Rodzaje malarstwa monumentalnego. Malarstwo monumentalne i witraże Malarstwo monumentalne przykłady malarstwa

Obrazy malarstwa są bardzo wyraźne i przekonujące. Jest w stanie przekazać tomy i przestrzenie, naturę, ucieleśnić uniwersalne idee, wydarzenia z przeszłości historycznej i lot fantazji, ujawnić złożony świat ludzkich uczuć i charakterów. Malowanie może być jednowarstwowe (wykonywane od ręki) i wielowarstwowe, m.in podmalówki oraz szlifowanie nakładane na wyschniętą warstwę farby przezroczyste i półprzezroczyste warstwy farby.
Pozwala to uzyskać najdrobniejsze niuanse i odcienie kolorów.
Z budową objętości i przestrzeni wiąże się w malarstwie perspektywa liniowa i powietrzna, przestrzenne właściwości barw ciepłych i zimnych, światłocieniowe modelowanie formy, przeniesienie ogólnego kolorystycznego tła płótna. Aby stworzyć zdjęcie, oprócz koloru potrzebujesz dobry rysunek i wyrazista kompozycja. Artysta z reguły rozpoczyna pracę od płótna, szukając najbardziej udanego rozwiązania w szkicach. Następnie w licznych rysunkach z natury opracował niezbędne elementy kompozycji.

MALARSTWO SZTALUGOWE .
Obrazy sztalugowe to takie, które mają niezależne znaczenie (są pisane na sztalugach). Malarstwo sztalugowe ma wiele gatunków.

Gatunek muzyczny (francuskie „sposób”, „wygląd”, „smak”, „zwyczaj”, „rodzaj”) – historycznie powstający i rozwijający się typ dzieła sztuki.
Gatunek można odnotować w tytule obrazu (ok. „Fishmonger”).

Gatunki malarstwa sztalugowego:

Jak pokazano na rysunku:
1.Portret
2.Krajobraz
3.Martwa natura
4.Gospodarstwo domowe (gatunek)
5.Historyczny
6.Bitwa
7.animalistyczny
8.Biblijny
9.Mitologiczny
10.Fabuła

1.Portret - wizerunek osoby lub grupy osób, który istnieje lub istniał w rzeczywistości.
Rodzaje portretów : portret do połowy, do ramion, do klatki, portret pełny, portret na tle krajobrazu, portret we wnętrzu (pokoju), portret z dodatkami, autoportret, portret podwójny, portret grupowy, portret pary, portret w kostiumie , miniaturowy portret.

W zależności od charakteru obrazu wszystkie portrety można podzielić na 3 grupy:
a ) ceremonialne portrety z reguły sugerują pełnometrażowy wizerunek osoby (na koniu, stojącej lub siedzącej), zwykle na tle pejzażu lub architektury;
b) portrety w pół sukience (może nie do końca pełnometrażowy, nie ma zaplecza architektonicznego);
w ) komora (intymne) portrety, w których wykorzystuje się ramię, klatkę piersiową, obraz w połowie długości, często na neutralnym tle.

Rosyjscy portreciści: Rokotov, Levitsky, Borowikowski, Bryullov, Kiprensky, Tropinin, Perov, Kramskoy, Repin, Serov, Nesterov

2.Krajobraz (francuskie „miejsce”, „kraj”, „ojczyzna”) - przedstawia przyrodę, ukształtowanie terenu, krajobraz.
typy krajobrazu : wiejskie, miejskie, morskie (marina), urbanistyczne (veduta), przemysłowe.
Krajobraz może być liryczny, heroiczny, epicki, historyczny, fantastyczny..

Rosyjscy pejzażyści: Szczedrin, Aiwazowski, Wasiliew, Lewitan, Szyszkin, Polenow, Sawrasow, Kuindzhi, Grobar i inni.

3.Martwa natura (francuska „martwa natura”) – przedstawia oryginalne portrety rzeczy, ich spokojne życie. Artyści przedstawiają najzwyklejsze rzeczy, ukazują ich piękno i poezję.

Artyści: Serebryakova, Falk

4.Gatunek domowy (malarstwo rodzajowe) - przedstawia codzienne życie człowieka i zapoznaje nas z życiem ludzi minionych czasów.

Artyści: Venetsianov, Fedotov, Perov, Repin i inni.

5.gatunek historyczny - przedstawia znaczące wydarzenia historyczne, wydarzenia z przeszłości, epickie czasy. Gatunek ten często przeplata się z innymi gatunkami: domowymi, bitewnymi, portretowymi, pejzażowymi.

Artyści: Losenko, Ugryumov, Ivanov, Bryullov, Repin, Surikov, Ge i inni.
Surikowa, wybitnego mistrza malarstwa historycznego: „Poranek egzekucji Streltsy”, „Bojar Morozowa”, „Mieńszykow w Berezowie”, „Przeprawa Suworowa przez Alpy”, „Podbój Syberii przez Jermaka”.

6.Gatunek bitewny - przedstawia kampanie wojskowe, bitwy, wyczyny zbrojne, operacje wojskowe.

7.Gatunek zwierzęcy - przedstawia świat zwierząt.

MALARSTWO MONUMENTALNE.

Od zawsze związany z architekturą. Dekoruje ściany i sufity, podłogi, otwory okienne.

Rodzaje malarstwa monumentalnego(różni się w zależności od techniki wykonania):

1.Fresk (po włosku „na surowo”) – pisany jest na surowym tynku wapiennym farbami (suchy pigment, barwnik w proszku), rozcieńczonymi wodą. Po wyschnięciu wapno uwalnia bardzo cienką warstwę wapna, która utrwala farbę pod spodem, sprawia, że ​​obraz jest nieścieralny i bardzo trwały.

2.tempera - farby rozcieńczane jajkiem, klejem kazeinowym lub spoiwem syntetycznym. Jest to niezależny i szeroko rozpowszechniony rodzaj malarstwa ściennego. Czasami piszą temperą na wyschniętym już fresku. Tempera wysycha szybko i zmienia kolor w miarę wysychania.

3.Mozaika (łac. „Dedykowane Muzom”) - obraz, ułożony z małych kawałków kolorowych kamieni lub smaltu (specjalnie spawane nieprzezroczyste kolorowe szkło)

4. witraż (francuskie „szklenie”, z łac. „szkło”) – obraz wykonany z kawałków przezroczystego kolorowego szkła, połączonych ze sobą ołowianymi paskami (lutowanie ołowiem)

5.płyta (francuski „tablica”, „tarcza”)
- a) fragment ściany lub stropu (plafon), podkreślony stiukową ramą lub ornamentem wstęgowym i wypełniony malarstwem;
b) wykonany farbami na płótnie, a następnie przymocowany do ściany. W przypadku ścian zewnętrznych panel może być wykonany z płytek ceramicznych.

ARCHITEKTURA

Architektura - sztuka tworzenia budynków i ich zespołów tworzących środowisko życia ludzi. Różni się od innych rodzajów sztuki tym, że realizuje nie tylko zadania ideowe i artystyczne, ale także praktyczne.

Rodzaje architektury:
publiczny (pałac);
mieszkalne publiczne;
urbanistyka;
przywrócenie;
ogrodnictwo krajobrazowe (krajobraz);
przemysłowy.

Ekspresyjne środki architektury:
kompozycja budynku;
skala;
rytm;
światłocień;
Kolor;
otaczająca przyroda i budynki;
malarstwo i rzeźba.

1. Skład budynku - ułożenie jego głównych części i elementów w określonej kolejności . Kompozycja budynku jest bardzo ważna, ponieważ decyduje o wrażeniu, jakie budynek robi.. Tworząc kompozycję architektoniczną, architekt stosuje różne techniki: naprzemienność i łączenie różnych przestrzeni (otwartych i zamkniętych, oświetlonych i zaciemnionych, komunikujących się i izolowanych itp.); różne objętości (wysokie i niskie, proste i krzywoliniowe, ciężkie i lekkie, proste i złożone); elementy powierzchni zamykających (płaskie i tłoczone, głuche i ażurowe, gładkie i kolorowe). Wybór kompozycji zależy od tego, do czego przeznaczony jest budynek.

