Wpływ repertuaru na proces wychowawczy wspólnego muzykowania. Raport „Priorytety w doborze repertuaru dla studentów Liceum Plastycznego w warunkach współczesnych”

Miejska państwowa instytucja edukacyjna

Dziecięca Szkoła Artystyczna

Sprawozdanie z praktyki zawodowej

„WPŁYW REPERTUARU NA PROCES EDUKACYJNY ZBIOROWEGO TWORZENIA MUZYKI”.

Przygotowany : nauczyciel bajana i akordeonu

Tworzenie muzyki to nie kwestia współzawodnictwa, ale kwestia miłości...

(G. Gould, pianista)

Historia tworzenia muzyki jest tak długa, jak samo istnienie muzyki. W starożytności wierzono w uzdrawiającą moc pięknych dźwięków, które pojawiały się w wyniku lekcji muzyki. To właśnie poszukiwanie harmonii, pierwsze dążenia człowieka do wyrażenia siebie, były próbami grania muzyki. Historia kształtowania się różnych typów muzykowania od starożytności do współczesności ujawnia proces rozwoju tej formy działalności muzycznej od organicznego składnika naturalnego biegu życia, poprzez przynależność do treści edukacji świeckiej, jak refleksję nad ideą postępu społecznego, do rozumienia muzykowania jako strategii pedagogicznej edukacji muzycznej. Istnienie różnych form muzykowania potwierdza wychowawczą moc oddziaływania muzyki na rozwój jednostki i społeczeństwa. Opanowanie tradycji muzykowania ludowego odbywało się bezpośrednio w praktycznych działaniach i polegało na zbiorowym muzykowaniu dorosłych i dzieci. Zespołowe muzykowanie, wspólne zabawy dzieci i dorosłych, ich współtworzenie to tradycyjne formy edukacji. Przy pomocy kolektywnego muzykowania aktywnie zachodzi proces społecznej adaptacji do interakcji w zespole, do podporządkowania własnych zainteresowań wspólnym celom. Zbiorowe muzykowanie instrumentalne jest jedną z najbardziej przystępnych form wprowadzania dziecka w świat muzyki. Kreatywna, zabawowa atmosfera zajęć polega na aktywnym udziale dzieci w procesie uczenia się. Radość i przyjemność wspólnego muzykowania od pierwszych dni nauki muzyki jest kluczem do zainteresowania dziecka tą formą sztuki. Jednocześnie każde dziecko staje się aktywnym członkiem zespołu, niezależnie od poziomu swoich możliwości. To z kolei przyczynia się do luzu psychicznego, swobody i przyjaznej atmosfery w grupie wśród uczniów. Wspólne muzykowanie rozwija takie cechy jak uważność, odpowiedzialność, dyscyplina, celowość, kolektywizm.

Repertuar jest lustrem, w którym widzimy oblicze kolektywu – z profilu iw całej okazałości. Kierownik takiej grupy nieustannie staje przed pytaniem: „Z jakich utworów stworzyć repertuar?”. Od umiejętnego doboru prac zależy wzrost umiejętności zespołu, perspektywy jego rozwoju, wszystko związane z wykonywaniem zadań. Zrozumienie repertuaru pomoże ukształtować światopogląd wykonawców, poszerzyć ich doświadczenie życiowe, dlatego wysoki kunszt i duchowość utworu przeznaczonego do muzyki jest podstawową zasadą przy wyborze repertuaru. Szczególną uwagę należy zwrócić na dobór repertuaru w zespole dziecięcym.

Głównym zadaniem repertuaru jest konsekwentne rozwijanie myślenia muzyczno-figuratywnego członków zespołu, ich zainteresowań twórczych. Jest to możliwe tylko poprzez aktualizację i rozszerzenie materiału muzycznego.

Przede wszystkim rosyjska muzyka ludowa powinna znaleźć się w repertuarze. Pieśń ludowa jest najlepszym sposobem rozwijania podstawowych umiejętności muzycznych uczniów. Takie walory pieśni ludowej jak klarowność układu rytmicznego, powtarzalność drobnych motywów, dwuwiersz i zmienność form czynią z niej niezwykle cenny materiał w edukacji muzycznej uczniów w różnym wieku. Rosyjska muzyka ludowa ze swoimi nieskomplikowanymi obrazami muzycznymi jest zrozumiała i łatwa do zrozumienia. (Wniosek).

Ogromne środki muzyki klasycznej mogą stać się jednym z istotnych źródeł kształtowania repertuaru. Dzieła klasyków rosyjskich i zagranicznych wyróżniają się głęboką treścią i mogą znacząco wzbogacić gust artystyczny uczniów, a także zwiększyć zainteresowanie zajęciami. Classics to sprawdzona w czasie, najlepsza szkoła do edukacji członków zespołu i słuchaczy. Przy wyborze takich utworów należy starannie podejść do jakości oprzyrządowania. Czasami po nieudanej instrumentacji utwory tracą walory artystyczne, a dobrze znana muzyka jest słabo rozpoznawalna ze słuchu. Dlatego tylko wtedy, gdy są nie tylko dobrze opracowane technicznie, ale także oryginalnie i kompetentnie zinterpretowane, można na nie zwrócić uwagę odbiorców. (Wniosek).

