Netsuke(japoński 根付 netsuke) - mała symboliczna rzeźba. Wykonany jest głównie z kości słoniowej lub drewna. W starożytności Japończycy używali netsuke do przypinania kluczy, torebki do pasa od kimona, ale również netsuke służyło również jako ozdoba ubrania.

W Japonii pierwsze netsuke pojawiają się w drugiej połowie XVI - na początku XVII wieku.

Netsuke sashi przedstawiający Jezusa Chrystusa, kość słoniowa, XVII wiek

Netsuke był używany jako wiszący brelok do tradycyjnych japońskich ubrań, kimona i kosode (帯 鉗), które były pozbawione kieszeni.

Drobne przedmioty, takie jak woreczek czy klucz, umieszczano w specjalnych pojemnikach (zwanych sagemono (下げ物). Pojemniki mogły mieć formę woreczków lub małych wiklinowych koszyczków, ale najpopularniejsze były szuflady (inro), które zamykano na koralik który ślizgał się po sznurku ( ojime ).

Netsuke trzymający inro na obi

Inro były przymocowane do pasa kimonowego (obi) za pomocą sznurka. Zawiązano go w pierścień, złożono na pół i przeciągnięto przez pas. Netsuke został przymocowany do jednego z końców powstałej pętli. Węzeł sznurka był ukryty w jednym z dwóch himotoshi(紐解) - otwory netsuke połączone zaworem przelotowym. Tym samym netsuke służył zarówno jako swego rodzaju przeciwwaga, jak i elegancka ozdoba ubioru.

Netsuke dołączony do inro, grawerowany przez Katsushika Hokusai

Netsuke po prawej

Niektórzy utożsamiają netsuke z okimono, ale nie jest to konieczne. Netsuke i okimono są bardzo podobne, ale pod względem celu i symboliki są to zupełnie różne postacie.

Okimono- Są to figurki służące do dekoracji i dekoracji wnętrz. Te figurki mogą być wykonane z dowolnego materiału i nie mają żadnego wpływu na losy człowieka, w przeciwieństwie do netsuke.

Od czasów starożytnych netsuke różniło się typologią i formami. Ta sama różnica netsuke została zachowana do dziś.

Liczby i typy netsuke

Katabori (形彫) - dla wielu jest to najbardziej znany i znany rodzaj netsuke. Małe rzeźby przedstawiające zwierzęta i ludzi, grupy wielopostaciowe. Gatunek ten był popularny w XVIII - XIX wieku.

katabori

Anabori (穴彫) - podgrupa katabori. Te netsuke zostały wykonane z muszli, wewnątrz której tworzono historie.

anabori

Sasi (差) - Ta forma netsuke jest jedną z najstarszych form. Te netsuke są wykonane w formie paska z oczkiem na koronkę. Mogły być wykonane z różnych materiałów, ale najczęściej były wykonane z drewna. Sposób użycia tego typu netsuke różnił się od innych.

Jeśli jako przeciwwagi używano katabori, manji i innych, to sashi wpinano do pasa w taki sposób, aby otwór znajdował się na dole, a portfel, klucze itp. zawieszano na przechodzącym przez niego sznurku. górna część paska.

Zwykle sashi jest uważane za jedną z form netsuke, ale według niektórych badaczy jest to modyfikacja rękojeści miecza, do której zawieszono worek krzemienia i krzemienia.

Inną bliską analogią sashi jest adaptacja obi - hasami wynaleziony w Chinach. W zasadzie jest podobny do sashi, ma haczyk na górze, ale zamiast dziurki na obi-khasami u dołu znajduje się małe okrągłe zgrubienie, do którego zawiązywano element użytkowy.

Pierwsze netsuke sashi przetrwały do ​​dziś w bardzo małych ilościach. Ponadto pierwsze sashi netsuke są trudne do odróżnienia obi-khasami. Później, w okresie rozwiniętej sztuki netsuke, forma sashi była prawdopodobnie postrzegana jako archaiczna i niezbyt często używana.

Sasi

Maska (面 główny) - zmniejszona kopia maski Noo. Największa grupa netsuke. Maska swoimi właściwościami bardzo przypomina rodzaj katabori.

maska

Manju (饅頭) - te netsuke były wykonane z kości słoniowej i miały kształt koła. Czasami manju składało się z dwóch półkoli. Czasami składa się z dwóch połówek. Wizerunek nadawany jest metodą grawerowania, któremu zwykle towarzyszy czernienie. Swoją nazwę zawdzięcza podobieństwu do okrągłego, płaskiego ciasta ryżowego manju. Jedną z osobliwych odmian manju są kompozycje złożone z kilku miniaturowych masek teatralnych.

manju

Itaraku- te netsuke były zrobione z trzciny lub drutu. Tkały w postaci pudełek z dyniami i innych kształtów.

