Lista teatrów zagranicznych. Najsłynniejsze teatry świata

Teatr japoński* Przybycie japońskiego teatru kabuki do Moskwy i Leningradu jest niezwykle interesujące.

Teatr na Zachodzie iw naszym kraju* „W teatrze na Zachodzie nie ma kryzysu”1 – to stwierdzenie słyszy się coraz częściej. Właśnie przeczytałem to w artykule Giraudoux w ultraburżuazyjnym dzienniku Le Tan, w numerze z 22 lipca. Na dowód swego stanowiska Giraudoux oświadcza:

Teatr Ogromną rolę w życiu Puszkina odegrało środowisko teatralne w Petersburgu, młody poeta dosłownie pogrążył się w nim po opuszczeniu Liceum. Temat ten w kontekście tego rozdziału wydaje nam się szczególnie ważny, gdyż w ostatnich latach życia Puszkin zainteresował się

Teatr bez teatru Doświadczenie lirycznej i polemicznej prozy teatralnej Potężna siła bezwładu władzy oraz nasza wyjątkowa zdolność do tworzenia mitów i legend narzucały umysłowi całkowicie romantyczny obraz: wydawało się, że we wspaniałym gmachu Rossiego znajdują się cudowne tradycje

1. Teatr i „teatr” W 1576 r. w Shoreditch, na północnych przedmieściach Londynu, powstał pierwszy w historii nowożytnej Europy stacjonarny teatr do publicznych przedstawień. Jego założyciele: aktor James Burbage i jego zięć, sprzedawca warzyw John Brain, nadali swojemu dziecku nazwę „Teatr” („Teatr”).

Teatr i Dramat Czy wiesz, że obok Ciebie jest magiczny świat, w którym działają prawa twórczej fantazji? Nie? Nie! Nie mówię o książkach. Ten świat można zobaczyć, tych, którzy w nim żyją, można usłyszeć bez pomocy wyobraźni, która jest potrzebna przy czytaniu książek.

Wymiana kulturalna wzbogaca percepcję artystyczną i odgrywa ważną rolę w tworzeniu wzajemnego zrozumienia i pokojowego współistnienia różnych krajów. Entuzjastyczne przyjęcie przez zagranicznych widzów w Europie, Ameryce, Azji i Afryce spotykają się z tournée sowieckich grup teatralnych. Widzowie w Moskwie, Leningradzie i innych sowieckich miastach oklaskują najlepsze zagraniczne teatry i utalentowanych aktorów, którzy często przyjeżdżają do nas w ostatnich latach, aby pokazać swoje umiejętności.

Najlepsze angielskie teatry i aktorzy nadal czerpią z wielkiej realistycznej tradycji Szekspira. Pierwsze miejsce wśród teatrów szekspirowskich zajmuje londyński Old Vic, założony w 1894 roku i nazywany „The House of Shakespeare”. Teatr ten, który wychował wielu znakomitych aktorów, posiada stałą siedzibę teatralną i trupę. Przez ponad 60 lat wystawiano tam wszystkie sztuki Szekspira.

Dziś aktorzy Laurence Olivier, John Gielgud i Michael Redgreve, którzy przeszli przez szkołę Old Vic i są dobrze znani sowieckiej publiczności, cieszą się zasłużoną światową sławą. Najlepsze role wewnętrznie temperamentnego i zawsze szczerego Oliviera to Hamlet, Otello, Ryszard III, Makbet. Laurence'a Oliviera znamy dobrze z kina, w szczególności z roli admirała Nelsona w filmie Lady Hamilton. Michael Redgreve przybył do ZSRR z Shakespeare's Memorial Theatre w 1958 roku i grał rolę Hamleta z wielkim sukcesem.

