13 i 14 kwietnia w Elektroteatrze Stanisławskiego odbędzie się premiera spektaklu Panny z Bulwaru Zachodzącego Słońca. Czołowy aktor i reżyser teatru Władimir Koreniew opowiada, jak powstawał spektakl, co sprawia, że ​​scenografia jest ciekawa i jakie eksperymenty go pociągają.

Vladimir Korenev jest jedną z najwybitniejszych i najwybitniejszych postaci rosyjskiego kina. Już w latach 60. zakochał się w widzach dzięki roli Ichthyandera w filmie „Człowiek płaz”. Jego rówieśnicy chcieli być jak jego bohater, a rówieśnicy bombardowali przystojnego aktora listami miłosnymi.

Ponad 50 lat temu Korenev przybył do Moskiewskiego Teatru Dramatycznego imienia K.S. Stanisławskiego i ostatecznie został czołowym aktorem. Nowe życie teatru „Stanislavsky Electrotheatre” rozpoczęło się w 2015 roku fantastycznym spektaklem „The Blue Bird”, w którym główne role grali Vladimir Korenev i jego żona Aleftina Konstantinova - chłopiec Tiltil i dziewczyna Mitil. Nowa produkcja The Maids of Sunset Boulevard Theatre to pierwsza praca reżyserska aktora na rodzimej scenie.

- Vladimir Borisovich, twój występ opiera się na dwóch utworach jednocześnie - sztuce Jeana Geneta "Pokojówki" i filmie "Bulwar Zachodzącego Słońca" Billy'ego Wildera. Co wziąłeś do swojej historii z każdego z nich? O czym jest twój występ?

- Spektakl trzeba będzie obejrzeć - i dopiero wtedy wszystko będzie jasne. Krótko mówiąc, nie da się tego wytłumaczyć, jeśli ktoś nie widział filmu Wildera i nie czytał sztuki. Szczerze mówiąc, zdziwiłbym się, gdyby ktoś to przeczytał – sam ją poznałem w wieku 60 lat. To bardzo złożony element. W luksusowym apartamencie mieszka bardzo bogata kobieta Madame wraz z dwiema pokojówkami - młodymi dziewczynami, siostrami Solange i Claire. Madame ma kochanka, który trafia za kratki. Pokojówki lubią styl życia kochanki, są urzeczone całym tym przepychem. Staje się to ich obsesją.

Pomyślałem, że trzeba przesuwać granice tej historii. Co jeśli główna bohaterka to nie tylko bogata kobieta, której stylu życia wielu zazdrości i podziwia, ale naprawdę utalentowana osoba, gwiazda, aktorka? I tak dwie służące zakochały się w jej obrazach na ekranie, weszły do ​​jej domu, próbując coś dla niej zrobić. A ona je popycha, wcale ich nie potrzebuje. A ona sama nie jest nikomu potrzebna, jak się okazało. Zaczynają ją nienawidzić i uświadamiają sobie tragedię, która ich spotkała. To właśnie starałem się wnieść, najprościej mówiąc, w ten spektakl.

- W naszym kraju sztuka „Słudzy” zyskała wielką sławę dzięki produkcji Romana Viktyuka. Widzieliście ten występ?

Tak, i to nie tylko raz. Jest bardzo udany, wspaniały, przystojny, podróżował po całym świecie z trasami koncertowymi.

- Roman Grigoryevich ma mieszankę teatru kabuki, improwizacji i tańca...

- Rzeczywiście, zrobił performance formy egzystencjalnej, gdzie forma jest treścią. Ale co się stało, co się stało w samej tej historii? Roman Grigoriewicz rozwiązał problem nie za pomocą języka teatru dramatycznego, ale za pomocą języka plastyczności, prawie baletu. Bardzo zainteresowała mnie ta historia, chciałem nad nią popracować. Często zadawałem sobie pytanie: dlaczego ta sztuka nie jest grana w innych teatrach? W końcu może być naprawdę pięknie.

- Ale wizualnie twój występ nie jest gorszy od produkcji Romana Grigoriewicza. Na przykład masz bardzo ciekawe dekoracje wykonane z czarno-białych plastikowych toreb z recyklingu.

— Tak, zasugerowała to Anastasia Nefedova, główna artystka. Pomysł jest niezwykły, nie od razu go poparłem, bo zrozumiałem, co dostanę od moich artystów, gdy zobaczą scenografię i kostiumy. Stopniowo wszyscy się do tego przyzwyczaili i zaczęli ich lubić.

Ale najważniejsza jest gra. Jestem wdzięczny dyrektorowi artystycznemu teatru, Borisowi Yukhananovowi, który dał mi możliwość eksperymentowania z tym bardzo niebezpiecznym materiałem, bo przy takiej sztuce nic nie jest warte porażki. Postanowiłam robić to, co bliskie ludziom mojego zawodu. Widziałem wiele w życiu fanek, fanek, które prześladują naszego brata. Co nimi kieruje? Dlaczego poświęcają temu swoje życie?