Ryusa(柳左） — Wariant formularza manju. Główna różnica między tą formą a zwykłą manju tym, że jest pusty w środku, a jedna (górna) część wykonana jest techniką rzeźbienia na wskroś.

Kiedy ryusa wykonane z dwóch rozłącznych połówek, wtedy zwykle materiał wybierano ze środka za pomocą tokarki. Forma ta była szczególnie często stosowana w Edo, gdzie mieszkał słynny rzeźbiarz Ryusa (czynny w latach 80. XVIII wieku), od którego pochodzi nazwa.

Uważa się, że ta forma, podobnie jak manju, rozpowszechniła się szczególnie w związku z trzęsieniami ziemi z okresu Ansei (1854-1860), a zwłaszcza z trzęsieniem ziemi w Edos w 1855 r., kiedy zniszczeniu uległo wiele netsuke i pojawiła się potrzeba nowych produktów . Łatwość produkcji ryusa w porównaniu np. katabori lub kagamibuta i wpłynął na ich dominującą wówczas dystrybucję.

ryusa

Kagamibuta (鏡蓋)- jest również podobny do manju, ale jest to płaskie naczynie wykonane z kości słoniowej lub innej kości, rogu, rzadziej drewna, przykryte od góry metalowym wieczkiem, na którym skoncentrowana jest główna część dekoracji opartej na szerokiej gamie technik. Podpis na takim netsuke zwykle należy do metalowego mistrza.

kagamibuta

Oczywiście każdy obraz miał swój własny cel.

I tak np. wytrzymałość, odwagę i hart ducha dawała figurka mędrca Daruma ,

Daikoku z workiem magicznego ryżu obiecanego bogactwa,

i dał szczęście Ebisu z magicznym karpiem w dłoniach (wierzono, że jak trudno złapać karpia gołymi rękami, tak trudno znaleźć spokój ducha i równowagę).

Szczęście i powodzenie, które zawsze idą w parze, dawała podwójna figurka - Daikoku oraz Ebisu .

Poszukiwacze zdrowia i długowieczności nosili figurkę boga szczęścia szusina który trzymał żeń-szeń i magiczną brzoskwinię.

Ci, którzy mieli cenione pragnienie, zwrócili się do boga szczęścia, zabawy i komunikacji Hotei, to on był zawsze przedstawiany jako siedzący lub stojący, ale zawsze uśmiechnięty. Aby zrealizować plan, trzeba było pogłaskać figurkę po brzuchu trzysta razy, myśląc jednocześnie o tym, czego się chce.

Podróżni zabrali figurkę Futen, który obiecywał pomyślny wiatr i szczęście na drodze. Był przedstawiany jako mężczyzna niosący torbę na plecach i pogodny uśmiech na twarzy.

Samuraj dał. siła umysłu, odwaga i odwaga

Królowa niebios Sivanmu odpędziła wiatry przeciwności wachlarzem.

Kreatywnym ludziom pomogła figurka mężczyzny słuchającego muszli. Ogromna różnorodność figurek, a co za tym idzie misji, umożliwiła wybór tej niezbędnej w konkretnej sytuacji i wykorzystanie jej do rozwiązania trudności.

Ale te gadżety są znane na całym świecie nie tylko jako szczęśliwe amulety. Faktem jest, że wielu prawdziwych artystów stworzyło małe, ale bardzo wyraziste netsuke, a następnie te figurki stały się arcydziełami sztuki światowej.

język japoński netsuke: miniaturowe figurki

Netsuke z tajemnicą

Ebisu z rybami i koszem.
Początek XX wieku, rzeźba w kości

Shousin z laską i brzoskwinią.
Koniec XIX - początek XX wieku, rzeźba w kości, barwienie

Hotei z wentylatorem i torbą.
Koniec XIX wieku, rzeźba w kości, bejcowanie

Jurojin ze zwojem.

Rzeźbienie kości, czernienie.

Okimono Bishamonten z pagodą.
Rzeźba z kości, XIX w

Jurojin, jeden z siedmiu bogów szczęścia

SPRZEDAWCA LALEK DARUMA, mistrz YASUYUKI

Kość słoniowa, rzeźbienie. Druga połowa XIX wieku Netsuke słynnego mistrza
Yasuyuki przedstawia karykaturalną scenę typową dla ówczesnego Edo. Chłop przyszedł handlować
Edo przed nowym rokiem z własnymi lalkami Daruma.