Szekspirowski „Teatr Pamięci” znajduje się w miejscu narodzin genialnego dramatopisarza – w Stratford-upon-Avon. Aktorzy i reżyserzy są zapraszani do tego teatru, który wystawia wyłącznie dzieła Szekspira, tylko na jeden sezon. W latach 1959-1960. na deskach teatru w rolę Otella wcielił się murzyński piosenkarz i aktor Paul Robeson, który cieszy się wśród nas wyjątkową miłością. Objazdowy system „Teatru Pamięci” sprawia, że ​​nie ma tu silnego zespołu, a inscenizacje Szekspira są bardzo zróżnicowane stylistycznie – w zależności od tego, który reżyser wystawia sztukę, realista czy zwolennik nowoczesnego modernizmu.

Dzieła Szekspira wystawiane są także w innych angielskich teatrach. Ale w istocie nie są to teatry, ale zespoły, które przedsiębiorca rekrutuje do wystawienia jednej sztuki w przypadkowej sali teatralnej. Taka trupa, kierowana przez reżysera Petera Brooka, przyjechała do Moskwy w 1956 roku z przedstawieniem Hamleta z Paulem Scofieldem w roli tytułowej. Podobnych przedsięwzięć teatralnych w Anglii jest całkiem sporo. Długowieczność takich zespołów zależy od kasy. Jeśli nie ma opłat, trupa się rozpada, aktorzy zostają bez pracy.

Szczególną stroną angielskiego życia teatralnego są teatry ludowe. Wśród nich pierwsze miejsce zajmuje Teatr Jedność, założony w 1937 roku. Jedność służy masom, jeździ ze spektaklami do fabryk i zakładów. Niektórzy główni aktorzy, tacy jak Paul Robeson, mają silną twórczą przyjaźń z teatrem. Wystawiane są tutaj tylko współczesne sztuki poruszające ostre tematy społeczno-polityczne. Kilka lat temu na deskach teatru wisiał przegląd polityczny „Rosjanie mówią: tak”, opowiadający o walce Związku Sowieckiego o pokój; niedawno odbyła się inscenizacja Poematu pedagogicznego A.S. Makarenko.

Życie teatralne Francji wydaje się inne. Działają tu dwa teatry państwowe – dawna „Komedia Francuska” i „Teatr Narodowy Ludu”, założony w Paryżu w latach 20. XX wieku. Oba teatry koncertowały po Związku Radzieckim po II wojnie światowej.

Teatr „Komedia Francuska” - strażnik klasycznych tradycji Francji. Jego repertuar obejmuje głównie sztuki Corneille'a, Racine'a, Moliera, Hugo, Beaumarchais i innych słynnych francuskich dramaturgów z przeszłości. Kunszt zawodowy aktorów tego teatru Louis Seigner, Andre Falconi, Ani Ducos przejawia się przede wszystkim w wirtuozowskim władaniu słowem, w niezwykle jasnej dykcji i temperamencie gry.

Jeśli „Komedia Francuska” widzi swoje główne zadanie w zachowaniu starych tradycji, to „Narodowy Teatr Ludowy” wychodzi z innych pozycji. Ze swoimi przedstawieniami podróżuje na prowincję, starając się uczynić sztukę teatralną dostępną i zrozumiałą dla współczesnych. Nawet sztuki klasyczne wystawiane są tu w nowoczesnych technikach inscenizacyjnych, które wyróżniają się zwięzłością i skrajną ekspresją. Jean Vilar i Maria Cazares wyróżniają się wśród najlepszych aktorów tego teatru.

Szczególnym rodzajem widowiska teatralnego we Francji są festiwale ludowe, które narodziły się w tym kraju w latach Rewolucji Francuskiej. Są to spektakle masowe-widowiska o tematyce rewolucyjnej, w których biorą udział orkiestry, chóry, soliści-śpiewacy i aktorzy dramatyczni.

Liczni zwolennicy modernizmu we francuskim teatrze w swoich przedstawieniach zwracają uwagę nie tyle na treść, ile na formę przedstawienia. Teatry takie, jak również wszelkiego rodzaju placówki rozrywkowe - kabarety i sale koncertowe - służą głównie publiczności mieszczańskiej.