- Po roli Ichthyandera w filmie „Człowiek-amfibia” również zyskałeś niesamowitą popularność. Czy to prawda, że ​​listy od fanów przychodziły do ​​Was w takich ilościach, że trzeba je było wkładać do pudełek spod lodówek?

- Prawda. Ale nie odpowiedziałem, było ich za dużo. Aby to zrobić, musiałbym porzucić wszystkie inne moje sprawy. Chociaż zdarzało się, że odpowiadałem na bardzo rzadkie listy, na wypadek, gdyby to, co zostało napisane, wciągnęło mnie. I tak, wiesz, nie filozofowie piszą do młodych aktorów, ale młode dziewczyny, które po prostu zakochały się w stworzonym przez ciebie obrazie. Ale to było miłe, oczywiście, że tak dobrze mnie traktowali.

- Czy taka sława jest trudnym sprawdzianem, czy odwrotnie?

- Chodzi raczej o to, żeby się tym nie zachorować. Kiedy mówią „rury miedziane”, mają na myśli test sukcesu. I może być bardzo przerażające. Ale jakoś mi przeszło. Obok mnie byli mądrzy rodzice, dobrzy przyjaciele. A potem przychodzi zrozumienie, że trzeba również odpowiadać tej popularności. Możesz przeżyć całe życie jako narcyz, patrząc w lustro: „Jak Bóg mnie nagrodził, jaki ze mnie przystojny mężczyzna!” Lub możesz dążyć do czegoś więcej. Oto na przykład Misha Kozakov, który również grał w Amphibian Man. Przystojny, popularny, zawsze mógł pozostać w tej roli i niczego nie potrzebować. I zaczął reżyserować, robić filmy. „Bramy Pokrovsky” to wspaniały obraz. Zaczynasz szanować osobę, gdy widzisz, że wykorzystuje swoje talenty, a nie tylko wygląd.

„Okazało się, że to zupełnie inna historia”

Czy The Maids of Sunset Boulevard to twój debiut reżyserski?

- Nie całkiem. Na przykład wystawiłem sztukę „Niebezpieczne związki” na podstawie powieści Choderlosa de Laclosa w Teatrze Archangielskim (Archangielski Teatr Dramatyczny im. M.V. Łomonosowa. - Uwaga.mos. en). To duży teatr z 1500 miejscami. Publiczność przyjęła przedstawienie, były pełne sale. Przez 12 lat kierowałem również Katedrą Sztuki Teatralnej w Instytucie Edukacji Humanitarnej i Technik Informacyjnych, co roku wystawiałem kilka spektakli z udziałem doktorantów. A ile fragmentów umieściłem - po prostu się nie licz. Nie jest to więc debiut. Po prostu robię to, co lubię i mam taką możliwość.

- Po której stronie czujesz się bardziej komfortowo - jako reżyser czy aktor?

A rozstanie jest prawie niemożliwe. Czym zajmują się aktorzy i reżyserzy? Analiza psychologiczna. Jaka jest radość aktora? W tym, że ma zdolność pływania w oceanie proponowanych przez autora okoliczności. Każdego dnia są inne. Tak samo jest z reżyserem. Z reguły reżyser najczęściej opuszcza aktora. Może chciałem spróbować czegoś nowego. Kiedy wystawiasz spektakl, wciąż wewnętrznie przegrywasz dla wszystkich aktorów, sam sprawdzasz tę historię. W sztuce wszystko zależy od osobowości. Im bardziej różni się od innych, tym lepiej. Im bardziej różnisz się od pewnych uznanych norm, tym bardziej jest to interesujące dla innych.

Pozwól, że opowiem ci historię na ten temat. Pewnego razu młody dramaturg przyszedł do Konstantego Stanisławskiego i powiedział: „Dajcie mi jakiś ciekawy temat do sztuki”. Odpowiada mu: „Cóż, oto jesteś: młody człowiek wyjechał za granicę, wraca, aw tym czasie jego dziewczyna zakochała się w innym”. Dramaturg mówi: „Ale to banalne”. A Stanisławski sprzeciwia się: „Aleksander Gribojedow napisał na ten temat Woe from Wit”. Czy widzisz, jak ważna jest umiejętność patrzenia na świat inaczej? Myślę, że to wspaniałe. Więc mam zupełnie inną historię o pokojówkach.

- Czy w najbliższym czasie wstawisz coś jeszcze?

„Nie wiem, jak to będzie. Czy występ się powiedzie, nigdy nie wiadomo. Mam nadzieję, że mu się spodoba. Mogę tylko powiedzieć, że zrobiliśmy to z wielkim zainteresowaniem i miłością. Staraliśmy się, aby było to zrozumiałe, aby widz był podekscytowany historią. Jeśli to się uda, mam nadzieję, że Boris Yuryevich da mi coś innego do wystawienia, co mi się podoba. Chcę też powiedzieć, że moi aktorzy grają fantastycznie. Jestem dumny z tego, co robią. Nie wiem, kto inny mógłby tak łatwo i swobodnie zagrać w tę złożoną historię.

