człowiekowi, to ona uczyniła z Leonarda największego artystę, z równą uwagą uchwyciwszy rozkwitający kwiat, wyrazisty gest osoby i mglistą mgiełkę, która otacza odległe góry.

Michał Anioł Buonarroti
(1475 - 1564)
Kraj: Włochy

„Jeszcze nie urodził się człowiek, który tak jak ja byłby tak skłonny kochać ludzi” – pisał o sobie wielki włoski rzeźbiarz, malarz, architekt i poeta Michał Anioł. Tworzył genialne, tytaniczne dzieła i marzył o stworzeniu jeszcze bardziej znaczących. Pewnego dnia, gdy artysta pracował nad rozwojem marmuru w Carrarze, postanowił wyrzeźbić posąg z całej góry.

Rafał Santi
(1483 - 1520)
Kraj: Włochy

Raphael Santi, wielki włoski malarz i architekt renesansu. Urodzony w Urbino w rodzinie J. Santiego - nadwornego malarza i poety księcia Urbino. Pierwsze lekcje malarstwa otrzymał od ojca. Po śmierci Rafael przeniósł się do pracowni T. Viti. W 1500 przeniósł się do Perugio i wstąpił do warsztatu Perugino, najpierw jako student, a następnie jako asystent. Tu poznał najlepsze cechy stylu umbryjskiej szkoły malarstwa: chęć ekspresyjnej interpretacji fabuły i szlachetność form. Wkrótce doprowadził swoje umiejętności do tego stopnia, że ​​odróżnienie kopii od oryginału stało się niemożliwe.

Tycjan Vecellio
(1488- 1576)
Kraj: Włochy

Urodzony w Pieve di Cadoro – małym miasteczku na granicy posiadłości weneckich w Alpach. Pochodził z bardzo wpływowej w mieście rodziny Vecellich. W czasie wojny między Wenecją a cesarzem Maksymilianem ojciec artysty oddał wielkie zasługi Republice św. Marka.

Artyści zagraniczni

Rubensa Piotra Pawła
(1577 - 1640)
Kraj: Niemcy

Rubens Peter Paul, wielki flamandzki malarz. „Królem malarzy i malarzem królów” nazywali współcześni Flemingowi Rubensowi. W jednym z najpiękniejszych zakątków Antwerpii nadal znajduje się Rubens Hughes – dom artysty, zbudowany według jego własnego projektu, oraz warsztat. Wyszło stąd około trzech tysięcy obrazów i wiele wspaniałych rysunków.

Goyena Jana Wanga
(1596-1656)
Kraj: Holandia

Goyen Jan van jest holenderskim malarzem. Pasja do malarstwa objawiła się bardzo wcześnie. W wieku dziesięciu lat Goyen zaczął uczyć się rysunku u artystów z Leiden, I. Swanenburga i K. Schilperorta. Ojciec chciał, aby jego syn został malarzem na szkle, ale sam Goyen marzył o byciu pejzażystą i został skierowany na studia u przeciętnego pejzażysty Willema Gerritsa w mieście Goorn.

Segers Herkules
(1589/1590 - ok. 1638)
Kraj: Holandia

Seghers Hercules to holenderski pejzażysta i grafik. Studiował w Amsterdamie u G. van Coninxloo. Od 1612 do 1629 przebywał w Amsterdamie, gdzie został przyjęty do cechu artystów. Odwiedził Flandrię (ok. 1629-1630). Od 1631 mieszkał i tworzył w Utrechcie, a od 1633 w Hadze.

Fransa Halsa
(ok. 1580-1666)
Kraj: Holandia

Decydującą rolę w kształtowaniu się sztuki narodowej na wczesnym etapie rozwoju holenderskiej szkoły artystycznej odegrała twórczość Fransa Halsa, jej pierwszego wielkiego mistrza. Był prawie wyłącznie malarzem portretowym, ale jego sztuka wiele znaczyła nie tylko dla portretowania Holandii, ale także dla powstania innych gatunków. W twórczości Halsa można wyróżnić trzy typy kompozycji portretowych: portret grupowy, portret indywidualny na zamówienie oraz szczególny typ wizerunków portretowych, zbliżony w swym charakterze do malarstwa rodzajowego, uprawiany przez niego głównie w latach 20. i na początku lat 30. XX wieku.

Velasquez Diego de Silva
(1559-1660)
Kraj: Hiszpania

Urodzony w Sewilli, jednym z największych ośrodków sztuki w Hiszpanii na przełomie XVI i XVII wieku. Ojciec artysty pochodził z portugalskiej rodziny, która przeniosła się do Andaluzji. Chciał, aby jego syn został prawnikiem lub pisarzem, ale nie przeszkodził Velazquezowi w malowaniu. Jego pierwszym nauczycielem był ks. Herrera Starszego, a następnie - F. Pacheco. Córka Pacheco została żoną Velazqueza. W warsztacie Pacheco Velasqueza zajmował się malowaniem głów z życia. W wieku siedemnastu lat Velasquez otrzymał tytuł mistrza. Kariera młodego malarza rozwijała się pomyślnie.