Najbardziej uderzające komercyjne podejście do biznesu teatralnego przejawia się w Stanach Zjednoczonych. Nie ma tu teatrów państwowych, wszystkie przedsiębiorstwa rozrywkowe są komercyjne, prywatne kapitalistyczne. Wiele z tych teatrów znajduje się przy głównej ulicy Nowego Jorku - Broadwayu. Dlatego nazywane są „teatrami na Broadwayu”. Nie ma stałych pomieszczeń teatralnych i stałych zespołów. W każdym budynku teatralnym wystawiana jest tylko jedna sztuka, która jest pokazywana każdej nocy, czasem nawet 1500 nocy z rzędu. Trupę prowadzi czołowy aktor lub aktorka; w USA nazywane są „gwiazdami”. Wszystkie inne role odgrywają drugoplanowi aktorzy, których na „giełdzie pracy” zawsze jest wielu. O sukcesie decydują dochody ze sprzedaży biletów. Przedsiębiorcy zamieniają niektóre produkcje na Broadwayu w wielki biznes.

W 1960 roku jedna z trup Broadwayu odbyła tournée po ZSRR ze sztuką „My Fair Lady” (adaptacja sztuki „Pigmalion” B. Shawa).

Ze względu na komercyjny system większości teatrów praca amerykańskich aktorów odbywa się w trudnych warunkach. Nawet najlepsi aktorzy w Stanach Zjednoczonych muszą co wieczór występować w tej samej roli. Prowadzi to nieuchronnie do mechanizacji procesu twórczego.

Najlepszym z amerykańskich teatrów repertuarowych była „Grupa”, która istniała zaledwie 10 lat (1931-1941).

Obecnie w Stanach Zjednoczonych jest bardzo niewiele wyspecjalizowanych teatrów ludowych. Poszczególne zespoły występują z progresywnym repertuarem przed demokratyczną publicznością, wędrując od klubu do klubu, a latem także na świeżym powietrzu.

Życie teatralne w demokracjach ludowych wygląda zupełnie inaczej. Tutaj w każdym kraju są tylko teatry państwowe ze stałymi siedzibami teatralnymi i zespołami. Sowiecka kultura teatralna ma zbawienny wpływ na teatr tych krajów.

Najlepsze sztuki radzieckie spotykają się tutaj z ciepłym przyjęciem publiczności, młodzi pisarze uczą się na najlepszych przykładach radzieckiego dramatu. Wielokrotnie radzieccy reżyserzy - artyści ludowi A. D. Popow, J. A. Zawadski i inni - podróżowali do krajów demokracji ludowej, aby wystawić szereg sztuk.

Wśród największych teatrów w krajach demokracji ludowej należy wymienić „Teatr Niemiecki” w NRD (Berlin), na czele którego stoi reżyser W. Langhof. Teatr „Berlin Ensemble”, zorganizowany przez słynnego pisarza i dramatopisarza Bertolta Brechta, występował z wielkimi sukcesami w ZSRR. W NRD jest wielu utalentowanych aktorów: na przykład Ernst Busch jest aktorem niezwykle głębokiej gry psychologicznej, znanym w naszym kraju jako wykonawca rewolucyjnych piosenek; Helena Weigel jest charakterystyczną wykonawczynią kobiecych wizerunków w dramatach B. Brechta.

Szeroko znany jest także Czeski Teatr Narodowy w Pradze. Aktor tego teatru J. Pruha znakomicie zagrał rolę V. I. Lenina w „Kremlowskich kurantach” N. F. Pogodina.

Nie mniej owocnie rozwijają się teatry w Bułgarii, na Węgrzech, w Rumunii, Albanii iw Polsce.

Trudno znaleźć drugi kraj, w którym sztuka teatralna cieszyłaby się tak wielką popularnością i miłością ludzi jak w Chinach. W Chińskiej Republice Młodych Ludowych istnieje również klasyczny tradycyjny teatr Xiqu, który ma 800 lat, oraz teatr konwersacyjnego dramatu, który pojawił się na początku XX wieku. Komunistyczna Partia Chin wyznaczyła teatrowi kraju priorytetowe zadanie - oczyszczenie repertuaru i sztuki aktorskiej ze wszystkiego, co szkodliwe i antyludowe, co wniosła do niego epoka feudalizmu, przybliżenie teatru do życia, stworzyć pełnoprawny obraz współczesnego.