„Moja żona jest lepszą aktorką ode mnie”

- Jedną z ról gra twoja córka Irina, aw sztuce „The Blue Bird” wychodzisz na scenę ze swoją żoną Aleftiną Konstantinovą. Czy to prawda, co mówią, że trudniej jest pracować z krewnymi?

- To zależy. Moja córka ma bardzo trudny charakter. Kiedy z nią walczymy, iskry lecą we wszystkich kierunkach! Jest bardzo niezależną osobą. A żona jest po prostu wybitną artystką. Tak się złożyło, że bardzo rzadko graliśmy razem w tych samych przedstawieniach, jakoś to nie wychodziło. Ale jest po prostu cudowną aktorką, dużo lepszą ode mnie.

- Spektakl „Niebieski ptak” jest hitem Teatru Elektrotechnicznego Stanisławskiego. Kiedy Boris Yukhananov zaprosił cię do udziału, czy od razu się zgodziłeś? A może projekt wydał Ci się zbyt radykalny?

— Kiedy Borys Jurjewicz (Yukhananov - ok. miejsce) pierwszy raz o tym mówiłem, byłem w szoku. Zapytałem go: „Ale jak być chłopcem w moim wieku?” Mówi: „Kiedy przychodzisz do teatru dziecięcego, wiesz, że tę rolę gra aktorka”. Mówi dziecinnym głosem - i po pięciu minutach widz się przyzwyczaja. Takie są warunki gry.

Następnie Yukhananov powiedział: „Ty i twoja żona poszliście tą samą drogą, którą poszli ci brat i siostra, oni też poszli szukać szczęścia, to jest całe nasze życie. A kiedy twoja historia przecina się z historią tego chłopca i dziewczyny, widz pomyśli i zastanowi się, co dalej czeka tych bohaterów.

- Dla ciebie to nie tylko rola siedmiolatka, ale także twoje wspomnienia, twoje osobiste historie.

Tak, zwłaszcza że moje życie z żoną nie było zbyt proste. Przed Aleftiną jej matka została zabita - w latach wojny. A widziałem w życiu tak wiele, zarówno smutnych, jak i tragicznych. Ale oczywiście było też szczęście. Boris Yuryevich ma absolutną rację: Błękitny ptak to dzieło całkowicie niedziecinne. Na podstawie tej pracy powstał stary hollywoodzki film z Elizabeth Taylor w roli głównej. Myślę, że obraz jest porażką, ponieważ nie jest jasne, dla jakiego wieku jest przeznaczony. A nasze przedstawienie jest przeznaczone dla widzów dorosłych. A Maurice Maeterlinck jest naprawdę poważnym filozofem. Napisał tę sztukę do refleksji. A Boris Yuryevich wymyślił absolutnie nowatorskie posunięcie: nie przedstawiam czegoś na scenie, jestem zwykłą osobą, która rozmawia z publicznością.

Spektakle Yukhananova, choć nie jestem ich wielkim fanem, od czasu do czasu oglądałem: taka nie do pomyślenia fantazja w teatrach to rzadkość. Od samego początku Elektroteatr chciał zobaczyć, co reżyser robi teraz, kiedy odpowiada nie tylko za swoją osobistą pracę, ale jako lider za cały proces twórczy.

Poza tym Elektroteatr to odbudowany globalnie Teatr Stanisławskiego, który w dawnych czasach często odwiedzałem, znając tam nie tylko widownię i foyer, ale i kulisy. Chciałem zobaczyć, co się dzieje z teatrem po jego globalnej odbudowie.
Ogólnie wyszło dobrze. Oczywiście trzeba będzie się przyzwyczaić do eklektyzmu, połączenia głębokiej starożytności i awangardy, ale miejsca dla publiczności jest znacznie więcej, a ponieważ bilety są sprawdzane bezpośrednio przy wejściu na salę, istnieje możliwość podrzucenia do garderoby, w kiosku przejrzymy literaturę teatralną, zjemy pasztet i zajrzymy do toalety (bardzo przytulnie!).
Sala łączy obecnie dawny (zewnętrzny, nie podnoszony) balkon i schodkowy amfiteatr z krzesłami. To ostatnie nie jest zbyt eleganckie…. Ale najwyraźniej teatr potrzebuje tego w takiej formie.

Jeśli chodzi o występ...
Podaje się, że oglądana przez nas 1. część „Błękitnego ptaka” to 3 godziny i 30 minut. W rzeczywistości trwa dłużej - być może dzięki temu, że przerwy nie są krótkie. Podczas drugiej przerwy wszyscy zostali poproszeni o opuszczenie sali; być może było to potrzebne, aby złapać ławicę uroczych… latających rekinów gniazdujących pod sufitem.

Spektakl łączy tekst klasycznego dzieła Maurice'a Maeterlincka, wspomnienia aktora Władimira Korenewa (Ichthyander!) rekiny; taniec śmiesznych pingwinów; pojawienie się Tarkowskiego i Felliniego, a także Demona na wysokich „kopytach”; narodziny Dusz przedmiotów, dokonujące się w tradycji teatru Noh; czytanie rozdziałów z „Eugeniusza Oniegina” po chińsku… cóż, i ogólnie wiele innych rzeczy.

