Malarstwo japońskie jest najstarszą formą sztuki. Obejmuje różne formy, gatunki i różnorodne treści.
malarstwo japońskie jest najstarszą formą sztuki. Obejmuje różne formy, gatunki i różnorodne treści. Sztuka elegancka przedstawia świat obrazami będącymi ekranami, malowidłami ściennymi, jedwabnymi lub papierowymi zwojami, wachlarzami, obrazami sztalugowymi i rycinami.
Malarstwo japońskie wyróżnia się różnorodnością gatunków i stylów. Wiodące miejsce w malarstwie japońskim, a także w literaturze, zajmuje natura. Przedstawiana jest jako strażniczka boskiej zasady. Malarstwo japońskie wywodzi się ze sztuki chińskiej, więc jego gatunki są bardzo podobne do tych z Imperium Niebieskiego. Obecnie wielu japońskich artystów woli studiować w Chinach.
Malarstwo w Japonii ma kilka etapów w swojej historii. Każdy z nich ma swoje własne cechy i cechy szczególne.
Za początkowy etap rozwoju uważa się okres od połowy VII do końca VIII wieku, zwany Nara. W tym okresie pomalowano świątynię Horyuji, co jest doskonałym dowodem wpływu tradycji indyjskiej i chińskiej na kulturę japońską.
Kolejny okres w rozwoju malarstwa japońskiego to tzw hejn. Słynie z aktywnego rozkwitu malarstwa świątynnego i przykładów świeckiej sztuki obrazowej. W tym okresie powstawały ilustracje do powieści i opowiadań, których celem było zabawianie szlachetnych dżentelmenów.
Okres Kamakura(zajmuje okres od końca XII wieku do pierwszej połowy XIV wieku), który zajmował okres od końca XII wieku do pierwszej połowy XIV wieku, charakteryzuje się zmianą stylów , poszukiwanie nowych sposobów przedstawiania życia. Nastrój malarstwa japońskiego zmienia się dramatycznie. Wcześniej obrazy oddawały optymistyczną, lekką i radosną atmosferę. W tym okresie zrobiono duży krok w kierunku realistycznego obrazu, a także nadania obrazowi niemal militarnego charakteru. Charakterystycznymi tematami malarstwa są sceny batalistyczne z mitów i historii, sceny religijne z tradycji buddyjskiej. Obraz portretów ważnych mężów stanu jest powszechny.
W trakcie Muromachi(okres od pierwszej połowy XIV do drugiej połowy XVI wieku) na pierwszy plan wysuwa się nurt, który gloryfikował malarstwo japońskie na całym świecie. Filozofia buddyzmu zen wywarła znaczący wpływ na malarstwo, w wyniku czego pejzaż zyskał popularność. Technika monochromatyczna zyskała szczególną elegancję. W tym okresie malarstwo japońskie pozostawało pod wpływem Chin. Najsławniejszy japoński artysta W tym czasie Toyo Oda, który specjalizował się w malowaniu pejzaży, tworzył pierwsze obrazy podróżując po Państwie Środka. Kierunek rozwijał już w domu.
Powyższy nurt był aktywnie rozwijany i uzupełniany w kolejnych dwóch okresach rozwoju malarstwa japońskiego – Monoyama oraz edo. Technika monochromatyczna była bardziej wyrafinowaną opcją. Starannie opracowane i pomalowane szczegóły. Artyści nie bali się eksperymentów i zaczęli stosować techniki stosowane wcześniej w malarstwie na zwojach i parawanach, w malarstwie ściennym. Pejzaże i sceny zbiorowe zaczęto uzupełniać opowieściami psychologicznymi, ukazującymi bohatera w momencie silnego stresu emocjonalnego. Oprócz tradycyjnego malarstwa w Japonii, drzeworyt stał się aktywnie rozpowszechniony. Został on podzielony na dwa rodzaje: rytownictwo teatralne i ryciny pisma codziennego. Najbardziej znanym mistrzem grafiki teatralnej jest Choshusai Syaraku. Grawerowanie życia codziennego było aktywnie rozwijane w pracach Suzuki Harunobu i Kitagawa Utamaro.
Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści należą do przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I uwierz mi, ich dzieła zapadną w Twojej pamięci nie mniej głęboko niż dzieła mistrza z minionych epok.
Wojciecha Babskiego
Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył Politechnikę Śląską, ale związał się z. Ostatnio maluje głównie kobiety. Skupia się na manifestacji emocji, dąży do uzyskania jak największego efektu prostymi środkami.
Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z nowymi technikami. Ostatnio coraz większą popularność zdobywa za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z powodzeniem sprzedaje swoje prace, które można już znaleźć w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.
Warrena Changa
Warren Chang jest współczesnym amerykańskim artystą. Urodzony w 1957 roku i wychowany w Monterey w Kalifornii, w 1981 roku ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie, uzyskując tytuł Bachelor of Fine Arts w dziedzinie sztuk pięknych. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim rozpoczął karierę jako profesjonalny artysta w 2009 roku.
Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa wywodzi się z twórczości XVI-wiecznego malarza Jana Vermeera i rozciąga się na przedmioty, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, uczniów, pracownie, sale lekcyjne i wnętrza domów. Jego celem jest stworzenie nastroju i emocji w jego realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.
Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki wizualne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters Association of America, największej społeczności malarstwa olejnego w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Obecnie Warren mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, uczy też (znany jako utalentowany nauczyciel) w San Francisco Academy of the Arts.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni jest włoskim artystą. Urodzony 15 października 1955 w Blair. Ukończyła scenografię w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, samodzielnie bowiem „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym jeszcze w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.
Wczesne malarstwo Bruniego jest zakorzenione w surrealizmie, ale z czasem zaczyna skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symbolizmu, wzmacniając to połączenie znakomitym wyrafinowaniem i czystością swoich postaci. Przedmioty ożywione i nieożywione nabierają równej godności i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za zasłoną, ale pozwalają zobaczyć esencję swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, zamyślenie i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony blaskiem sztuki i harmonią muzyki.
Aleksander Balos
Alkasandr Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodził się w 1970 roku w Gliwicach, ale od 1989 roku mieszka i pracuje w USA, w mieście Shasta w Kalifornii.
Jako dziecko studiował sztukę pod kierunkiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, więc od najmłodszych lat działalność artystyczna miała pełne wsparcie ze strony obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i artystka pracująca w niepełnym wymiarze godzin, Cathy Gaggliardi, zachęciła Alcasandera do zapisania się do szkoły artystycznej. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee Wisconsin, gdzie studiował malarstwo u profesora filozofii Harry'ego Rosina.
Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata, Balos przeniósł się do Chicago, aby studiować w Szkole Sztuk Pięknych, której metody opierają się na pracach Jacquesa-Louisa Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos posługuje się ludzką postacią, aby podkreślić cechy i wady ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.
Kompozycje fabularne jego obrazów mają na celu samodzielną interpretację widza, dopiero wtedy płótna nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu zakres jego twórczości znacznie się rozszerzył i obecnie obejmuje swobodniejsze metody malowania, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrazić idee i ideały bycia poprzez malarstwo.
Alicja Monks
Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodziła się w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Już jako dziecko zainteresowała się malarstwem. Uczęszczała do The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, aw 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo Medici we Florencji.
Następnie kontynuowała studia w ramach programu studiów magisterskich w New York Academy of Art, na Wydziale Sztuki Figuratywnej, którą ukończyła w 2001 roku. Ukończyła Fullerton College w 2006 roku. Przez krótki czas wykładała na uniwersytetach i instytucjach edukacyjnych w całym kraju oraz uczyła malarstwa w nowojorskiej Akademii Sztuki, a także na Montclair State University i Lyme Academy College of Art.
„Korzystając z filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi wyspami koloru — częściami ludzkiego ciała.
Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utrwalone już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Uważnemu widzowi mogłyby powiedzieć wiele o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak korzyści płynące z pływania, tańca itp. Moje postacie są przyciśnięte do szyby kabiny prysznicowej, zniekształcając własne ciało, zdając sobie sprawę, że w ten sposób wpływają na osławione męskie spojrzenie na nagą kobietę. Grube warstwy farby są mieszane ze sobą, aby z daleka naśladować szkło, parę wodną i mięso. Jednak z bliska ujawniają się niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję moment, w którym abstrakcyjne pociągnięcia stają się czymś innym.
Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu mnie to zafascynowało, a nawet miało na jego punkcie obsesję i poczułem, że muszę sprawić, by moje obrazy były jak najbardziej realistyczne. „Wyznawałem” realizm, dopóki ten nie zaczął się rozpadać i dekonstruować. Teraz badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style mogą współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.
Antoni Finelli
włoski artysta - obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech między Rzymem a Campobasso. Jego prace były wystawiane w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: w Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, znajdują się także w kolekcjach prywatnych i publicznych.
Rysunki ołówkiem" Obserwator czasu Antonio Finelli wysyła nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej czasowości i rygorystycznej analizie tego świata z nim związanego, której głównym elementem jest upływ czasu i ślady jakie pozostawia na skórze.
Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika twarzy wskazuje na upływ czasu, artysta ma też nadzieję na odnalezienie na ciałach swoich bohaterów dowodów na bezwzględność czasu. Antonio określa swoje prace jednym ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować prawdziwe skutki upływu czasu w człowieku.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma troje dzieci. Dwanaście lat mieszkała w Rzymie, trzy lata w Anglii i Francji. Ukończył historię sztuki w BD School of Art. Następnie otrzymała dyplom w specjalności konserwator dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.
Pasja Flaminii do malarstwa narodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „coiffer la pate”, a także bawi się materiałem. Podobną technikę poznała w pracach artysty Pascala Torua. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper i François Legrand, a także różnymi nurtami artystycznymi: street artem, chińskim realizmem, surrealizmem i renesansowym realizmem. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.
Denis Czernow
Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Akademii Sztuk Pięknych w 1998 roku zamieszkał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował również na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.
Regularnie bierze udział w wystawach sztuki, w tej chwili było ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość prac Denisa Czernowa znajduje się w zbiorach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.
Denis pracuje w szerokim zakresie technik graficznych i malarskich. Rysowanie ołówkiem to jedna z jego ulubionych technik malarskich, tematyka jego rysunków ołówkiem jest również bardzo różnorodna, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.