Kraj: Hiszpania

El Greco
(1541-1614)
Kraj: Hiszpania

El Greco, prawdziwe nazwisko - Domenico Theotokopuli, wielki hiszpański malarz. Urodzony w biednej, ale oświeconej rodzinie w Candia na Krecie. Kreta była wówczas własnością Wenecji. Najprawdopodobniej studiował u miejscowych malarzy ikon, którzy nadal zachowali tradycje średniowiecznej sztuki bizantyjskiej. Około 1566 przeniósł się do Wenecji, gdzie wstąpił do warsztatu Tycjana.

Caravaggio Michelangelo Merisi
(1573-1610)
Kraj: Włochy

Caravaggio Michelangelo Merisi, wybitny malarz włoski. Pojawienie się i rozkwit nurtu realistycznego w malarstwie włoskim przełomu XVI i XVII wieku wiąże się z nazwiskiem Caravaggio. Twórczość tego wybitnego mistrza odegrała ogromną rolę w życiu artystycznym nie tylko Włoch, ale także innych krajów europejskich. Sztuka Caravaggia przyciąga nas wielką ekspresją artystyczną, głęboką prawdomównością i humanizmem.

Carracci
Kraj: Włochy

Carracci, rodzina włoskich malarzy z Bolonii na początku XVII wieku, założycieli akademizmu w malarstwie europejskim. Na przełomie XVI i XVII wieku we Włoszech, jako reakcja na manieryzm, ukształtował się akademicki nurt w malarstwie. Jej główne zasady ustanowili bracia Carracci - Lodovico (1555-1619), Agostino (1557-1602) i Annibale (1560-1609).

Brueghel Piotr Starszy
(między 1525 a 1530-1569)
Kraj: Holandia

Każdy, kto czytał wspaniałą powieść Charlesa de Costera, Legenda Thiela Ulenspiegla, wie, że cały naród brał udział w rewolucji holenderskiej, w walce przeciwko Hiszpanom o ich niepodległość, walce okrutnej i bezlitosnej. Świadkiem i uczestnikiem tych wydarzeń był, podobnie jak Ulenspiegel, Peter Brueghel Starszy, jeden z twórców realistycznej sztuki holenderskiej i flamandzkiej.

Van Dycka Anthony'ego
(1599- 1641)
Kraj: Holandia

Van Dyck Anthony, wybitny malarz flamandzki. Urodzony w Antwerpii w rodzinie bogatego biznesmena. Początkowo studiował u malarza z Antwerpii, Hendricka van Balena. W 1618 wstąpił do warsztatu Rubensa. Zaczął swoją pracę od kopiowania swoich obrazów. I wkrótce został głównym asystentem Rubensa w wykonywaniu dużych zamówień. Otrzymał tytuł mistrza cechu św. Łukasza w Antwerpii (1618).

Poussin Nicolas
(1594-1665)
Kraj: Francja

Nicolas Poussin (1594-1665), wybitny malarz francuski, czołowy przedstawiciel klasycyzmu. Urodzony we wsi Andely w Normandii w rodzinie drobnego właściciela ziemskiego. Początkowo studiował w swojej ojczyźnie u mało znanego, ale raczej utalentowanego i kompetentnego wędrownego artysty K. Varena. W 1612 r. Poussin udał się do Paryża, gdzie jego nauczycielem został J. Aalleman. W Paryżu zaprzyjaźnił się z włoskim poetą Marine.

XVII (XVII wiek)

Artyści zagraniczni

Przylądek Albert Gerrits
(1620-1691)
Kraj: Holandia

Cape Albert Gerrits był holenderskim malarzem i rytownikiem.

Studiował u swojego ojca, artysty J. Keipa. Na jego styl artystyczny wpływ miało malarstwo J. van Goyena i S. van Ruysdaela. Pracował w Dordrechcie. Wczesne prace Cuypa, bliskie obrazom J. van Goyena, są monochromatyczne. Maluje pejzaże pagórkowate, biegnące w oddali wiejskie drogi, biedne chłopskie chaty. Obrazy są najczęściej wykonane w jednym żółtawym odcieniu.

Ruisdael Jacob van
(1628/1629-1682)
Kraj: Holandia

Ruisdal Jacob van (1628/1629-1682) – holenderski pejzażysta, rysownik, rytownik. Prawdopodobnie uczył się u swojego wuja, malarza Salomona van Ruysdaela. Odwiedził Niemcy (1640-1650). Mieszkał i pracował w Haarlemie, w 1648 został członkiem cechu malarzy. Od 1656 mieszkał w Amsterdamie, w 1676 uzyskał stopień doktora medycyny w Skarbie Państwa i wpisał się na listę lekarzy amsterdamskich.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn
(1606-1669)
Kraj: Holandia

Urodzony w Lejdzie w rodzinie młynarza. Sprawy ojca w tym okresie układały się dobrze i był w stanie zapewnić synowi lepsze wykształcenie niż inne dzieci. Rembrandt wstąpił do szkoły łacińskiej. Studiował słabo i chciał malować. Mimo to ukończył szkołę i wstąpił na uniwersytet w Leiden. Rok później zaczął pobierać lekcje malarstwa. Jego pierwszym nauczycielem był J. van Swanenburg. Po ponad trzech latach pobytu w swojej pracowni Rembrandt udał się do Amsterdamu do malarza historycznego P. Lastmana. Miał silny wpływ na Rembrandta i nauczył go sztuki grawerowania. Sześć miesięcy później (1623) Rembrandt wrócił do Lejdy i otworzył własny warsztat.