W sumie bardzo mi się podobało i niemałe godziny akcji przeleciały niezauważone, choć dla mnie to wszystko było nie do końca równe… Po prostu zapierało dech w piersiach i chciałem przedłużyć urok, a potem – niczym Baron Gorkiego, wykrzyknąć: "Następny!".

Np. narodziny Soulsów nawet mnie zmęczyły... Ale wcześniejsza wielka scena, kiedy minuty pojawiające się jedna po drugiej sumowały się w godziny - i to w godziny, jako miarę czasu, i w mechanizm pokazujący ten czas ... ogólnie to była piękna scena.

Większość obrazów, które narodziły się na naszych oczach, była piękna. Potem był niekończący się okrągły taniec gigantycznych ozdób choinkowych (i cudowny: „Zamarznięty, biedny? Idź tam ...”, po czym zabawki zniknęły). Że - ojciec bohatera, przystojny mężczyzna w białym płaszczu admirała, tańczył do piosenki kwartetu "Accord". To Dziadek i Babcia, piękni jak greccy bogowie, odmłodzeni i piękniejsi, ale tak niezmiernie tęskniący w wiecznym śnie.
A jakie cudowne wrony wędrowały po scenie!..

Bajka. I nagle – historia zupełnie codzienna, anegdota, interaktywna z publicznością…
Nie tylko Dziadek i Babcia Maeterlincka powstali z zapomnienia, ale także aktorzy, którzy kiedyś występowali na scenie Teatru Stanisławskiego…

Cóż, jeśli filozofujemy, to wczoraj widzieliśmy opowieść o tym, jak „ponura otchłań jest na krawędzi”, na skraju płonącego życia ognia, możesz zatrzymać się na chwilę… przylgnij do krawędzi swojej pamięci za jakiś drobiazg – ubitą przez ciebie miskę, kilka słów wypowiedzianych w tańcu, starą książkę zdjętą z półki, „brodatą” anegdotę… i nie tylko po to, żeby utrzymać się w szeregach żywych, ale też przybliżyć do nas tych drogich, którzy kiedyś nas opuścili i „poszli dalej niż za ocean”…

Czy pójdę obejrzeć pozostałe dwie części trylogii? Pójdę (zwłaszcza jeśli znowu mnie zaproszą).
Pożądane - trochę później, abym mógł zmieścić się w tym, co niewątpliwie mi się podobało i pomyśleć o tym, co wywołało konsternację.

Ogień, Chleb, Czas i Demon.
Kostiumy autorstwa Anastasii Nefedovej -

Świat zapamiętał Maeterlincka przede wszystkim jako autora baśniowej ekstrawagancji dla dzieci „Błękitny ptak”, która tryumfuje na światowych scenach od ponad stu lat. Sztuka została po raz pierwszy wystawiona przez Moskiewski Teatr Artystyczny; ta produkcja stała się jednym z przełomowych wydarzeń stulecia. Historia jego powstania jest niesamowita i niewiarygodna...

Teatr i dramatopisarz

Nazywają mnie;
Wyszedłem. Mężczyzna ubrany na czarno
Kłaniając się grzecznie, zamówiłem
Me Requiem i zniknął.
JAK. Puszkin. „Mozart i Salieri”

Dzwonek do drzwi przerwał pracę Maeterlincka. Wyszedł. Nieznajomy powiedział po francusku z rosyjskim akcentem: "Oto czek dla ciebie..." - i podał kwotę kilku tysięcy franków.

Maeterlinck wspominał: „... Moja sztuka Niebieski ptak została wystawiona na specjalne zamówienie Moskiewskiego Teatru Artystycznego i przedstawia prawdziwą historię słynnego teatru. Nieznajomy przyszedł do mnie i powiedział: „Napisz rzekomo fantastyczną sztukę na dziesiątą rocznicę Moskiewskiego Teatru Artystycznego. Oznacza to, że otrzymacie Państwo materiał dotyczący historii naszego teatru, wykorzystacie go nie odbiegając od faktów, ale ubierając fakty w fantastyczne formy. ...Tiltil i Mitil stworzyłem z inspiratorów teatru: panów Niemirowicza-Stanisławskiego. Obraz pomysłowego sąsiada Berlengo, który następnie zamienia się w czarodziejkę-wróżkę, został przeze mnie przerobiony z niejakiego pana Morozowa (filantrop Savva Morozov), który cały czas grał rolę dobrego geniusza w stosunku do Teatru Artystycznego. .. Tak go przedstawiam, zmieniając tylko płeć. ... Nazwa powstała w ten sposób. Uroczy pisarz Czechow podarował Teatrowi Artystycznemu swoją sztukę „Mewa”. Ta sztuka stała się duszą Teatru Artystycznego... Słowem, sumiennie starałem się opisać dzieje Teatru Artystycznego, ale jak to zrobiłem, niech ocenią inni” („Słowo Rosyjskie”, 1908, 14 X, Wtorek) ).