Konieczne jest uwzględnienie w pracy z zespołem utworów współczesnych autorów napisanych w stylu muzyki rozrywkowej z wykorzystaniem niestandardowych harmonii, zwrotów melodycznych itp. Utwory takie wywołują u uczniów silny odzew emocjonalny, gdyż mają piękną melodię i oryginalne strukturę harmoniczną, a co najważniejsze, są popularne i słyszalne. (Wniosek).

I nie zapominaj, że zespół może pełnić rolę akompaniatora solisty lub zespołu wokalnego. Wiele utworów zostało napisanych na chór dziecięcy, któremu towarzyszył zespół rosyjskich instrumentów ludowych, zespół instrumentów dętych itp. Te numery są zawsze popularne na koncertach. Publiczność słucha ich z wielką przyjemnością, a członkowie zespołu z zainteresowaniem studiują te utwory, ponieważ partie akompaniamentu są zawsze łatwiejsze do wykonania. (Wniosek).

Utwory wchodzące w skład repertuaru dowolnej grupy muszą charakteryzować się wyrazistością i wyrazistością artystycznych obrazów. W większym stopniu te wymagania spełniają utwory tworzone przez kompozytorów specjalnie pod konkretne kompozycje instrumentalne: ARNI czyli zespół bajanistów i akordeonistów, orkiestra dęta lub zespół skrzypków.

Zasady doboru repertuaru.

Przy wyborze repertuaru warto kierować się zaproponowanymi kryteriami. Praca „… musi być artystyczna i ekscytująca…, musi być odpowiednia pedagogicznie (to znaczy uczyć czegoś niezbędnego i pożytecznego) i musi pełnić określoną rolę edukacyjną”. Na początkowym etapie pracy z zespołem, gdy uczestnicy opanują podstawy gry na instrumencie, rozwiną umiejętności gry zespołowej, gdy nawiąże się bliskie porozumienie między uczestnikami a prowadzącym, konieczne jest rozwiązanie problemu repertuar edukacyjny. Profesjonalizm prowadzącego wyraża się w umiejętnym rozmieszczeniu głosów pomiędzy instrumentami, co przyczynia się do rozwoju ucha melodycznego uczestników, umiejętności czytania a vista, a co najważniejsze zaspokaja potrzebę szybkiego, bez wysiłku opanowania instrumentu. Często uczeń chce „po prostu nauczyć się grać na instrumencie”, nauczyciel uczy go „słuchać dźwięków”, „czytać nuty”, „dołączać”, „rozwijać”, „wychowywać”, zgodnie z ustalonymi tradycjami pedagogicznymi, iw rezultacie często oddzielają ucznia od ukochanego niegdyś instrumentu.

Niezbędnym wymogiem dla wykonywanego repertuaru jest jego dostępność. Gdy repertuar będzie odpowiadał charakterystyce wiekowej grupy, wówczas zajęcia będą owocne i ciekawe, a uczniom przyczyni się to do efektywnego rozwoju artystycznego i twórczego. Repertuar musi być dostępny do wykonania. Prace dobierane są z uwzględnieniem możliwości technicznych uczniów, umiejętności wykonawczych nabytych na tym etapie kształcenia. Każdy członek zespołu zobowiązany jest do perfekcyjnego opanowania przydzielonej mu partii. Prace powinny być dostępne i objętościowe. Ważny jest wybór takich prac, które byłyby dostępne nie tylko pod względem trudności fakturalnych i technicznych, ale przede wszystkim pod względem treści. Oznacza to, że forma artystyczna utworu muzycznego nie powinna być skomplikowana.

Kolejnym warunkiem prawidłowego doboru repertuaru muzycznego jest jego pedagogiczna wykonalność, tj. musi przyczyniać się do rozwiązania określonych zadań edukacyjnych, spełniać wymagania metodyczne na określonych etapach kształcenia muzycznego uczniów. Repertuar wykonywany przez zespół powinien rozwijać umiejętności wykonawcze i umiejętności gry zespołowej. A ponieważ na tym samym rodzaju materiału nie można nabyć różnych umiejętności, w programie edukacyjnym (wykonawczym) uwzględnione są utwory o różnorodnym charakterze. Działa więc zasada wszechstronności. Jest to również bardzo ważne dla edukacji muzycznej i estetycznej grupy, ponieważ dzieła sztuki różniące się cechami gatunkowymi, treściowymi i stylistycznymi umożliwiają wszechstronny rozwój muzyczny uczniów.

Następną zasadą prawidłowego tworzenia repertuaru jest zasada interesu. Przy wyborze muzyki ważne jest, aby wziąć pod uwagę preferencje uczniów. Kiedy wykonywana praca budzi zainteresowanie dzieci, rozwiązanie zadań wychowawczych i wychowawczych jest znacznie ułatwione. Treść utworów muzycznych powinna wyróżniać się jasnością obrazów muzycznych. Prowadzący musi stale podtrzymywać zainteresowanie wykonywanymi pracami, wyznaczając członkom zespołu dziecięcego nowe zadania artystyczne, wykonawcze i poznawcze.