Terborcha Gerarda
(1617-1681)
Kraj: Holandia

Terborch Gerard (1617-1681), słynny holenderski malarz. Urodzony w Zwolle w zamożnej rodzinie mieszczańskiej. Jego ojciec, brat i siostra byli artystami. Pierwszymi nauczycielami Terborcha byli jego ojciec i Hendrik Averkamp. Jego ojciec kazał mu dużo kopiować. Pierwszą pracę stworzył w wieku dziewięciu lat. W wieku piętnastu lat Terborch wyjechał do Amsterdamu, a następnie do Haarlemu, gdzie znalazł się pod silnym wpływem ks. Khalsa. Już wtedy zasłynął jako mistrz gatunku codziennego, najchętniej malował sceny z życia wojska - tzw.

Canalletto (Canale) Giovanni Antonio
(1697-1768)
Kraj: Włochy

Pierwszym nauczycielem Canaletta był jego ojciec, dekorator teatralny B. Canale, któremu pomagał projektować spektakle w teatrach w Wenecji. Działał w Rzymie (1717-1720, pocz. Malował weduty - pejzaże miejskie, przedstawiał ulice, budynki, kanały, łodzie ślizgające się po morskich falach.

Alessandra Manyasco
(1667-1749)
Kraj: Włochy

Alessandro Magnasco (1667-1749) był włoskim malarzem, malarzem rodzajowym i pejzażowym. Studiował u swojego ojca, artysty S. Magnasco, następnie u mediolańskiego malarza F. Abbiatiego. Jego styl ukształtował się pod wpływem mistrzów genueńskiej szkoły malarstwa S. Rosy i J. Callo. Mieszkał i pracował w Mediolanie, Florencji, Genui.

Watteau Antoine
(1684-1721)
Kraj: Francja

Watteau Antoine, wybitny malarz francuski, którego twórczość związana jest z jednym z istotnych etapów rozwoju malarstwa codziennego we Francji. Los Watteau jest niezwykły. Ani we Francji, ani w krajach sąsiednich nie było w latach, gdy pisał swoje najlepsze rzeczy, ani jednego artysty, który mógłby z nim konkurować. Tytani XVII wieku nie dożyli wieku Watteau; ci, którzy w jego ślady wychwalali wiek XVIII, stali się znani światu dopiero po jego śmierci. W rzeczywistości Fragonard, Quentin de La Tour, Perronneau, Chardin, David we Francji, Tiepolo i Longhi we Włoszech, Hogarth, Reynolds, Gainsborough w Anglii, Goya w Hiszpanii - wszystko to środek, a nawet koniec XVIII wieku .

Lorrain Claude
(1600-1682)
Kraj: Francja

Lorrain Claude (1600-1682) – malarz francuski.W młodym wieku pracował w Rzymie jako służący u A. Tassiego, następnie został jego uczniem. Duże zamówienia artysta zaczął otrzymywać w latach trzydziestych XVII wieku, jego klientami byli papież Urban VIII i kardynał Bentivoglio. Od tego czasu Lorrain stało się popularne wśród koneserów sztuki rzymskiej i francuskiej.

XVIII (XVIII wiek)

Artyści zagraniczni

Thomasa Gainsborougha
(1727- 1788)
Kraj: Anglia

Gainsborough Thomas, wybitny angielski malarz, twórca narodowego typu portretu. Urodzony w Sudbury, Suffolk, syn handlarza suknem. Malownicze okolice miasteczka, położonego nad rzeką Stour, przyciągały Gainsborougha od dzieciństwa, bez końca uwieczniając je na swoich dziecięcych szkicach. Pasja chłopca do rysowania była tak wielka, że ​​jego ojciec przez długi czas bez wahania wysłał trzynastoletniego syna na studia do Londynu, który w tym czasie stał się już centrum życia artystycznego.

Turnera Josepha Mallorda Williama
(1775-1851)
Kraj: Anglia

Turner Joseph Mallord William – angielski pejzażysta, malarz, rysownik i rytownik. Lekcje malarstwa pobierał u T. Moltona (ok. 1789), w latach 1789-1793. studiował w Royal Academy w Londynie. W 1802 r. Turner był akademikiem, aw 1809 r. profesorem w klasach akademickich. Artysta dużo podróżował po Anglii i Walii, odwiedził Francję i Szwajcarię (1802), Holandię, Belgię i Niemcy (1817), Włochy (1819, 1828). Jego styl artystyczny ukształtował się pod wpływem K. Lorraina, R. Wilsona i holenderskich malarzy marynistycznych.

Jana Vermeera z Delft
(1632-1675)
Kraj: Holandia

Jan Vermeer z Delft jest wielkim holenderskim artystą. Nie ma prawie żadnych informacji o artyście. Urodzony w Delft w rodzinie mieszczanina, który był właścicielem hotelu. Zajmował się także produkcją jedwabiu i handlował obrazami. Być może dlatego chłopiec wcześnie zainteresował się malarstwem. Jego mentorem został mistrz Karel Fabricius. Vermeer wkrótce ożenił się z Katherine Bolney, córką bogatego mieszczanina, a już w 1653 roku został przyjęty do cechu św. Łukasza.