Rodzaje kompozycji:
- symetryczny . Taki sam układ elementów budynku względem osi symetrii, która wyznacza środek kompozycji. Takie budowle były charakterystyczne dla architektury epoki klasycyzmu.
- Asymetryczny . Główna część budynku jest odsunięta od centrum. Zastosowano różne kubatury, kontrastujące kształtem, materiałem i kolorem, co prowadzi do dynamicznego obrazu architektonicznego. . charakterystyczne dla nowoczesnego budownictwa.
Odbiór symetrii i asymetrii w kompozycji poszczególnych elementów, rozmieszczeniu kolumn, okien, schodów, drzwi itp.

2. Rytm Duże znaczenie porządkowe w kompozycji architektonicznej ma rytm, tj. wyraźny rozkład brył i powtarzające się w określonych odstępach detale budowli (amfilady pomieszczeń i sieni, kolejne zmiany kubatur pomieszczeń, grupowanie kolumn, okien, rzeźb )

Rodzaje rytmu:
-rytm pionowy . Naprzemienność poszczególnych elementów w kierunku pionowym. Nadaje budynkowi wrażenie lekkości, aspiracji ku górze.
- Rytm poziomy . Naprzemienność elementów w kierunku poziomym Sprawia, że ​​budynek jest przysadzisty, stabilny.
Architekt, gromadząc i pogrubiając poszczególne detale w jednym miejscu i rozładowując je w innym, może podkreślić centrum kompozycji, nadać budynkowi dynamiczny lub statyczny charakter.

3. Skala . Proporcjonalne proporcje budynku i jego części. Określa wielkość poszczególnych części i detali budynku w stosunku do wielkości całego budynku jako całości, do osoby, otaczającej przestrzeni i innych budynków. Skala budynku nie zależy od wielkości budynku, ale od ogólnego wrażenia, jakie wywiera na osobie.

4. Światłocień . Właściwość, która ujawnia rozkład jasnych i ciemnych obszarów na powierzchni formy. Wzmacnia i ułatwia percepcję wizualną formy architektonicznej, nadaje jej bardziej malowniczy wygląd. Sztuczne oświetlenie kubatur budynków stosuje się na poziomie ulicy, głównego i oświetlenia. Odbite światło we wnętrzu stwarza złudzenie lekkości form.

Osobliwością architektury jako sztuki jest tworzenie jedności kompozycji architektonicznej z różnych form architektonicznych. Najprostszym sposobem na stworzenie jedności jest nadanie bryle budynku prostego kształtu geometrycznego. W złożonym zespole budynku jedność osiąga się przez podporządkowanie: drugorzędne części budynku są podporządkowane głównej bryle (centrum kompozycyjne). Tektonika to także narzędzie kompozytorskie.

Tektonika-artystycznie ujawniona struktura konstrukcyjna budynku.

5. Kolor . Jest często stosowany w obiektach architektonicznych, zwłaszcza w przestrzeniach wnętrz (zwłaszcza w budynkach klasycystycznych i barokowych). Nowoczesne wnętrze charakteryzuje się jasnymi, jasnymi kolorami.

6. Malarstwo i rzeźba .Artystycznymi środkami tworzenia jedności kompozycyjnej budynku są sztuka monumentalna i użytkowa, zwłaszcza rzeźba i malarstwo, których połączenie z architekturą nazwano „syntezą sztuk”.

7. Okoliczna przyroda i zabudowania .Architektura skłania się ku zespołowi. Dla jego konstrukcji ważne jest wpisanie się w naturalny (naturalny) lub miejski (miejski) krajobraz. Formy architektury są zdeterminowane: naturalnie (zależne od warunków geograficznych i klimatycznych, charakteru krajobrazu, intensywności nasłonecznienia); społecznie (w zależności od charakteru ustroju społecznego, ideałów estetycznych, utylitarnych i artystycznych potrzeb społeczeństwa).

Architektura jest ściśle związana z rozwojem sił wytwórczych i technologii. Żadna inna sztuka nie wymaga takiej koncentracji zbiorowych wysiłków i zasobów materialnych., na przykład: Katedra św. Izaaka została zbudowana przez 500 tysięcy ludzi w ciągu 40 lat.

Trójca architektury: użyteczność, siła, piękno. Innymi słowy, są to najważniejsze składowe całości architektonicznej: funkcja, konstrukcja, forma (Witruwiusz, I wiek n.e., starożytny rzymski teoretyk architektury). Budownictwo stało się architekturą, gdy celowy budynek nabrał estetycznego wyglądu.

Architektura powstała w starożytności. W starożytnym Egipcie wspaniałe budowle powstawały w imię celów duchowych i religijnych.(groby, świątynie, piramidy). W starożytnej Grecji architektura nabiera demokratycznego wyglądu, a miejsca kultu (świątynie) już teraz potwierdzają piękno i godność greckiego obywatela. Pojawiają się nowe rodzaje budynków użyteczności publicznej: teatry, stadiony, szkoły. A architekci idą w ich ślady humanistyczna zasada piękna, sformułowana przez Arystotelesa: „Piękne nie powinno być ani za duże, ani za małe ". W starożytnym Rzymie architekci szeroko stosowali łukowato sklepione konstrukcje wykonane z betonu. Nowe typy budynków, fora, łuki triumfalne i kolumny odzwierciedlają idee państwowości i siły militarnej. W średniowieczu architektura staje się wiodącą i najpopularniejszą formą sztuki.. W aspirujących do nieba gotyckich katedrach wyrażał się religijny popęd do Boga i namiętny ziemski sen ludu o szczęściu . Architektura renesansu rozwija na nowych podstawach zasady i formy antycznych klasyków, wprowadza nową formę architektoniczną - posadzkę Klasycyzm kanonizuje techniki kompozytorskie starożytności.

Jedność kompozycji architektonicznej implikuje jedność stylu, który tworzy połączenie cech typowych dla sztuki określonego czasu. Na styl każdej epoki miały wpływ różne czynniki: poglądy ideowe i estetyczne, materiały i techniki budowlane, poziom rozwoju produkcji, codzienne potrzeby, formy artystyczne.

Styl - suma elementów, które ujawniają cechy tej epoki.
Styl - historycznie ustalony zestaw środków i technik artystycznych, które charakteryzują cechy sztuki określonego czasu.
Styl obecny jest we wszystkich formach sztuki, ale kształtuje się głównie w architekturze. Styl architektoniczny kształtował się przez dziesięciolecia, a nawet stulecia, na przykład w starożytnym Egipcie styl zachował się przez 3 tysiące lat, w związku z czym nazwano go kanonicznym (kanon (norma, reguła) - zbiór zasad wykształconej w procesie praktyki artystycznej i utrwalonej w tradycji).

Podstawowe zasady stylu egipskiego, charakterystyczne dla całej sztuki starożytnego Egiptu:
- jedność obrazów i inskrypcji hieroglificznych;
- pionowy obraz przedmiotów i osób (mniej znaczący jest przedstawiony na płaszczyźnie powyżej);
- obraz linia po linii złożonych scen z poziomymi pasami;
- figury w różnej skali, których rozmiar nie zależy od położenia w przestrzeni, ale od znaczenia każdej z nich;
- obraz postaci ludzkiej jakby z różnych punktów widzenia (twarzą w twarz) - zasada spłaszczania postaci na płaszczyźnie (gdy głowa i nogi były przedstawione z profilu, a tułów i oczy z przodu).

KALENDARZ-TEMATYCZNE PLANOWANIE LEKCJI.