NETSUKE W POSTACI MISTRZA MANJU KOYUSAI
Kość słoniowa. Średnica ok. 4 cm XIX wiek

NETSKE „GEJSZA I DEMON”
Kość słoniowa. Wysokość ok. 4,2 cm. 19 wiek
Świetny przykład pracy Masatsuge, szkoły Edo. Rzadka fabuła

AKTOR TEATRALNY ALE W ROLI DEMONA.
Kość słoniowa. Złoty lakier, czerwony lakier, czernienie, złota intarsja i
Matka perły. Wysokość ok. 3,8 cm Początek XIX wieku. Mistrz Sugoku (Hidetama)
Rzadki netsuke

Kanu (Guan Yu) z halabardą, XIX wiek, rzeźba w kości

AKTOR W ROLI WEREFOX.
Wiśnia (?), kość słoniowa. Wysokość ok. 4cm
Pierwsza połowa XIX wieku. Podpis: Hogyoku.

Netsuke „Chłopiec z książką” (chłopiec rysujący)

krab netsuke

MATKA I DZIECKO. SCENY DOMOWE.
Kość słoniowa, barwiona,
rytownictwo. Wysokość ok. 4,2 cm Druga połowa XIX wieku Mistrz Shosai.

ŚLEPĄCY WYCIĄGAJĄCY KAMIEŃ OD POCZĄTKU
Kość słoniowa. Wysokość ok. 5,8 cm Pierwsza połowa XIX wieku. Podpis: Kogyoku.

MATKA Z DZIECKIEM
Kość słoniowa. Wysokość ok. 4 cm Druga połowa XIX wieku.

TENAGA-DŁUGORAMIENNA I OŚMIORNICA
Róg jelenia. Długość 12 cm Koniec XVIII - początek XIX wieku. Podpis: Beisai.

FUKUROKUJU bóg zdrowia, mądrości i długowieczności, GORĄCA KĄPIEL

Bukszpan, kość słoniowa. Wysokość ok. 5,3 cm 1840-1860 Podpis: Toyo.

Nagrałem film na YouTube na podstawie mojego posta! Udostępniam) Dziękuję, kto zrobił fajny film!!

Historycznie termin okimono odnosił się do małych rzeźb lub przedmiotów dekoracyjnych umieszczonych w tokonomie tradycyjnego japońskiego mieszkania. W szerokim znaczeniu okimono odnosi się do wszystkiego, co jest umieszczane na półce w celu dekoracji wnętrz: rzeźby z kości, lalki, wazony z kwiatami itp.

Okimono, zarówno pod względem konstrukcji, jak i działek, a często wielkością, jest podobne do netsuke, ale okimono nie ma otworu na przewód, który znajduje się w netsuke.

Prace Kazuo były wystawiane na kilku międzynarodowych wystawach i słusznie zyskały sławę „japońskiej Madonny”. Na obrazie młodej matki można domyślić się podobieństwa do słynnej Madonny Benois autorstwa Leonarda da Vinci. Mistrz stworzył kilka jego wersji – w brązie (jeden z egzemplarzy znajduje się w kolekcji Nassera D. Khalili), w drewnie i kości. Najcenniejszy jest oczywiście model wyrzeźbiony z kości słoniowej, który zdobi kolekcję A. Feldmana.

Legendy Japonii w rzeźbie

Skrzydlaty Tennin. Japonia, okres Meiji (1868-1912) Sygnatura mistrza Gyokudo.

W sztuce Japonii motyw dziewczyny-łabędzi jest szeroko rozpowszechniony. Nazywana jest „żoną żurawia” (tsuru nyobo), „niebiańską żoną” (tennin nyobo) lub hagoromo („pierzasta szata”).

Wizerunek Tennin można znaleźć w całej Japonii w baśniach lub lokalnych legendach, w których łabędzie zamieniają się w piękne kobiety.
Po raz pierwszy motyw ten pojawia się w kilku opisach w VIII wieku i znajduje swoje klasyczne wcielenie w sztuce teatru Noo.

Istnieje inna wersja legendy: każdego ranka łabędzie (shirotori) schodzą z nieba i zamieniają się w piękne dziewczyny; zebrali kamienie, zbudowali tamę i wieczorem odlecieli. Motyw ten dał nazwę wiosce Shirotori o tej samej nazwie, która istnieje do dziś.

„Siedmiu bogów szczęścia” w mitologii japońskiej to bóstwa, które obdarzają wysokimi cnotami i przynoszą szczęście: Ebisu, Daikomu-ten, Hotei, Jurojin, Fukuroju, Bishamon-ten, Bensai-ten. Kult „Siedmiu Bogów Szczęścia” zaczął się kształtować na początku XV wieku wśród miejskiej ludności Japonii pod wpływem wierzeń shintoistycznych, chińskich i indyjskich. Podstawowym źródłem informacji o siedmiu bóstwach są dobrze znane postacie z licznych dzieł literatury chińskiej oraz malarstwa „siedmiu mędrców z bambusowego gaju”.