Goya i Lucientes Francisco Hosse
(1746-1828)
Kraj: Hiszpania

Pewnego dnia mały Francisco, syn biednego złotnika z wioski niedaleko hiszpańskiego miasta Saragossa, namalował świnię na ścianie swojego domu. Nieznajomy, który przechodził obok, dostrzegł autentyczny talent w rysunku dziecka i poradził mu, aby się uczył. Ta legenda o Goi jest podobna do tej, którą opowiada się o innych mistrzach renesansu, kiedy prawdziwe fakty z ich biografii są nieznane.

Guardi Francesco Lazzaro
(1712-1793)
Kraj: Włochy

Guardi Francesco Lazzaro – włoski malarz i rysownik, przedstawiciel weneckiej szkoły malarskiej. Studiował u swojego starszego brata, malarza Giovanniego Antonio, w którego pracowni pracował ze swoim młodszym bratem Niccolò. Malował pejzaże, obrazy o tematyce religijnej i mitologicznej, kompozycje historyczne. Zajmował się tworzeniem dekoracji dekoracyjnych do wnętrz teatrów Manin i Fenice w Wenecji (1780-1790).

Vernet Claude Joseph
(1714-1789)
Kraj: Francja

Claude Joseph Vernet jest francuskim malarzem. Studiował najpierw u ojca A. Verneta, następnie u L. R. Viali w Aix i B. Fergioni, od 1731 r. w Awinionie u F. Sovana, a później we Włoszech u Manglara, Panniniego i Locatellego. W latach 1734-1753. pracował w Rzymie. W okresie rzymskim wiele czasu poświęcał pracy z natury w Tivoli w Neapolu nad brzegiem Tybru. Malował pejzaże i widoki morskie („Wybrzeże w pobliżu Anzio”, 1743; „Widok na most i zamek św. Anioła”, „Ponte Rotto w Rzymie”, 1745 - oba w Luwrze w Paryżu; „Wodospad w Tivoli”, 1747; „Poranek w Castellammare”, 1747, Ermitaż, Sankt Petersburg; „Villa Pamphili”, 1749, Muzeum Puszkina, Moskwa; „Włoski port”, „Wybrzeże morskie ze skałami”, 1751; „Skały nad morzem”, 1753 - wszystko w Ermitażu w Sankt Petersburgu). Prace te zadziwiają wirtuozerią w przekazywaniu światła i powietrza otoczenia i oświetlenia, niezawodnością i precyzją obserwacji.

Verneta Horacego
(1789-1863)
Kraj: Francja

Vernet Horace to francuski malarz i grafik. Studiował u swojego ojca, Carla Verneta. Pisząc w epoce rozkwitu sztuki romantyzmu, artysta posługuje się w swoich pracach środkami właściwymi romantykom. Interesuje go człowiek w sile żywiołów, w sytuacjach ekstremalnych. Vernet przedstawia wojowników walczących zaciekle w bitwach, huraganach i wrakach statków („Bitwa na morzu”, 1825, Ermitaż, Petersburg).

Delacroix Eugeniusz
(1798 - 186)
Kraj: Francja

Urodzony w Charenton w rodzinie prefekta. Otrzymał doskonałe wykształcenie. Studiował malarstwo najpierw w Szkole Sztuk Pięknych w Paryżu, potem w pracowni P. Guerina (1816-22), którego zimny kunszt wywarł na nim mniejszy wpływ niż namiętna sztuka romantyka T. Gericaulta, z którym związał się zamknąć w Szkole. Decydującą rolę w kształtowaniu stylu malarskiego Delacroix odegrało kopiowanie dzieł dawnych mistrzów, zwłaszcza Rubensa, Veronese i D. Velasqueza. W 1822 zadebiutował w Talonie obrazem „Wieża Dantego”(„Dante and Virgil”) oparty na fabule pierwszej piosenki „Hell” („Boska komedia”).

Gericault Teodor
(1791-1824)
Kraj: Francja

Urodzony w Rouen w zamożnej rodzinie. Studiował w Paryżu w Cesarskim Liceum (1806-1808). Jego nauczycielami byli KJ Berne i P.N. Guerin. Ale nie wpłynęły one na kształtowanie się jego stylu artystycznego - w malarstwie Gericault prześledzone są tendencje sztuki A. J. Grosa i J. L. Davida. Artysta odwiedził Luwr, gdzie wykonał kopie dzieł dawnych mistrzów, szczególnie podziwiał jego malarstwo Rubensa.

Art Vedia Art Gallery to biografia współczesnych artystów. Kupuj, sprzedawaj współczesne obrazy artystów z różnych krajów.

Hiroshige Ando
(1797-1858)
Kraj: Japonia

Urodzony w Edo (obecnie Tokio) w rodzinie drobnego samuraja Ando Genemona. Jego ojciec był brygadzistą miejskiej straży pożarnej, a życie rodziny było dość bezpieczne. Dzięki wczesnej edukacji szybko nauczył się rozumieć właściwości papieru, pędzla i tuszu. Ogólny poziom szkolnictwa był wówczas dość wysoki. Teatry, grafiki, ikeba-fa były częścią codziennego życia.