Planowanie tematyczne kalendarza uzależnione jest od wieku uczniów. Idealną opcją jest obecność lekcji w klasach 5 (6) -11, do tego przeznaczony jest program państwowy Yu A. Solodovnikova i L. N. Predczetenskaya. Należy mieć na uwadze, że specyfika pracy na stanowiskach średniego i wyższego kierownictwa jest różna. . Gimnazjaliści potrafią już dostrzegać uogólnione idee zawarte np. w pojęciu stylu, w którym przeważa zjawisko zasady „od ogółu do szczegółu”. Uczniowie szkół średnich, zwłaszcza w klasach 5-6, nie zawsze są gotowi do zrozumienia stylu, to znaczy nadal nie mają umiejętności dostrzegania ogólnego wzorca w wielu konkretnych zjawiskach. Ta umiejętność rozwija się stopniowo, dlatego na poziomie średnim lekcje „zanurzenia” w dowolnym dziele, wydarzeniu, zjawisku, życiu i ścieżce twórczej autora, na przykład „Mity starożytnej Grecji”, „Narodziny opery”, "Florentine Kommerata" da większy wynik. Zajęcia te mogą przybrać formę dramatyzacji, gier biznesowych, quizów, sporów itp. Jednocześnie studenci otrzymują informacje dotyczące konkretnych postaci, cech środków wyrazu danej sztuki. Zdolność dostrzegania ogólnych wzorców kryjących się za tymi „prywatnymi” momentami powstaje na poziomie podświadomości. Ale konkretne obrazy i sytuacje zapamiętuje się dobrze, żywo i na długo.
W późniejszym okresie studenci, którzy zgromadzili doświadczenie w komunikowaniu się z poszczególnymi dziełami sztuki, zjawiskami kulturowymi, nabywają umiejętności realizowania, formułowania i wyrażania uogólnionych sądów. Ten moment przychodzi, gdy uczeń przychodzi do klasy 9, rzadziej do klasy 8. Uczniowie klas 8 i 9 mają różne spostrzeżenia. Klasa 8 to etap wieku przejściowego, który objawia się na różne sposoby. W jednym przypadku ósmoklasiści są już gotowi na bardziej złożony poziom percepcji, w drugim nie. W każdym przypadku o tej sytuacji decyduje nauczyciel.
Jeśli szkoła MHC uczy się od klas 5 do 11, podejście dwuetapowe może być najbardziej efektywne. Lekcje w klasach 5-7(8) to pasjonujące „zanurzanie się” w świat konkretnych zjawisk kultury, sztuki itp., przy wykorzystaniu aktywnych, praktycznych form pracy. Może to być podżeganie, gry, spory, korzystanie z programów komputerowych, badanie z wykorzystaniem Internetu, praca projektowa, quizy itp. Jednocześnie zachowana jest zasada historyzmu – w planowaniu tematycznym nauczyciel uwzględnia kluczowe dzieła i zjawiska kulturowe odzwierciedlające różne etapy jej rozwoju. Bardzo dobrze, jeśli jest to połączone z kursem historii, który studenci odbywają równolegle. Możliwe połączenie z lekcjami plastyki, literatury, muzyki itp.
Koncepcja wybrana przez nauczyciela jako podstawa może definiować różne materiały i działania. Solodovnikov sugeruje poleganie na mitologii jako możliwej zasadzie organizacji obiektu. Ale możliwe są też inne zasady.
Po osiągnięciu drugiego etapu, mając wiedzę na temat określonego zjawiska kulturowego, uczniowie klas 9-11 mogą ponownie przejść tę drogę, ale z punktu widzenia stylów, cech obrazu artystycznego w danej epoce. Oddzielne idee uzyskane wcześniej są dodawane do jednego systemu relacji, przyczyny i skutki stają się jasne.

Opracowując program dla klas 6-8, nauczyciel może wziąć za podstawę treść opcjonalnego kursu MHC Danilova, w którym nauczyciel może wybrać z obszernego i różnorodnego materiału to, co jest mu najbliższe i spełnia warunki jego praca.
Istnieje również możliwość zaplanowania lekcji MHK na poziomie średnim, gdy w każdej klasie obowiązuje zasada koncentryczności, tj. na każdych zajęciach uczniowie konsekwentnie przechodzą przez tematy związane ze sztuką świata starożytnego, średniowiecza, Wschodu, Rusi, renesansu itp.

MALARSTWO MONUMENTALNE- rodzaj malarstwa związanego ze sztuką monumentalną. Malarstwo monumentalne obejmuje dzieła bezpośrednio związane z obiektami architektonicznymi, umieszczane na ścianach, stropach, sklepieniach, rzadziej na posadzkach, a także wszelkiego rodzaju malowidła na tynku – jest to fresk (buon fresco, fresco a secco), enkaustyka, tempera, malarstwo olejne (lub malowanie na innym spoiwie), mozaiki, malownicze tablice malowane na płótnie, specjalnie przystosowane do konkretnego miejsca w architekturze, a także witraże, sgraffito, majoliki i inne formy dekoracji planarno-obrazowej w architekturze.

Ze względu na charakter treści i strukturę figuratywną wyróżnia się obrazy posiadające cechy monumentalności, stanowiące najważniejszą dominantę zespołu architektonicznego, oraz malowidła monumentalne i dekoracyjne, które zdobią jedynie powierzchnię ścian, stropów, elewacji, co niejako „rozpływa się” w architekturze. Malarstwo monumentalne nazywane jest także malarstwem monumentalno-dekoracyjnym lub dekoracją obrazkową, co podkreśla szczególny cel dekoracyjny malowideł ściennych. W zależności od funkcji dzieła malarstwa monumentalnego rozwiązane są w sposób objętościowo-przestrzenny lub planarno-dekoracyjny.

Malarstwo monumentalne nabiera integralności i kompletności tylko w interakcji ze wszystkimi elementami zespołu architektonicznego.

Najstarsze znane dekoracje ścienne to zarysowane sylwetki zwierząt w jaskiniach Dordonii we Francji i na południu Pirenejów w Hiszpanii. Prawdopodobnie stworzyli je Cro-Magnonowie między 25 a 16 tys. p.n.e. Powszechnie znane są malowidła naskalne z Altamiry (Hiszpania) i doskonalsze przykłady tej sztuki późnego paleolitu w jaskini La Madeleine (Francja).

Malowidła ścienne istniały w przeddynastycznym Egipcie (5-4 tys. pne), na przykład w grobowcach Hierakonpolis (Hierakonpolis); na tych obrazach widoczna jest już tendencja Egipcjan do stylizowania postaci ludzkich. W epoce Starego Państwa (3-2 tys. p.n.e.) ukształtowały się charakterystyczne cechy sztuki egipskiej i powstało wiele pięknych malowideł ściennych. W Mezopotamii zachowało się niewiele obrazów ściennych ze względu na kruchość użytych materiałów budowlanych. Znane są obrazy figuratywne, odzwierciedlające pewną skłonność do realizmu w przekazywaniu natury, ale ornamenty są bardziej charakterystyczne dla Mezopotamii.

W 2 tys. pne. Kreta staje się mediatorem kulturowym między Egiptem a Grecją. W Knossos i innych pałacach wyspy zachowało się wiele fragmentów wspaniałych fresków, wykonanych z żywym realizmem, co znacznie odróżnia tę sztukę od hieratycznego malarstwa egipskiego. W Grecji, w okresie przedarchaicznym i archaicznym, nadal istniało malarstwo ścienne, ale prawie nic z niego nie przetrwało. O rozkwicie tego gatunku w okresie klasycznym świadczą liczne wzmianki w źródłach pisanych; szczególnie znane były malowidła ścienne Polygnotusa w Propyleje ateńskiego Akropolu. Piękne przykłady starożytnego rzymskiego malarstwa monumentalnego zachowały się pod warstwą popiołu na ścianach domów w Pompejach, Herkulanum i Stabii, które zginęły podczas erupcji Wezuwiusza w 79 r., a także w Rzymie. Są to polichromie o różnorodnej tematyce, od motywów architektonicznych po złożone cykle mitologiczne, takie jak fresk Odyseusz w krainie Laestrigonów z domu na Eskwilinie w Rzymie; w takich kompozycjach widać znakomitą znajomość natury i umiejętność jej przekazania przez artystę.