Bogini Kannon. Okres Meiji (1868-1912)

W interpretacji „siedmiu bóstw szczęścia” wyraźnie widać interpretację buddyzmu charakterystyczną dla Japończyków: bóstwa buddyjskiego panteonu muszą zapewniać „dobro na tym świecie” (długowieczność, dobre samopoczucie). Najwcześniejszy obraz „siedmiu bogów szczęścia” należy do mnicha buddyjskiego z XV wieku. Uważa się, że kiedy na początku roku odprawia się pewien rytuał, „Siedmiu Bogów Szczęścia” zapewnia człowiekowi dobrobyt na cały rok.

Rysunek „Guan Yu (Kang Wu)”. Japonia, okres Meiji (1868-1912)

Istnieje legenda, że ​​w 1856 roku pomógł stłumić powstanie pod wodzą Tai-pinga Tianguo, występując przed wojskami rządowymi na ziejącym ogniem smoku. Nic dziwnego, że wizerunki Guan Yu służyły jako rodzaj talizmanów dla chińskich wojowników. Ponieważ męstwo i odwaga są czczone przez wielu ludzi, Guan Yu był czczony w Chinach przez buddystów, taoistów i konfucjanistów. Mieszczanie wieszali jego wizerunki w swoich sklepach i sklepach. Obraz nieustraszonego wojownika w powszechnym umyśle stał się symbolem orędownika. Legendy przypisują Guan Yu zdolność wywoływania deszczu podczas suszy, zatrzymywania powodzi, pacyfikowania demonów i ochrony ludzi przed chorobami. Mówią, że może pojawiać się przy łożu chorego i wkładać w jego ręce magiczne, lecznicze złote pigułki.

Symbol roku:) Brązowy tygrys. Japonia, okres Taishō (1912-1926)

Lampa z wizerunkiem smoka i irysów. Japonia, okres Meiji (1868-1912) Sygnowany przez mistrza Miyao Eisuke.

W japońskich legendach i mitach smok uosabia potężne boskie moce.
Jeśli smok jest traktowany z należytym szacunkiem i szacunkiem, może hojnie podziękować tej osobie, ponieważ smoki są uważane za bajecznie bogate. Na przykład w legendzie o Smoczym Królu młody samuraj zostaje nagrodzony za uratowanie smoczej córki złotym ciastem, które nigdy się nie kurczy, bez względu na to, jak bardzo je łamie.

W Japonii wizerunki smoków zdobią buddyjskie świątynie i fontanny ablucyjne przed nabożeństwem.
Smok, jako postać japońskiej mitologii ludowej i folkloru, ma w kulturze japońskiej dwa znaczenia: z jednej strony jest jednym z wcieleń bóstwa wody, a z drugiej jest doskonałym niezależnym, bardzo czczone bóstwo, które odgrywa ogromną rolę w kulturze japońskiej.

Kwiaty irysa są szczególnie czczone w Japonii.

Wiąże się z nimi wiele zwyczajów i obrzędów. Na przykład w średniowieczu urzędnicy nosili peruki z liści irysa, a dzieci używały pęczków irysów jako bicza i rywalizowały o to, kto uderzy je najgłośniej. Do sake dodawano również pokruszone liście – w ten sposób uzyskiwano napój rytualny. Japończycy wierzą, że naszyjnik z listkami irysa zapobiega przeziębieniom i oczyszcza z grzechów. Do tej pory kwiaty irysa zdobiły fryzury, stroje, artykuły gospodarstwa domowego i wnętrza.
Szczególnym świętem poświęconym tej starożytnej roślinie jest Święto Irysa (Shobu no Sekku), które obchodzone jest 5 maja. Inną nazwą tego dnia jest Święto Chłopców (Tango no Sekku). Zależność jest tutaj prosta. Liście irysa są mieczykowate, cienkie i płaskie, przypominające ostrze zimnej broni. Dlatego irys w Japonii uosabia ducha samuraja i symbolizuje sukces i zdrowie, a irysowe amulety chronią chłopców – przyszłych wojowników – przed chorobami i dodają im odwagi.

Rzeźba cesarza Jimmu. Japonia, okres Meiji (1868-1912) Podpisany przez mistrza Kisetsu.

Pierwszy cesarz Jimmu jest szczególnie czczony w Japonii, poświęcono mu wiele świątyń.
Historia jego pojawienia się zakorzeniona jest w starożytnym japońskim micie o powstaniu świata. Jimmu Tenno (Niebiański Suweren) (660-585 pne) - pierwszy cesarz Japonii, przodek wszystkich Japończyków. Cesarz Japonii jest uważany za przedstawiciela Bóstwa słońca Amaterasu na Ziemi i tylko dzięki niemu urzeczywistnia się związek między ludźmi a Bóstwami.