Przy doborze repertuaru jest to równie ważne stopniowe komplikacje, zgodnie z rozwojem technicznym uczniów. Niesystematyczny dobór utworów muzycznych niekorzystnie wpływa na rozwój muzyczny dzieci, osłabia zainteresowanie zajęciami i tłumi je. Droga od prostych do złożonych to główna zasada wprowadzania uczniów w sztukę muzyczną. Złożoność prac, których uczy się zespół, wzrasta stopniowo i konsekwentnie, co ostatecznie prowadzi do wzrostu poziomu wykonania zespołu.

Tak więc problem repertuaru zawsze był fundamentalny w twórczości artystycznej. Repertuar, jako zespół utworów wykonywanych przez zespół muzyczny, stanowi podstawę jego działalności, przyczynia się do rozwoju aktywności twórczej uczestników, pozostaje w ciągłym powiązaniu z różnymi formami i etapami pracy, niezależnie od tego, czy jest to próba lub koncert, początek lub szczyt twórczej drogi grupy. Repertuar wpływa na cały proces edukacyjny, na jego podstawie gromadzona jest wiedza muzyczna i teoretyczna, rozwijane są umiejętności gry zespołowej, kształtuje się kierownictwo artystyczno-wykonawcze zespołu. Ogólnie rzecz biorąc, każdy zespół z czasem rozwija pewien kierunek repertuarowy, bagaż repertuarowy się gromadzi. Osiągnąwszy pewne wyżyny, zespół kreatywny szuka gruntu pod swój rozwój w bardziej złożonym repertuarze. W tym sensie repertuar musi zawsze być ukierunkowany na przyszłość, zawsze musi być w pewnym sensie przezwyciężany.

Wniosek

1. A. Greczaninow - opr. R. np. „Pójdę, wyjdę”

2. A. Laposzko - opr. R. np. „Kalinka” – potpuri na tematy pieśni ludowych,

3. V. Chunin - aranżacja instrumentalna. R. np. „Kamarinskaja”

Edukacja muzyczna Mikołajowa: starożytna Ruś: koniec X - połowa XVII wieku: podręcznik . M., 2003.

Kabalewskiego zasady i metody programu muzycznego dla szkoły ogólnokształcącej. Program. - M., 1980. - S. 16

Zvibel V. Muzykowanie jako metoda opanowania gry na fortepianie. – Karelia, 1994.

Wydaje mi się, że jedną z najważniejszych kwestii dla ucznia do gry na instrumencie muzycznym jest utrzymanie i utrzymanie własnej motywacji. Na samym początku treningu zwykle nie ma z tym problemów – motywacji jest aż nadto, ale czas mija, a ona gdzieś zaczyna odparowywać. Nie wierzę, że bez motywacji możesz kontynuować praktykę przez długi czas - wszystko, w taki czy inny sposób, utknie w martwym punkcie. Daleko nie zajedziesz dyscypliną martineta i zmuszaniem się. Spoglądając wstecz na całe moje własne doświadczenie na przestrzeni dziesięcioleci, postaram się przeanalizować problemy z motywacją, które konkretnie spotkałem. A więc przyczyny zaniku motywacji jakie ja napotkałem:

1. „Mam cię!” To powód dla dzieci, pierwszy, z którym się spotkałem. Kiedy głupie ułożenie procesu uczenia się ze strony dorosłych w obliczu szkoły muzycznej zniechęca do jakiejkolwiek chęci do nauki. Nieudany dobór repertuaru, irytacja koniecznością chodzenia do jakiegoś chóru. Ogólnie rzecz biorąc, wszystko jest w jakiś sposób kpiące, mdłe, nieszczere, półoficjalne. Może dla dzieci o określonej psychice i szczególnym upodobaniu do muzyki klasycznej to działa, ale dla mnie, który później preferowałem kanciasty jazz w przeciwieństwie do zaokrąglonych współbrzmień muzyki klasycznej, zaczęło się to zamieniać w mąkę.
Decyzja: Najprawdopodobniej decyzja należy wyłącznie do rodziców, a nie do najmniejszego ucznia. Rodzice powinni zwracać uwagę na adekwatność procesu uczenia się do nastroju i skłonności dziecka. Nie można zaprzeczyć, że pewien przymus może być konieczny, podobnie jak należy kontrolować pracę domową w szkole ogólnokształcącej, ale nie posuwaj się za daleko.

2. Fizyczny brak regularnego dostępu do instrumentu. Doświadczyłem tego podczas studiów w instytucie, kiedy mieszkałem w hostelu. Rzadkie okazje do gry na pianinie na scenie w pustej auli nie stwarzały żadnej motywacji do nauki.
Rozwiązanie: Za moich czasów nie było elektronicznych klawiszy muzycznych, ale teraz moim zdaniem nie jest żadnym problemem zdobyć przynajmniej tanią klawiaturę i ćwiczyć ze słuchawkami. Byłby na to czas.