Czy Stanisławski wiedział o tym tajnym zakonie? Wspominał: „Maeterlinck powierzył nam swoją sztukę z polecenia nieznanych mi Francuzów”. Przez dwa lata niepublikowany rękopis Błękitnego ptaka „był w dyspozycji Teatru Artystycznego, ale przedstawienie pokazano dopiero jesienią 1908 roku, podczas obchodów 10-lecia Moskiewskiego Teatru Artystycznego”. Ponadto Stanisławski, podziwiając bajkę Maeterlincka, porzucił styl dziecięcych ekstrawagancji, zignorował wszystkie uwagi autora i stworzył na scenie coś „tajemniczego, strasznego, pięknego, niezrozumiałego”, jakie życie otacza człowieka i co urzekło reżysera w sztuce . Co zaskakujące, Maeterlinck był zachwycony iw liście do Stanisławskiego w listopadzie 1910 roku napisał: „Wiedziałem, że wiele ci zawdzięczam, ale nie wyobrażałem sobie, że zawdzięczam ci wszystko”. To prawda, że ​​nie widział sztuki, ale żona dramatopisarza tak.

Los

Maurice Polydor Marie Bernard Maeterlinck urodził się w 1862 roku, dokładnie półtora wieku temu. Pisarz, dramaturg i filozof, laureat literackiej Nagrody Nobla w 1911 r. „za wszechstronną działalność literacką, a zwłaszcza twórczość dramatyczną, wyróżniającą się bogactwem wyobraźni i fantazji poetyckiej”. Od urodzenia znalazł się na pograniczu dwóch światów i kultur: w dobrze prosperującej zamożnej rodzinie, na flamandzkiej prowincji – w belgijskim mieście Ghent, w warunkach naiwnie przytulnego, staromodnego życia cnotliwego, ale w bliskiej bliskość Francji i Paryża. Językiem ojczystym jest francuski.

Za namową ojca w Paryżu studiował prawo i tam zainteresował się twórczością poetów-symbolistów. Stając się pionierem w dziedzinie „nowego dramatu”, wybitnym teoretykiem i dramaturgiem europejskiego teatru symbolistycznego, stworzył teorię estetyczną i opublikował ją w książce Skarby pokornych. W swojej twórczości często sięgał do tematów biblijnych, baśniowych i historycznych. Sławę przyniosła mu sztuka teatralna „Princess Malene”; jednoaktówki „Nieproszone”, „W ciemno”; dramat "Peleas i Melisanda" - "dramatyzm milczenia, aluzji i przeoczeń", jak go nazwali krytycy.

W 1940 Maeterlinck uciekł spod okupacji niemieckiej w Stanach Zjednoczonych, po wojnie wrócił do Francji w 1947; zmarł w Nicei w 1949 roku. Żył 87 lat! To właśnie oznaczają dobre geny, dzieciństwo i młodość wśród pól, lasów i ogrodów spokojnej Flandrii.

pszczoła niosąca miód

Kwitnący, pełnej krwi, prawdziwy Fleming, na zewnątrz przypominał wizerunki wielkiego syna Flandersa Rubensa, a charakterem - żarliwego, dowcipnego i kochającego życie bohatera legend swojej ojczyzny Thiela Ulenspiegla, zwycięzcę wielu przygód „zabawny, odważny i chwalebny we Flandrii i innych krajach”. Świat wydawał mu się kwitnącym ogrodem, o którym Maeterlinck opowiadał w książkach o pszczołach, mrówkach, termitach io umyśle kwiatów. Sam Maeterlinck mieszkał w tym ogólnoplanetarnym ogrodzie, jak wychwalana przez niego pszczoła: dane mu było zbierać pachnący miód nadziei i usprawiedliwień, i wypełnił swoją misję do końca. Pszczoła niosąca miód nie może uwolnić żądła. Pisarz ze świadomością szczęścia nie może obwiniać i bluźnić. Jego biograf Nikołaj Minsky zauważył: „Oczy Maeterlincka, zaślepione jasnymi wizjami przyszłości, nie zauważają ulotnych chmur teraźniejszości. Ale być może poeta ma rację: jego wizje w przyszłości będą wydawały się realne i prawdziwe.

Wielu dziwi pojawienie się we Flandrii złożonego myśliciela Maeterlincka, ponieważ naród belgijski, wedle panującej w Europie opinii, składał się w zasadzie zawsze z pracowitych i uczciwych materialistów bez wyższych potrzeb duchowych. Jednak Maeterlinck, porównując poświęcenie Belgii dla ocalenia cywilizacji z największymi wyczynami starożytności, dowodzi, że Belgowie przewyższyli wszystkich znanych herosów: poświęcili swoje paleniska, żony i dzieci. Odmawiając walki, mogli zyskać wszystko i nic nie stracić - z wyjątkiem honoru. Historia znała pojedynczych ludzi, którzy w imię honoru poświęcili swoje życie i życie swoich bliskich. Ale żeby cały naród świadomie poświęcił się dla niewidzialnego dobra, to się nigdy nigdzie nie zdarzyło”. Świat ujrzał duszę Belgii wyłaniającą się z ognia prób, bezinteresowną i nieustraszoną. Dusza narodu belgijskiego została wyrażona w geniuszu Maeterlincka. Co jest w umyśle ludu, jest na języku poety.