Hokusai Katsushika
(1760-1849)
Kraj: Japonia

Hokusai Katsushika to japoński malarz i rysownik, mistrz drzeworytów barwnych, pisarz i poeta. Studiował u grawera Nakayamy Tetsusona. Był pod wpływem artysty Shunsho, w którego warsztacie pracował. Malował pejzaże, w których życie natury, jej piękno są ściśle związane z życiem i działalnością człowieka. W poszukiwaniu nowych doświadczeń Hokusai dużo podróżował po kraju, robiąc szkice wszystkiego, co widział. Artysta starał się odzwierciedlić w swojej twórczości problem relacji między człowiekiem a otaczającą go przyrodą. Jego sztukę przesiąknięty jest patosem piękna świata i świadomością uduchowionej zasady, którą człowiek wprowadza we wszystko, z czym się styka.

Artyści zagraniczni

Boningtona Richarda Parkesa
(1802-1828)
Kraj: Anglia

Bonington Richard Parkes to angielski malarz i grafik. Od 1817 mieszkał we Francji. Studiował malarstwo w Calais u L. Francia, od 1820 uczęszczał do Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu, gdzie jego nauczycielem był A. J. Gros. Od 1822 zaczął wystawiać swoje obrazy na Salonach Paryskich, a od 1827 brał udział w wystawach Towarzystwa Artystów Wielkiej Brytanii i Royal Academy of Arts w Londynie.

Ensor James
(1860-1949)
Kraj: Belgia

Ensor James (1860-1949) belgijski malarz i grafik. Artysta urodził się i wychował w portowym mieście Ostenda, gdzie spędził niemal całe swoje życie. Obraz tego nadmorskiego miasteczka z wąskimi uliczkami zamieszkałymi przez rybaków i żeglarzy, z corocznymi karnawałowymi karnawałami i niepowtarzalną atmosferą morza często pojawia się na wielu jego obrazach.

Van Gogha Vincenta
(1853- 1890)
Kraj: Holandia

Van Gogh Vincent, wielki holenderski malarz, przedstawiciel postimpresjonizmu. Urodzony w brabanckiej wiosce Groot Zundert w rodzinie pastora. Od szesnastego roku życia pracował w Firmie Malarskiej, a następnie jako pomocnik nauczyciela w prywatnej szkole w Anglii. W 1878 roku dostał pracę jako kaznodzieja na terenie górniczym w południowej Belgii.

Anker Mikael
(1849-1927)
Kraj: Dania

Anker Mikael to duński artysta. Studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Kopenhadze (1871-1875), a także w pracowni duńskiego artysty P. Kreyera. Później w Paryżu studiował w pracowni Puvisa de Cha-vannesa, ale ten okres nie znalazł odzwierciedlenia w jego twórczości.Wraz z żoną Anną pracował w Skagen, w małych wioskach rybackich. W jego pracach morze jest nierozerwalnie związane z wizerunkami jutlandzkich rybaków. Artysta przedstawia ludzi w chwilach ich ciężkiej i niebezpiecznej pracy.

Modiglianiego Amedeo
(1884-1920)
Kraj: Włochy

Jak subtelnie i elegancko Anna Achmatowa opowiadała o Amedeo Modiglianim! Mimo to - była poetką! Amedeo miał szczęście: poznali się w 1911 roku w Paryżu, zakochali się w sobie, a uczucia te stały się własnością świata sztuki, wyrażoną w jego rysunkach i jej wierszach.

Thomasa Eakinsa
(1844-1916)
Kraj: USA

Studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Filadelfii (Pensylwania) oraz w Szkole Sztuk Pięknych w Paryżu (1866-1869). Duży wpływ na ukształtowanie się jego stylu artystycznego miała twórczość dawnych mistrzów hiszpańskich, których studiował w Madrycie. Od 1870 roku malarz mieszkał w swojej ojczyźnie, w Filadelfii, gdzie zajmował się działalnością pedagogiczną. Już w swoich pierwszych samodzielnych pracach Eakins dał się poznać jako realista (Max Schmitt in a Boat, 1871, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork; On a Sailboat, 1874; Sailing Boats on the Delaware, 1874).

Kenta Rockwella
(1882-1971)
Kraj: USA

Kent Rockwell to amerykański pejzażysta, rysownik, grafik i pisarz. Studiował u przedstawiciela pleneru artysty Williama Merritta Chase'a w Shinnecock na Long Island, następnie u Roberta Henry'ego w School of Art w Nowym Jorku, gdzie uczęszczał także na zajęcia Kennetha Millera.

Homera Winslowa
(1836-1910)
Kraj: USA

Homer Winslow to amerykański malarz i rysownik. Nie otrzymał systematycznego wykształcenia, w młodości opanował jedynie rzemiosło litografa. W latach 1859-1861. uczęszczał do wieczorowej szkoły rysunku w National Academy of Arts w Nowym Jorku. Od 1857 r. wykonywał rysunki do czasopism, w czasie wojny secesyjnej (1861-1865) współpracował z tygodnikiem ilustrowanym Harpers Weekly, dla którego wykonywał realistyczne rysunki ze scenami batalistycznymi, odznaczające się ekspresyjną i surową formą. W 1865 został członkiem Narodowej Akademii Sztuk Pięknych.