3. Błędy metodyczne w szkoleniu. Zły sposób opanowania techniki wbija pysk w twardą ceglaną ścianę: brak postępów, ręce poobijane, nie ma żadnej przyjemności z gry. Tak się złożyło, że w to wszedłem. Po studiach w instytucie miałem instrument akustyczny, nie byłem obciążony rodziną, więc miałem trochę wolnego czasu. Ale samokształcenie nie było szczególnie udane: spuchnięte zwoje nerwowe obu rąk, niemuzyczna płaska gra, Ganon i brak jakiejkolwiek literatury metodycznej lub nauczyciela. Przez kilka lat całe pragnienie wygasło.
Rozwiązanie: Pierwszą rzeczą, którą należy sobie uświadomić w przypadku tego rodzaju utraty motywacji, jest to, że to twoje własne złe zachowanie doprowadziło do tej sytuacji. Pycha, pośpiech, brak nauczyciela, niechęć do myślenia i analizowania. „Ostrożnie, BARDZIEJ ostrożnie, chłopaki”, jak powiedział Żvanetsky. Oznacza to, że musisz zrobić krok w tył, być może przerwać trening na kilka miesięcy i zacząć od nowa bardzo ostrożnie i rozważnie, kontrolując każdy krok, każdy niepokojący niuans. Tak naprawdę postawa wobec siebie powinna być taka, jak u osoby, która była chora i która powinna powoli zacząć zdrowieć. Ostrożność powinna być jeszcze większa niż u „zdrowej” osoby, która dopiero zaczyna się uczyć. „Medyczna” kontrola procesu uczenia się, terminowa identyfikacja istniejących problemów, zaangażowanie nauczyciela w tworzenie informacji zwrotnej.

4. Niewłaściwe narzędzie. Po skutecznym wygaszeniu motywacji metodą nr 3, nagle wróciłem do muzyki wraz z pojawieniem się pierwszych syntezatorów na rynku. Te zabawki pobudzały umysł i wyobraźnię i były bardzo pomocne w rozbudzaniu mojego zainteresowania nauką muzyki. Pod wieloma względami jestem bardzo wdzięczny tym syntezatorom. Były one jednak również ograniczone. Po przebudzeniu ze snu spędziłem kilka lat robiąc zestaw kompozycji i nagrywając wielościeżkowo, ale nawet tutaj natrafiłem na ścianę. Po części ściana była tego samego rodzaju co w przypadku nr 3, ale dodano jeszcze niedoskonałość mechaniki instrumentu. Syntezator bawełniano-miękkiej dzianiny nie pozwolił na rozwinięcie techniki gry utworów klasycznych. Nie do końca zdawałem sobie z tego sprawę (był to jeszcze XX wiek, prawie nie było internetu i książek), przez co znowu wszystko się popsuło. Teraz wydaje mi się, że potrafię całkiem jasno wskazać przyczynę wygaśnięcia motywacji w tamtym okresie – niewłaściwą mechanikę i brzmienie instrumentu.
Rozwiązanie: Nie przegap momentu, w którym musisz przejść od zabawkowego instrumentu do prawdziwego instrumentu muzycznego.

5. Nie ma dla kogo grać. Moim zdaniem ten powód zaniku motywacji jest mniejszy niż poprzednie, ale mimo to istnieje. Jest to bliższe typowi napadów ogólnej depresji życiowej: nie ma potrzeby żyć, nikt mnie nie kocha, jestem zmęczony pracą itp. Nawet przy pojawieniu się pewnego poziomu umiejętności w grze absolutne „szczęście” nie występuje. Nie chcę już być „szlachcianką z filaru”, ale chcę zostać „królową” jak w „Rybaku i rybie”. Wydaje się jednak, że kończą się możliwości rewolucyjnych skoków rozwojowych. Dla jednej ukochanej gra staje się nudna, a przy takim poziomie amatorskiej gry nie ma się gdzie potknąć. Tak, i nie słuchałbym siebie, gdybym był outsiderem w stosunku do siebie.)) Wokół jest tyle wysokiej jakości muzyki, po co słuchać muzyki pięciostopniowej!
Rozwiązanie: Ta sama uniwersalna pigułka, która jest używana do tworzenia pozytywnego nastawienia do życia – regularnie „kup w aptece i pij”. A muzyk-amator zawsze ma techniczne możliwości publicznego grania. Dotknąłem niektórych w magazynie, ale myślę, że każdy ma swoje własne i specyficzne, wystarczy zauważyć.

Nie wspomniałem tu o czymś takim jak „ogólne zaniedbanie” długotrwałej nauki i nieumiejętność skupienia się na celu, bo nie uważam się za niedbałego))) Również w moim układzie odniesienia nie ma takiego powodu jak utrata motywacji z powodu do ograniczeń wiekowych. Nie rozumiem tego. Mówimy o motywacji, a nie o bezwzględnych wskaźnikach, prawda?

