Grupa przyjaciół je śniadanie na zalanym słońcem tarasie kawiarni na świeżym powietrzu nad brzegiem rzeki, kilka kilometrów od Paryża. Miejscem namalowania obrazu była restauracja Fournese, położona na wyspie w Chatou nad Sekwaną. Było to miejsce spotkań wyższych sfer, poetów, aktorów, intelektualistów i wioślarzy. Podobnie jak Renoir, oddano tutaj swobodną, żywą atmosferę, która powstaje w towarzystwie paryżan, którzy wyjechali odpocząć na świeżym powietrzu. Obraz ten, bardzo nowoczesny w treści, jednocześnie wyraźnie nawiązuje do płócien dawnych mistrzów przedstawiających biesiady, w szczególności do dzieł XVI-wiecznego weneckiego artysty Veronese. Pomimo tego, że obraz oddaje poczucie spontaniczności chwili, Renoir przez kilka miesięcy starannie budował jego kompozycję, zapraszając modelki (swoich przyjaciół i specjalnie zaproszone osoby) do Chatu, które pozowały mu osobno.
(1880-1881) 130 x 173 cm Phillips Collection, Waszyngton
Obrazy przedstawiające paryżan wypoczywających poza miastem pozwoliły Renoirowi i innym impresjonistom połączyć zainteresowanie scenami współczesnego życia z pracą w plenerze. Renoir i jego przyjaciel Monet jeszcze wcześniej, w 1869 roku, malowali Paryżan na wakacjach, siedzących obok siebie nad brzegiem Żaby w Bougival, półtora kilometra od Chatou. A w przyszłości sceny rekreacji nad rzeką nadal inspirowały artystę.
Wiele podmiejskich ucieczek, takich jak Château (gdzie napisano śniadanie wioślarzy ), stało się łatwo dostępnych dla paryżan wraz z rozwojem sieci kolejowej w połowie wieku.
Do 1880 roku Chatou stało się ulubionym miejscem wypoczynku na świeżym powietrzu, do którego na weekend przyjeżdżali nie tylko zamożni paryżanie, ale także ludzie pracy. Różne miasta położone nad brzegiem Sekwany pod Paryżem zapewniały różne rodzaje rekreacji wodnej. Na przykład Argenteuil, gdzie Monet osiadł w 1873 roku, z czasem przekształcił się w prawdziwy klub jachtowy, więc łodzie pod śnieżnobiałymi żaglami znajdują się na wielu płótnach tego artysty. Miłośnicy wioślarstwa gromadzili się głównie w Asnières i Chatou, a łodzie z wioślarzami odnajdujemy na obrazach Renoira i Gustave'a Caillebotte'a (1848-1894), którzy namalowali te same sceny w zupełnie inny sposób. Płótna Renoira oddają widzowi ospałe lenistwo weekendów spędzonych nad rzeką, podczas gdy Caillebotte Caillebotte, który sam był dobrym wioślarzem i żeglarzem, możemy zobaczyć na obrazie Renoira. Siedzi na pierwszym planie po prawej stronie, ubrany w podkoszulek i tradycyjny słomkowy kapelusz.
Kto jest kim na tym święcie życia - wie Wikipedia.
Wędrujemy między różnymi osądami: nie ma nic, co chcielibyśmy dobrowolnie, bezwarunkowo i na stałe.
Na początku 1880 roku Renoir złamał prawą rękę. Nie żałował z tego powodu. Miał szczęśliwy charakter, zawsze wierzył, że w przebraniu kryje się błogosławieństwo. Poza tym lubił próbować swoich sił w różnych technikach, w różnych technikach malarskich, więc postanowił wykorzystać wypadek. W lutym z radością opowiadał Theodore’owi Duretowi: „Lubię pracować lewą ręką. Okazuje się to bardzo zabawne i nawet lepsze niż to, co napisałem prawą ręką. Myślę, że złamałem rękę bardzo wygodnie, to pomaga mi się poprawić. Pangloss miał rację. Renoir kontynuował przygotowania do następnego Salonu. Oprócz „Łapaczy muszli” zamierzał wysłać tam płótno, które naszkicował improwizując, gdy pozująca mu modelka Angele zasnęła podczas sesji. Ciemnowłosa dziewczyna z Montmartre, Angele, prowadziła szczerze rozwiązłe życie. Dorastała wśród prostytutek, alfonsów i złodziei i kierowała się jedną zasadą zachowania - cieszyć się życiem. Jeśli jej matka skarciła Angel, kiedy wracała rano do domu ze zmarszczkami i siniakami pod oczami, to tylko po to, żeby Angele zrozumiała: „To wszystko jest męczące!”. Tak wyczerpujący, że Angel często zasypiał, pozując Renoirowi. Artystka napisała go w jednym z tych momentów, kiedy dziewczyna zasnęła, siedząc w czerwonym fotelu - pierś Angeli jest półnaga, na jej kolanach siedzi szary kot.
Od kilku miesięcy inna dziewczyna pozowała Renoirowi, jego sąsiadce z Rue Saint-Georges Alinie Charigot, która pracowała w warsztacie krawieckim. Renoir spotkał Alinę w mleczarni, gdzie jadł śniadanie i lunch. Dobroduszna właścicielka mleczarni, Madame Camille, była niezwykle opiekuńcza w stosunku do Renoira i często lamentowała z powodu jego szczupłości. „Szkoda tylko patrzeć”, jęknęła i dodała: „On musi się ożenić”. Madame Camille miała dwie córki nadające się do małżeństwa.
Alina Charigot, podobnie jak Madame Camille, pochodziła z działu L "Ob. To wyjaśniało przyjazne stosunki dziewczyny z kochanką mleczarni, gdzie poznała artystę. Jesienią, po powrocie z Vargemont, Renoir zabrał Alinę do Chatou i przedstawił ją na swoim obrazie „Wioślarze”: Alina w czerwonej sukience siedzi na trawiastym brzegu Sekwany obok Edmonda, ubrana w białą koszulę.
Alina była córką winiarza, który nie dogadywał się z żoną i na kilka lat przed wojną 1870 roku nagle opuścił dom w Essois, małym miasteczku między Troyes a Châtillon-sur-Seine, i przeniósł się Stany Zjednoczone. Jego żona Emelie została krawcową w Paryżu. Przekonana, że jej poglądy na życie są jedynymi słusznymi, Emeli najwyraźniej nie wyróżniała się łatwym charakterem. „Nuda” – uprzejmie ocenił ją Renoir. Pewnego razu przyszła z córką do warsztatu i stojąc przed sztalugami spojrzała pogardliwym spojrzeniem na rozpoczęty obraz: „I tak się utrzymujesz? Cóż, niektórzy ludzie mają szczęście”.
Emily, podobnie jak Renoir, miała około czterdziestki, Alina miała w maju skończyć dwadzieścia jeden lat.
Dobrze zbudowana blondynka, Alina, zdaniem artystki, była bardzo „wygodna”. „Chcę ją poklepać po plecach jak kotka” - powiedział zaczarowany Renoir. Ze swojej strony Alina bardzo lubiła pozować dla artysty. Ta młoda wieśniaczka, której właścicielka szwalni poradziła znaleźć „przyzwoitą partię”, wyjść za mąż za „bogatego i nie za młodego”, nie patrzyła na nikogo poza swoim sąsiadem, a on, choć spotkał drugiego stan, nie był bynajmniej bogaty. , ani przystojny: zapadnięte policzki, drgająca twarz, rzadka broda, krzaczaste brwi, przygarbiony. Alina nie rozumiała malarstwa. A jednak, patrząc na Renoira wymachującego pędzlami, doznała zaskakująco ekscytującego uczucia pełni życia. Miała jakieś niejasne, nieświadome, ale nieodparte uczucie, że będąc obok niego, ma kontakt z czymś najważniejszym, autentycznym, czego nie potrafiła ująć w słowa, z czymś zasadniczo różnym od tego, z czym spotykała się do tej pory. . Ten człowiek, który patrzył na nią, a potem malował czyste płótno, we wszystkim - zarówno w swoim fachu, jak i sposobie życia, a także w sposobie, w jaki patrzył na ludzi i otaczające przedmioty - zdecydowanie różnił się od zwykłego świat. A klucze do tego świata nie pasowały do niego. Kiedy skończył malować, uniósł nogi, położył je na krześle i dwukrotnie nerwowo pocierając nos palcem wskazującym – to był jeden z jego tików – spojrzał na płótno, spojrzał na modelkę i uśmiechnął się. Uśmiechał się jak szczęśliwe dziecko. „Wyjdź za bogacza…” Kierując się prawdziwym instynktem właściwym niektórym kobietom i wrodzoną jej rozwagą, która pozwala jej odróżnić ostentację od autentyczności, Alina od pierwszych dni poczuła, jak bardzo pociąga ją artysta. Nie rozumiała malarstwa, ale zdała sobie sprawę, że Renoir to Renoir. Była to dla niej niezaprzeczalna prawda. Jeśli Alina musiała dokonać wyboru, dokonała go.
1 kwietnia na antresoli jednego z domów przy ulicy Piramidowej otwarto nową, piątą z kolei, wystawę impresjonistów. Ale czy można to nazwać wystawą impresjonistów? Po Renoirze, Sisley, Cezanne, inspirator wystaw, Claude Monet, tym razem odłączył się od grupy. Spośród byłych uczestników tylko Pissarro, Degas, Berthe Morisot i Caillebotte byli reprezentowani na Rue des Pyramids. Ale Degas szukał i przyciągał nowych artystów, którym patronował. Na ubiegłorocznej wystawie, za jego namową, pokazywane były już obrazy Amerykanki Mary Cassatt, Forena i Wenecjanina Zandomeneghiego. W tym roku zażądał, aby Raffaelli wziął udział w wystawie i zgodził się przyjąć sporo prac przyjaciela Pissarro, Paula Gauguina. Monet był zdecydowanie przeciwny tym nominacjom; ich udział w wystawie prawdopodobnie przyczynił się do tego, że Monet utwierdził się w zamiarze pójścia za przykładem Renoira i wysłania obrazów do Salonu. Wręczył jury dwa płótna. Jeden został odrzucony, drugi przyjęty. Był to pejzaż - widok na Lavacourt, małą wioskę w dolinie Sekwany naprzeciw Veteil, w której artysta mieszkał od dwóch lat. W życiu Moneta na ogół zaszły zmiany. Jego żona, nie mogąc wytrzymać długotrwałej potrzeby, zmarła przed trzydziestką. A żona Ernesta Oshede, po opuszczeniu męża, została dziewczyną artysty.