W okresie wczesnochrześcijańskim (III-VI w.) oraz w średniowieczu malarstwo monumentalne było jedną z wiodących form sztuki. W tym okresie ściany i sklepienia katakumb zostały ozdobione freskami, a następnie malowidła ścienne i mozaiki stały się głównym rodzajem monumentalnej dekoracji świątyń zarówno w Cesarstwie Zachodniorzymskim (do 476 r.), jak iw Bizancjum (IV-XV w.) i innych krajach Europy Wschodniej. W średniowieczu w Europie Zachodniej kościoły zdobiono głównie freskami lub malowidłami na suchym tynku; we Włoszech mozaiki nadal istniały. W malowidłach ściennych stylu romańskiego (XI-XII w.), w przeciwieństwie do malarstwa klasycznego i renesansowego, nie ma zainteresowania plastycznym modelowaniem objętości i przeniesieniem przestrzeni; są płaskie, warunkowe i wcale nie starają się dokładnie odtworzyć otaczającego świata.

Modelarstwo plastyczne powraca w twórczości włoskich mistrzów przełomu XIII i XIV wieku, zwłaszcza Giotta. We Włoszech w okresie renesansu fresk był niezwykle rozpowszechniony. W swoich pracach artyści tej epoki dążyli do osiągnięcia maksymalnego pozoru rzeczywistości; interesowało ich przede wszystkim przenoszenie objętości i przestrzeni.

Artyści wysokiego renesansu również zaczynają eksperymentować z technikami malarskimi. Tak, skład. Ostatnia Wieczerza Leonardo da Vinci w refektarzu klasztoru Santa Maria delle Grazie w Mediolanie jest namalowany olejem na słabo przygotowanej powierzchni ściany. Jednak z biegiem czasu bardzo ucierpiała i stała się prawie nie do odróżnienia pod warstwą późniejszych aktualizacji. W XVI-XVIII wieku we włoskim malarstwie monumentalnym narasta pragnienie przepychu, dekoracyjności i iluzjonizmu.

Aby skorzystać z podglądu prezentacji, załóż konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Rodzaje malarstwa monumentalnego Jaroszczuk Tatiana Wiktorowna Nauczyciel plastyki

Dzieła monumentalne to malowidła wielkoformatowe, które wykonywane są na zewnętrznych i wewnętrznych powierzchniach budowli. Monumentalne dzieło i architektura budynku są ze sobą nierozerwalnie związane, tworzą jedną całość.

Rodzaje malarstwa monumentalnego: Fresk Witraż Panel Mozaika

Co to jest fresk? Sztuka fresków była znana już w starożytnej Rusi. … Słowo „fresco” pochodzi od włoskiego „fresco”, co oznacza „świeży”, „surowy”.

Fresk to malowanie na mokrym tynku, co w tłumaczeniu z włoskiego oznacza „świeży”, „surowy”, malowanie fresków wykonali Leonardo da Vinci, Rafael, Michał Anioł, Feofan Grek, Andriej Rublow

Co to jest witraż? Witraż (francuski vitrage, z łac. vitrum – szkło), ornamentalna lub narracyjna kompozycja dekoracyjna (w oknie, drzwiach, przegrodzie, w postaci niezależnej płyciny) wykonana ze szkła lub innego materiału przepuszczającego światło.

Witraż to obraz złożony z kawałków kolorowego szkła połączonych ze sobą ołowianymi paskami, sztuka ta była najbardziej rozpowszechniona w średniowieczu, prawie wszystkie średniowieczne katedry słyną z witraży, obecnie jest szeroko rozpowszechniona

Co to jest mozaika? Mozaika (francuska mosaïque, włoska mozaika, z łac. musivum, dosłownie - poświęcona muzom), obraz lub wzór wykonany z cząstek tego samego lub innego materiału (kamień, smalt, płytki ceramiczne itp.) ...

Mozaika to monumentalne malowidło, obraz lub wzór, który jest wykonany z kolorowych kamieni, smaltu (kolorowego nieprzezroczystego szkła), płytek ceramicznych, pochodzących z czasów starożytnych, jest nadal popularny.

Co to jest panel? Panel (francuskie panneau, z łac. pannus - kawałek tkaniny), 1) część ściany, wyróżniona ramą (sztukowa rama, ozdobna wstęga itp.) i wypełniona obrazem malowniczym lub rzeźbiarskim. 2) Malarstwo olejne, tempera itp.

Panel to obramowana część ściany lub sufitu wypełniona obrazem lub obrazem zdobiącym ścianę lub sufit.

Zadanie twórcze Utwórz szkic witrażu

Podsumowanie lekcji: Czym jest malarstwo monumentalne? Wymień rodzaje malarstwa monumentalnego. Czego dowiedziałeś się o fresku, witrażu, mozaice, panelu?

Praca domowa Naucz się pojęć i definicji. Przynieś album, klej, nożyczki, kolorowe pisaki lub pisaki.

Na ten temat: rozwój metodologiczny, prezentacje i notatki

Niniejsza praca przedstawia pracę testową dla klasy 8 według programu B.M. Niemenskiego na temat „Początki architektury i sztuki monumentalnej”...

Portret w malarstwie. Rodzaje portretów.

Celem tej prezentacji jest zapoznanie studentów z wizerunkiem osoby w sztukach wizualnych, pojęciem „portret”, jego rodzajami, poznanie indywidualnych cech portretów....

Zdobi ściany i sufity budynków użyteczności publicznej. W przeszłości malowali głównie świątynie, obecnie - pałace kultury, dworce, hotele, stadiony. Takie obrazy muszą być wykonane z trwałych materiałów, aby mogły istnieć razem z budynkami przez wieki. Twórcy murali, przedstawiających wydarzenia historyczne lub sceny z ich współczesnego życia, starają się przekazać swoje wyobrażenie o świecie, zaawansowane idee swoich czasów. Malarstwo monumentalne kształci gust artystyczny szerokich mas odbiorców.

malarstwo monumentalne znajduje się na ścianach, sufitach, sklepieniach, często przechodzi z jednej ściany na drugą. Oglądają obrazy, poruszając się po budynku, czasem nawet z ulicy, przez duże okna nowoczesnych budynków. Innymi słowy - malarstwo monumentalne jest postrzegany w ruchu z różnych punktów widzenia i nie powinien tracić na odbiorze swojego oddziaływania.

muralista potrafi rozwinąć złożoną historię-narrację w malarstwie, potrafi łączyć wydarzenia, które miały miejsce w różnych miejscach iw różnym czasie. A więc wielki Włoch artysta Michał Anioł na suficie Kaplica Sykstyńska w Rzymie przedstawił wiele scen biblijnych, łącząc je w jedną złożoną kompozycję.

Słynny fresk „Stworzenie Adama”

Malarstwo monumentalne pojawiło się tak dawno, jak zamieszkiwał człowiek. Już na ścianach jaskiń, w których schronił się człowiek prymitywny, można zobaczyć sceny myśliwskie wykonane z niezwykłą obserwacją lub po prostu wizerunki poszczególnych zwierząt. (patrz kom. „Sztuka prymitywna”) .

Studiując historię kultur starożytnych, wszędzie spotykamy zabytki malarstwa monumentalnego. Nie tylko sprawiają nam przyjemność artystyczną, ale także opowiadają o życiu, życiu, pracy, wojnach ludów. Starożytny Egipt, Indie, Chiny, Meksyk i inne kraje.

Erupcja Wezuwiusza w 79 r pokryty popiołem bogate miasto Cesarstwa Rzymskiego Pompeje. Dzięki temu wiele murali zachowało dla nas nietykalną świeżość. Niektóre z nich, zdjęte ze ścian, zdobią teraz muzeum w Neapolu.

Fresk z Pompei. Afrodyta, Ares i Eros.