Obecnie na chińskich scenach, obok klasyków krajowych i europejskich, z wielkim powodzeniem występują sztuki współczesnych chińskich dramaturgów Guo Moruo, Tyash Han, Cao Soi i innych.

Pomimo wielkich różnic, teatr tradycyjny i teatr potocznego dramatu dążą do twórczej wspólnoty i wzajemnego wzbogacania się.

Jeśli znajdziesz błąd, zaznacz fragment tekstu i kliknij Ctrl+Enter.

Teatr XX wieku to teatr poszukiwań i licznych eksperymentów, które nadały mu nowe formy i środki wyrazu, szczególny styl artystyczny. W XX wieku. Wiodące kierunki – realizm i romantyzm – ustępują miejsca nowym, przeciwstawnym nurtom w teatrze, który nazwiemy modernistycznym. Znaczący wpływ na sztukę teatralną XX wieku wywarł nowy dramat, reprezentowany przez takie nazwiska jak: G. Ibsen (Norwegia), B. Shaw (Wielka Brytania), G. Hauptmann (Niemcy), R. Rolland (Francja). Sztuka tych autorów determinowała charakter i cechy rozwoju sztuki teatralnej na kilkadziesiąt lat.

George Bernard Shaw (1856 -1950) brytyjski (irlandzki i angielski) pisarz, prozaik, dramaturg, laureat literackiej Nagrody Nobla. Położył podwaliny pod powstanie teatru intelektualnego, który edukuje świadomość i umysł widzów.

Shaw opowiadał się za teatrem wzniosłych idei, zdolnym do nauczenia myślenia, a tym samym działania. Stworzył teorię „nadczłowieka”, człowieka przyszłości, który ma zdolność zmiany na lepsze nie tylko siebie, ale i otaczającego go świata. Jego bohater jest pełen dobrych, a nie złych myśli, głównym celem jest tworzenie, a nie niszczenie. Bernard Shaw zastosował szczególny sposób przedstawiania problemów – paradoks. Dlatego w jego twórczości jest jednocześnie komizm i tragizm, wzniosłość i podłość, fantazja i rzeczywistość, ekscentryczność, bufonada i groteska. Istota i znaczenie pracy Shawa tkwiły w słowach: „Najzabawniejszym żartem na świecie jest mówienie ludziom prawdy”

Awangarda w sztuce teatralnej. Nowe, modernistyczne nurty w sztuce teatralnej XX wieku to: ekspresjonizm w Niemczech; futuryzm we Włoszech; konstruktywizm w Rosji; surrealizm we Francji

Ekspresjonizm w Niemczech. Pod koniec I wojny światowej w Niemczech wyłonił się nowy kierunek, wyraźnie wyrażający desperacki protest przeciwko „Krzykowi” Edvarda Muncha o bezdusznym stosunku do ludzkiego cierpienia (1895). Dotkliwe skutki wojny narzuciły teatralnej scenie nowe tematy i formy zdolne obudzić duszę i świadomość człowieka. Kierunkiem tym stał się ekspresjonizm (z fr. „ekspresja”). Scena teatralna odsłoniła przed widzami wszystkie niuanse świadomości bohatera: wizje, sny, przeczucia, wątpliwości i wspomnienia. Dramaturgię niemieckiego ekspresjonizmu nazwano „dramatem krzyku”. Bohaterowie spektakli teatralnych widzieli koniec świata, nadchodzącą globalną katastrofę, „ostatni kataklizm” natury. Na scenie ekspresjonistycznego teatru w Niemczech pojawił się mały człowieczek o oczach pełnych beznadziejnej rozpaczy i krzyku.