Pierre'a Bonnarda
(1867-1947)
Kraj: Francja

Bonnard Pierre – francuski malarz, rysownik, litograf. Urodzona w okolicach Paryża. W młodości studiował prawo, jednocześnie rysując i malując w École des Beaux-Arts oraz w Académie Julian. Lubił japońskie ryciny. Wraz z artystami E. Vuillardem, M. Denisem, P. Serusierem tworzyli trzon grupy, która nazywała się „Nabi” – od hebrajskiego słowa „prorok”. Członkowie grupy byli zwolennikami symboliki mniej złożonej i literackiej niż symbolika Gauguina i jego zwolenników.

Małżeństwo Jerzego
(1882-1963)
Kraj: Francja

Małżeństwo Georges - francuski malarz, rytownik, rzeźbiarz. W latach 1897-1899. studiował w École des Beaux-Arts w Hawrze, następnie w Akademii Bursztynu iw École des Beaux-Arts w Paryżu (1902-1903). Jego wczesna twórczość jest naznaczona wpływem fowistów, zwłaszcza A. Deraina i A. Matisse'a. W tym okresie artysta najczęściej zwraca się ku pejzażowi: maluje porty, zatoki morskie z łodziami, nadmorską zabudowę.

Paweł Gauguin
(1848-1903)
Kraj: Francja

Gauguin Paul (1848-1903), wybitny malarz francuski. przedstawiciel impresjonizmu. Urodzony w Paryżu. Jego ojciec był pracownikiem gazety Nacional o umiarkowanych przekonaniach republikańskich. Zmiana kursu politycznego zmusiła go do opuszczenia ojczyzny w 1849 roku. Zmarł nagle na statku płynącym do Ameryki Południowej. Pierwsze cztery lata życia Gauguin spędził w Limie (Peru) u krewnych swojej matki. W wieku 17-23 lat służył jako marynarz, palacz, sternik w handlu i marynarce wojennej, pływał do Rio de Janeiro i innych odległych miast.

Degasa Edgara
(1834-1917)
Kraj: Francja

Edgar Degas był na pierwszy rzut oka osobą sprzeczną i dziwną. Urodzony w rodzinie bankiera w Paryżu. Potomek arystokratycznej rodziny (jego prawdziwe nazwisko brzmiało de Ha), od młodości porzucił przedrostek szlachecki. Już jako dziecko wykazywał zainteresowanie rysunkiem. Otrzymał dobre wykształcenie. W 1853 zdał egzamin licencjacki i rozpoczął studia prawnicze. Ale już w tym czasie studiował u malarza Barriasa, a następnie u Louisa Lamothe'a. Podobnie jak Édouard Manet, był przygotowywany do błyskotliwej kariery, ale porzucił studia prawnicze dla School of Fine Arts.

Dereń Andre
(1880-1954)
Kraj: Francja

Derain Andre – francuski malarz, ilustrator książek, rytownik, rzeźbiarz, jeden z założycieli fowizmu. Zaczął malować w Shatu w 1895 roku, jego nauczycielem był miejscowy artysta. W latach 1898-1900. studiował w Paryżu w Career Academy, gdzie poznał A. Matisse'a, J. Puya i A. Marqueta. Bardzo szybko Deren opuścił akademię i zaczął uczyć się na własną rękę.

Daubigny Charles Francois
(1817-1878)
Kraj: Francja

Daubigny Charles Francois – francuski pejzażysta, grafik, przedstawiciel szkoły Barbizon. Studiował u swojego ojca, artysty E. F. Daubigny'ego, a następnie u P. Delaroche. Pod wpływem Rembrandta. W Luwrze kopiował obrazy mistrzów holenderskich, szczególnie atrakcyjne były jego prace J. Ruisdala i Hobbemy. W latach 1835-1836. Daubigny odwiedził Włochy, aw 1866 udał się do Holandii, Wielkiej Brytanii i Hiszpanii. Ale te podróże praktycznie nie znalazły odzwierciedlenia w twórczości artysty, prawie wszystkie jego prace poświęcone są francuskim krajobrazom.

Dufy Raoul
(1877-1953)
Kraj: Francja

Dufy Raoul – francuski malarz i grafik. Studiował w Le Havre, w wieczorowych klasach Miejskiej Szkoły Artystycznej, gdzie uczył Luye (1892-1897). Tutaj Dufy spotkał OJ Braque i O. Friesz. W tym okresie malował portrety członków swojej rodziny, a także pejzaże nawiązujące do E. Boudina.

Isabey Louis Gabriel Jean
(1803-1886)
Kraj: Francja

Isabey Louis Gabriel Jean (1803-1886) – francuski malarz romantyczny, akwarelista, litograf. Studiował u swojego ojca, miniaturzysty J.-B. Izaba. Był pod wpływem malarstwa angielskich malarzy morskich i małopolskich z XVII wieku. Pracował w Paryżu. W poszukiwaniu nowych doświadczeń Isabey odwiedziła Normandię, Owernię, Bretanię, południową Francję, Holandię, Anglię oraz jako artystka towarzyszyła wyprawie do Algierii.