Kochasz japońskie malarstwo? Jak dużo wiesz o znanych japońskich artystach? Przyjrzyjmy się w tym artykule najsłynniejszym japońskim artystom, którzy stworzyli swoje dzieła w stylu ukiyo-e (浮世絵). Ten styl malarstwa rozwijał się od czasów Edo. Hieroglify, które piszą ten styl 浮世絵 dosłownie oznaczają „obrazy (obrazy) zmieniającego się świata”, możesz przeczytać więcej o tym kierunku malowania
Hisikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Uważany jest za twórcę gatunku ukiyo-e, choć w rzeczywistości jest dopiero pierwszym mistrzem, o którego życiu zachowały się informacje biograficzne. Moronobu urodził się w rodzinie mistrza farbowania i haftowania tkanin złotymi i srebrnymi nićmi i od dawna zajmuje się rodzinnym rzemiosłem, więc znakiem rozpoznawczym jego twórczości są pięknie zdobione stroje piękności, dające wspaniały efekt artystyczny .
Po przeprowadzce do Edo najpierw samodzielnie studiował techniki malarskie, a następnie kontynuował je artysta Kambun.
Do naszych czasów zachowały się głównie albumy Moronobu, w których przedstawia on tematy historyczne i literackie oraz książki z wykrojami na kimona. Mistrz pracował również w gatunku shunga, a wśród pojedynczych dzieł zachowało się kilka przedstawiających piękne kobiety. 
(鳥居清長, 1752-1815). Uznany pod koniec XVIII wieku mistrz Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) nosił pseudonim Torii Kiyonaga, który przyjął po odziedziczeniu szkoły ukiyo-e Torii po Torii Kiyomitsu po jego śmierci.
Kiyonaga urodził się w rodzinie księgarza Shirakoya Ishibei. Największą sławę przyniósł mu gatunek bijinga, choć zaczynał od yakusha-e. Fabuły do rycin z gatunku bijinga zaczerpnięte zostały z życia codziennego: spacerów, uroczystych procesji, wyjść na łono natury. Wśród wielu prac artysty cykl „Konkurs modnych piękności z zabawnych dzielnic” przedstawiający Minami, jedną z „zabawnych dzielnic” na południu Edo, „12 portretów południowych piękności”, „10 rodzajów herbaciarni” wyróżniać się. Charakterystyczną cechą mistrza było szczegółowe studium widoku tła i wykorzystanie technik pochodzących z Zachodu do przedstawiania światła i przestrzeni.
Kiyonaga zyskała swoją początkową sławę wraz ze wznowieniem w 1782 roku serii „Models of Fashion: Models New as Spring Foliage”, zapoczątkowanej przez Koryusai w latach siedemdziesiątych XVIII wieku dla wydawcy Nishimurai Yohachi.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Na tego wybitnego mistrza ukiyo-e znaczący wpływ wywarli Torii Kiyonaga i wydawca Tsutai Juzaburo. W wyniku wieloletniej współpracy z tym ostatnim ukazało się wiele albumów, książek z ilustracjami oraz cykl rycin.
Pomimo tego, że Utamaro czerpał historie z życia prostych rzemieślników i starał się przedstawiać naturę („Księga owadów”), sławę przyniósł mu jako twórca prac poświęconych gejszom z dzielnicy Yoshiwara („Rocznik Yoshiwara Green Houses” ).
Utamaro osiągnął wysoki poziom w wyrażaniu stanów umysłu na papierze. Po raz pierwszy w drzeworytach japońskich zaczęto stosować kompozycje piersiowe.
To właśnie twórczość Utamaro wywarła wpływ na francuskich impresjonistów i przyczyniła się do zainteresowania Europejczyków drukami japońskimi.
(葛飾北斎, 1760-1849). Prawdziwe imię Hokusaia to Tokitaro. Prawdopodobnie najbardziej znany mistrz ukiyo-e na całym świecie. W całej swojej pracy używał ponad trzydziestu pseudonimów. Dość często historycy używają pseudonimów do periodyzacji jego pracy.
Początkowo Hokusai pracował jako rzeźbiarz, którego pracę ograniczała intencja artysty. Ten fakt ciążył na Hokusai i zaczął szukać siebie jako niezależnego artysty.
W 1778 roku został uczniem w pracowni Katsukawy Shunsho, który specjalizował się w drukach yakusha-e. Hokusai był zarówno utalentowanym, jak i bardzo pilnym uczniem, który zawsze okazywał szacunek nauczycielowi i dlatego cieszył się szczególną przychylnością Shunsho. Tak więc pierwsze samodzielne dzieła Hokusai były w gatunku yakusha-e w formie dyptyków i tryptyków, a popularność ucznia dogoniła popularność nauczyciela. W tym czasie młody mistrz rozwinął już swój talent na tyle, że zrobiło się tłoczno w obrębie jednej szkoły, a po śmierci nauczyciela Hokusai opuścił pracownię i studiował kierunki innych szkół: Kano, Sotatsu (inaczej Koetsu), Rinpa, Tosa.
W tym okresie artysta przeżywa znaczne trudności finansowe. Ale jednocześnie odbywa się jego formacja na mistrza, który odrzuca zwykły wizerunek, którego domagało się społeczeństwo, i szuka własnego stylu.