Obecnie dzieci przyjmowane są do szkoły muzycznej bez egzaminów wstępnych, zorganizowano zajęcia przygotowawcze dla małych dzieci (3-5 lat), wyodrębniono wiele utworów z programu repertuarowego, wprowadzono nowe specjalności, itp. Na tle innowacji, które miały miejsce, pragnę zwrócić szczególną uwagę na potrzebę znalezienia pomocy metodycznych, które mogą ułatwić proces oswajania się z muzyką i doskonalenia umiejętności gry na akordeonie dziecku z najbardziej zwykłe dane. Często dochodzi do sytuacji, gdy przy ogólnie przyjętym podejściu do nauki zapisu nutowego dzieci tracą chęć do nauki muzyki.

Z punktu widzenia psychologów cała różnorodność ludzkiej aktywności sprowadza się do trzech głównych typów – zabawy, nauki i pracy. Wiodącym z nich jest ten, podczas którego następuje główny rozwój funkcji i zdolności psychicznych w danym okresie. Tak więc dla przedszkolaków wiodącą czynnością jest gra. To podczas gry dziecko rozwija uwagę, wyobraźnię, kontrolę swojego zachowania. Jeśli dziecko w wieku 5-6 lat jest pozbawione zabawy iw pełni włączone w aktywność zawodową, może to prowadzić do opóźnienia jego rozwoju lub rozwoju jednostronnego.

Dla dzieci w wieku szkolnym nauka staje się wiodącą czynnością. Ale nadal grają dużo i chętnie. Przy wejściu do szkoły następuje zmiana wiodącego rodzaju zajęć. Zabawa ustępuje miejsca nauce. Oznacza to, że dziecko, które nie chce się uczyć, stawia opór i protesty przeciwko zmianie wiodącej aktywności. Musimy zrozumieć dziecko, wejść w jego sytuację. Zrozum, dlaczego nie chce się uczyć. Bo to dla niego trudne, nie do końca jasne, mało interesujące.

Jak sprawić, by lekcje gry na akordeonie były ciekawe i przyjemne? Sprzyjać temu może to, co rozbudza wyobraźnię – materiał muzyczny, rysunek, teksty, utwory współczesnego repertuaru. Rodzice mogą również odgrywać dużą rolę w pomaganiu dziecku w domu.

Wybierając repertuar, należy wziąć pod uwagę nie tylko zadania wykonawcze i muzyczne, ale także cechy charakteru dziecka: jego intelekt, artyzm, temperament, cechy duchowe, skłonności. Jeśli apatycznemu i powolnemu dziecku zaoferuje się emocjonującą i poruszającą zabawę, trudno oczekiwać sukcesu. Jednak

takie rzeczy warto z nim grać na lekcji, ale spokojniejsze lepiej zabrać na koncert. I odwrotnie: bardziej powściągliwe, filozoficzne dzieła należy polecać ruchliwym i pobudliwym.

Konieczne jest wspieranie chęci dzieci do grania tego lub innego utworu, nawet jeśli nie odpowiada to poziomowi ich rozwoju muzycznego i możliwości technicznych. Jeśli uczeń chce zagrać jakąś pracę, to znaczy, że odpowiada ona jego stanowi emocjonalnemu. Oczywiste jest, że takich utworów nie trzeba studiować w klasie, a tym bardziej przygotowywać się do koncertu. Ale trzeba dać wolność wyboru. Wysoki poziom repertuarowy zachęca do twórczego poszukiwania artystycznych obrazów. A szary repertuar, który nie odpowiada poziomowi inteligencji, zmniejsza chęć muzykowania.

W ostatnim czasie wzrosło zainteresowanie muzyką pop, popularną wykonywaną na instrumentach akademickich (skrzypce, akordeon guzikowy, akordeon, zespoły różnych kompozycji) aż po fonogram. Bayan i akordeon otworzyli się z nowej strony, o czym świadczą występy P. Drangi, V. Kovtuna, duetu „Bayan - mix” itp. Służyło to popularyzacji instrumentów. Zainteresowanie ze strony dzieci i rodziców tłumaczy się tym, że przychodzą do szkoły muzycznej w klasie bajana i akordeonu, aby grać jak wielcy artyści. Dlatego w miarę możliwości należy dobrać interesujący repertuar.

Dlaczego dzieci lubią wykonywać utwory do fonogramu. Bo brzmią jaśniej, bardziej soczyście. Każdy utwór zamienia się w jasny numer koncertowy, grający na instrumencie z towarzyszeniem własnej popowej orkiestry.

Dlaczego wykonanie fonogramu jest nowoczesne? Współcześnie z ekranów telewizorów słyszymy w zasadzie tylko wykonania popowe, stąd wynika, że ​​słuchacz jest z nim obeznany i łatwiej go dostrzec.

Proces nauki gry na fonogramie składa się z kilku etapów. Teraz rozważymy każdy etap osobno:

Pierwszy etap - nauka gry w zespole (repertuar składa się z prostych utworów, nawet na jedną nutę).