„Chłopcy z workami bogactwa i gałęziami bambusa”. Japonia, okres Meiji (1868-1912). Warsztaty Miyao.

Rzeźby przedstawiają dwóch symetrycznie ułożonych chińskich chłopców z dużymi torbami za plecami i bambusowymi gałęziami w dłoniach. Wizerunek chłopców w chińskich i japońskich symbolach ma dla właściciela życzliwe znaczenie: życzą ci zdrowego potomstwa. Obrazy dużych toreb - do bogactwa. Bambus jest symbolem elastyczności i długowieczności.

Wazon z wizerunkiem karpi. Japonia, okres Taisho (1912-1926).

W mitologii japońskiej karpie są uosobieniem siły i wytrwałości w dążeniu do celu oraz symbolizują odwagę i wytrzymałość, wytrzymałość i wytrwałość. Takie postrzeganie wizerunku karpia wynika z faktu, że celowo pokonuje on bystrza rzeki, aby dotrzeć do ujścia.
Jak ta ryba poruszająca się w górę rzeki iw górę wodospadu, ludzie muszą pokonać życiowe przeszkody i wyrobić sobie markę. Dlatego przedmioty z wizerunkiem karpia są odpowiednie dla tych, którzy chcieliby mieć silny charakter i takie cechy, jak odwaga i cierpliwość.

Lao Tzu na bizonie. Japonia, koniec okresu Edo (1600-1868).

Lao Tzu (Stare Dziecko, Mądry Starzec) - starożytny chiński filozof z VI-V wieku pne. e., jeden z założycieli nurtu taoizmu, autor traktatu „Tao Te Ching” (Kanon Drogi i Łaski, inna nazwa to „Trzy Wozy” – napisane na bambusie zajmowały trzy wozy)

Hotei z torbą i laską. Japonia, okres Meiji (1868-1912) Podpisany przez mistrza Kasetsu.

W starożytnej mitologii japońskiej Hotei jest bogiem szczęścia, dostatku i beztroskiego życia, który jest także obrońcą dzieci. W XVII wieku został kanonizowany w Japonii i stał się jednym z Siedmiu Bogów Fortuny. Uważa się, że z góry określa losy ludzi i pomaga w spełnieniu cenionych pragnień.
Prototypem Hotei jest chiński mnich buddyjski o imieniu Chi-Tzu z IX-X wieku, który zasłynął z przewidywania szczęśliwych znaków i był uważany za ziemskie wcielenie Maitrei. Miał niezwykły wygląd (niski wzrost, duży wystający brzuch) i wyróżniał się osobliwym zachowaniem (po klasztorach chodził w półnagiej postaci z lnianym workiem na plecach). Legenda głosi, że tam, gdzie się pojawił, ludziom szło szczęście, zdrowie i pomyślność. Hotei był zwykle przedstawiany jako uśmiechnięty grubas z ogoloną głową w monastycznej szacie iz ogromną torbą. Jeśli ktoś pytał, co jest w torbie, odpowiadał: „Mam tam cały świat”. Jego płatki uszu są wydłużone. Hotei zawsze chodzi boso, a jego tłusty brzuch nie jest bynajmniej wynikiem nieumiarkowanego jedzenia, ale ucieleśnieniem jego qi, nieuniknionej siły życiowej.

Jurojin i następca tronu chińskiego. Japonia, 1937 Wspólne dzieło mistrzów Takeyuki i Ryozan.

Uważa się, że chiński założyciel taoizmu, Laozi, służył jako prototyp japońskiego bóstwa Jurojin. Zwykle jest przedstawiany jako starzec z długą białą brodą. Atrybutami bóstwa Jurojin są najczęściej laska, zwój, laska Ruyi oraz wieloletnie zwierzęta, takie jak jeleń, żółw i bocian. Uważa się, że zwój Jurojin zawiera informacje o wszystkich stworzeniach żyjących na ziemi oraz o tajemnicach długowieczności i nieśmiertelności. Różdżka Ruyi to różdżka spełniania życzeń i szczęśliwych znaków. Z chińskiego „ruyi” można przetłumaczyć jako „cokolwiek chcesz”. Uważa się, że przynosi szczęście i spełnia życzenia. Różdżka Ruyi często ma kształt magicznego grzyba Lingji.
W tej kompozycji Jurojin jest przedstawiony z laską i zwojem. Różdżka Ruyi jest w rękach chłopca. Z hieroglifów wyrytych na zwoju (dosł. Zwój dla chińskiego „Syna Niebios”) można sądzić, że zwój ten jest przeznaczony do szkolenia młodego cesarza. Również wzór na ubraniu i czapce chłopca pokazuje, że mamy przed sobą młodego cesarza Chin, którego mentorem jest bóstwo Jurojin.