W 1795 roku ukazały się ilustracje do antologii poetyckiej Keka Edo Murasaki. Następnie Hokusai namalował obrazy surimono, które od razu stały się popularne, a wielu artystów zaczęło je naśladować.
Od tego okresu Tokitaro zaczął podpisywać swoje prace imieniem Hokusai, choć część jego prac ukazywała się pod pseudonimami Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.
W 1800 roku mistrz zaczął nazywać siebie Gakejin Hokusai, co oznacza „Malowanie szalonego Hokusai”.
Słynny cykl ilustracji to „36 widoków góry Fuji”, w tym „Zwycięski wiatr. Clear Day” czyli „Red Fuji” oraz „The Great Wave off Kanagawa”, „100 Views of Mount Fuji”, wydane w trzech albumach, „Hokusai Manga” (北斎漫画), który nazywany jest „encyklopedią narodu japońskiego” . Artysta zainwestował w „Mangę” wszystkie swoje poglądy na twórczość, filozofię. „Manga” jest najważniejszym źródłem do badania życia ówczesnej Japonii, ponieważ obejmuje wiele aspektów kulturowych. W sumie za życia artysty ukazało się dwanaście numerów, a po jego śmierci jeszcze trzy:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI, VII
* 1849 - XIII (po śmierci artysty)
Sztuka Hokusai wywarła wpływ na takie europejskie ruchy jak secesja i francuski impresjonizm.
(河鍋暁斎, 1831-1889). Używał pseudonimów Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin, studiował w szkole Kano.
W przeciwieństwie do Hokusai, Kyosai był raczej bezczelny, przez co pokłócił się z artystą Tsuboyamą Tozanem. Po szkole został samodzielnym mistrzem, choć czasami odwiedzał ją przez kolejne pięć lat. W tym czasie malował kyoga, tzw. „zwariowane obrazy”.
Wśród wybitnych rycin wyróżnia się „Sto obrazów Kyosai”. Jako ilustrator, Kyosai współpracuje z innymi artystami przy tworzeniu ilustracji do opowiadań i powieści.
Pod koniec XIX wieku Europejczycy często odwiedzali Japonię. Artysta znał niektóre z nich, a kilka jego prac znajduje się obecnie w British Museum.
(歌川広重, 1797-1858). Pracował pod pseudonimem Ando Hiroshige (安藤 広 重) i jest znany z subtelnego przedstawiania naturalnych motywów i zjawisk naturalnych. Pierwszy obraz „Góra Fudżi w śniegu”, który jest obecnie przechowywany w muzeum Suntory w Tokio, namalował w wieku dziesięciu lat. Fabuła wczesnych prac oparta była na prawdziwych wydarzeniach ulicznych. Jego słynne cykle: „100 widoków Edo”, „36 widoków góry Fuji”, „53 stacje Tokaido”, „69 stacji Kimokaido”, „100 słynnych widoków Edo”. Monet i rosyjski artysta Bilibin byli pod wielkim wpływem 53 stacji drogi Tokaido, namalowanych po podróży wzdłuż East Seaside Road, a także 100 widoków Edo. Z serii 25 rycin kacho-ga najsłynniejszy arkusz to „Wróble nad ośnieżoną kamelią”.
(歌川国貞, znany również jako Utagawa Toyokuni III (jap.三代歌川豊国)). Jeden z najwybitniejszych artystów ukiyo-e.
Szczególną uwagę poświęcił aktorom kabuki i samemu teatrowi - to około 60% wszystkich prac. Znane są także prace z gatunku bijinga oraz portrety zapaśników sumo. Wiadomo, że stworzył od 20 do 25 tysięcy historii, w tym 35-40 tysięcy arkuszy. Rzadko odnosił się do krajobrazów i wojowników. Utagawa Kuniyoshi (歌川国芳, 1798-1861) Urodzony w rodzinie farbiarza jedwabiu. Kuniyoshi zaczął uczyć się rysować w wieku dziesięciu lat, mieszkając w rodzinie artysty Kuninao. Następnie kontynuował naukę u Katsukawy Shun'ei, aw wieku 13 lat wstąpił do warsztatu Tokuyoni. Pierwsze lata młodego artysty nie układają się dobrze. Ale po otrzymaniu zamówienia od wydawcy Kagaya Kitibei na pięć odbitek do serii 108 Suikoden Heroes, wszystko nabrało tempa. Tworzy resztę postaci z tej serii, a następnie przechodzi do innych różnych zawodów, a po piętnastu latach dorównuje Utagawie Hiroshige i Utagawie Kunisadzie.
Po wprowadzeniu w 1842 roku zakazu przedstawiania scen teatralnych, aktorów, gejsz i kurtyzan, Kuniyoshi pisze serię „kot”, wykonuje ryciny z serii edukacyjnej dla gospodyń domowych i dzieci, przedstawia bohaterów narodowych w serii „Tradycje, moralność i przyzwoitość” oraz koniec 1840-X - początek lat 50. XIX wieku, po złagodzeniu zakazów, artysta powraca do tematu kabuki.