Podobnie jak Renoir, Monet zbliżył się do rodziny Charpentierów. Madame Charpentier z niesłabnącą uwagą śledziła sukcesy wspieranych przez siebie artystów. Kilka miesięcy wcześniej Renoir, który nadal dla niej pracował (czasem nawet malował menu jej przyjęć), udekorował klatkę schodową jej posiadłości dwoma panelami – jednym przedstawiającym kobietę, drugim mężczyznę. (Odnośnie tych paneli alzacki Enner powiedział Renoirowi: „Jesień, jesienne caracho, tylko stosunkowo małe zamieszanie: włosy mężczyzny są zawsze grubsze i ciemniejsze niż włosy kobiety!”). Galeria Vie Moderne, w czerwcu - Claude Monet. „Fantastyczna reklama” - powiedział Degas, oburzony na Moneta. Całkowicie zerwał z „apostatą”.
Takie uprzejmości bynajmniej nie przyczyniły się do przywrócenia harmonii między skłóconymi przyjaciółmi. Renoir czuł, że nie został potraktowany życzliwie, przestając zapraszać go na wystawy zbiorowe. Ponadto on, podobnie jak Monet, wcale nie aprobował nowych uczestników. Nigdy nie rozpoznał ani obrazu Gauguina, ani obrazu Rafaellego. O Rafaelli ktoś powiedział Renoirowi: „Powinieneś go polubić, przedstawiał biednych”. „To budzi moje wątpliwości” – odpowiedział Renoir. - W malarstwie dla mnie biedni nie istnieją. Jak jednak w życiu – dodał po chwili.
Było całkiem oczywiste, że impresjoniści przeżywali krytyczny moment, a ten sam Albert Wolff był gotów czytać im marnotrawstwo.
„Dlaczego człowiek taki jak Degas wciąż zadaje się z tą bandą przeciętniaków? — pytał krytyk „Le Figaro” w numerze z 9 kwietnia. – Dlaczego nie idzie za przykładem Maneta, który już dawno zerwał z impresjonistami? Był zmęczony ciągłym ciągnięciem za sobą ogona tej skandalicznej szkoły.
Ale krytyczny okres dla impresjonistów nadszedł, gdy Durand-Ruel zaczął mieć nadzieję na wznowienie zakupów. Miłośnik sztuki Feder, dyrektor General Union, katolickiego banku założonego półtora roku wcześniej, przyszedł z pomocą kupcowi, przekazując mu duże sumy. Jednak kryzys impresjonizmu był nieunikniony. Rozwój nurtów w sztuce charakteryzuje się tymi samymi organicznymi, nieuchronnymi wzorcami, co rozwój jednostki na pewnych etapach jej losu. Grupy, przez które te tendencje są reprezentowane, podlegają zawsze nierównym i najczęściej przeciwstawnym siłom, odzwierciedlającym pasje, egoistyczne aspiracje, z góry przyjęte opinie i różne, mniej lub bardziej wyraźne tendencje tworzących te grupy jednostek. Równowaga sił osiągana jest tylko na bardzo krótki czas. Potrzeba zjednoczenia w obliczu wrogiego otoczenia w wspólne poszukiwanie w imię wspólnej walki jednoczy silniej niż wewnętrzne powinowactwo. Walka impresjonistów nie zakończyła się, ale teraz zmieniła formę, nabrała bardziej indywidualnego charakteru. Każdy grał w swoją grę, przesuwał swoje figury. Chodziło nie tylko o to, że interesy graczy przestały być zbieżne, a nawet sprzeczne, ale także o to, że impresjonizm podlegał uniwersalnemu prawu życia. Zrodzony z kolekcji artystów stłoczonych wokół Maneta w kawiarni Guerbois, dorastał, ugruntował się w głównych rolach, potem przeżywał okres rozkwitu. Ale ci, których entuzjazm go stworzył, idąc ciernistą ścieżką, wyostrzali swoje zmysły i doskonalili swoje rzemiosło. Impresjonizm, ta wiosna malarstwa, był ich młodością. Teraz osiągnęły dojrzałość. I w końcu, pod koniec ich pełnych pasji wspólnych poszukiwań, wszyscy po kolei nabyli lub nabyli swoją wyjątkową indywidualność. Jeszcze wczoraj w Argenteuil czy La Grenouillere Monet i Renoir mogli pracować obok siebie, kierując się ogólnymi malarskimi formułami. Teraz ten czas odszedł w przeszłość. Drogi impresjonistów rozeszły się. Podobnie jak dzieci, które dorastały w tej samej rodzinie, ale stały się dorosłe, każde z nich znalazło się twarzą w twarz ze swoimi problemami. Związani duchowo tym, co kiedyś ich połączyło i uczyniło tym, czym się stali, od teraz musieli pozostać przede wszystkim sobą, a wielkimi artystami stali się tylko ci z nich, którym udało się wtedy lub później odnaleźć własną drogę w malarstwie. . „Sztuka jest indywidualna, podobnie jak miłość” – powiedział Vlaminck. Grupa się rozpadła. Impresjonizm pękał jak dojrzały owoc.
Zola, który niezbyt przenikliwie oceniał malarstwo, ale instynktownie wychwytywał zmiany zachodzące w dużych grupach, wzorce rozwoju społecznego (jego powieści były nie tyle psychologiczne, co socjologiczne), wcześniej niż wielu współczesnych zrozumiał, że impresjonizm zbliża się ku zmierzchowi. Wkrótce miał okazję wypowiedzieć się na ten temat, ponieważ Renoir i Monet zwrócili się do niego o wsparcie. W tegorocznym Salonie obrazy zawisły zgodnie z nowymi zasadami – w oparciu o cztery kategorie, na które podzieleni zostali wystawcy (wyjazdy pozakonkursowe, podjęte poza decyzją jury, zaakceptowane decyzją jury oraz obcokrajowcy). Prace obu „uciekinierów” zawisły w najbardziej niekorzystnych miejscach. Renoir i Monet protestowali, podobnie jak wielu innych artystów; było dość oczywiste, że organizatorom zależało na utrzymaniu „monopolu na najlepsze miejsca” dla „małej wybranej grupy”. Renoir sporządził projekt podziału miejsc, który Mürer opublikował w La Cronik de tribuno z 23 maja. Ale krąg czytelników tej gazety był bardzo wąski, a obaj artyści pamiętali Zolę. Kto, jeśli nie ich stary towarzysz z kawiarni Gerbois, mógłby zainteresować tą sprawą opinię publiczną? Odtąd każde drukowane przemówienie Zoli stawało się wydarzeniem literackim. „Wieczory w Medan” – zbiór opowiadań, który Charpentier opublikował 1 maja, w którym Zola pojawił się w otoczeniu najbliższych mu uczniów – wywołał nie mniejszy skandal niż jego powieści. Renoir i Monet napisali list do kierownika wydziału sztuk pięknych i za pośrednictwem Cezanne'a przekazali pisarzowi kopię do opublikowania w Le Voltaire, gdzie współpracował, ze swoimi komentarzami, w których podkreślał „ważność impresjonistów”.
Zola spełnił prośbę artystów, ale nie do końca tak, jak chcieli Renoir i Monet. Wystawa Moneta w La Vie Moderne została otwarta 7 czerwca. Odpowiadając na pytania pracownika magazynu, Monet zdecydowanie wyraził swój sprzeciw wobec towarzyszy, którzy postrzegali go jedynie jako odstępcę… „Pozostałem i na zawsze pozostanę impresjonistą” - powiedział Monet. „Ale teraz bardzo rzadko widuję moich bliźnich, mężczyzn i kobiety. Mała świątynia zamieniła się teraz w banalną szkołę, której drzwi są otwarte dla pierwszej napotkanej muffinki. Ta niestosowna wypowiedź ukazała się w La Vie Moderne 12 czerwca. A tydzień później, w numerze z 18 czerwca, Le Voltaire zaczął publikować cykl artykułów Zoli – w sumie było ich cztery – „Naturalizm w salonie”, w których autor, spełniając na swój sposób prośbę Renoira i Monet, poruszył kwestię relacji między sztuką niezależną, oficjalnym Salonem a impresjonizmem.
Według Zoli grupa impresjonistów „wydaje się, że przeżyła swój czas”. Drogi tych, którzy byli jej częścią, rozeszły się. Czemu? Tak, bo ich wystawy były budowane na fałszywych podstawach i nic nie zastąpi Salonu. Wystawy impresjonistów wywołały wiele hałasu, ale „to był tylko hałas, paryski szum, który rozwieje wiatr”. Oczywiście ludzie sztuki marzą „o obejściu się bez państwa, o niezależności”. Ale, niestety, ta wolność nie odpowiada „moralności publicznej”. Dlatego w tych warunkach „walka” jest możliwa tylko w samym Salonie „w pełnym słońcu”. To wielka odwaga pozostać na polu bitwy, nawet w najbardziej niesprzyjających warunkach. Dlatego Monet, który „od dziesięciu lat pędzi w pustce”, postąpił słusznie, wracając do Salonu, podobnie jak Renoir. Jedynym artystą, który skorzystał na wystawach, był Degas: jego obrazy, „tak dopracowane i wyrafinowane”, przechodziły niezauważone „w zgiełku Salonu”, a „w kameralnej oprawie” ujawniały się wszystkie ich zalety.