Konfucjusz. Japonia, okres Meiji (1868-1912). Warsztaty Satsumy.

Konfucjusz (551-479 pne) urodził się w Chinach, w prowincji Shandong. Główne poglądy filozofa zawarte są w książce „Rozmowy i sądy” („Lun Yu”), będącej zapisem wypowiedzi i rozmów Konfucjusza z jego najbliższymi uczniami i naśladowcami. Kiedy konfucjanizm stał się dominującą doktryną w Chinach (po 136 p.n.e.), filozof został ogłoszony „nauczycielem 10 tysięcy pokoleń”, a jego kult był oficjalnie podtrzymywany do 1911 r. (początek burżuazyjnej rewolucji Xinhai).

Kadzielnica przedstawiająca Kirina i feniksy. Japonia, okres Meiji (1868-1912)

W mitologii japońskiej Kirin to stworzenie z głową smoka, ciałem i skrzydłami jelenia, kopytami konia, pojedynczym rogiem na głowie i skórą w pięciu kolorach. Według legendy Kirin jest dobrodusznym zwierzęciem, które nigdy nie nadepnie na żywe rośliny i nie krzywdzi niczego, co żyje. Dlatego wizerunek Kirina przyczynia się do pomyślnych wydarzeń w życiu.
Według chińskiej legendy Kirin pojawił się przy łóżku matki Konfucjusza, gdy ta miała urodzić swojego słynnego syna. Chińczycy uważają, że wizerunki Kirina w domu służą ochronie właścicieli domu przed skutkami zewnętrznych sił negatywnych. Chroniąc właściciela, Kirin zabiera całą negatywną energię, która pochodzi z zewnątrz.
Feniks jest uniwersalnym symbolem nieśmiertelności we wszystkich światowych mitologiach, symbolem odrodzenia w ogniu. Legenda głosi, że kiedy feniks wyczuwa zbliżającą się śmierć, buduje gniazdo z pachnącego drewna i żywicy, które następnie wystawia na palące promienie słońca, aż spłonie w ich płomieniach na popiół. Wtedy z jego pozostałości powstaje nowy feniks. Ten „ognisty ptak” symbolizuje boskość władzy królewskiej, szlachetność i wyjątkowość. Zgodnie z tradycją w Japonii feniks jest symbolem słońca i symbolem cesarza.

Okimono Hotei. Warsztaty Satsumy. Japonia, okres Meiji (1868-1912)

Festiwal Setsubun. Japonia, okres Meiji (1868-1912) Podpis Mistrza Gyokushu.

Mistrz odtwarza scenę święta Setsubun – jednego z najstarszych świąt w kraju, które obchodzone jest w Japonii w nocy z 3 na 4 lutego. Tej nocy w domach odbywa się ceremonia Mame-maki (rzucania fasolą).
Zwykle ten zaszczytny obrzęd odprawia właściciel domu, mówiąc „Oni wa soto – fuku wa uchi”, co oznacza „do diabła, szczęście w domu”. Następnie fasola jest zbierana i spożywana jako rytualny pokarm, aby odeprzeć wszelkiego rodzaju choroby. Uważa się, że aby być zdrowym i odnosić sukcesy w biznesie w nadchodzącym roku, trzeba zjeść tyle fasoli, ile się ma lat, i jeszcze jedną.

Oryginalny wpis i komentarze dot

Okimono (jap. 置き物, 置物, dosł. „rzecz do wystawienia [na wystawie]”; „rzeźba”) to dzieło sztuki i rzemiosła japońskiego, figurka przeznaczona do dekoracji wnętrz.

Historycznie termin okimono odnosił się do małych rzeźb lub przedmiotów dekoracyjnych umieszczonych w tokonomie tradycyjnego japońskiego mieszkania.

W tradycyjnym europejskim sensie okimono to figurka.

Okimono jest podobne do netsuke zarówno pod względem projektu, działek, jak i często wielkości, ale w okimono nie ma otworu na przewód, który jest w netsuke. Przykładem tradycyjnego okimono jest figurka Daruma.

W szerokim znaczeniu okimono odnosi się do wszystkiego, co jest umieszczane na półce w celu dekoracji wnętrz: rzeźby z kości, lalki, wazony z kwiatami itp.

Dość często okimono pod względem fabuły, środków wyrazu i wielkości zbliżają się do netsuke, jednak w przeciwieństwie do nich nie posiadają otworu na przewód i mogą służyć do celów czysto dekoracyjnych.

Okimono, jako rodzaj miniaturowego plastiku przeznaczonego do ozdabiania mieszkań, rozpowszechniło się około XVI wieku, kiedy to w architekturze domu przyjęto specjalną niszę (tokonoma), w której umieszczano piękny zwój, ikebanę lub małe statuetki Buddów i Bodhisattwów zostały umieszczone.