(渓斎英泉, 1790-1848). Znany z prac z gatunku licytacji. Do jego najlepszych dzieł należą portrety typu okubi-e („duże głowy”), które są uważane za przykłady kunsztu ery Bunsei (1818-1830), kiedy gatunek ukiyo-e podupadał. Artysta napisał wiele lirycznych i erotycznych surimono, a także cykl pejzaży „Sześćdziesiąt dziewięć stacji Kisokaido”, którego nie mógł ukończyć, a Hiroshige go ukończył.
Nowością w przedstawieniu bijinga była zmysłowość, której nie mieli wcześniej inni artyści. Z jego prac możemy zrozumieć ówczesną modę. Opublikował także biografie czterdziestu siedmiu roninów i napisał kilka innych książek, w tym The History of Ukiyo-e Prints (Ukiyo-e ruiko), która zawiera biografie artystów. A w Notatkach bezimiennego starszego opisał siebie jako zdeprawowanego pijaka i byłego właściciela burdelu w Nezu, który doszczętnie spłonął w latach trzydziestych XIX wieku.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770) Prawdziwe nazwisko artysty to Hozumi Jirobei. Jest pionierem druku polichromowanego ukiyo-e. Studiował w szkole Kano i studiował malarstwo. Następnie pod wpływem Shigenagi Nishimury i Toriya Kiyomitsu drzeworytnictwo stało się jego pasją. Od początku XVIII wieku wykonywano druki w dwóch lub trzech kolorach, a Harunobu zaczął malować obrazy w dziesięciu kolorach, używając trzech desek i łącząc trzy kolory - żółty, niebieski i czerwony.
Wyróżniał się przedstawianiem scen ulicznych oraz malarstwem z gatunku shunga. A od lat sześćdziesiątych XVIII wieku był jednym z pierwszych, którzy zaczęli przedstawiać aktorów teatru kabuki. Jego twórczość wywarła wpływ na E. Maneta i E. Degasa.
(小原古邨, 1877 - 1945). Jego prawdziwe imię to Matao Ohara. Przedstawione sceny z wojen rosyjsko-japońskiej i chińsko-japońskiej. Jednak po pojawieniu się fotografii jego prace zaczęły się słabo sprzedawać i zaczął zarabiać na życie nauczając w szkole sztuk pięknych w Tokio. W 1926 roku Ernest Felloza, kurator sztuki japońskiej w Boston Museum, namówił Oharę do powrotu do malarstwa, artysta zaczął przedstawiać ptaki i kwiaty, a jego prace dobrze sprzedawały się za granicą. 
(伊藤若冲, 1716-1800). Spośród innych artystów wyróżniał się ekscentrycznością i stylem życia, polegającym na przyjaźni z wieloma postaciami kultury i religii tamtych czasów. Przedstawione zwierzęta, kwiaty i ptaki w bardzo egzotyczny sposób. Był bardzo sławny i przyjmował zamówienia na malowanie parawanów i obrazów świątynnych.
(鳥居清信, 1664-1729). Jeden z najważniejszych przedstawicieli wczesnego okresu ukiyo-e. Pomimo wielkiego wpływu swojego nauczyciela Hisikawy Monorobu, stał się założycielem gatunku yakusha-e w przedstawianiu plakatów i plakatów oraz wynalazł własny styl. Aktorzy byli przedstawiani w specjalnych pozach jako dzielni bohaterowie i byli malowani 
szlachetny pomarańczowy kolor, a złoczyńcy zostali narysowani w niebieskich kolorach. Aby zobrazować pasję, artysta wymyślił specjalny rodzaj wzoru mimizugaki - są to kręte linie z naprzemiennymi cienkimi i grubymi pociągnięciami oraz połączone z groteskowym obrazem mięśni kończyn.
Torii Kiyonobu jest założycielem dynastii artystów Torii. Jego uczniami byli Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I, Torii Kiyomitsu.
Kto jest twoim ulubionym artystą ukiyo-e?
Język japoński różni się strukturą od innych języków europejskich, co może powodować pewne trudności w nauce. Jednak nie martw się! Specjalnie dla Ciebie opracowałeś kurs „”, na który możesz się zapisać już teraz!
Monochromatyczne malarstwo Japonii jest jednym z unikalnych fenomenów sztuki Wschodu. Poświęcono mu wiele prac i opracowań, ale często postrzega się go jako rzecz bardzo warunkową, a czasem nawet dekoracyjną. Tak nie jest.Świat duchowy japońskiego artysty jest bardzo bogaty i dba on nie tyle o komponent estetyczny, ile o duchowy. Sztuka Wschodu jest syntezą tego, co zewnętrzne i wewnętrzne, jawne i ukryte.
W tym poście chciałbym zwrócić uwagę nie na historię malarstwa monochromatycznego, ale na jego istotę. Zostanie to omówione.
Parawan „Sosna” Hasegawa Tohaku, 1593.
To, co widzimy w obrazach monochromatycznych, jest efektem interakcji artysty z sosnową triadą: papier, pędzel, tusz. Dlatego, aby właściwie zrozumieć dzieło, trzeba zrozumieć samego artystę i jego postawę.