Co więcej, Zola dodał, „że kilka pospiesznie wykonanych dzieł innych impresjonistów podkreślało wspaniałą kompletność jego dzieła”. Dla powieściopisarza z Medanu, dla człowieka, który ze słów „nulla dies sine linea” uczynił swoje motto, nie było wątpliwości, że winą impresjonistów było to, że mało pracowali, „zasłużyli… na ataki, bo ograniczali się do niedokończonych szkiców”. Zola nie mógł jaśniej pokazać swojego niezrozumienia impresjonizmu. Jeśli kiedyś przemawiał w obronie Maneta i Batignolles, to bardziej z powodu samej walki niż z artystycznych przekonań. Nigdy nie rozumiał, czym jest malarstwo jego przyjaciół, w rzeczywistości pociągało go akademickie „ukończenie”. To nieporozumienie uniemożliwiło mu zrozumienie znaczenia wydarzenia, które zauważył. Upadek grupy oznaczał dla Zoli porażkę impresjonizmu i nie mógł ukryć swojego wniosku. Wbrew najprzyjaźniejszym intencjom zdawał się podsumowywać upadek malarzy impresjonistów. Próbując ocenić ich wkład w sztukę, mówił o ich "znaczącym" wpływie, broniąc przed powszechnymi oskarżeniami o szarlataństwo "tych surowych i przekonanych obserwatorów", tych "biednych, umierających w ciężkiej pracy z biedy i zmęczenia". A jednak odnoszący sukcesy pisarz był przekonany, że jego dawni towarzysze nigdy nie będą w stanie stanowczo i ostatecznie się bronić. „Cały problem polega na tym – pisał – że żaden z członków tej grupy nie był w stanie z mocą i niezbicie wcielić w swoim dziele nowej formuły rozrzuconej po wielu utworach. Ta formuła istnieje, rozczłonkowana w nieskończoność, ale nigdzie, żadna nie ma jej w pełni urzeczywistnionej ręką mistrza… Artyści okazali się słabsi od kreacji, które próbują stworzyć, potykają się i nie znajdują słów”. Dlatego ostatecznie impresjoniści nie wygrali. „Zbyt łatwo zadowalają się” tym, co zrobili i „demonstrują niedoskonałość, brak logiki, przesadę, impotencję”. „Trzeba tworzyć duże dzieła” – argumentował Zola – „a wtedy nawet gdyby były odrzucane przez dziesięciolecia z rzędu, a potem wisiały w złych miejscach przez dziesięć lat z rzędu, to i tak osiągnęłyby w końcu sukces, na jaki zasługują” . Tym gorzej dla słabych, którzy są pokonani i stratowani przez silnych! » Impresjoniści nie stworzyli znaczących dzieł, w przeciwnym razie nieuchronnie by zatriumfowali. Czyż nie świadczy o tym niezbity sukces „Pułapki”, „Nan”, „Wieczorów w Medan”? „Ale to nie ma znaczenia — zakończył powieściopisarz z rodzajem żartobliwej obojętności — niech lepiej pracują na chwałę nowoczesnego naturalizmu, wtedy staną na czele ruchu i zaczną odgrywać znaczącą rolę w naszym nowoczesna szkoła malarstwa”.
Impresjoniści różnie zareagowali na twierdzenie Zoli, że im się nie udało. Ale tak czy inaczej wszyscy zrozumieli od tej pory, że nie mogą już liczyć na poparcie szefa szkoły naturalistycznej, tego, który w dawnych czasach występował z takim zapałem w obronie malarstwa niezależnego. Jednemu udaje się w życiu więcej, drugiemu mniej, i ta odmienna miara sukcesu, odsłaniająca, podkreślająca to, co kryje się w głębi duszy każdego, co różni ludzi od siebie, również odgrywa istotną rolę w procesie rozpadu występujące w grupie.
14 lipca. W tym roku po raz pierwszy obchodziliśmy rocznicę zdobycia Bastylii, dzień, który od tego czasu stał się świętem narodowym. Uchwalono ustawę o amnestii dla skazanych członków Komuny. Po licznych przewrotach przeżywanych przez III RP i próbie przywrócenia monarchii, która zakończyła się całkowitym fiaskiem, gdy w wyniku wyborów do Senatu w 1879 r. marszałek McMahon musiał zrezygnować z prezydentury, Rzeczpospolita umocniła się. Francja rozpoczęła nowy rozdział w swojej historii. Na ulicach udekorowanych na cześć 14 lipca sprzedawano pierwszy numer gazety L „Entrancijean” Rochefort, któremu udało się uciec z Nowej Kaledonii, flagi i sztandary powiewały na wietrze pośrodku morza \ Tego dnia Muirer, który miał właśnie wyjechać do Auvers i zabrać swoją kolekcję, liczącą obecnie około stu dzieł, wydał swoim przyjaciołom pożegnalną kolację w udekorowanej flagami i jasno oświetlonej cukierni Renoir, Sisley , Guillaumin, dr Gachet, Kabaner byli obecni na obiedzie... Od teraz do przeszłości należą również ciasta francuskie Murera.
Zmartwienia finansowe straciły dla Renoira ostrość. Pisał listy do Madame Charpentier w następujący sposób: „Dziś rano zacząłem portret. Zacznę dziś wieczorem kolejny i może wkrótce zacznę trzeci”. W ten sposób osiągnął to, do czego dążył. Jego sława jako portrecisty - autora portretów kobiecych i dziecięcych - stale rosła. Efrussy zaręczył go nawet z polecenia rodziny bankiera Caen: Renoir miał malować swoje córki.
Ale życie, podobnie jak morze, gdzie fale napływają jedna na drugą, nie zazna spokoju. Nowe zmartwienia opanowały duszę Renoira. Kryzys impresjonizmu odbił się na artyście. Zdezorientowany Renoir został sam ze sobą. Renoir nigdy nie był teoretykiem. Jego droga twórcza była krętą linią. W tej zmienności odbijało się oczywiście bogactwo jego wyobraźni, ale poprzez radość tworzenia odczuwano też wahania, wątpliwości, niepokoje. I czy kiedykolwiek był czegoś pewien? Teraz ta niepewność się pogłębiła. Męczyła się, zmieszana. Dodatkowo dołączył do niej inny rodzaj zamętu – już w sferze uczuć, ale nie mniej bolesny.
Ceniąc swoje kawalerskie zwyczaje, zazdrośnie strzegąc swojej niezależności, Renoir nigdy nie wyobrażał sobie, że jakakolwiek kobieta może zostać przyjacielem jego życia, stale z nim być, dlatego bał się, że młoda Alina Sharigot zaczęła zajmować tak duże miejsce w jego myślach. .
Jak dobrze spędzały popołudnia z Aliną w La Grenouillere, gdzie uczyła się pływać. Jak słodkie są letnie wieczory, kiedy przy dźwiękach fortepianu na tarasie restauracji ojca Fournaise tańczące pary wirowały w wirze walca...
Renoir pisał, wątpiąc w siebie, spoglądając z niezadowoleniem na swoje płótna. Do czego doprowadziło jego dwadzieścia lat pracy, te wszystkie poszukiwania, cały ten impresjonizm? Jakie są „teorie” impresjonistów? „Przychodzisz do natury ze wszystkimi swoimi teoriami, a natura je odrzuca”. Impresjoniści odrzucają czerń. A Renoir użył już czerni w portrecie Madame Charpentier z dziećmi: „Czarny to kolor kwiatów!” Tylko plener? Ale Corot powiedział, że „w naturze nigdy nie wiadomo, co ci się uda”, że praca musi „przejść przez warsztat”. I wciąż jest forma! Forma zbyt zaniedbana przez impresjonistów. Jest to szczególnie zauważalne, gdy piszesz nagość. Renoir czasami zaczynał wątpić, czy w ogóle potrafi pisać i rysować.
Alina Sharigo... Umie pisać i rysować... Przy wyborze zawodu ludzie kierują się mniej lub bardziej osobistymi upodobaniami, ale jeśli później muszą robić to, a nie co innego, to zwykle decydują o tym codzienne wypadki, z których splatają się losy. Trzeba myśleć o zarabianiu pieniędzy, a zarozumiały – o tym, jak zabłysnąć. Na tym częściowo zbudowana jest ludzka komedia, a częściowo na grze namiętności. Ale człowiek taki jak Renoir jest wykonany z innego materiału. Malarstwo jest dla niego organiczną, żywotną potrzebą. Wydziela obraz, jak jedwabnik wydziela swoją nić. Ponieważ on, podobnie jak wszyscy inni ludzie, musi kupować jedzenie, ubrania, płacić za mieszkanie, musi starać się zdobyć pieniądze na swoją pracę. Ale dla niego pieniądze nigdy nie mogą być celem. Nie ma dla niego znaczenia, czy dostaje trochę więcej, czy mniej pieniędzy, o ile może zaspokoić potrzebę, która dyktuje wszystkie jego działania. To właśnie ta potrzeba i tylko ona determinowała egzystencję artysty na lata. Nitka zwinęła się w kokon. W tym nieskomplikowanym życiu, jakby podporządkowanym jednemu uczuciu, nie ma miejsca dla kobiety, która posiadałaby nie tylko ciało, ale i duszę. Stanowisko kawalera oczywiście odpowiadało takiemu życiu. Alina Sharigot... Jakie zamieszanie, jakie trudności wniosłaby w proste życie Renoira! A jednak te oczy, ta słodka twarz, spokój, jaki czuje w jej obecności. Jak bardzo chce, żeby była blisko i jak bardzo się tego boi! Jej twarz go prześladuje. Jak on stara się unikać jej bliskości! „Och, te kobiety, lepiej malować ich portrety!” Ale Renoir nie jest już pewien, czy potrafi pisać. Ziemia osuwa mu się spod nóg. Jego życie się rozpada. „On nie wie, dokąd iść”.
Podekscytowany, zmęczony Renoir pracował mało i słabo. Zaczął uczyć się angielskiego: chciał iść do Dureta, który w tym czasie, na początku 1881 roku, mieszkał w Londynie. Podróżuj, przemieszczaj się z miejsca na miejsce! Ponieważ ruch zawsze dokądś prowadzi, ludzie mają nadzieję, że doprowadzi do celu, odnalezienia utraconego spokoju. Ale któż, jak nie Cezanne, jest wiecznym wędrowcem, który nigdy nie usiedział w miejscu, który podróżował z Aix do Paryża i z powrotem, a w Paryżu przemieszczał się z jednego mieszkania do drugiego, kto, jeśli nie Cezanne, którego pastelowy portret namalował wówczas Renoir (łysiejąca czaszka, introwertyczny wygląd człowieka ogarniętego jednym nieustannym snem) wiedział, że żadne wędrówki nie pozwalają człowiekowi uciec od samego siebie, w najlepszym razie rozpraszają go tylko na chwilę. Renoir napisał do Dureta, że przyjedzie zobaczyć „ładne Angielki”. I nagle w lutym, po ukończeniu portretów „dziewcząt z Caen” (czy wypadły dobrze, czy źle, sam nie wiedział) i pozostawieniu Ephryussiego z kłopotem wysłania ich do Salonu („o jedno zmartwienie mniej”), wyjechał do kraju, który kiedyś fascynował Delacroix i o którym Lestrenguet opowiadał mu nie raz – do Algierii.