Magiczna czapka

Od ponad wieku Błękitny ptak pozostaje jedyną sztuką na świecie, która głębią swojej koncepcji wychowuje dzieci do zrozumienia najbardziej skomplikowanych prawd, a jaskrawością formy pozwala dorosłym patrzeć na świat przez pryzmat oczy dzieci. Ile pokoleń dzieci śpiewało: „Podążamy za Błękitnym Ptakiem w przyjaznej linii”?.. Bajka nie zna wieku. Żyje w wieczności. Może jednak sztuka Maeterlincka była pierwotnie napisana dla dorosłych? Dzieci schwytały ją później i nie wypuszczają jej do dziś.

W tej opowieści zawarta jest mądrość Apostoła Pawła: „Albowiem mądrość tego świata jest głupstwem przed Bogiem”. Pyszna mądrość, która pochodzi z ludzkiego umysłu, jest bezwartościowa. Prawdziwa „mądrość z góry jest najpierw czysta, potem pokojowa, skromna, posłuszna, pełna miłosierdzia i dobrych owoców, bezstronna i nieobłudna”. Może dziecinne... Ale tak już jest.

Tak naprawdę „Niebieski Ptak” jest symbolem szczęścia, którego bohaterowie szukają wszędzie, w przeszłości i przyszłości, w królestwie dnia i nocy, nie zauważając, że to szczęście jest w ich domu.

W noc poprzedzającą Boże Narodzenie rodzeństwo Tiltil i Mitil odwiedza wróżka Berilyun. Wnuczka wróżki jest chora, tylko tajemniczy Niebieski Ptak może ją uratować. Dlaczego dziewczyna jest chora? „Ona chce być szczęśliwa”. Wróżka wysyła dzieci na poszukiwanie Niebieskiego Ptaka, ptaka szczęścia. Aby pomóc Tiltilowi, wróżka daje magiczną czapkę, która pozwala zobaczyć to, co niewidzialne, co jest ukryte przed zwykłymi oczami, ale dostępne tylko dla oczu serca: dusze Mleka, Chleba, Cukru, Ognia, Wody i Światła, a także Pies i Kot. Dusze wyzwolone przez dzieci – symbole dobra i zła, odwagi i tchórzostwa, miłości i fałszu – idą razem z bohaterami bajki. Jedni chętnie przychodzą z pomocą dzieciom, inni (Kot i Noc) starają się wtrącać...

W poszukiwaniu szczęścia

Dzieci wkraczają do Krainy Wspomnień, gdzie spotykają tych, którzy już odeszli z tego świata. Następnie trafiają do pałacu Królowej Nocy, opiekunki wszystkich tajemnic Natury; w Królestwie Przyszłości, gdzie żyją dusze tych, którzy dopiero mają się narodzić; w Ogrodach Błogosławieństw jest przystanią ludzkich pragnień, od najniższych do najwznioślejszych, i okazuje się, że oprócz Błogości Zaspokojonej Próżności jest też Wielka Radość Bycia Sprawiedliwym i Wielka Radość Kontemplowania Piękna.

W Krainie Pamięci dzieci uczą się: „Zapamiętani zmarli żyją tak szczęśliwie, jakby nie umarli”. A w Pałacu Nocy nierozwiązane tajemnice Natury zostają ujawnione dzieciom. Ale oni chcą Szczęścia, Błogości! Tylko... kto by pomyślał?! W magicznych Ogrodach Błogości są Błogość szkodliwa, od której trzeba uciec: Błogość nagła, Nic niewiedza, Spanie więcej niż to konieczne... Dzieci uczą się widzieć i czuć innych, pięknych i życzliwych Błogość: Błogość być dzieckiem, Błogość bycia zdrowym, Oddychanie powietrzem, Kochający rodzice, Błogość słonecznych dni, Deszczu... A są też Wielkie Radości: Być Sprawiedliwym, Życzliwym, Radość myślenia, Radość Jutrzejszej Pracy i Macierzyńska Miłość...

Kiedy pod koniec sceny Lazurowego Królestwa Moskiewskiego Teatru Artystycznego z nieznanej głębi rozległ się nagle „radosny chór matek” ku nienarodzonym duszom z nieznanej głębi, publiczność „łzy ścisnęła ich serca”.

Królestwo przyszłości w spektaklu jest hymnem do człowieka i czasu, do przyszłych wynalazców, naukowców, filozofów, którzy uszczęśliwią ludzkość, która dopiero się narodziła. Więc gdzie jest Blue Bird w odległej przyszłości?

Wracając do domu pod koniec sztuki, Tiltil znajduje ją… w swoim pokoju: to zwykły gołąb w klatce. „Tak, to moja synogarlica! – krzyczy entuzjastycznie Tyltil. „Dlaczego, kiedy odszedłem, nie była taka niebieska! .. Przecież to jest Niebieski Ptak, którego szukaliśmy! .. Podążyliśmy za nią na taką odległość i okazuje się, że jest tutaj! ..” Tyltil daje synogarlicę dziewczynie z sąsiedztwa, a ona dochodzi do siebie. A sama sąsiadka jest zaskakująco podobna do wróżki Berilyuna! W ten sposób brat i siostra odnajdują prawdziwe szczęście – w dobrych uczynkach, prostych błogosławieństwach i radościach. Oto jak dziecinnie nieskomplikowana „mądrość zstępująca z góry”.