„Krajobraz” Sesshu, 1398
Papier dla japońskiego mistrza to nie tylko materiał pod ręką, który podporządkowuje swoim kaprysom, ale wręcz przeciwnie, jest to „brat”, dlatego stosunek do niego odpowiednio się rozwinął. Papier jest częścią otaczającej przyrody, którą Japończycy zawsze traktowali z szacunkiem i starali się jej nie podporządkowywać, ale pokojowo z nią współistnieć. Papier to w przeszłości drzewo, które stało na określonym terenie przez określony czas, „zobaczyło” coś wokół siebie i przechowuje to wszystko. Tak postrzega materiał japoński artysta. Często przed rozpoczęciem pracy mistrzowie długo patrzyli na pusty arkusz (kontemplowali go), a dopiero potem przystępowali do malowania. Nawet dzisiaj współcześni japońscy artyści, którzy uprawiają Nihon-ga (tradycyjne malarstwo japońskie), starannie dobierają papier. Kupują go na zamówienie z papierni. Dla każdego artysty pewna grubość, przepuszczalność wilgoci i faktura (wielu artystów zawiera nawet umowę z właścicielem fabryki, aby nie sprzedawać tego papieru innym artystom) - dlatego każdy obraz postrzegany jest jako coś wyjątkowego i żywego.
„Czytanie w bambusowym gaju” Shubun, 1446.
Mówiąc o znaczeniu tego materiału, warto wspomnieć tak znane zabytki literatury japońskiej, jak „Notatki przy wezgłowiu” Sei Shyonagon i „Genji Monogotari” Murasaki Shikibu: zarówno w „Notatkach”, jak i „Genji” można znajduj wątki, gdy dworzanie lub kochankowie wymieniają wiadomości. Papier, na którym spisano te orędzia, miał odpowiednią porę roku, odcień, a sposób pisania tekstu odpowiadał jego fakturze.
„Murasaki Shikibu w świątyni Ishiyama” Kyosen
Szczotka- drugi składnik to kontynuacja ręki mistrza (znowu jest to materiał naturalny). Dlatego też pędzle były wykonywane na zamówienie, ale najczęściej przez samego artystę. Wybrał włosy o wymaganej długości, wybrał rozmiar pędzla i najwygodniejszą rączkę. Mistrz pisze tylko własnym pędzlem i żadnym innym. (Z własnego doświadczenia: byłem na kursie mistrzowskim chińskiego artysty Jiang Shiluna, publiczność została poproszona o pokazanie, co potrafią jego uczniowie obecni na kursie mistrzowskim, a każdy z nich, biorąc pędzel mistrza, powiedział, że okaże się nie tak, jak się tego spodziewali, ponieważ pędzel nie jest ich, nie są do niego przyzwyczajeni i nie wiedzą, jak prawidłowo go używać).
Szkic tuszem „Fuji” autorstwa Katsushika Hokusai
atrament jest trzecim ważnym elementem. Tusz do rzęs może być różnego rodzaju: po wyschnięciu może dawać błyszczący lub matowy efekt, można go mieszać ze srebrnymi lub ochrowymi odcieniami, więc odpowiedni dobór tuszu do rzęs również nie jest bez znaczenia.
Yamamoto Baitsu, koniec XVIII - XIX wiek.
Głównymi tematami malarstwa monochromatycznego są pejzaże. Dlaczego nie mają koloru?
Podwójny ekran „Pines”, Hasegawa Tohaku
Po pierwsze, japońskiego artysty nie interesuje przedmiot sam w sobie, ale jego istota, pewien składnik wspólny dla wszystkich istot żywych i prowadzący do harmonii między człowiekiem a naturą. Dlatego obraz jest zawsze wskazówką, jest skierowany do naszych uczuć, a nie do wzroku. Niedopowiedzenie jest bodźcem do dialogu, a co za tym idzie połączenia. Linie i plamy są ważne w obrazie - tworzą artystyczny język. To nie jest dowolność mistrza, który tam, gdzie chciał, zostawił tam tłusty ślad, aw innym miejscu wręcz przeciwnie, nie rysował dobrze - na obrazie wszystko ma swoje znaczenie i znaczenie i nie niesie losowa postać.
Po drugie, kolor zawsze niesie ze sobą jakąś konotację emocjonalną i jest różnie postrzegany przez różnych ludzi w różnych stanach, więc neutralność emocjonalna pozwala widzowi najwłaściwiej wejść w dialog, ustawić go do percepcji, kontemplacji, myślenia.
Po trzecie, jest to interakcja yin i yang, każdy obraz monochromatyczny jest harmonijny pod względem proporcji atramentu i nietkniętego obszaru papieru.
Dlaczego większość miejsca na papier nie jest wykorzystywana?
„Krajobraz” Syubun, połowa XV wieku.
Po pierwsze, pustka przestrzeni pogrąża widza w obrazie; po drugie, obraz powstaje tak, jakby unosił się na chwilę na powierzchni i zaraz miał zniknąć – jest to związane ze światopoglądem i światopoglądem; po trzecie, tam gdzie nie ma tuszu, na pierwszy plan wysuwa się faktura i odcień papieru (nie zawsze widać to na reprodukcjach, ale w rzeczywistości zawsze jest to interakcja dwóch materiałów – papieru i tuszu).
Sesszu, 1446
Dlaczego krajobraz?