Niestety, kiedy na początku marca przybył do Algieru, pogoda była pochmurna. Padało. „A jednak jest tu wspaniale, przyroda jest niesamowicie bogata… A zieleń soczysto-świeża! Nowa dla niego roślinność – palmy, drzewa pomarańczowe i figowce – zachwyciła Renoira, a Arabowie w swoich białych wełnianych burnusach często uderzali szlachetnością postawy.
W końcu wyszło słońce. Miasto, w którym „wszystko jest białe: oparzenia, mury, minarety i droga”, mieniło się pod bezchmurnym niebem. Zachwycony spektaklem, który się przed nim otworzył, Renoir ponownie zabrał się do pracy. Zebrał się w sobie, próbował zrozumieć swoją pracę. „Postanowiłem trzymać się z dala od artystów, na słońcu, aby spokojnie pomyśleć” – napisał wkrótce do Duranda-Ruela, a po tonie jego głosu można wyczuć, że jego dusza się uspokoiła. „Myślę, że dotarłem do końca i znalazłem go. Może się mylę, ale bardzo by mnie to zdziwiło”.
Durand-Ruel, który wysłał list do Renoira, próbował odwieść go od udziału w Salonie. Teraz, gdy kupiec miał pieniądze i mógł ponownie aktywnie bronić impresjonistów, uznał za wysoce pożądane, aby grupa odzyskała pozory porozumienia. Nawet wtedy, gdy Renoir wahał się, nie wiedząc, dokąd pojechać – do Anglii czy do Algierii, Caillebotte i Pissarro omawiali kwestię szóstej wystawy impresjonistów, która miała zostać otwarta w kwietniu. Caillebotte oskarżył Degasa o spowodowanie „rozłamu w grupie”. Ze względu na to, że Degas nie zajął należnego mu „wybitnego miejsca”, „ten człowiek stał się stwardniały… jest zły na cały świat” - napisał Caillebotte Pissarro. „Prawie ma manię prześladowczą. Czy nie próbuje przekonać innych, że Renoir ma makiaweliczne idee?.. Z tego, co powiedział o Manecie, Monecie, o tobie, można ułożyć cały tom… Posunął się tak daleko, że powiedział mi o Monecie i Renoirze : „Czy naprawdę akceptujesz tych ludzi?” Caillebotte był gotów uwierzyć, że Degas nie wybaczył Renoirowi, Monetowi i Sisleyowi ich talentu, ponieważ okazywał znacznie więcej protekcjonalności wobec tych, którzy nie byli zbyt utalentowani lub po prostu przeciętni i których „ ciągnął dla siebie”. Zmuszając prace swoich podopiecznych, jak Zandomeneghi i Raffaelli, do przyjmowania na wystawy impresjonistów, wypaczał charakter tych wystaw. Aby wystawa była jednorodna, Caillebotte uważał, że Renoir, Monet, Cezanne, Sisley - wszyscy ci, którzy tak naprawdę związali swój los z impresjonizmem i tylko oni są sami. A Degas musi ustąpić, inaczej będzie musiał się bez niego obejść.
Ale Pissarro nie mógł się zmusić do „rzucenia” Degasa. Renoir odpowiedział Durandowi-Ruelowi, że osobiście będzie nadal wysyłał obrazy do Salonu. „Nie zamierzam ulegać maniakalnemu przekonaniu, że obraz jest gorszy lub lepszy w zależności od tego, gdzie został wystawiony. Innymi słowy, nie zamierzam tracić czasu na obrażanie Salonu. Nie chcę nawet pokazywać, że jestem urażona”. Sprawa zakończyła się tym, że na kwietniowej wystawie o jednego impresjonistę mniej: Caillebotte odmówił udziału w niej.
Renoir, całkowicie zafascynowany Algierią, postanowił zostać w niej na dłużej – początkowo miał tam spędzić miesiąc. „Nie chcę wyjeżdżać z Algierii, nie przywożąc czegoś z tego wspaniałego kraju”. Postawił sztalugi w rejonie Kasbah, Jardin d'Esse lub w ich pobliżu. Napisał „Arabskie wakacje”, „Plantacje bananów”… Niesamowite światło Morza Śródziemnego! „Czarnoksiężnik-słońce zamienia palmy w złoto , fale toczą diamenty, a ludzie stają się jak Mędrcy”. Renoir wrócił do Francji dopiero w pierwszej połowie kwietnia. Nie zamierzał jednak zostać w Paryżu, ale chciał wkrótce pojechać do Londynu, gdzie czekał na niego Duret. „Po algierskich upałach wyrafinowanie Anglii będzie bardziej zauważalne”.
Jednak już 18 kwietnia Renoir napisał z Czatu do Theodore'a Dureta, że nie pojedzie do Londynu. W Chatou Renoir spotkał Whistlera, który przyjechał z Londynu z krótką wizytą do Francji. Whistler osobiście wyjaśnił Duretowi „tysiąc powodów”, dla których Renoir powinien odłożyć swoją podróż. „Walczę z drzewami i kwiatami, z kobietami i dziećmi i nie chcę wiedzieć nic więcej. Jednak co minutę dręczą mnie wyrzuty sumienia. Myślę o tym, że na próżno cię męczyłem i zadaję sobie pytanie, czy łatwo będzie ci pogodzić się z moimi zachciankami… Niefortunny los – wahać się w nieskończoność, ale taka jest istota mojego charakteru i Obawiam się, że przez lata to się nie zmieni. Pogoda jest piękna, a ja mam modelki – to moja jedyna wymówka”.
W te słoneczne dni wielkanocne restauracja Papa Fournes była pełna ludzi. Renoir malował wioślarzy kończących tu śniadanie. Baron Barbier, były oficer kawalerii, uczestnik kampanii Cochin Hin i przez krótki czas burmistrz Sajgonu (ten dziarski wesoły facet niestrudzenie spalił mu życie przez czterdzieści lat i prawie całkowicie zmarnował) zaoferował Renoirowi pomoc w realizacji jego planu. A pomysł nie był taki prosty: aby namalować obraz, Renoir musiał zebrać co najmniej czternaście osób na tarasie restauracji nad brzegiem Sekwany, po którym płynęły żaglówki. Obraz ten, mimo emanującej z niego niedzielnej, świątecznej atmosfery, przypomina nieco wielkie, wielopostaciowe kompozycje Fantina-Latoura, a dawniej Fransa Halsa. I choć twórczość Renoira była pozbawiona pompatyczności tkwiącej w tych kompozycjach, aw każdym razie jakiejś pompatyczności, w rzeczywistości miała z nimi coś wspólnego. Obraz „Śniadanie wioślarzy”, na którym przedstawił wielu swoich przyjaciół, stałych bywalców ojca Fournaise – Caillebotte i Ephrussy, Barbiera, Lota i Lestrange, swoją modelkę Angele (która odtąd nie mogła już dla niego pozować, bo miał wyjść za mąż) i Alfonsina Fournaise, - Renoir, choć sam chyba jeszcze tego nie rozumiał, żegnał się ze swoją przeszłością, z długimi latami spędzonymi nad brzegiem Sekwany i w Le Moulin de la Galette wśród jego tancerzy. Wraz z tym genialnym płótnem, wielkim dziełem „antologicznym”, kończy się okres impresjonizmu balów i restauracji, śniadań na trawie i zielonych altankach. Od teraz Renoir będzie wracał do tych tematów tylko jako wyjątek. Cały okres dobiegał końca. Okres twórczości Renoira i okres jego życia.
Na pierwszym planie obrazu „Śniadanie wioślarzy”, przy stoliku naprzeciwko Caillebotte, urocza młoda kobieta w kapeluszu ozdobionym kwiatami siedzi ze swoim małym psem. Ta kobieta to Alina Sharigo.
Alina była znacznie mniej szczęśliwa, niż mogłoby się wydawać, patrząc na obraz namalowany w Shatu. Wydawało jej się, że znalazła cudowny sposób na rozwiązanie problemów, które dręczyły Renoira - tak go nazywała w tym czasie i później. Kwestie malarstwa, które niepokoiły artystę (radosny wzrost spowodowany pobytem w Algierii szybko się skończył) nie były w oczach dziewczyny tak poważne. Renoir, rozumowała, „został stworzony do pisania, jak winnica – do dawania wina. Dlatego, czy to dobrze, czy źle, z powodzeniem czy bez, musi malować”. Z drugiej strony paryskie środowisko, nieunikniona komunikacja z innymi artystami w stolicy, tylko pogłębia jego zakłopotanie. I Alina zdecydowała: dlaczego nie pojadą razem do wioski Essua? Tam „będzie mógł pisać swoje szkice, a zajęci pracą winiarze, którzy nie mają czasu na rozmowy o losach malarstwa, nie będą mu przeszkodą”. Ale niestety, taka decyzja uwiodła Renoira nie bardziej niż uwiodła Madame Charigot-matkę… „Trzeba być cholernie silnym, żeby skazać się na samotność” – powiedział artysta, unikając propozycji Aliny. Alina prawie nie opuszczała warsztatu krawieckiego. Renoir postanowił spędzić lato w Vargemont.
Poszedł pieszo do Pourville, Varengeville i Dieppe. W Dieppe syn dr Blanche, Jacques-Émile, który był malarzem, był głęboko zmartwiony sposobem, w jaki jego matka przyjęła Renoira. Madame Blanche najpierw zaprosiła artystkę do pracy w Dieppe, a potem „zaczęła dokładać wszelkich starań, aby odwołać zaproszenie”. Uważała go za „całkowicie szalonego zarówno w malarstwie, jak iw rozmowie, a jednocześnie zupełnie niewykształconego… gardzącego wszelką trzeźwością, nie bojącego się deszczu ani błota pośniegowego…”. Denerwował ją jego tik i to, że długo siedział przy stole. Wieczorem podczas swojej pierwszej wizyty Renoir namalował „za dziesięć minut zachód słońca. To rozgniewało moją matkę - powiedział Jacques-Emile - i powiedziała mu, że on tylko „tłumaczy kolory! „Na szczęście, że zaatakowała człowieka, który niczego nie zauważa! »
A tego lata Renoir oczywiście zauważył jeszcze mniej niż zwykle.