Z biegiem czasu repertuar fabularno-tematyczny rzeźby miniaturowej rozszerzył się i już na rycinach z okresu Edo (1603-1866) można zobaczyć postacie świętych, mnichów, zwierzęta cyklu sześćdziesiętnego, siedem bóstw szczęścia jako okimono. Takie figurki kupowano nie tylko po to, by przyciągnąć szczęście, ale także na pamiątkę pielgrzymki do odległej świątyni, na prezent i po prostu dla ozdoby wnętrza.

Po rewolucji Meiji (1866-1869) Japonia, wkraczając na drogę modernizacji, bierze udział w Światowych Wystawach Przemysłowych. Na Wystawie Światowej w Wiedniu wśród przedmiotów reprezentujących dorobek, tradycje kulturowe i rzemiosło kraju znalazły się rzeźbione w kości słoniowej okimona. Biorąc pod uwagę skalę sali wystawowej, japońscy rzeźbiarze powiększyli figurki. Tak powstał rodzaj okimono, który na Zachodzie stał się przedmiotem kolekcjonerskim.

Reformy Meiji, które ustanowiły strój europejski jako strój wizytowy, sprawiły, że produkcja netsuke stała się bez znaczenia. Rzeźbiarze zwrócili się w stronę okimono, na które po serii Wystaw Światowych wzrosło zapotrzebowanie na rynkach sztuki Europy i Stanów Zjednoczonych. Zainteresowanie Europejczyków miniaturowymi rzeźbami wyznaczyło nowe wymagania wobec rzeźb kostnych, które odtąd miały zdobić europejskie wnętrza.

Wymiary okimono znacznie się powiększyły (z 20 do 50 cm), ich powierzchnia została starannie przetworzona, a co najważniejsze, trzeba było przemawiać do europejskiego widza zrozumiałym dla niego plastycznym językiem. Tak powstał fenomen japońskiego realizmu, według którego pracowali mistrzowie okimono.

Japońskie wątki zostały ucieleśnione w autentycznych figurkach, uderzających dokładnością wymodelowania formy. Tradycje plastyczne, które rozwinęły się w Europie na przestrzeni wieków, zostały opanowane przez japońskich rzeźbiarzy przez dziesięciolecia.

W XX wieku, z powodu wojen światowych, kryzysów gospodarczych i zakazu wydobywania kości słoniowej, liczba mistrzów snycerskich gwałtownie spadła. Wysoki koszt pracy (wykonanie jednej figurki zajmowało od kilku miesięcy do kilku lat) uniemożliwiał sprzedaż na rynku krajowym. Reorientacja wyłącznie na eksport doprowadziła do obniżenia poziomu artystycznego okimono: powtarzały się modele, pogarszały się właściwości plastyczne przedmiotów.

Zasadniczo okimono są wykonane z drewna, kości słoniowej, brązu, srebra. Kombinacje tych materiałów nie są rzadkością. Dla uzyskania większego efektu dekoracyjnego rzemieślnicy zastosowali intarsję masą perłową, emalie, koral i złotą lakę. Najcenniejsze są przedmioty wykonane z kości słoniowej, czasem barwione roztworem herbacianym i zdobione grawerowanymi ornamentami.

Rzeźbiarzami z Okimono byli najczęściej mistrzowie i rzeźbiarze netsuke, którzy specjalizowali się w wykonywaniu posągów do świątyń buddyjskich. Wprowadzenie stroju europejskiego jako oficjalnego stroju i zamknięcie wielu klasztorów buddyjskich sprawiło, że bezrobotni rzeźbiarze zostali zaliczeni do grona mistrzów okimono. Wnosili do tego typu sztuki znane wątki, modele, rozwiązania kompozycyjne i techniki rzeźbiarskie. Z drugiej strony, zakres tematyczny determinowany był także popytem ze strony europejskich nabywców.

Najpopularniejsze historie:

1. Bogowie, postacie z wierzeń ludowych Shinto, fantastyczne stworzenia (siedmiu bogów szczęścia, diabły, Tennaga i Ashinaga itp.).
2. Postaci panteonu buddyjskiego i laotańskiego (Budda, Bodhisattwa Kanon, arhaci, sennini).
3. Postacie historyczne (Bodhidharma, Konfucjusz, Yoshitsune i Benkei itp.).
4. Bohaterowie baśni i legend japońskich i chińskich (Momotaro, Urashima Taro, Zhong Kui itp.)
5. Chłopi, rybacy.
6. Muzycy, aktorzy, sarumawasi (treserzy małp), kaligrafowie, artyści, poeci.
7. Starcy z dziećmi, kobiety z dziećmi, zabawy dla dzieci.
8. Zwierzęta, ptaki, owady, życie morskie.
9. Warzywa, owoce.