Gustaw Courbet
(1819-1877)
Kraj: Francja

Courbet Gustave to wybitny francuski malarz, wspaniały mistrz realistycznego portretu. „… nigdy nie należał do żadnej szkoły, do żadnego kościoła… do żadnego reżimu, ale tylko do reżimu wolności”.

Maneta Edwarda
(1832-1883)
Kraj: Francja

Edouard MANET (1832-1883), wybitny artysta francuski, który na nowo przemyślał tradycje realistycznego malarstwa narracyjnego. „Zwięzłość w sztuce jest zarówno koniecznością, jak i elegancją. Osoba, która wypowiada się zwięźle, daje do myślenia; gadatliwa osoba się nudzi.

Marche Albert
(1875-1947)
Kraj: Francja

Marquet Albert (1875-1947) – francuski malarz i grafik. W latach 1890-1895. studiował w Paryżu w Szkole Sztuk Zdobniczych, aw latach 1895-1898 w Szkole Sztuk Pięknych w pracowni G. Moreau. Malował portrety, wnętrza, martwe natury, pejzaże, wśród których są widoki na morze, wizerunki przystani i portów. W pejzażach tworzonych przez artystę na przełomie lat 90. XIX wieku i XX wieku. zauważalnie silny wpływ impresjonistów, w szczególności A. Sisleya („Drzewa w Billancourt”, ok. 1898, Musée des Arts, Bordeaux).

Klaudia Moneta
(1840-1926)
Kraj: Francja

Monet Claude, francuski malarz, twórca impresjonizmu. „To, co piszę, to chwila”. Urodzony w Paryżu w rodzinie kupca spożywczego. Dzieciństwo spędził w Le Havre. W Le Havre zaczął robić kreskówki, sprzedając je w sklepie papierniczym. E. Boudin zwrócił na nie uwagę i dał Monetowi pierwsze lekcje malarstwa plenerowego. W 1859 roku Monet wstąpił do paryskiej Szkoły Sztuk Pięknych, a następnie do atelier Gleyer. Po dwuletnim pobycie w Algierii w służbie wojskowej (1860-61) wrócił do Hawru i spotkał Jonkinda. Pełne światła i powietrza krajobrazy Ionkind wywarły na nim głębokie wrażenie.

Pierre'a Augusta Renoira
(1841-1919)
Kraj: Francja

Pierre Auguste Renoir urodził się w wielodzietnej rodzinie biednego krawca i od wczesnego dzieciństwa uczył się „żyć w koniczynie” nawet wtedy, gdy w domu nie było kawałka chleba. W wieku trzynastu lat opanował już rzemiosło - malował filiżanki i spodki w fabryce porcelany. Poplamiona farbą robocza bluza była na nim jeszcze wtedy, gdy przyszedł do Szkoły Sztuk Pięknych. W atelier Gleyre'a zbierał puste tubki po farbie rzucane przez innych uczniów. Wyciskając je do ostatniej kropli, mruknął pod nosem coś niedbale wesołego.

Redon Odilon
(1840-1916)
Kraj: Francja

Redon Odilon – francuski malarz, rysownik i dekorator. W Paryżu studiował architekturę, której jednak nie ukończył. Przez pewien czas uczęszczał do Szkoły Rzeźby w Bordeaux, następnie studiował w Paryżu w pracowni Hieronima. Jako malarz ukształtował się pod wpływem sztuki Leonarda da Vinci, J. F. Corota, E. Delacroix i F. Goyi. Ważną rolę w jego życiu odegrał botanik Armand Claveau. Mając bogatą bibliotekę, zapoznał młodego artystę z twórczością Baudelaire'a, Flauberta, Poego, a także z poezją indyjską i filozofią niemiecką. Wraz z Clavo Redonem studiował świat roślin i mikroorganizmów, co później znalazło odzwierciedlenie w jego rycinach.

Cezanne Paweł
(1839-1906)
Kraj: Francja

Do tej pory jeden z uczestników pierwszej wystawy na Boulevard des Capucines, najcichszy z gości kawiarni Gerbois, Paul Cezanne, pozostawał w cieniu. Czas bliżej przyjrzeć się jego malarstwu. Zacznijmy od autoportretów. Przyjrzyjmy się bliżej twarzy tego brodatego mężczyzny z wydatnymi policzkami, który wygląda jak wieśniak (gdy ma na sobie czapkę) lub mędrzec skryba (kiedy widać jego strome, potężne czoło). Cezanne był jednym i drugim, łącząc upartą pracowitość chłopa z dociekliwym umysłem naukowca.

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de
(1864-1901)
Kraj: Francja

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de, wybitny artysta francuski. Urodzony w Albi na południu Francji w rodzinie należącej do najliczniejszej rodziny arystokratycznej, która kiedyś przewodziła wyprawom krzyżowym. Od dzieciństwa wykazywał talent jako artysta. Malowaniem zajął się jednak po upadku z konia (w wieku czternastu lat), w wyniku którego został kaleką. Wkrótce po tym, jak ojciec przedstawił go Prensto, Henri zaczął stale przychodzić do studia przy Rue Faubourg Saint-Honoré. Godzinami mógł patrzeć, jak artysta rysuje lub maluje.