Drugi okres rozkwitu malarstwa monumentalnego we Włoszech związany jest z renesans(XIV - XVI wiek). freski Giotto, Masaccio, Piero della Francesca, Mantegna, Michał Anioł, Rafał a dla artystów naszych czasów służą jako przykłady umiejętności artystycznych (patrz art. „Sztuka włoskiego renesansu”) .

Kultura sztuki Starożytna Ruś znalazła swój wyraz także w pomnikach malarstwa monumentalnego. malarstwo monumentalne przybył na Ruś z Bizancjum po przyjęciu chrześcijaństwa, ale szybko nabrał cech narodowych rosyjskich. Pomimo tego, że tematyka obrazów miała charakter religijny, rosyjscy artyści przedstawiali ludzi, których widzieli wokół siebie. Ich świętymi są prości Rosjanie i proste Rosjanki, to cały naród rosyjski w jego najszlachetniejszych rysach. Głównymi ośrodkami malarstwa monumentalnego na Rusi były Kijów, Nowogród, Psków, Włodzimierz, Moskwa, a później Jarosław. (patrz kom. „Stara sztuka rosyjska”) . Ale nawet poza tymi dużymi starożytnymi miastami, w cichych, odległych klasztorach, powstawały również ciekawe obrazy.

w odległym Klasztor Ferapontowa, schronił się nad jeziorami dawnej guberni Wołogdy, wielkiego rosyjskiego artysty Dionizy stworzyły murale, które zachwycają muzykalnością form, delikatnością i wspaniałym doborem kolorów. Farby do malowania Dionizy przygotowany z różnokolorowych kamieni, którymi usiany jest brzeg jeziora w pobliżu klasztoru.

Dionizy. Fresk katedry Narodzenia Najświętszej Marii Panny w klasztorze Feropont

Andriej Rublow, Dionizy, Teofan Grek zobowiązany Rosyjskie malarstwo monumentalne z ich najwyższymi osiągnięciami. Ale oprócz tych wielkich mistrzów dziesiątki i setki artystów, których nazwiska pozostały nieznane, stworzyło wiele obrazów w Rosji, Ukrainie, Gruzji i Armenii.

Obrazy różnią się w zależności od techniki wykonania: fresk, malowanie temperą, mozaika, witraż.

Słowo fresk często błędnie używane do określenia dowolnego malarstwa ściennego. To słowo pochodzi z języka włoskiego na świeżym powietrzu”, co oznacza „świeży”, „surowy”. I rzeczywiście, fresk jest napisany na surowym tynku wapiennym. Farby - suchy pigment, czyli barwnik w proszku - rozcieńcza się w czystej wodzie. Kiedy tynk wysycha, zawarte w nim wapno uwalnia najcieńszą skorupę wapienną. Ta skorupa jest przezroczysta, utrwala farby pod nią, sprawia, że ​​obraz jest nieścieralny i bardzo trwały. Takie freski docierały do ​​nas przez wieki i niewiele się zmieniły.

Czasami piszą na wyschniętym już fresku tempera- farby rozcieńczone na kleju jajecznym lub kazeinowym. tempera- także niezależny i bardzo powszechny rodzaj malarstwa ściennego.

Mozaika zwany malowaniem, ułożonym z małych kolorowych kawałków kamieni lub smalty- nieprzezroczyste kolorowe szkło specjalnie spawane do prac mozaikowych. Ze smaltów nakłuwa się kostki o żądanej przez artystę wielkości iz tych kostek, według szkicu i rysunku naturalnej wielkości (wg tzw. kartonu) pisany jest obraz. Wcześniej kostki umieszczano w mokrym tynku wapiennym, teraz umieszcza się je w cemencie zmieszanym z piaskiem. Cement twardnieje, a kostki kamienia lub smaltu są w nim mocno osadzone. Mozaikę znali już starożytni Grecy i Rzymianie. Był również szeroko rozpowszechniony w Bizancjum, krajach bałkańskich i we Włoszech. Włoskie miasto Rawenna jest szczególnie znane ze swoich mozaik (patrz art. )

Ministerstwo Edukacji i Nauki Federacji Rosyjskiej

Federalna Państwowa Budżetowa Instytucja Edukacyjna Wyższego Szkolnictwa Zawodowego

NOVGOROD PAŃSTWOWY UNIWERSYTET IMIENIA JAROSŁAWA MĄDREGO

Dział „Design”

Sztuka monumentalna i dekoracyjna.

Rodzaje MDI.

Streszczenie dyscypliny

(„Sztuka monumentalna i dekoracyjna”)

specjalność 070601.65 - projektowanie

specjalność 070601C - projektowanie środowiska

Kierownik:

Sokolova D.V.

Grupa studencka 7403

Waniaszow I.V.

Nowogród Wielki.

2012

Wprowadzenie………………………………………………………………….3

Zadania i zasady sztuki monumentalnej………………………..4

Malarstwo monumentalne…………………………………………………9

Mozaika……………………………………………………………………….15

Fresk………………………………………………… 22

Witraż…………………………………………………………………………24

Rzeźba dekoracyjna i monumentalna………………………………30

Spis wykorzystanej literatury……………………………………34

Dodatek………………………………………………………………..35

Wstęp.

Monumentalność w historii sztuki, estetyce i filozofii generalnie odnosi się do tej właściwości obrazu artystycznego, która w swojej charakterystyce związana jest z kategorią „wzniosłości”. Słownik Władimira Dahla podaje taką definicję słowa monumentalny - „chwalebny, sławny, rezydujący w formie pomnika”. Dzieła obdarzone cechami monumentalności wyróżniają się treścią ideową, społecznie doniosłą lub polityczną, ucieleśnioną w wielkoformatowej, ekspresyjnej majestatycznej (lub majestatycznej) plastycznej formie. Monumentalność jest obecna w różnych typach i gatunkach sztuk plastycznych, ale jej cechy są uważane za nieodzowne dla właściwych dzieł sztuki monumentalnej, w których jest ona podłożem artyzmu, dominującym psychologicznym oddziaływaniem na widza. Jednocześnie nie należy utożsamiać pojęcia monumentalności z samymi dziełami sztuki monumentalnej, gdyż nie wszystko, co powstaje w nominalnych granicach tego typu reprezentacji i dekoracyjności, ma cechy i cechy prawdziwej monumentalności.

Zadania i zasady sztuki monumentalnej.

Dzieła sztuki monumentalnej, wchodząc w syntezę z architekturą i krajobrazem, stają się ważną dominantą plastyczną lub semantyczną zespołu i obszaru. Elementy figuratywne i tematyczne elewacji i wnętrz, pomników czy kompozycji przestrzennych są tradycyjnie dedykowane lub swoimi cechami stylistycznymi odzwierciedlają współczesne trendy ideowe i społeczne, ucieleśniają koncepcje filozoficzne. Zazwyczaj dzieła sztuki monumentalnej mają na celu uwiecznienie wybitnych postaci, znaczących wydarzeń historycznych, jednak ich tematyka i orientacja stylistyczna są bezpośrednio związane z ogólnym klimatem społecznym i atmosferą panującą w życiu publicznym.

Pragnienie symbolicznego przedstawienia wzniosłych, uniwersalnie znaczących zjawisk i idei determinuje i dyktuje majestat i znaczenie form dzieł, odpowiadające im techniki kompozytorskie i zasady uogólnienia detalu czy też miarę jego wyrazistości. Poszczególne prace pełnią rolę pomocniczą w stosunku do obiektów architektonicznych, będąc akompaniamentem, wzmacniając wyrazistość ich ogólnej struktury i cech kompozycyjnych. Pewna zależność funkcjonalna szeregu ugruntowanych rodzajów sztuki monumentalnej, ich pomocnicza rola, wyrażająca się w rozwiązywaniu problemów dekoracyjnej organizacji ścian, różnych elementów architektonicznych, elewacji i stropów, zespołów ogrodnictwa krajobrazowego lub samego krajobrazu, gdy prace przeznaczone za to obdarzone są walorami architektonicznymi i zdobniczymi lub właściwościami urządzania estetyzacji, wpływa na to ich przyporządkowanie do sztuka monumentalna i dekoracyjna. Jednak między tymi odmianami sztuki monumentalnej nie ma ścisłej granicy oddzielającej je od siebie. Jedna z głównych cech sztuki monumentalnej, która ma wymienione cechy, ściśle uogólnione formy lub dynamikę proporcjonalną do treści. jest to, że w większości przypadków są one wykonane z trwałych materiałów.