„Kiedy patrzysz na dzieła wielkich artystów z przeszłości, rozumiesz, że nie ma co filozofować. Jakimi wielkimi mistrzami w swoim fachu byli ci ludzie! Jak oni znali swoje rzemiosło! To wszystko. Malarstwo to nie sen… Naprawdę, artyści uważają się za istoty wyjątkowe, wyobrażają sobie, że kładąc niebieską farbę zamiast czarnej, wywrócą świat do góry nogami”.
Jesień. Alina. Sekrety i doskonałość dawnych mistrzów. Będzie próbowała o nim zapomnieć. Będzie próbował o niej zapomnieć. Forma, do której impresjoniści przywiązywali zbyt małą wagę. Musi namalować pastelowy portret Jane, najmłodszej córki Madame Charpentier. Pewnego dnia zostaje zaproszony na obiad do Madame Charpentier. A w jego duszy głęboko przeniknęła miłość, która nie chce umrzeć. Pewnego razu, jako nastolatek, pracując w fabryce porcelany, zobaczył „małego, wściekłego człowieczka”, który malował. – To był Ingres. Trzymał w ręku zeszyt, zrobił szkic, wyrzucił go, zaczął nowy iw końcu jednym ruchem wykonał tak doskonały rysunek, jakby pracował nad nim tydzień. Miłość skropiła jego duszę jak rosa. Miłość, przed którą chce się chronić. Ingres swoją niesamowicie precyzyjną linią. I nagle Renoir wyjechał z Paryża do Włoch. „Nagle zapragnąłem zobaczyć Raphaela” — pisał z Wenecji do Madame Charpentier.
Włosi byli wówczas niezbyt przyjaźnie nastawieni do Francuzów, którzy w maju w Bordeaux podpisali traktat ustanawiający swój protektorat nad Tunezją. Ale Renoir nie interesował się Włochami. Nie interesowały go miasta ani zabytki architektury Italii. Mediolan i Padwa szybko go znudziły, jak po chwili Florencja. Katedra w Mediolanie „z koronkowym marmurowym dachem, z którego Włosi są tak dumni”? Renoir wzruszył ramionami: „Bzdura!” Ponadto wszystkie te miasta wydawały mu się wyjątkowo nudne. A jednak Wenecja była zbyt żywa i kolorowa, by mógł pozostać wobec niej obojętny. „Co za cud Pałac Dożów! Ta biało-różowa kulka była chyba na początku trochę zimna. Ale widziałem go po tym, jak słońce złociło go przez kilka wieków z rzędu, i cóż to za urok!
Renoir ponownie otworzył pudełko z farbami i namalował pałac widziany z wyspy San Giorgio Maggiore. Namalował także katedrę św. Marka i gondole na Canal Grande. Radosnym odkryciem były dla niego obrazy Tiepola i Carpaccia. Wkrótce jednak wyjechał na południe, bo przyjechał do Italii zobaczyć się z Rafałem. We Florencji („Niewiele jest miejsc na świecie, gdzie tak bardzo bym się nudził. Widząc te wszystkie czarno-białe budynki, wydawało mi się, że mam przed sobą szachownicę!”) Mógł studiować pierwszy obraz Rafaela - „Madonna w fotelu” z pałacu Pitty. To zdjęcie było tak sławne, że Renoir, jak sam powiedział, poszedł na nią spojrzeć „ze śmiechu”. „A teraz zobaczyłem tak wolny, tak pewny siebie, tak cudownie prosty i pełnokrwisty obraz, że nie można sobie wyobrazić lepszego: ręce, nogi - całe żywe ciało i jaki wzruszający wyraz matczynej czułości!”
Przybywając do Rzymu, Renoir nie zainteresował się miastem i pobiegł obserwować Rafaela. Twórczość autora „Madonny na tronie” – strofy Watykanu i freski Farnesiny – głęboko go poruszyła. „To jest piękne i powinienem był to zobaczyć wcześniej” — zauważył Renoir, nie bez smutku. „Jest pełna wiedzy i mądrości. Rafał nie dążył, tak jak ja, do niemożliwego. Ale to wspaniałe. W malarstwie olejnym wolę Ingresa. Ale freski są wspaniałe w swojej prostocie i wielkości”.
Kiedy Renoir pisał te słowa do Duranda-Ruela w listopadzie, był już w Neapolu, gdzie odkrył sztukę Pompejów. „Te kapłanki w swoich srebrzystoszarych tunikach to tylko plujący obraz nimf z Koro”. Po szoku wywołanym znajomością z Rafaelem, oszałamiające wrażenie fresków z Pompejów jeszcze bardziej pogłębiło zmieszanie artysty. Za pomocą gamy kolorystycznej zredukowanej do barw podstawowych, autorzy starożytnych fresków, którzy bezbłędnie opanowali tajniki swojego rzemiosła, stworzyli niezrównane dzieła. „I wydaje się, że wcale nie starali się przesiedzieć arcydzieła. Jakiś kupiec lub kurtyzana kazał artyście pomalować swój dom, a on próbował ożywić gładką ścianę - to wszystko. Żadnych geniuszy! Żadnych przeżyć emocjonalnych!... W naszych czasach wszyscy jesteśmy na przykład genialni, ale jedno jest pewne - nie wiemy już, jak narysować rękę i nie znamy podstaw naszego rzemiosła.
Renoir malował z namiętnym uporem, wymazując to, co napisał i ponownie zakrywając płótno, niezadowolony z siebie, w uścisku tego, co nazywał „chorobą poszukiwań”. „Jestem jak uczeń szkoły. Pusta strona powinna być wypełniona bez plam - i na tobie! - plama. Nadal sadzę plamy, chociaż mam już czterdzieści lat ”- wyznał Durandowi-Ruelowi, prosząc go z góry o wybaczenie, jeśli nie przywiózł z podróży wielu prac. Podróż ostatecznie przyniosła mu bardzo względną satysfakcję. „Ciągle jeżdżę po okolicy, żeby nie musieć do tego wracać” – powiedział Dedonowi. W hotelu, w którym Renoir mieszkał w pensjonacie, prawie wszyscy jego towarzysze byli księżmi, a jeden z nich, pochodzący z Kalabrii, poradził Renoirowi, aby udał się w te okolice. Renoir odbył tam krótką wycieczkę, a Kalabria go zachwyciła. „Widziałem cuda… Jeśli jeszcze kiedyś będę podróżował, wrócę tutaj.” Tęsknota za Paryżem ogarniała go jednak coraz głębiej. „Marzę o mojej ojczyźnie, a moim zdaniem najbrzydszy paryżanin jest lepszy niż najpiękniejszy Włoch”.
Wracając do Neapolu, Renoir malował martwe natury i „postacie”, „a to” - powiedział - „sprawia, że marnuję dużo czasu na próżno: mam tyle modeli, ile chcę, ale warto usiąść na każdym z nich krześle, obróć się o trzy czwarte obrotu i złóż ręce na kolanach - i robi mi się niedobrze od patrzenia.
Nieco później Renoir osiadł na Capri. Był jedynym Francuzem na wyspie. „Wspaniała” pogoda, nieskazitelnie błękitne morze, drzewa pomarańczowe i oliwne, kwiaty, wezuwiańskie wina siarkowe i zupa frutti di mare nieco poprawiły mu humor. Na Capri stworzył jeden ze swoich najlepszych włoskich obrazów – „Kąpiącą się blondynkę”, który namalował na łodzi w skąpanej w słońcu zatoce. W tej pracy odczuwalne są już zauważalne zmiany w fakturze, triumf linii i objętości, wszystko, do czego powinien był doprowadzić punkt zwrotny - bolesny, jak każde załamanie - czego doświadczał wówczas Renoir. Dziewczyna o perłowej cerze, bardziej skandynawska niż neapolitańska, eksponuje swoje nieskazitelne ciało na światło, które podkreśla jej mocne kontury. Jak daleko jest teraz Renoir od drżących przebłysków impresjonizmu! Lekcje Rafaela i freski Pompei oraz starsze lekcje Ingresa zaczynają przynosić owoce. „Lubię malować”, powie później artysta, „kiedy wygląda na wieczne”. Te słowa niemal całkowicie odzwierciedlają słowa Cezanne'a: „Chciałem zamienić impresjonizm w coś solidnego i trwałego, jak sztuka muzealna”. Obaj artyści, wywodzący się z impresjonizmu, dążyli, każdy na swój sposób, do tego samego celu, który leżał poza nim.
Z numeru Le Petit Journal, który akurat ukazał się na Capri, Renoir dowiedział się, że 14 listopada we Francji Gambetta utworzył rząd i mianował przyjaciela Maneta, Antonina Prousta, ministrem sztuk pięknych. Z polecenia Prousta na aukcji dzieł Courbeta w Hotelu Drouot zakupiono do Luwru trzy obrazy, w tym Człowieka ze skórzanym paskiem. Według Dure ten zakup był rodzajem „publicznej skruchy, hołdem złożonym pamięci Courbeta”. Renoir był z tego powodu bardzo szczęśliwy. Słusznie wierzył, że Proust nie zawaha się wręczyć Manetowi Orderu Legii Honorowej – byłaby to kolejna „publiczna skrucha”. Oto, co napisał do swojego starszego kolegi ze sztuki: „Wreszcie mamy ministra, który domyśla się, że we Francji istnieje malarstwo… Mam nadzieję, że po powrocie do stolicy będę mógł powitać Cię jako ukochaną i oficjalnie uznaną artysta. Ty - dodał Renoir - jesteś wesołym wojownikiem, który nikogo nie nienawidzi, jak starożytny Gal, i za tę wesołość, która cię nie opuszcza, nawet gdy jesteś niesprawiedliwie traktowany, kocham cię. Mija rok, odkąd państwo przestało sprawować opiekę nad sztuką. Odtąd artyści sami musieli organizować wystawy w Salonie, ale duch akademizmu, który ich przenikał, nie osłabł od tego. Mimo to w tym roku Manet znalazł się wśród tych, których obrazy zostały przyjęte „poza konkursem”. Jego walka dobiegała końca, ale jego życie, niestety! - też dlatego, że Manet był śmiertelnie chory.