Najpoważniejszym problemem w grze zespołowej, w tym do fonogramu, jest synchroniczność dźwięku, czyli dokładna zbieżność czasowa mocnych i słabych uderzeń taktu, wszystkich czasów trwania członków zespołu. Z reguły w grupie wykonawca pierwszej części skinieniem głowy wskazuje początek utworu, zwalnia, usuwa akord, kończy

Pracuje. Grając do fonogramu, uczeń musi być maksymalnie skoncentrowany, ponieważ konieczne jest dokładne dopasowanie nagranego akompaniamentu. Konieczne jest kontrolowanie gry, nie dopuszczając do rozbieżności z fonogramem.

Ten rodzaj pracy pozwala na rozwinięcie samodzielności, ponieważ pracy można nauczyć się w domu, a nie tylko na zajęciach z nauczycielem.

Przykładem powyższego materiału są utwory R. Bazhilina z albumu utworów dla klas pierwszych dziecięcej szkoły muzycznej „Nauka gry na akordeonie” – Jednym z ważnych elementów gry jest rytm metra. To on pozwala uczniowi na grę zsynchronizowaną z nagraniem. Jeśli rytm metra zostanie naruszony, cały spektakl się załamuje. Również rytm metra przyczynia się do rozwoju technicznego ucznia.

Druga faza - grając do fonogramu (solo), repertuar staje się bardziej skomplikowany.

1. Repertuar na tym etapie jest inny. W ostatnich latach pojawił się odpowiedni repertuar (R. Bazhilin „Nauka gry na akordeonie” część 2; A. Novoselov „Gra z przyjemnością”; Y. Shaderkin „W nowoczesnych rytmach”). Taki repertuar niewątpliwie uzupełnia i poszerza treści edukacji muzycznej, przyczynia się do aktywizacji procesu edukacyjnego. Grając przy takim akompaniamencie młody muzyk w początkowej fazie będzie mógł poczuć się jak mały artysta, a to pobudzi jego naukę gry na instrumencie.

Przykładowy repertuar:

Podczas występu uczeń otrzymuje określone zadania:

Dokładność tempa, rytmu

Obrysy muszą pasować do charakteru pracy

Dynamiczne odcienie nie powinny kolidować ze ścieżką dźwiękową, ale powinny być wyraziste.

Trzeci etap - nauka gry na fonogramie unisono lub zespołowo (unisono to złożona, ciekawa i niezasłużenie zapomniana forma nauki gry na akordeonie guzikowym, akordeonie, gdy kilka instrumentów gra tę samą melodię).

Grając w zespole, każdy uczestnik może jednocześnie uczyć się swojej partii jako partner iw miarę postępów pracować nad poszczególnymi częściami utworu.

Ucząc się utworu z fonogramem, trzeba już znać grę tekstu w odpowiednim tempie, z dynamicznymi odcieniami i kreskami.

W prezentacji ważne jest tempo. To właśnie odpowiednie tempo przyczynia się do dokładnego oddania charakteru muzyki. Uczeń musi jasno zrozumieć, w jakim tempie może grać, uderzać we właściwe tempo, kontrolować

swoją grę, unikając rozbieżności z partnerem w zespole oraz z fonogramem.

Dlaczego musisz grać razem ze ścieżką dźwiękową?

Granie do fonogramu znacznie poszerza horyzonty muzyczne uczniów, rozwija umiejętność słuchania i słyszenia nagranego akompaniamentu. Ten rodzaj występu angażuje ucznia w aktywną formę muzykowania. W końcu wykonując najprostsze melodie dzieci włączają się w proces twórczy. Odtwarzanie fonogramu powinno odbywać się przez cały czas nauki w szkole.

Granie na fonogramie wykształca u wykonawcy szereg cennych cech zawodowych: dyscyplinę rytmiczną, wyczucie tempa, przyczynia się do rozwoju muzykalności, ekspresji wykonawczej, słuchu.

Taki sposób wykonania sprawia uczniom prawdziwą przyjemność i przynosi niezaprzeczalne korzyści, wyzwala, uwalnia od sztywności, lęku przed wystąpieniami publicznymi.

Dla każdego nauczyciela ważne jest, aby zniewolić małych muzyków, ponieważ grając do ścieżki dźwiękowej, czuje się jak prawdziwy artysta, grając w towarzystwie całego zespołu.

Ten rodzaj pracy rozwija zdolności twórcze, pomaga położyć podwaliny pod uwagę słuchową, rozwój słuchu harmonicznego, sprzyja dyscyplinie rytmicznej, rozwija samodzielność.

W wychowaniu muzyka – przyszłego wykonawcy i pedagoga, w kształtowaniu jego indywidualności twórczej i doskonaleniu warsztatu decydującą rolę w procesie uczenia się odgrywa repertuar, nad którym pracuje. Na osobowość muzyka składają się wzajemnie powiązane rozwijające się komponenty: gust artystyczny, sposób myślenia, struktura emocjonalna, umiejętności techniczne. I naturalnie, im szerszy wachlarz obrazów muzycznych, tym bardziej zróżnicowane cechy stylistyczne, język wykonywanych utworów, wreszcie im głębsze ich studiowanie, tym więcej warunków do wszechstronnego rozwoju przyszłego muzyka.