LEONHARD FRANK (1882 -1961) Tytuł jego pierwszej książki - "Dobry człowiek" (1917) - stał się mottem ekspresjonistów, hasłem programowym ich "rewolucji miłości". Prace: powieść „Gang rabusiów” (1914); opowiadanie „W ostatnim powozie” (1925); w powieści „Po lewej stronie, gdzie jest serce” (1952) wyrażono sympatie Franka do socjalizmu. Sztuki teatralne wystawiano w Szwajcarii, Francji, Wielkiej Brytanii, USA i ZSRR.

Surrealizm we Francji. (fr. „superrealizm”, „stanie ponad rzeczywistością”) Zwolennicy S. zaprzeczali logice w sztuce i sugerowali, by artyści zwracali się w sfery ludzkiej podświadomości (do snów, halucynacji, urojeń), zachowując przy tym pewne cechy rzeczywistości. Jean Paul Sartre (1905 - 1980) - francuski filozof i pisarz. W 1943 wystawił w okupowanym Paryżu dramat - przypowieść "Muchy" opartą na antycznym micie o Orestesie.

„Teatr epicki” Bertolta Brechta (1898 - 1956) – niemieckiego dramatopisarza XX wieku. Stosował w swoich przedstawieniach komentowanie wydarzeń z zewnątrz, stawia widza w pozycji obserwatora, włączał do spektakli występy chóru, pieśni – zongi, wstawki numeryczne, najczęściej niezwiązane z fabułą spektaklu. Napisy i plakaty były szeroko stosowane w przedstawieniach. „Efekt wyobcowania” to szczególna technika polegająca na tym, że przed publicznością pojawia się piosenkarz lub narrator, komentując to, co się dzieje, w zupełnie inny sposób, niż mogliby to zrobić bohaterowie. (Ludzie i zjawiska pojawili się przed publicznością z najbardziej nieoczekiwanej strony)

„Opera za trzy grosze” – napisana w 1928 r. we współpracy z E. Hauptmanem; w gatunku opery zong; kompozytora Kurta Weila.

Dziedzictwo Brechta. Zasady artystyczne teatru epickiego Brechta rozwijało wielu reżyserów świata. We Włoszech stały się podstawą wyjątkowej reżyserii George'a Strehlera (1921-1997) w Piccolo Theatre w Mediolanie (1047). w Teatrze Taganka, 1964), The Caucasian Chalk Circle (Robert Sturua w Teatrze Sh. Rustaveli , 1975), Opera za trzy grosze (Valentin Pluchek w Teatrze Satyry i Władimir Maszkow w Satyriconie, 1996 - 1997)

• Teatr XX wieku to teatr poszukiwań i licznych eksperymentów, które nadały mu nowe formy i środki wyrazu, szczególny styl artystyczny.

• W XX wieku. Wiodące kierunki – realizm i romantyzm – ustępują miejsca nowym, przeciwstawnym nurtom w teatrze, który nazwiemy modernistycznym.

• Znaczący wpływ na sztukę teatralną XX wieku wywarł nowy dramat, reprezentowany przez takie nazwiska jak: G. Ibsen (Norwegia), B. Shaw (Wielka Brytania), G. Hauptmann (Niemcy), R. Rolland (Francja).

• Sztuka tych autorów determinowała charakter i cechy rozwoju sztuki teatralnej na kilkadziesiąt lat.

George'a Bernarda Shawa (1856-1950)

• Brytyjski (irlandzki i angielski) pisarz, prozaik, dramaturg, laureat Nagrody Nobla w dziedzinie literatury.

• Położył podwaliny pod powstanie teatru intelektualnego, który edukuje świadomość i umysł widzów.

• Shaw opowiadał się za teatrem wzniosłych idei, zdolnym do nauczenia myślenia, a tym samym działania.

• Stworzył teorię „nadczłowieka”, człowieka przyszłości, który ma zdolność zmiany na lepsze nie tylko siebie, ale i otaczającego go świata.

• Jego bohater jest pełen dobrych, a nie złych myśli, głównym celem jest tworzenie, a nie niszczenie.

• Bernard Shaw zastosował szczególny sposób przedstawiania problemów – paradoks.