Renoir miał nadzieję, że 15 stycznia wróci do Francji. Jednak list od jednego z najsłynniejszych wagnerowców, Julesa de Breuera, zmusił go do przełożenia wyjazdu. Od 5 listopada Ryszard Wagner zamieszkał w Palermo, gdzie ukończył Parsifala. Breuer i inni wagnerowcy chcieli, aby Renoir namalował portret kompozytora. W dość ponurym nastroju artysta udał się drogą morską na Sycylię. – W przyszłości co najmniej piętnaście godzin choroby morskiej – mruknął.
Po przybyciu do Palermo wsiadł do pierwszego hotelowego omnibusa, jaki napotkał, i zawiózł go do Hotel de France. Stamtąd Renoir udał się na poszukiwanie kompozytora. W końcu dowiedział się, że zatrzymał się w Hotel de Palmes. Tego samego wieczoru Renoir ukazał się Wagnerowi. Spotkał go ponury służący, który gdzieś zniknął i wracając po krótkiej nieobecności oznajmił, że nie mogą go przyjąć. Następnego ranka Renoir, zaczynając tracić cierpliwość, ponownie pojawił się w Hotel de Palmes. Miał tylko jedno pragnienie: jak najszybciej wrócić do Neapolu. Ale wtedy wyszedł młody blondyn, wyglądający jak Anglik. W rzeczywistości był to niemiecki artysta Paul von Yukowsky. Yukowski wyjaśnił Renoirowi, że to właśnie dzisiaj - był 13 stycznia 1882 roku - Wagner kończył ostatnie takty swego Parsifala, że jest w skrajnie „chorym i nerwowym stanie, przestał jeść itd.”. Yukowski poprosił artystę o przełożenie wyjazdu o jeden dzień. Renoir się zgodził, spotkanie było zaplanowane na jutro. Następnego dnia o godzinie piątej Wagner wreszcie przyjął artystę.
„Usłyszałem kroki stłumione przez gruby dywan. Był to maestro w aksamitnym garniturze z dużymi czarnymi atłasowymi mankietami. Był bardzo przystojny i bardzo miły, wyciągnął do mnie rękę, posadził na krześle, a potem zaczęła się najśmieszniejsza rozmowa, przeplatana niekończącymi się „och!” i „a!”, mieszanką francuskiego i niemieckiego oraz końcówki gardłowe. „Jestem bardzo zadowolony - ah! o! (gardłowy dźwięk) - przyjechałeś z Paryża, prawda? - "Nie, przyjechałem z Neapolu..." Rozmawialiśmy o wszystkim. Powiedziałem „my”, ale powtórzyłem tylko „drogi mistrzu”, „oczywiście, drogi mistrzu” i wstałem, chcąc wyjść, ale on wziął mnie za ręce i posadził z powrotem na krześle. Rozmawialiśmy o przedstawieniu Tannhäusera w Operze Paryskiej, krótko mówiąc, trwało to co najmniej trzy kwadranse… Potem rozmawialiśmy o impresjonizmie w muzyce. Co za bzdury nie powiedziałem! W końcu byłem cały spocony, odurzony i czerwony jak rak. Krótko mówiąc, kiedy nieśmiała osoba się rozprasza, nie można jej powstrzymać. A jednak nie wiem, jak to wytłumaczyć, ale czułam, że jest ze mnie zadowolony. Nie znosi niemieckich Żydów, w tym Wolfa... Zmiażdżyłem Meyerbeera. Jednym słowem miałem czas na opowiadanie wielu bzdur. I nagle powiedział, zwracając się do pana Jukowskiego: „Jeżeli jutro w południe będę się dobrze czuł, to mogę pozować do kolacji. Musisz być pobłażliwy - zrobię, co w mojej mocy, ale nie gniewaj się na mnie, jeśli nie mogę tego znieść. Panie Renoir, proszę zapytać pana Yukowsky'ego, czy nie ma nic przeciwko, aby namalował pan także mój portret, jeśli oczywiście mu to nie przeszkadza… ”
15 stycznia w południe Renoir ze swoimi pędzlami stanął przed Wagnerem. Sesja okazała się możliwie najkrótsza. Wagner dał artyście tylko trzydzieści pięć minut. W ciągu tych trzydziestu pięciu minut Renoir namalował portret kompozytora. "O! — zawołał Wagner, patrząc na płótno. „Wyglądam jak protestancki pastor!”
22 stycznia Renoir otrzymał od Duranda-Ruela na poczcie w Marsylii pięćset franków. Już 17 stycznia z Neapolu poprosił kupca o przysłanie mu tych pieniędzy na żądanie, aby mógł dostać się do Paryża. Ale w tym czasie plany Renoira uległy zmianie. Spotkał Cézanne'a, a ponieważ w Prowansji pogoda była wówczas prawie wiosenna, Renoir postanowił zostać przez dwa tygodnie u swojego przyjaciela w Estaque pod Marsylią - w „małym miejscu takim jak Asnières, tylko nad brzegiem morza”, wyjaśnił Durandowi - Ruel.
Cezanne, który miał dom w Estac, często tu przyjeżdżał i malował drzewka oliwne wśród skalistych szczytów i sosen pasma górskiego Nerth czy zatoki, którą zamykały w oddali wzgórza Marselver. Artysta z Aix nie był zbyt towarzyskim towarzyszem. Porażka sprawiła, że się zamknął. Ale już w pierwszych tygodniach 1882 roku czekał na spełnienie swojego dawnego marzenia i wystawienie go na najbliższym Salonie. Znajomy Cezanne'a Guillemeta, artysty o najzwyklejszym talencie, który zasiadał w jury, obiecał mu, że skorzysta z przysługującego mu prawa „miłosierdzia”, aby Cezanne został przyjęty do Pałacu Przemysłu. Sytuacja jest śmieszna, wręcz groteskowa, ale Cezanne cieszył się z niej jak dziecko i dlatego szczególnie serdecznie przyjął Renoira. I pytania, które obie artystki stawiały w tym okresie swojej twórczości, ich podobne wątpliwości w tym czasie, też bardzo przyczyniły się do zbliżenia, pomimo wszystkiego, co ich dzieliło i tak bardzo od siebie różniło. W porównaniu z życiem Cezanne'a, z tą surową, ascetyczną egzystencją, uparcie dążącą do lodowcowych wyżyn nieosiągalnej doskonałości, przyćmioną tęsknotą i przytłaczającą niepewnością, życie Renoira, nawet w tym kryzysowym okresie, wydawało się łatwe i radosne. Prawdziwy ogród różany. „Cały czas mam tu słońce i mogę wymazać to, co napisałem, i zacząć od nowa, ile chcę…” – napisał Renoir do Madame Charpentier, informując ją, że odkłada swój powrót do Paryża. „I tak spędzam czas na słońcu, ale nie po to, aby malować portrety w słońcu, ale po prostu wygrzewać się i starać się wyglądać jak najwięcej, mając nadzieję, że w ten sposób osiągnę wielkość i prostotę dawnych mistrzów”.
Z kim, jeśli nie z Cezanne'em, Renoir mógłby z takim entuzjazmem dyskutować o tym, co zobaczył i czego nauczył się podczas swojej podróży do Włoch? Bez wątpienia był to jeden z powodów, które skłoniły go do pozostania w Estaca. Ale prawdopodobnie był jeszcze inny, bardziej ukryty, ale niewątpliwie głębszy niż pierwszy. Czy Renoir próbował opóźnić moment, w którym ponownie spotka Alinę iw nim z nową energią zawalczą za i przeciw? Wyjazd do Włoch nie rozwiał jego wątpliwości. Renoir nie zdążył zapomnieć o tym, który go wybrał.
Pobyt w Estace zakończył się raczej źle. W pierwszych dniach lutego grypa, „okrutna” grypa, położyła artystę do łóżka. Od tego momentu „kraj jeżowców”, jak nazwał go Cezanne, stracił większość swojego uroku w oczach Renoira, który teraz niecierpliwie marzył o powrocie do Paryża. Ale to nie stało się bardzo szybko. Grypa przekształciła się w zapalenie płuc. Edmond rzucił się do chorego brata, przy którym Cezanne krzątał się z czułą troską. „Był gotowy zaciągnąć cały dom do mojego łóżka” - powiedział wzruszony Renoir. 19-go lekarz oznajmił, że pacjent „nie jest zagrożony”, ale nadal prawie nic nie jadł.
W międzyczasie przychodziły listy, które wyczerpany chorobą Renoir czytał z wielką irytacją. Szarpał i rzucał przeciwko rodzinie Kaenów. „Co do stu pięćdziesięciu franków od Cahenów — pisał do Dedona — powiem, że to po prostu niesłychane. Najgorszy skąpiec jakiego nie spotkałem. Na pewno nie będę miał więcej do czynienia z Żydami”. Z drugiej strony Durand-Ruel prosił, wręcz nalegał – i to szczególnie irytowało Renoira – żeby wziął udział w zbliżającej się, siódmej już wystawie impresjonistów, o której pisał już do niego Caillebotte.
Dwa, trzy miesiące wcześniej Caillebotte, nie zawstydzony poprzednią porażką, ponownie podjął kroki w celu zorganizowania jednorodnej wystawy, o której tak marzył, mając nadzieję, że tym razem przekona Degasa. Ale Degas tylko się złościł. I musiałem zaczynać wszystko od nowa, bo Pissarro, podobnie jak rok wcześniej, najwyraźniej nie był w nastroju do zerwania z Degasem. Ale Gauguin, który podzielał punkt widzenia Caillebotte'a, oznajmił Pissarro, że on ze swojej strony odmówi udziału w wystawie, ponieważ Degas nie chce się poddać, i że Guillaumin niewątpliwie zrobi to samo. W ten sposób Pissarro znalazł się prawie sam na sam z Degasem i jego przyjaciółmi. Nie miał innego wyboru, jak tylko wyrazić zgodę na Caillebotte. Ale Caillebotte mylił się, sądząc, że teraz wszystko pójdzie jak w zegarku. Monet został poproszony o uprzednią zgodę - odmówił. Sisley powiedział, że pójdzie w ślady Moneta. Renoir odniósł się do faktu, że jest chory. Berthe Morisot „wstrzymał się od głosu”. Cezanne, ostrzeżony przez Pissarro, oświadczył, że „nie ma nic”.
Nieprzyjemnie zaskoczony Caillebotte zadawał sobie już, nie bez goryczy, pytanie, czy będzie musiał porzucić swoje plany, gdy nagle w rokowaniach, których sprawy przybrały najczarniejszy obrót od kilku dni, wtrącił się Durand-Ruel: pod koniec stycznia Bank General Union upadł, Feder został aresztowany.