W wielu starożytnych kulturach szczęście przybierało postać ptaka. Trudno go złapać, a jeszcze trudniej utrzymać. Wszystkie niebieskie ptaki, które Tiltil znajdzie, tracą swój magiczny błękit w świetle dnia, a on jest zmuszony kontynuować poszukiwania. „Kolor nieba, kolor niebieski” wzywa bohaterów na trudną drogę. „Jedyny Błękitny Ptak, który wytrzymuje światło dzienne, jeszcze nie złapałeś… Odleciała gdzie indziej… Ale my ją znajdziemy” – mówi Dusza Światła do Tyltila po kolejnej porażce. Kampania Tiltil i jego siostry Mitil dla Błękitnego Ptaka okazuje się poszukiwaniem drogi do siebie, do tego, kim człowiek powinien się stać. A to poszukiwanie nie ma końca. Bo jak powiedział Pitagoras: „Nie goń za szczęściem: ono zawsze jest w tobie”.

„… Jak marzenie dziecka”

To niesamowite, ile wydarzeń wydarzyło się po premierze Błękitnego ptaka w Moskiewskim Teatrze Artystycznym: przedstawienie przetrwało I wojnę światową, rewolucję, wojnę domową, kolektywizację, industrializację, 1937 rok. Co zaskakujące, Stalin to zobaczył i nie zdjął. A potem marksiści jej nie zastrzelili. Niebieski ptak przetrwał drugą wojnę światową, pieriestrojkę, szalone lata dziewięćdziesiąte i pozostał przy życiu.

Chwałę pierwszego przedstawienia podzielali reżyser Konstanty Stanisławski, kompozytor Ilja Sats i artysta Władimir Jegorow, którego scenografia została w dużej mierze przeniesiona nawet do filmu z 1976 roku. Stanisławski nadawał ton przez wiele lat: „Niebieski ptak powinien być naiwny, prosty, lekki, wesoły, wesoły i upiorny, jak marzenie dziecka, a jednocześnie majestatyczny”. Decydując się pokazać dusze i bóstwa innego świata na scenie Moskiewskiego Teatru Artystycznego, wypełnił spektakl niesamowitymi jak na tamte czasy sztuczkami: postacie odłamały palce, które ponownie odrosły; cymbały tańczyły pod osłoną nocy; mleko, chleb, ogień, woda ożywiona.

Reżyser zwrócił szczególną uwagę na kostiumy i charakteryzację, które odegrały ważną rolę w tworzeniu bajecznych obrazów i pozostały niemal niezmienione do dziś. Ludzie w każdym wieku, którzy mieli szczęście zobaczyć to przedstawienie, z wdzięcznością wspominają je przez całe życie. Aktor Aleksiej Batałow twierdzi: „Nigdy w życiu nie widziałem niczego dziecinnego, z wyjątkiem Błękitnego ptaka”. Anonimowy widz napisał kiedyś w księdze gości Moskiewskiego Teatru Artystycznego: „Kiedy wszyscy wokół mówią o zysku, Maurice Maeterlinck odważa się mówić o tym, co ważne. W przeciwnym razie nie możesz oddychać”.

Przy okazji

Maeterlinck zauważył kiedyś: „Zwykle brakuje nam nie samego szczęścia, ale umiejętności bycia szczęśliwym”. I jeszcze jedno: „Ludzkość została stworzona po to, aby być szczęśliwą. Mam nadzieję, że nadejdzie dzień, kiedy wszyscy będą szczęśliwi i mądrzy”. Sam Maeterlinck był szczęśliwy.

Anatolij Korolew, pisarz, specjalnie dla RIA-Novosti.

W dzisiejszych czasach rosyjski teatr świętuje niezwykłą datę - stulecie produkcji sztuki „Błękitny ptak” Konstantina Siergiejewicza Stanisławskiego. Jest to jedyny zachowany do dziś spektakl wystawiony przez wielkiego reformatora na scenie Moskiewskiego Teatru Artystycznego (obecnie spektakl ten wystawiany jest na scenie Moskiewskiego Teatru Artystycznego im. Gorkiego pod dyrekcją T. Doroniny). I choć oczywiście na przestrzeni ostatnich lat inscenizacja bardzo się zmieniła, zaktualizowano scenografię i kostiumy, zmienił się schemat ról, najważniejsze, że w baśni Maeterlincka przetrwała tajemnica, duch produkcja została zachowana. Tak więc z biegiem lat aromat koniaku zostaje zachowany i wzmocniony.

W rzeczywistości mamy cud.