„Kontemplacja wodospadu” Gayami, 1478
Według japońskiego światopoglądu natura jest doskonalsza od człowieka, więc musi się od niej uczyć, chronić ją na wszelkie możliwe sposoby, a nie niszczyć czy podporządkowywać. Dlatego w wielu pejzażach można zobaczyć małe wizerunki ludzi, ale zawsze są one nieistotne, małe w stosunku do samego krajobrazu, lub wizerunki chat, które wpasowują się w przestrzeń wokół nich i nawet nie zawsze są zauważalne – to wszystko są symbole światopogląd.
„Pory roku: jesień i zima” Sesshu. „Krajobraz” Sesshu, 1481
Podsumowując, chcę powiedzieć, że japońskie malarstwo monochromatyczne nie jest przypadkowo rozchlapanym atramentem, nie jest kaprysem wewnętrznego ego artysty - to cały system obrazów i symboli, jest skarbnicą myśli filozoficznej, a co najważniejsze, sposobem komunikacji i harmonizacji siebie i otaczającego świata.
Tu, jak sądzę, znajdują się odpowiedzi na główne pytania, jakie stawia widz w konfrontacji z monochromatycznym malarstwem japońskim. Mam nadzieję, że pomogą ci to jak najlepiej zrozumieć i dostrzec podczas spotkania.
Witajcie drodzy czytelnicy - poszukiwacze wiedzy i prawdy!
Japońscy artyści wyróżniają się niepowtarzalnym stylem, szlifowanym przez pokolenia mistrzów. Dzisiaj porozmawiamy o najjaśniejszych przedstawicielach malarstwa japońskiego i ich obrazach, od starożytności po czasy współczesne.
Cóż, zanurzmy się w sztuce Kraju Kwitnącej Wiśni.
Narodziny sztuki
Starożytna sztuka malarska w Japonii jest związana przede wszystkim ze specyfiką pisma i dlatego opiera się na podstawach kaligrafii. Pierwsze przykłady to fragmenty dzwonów z brązu, naczynia i przedmioty gospodarstwa domowego znalezione podczas wykopalisk. Wiele z nich zostało pomalowanych naturalnymi farbami, a badania sugerują, że wyroby powstały wcześniej niż 300 pne.
Wraz z przybyciem do Japonii rozpoczął się nowy etap w rozwoju sztuki. Na emakimono - specjalnych papierowych zwojach - wizerunki bóstw panteonu buddyjskiego naniesiono sceny z życia Nauczyciela i jego wyznawców.
Przewagę motywów religijnych w malarstwie można prześledzić w średniowiecznej Japonii, czyli od X do XV wieku. Nazwiska artystów tamtej epoki do dziś niestety nie zachowały się.
W okresie XV-XVIII wieku rozpoczyna się nowy czas, charakteryzujący się pojawieniem się artystów o rozwiniętym indywidualnym stylu. Wyznaczyły wektor dalszego rozwoju sztuk plastycznych.
Jasni przedstawiciele przeszłości
Tense Shubun (początek XV wieku)
Aby stać się wybitnym mistrzem, Xubong studiował techniki pisarskie chińskich artystów Sung i ich twórczość. Następnie stał się jednym z założycieli malarstwa w Japonii i twórcą sumi-e.
Sumi-e to styl artystyczny oparty na rysunku tuszem, co oznacza jeden kolor.
Shubun zrobił wiele, aby nowy styl zakorzenił się w kręgach artystycznych, uczył sztuki innych talentów, w tym późniejszych słynnych malarzy, takich jak Sesshu.
Najpopularniejszy obraz Shubuna nosi tytuł „Czytanie w bambusowym gaju”.
„Czytanie w bambusowym gaju” autorstwa Tense Shubun
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Został twórcą szkoły, nazwanej swoim imieniem - Hasegawa. Początkowo starał się podążać za kanonami szkoły Kano, ale stopniowo w jego pracach zaczęto śledzić jego indywidualny „pismo”. Tohaku kierował się grafiką Sesshu.
Podstawą pracy były proste, zwięzłe, ale realistyczne krajobrazy o nieskomplikowanych nazwach:
- „Sosny”;
- "Klon";
- Sosny i rośliny kwitnące.
Sosny, Hasegawa Tohaku
Bracia Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)
Bracia byli znakomitymi rzemieślnikami XVIII wieku. Najstarszy, Ogata Korin, poświęcił się całkowicie malarstwu i stworzył gatunek rimpa. Unikał stereotypowych obrazów, preferując gatunek impresjonistyczny.
Ogata Korin malował naturę w ogóle, a kwiaty w formie jasnych abstrakcji w szczególności. Jego pędzle należą do obrazu:
- „Kwiat śliwy czerwono-biały”;
- „Fale Matsushimy”;
- „Chryzantemy”.
Fale Matsushimy Korin Ogata
Młodszy brat - Ogata Kenzan - miał wiele pseudonimów. Przynajmniej zajmował się malarstwem, ale był bardziej znany jako wspaniały ceramik.
Ogata Kenzan opanował wiele technik garncarskich. Wyróżniał się niestandardowym podejściem, np. tworzył tablice w formie kwadratu.
Własne malarstwo nie wyróżniało się przepychem - to też było jego osobliwością. Lubił umieszczać kaligrafię na produktach, takich jak zwój lub fragmenty poezji. Czasami pracowali razem z bratem.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Pracował w stylu ukiyo-e - rodzaj drzeworytu, innymi słowy malarstwa rytowniczego. Przez cały czas twórczości zmienił około 30 nazwisk. Najbardziej znanym dziełem jest Wielka fala u wybrzeży Kanagawy, dzięki której zasłynął poza ojczyzną.