Repertuar chóralny jako podstawowy czynnik kształtowania kultury muzycznej studentów

Kozyreva IV, Romanova NG, Migunova MG

Dobór repertuaru to złożone, wieloaspektowe zadanie dla dyrygenta chóru. Lider musi jasno reprezentować możliwości artystyczne i wykonawcze kierowanego przez siebie zespołu. Małe doświadczenie w pracy z chórem często nie pozwala liderowi poprawnie określić, co chór może wykonać na odpowiednim poziomie wykonawczym, a co nie jest jeszcze dla niego dostępne. Właściwy dobór repertuaru zależy również od znajomości literatury muzycznej przez prowadzącego. Im głębsza i szersza ta wiedza, tym większe możliwości dla szefa zespołu na dobór odpowiedniego i ciekawego repertuaru. Dociekliwość i twórcza chęć studiowania literatury muzycznej różnych epok i narodów jest warunkiem koniecznym udanej pracy z zespołem.

Repertuar to najważniejsza kwestia w życiu zespołu kreatywnego. Repertuar to jego twarz, wizytówka. Nawet nie słysząc chóru, ale znając jego repertuar, można do pewnego stopnia trafnie ocenić twórcze oblicze kolektywu, jego pozycje estetyczne i moralne, możliwości wykonawcze.

Umiejętnie dobrany, wysoce artystyczny repertuar zapewnia chórowi aktywne twórcze życie, stale doskonaląc jego umiejętności wykonawcze w ogóle, a każdego z wykonawców w szczególności. A wręcz przeciwnie, losowo skomponowany repertuar prowadzi najczęściej do poważnych konsekwencji – rozpadu chóru. Dlatego polityka repertuarowa powinna być starannie przemyślana przez lidera, zwłaszcza w pierwszym okresie istnienia kolektywu.

Repertuar zapewnia pełnoprawny rozwój muzyczny każdego członka chóru, ale jednocześnie nie tylko poprawia kulturę muzyczną dzieci, ale także w znacznym stopniu przyczynia się do ich wychowania moralnego i estetycznego, kształtuje gusta i poglądy, wzmacnia poczucie miłości do ojczyzny i ludzi, zwiększa odpowiedzialność wobec zespołu i współpracowników.

W trakcie lekcji muzyki młodsi uczniowie aktywnie rozwijają zdolności muzyczne, gust artystyczny. Równocześnie wykształcają się ustabilizowane zainteresowania muzyczne i wokalne, rozwija się pamięć, aktywność, zdolność do pracy, umiejętność organizacji siebie, swojego czasu, umiejętność komunikowania się z grupą rówieśników. Jest to kształtowanie gotowości do aktywności muzycznej.

Na ukształtowaną gotowość do działalności muzycznej składają się: po pierwsze, orientacja na działalność orkiestrową, na którą składają się: a) motywacja; b) doświadczanie poczucia radości, satysfakcji, c) przejaw twórczego podejścia; d) świadomość społecznego i osobistego znaczenia występów chóralnych. Wymienione główne składowe struktury pokazują, że gotowość do aktywności muzycznej nie jest odrębną cechą osoby, ale połączeniem wielu aspektów chóralnego wykonawstwa.

Kształtowanie się gotowości do aktywności muzycznej zależy nie tylko od składowych struktury gotowości, tj. od wewnętrznej treści „mechanizmu” samej gotowości, ale także od czynników zewnętrznych. Należą do nich: organizacja zajęć chóralnych, dyscyplina w zespole, umiejętności nauczyciela, repertuar chóralny itp.

Jednym z głównych zadań przy opracowywaniu repertuaru jest znalezienie takich dzieł muzycznych, które przyczynią się do kultywowania gustu artystycznego wykonawców i słuchaczy, tj. do pracy z chórem należy wybrać muzykę prawdziwie artystyczną. Należy pamiętać, że muzyka niesie ze sobą równość treści słownej i muzycznej, dlatego nie tylko tekst muzyczny, ale i literacki powinien być prawdziwie artystyczny.

Jednym z głównych kryteriów doboru repertuaru jest zasada dostępności, dlatego przy opracowywaniu repertuaru bezwzględnie należy wziąć pod uwagę skład ilościowy chóru oraz jego stan jakościowy. repertuar jest stopniową komplikacją repertuaru. Muszę powiedzieć, że dość często niedoświadczeni menedżerowie nie uwzględniają tej zasady w swojej pracy. Wykonywanie zbyt skomplikowanych utworów, pogoń za popularnym repertuarem przy braku niezbędnych umiejętności prowadzi do utrwalania błędów, wychowuje niewłaściwe umiejętności.