Sztuka monumentalna nabiera szczególnego znaczenia w okresach globalnych przemian społeczno-politycznych, w czasach społecznego ożywienia, rozkwitu intelektualnego i kulturowego, w zależności od stabilności rozwoju narodowego, kiedy kreatywność jest wzywana do wyrażania najistotniejszych idei. Liczne tego przykłady podaje zarówno prymitywna, jaskiniowa, rytualna sztuka (konstrukcje megalityczne i mroczne), sztuka starożytnego świata jako całości, jak i najbardziej wyraziste przykłady monumentalnej sztuki starożytnych Indii, starożytnego Egiptu i starożytności, dzieła tradycji kulturowych Nowego Świata. Zmieniające się postawy religijne, przemiany społeczne dokonują własnych dostosowań do nurtów, które żywo przejawiają się w sztuce monumentalnej. Dobrze pokazuje to sztuka średniowiecza i renesansu. W Rosji, podobnie jak w innych państwach, zaobserwowano również podobną cykliczną zależność, którą reprezentują monumentalne dzieła średniowiecza - katedry starożytnych miast rosyjskich, które zachowały freski, mozaiki, ikonostasy i dekorację rzeźbiarską, rzeźbę od epoki Piotrowej do okres przemian ustrojowych, który rozpoczął się w pierwszej ćwierci XX wieku, kiedy monumentalizm zaczął być wykorzystywany do celów ideowych i propagandowych. Stopień uzasadnienia dramatu, stosowność motywacji patosu lub patosu dogmatycznego, w końcu „asortyment” tematyczny, nieuchronnie odciska się także w dziełach sztuki monumentalnej.

Okresom niepokojów towarzyszą drobne tematy, które dotyczą nie tylko uniwersalnego tematycznie gatunku rzeźba ogrodnicza krajobrazu, gdzie dopuszczalna jest obecność „literackiego” początku, ale także na plastyce w ścisłym, spójnym stylistycznie środowisku miejskim, które burzy organiczną jedność tego ostatniego, wypełniając jego otoczenie ozdobnymi rękodziełami eklektycznymi, sentymentalnymi wątkami, mnożąc przykłady prowincjonalny gatunek animalistyczny, strukturalnie zbliżony do drobnego plastiku, wątpliwy nie tylko pod względem smaku, ale także pod względem profesjonalnego wykonania; naturalną reakcją na takie manifestacje jest powrót do formalnego tradycjonalizmu, potrzeba „reanimacji” kulturowego bohatera i zwrócenie się ku nowemu pseudoepickiemu tematowi. któremu przeszkadza brak oznak „porządku społecznego” ery formotwórczej… Sztuka monumentalna ze względu na swój cel nie może kierować się gustami publiczności, chcąc ją zadowolić, jest przeznaczona do kultywowania zrozumienie harmonii i wysokiego piękna; jednocześnie muralista musi być w stanie oprzeć się żądaniom „elitarnej” mniejszości społecznej. Pusty „dekoratywizm” i niewyraźne, nieprzekonujące pod żadnym względem przykłady sztuki figuratywnej, poza przygnębieniem, nie wnoszą nic do żadnego środowiska. Oto bardzo charakterystyczny przykład nowoczesności, stylu formalnie i ideologicznie przeciwstawnego obecnemu w sztuce monumentalnej (z wyjątkiem, w niektórych przypadkach, czysto „nowoczesnej” kompozycji ogólnej). a teraz - jako akcent stylistyczny w ramach koncepcji projektu specjalnego lub "scenariusza", celowości rekonstrukcyjnej. Okresy pośrednie poszukiwań stylu to okresy eklektyzmu i rekonstrukcji pseudo- i pseudoklasycznej, „pseudogotyckiej”, „pseudoruskiej”, pompatycznej „mieszczańskiej” i kupieckiej „wzorzystej”. Brak ścisłego określenia, a co za tym idzie kategorycznej delimitacji sztuki monumentalnej i monumentalno-dekoracyjnej, jest bezpośrednio zależny od ich oczywistego wzajemnego oddziaływania i przenikania się.

Jednocześnie istnieją na przykład całkiem produktywne kierunki monumentalna sztuka kinetyczna, którego prace są równie aktualne zarówno w pejzażu, jak i w środowisku współczesnej architektury, gdy uzasadnione jest odejście od rzeźbiarskich żądań zespołu starego miasta, zmuszając artystę do kierowania się nie tylko taktem i przemyślanym podejściem do kompetencję instalacji w istniejącej kompozycyjnie uzupełnionej przestrzeni, ale także przestrzeganie stałej objętości. Ale kompozycje o różnym stopniu konwencjonalności, obdarzone prawdziwymi oznakami plastyczności i perswazji, otrzymują, a nawet wygrywają, prawo do istnienia w niemal każdym zespole. Nawet wytwór kontrkultury, a nawet w postaci antytezy, może aktywnie wejść, a nawet zaatakować środowisko dowolnego stylu zrealizowanego i ukończonego w czasie, wyczerpanego w swoim rozwoju, ale tylko wtedy, gdy jest to dzieło rzeczywiście i to rzeczywiście – monumentalne. sztuka. Sztuka antycypuje zmianę epok.

Wymagania rozwijającej się na przestrzeni wieków sztuki monumentalnej przedstawiają ogólną charakterystykę plastyczną w zgodzie z komponentem treściowym. Kryteria rozumienia retrospektywnej oceny obiektu we wszystkich aspektach zobowiązują nie tylko do podążania za adekwatnym zrozumieniem przyszłości dzieła, ale także do znalezienia równoważnych realnych form.

Zrozumienie tego jest niezwykle trudne nawet dla specjalistów. W sztuce pytanie „jak?” jest zasadne, istnieją zasady, proporcje i techniki, ale pytanie „co?” nie ma prawa istnieć. (z jednym tylko wyjątkiem - ładem moralnym), nie ma ścisłych norm dla tej części. Preferencja nie zawsze jest oczywista, a obecnie pozornie akceptowalne „jedno rozwiązanie” nie zawsze jest uzasadnione. Nie zawsze można jednoznacznie odpowiedzieć na pytanie o dalsze losy dzieła, a jego obecność w określonym środowisku nie może być alternatywą jedynie dla określonej korespondencji semantycznej czy stylizacji. Każdemu stwierdzeniu można przeciwstawić wystarczająco przekonujące argumenty, każda próba klasyfikacji może być pełna sprzeczności i mieć wyjątki. Z doświadczenia historycznego wynika, że ​​najmniej skuteczna i obarczona stagnacją jest ochronna i restrykcyjna ścieżka ingerencji ideologicznej w sprawy czysto przynależności zawodowej. A sztuka monumentalna, ze względu na siłę oddziaływania i powszechną dostępność, powinna jednak, jak każda sztuka, być wolna od tej kwalifikacji. Ale ideał został tu ogłoszony i dopóki istnieje państwo i pieniądz, będzie ideologia i porządek – od nich bezpośrednio zależy sztuka monumentalna.

Obraz jest monumentalny.

malarstwo monumentalne- rodzaj malarstwa związanego ze sztuką monumentalną i zdobniczą. Malarstwo monumentalne obejmuje dzieła bezpośrednio związane z obiektami architektonicznymi, umieszczane na ścianach, stropach, sklepieniach, rzadziej – na podłogach, a także wszelkiego rodzaju malowidła na tynku – jest to fresk, enkaustyka, tempera, malarstwo olejne (lub malowanie na niektórych inne spoiwo), mozaiki, malowniczych paneli malowanych na płótnie, specjalnie dostosowanych do konkretnego miejsca w architekturze, a także witraży, sgraffito, majoliki i innych form dekoracji planarno-obrazowej w architekturze.