„Wielka fala w Kanagawie” Hokusai Katsushiki
Szczególnie ciężko Hokusai zaczął pracować po 60 latach, co przyniosło dobre efekty. Van Gogh, Monet, Renoir znali jego twórczość i do pewnego stopnia wpłynęło to na twórczość europejskich mistrzów.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Jeden z najwybitniejszych artystów XIX wieku. Urodzony, mieszkał, pracował w Edo, kontynuował dzieło Hokusai, inspirował się jego twórczością. Sposób, w jaki przedstawił naturę, jest niemal równie uderzający, jak liczba samych prac.
Edo to dawna nazwa Tokio.
Oto kilka postaci dotyczących jego twórczości, które są reprezentowane przez cykl obrazów:
- 5,5 tys. – liczba wszystkich rycin;
- „100 widoków Edo;
- „36 widoków Fuji”;
- „69 stacji Kisokaido”;
- „53 stacje Tokaido” .
Malarstwo autorstwa Ando Hiroshige
Co ciekawe, wybitny Van Gogh napisał kilka kopii swoich rycin.
Nowoczesność
Takashiego Murakamiego
Malarz, rzeźbiarz, projektant mody, sławę zyskał już pod koniec XX wieku. W swojej pracy podąża za modowymi trendami z elementami klasyki, czerpie inspiracje z kreskówek anime i mangi.
Obraz Takashiego Murakamiego
Twórczość Takashiego Murakamiego zaliczana jest do subkultur, ale jednocześnie cieszy się niesamowitą popularnością. Na przykład w 2008 roku jedno z jego dzieł zostało kupione na aukcji za ponad 15 milionów dolarów. Kiedyś współczesny twórca współpracował z domami mody „Marc Jacobs” i „Louis Vuitton”.
Tycho Asima
Współpracowniczka poprzedniego artysty, tworzy współczesne obrazy surrealistyczne. Przedstawiają widoki miast, ulice megamiast i stworzenia jakby z innego wszechświata - duchy, złe duchy, obce dziewczyny. W tle obrazów często widać dziewiczą, czasem wręcz przerażającą przyrodę.
Jej obrazy osiągają duże rozmiary i rzadko ograniczają się do papieru. Przenoszą się na skórę, tworzywa sztuczne.
W 2006 roku, w ramach wystawy w stolicy Wielkiej Brytanii, kobieta stworzyła około 20 łukowatych konstrukcji, które odzwierciedlały piękno przyrody wioski i miasta, w dzień iw nocy. Jeden z nich ozdobił stację metra.
Hej Arakawa
Młodego człowieka nie można nazwać tylko artystą w klasycznym tego słowa znaczeniu – tworzy instalacje tak popularne w sztuce XXI wieku. Tematyka jego wystaw jest prawdziwie japońska i dotyka zarówno przyjaznych relacji, jak i pracy całego zespołu.
Ei Arakawa często bierze udział w różnych biennale, na przykład w Wenecji, jest wystawiany w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w swojej ojczyźnie i zasłużenie otrzymuje różne nagrody.
Ikenaga Yasunari
Współczesnemu malarzowi Ikenadze Yasunari udało się połączyć dwie pozornie nie do pogodzenia rzeczy: życie dzisiejszych dziewcząt w formie portretu oraz tradycyjne techniki Japonii wywodzące się z antyku. W swojej pracy malarz posługuje się specjalnymi pędzlami, farbami z naturalnym pigmentem, tuszem i węglem drzewnym. Zamiast zwykłego lnu - lniana tkanina.
Malarstwo Ikenagi Yasunari
Ta technika kontrastowania przedstawianej epoki i wyglądu bohaterek sprawia wrażenie, jakby powróciły one do nas z przeszłości.
Cykl obrazów przedstawiających zawiłości życia krokodyla, który ostatnio stał się popularny w społeczności internetowej, stworzył także japoński rysownik Keigo.
Wniosek
Tak więc malarstwo japońskie powstało około III wieku pne i od tego czasu bardzo się zmieniło. Pierwsze obrazy nanoszono na ceramikę, potem w sztuce zaczęły dominować motywy buddyjskie, jednak nazwiska autorów nie zachowały się do dziś.
W epoce New Age mistrzowie pędzla nabywali coraz więcej indywidualności, tworzyli różne kierunki, szkoły. Dzisiejsze sztuki wizualne nie ograniczają się do tradycyjnego malarstwa – wykorzystuje się instalacje, karykatury, rzeźby artystyczne, konstrukcje specjalne.
Bardzo dziękuję za uwagę, drodzy czytelnicy! Mamy nadzieję, że nasz artykuł okazał się przydatny, a opowieści o życiu i twórczości najwybitniejszych przedstawicieli sztuki pozwoliły lepiej ich poznać.
Oczywiście trudno w jednym artykule opowiedzieć o wszystkich artystach od starożytności do współczesności. Niech więc będzie to pierwszy krok w kierunku poznania malarstwa japońskiego.
I dołącz do nas - zapisz się na bloga - będziemy razem studiować buddyzm i kulturę Wschodu!