• Dlatego w jego twórczości jest jednocześnie komizm i tragizm, wzniosłość i podłość, fantazja i rzeczywistość, ekscentryczność, bufonada i groteska.

• Istota i znaczenie pracy Shawa tkwiły w słowach: „Najzabawniejszym żartem na świecie jest mówienie ludziom prawdy”

Sztuki B. Shawa

• „Dom, w którym łamią się serca” (1913 -1919)

Awangarda w sztuce teatralnej.

• Nowe, modernistyczne nurty

• sztuka teatralna XX wieku to:

• ekspresjonizm w Niemczech;

• futuryzm we Włoszech;

• konstruktywizm w Rosji;

• surrealizm we Francji

Ekspresjonizm w Niemczech.

• Pod koniec I wojny światowej w Niemczech pojawił się nowy trend, wyraźnie wyrażający desperacki protest przeciwko bezdusznemu podejściu do ludzkiego cierpienia.

• Dotkliwe skutki wojny narzuciły teatralnej scenie nowe tematy i formy zdolne obudzić duszę i świadomość człowieka.

• Ekspresjonizm stał się tym nurtem.

• (francuskie „wyrażenie”)

• Scena teatralna odsłoniła widzom wszystkie niuanse świadomości bohatera: wizje, sny, przeczucia, wątpliwości i wspomnienia.

• Dramaturgię niemieckiego ekspresjonizmu nazywano „dramatem krzyku”. Bohaterowie spektakli teatralnych widzieli koniec świata, nadchodzącą globalną katastrofę, „ostatni kataklizm” natury.

• Na scenie ekspresjonistycznego teatru w Niemczech pojawił się mały człowieczek o oczach pełnych beznadziejnej rozpaczy i krzyku.

LEONHARD FRANEK (1882-1961)

• Tytuł jego pierwszej książki – „Dobry człowiek” (1917) – stał się mottem ekspresjonistów, hasłem programowym ich „rewolucji miłości”.

• Dzieła sztuki:

• Powieść „Gang rabusiów” (1914);

• opowiadanie „W ostatnim powozie” (1925);

• w powieści „Po lewej stronie, gdzie jest serce” (1952) wyrażono sympatie Franka do socjalizmu.

• Sztuki teatralne wystawiano w Szwajcarii, Francji, Wielkiej Brytanii, USA i ZSRR.

Surrealizm we Francji. (francuski „superrealizm”, „stanie ponad rzeczywistością”)

• Zwolennicy S. zaprzeczali logice w sztuce i sugerowali, by artyści zwracali się w sfery ludzkiej podświadomości (do snów, halucynacji, urojeń), zachowując przy tym pewne cechy rzeczywistości.

• Jean Paul Sartre (1905 - 1980) - francuski filozof i pisarz.

• W 1943 wystawił w okupowanym Paryżu dramat - przypowieść "Muchy" opartą na antycznym micie o Orestesie.

„Teatr epicki” Bertolta Brechta (1898 - 1956) – niemieckiego dramatopisarza XX wieku.

• Stosował w swoich przedstawieniach komentowanie wydarzeń z zewnątrz, stawia widza w pozycji obserwatora, włączał do spektakli występy chóru, pieśni – zongi, wstawki numeryczne, najczęściej niezwiązane z fabułą spektaklu.

• Napisy i plakaty były szeroko stosowane w przedstawieniach.

• „Efekt wyobcowania” to szczególna technika polegająca na tym, że przed publicznością pojawia się piosenkarz lub narrator, komentując to, co się dzieje, w zupełnie inny sposób, niż mogliby to zrobić bohaterowie. (Ludzie i zjawiska pojawili się przed publicznością z najbardziej nieoczekiwanej strony)

• „Opera za trzy grosze” – napisana w 1928 r. we współpracy z E. Hauptmanem; w gatunku opery zong; kompozytora Kurta Weila.

„Matka Courage i jej dzieci” (1939)

Dziedzictwo Brechta.

• Zasady artystyczne teatru epickiego Brechta rozwijało wielu reżyserów świata.

•