Artyści zagraniczni

Dalego Salvadora
(1904-1989)
Kraj: Hiszpania

Dalego Salvadora, wielki hiszpański artysta, największy przedstawiciel surrealizmu. Urodzony w Figueres (Katalonia) w rodzinie znanego prawnika. W wieku szesnastu lat Dali został wysłany do katolickiego college'u w Figueres. Rodzina Pichotów miała ogromny wpływ na kształtowanie się jego osobowości. Wszyscy członkowie rodziny posiadali instrumenty muzyczne, organizowali koncerty. Ramon Pichot jest malarzem, który pracował w Paryżu i dobrze znał P. Picassa. W domu Pichotowa Dali zajmował się rysowaniem. W 1918 roku w Fegueras odbyła się jego pierwsza wystawa, pozytywnie oceniona przez krytykę.

Kalninsh Eduardas
(1904-1988)
Kraj: Łotwa

Kalninsh Eduardas - łotewski malarz morski. Urodzony w Rydze w rodzinie prostego rzemieślnika, wcześnie zaczął rysować. Pierwszym nauczycielem Kalninsa był artysta Jewgienij Moszkiewicz, który otworzył w Tomsku, gdzie rodzina chłopca przeniosła się na początku pierwszej wojny światowej, pracownię dla początkujących malarzy. Po 1920 Kalniņš wrócił z rodzicami do Rygi, aw 1922 wstąpił do Łotewskiej Akademii Sztuk Pięknych. Jego nauczycielem został Vilhelme Purvitis, uczeń AI Kuindzhi.

Malarstwo francuskie od XIX do początku XX wieku reprezentowane jest przez około 850 obiektów. Chronologicznie rozdział ten rozpoczynają dzieła artystów z przełomu XVIII i XIX wieku, których wkład w historię sztuki jest bardzo różny, ale których dzieła odzwierciedlają aspiracje artystyczne epoki: Lethiere, Lefebre, Caraffe, C. Vernet, Girodet, P. Chauvin, artyści bardzo popularni w czasach Cesarstwa, tacy jak Guerin, F. Gerard i inni.

Każdy z najsłynniejszych mistrzów jest tu przedstawiony: Dawid przez swojego super Safona i Faon(1809), Gros przez Napoleon na moście w Arcole(ok. 1797), Ingres wg Portret hrabiego Gurieva(1821), Delacroix, najwybitniejszy z francuskich artystów romantycznych, na dwóch płótnach: Marokański siodłanie konia(1855) i Polowanie na lwy w Maroku (1854).

Zbiór Ermitażu dobrze obrazuje Szkołę Barbizon, grupę artystów osiadłych w podparyskiej wiosce Barbizon: Theodore Rousseau, Dupre, Daubigny i innych, którzy mieli mieć tak duży wpływ na rozwój francuskiego malarstwa pejzażowego oraz Corot, którego prace zawierają swoiste połączenie neoklasycyzmu, realizmu i romantyzmu. Jednym z centralnych punktów muzeum jest kolekcja dzieł z przełomu XIX i XX wieku, która obejmuje ponad 250 prac.

Zawiera siedem dzieł jednego z twórców impresjonizmu, Claude'a Moneta, pozwalających ocenić nie tylko jego twórczość, ale także ewolucję szkoły w ogóle: od wczesnych pani w ogrodzie(1867) do śp Most Waterloo(1903). Istnieje sześć obrazów Renoira, w tym jego godne uwagi Portret aktorki Jeanne Samary(1878); dwie sceny paryskie Pissarra; trzy pejzaże Sisleya; oraz serię pastelowych rysunków Degasa.

Prace Cezanne'a, Gauguina i van Gogha są najwyższej jakości. Cezanne pracował w różnych gatunkach, o czym świadczy wybór jego obrazów na wystawie. Twórczość Gauguina jest tutaj reprezentowana przez dzieła namalowane podczas jego życia na Tahiti. Wśród obrazów van Gogha są Krzew bzu(1889), jedno z jego największych osiągnięć, oraz Chaty kryte strzechą(1890), wśród jego ostatnich dzieł.

Carriere, Puvis de Chavannes, Odilon Redon i inni należą do czołowych artystów symbolistów, których prace można zobaczyć na wystawie. Dzięki pracom grupy Nabis - Denisa, Roussela, Vuillarda, Bonnarda, Vallottona - a także Marqueta, Deraina, van Dongena, Vlamincka i Manguina, wystawa w Ermitażu zapewnia wszechstronny obraz rozwoju malarstwa francuskiego w tamtym czasie.

Zwieńczeniem kolekcji malarstwa francuskiego XX wieku jest wspaniały pokaz dzieł Matisse'a i Picassa. Z 37 obrazami Matisse'a, w tym tak godnymi uwagi płótnami jak Czerwony pokój (1908), portret rodzinny(1911) i ważne panele taniec i muzyka(oba 1910) oraz 31 obrazów Picassa z pocz Pijący Absynt(1901), główne dzieło z jego okresu niebieskiego - Wizyta(1902), do prac kluczowych dla zrozumienia kubizmu - Taniec z welonami (1907), Trzy kobiety, Kobieta z wachlarzem(1908) – sale te słusznie należą do najpopularniejszych w muzeum.