Sztuka monumentalna rozwija się szczególnie aktywnie, gdy kultura artystyczna epoki jest przesiąknięta wyraźnym patosem głoszenia pozytywnych wartości społecznych. Początki malarstwa monumentalnego sięgają społeczeństwa prymitywnego. W menhirach, kultowych posągach i malowidłach naskalnych ucieleśniają się idee człowieka prymitywnego na temat potęgi sił natury, utrwalają się jego umiejętności pracy. Wraz z nadejściem klas, stosunki społeczne stały się decydujące dla sztuki monumentalnej. Zasady monumentalności i statyczności, które dominowały w sztuce starożytnego Egiptu w warunkach społeczeństwa niewolniczego, powinny były przyczynić się do powstania idei nienaruszalności porządku społecznego i ubóstwienia osobowości władcy (tzw. Wielki Sfinks w Gizie, ale w historycznie uwarunkowanej formie ucieleśniali także idee o potędze ludzkiego umysłu, zwycięstwie kolektywu ludzkiego nad siłami natury). W okresie rozkwitu starożytnej greckiej demokracji niewolniczej powstały dzieła sztuki monumentalnej, przepojone wiarą w piękno i godność człowieka (dekoracja rzeźbiarska ateńskiego Partenonu), które w prawdziwych formach ucieleśniały humanistyczne ideały starożytnej Grecji polis. Cała struktura artystyczna gotyckiej katedry, jej dekoracja malarska i rzeźbiarska wyrażały nie tylko idee hierarchii społecznej i kościelnej generowane przez system feudalny, cały system światopoglądu religijnego i dogmatycznego średniowiecza, ale także rosnącą samoświadomość miast , robotniczy patos kolektywu gminy miejskiej (dekoracja rzeźbiarska katedr w Reims, Chartres, Naumburgu itp.). Ogólnonarodowy zryw duchowy w epoce Wielkiego Renesansu we Włoszech (koniec XV - pierwsza tercja XVI w.) został wyrażony z całą siłą w dziełach sztuki monumentalnej, odznaczających się rozmachem publicznego dźwięku, pełnych tytanicznej Moc i intensywny dramat.

Katedra w Reims.

Ze względu na charakter treści i strukturę figuratywną wyróżnia się obrazy posiadające cechy monumentalności, stanowiące najważniejszą dominantę zespołu architektonicznego, oraz malowidła monumentalne i dekoracyjne, które zdobią jedynie powierzchnię ścian, stropów, elewacji, co niejako „rozpływa się” w architekturze. Malarstwo monumentalne nazywane jest także malarstwem monumentalno-dekoracyjnym lub dekoracją obrazkową, co podkreśla szczególny cel dekoracyjny malowideł ściennych. W zależności od funkcji dzieła malarstwa monumentalnego rozwiązane są w sposób objętościowo-przestrzenny lub planarno-dekoracyjny.

Malarstwo monumentalne nabiera integralności i kompletności tylko w interakcji ze wszystkimi elementami zespołu architektonicznego.

Najstarsze znane dekoracje ścienne to zarysowane sylwetki zwierząt w jaskiniach Dordonii we Francji i na południu Pirenejów w Hiszpanii. Prawdopodobnie stworzyli je Cro-Magnonowie między 25 a 16 tys. p.n.e. Powszechnie znane są malowidła naskalne z Altamiry (Hiszpania) i doskonalsze przykłady tej sztuki późnego paleolitu w jaskini La Madeleine (Francja).

Malowidła naskalne Altamiry.

Obrazy zwierząt z epoki górnego paleolitu z jaskini La Madeleine. Francja.

Malowidła ścienne istniały w przeddynastycznym Egipcie (5-4 tys. pne), na przykład w grobowcach Hierakonpolis (Hierakonpolis); na tych obrazach widoczna jest już tendencja Egipcjan do stylizowania postaci ludzkich. W epoce Starego Państwa (3-2 tys. p.n.e.) ukształtowały się charakterystyczne cechy sztuki egipskiej i powstało wiele pięknych malowideł ściennych. W Mezopotamii zachowało się niewiele obrazów ściennych ze względu na kruchość użytych materiałów budowlanych. Znane są obrazy figuratywne, odzwierciedlające pewną skłonność do realizmu w przekazywaniu natury, ale ornamenty są bardziej charakterystyczne dla Mezopotamii.

W 2 tys. pne. Kreta staje się mediatorem kulturowym między Egiptem a Grecją. W Knossos i innych pałacach wyspy zachowało się wiele fragmentów wspaniałych fresków, wykonanych z żywym realizmem, co znacznie odróżnia tę sztukę od hieratycznego malarstwa egipskiego. W Grecji, w okresie przedarchaicznym i archaicznym, nadal istniało malarstwo ścienne, ale prawie nic z niego nie przetrwało. O rozkwicie tego gatunku w okresie klasycznym świadczą liczne wzmianki w źródłach pisanych; szczególnie znane były malowidła ścienne Polygnotusa w Propyleje ateńskiego Akropolu. Piękne przykłady starożytnego rzymskiego malarstwa monumentalnego zachowały się pod warstwą popiołu na ścianach domów w Pompejach, Herkulanum i Stabii, które zginęły podczas erupcji Wezuwiusza w 79 r., a także w Rzymie. Są to polichromie o różnorodnej tematyce, od motywów architektonicznych po złożone cykle mitologiczne, np. fresk Odyseusza w kraju Laestrigonów z domu na Eskwilinie w Rzymie; w takich kompozycjach widać znakomitą znajomość natury i umiejętność jej przekazania przez artystę.

W okresie wczesnochrześcijańskim (III-VI w.) oraz w średniowieczu malarstwo monumentalne było jedną z wiodących form sztuki. W tym okresie ściany i sklepienia katakumb zostały ozdobione freskami, a następnie malowidła ścienne i mozaiki stały się głównym rodzajem monumentalnej dekoracji świątyń zarówno w Cesarstwie Zachodniorzymskim (do 476 r.), jak iw Bizancjum (IV-XV w.) i innych krajach Europy Wschodniej. W średniowieczu w Europie Zachodniej kościoły zdobiono głównie freskami lub malowidłami na suchym tynku; we Włoszech mozaiki nadal istniały. W malowidłach ściennych stylu romańskiego (XI-XII w.), w przeciwieństwie do malarstwa klasycznego i renesansowego, nie ma zainteresowania plastycznym modelowaniem objętości i przeniesieniem przestrzeni; są płaskie, warunkowe i wcale nie starają się dokładnie odtworzyć otaczającego świata.

Modelarstwo plastyczne powraca w twórczości włoskich mistrzów przełomu XIII i XIV wieku, zwłaszcza Giotta. We Włoszech w okresie renesansu fresk był niezwykle rozpowszechniony. W swoich pracach artyści tej epoki dążyli do osiągnięcia maksymalnego pozoru rzeczywistości; interesowało ich przede wszystkim przenoszenie objętości i przestrzeni.

Artyści wysokiego renesansu również zaczynają eksperymentować z technikami malarskimi. I tak kompozycja Ostatnia wieczerza Leonarda da Vinci w refektarzu klasztoru Santa Maria delle Grazie w Mediolanie jest namalowana olejem na źle przygotowanej powierzchni ściany. Jednak z biegiem czasu bardzo ucierpiała i stała się prawie nie do odróżnienia pod warstwą późniejszych aktualizacji. W XVI-XVIII wieku we włoskim malarstwie monumentalnym narasta pragnienie przepychu, dekoracyjności i iluzjonizmu.