Wraz z tym, w wyniku każdego zespołu chóralnego, w tym chóru dziecięcego, konieczne jest posiadanie utworów stwarzających pewną trudność w nauce i występowaniu w tym chórze (czyli takich trudności, które można pokonać w procesie pracy). Bardziej złożone prace stymulują działania chóru, sprawiają, że uczestnicy maksymalnie ujawniają swoje możliwości, a ostatecznie kolektyw, poznawszy złożoną pracę w swoim rozwoju, robi „krok naprzód”. Zasada ta jest zasadą budowania nauki na wysokim poziomie trudności. Jednak niemożliwe jest budowanie wszystkich działań kolektywu tylko na złożonych utworach, w przeciwnym razie ta metoda przyniesie kolektywowi więcej szkody niż pożytku: po pierwsze, praca tylko nad złożonym repertuarem będzie wymagała stałego maksymalnego wysiłku słuchu, uwagi, głosu, co z pewnością doprowadzi do nadmiernego zmęczenia chórzystów: po drugie, zainteresowanie zajęciami muzycznymi. Stopniowo będzie zanikać, ponieważ uczniowie, nie osiągając pożądanych rezultatów, swoich „małych szczytów”, nie będą mieli pełnej satysfakcji ze swoich zajęć. Dlatego repertuar chóralny musi koniecznie zawierać utwory, które nie są bardzo trudne do wykonania dla tego zespołu.

Repertuar chóralny powinien być ciekawy, wieloaspektowy, zróżnicowany pod względem charakteru, melodii, rytmu, tempa, prezentacji, stylu, harmonii itp. Nie wolno nam zapominać, że dzieci przychodzą nie tylko po to, aby się uczyć, ale także czerpać satysfakcję z zajęć.

Repertuar każdego chóru musi obejmować pieśni ludowe, utwory klasyczne, muzykę współczesną (utwory autorów radzieckich i zagranicznych).

Wartość pieśni ludowej jest trudna do przecenienia, ponieważ pieśń ludowa ze swoim niesamowitym rytmem metrowym jest najlepszym materiałem artystycznym i edukacyjnym. Rosyjska pieśń ludowa jest wyjątkowo cennym materiałem do pracy wokalnej: śpiewanie melodyjnych, szerokich melodii na jednej samogłosce wymaga głębokiego, pełnego oddechu. Równolegle rozwija się cały aparat śpiewaczy, słuch muzyczny, umiejętność posługiwania się oddechem, umiejętność improwizacji, samodzielność w interpretacji utworów.

Rosyjska pieśń ludowa jest doskonałym materiałem do rozwijania umiejętności śpiewania capp e lla . Współcześni kompozytorzy piszą niewiele piosenek a cappella do wykonania przez orkiestry w wieku szkolnym, a rosyjska pieśń ludowa jest jej niewyczerpanym źródłem.Konieczne jest wykonywanie nie tylko rosyjskich pieśni ludowych, ale także pieśni innych narodów. Oryginalność pieśni ludów Rosji i pieśni krajów świata niezwykle wzbogaci horyzonty i muzyczne pomysły uczniów. Repertuar powinien zawierać te aranżacje pieśni ludowych, które są wykonane na wysokim poziomie profesjonalnym. Ogromną wartość mają wspaniałe adaptacje kompozytorów rosyjskich: N. A. Rimskiego-Korsakowa, A. K. Lyadova, A. T. Greczaninowa, P. I. Czajkowskiego, którzy weszli do skarbca wykonawstwa muzycznego.

O tym, że w repertuarze chóru muszą znaleźć się dzieła współczesnych kompozytorów, chyba nie warto dużo mówić, zwłaszcza że w tym przypadku mówimy o wieku szkolnym. Współcześni uczniowie śpiewają muzykę współczesnych kompozytorów - to naturalne. Problem jest inny: współcześni kompozytorzy często stosują w swoich kompozycjach nowe techniki melodii, harmonii, rytmu i faktury. Opanowanie współczesnego języka muzycznego jest pewną trudnością, której głównym powodem jest inercja naszego muzycznego myślenia, wychowanego na muzyce. XIX wiek.

Tym samym problem repertuaru jest jednym z głównych zagadnień w pracy chóru. Wszystkie procesy edukacyjne, pedagogiczne, twórcze są bezpośrednio zależne od repertuaru. Właściwie dobrany repertuar, nauka i wykonywanie utworów, cały ten proces jako całość przyczynia się do przejawiania upodobań, orientacji uczniów na śpiew chóralny, rozwija i pobudza zdolności uczniów do aktywności muzycznej oraz jest kryterium twórczego rozwoju zespołu w oparciu o szkolenie praktyczne – doświadczenie, tj. kształtuje gotowość uczniów do aktywności muzycznej.

Bibliografia

1. Osenneva N.S., Samarin V.A., Ukolova L.I. Metody pracy z dziecięcym zespołem wokalno-chóralnym. - M.: 1999 -221 s.

2. Sokolov V. Praca z chórem. - Wyd.2. - M.: „Muzyka”, 1983.

3. Struve GA Szkolny chór. M.: „Muzyka”, - 1981.

4. Tevlina V.K. Praca wokalna i chóralna. sob. „Edukacja muzyczna w szkole”, zeszyt 15.-M.: „Muzyka”, 1982.