Żadna z pereł Stanisławskiego nie dotarła do nas, ale ten diament przetrwał. Być może tylko jedna „Księżniczka Turandot”, wystawiona w latach 20. XX wieku przez Wachtangowa, może konkurować z arcydziełem Stanisławskiego długością trwania na scenie.

Sekret tak długiego sukcesu ma kilka wskazówek.

Najczęściej Stanisławski był bardzo poważny, próby ciągnęły się latami. Każda scena była testowana setki razy. Reżyser jak jubiler wpatrywał się w scenę, jak w twarz diamentu podczas szlifowania, a potem nagle wielki robotnik zrobił sobie przerwę.

„Od czasu do czasu powinno
Wypij kieliszek Clicquot!”

Dla niego był to – cytuję – „mój odpoczynek, mój żart, który artyście czasem jest potrzebny. Francuska chansonette śpiewa ... (czytaj powyżej).

Po części ta historia przypomina przypadek młodego Stevensona, który przez długi czas nie mógł się podpisać i pisał nudne powieści filozoficzne, których nie mógł dokończyć, i nagle wydawca zaproponował, że napisze mu coś lekkiego, przygodowego, dla nastolatki. Dla chłopców?! drżał Stevenson i wracając do domu, jednym haustem napisał swoje pierwsze arcydzieło, Treasure Island. Dlaczego jednym haustem? Ponieważ uwolnił się od ciężkiego ciężaru początkowych nastawień do poważnego pisania.

Tak więc, decydując się na prawie figle, wypicie szklanki Clicquot, stworzenie sztuki dla dzieci, Stanisławski najpierw postanowił udać się do samego autora, do Maurice'a Maeterlincka we Francji, który mieszkał wtedy 6 godzin od Paryża.

Ja (wspomina Stanisławskiego) szykowałem się do wyjścia po rosyjsku: z mnóstwem paczek i wszelkiego rodzaju prezentów. Napisał wspaniałe powitanie na mankiecie ...

Ale niestety na stacji nikt go nie spotkał, a na peronie nie było ani jednego tragarza, co za grzech. Z naręczem tobołków Stanisławski udał się na parking, na którym tłoczyli się kierowcy. Następnie zażądali od niego biletu, jak to jest w zwyczaju na Zachodzie. Wiązki się rozproszyły. A potem jakiś dzielny kierowca w szarym płaszczu i czapce kierowcy rzucił się po rzeczy. Zapytał po francusku: Monsieur Stanisławski? Wsiadł do samochodu i odjechał z przerażającą prędkością.

Przestraszony tą prędkością Stanisławski siedział bez słowa i już pół godziny później postanowił zapytać kierowcę: jak się czuje Herr Maeterlinck?

Maeterlincka? - wykrzyknął zaskoczony kierowca - Jestem Maeterlinck!

Stanisławski podniósł ręce i obaj śmiali się długo i głośno.

Ta nieoczekiwana nagana stała się wielką literą dla dalszej pracy Stanisławskiego, który zawsze nie mógł bez śmiechu wspominać swojej znajomości z Maeterlinckiem. Uśmiech, ironia i jej wieczni towarzysze - smutek i melancholia - przenikały spektakl.

Puszczając wodze, Stanisławski wykonał zadanie łatwo i naturalnie. Pozwalał nawet aktorom improwizować, podczas gdy on sam skupiał się na wymyślaniu magii. Nie chciał inscenizować tylko bajki dla dzieci, ale zaczął komponować magiczną przypowieść o rozszerzaniu się przestrzeni, o wędrówce dzieci poza granice świata, do tajemnic życia.

Czarny aksamit pomógł mu w tej konfiguracji.

Stanisławski najpierw postanowił wypróbować magię tej tkaniny, która - wystarczy przykryć jakąś rzecz, czy to aktora, kawałkiem czarnego aksamitu - sprawia, że ​​przedmioty stają się niewidzialne. Aksamit nadał scenie wygląd tajemniczej otchłani, która kryje się za zwykłym zestawem przedmiotów: za stołem, za łóżkiem, za balią na ciasto, za ogniem w kominku. wciąż zachowuje czystość diamentu i blask szlifu i oświetla nas magicznymi promieniami.

Premiera odbyła się jesienią 1908 roku.

Scenografem był wspaniały mistrz V. Egorov.

Muzykę skomponował kompozytor I. Sats.

Siostrę i brata, Mitil i Tiltyl, grali A. Koonen i S. Khalyutina.

W rolę Kota wcielił się wielki I. Moskwin. Wiernego i głupiego Psa grał V. Łużski, bujny Chleb - W. Gribunin, kruchy Cukier - A. Gorev, a rolę wróżki zagrała M. Lilina.

Historia odniosła ogromny sukces zarówno wśród dzieci, jak i dorosłych.

Krytyk zauważył, że „łzy ścisnęły serca publiczności”.

Doskonałość dzieła Stanisławskiego z łatwością, bez zmęczenia, z błyskotliwością w duchu Mozarta, zapewniła Błękitnemu Ptakowi to bezprecedensowo długie życie, którego setną rocznicę obchodzi dziś rosyjski teatr.

Opinia autora może nie pokrywać się ze stanowiskiem redakcji