Okres rozkwitu ozdobnej rzeźby kostnej wiąże się z nazwiskami wybitnych mistrzów, którzy przewodzili szkole tokijskiej w epoce Meiji. Wśród nich są Asahi Gyokuzan (1843-1923) i Ishikawa Komei (1852-1913). Obaj wywodzili się z zawodowych rzeźbiarzy i wykładali rzeźbę w Tokyo Academy of Arts, zorganizowanej na wzór europejski.

Ishikawa Komei został wyznaczony do kierowania kierunkiem rzeźby kości w ramach komitetu powołanego przez cesarza Japonii. Komei miał wielu uczniów i naśladowców, o jego wkładzie w rozwój rzeźby i uznanie w ojczyźnie świadczy fakt, że jego prace były regularnie wystawiane na światowych wystawach i to w znacznie większej liczbie w porównaniu z innymi mistrzami. Morino Korin, Udagawa Kazuo, Ando Rokuzan, Asahi Meido i inni również brali czynny udział w Wystawach Światowych.

W ojczyźnie okimono nie było znaczących zbiorów muzealnych. Niektóre prace są przechowywane w Muzeum Narodowym w Tokio, Galerii Shoto. Próbki okimono znajdują się w muzeum miasta Tokayama (prowincja Hida) oraz w kolekcjach prywatnych. Większość kolekcji okimono pochodzi spoza Japonii.

Wśród kolekcji amerykańskich należy zwrócić uwagę na kolekcję kościanych okimon w Anthropological Museum of the University of Missouri, grupę drewnianych okimon w ekspozycji Museum of University of Illinois oraz prywatną kolekcję przemysłowca H. J. Haynesa.

Okimono są reprezentowane w Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie, w kolekcji Meiji największego brytyjskiego kolekcjonera Nassera D. Khalili. Wśród dużych kolekcji okimono w Niemczech eksperci zwracają uwagę na kolekcje Otto i Rat Schneidman, Kurt S. Erich.

Oddzielne egzemplarze znajdują się w zbiorach sztuki orientalnej w muzeach Europy Wschodniej: Muzeum Narodowym w Krakowie (Polska), Państwowym Muzeum Ermitażu (Rosja), Muzeum Sztuki Zachodniej i Orientalnej. Bogdan i Varvara Khanenko (Kijów, Ukraina), Muzeum Sztuki w Charkowie (Ukraina), Muzeum Kultur Orientalnych (Złoczów, Ukraina), Odeskie Muzeum Sztuki Zachodniej i Orientalnej (Ukraina).

Huśtać się
Okimono. Kość. wcześnie XX wiek
Zwykli ludzie i syn samuraja bawią się na huśtawce. Chociaż przyszły samuraj jest wyższy od wszystkich, nie może grać. Ponieważ gra to zarówno wygrane, jak i przegrane. Zarówno starty, jak i lądowania. Subtelna japońska ironia. Aby zrównoważyć i kontynuować grę, wiejski chłopiec wspina się na małego samuraja.

Jedna z najlepszych prywatnych kolekcji okimono w Europie należy do kolekcjonera i filantropa Aleksandra Feldmana (Charków, Ukraina). W sumie znajduje się tu ponad 300 dzieł miniaturowej sztuki plastycznej, w tym wysoce artystyczne dzieła tak wybitnych japońskich rzeźbiarzy, jak Udagawa Kazuo, Ishikawa Komei, Morino Korin, Ando Rokuzan, Kanya Kuniharu, Chikaaki. Perełkami tej kolekcji są rzeźby „Matka karmiąca dziecko” Kazuo (1900-1910), „Kwiaciarka” Komei (1900), „Czaple” Korina (1900).

Prace Kazuo były wystawiane na kilku międzynarodowych wystawach i słusznie zyskały sławę „japońskiej Madonny”. Na obrazie młodej matki można domyślić się podobieństwa do słynnej Madonny Benois autorstwa Leonarda da Vinci. Mistrz stworzył kilka jego wersji – w brązie (jeden z egzemplarzy znajduje się w kolekcji Nassera D. Khalili), w drewnie i kości. Najcenniejszy jest oczywiście model wyrzeźbiony z kości słoniowej, który zdobi kolekcję A. Feldmana.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/ru/e/e8/Kazuo-mother.jpg

Zebrane okimono i Maxim Gorky. W jego domowej kolekcji znajdowały się figurki wykonane z kości i brązu. Wśród okimono z kości słoniowej pisarz wymienił figurkę starca z małpą. Rzeźbę z brązu reprezentowały statuetki buddów.