Dla Duranda-Ruela upadek Banku Katolickiego miał najbardziej dramatyczne konsekwencje. Kupiec ponownie musiał polegać wyłącznie na własnych funduszach. Ponadto spadł na niego ciężar ogromnego zobowiązania, był zobowiązany do jak najszybszej spłaty wystawionych przez Federa zaliczek. Ponieważ jego sytuacja finansowa była gorsza niż kiedykolwiek, Durand-Ruel, jak sam powiedział, musiał „zarabiać na wszystkim” i walczyć z jeszcze większą energią, aby nie umrzeć. A skoro związał swój los z impresjonistami, to oni muszą wygrać. Niech na chwilę przestaną się kłócić. Od teraz sam Durand-Ruel przejmie organizację ich wystawy, która zostanie otwarta w salach Reichshofen Panorama przy 251 Rue Saint-Honore.
Renoir, powoli dochodzący do zdrowia po zapaleniu płuc, sprzeciwił się temu, co nazwał „kombinacją Pissarro-Gauguina”. Jeszcze w łóżku, 24 lutego, podyktował Edmondowi list zaadresowany do Duranda-Ruela, w którym formalnie odmówił udziału w wystawie. Kupiec zwrócił się do niego z nową prośbą: chciał wystawić należące do niego obrazy Renoira. „Obrazy, które ode mnie kupiłeś, są twoją własnością”, odpowiedział mu Renoir w telegramie wysłanym rankiem 26 lutego, „nie mogę zabronić ci ich pozbywania się, ale ich nie wystawiam”. Tego samego dnia, leżąc jeszcze w łóżku, sam pospiesznie napisał list, podyktował drugi i wysłał oba przez Edmonda.
„Wystawianie z Pissarro, Gauguinem i Guillauminem jest jak wystawianie z jakąś grupą społeczną… Publiczność nie lubi, gdy pachnie polityką, a ja w moim wieku nie chcę być rewolucjonistą. Pobyt u izraelskiego Pissarro to rewolucja. Poza tym ci panowie wiedzą, że dzięki Salonowi zrobiłem krok do przodu. Muszą więc szybko pozbawić mnie tego, co osiągnąłem. Dokładają wszelkich starań, aby to zrobić, a kiedy się poślizgnę, cofną się ode mnie. Nie chcę tego, nie chcę tego Pozbądź się tych ludzi i daj mi takich artystów jak Manet, Sisley, Morisot itp., a ja jestem twój, bo to już nie jest polityka, tylko czysta sztuka… Dlatego odmawiam i znowu odmawiam. Ale możesz wystawiać moje obrazy, które należą do ciebie, bez mojej zgody. Są twoje i nie skorzystam z mojego prawa, aby uniemożliwić ci rozporządzanie nimi według własnego uznania, jeśli jest to w twoim własnym imieniu. Umówmy się tylko stanowczo, że podpisane przeze mnie obrazy są wystawiane przez Ciebie, ich właściciela, a nie przeze mnie. Pod tym warunkiem w katalogu, na plakatach, w prospektach - wszędzie będzie powiedziane, że moje płótna są własnością nazwisk... i wystawiane przez Duranda-Ruela. Tym samym nie będę "niezależny" wbrew swojej woli... Nie powinnaś się obrazić moją odmową, bo nie jest ona skierowana przeciwko tobie, a tylko przeciw tym panom, z którymi nie chcę działać dla własnego dobra , ze względu na gust i we własnym interesie.
Wreszcie, w przeddzień wernisażu, Renoir wysłał Durandowi-Ruelowi spokojniejszy list, w którym wyraził zgodę na udział w wystawie, ale nie omieszkał podkreślić:
„Proszę powiedzieć tym panom, że nie zamierzam rezygnować z Salonu… Mam nadzieję, że wybaczą mi tę małą słabość. Cóż, jeśli wystawiam z Guillauminem, mogę wystawiać z Carolusem-Duranem… ”
W maju w Salonie miał być wystawiony portret Renoira.
Z woli kupca skład grupy uległ zmianie. Starzy uczestnicy ostatecznie ustąpili mniej lub bardziej chętnie.
W rzeczywistości grupa jako taka stała się obecnie koncepcją historyczną. A jednak nigdy nie ukazał się on publiczności tak monolitycznie, jakby faktycznie, mimo pogłębiających się różnic i wzajemnego niezadowolenia, impresjoniści, zanim ostatecznie się rozproszyli, chcieli zademonstrować swoją jedność – jedność, w jakiej będą postrzegani przez publiczne w przyszłości. Prawie wszystkie dodatki zniknęły. Tylko dziewięciu artystów było reprezentowanych w salach przy Rue Saint-Honoré. Jednak oprócz dwóch nieobecnych, Degasa i Cezanne'a, wszyscy, którzy naprawdę stworzyli impresjonizm, ci, którym zawdzięcza on swoje znaczenie, którzy zapewnili mu długie i owocne życie, okazali się ramię w ramię na tej siódmej wystawie, którą krytycy przyjęty spokojnie, a nawet przychylnie. . („Durand-Ruel musiał zajmować się prasą” — napisał Eugène Manet.) Renoir, Monet, Sisley, Pissarro, Berthe Morisot i Caillebotte, dobroczyńca grupy, współistniali tutaj z trzema przyjaciółmi Pissarro: Victorem Vignonem, Guillauminem i Gauguin – ten sam Gauguin, którego Renoir i Monet tak bardzo nie lubili. Ale udział Gauguina w tej wystawie teraz, po upływie czasu, nabiera w naszych oczach, w oczach potomnych, szczególnie głębokiego znaczenia, bo antycypuje przyszłość, to, co jutro miało narodzić się z impresjonizmu, te zwycięstwa, śmiałość, co bez impresjonizmu i jego niewdzięcznego ojca Maneta, bez głębokiego przewrotu, jaki wywołali, nie byłoby możliwe.
Wśród dwustu prac prezentowanych na wystawie Durand-Ruel pokazał dwadzieścia pięć obrazów Renoira, wśród nich „Śniadanie wioślarzy”. Artysta bardzo martwił się wrażeniem, jakie robią jego płótna. Żałował też nieco nadmiernej surowości, jaką wykazywał w korespondencji z Durandem-Ruelem, obawiał się, że nie zachował się wystarczająco „roztropnie”. Co więcej, śpieszył mu się powrót do Paryża, gdzie „dużo się nauczył”, miał „dużo do zrobienia”, pisał do Georgesa Rivière'a. Ale lekarz zdecydowanie sprzeciwił się jego powrotowi i poradził mu, aby pozostał co najmniej jeszcze dwa tygodnie na południu i poddał się leczeniu. Ponieważ Cezanne, który nie mógł znaleźć dla siebie miejsca z powodu zbliżającego się Salonu, miał w dniach 3-4 marca wyjechać z Estac do Paryża, Renoir zdecydował się na powrót do Algierii. Lot, który przybył po niego do Estac, miał mu towarzyszyć. A w Algierze czekali na nich Korday i Lestrange.
Renoir uważał tę nową podróż po prostu za niefortunne „opóźnienie”. Miał tylko nadzieję, że towarzystwo przyjaciół rozjaśni ją. I też chciał to wykorzystać, żeby jak tylko odzyskał siły, mógł zabrać się do pisania. Ostatnim razem przywiózł z Algieru tylko pejzaże, tym razem postanowił zaspokoić pragnienie Duranda-Ruela i namalować kilka portretów. Gdy tylko Renoir osiedlił się w Algierze przy ulicy La Marine 30, zaczął szukać modelek. „A to takie trudne” – pisał do kupca – „sedno sprawy polega na tym, kto kogo przechytrzy… Widziałem tu dzieci niesłychanie kolorowe. Czy uda Ci się je zdobyć? Zrobię wszystko, co w mojej mocy, aby to zrobić… Pewnie uważasz mnie za nieznośnego – dodał – ale znalezienie opiekunki nawet w Algierii staje się coraz trudniejsze. To po prostu nie do zniesienia. Gdybyś tylko wiedział, ilu jest złych artystów. W szczególności Anglicy rozpieszczają te nieliczne kobiety, na które mogą liczyć. Mimo to mam nadzieję, że coś ci przyniosę. To takie piękne".
Całkowicie wyleczony z choroby artysta pracował z entuzjazmem już pod koniec marca. Tak entuzjastycznie, że na początku kwietnia odłożył powrót do Francji przynajmniej o miesiąc. Podbiło go ogniste słońce Afryki. Rzeczywiście, co za magia! Pewnego razu, gdy Renoir pracował z Lotem w algierskiej wiosce, przyjaciele nagle zobaczyli w oddali „postać z bajki” człowieka, którego ubranie błyszczało jak drogocenne kamienie. Kiedy mężczyzna podszedł bliżej, okazało się, że to żebrak w worze... Renoir namalował młodego Araba Ali, Algierki, tragarza z Biskry... Namalował też Francuzkę w algierskim stroju i jedno spojrzenie na ten obraz z jego celową egzotyką wystarczy, aby zobaczyć, jak Renoir ostatecznie pozostał obojętny i odporny na to, co było obce duchowi jego rasy. „Po co jechać do tych wszystkich twoich wschodnich krajów? Nie masz własnego kraju? ” – napisał kiedyś mieszkaniec Franche-Comte Courbet.
Kilka tygodni spędzonych w Algierze przywróciło Renoirowi siły iw maju wyjechał do Francji. Od wyjazdu z Paryża minęło sześć czy siedem miesięcy. Ale podróż niczego nie rozwiązała, niczego. Obrazy Rafaela, freski Pompejów, rozmowy z Cezannem tylko utwierdzały artystę w przekonaniu, że musi się jeszcze wiele nauczyć. Nie, podróż niczego nie rozwiązała. Z wyjątkiem jednej wątpliwości: Renoir napisał do Aliny Charigot, że byłby szczęśliwy, gdyby przyszła się z nim spotkać na dworcu kolejowym w Paryżu.
(1841-1919) – wielki artysta francuski, jeden z twórców impresjonizmu. Kolekcja artysty zawiera dużą liczbę obrazów, które dziś są uważane za prawdziwe arcydzieła światowej sztuki i dziedzictwa ludzkości. Jednym z najbardziej niezwykłych dzieł Renoira jest obraz „ Śniadanie wioślarzy».