W 19-stym wieku malowidła ścienne były często używane do dekoracji budynków użyteczności publicznej zarówno w Europie, jak iw Ameryce. w XX wieku malarstwo monumentalne i dekoracyjne przeżyło nowy rozkwit dzięki działalności meksykańskich artystów D. Rivery, J. Orosco i D. Siqueirosa.

Mozaika

Mozaika (francuska mozaika, włoska mozaika z łaciny (opus) musivum - (dzieło) poświęcone muzom) - sztuka dekoracyjna, użytkowa i monumentalna różnych gatunków, której prace polegają na tworzeniu obrazu poprzez układanie, wpisywanie i utrwalanie na powierzchnia (zwykle - na płaszczyźnie) wielobarwne kamienie, smalty, płytki ceramiczne i inne materiały.

Historia mozaiki

Historia mozaiki sięga II piętra. 4 tysiąclecie pne mi. - czas, na który datowane są budowle pałaców i świątyń sumeryjskich miast Mezopotamii: Uruk, Ura, Eridu.

Mozaika stożkowa. Uruk. Mezopotamia. 3 tys pne mi.

Mozaika składała się z wypalonych glinianych patyczków-stożków o długości 8-10 cm i średnicy 1,8 cm, które układano na zaprawie glinianej. Obraz powstał z końców tych stożków, które były pomalowane, zwykle na czerwono, czarno i biało. Zastosowano motywy geometryczne: romb, trójkąt, zygzak.

Wczesny przykład techniki inkrustacji lub techniki mozaikowej opus sectile, która w starożytności była nazywana, a później rozwinięta w technikę mozaiki florenckiej, można uznać za artefakt tradycyjnie nazywany „Standardem z Ur” (2600-2400 pne). Do VIII wieku pne mi. obejmują wczesne przykłady zastosowania techniki mozaikowej z nieobrobionych otoczaków, która stanowiła jeden z etapów rozwoju techniki mozaikowej, a u schyłku została przez Rzymian lekceważąco nazwana opus barbaricum. Podczas wykopalisk odkryto zdobione kamienne podłogi Altyn-tepe (wschodnia Anatolia) i pałac w Arslan-tash (Asyria), ale najbogatszym zabytkiem są kamienne mozaiki z Gordion.

Gordion. VIII w. pne mi. W latach dziewięćdziesiątych mozaiki zostały częściowo zdemontowane i przewiezione do muzeum. Nowoczesne zdjęcie.

Pierwsze antyczne mozaiki wykonane z surowych otoczaków zostały znalezione w Koryncie i datowane na koniec. V w. pne mi. Są to konturowe wizerunki ludzi, zwierząt, stworzeń mitologicznych, zdobione ornamentami geometrycznymi i roślinnymi, wykonane najczęściej w bieli na czarnym tle, stylistycznie zbliżone do czerwonofigurowego malarstwa wazowego. Podobne egzemplarze z IV w. PNE. znaleziono również w Olynthus, Sicyon, Eretrii. Ważnym krokiem w kierunku realizmu były mozaiki z Pelli (koniec IV wieku pne).

W starożytnym Rzymie podłogi i ściany willi, pałaców i łaźni układano mozaikami. Mozaiki rzymskie wykonywano z małych kostek bardzo gęstego szkła - smaltu, ale nierzadko używano drobnych kamieni i otoczaków.

Erę Cesarstwa Bizantyjskiego można uznać za najwyższy rozkwit sztuki mozaikowej. Mozaiki bizantyjskie stają się bardziej wyrafinowane, stosuje się mniejszy moduł kamieni i delikatnego muru, tło obrazów staje się przeważnie złote.

Mozaika bizantyjska

Mozaiki były szeroko stosowane przy projektowaniu pałaców władców Wschodu. Pałac Chanów Szeki to wybitne dzieło architektury średniowiecznej w Azerbejdżanie. Gdyby nie było innych starożytnych budowli Azerbejdżanu, wystarczyłoby pokazać całemu światu tylko Pałac Chanów Szeki.

Pałac Chanów Szeki, uważany za jeden z cennych zabytków architektury XVIII wieku w Azerbejdżanie, został zbudowany w 1762 roku przez Husejkana. Pałac, który kiedyś był częścią kompleksu budynków pałacowych i służył jako rezydencja chanów Szeki, jest budynkiem dwupiętrowym. Fasada pałacu to podnoszona rama kratowa z zestawem shebeke - wielobarwnych małych szklanek. Wielobarwny wzór shebeke barwnie uzupełnia malowidła pokrywające ściany pałacu.

Pałac chanów Szeki

W drugiej połowie XVIII wieku sztuka malarska, bezpośrednio związana z architekturą i budownictwem, osiągnęła w Chanacie Szeckim wysoki rozwój. Wszystkie znaczące obiekty architektoniczne miasta Szeki były bogato zdobione malowidłami ściennymi, które w tym czasie były najpopularniejszym rodzajem techniki malarskiej. Dowodem na to są próbki malarstwa z pałacu chanów Szeki, które przetrwały do ​​dziś i nie straciły artystycznej wyrazistości.

Malowidła ścienne poświęcone były różnorodnej tematyce: sceny polowań na dzikie zwierzęta, bitwy, ornamenty roślinne i geometryczne, rysunki powstałe na podstawie „Khamse” (Pyateritsy), genialnego poety azerbejdżańskiego Nizami Ganjavi, sceny z życia pałacowego, codzienne szkice z życia chłopskiego itp. e. Głównie używane kolory, takie jak niebieski, czerwony, złoty, żółty. Na plafonie sali w pałacu chanów Szeki zaszyfrowane jest imię utalentowanego malarza Abbasa Kuli. Należy zauważyć, że ściany pałacu były wielokrotnie odnawiane, dlatego można tu znaleźć obrazy wykonane przez mistrzów żyjących w różnych czasach. Pałac Chanów Szekijskich (Azerbejdżan)

Mozaika w Rosji

Na Rusi mozaika pojawia się wraz z przyjęciem chrześcijaństwa, ale nie zyskuje dystrybucji ze względu na wysoki koszt materiału importowanego z Konstantynopola.

Mozaiki M.V. Łomonosowa są częścią działalności naukowca, która łączy w sobie promocję dwóch ważnych i ściśle powiązanych obszarów jego pracy: rozwój założonej przez niego nauki o szkle, tutaj jest on stosowany, oddany w służbie specjalny rodzaj obróbki szkła – topienie, tzw. szkło głuche, smalt – niezwykle piękny materiał nadający się do celów artystycznych – tworzenie różnorodnych dzieł mozaikowych – w tym przypadku główny kierunek, który implikuje zaspokojenie dość szerokiego zakresu zainteresowań i potrzeb - od przedmiotów użytkowych (koraliki, blaty składu, dodatki, dekoracje mebli i formy małej architektury, elementy wnętrz).

Pierwsza mozaika M. V. Łomonosowa.

Niezłomna energia naukowca, determinacja przyczyniły się do tego, że jego aspiracje miały się spełnić: w specjalnym aneksie do jego domu na Wyspie Wasiljewskiej otwarto warsztat na zestaw mozaikowych obrazów, w którym rozpoczął zajęcia ze swoimi pierwszymi uczniami - artystami mozaiki Matwiejem Wasiljewiczem Wasiljewem i Efimem Tichonowiczem Melnikowem. A sam M.V. Łomonosow był pierwszą osobą w Rosji, która zaczęła opanowywać technikę składu mozaiki na podstawie własnego doświadczenia i własnymi rękami. Demonstruje właściwości niewątpliwego talentu artystycznego, szlachetnego patosu idei. Mając trzeźwy pogląd na sztukę, M.V. Łomonosow w jak najkrótszym czasie zostaje szefem grupy artystów, którzy zasłynęli z tworzenia pierwszorzędnych obrazów mozaikowych, porównywalnych jakością do najlepszych obrazów do niezależnych dzieł sztuki - „obrazów mozaikowych” i monumentalnych paneli, odrodzenia to zapomniane rzemiosło i sztuka.