Obraz „Śniadanie wioślarzy” został namalowany w latach 1880-1881. Płótno, olej. 130 × 173 cm Obecnie w Phillips Collection Museum w Waszyngtonie. Ta praca jest niezwykła nie tylko ze względu na szczególne pismo wielkiego francuskiego artysty, który wraz z innymi mistrzami wychwalał sztukę impresjonizmu na całym świecie, ale także ze względu na to, że jest to dosłownie płótno dokumentalne. Obraz przedstawia prawdziwych ludzi, przyjaciół Renoira, których uwiecznił na jednym ze swoich znakomitych obrazów.
Po lewej Alina Sharigot (1859-1915), która pierwotnie była modelką Renoira, a następnie została jego żoną, siedzi przy stole w kapeluszu z kwiatami. Naprzeciwko, w białej koszulce i żółtym kapeluszu, stoi słynny malarz i kolekcjoner obrazów impresjonistów, Gustave Caillebotte (1848-1894). Za Aliną Sharigo stoi syn właściciela restauracji, w której odbywa się spotkanie przyjaciół, odpowiedzialny za wynajem łodzi - Alphonse Fournes. Dalej tyłem do widza stoi Raoul Bardieu – baron, bohater wojenny i były burmistrz Sajgonu. Dama w żółtym kapeluszu, oparta łokciem o poręcz, to córka właścicielki restauracji, Alfonsiny Fournaise. Pani, która pije ze szklanki, to aktorka, modelka Renoira, Edouarda Maneta i Edgara Degasa - Ellen Andre (1857-1925). W skrajnym lewym rogu rozmawiają dwaj mężczyźni - poeta i krytyk Jules Laforgue (1860-1887) i mężczyzna w cylindrze Charles Ephrussi, który był kolekcjonerem i wydawcą, w szczególności zajmował się publikacją Gazette des Beaux-Arts. W skrajnym prawym rogu trio: aktorka i modelka Renoira, Jeanne Samary (1857-1890), naprzeciwko przyjaciela Renoira, pracownika Ministerstwa Spraw Wewnętrznych, Pierre'a Lestringue, oraz przyjaciela Renoira, dziennikarza i pisarza Paula Lota w środku. Pani w niebieskiej sukience to modelka, aktorka i piosenkarka Angel Lego. Obok Anioła stoi włoski dziennikarz Antonio Maggiolo.
Spotkanie przyjaciół odbywa się w restauracji Fournaise, która znajduje się nieco na zachód od Paryża, w mieście Chatou na wyspie Sekwana. Warto dodać, że odrestaurowana restauracja Dom Fournaise działa do dziś. Ta restauracja była ulubionym miejscem Pierre'a Auguste'a Renoira. Oprócz „Śniadania wioślarzy” namalowano tu także kilka innych obrazów.
Portret grupowy pozbawiony jest wszelkiej powagi i przepychu. Spotkanie przebiega w luźniejszej i luźniejszej atmosferze. Wszystkie postacie na zdjęciu są całkowicie zrelaksowane i rozmawiają o codziennych sprawach. Na stole jest dużo owoców i kilka butelek wina, które są już otwarte i częściowo wypite. Obraz jest bardzo kolorowy i słoneczny. Widz ma poczucie beztroskiego odpoczynku od radosnego spotkania z ukochanymi przyjaciółmi.
Obraz „Śniadanie wioślarzy” Renoir
Chcesz zdobyć prestiżową pracę z możliwością pomyślnego rozwoju kariery. Doskonałym rozwiązaniem byłoby kupienie dyplomu. Odwiedź witrynę Vip-Diplomy, aby dowiedzieć się więcej o wszystkim.
Śniadanie wioślarzy. Pierre-Auguste Renoir.
Śniadanie wioślarzy to jedno z najsłynniejszych dzieł Pierre-Auguste'a Renoira i jedno z najsłynniejszych przedstawień plenerowego pikniku w historii sztuki. Zdjęcie przedstawia radosną chwilę wśród przyjaciół rozmawiających w miłej atmosferze. Jednak niewiele osób zna szereg faktów związanych z tym dziełem kultowego impresjonisty.
1. Tematyka obrazu odpowiada przemianom wczesnego impresjonizmu 
Krajobraz w pobliżu Kanye.
We wczesnych latach impresjonizmu sceny miejskie były jednym z dominujących tematów w malarstwie. Do 1881 roku, kiedy Renoir ukończył swoje arcydzieło, obraz podmiejskich krajobrazów stał się bardziej popularny w impresjonizmie. Scena przedstawiona na Śniadaniu wioślarzy została namalowana około 30 minut jazdy pociągiem od zgiełku Paryża.
2. Obraz ukazywał nowe rozumienie głębi obrazu 
Bal w Moulin de la Galette.
Około cztery lata przed śniadaniem wioślarzy Renoir namalował Bal w Moulin de la Galette, który również przedstawia publiczny piknik w Paryżu. Ale w przeciwieństwie do tego obrazu, w „Śniadaniu wioślarzy” granice są wyraźniejsze. Również dzięki większej dbałości o kontury obrazów powstaje iluzja objętości i głębi obrazu.
3. „Śniadanie wioślarzy” 
Rozmiar obrazu to 173x130 cm.
„Śniadanie wioślarzy” to jeden z największych obrazów Renoira. Jego wymiary to 173x130 cm.
4. Fabuła obrazu została zainspirowana popularnym miejscem wypoczynku w Paryżu 
Restauracja Dom Fournaise.
Restauracja „Dom Fournaise” w mieście Chatou (pod Paryżem) z widokiem na Sekwanę była ulubionym miejscem ludzi o różnym statusie społecznym. Jak widać w „Śniadaniu wioślarzy” częstymi bywalcami tej restauracji byli biznesmeni, bywalcy towarzystwa, szwaczki i artyści. Renoir również bardzo lubił to miejsce i przedstawiał na nim wielu swoich znajomych.
5. Restaurację można zwiedzać do dziś 
Dom Fournaise'a to dziś muzeum, pracownia artystyczna i restauracja.
Restauracja Fournaise została zamknięta w 1906 roku. Ale prawie sto lat później, w 1990 roku, przeprowadzono jego całkowitą renowację, po której restauracja zyskała dawną popularność. Ponadto „Fournaise House” szczyci się obecnie muzeum i pracownią artystów z reprodukcjami impresjonistów.
6. Na obrazie znajdują się najbliżsi przyjaciele Renoira. 
Artysta Caillebotte rozmawia z aktorką Angel Lego i dziennikarzem Maggiolo.
Artysta na zmianę zapraszał swoich przyjaciół do restauracji, aby pozowali dla niego. W tle siedzi w cylindrze Charles Ephrussi, kolekcjoner sztuki i historyk. Rozmawia z poetą Julesem Laforgue. Po prawej stronie są kumple Renoira Eugene Pierre Lestringue (pracownik MSW) i Paul Lot (dziennikarz), który flirtuje ze słynną aktorką Jeanne Samary. W prawym dolnym rogu, bogaty mecenas Renoira i kolega malarz Caillebotte rozmawia z aktorką Angele Lego i włoskim dziennikarzem Maggiolo.
7. Dziewczyna ze szczeniakiem została żoną Renoira i modelką do jego obrazów. 
Renoir wielokrotnie przedstawiał swoją żonę na obrazach.
Alina Sharigo, która pracowała jako krawcowa i okresowo pracowała jako modelka dla artystów, rozpoczęła namiętny romans z artystą impresjonistą. Chociaż ich pierwszy syn urodził się w 1885 roku, para oficjalnie pobrała się dopiero w 1890 roku. W sumie Renoir i Charigot mieli troje dzieci. Artysta wielokrotnie przedstawiał swoją żonę w obrazach takich jak „Taniec na wsi”, „Śniadanie wioślarzy”, „Pani Renoir z psem” czy „Macierzyństwo”.
8. Na zdjęciu rodzina właściciela restauracji. 
Córka właściciela restauracji Alfonsinca Fournes.
Alphonse Fournaise otworzył restaurację w 1860 roku. Dwadzieścia lat później Renoir przedstawił Alfonsa na obrazie „Śniadanie wioślarzy” z dziećmi. Dziewczyna, która oparła się o poręcz, to córka właścicielki restauracji, Alfonsinki Fournaise. A jej brata Alphonse'a Fournesa Jr. można znaleźć w lewym dolnym rogu zdjęcia.
9. Lokalny wesołek 
Były burmistrz kolonialnego Sajgonu, baron Raoul Barbier.
Na zdjęciu widać byłego burmistrza kolonialnego Sajgonu, barona Raoula Barbiera, który był duszą każdej firmy. Siedzi w meloniku i mówi coś pannie Fournes.
10. Kobieta ze szklanką - znana aktorka i modelka 
francuska aktorka Ellen Andre.
W samym centrum obrazu znajduje się Ellen Andre, która wydaje się odizolowana od innych ludzi i z nikim nie rozmawia. Francuska aktorka najlepiej pamiętana jest jako modelka dla malarzy impresjonistów. Oprócz „Śniadania wioślarzy” została przedstawiona na obrazach Edouarda Maneta „Śliwka” i Edgara Degasa „Absynt”.
11. „Śniadanie wioślarzy” przedstawia mieszanie się klas we francuskim społeczeństwie 
Narodziny super-nowego społeczeństwa (na podstawie śniadania wioślarzy).
Mężczyźni i kobiety z różnych środowisk, spędzający razem wakacje, wyraźnie pokazują, jak w ówczesnej kulturze francuskiej istniała mieszanka różnych klas społecznych i powstała nowa burżuazja.
12. Obraz od czasu swojej premiery stał się popularny. 
Pierre-Auguste Renoir.
Śniadanie wioślarzy zadebiutowało w 1882 roku na VII Wystawie Impresjonistów, gdzie trzech krytyków uznało go za najlepszy obraz na wystawie.
13. Arcydzieło Renoira zostało sprzedane do Ameryki 
Paul Durand-Ruel.
Śniadanie wioślarzy przez dziesięciolecia było częścią prywatnej kolekcji patrona Renoira, Paula Duranda-Ruela. Ale po jego śmierci w 1922 roku synowie Duranda-Ruela wystawili obraz na sprzedaż. Został nabyty przez amerykańskiego kolekcjonera sztuki Duncana Phillipsa za 125 000 dolarów i od tego czasu kolekcję Phillipsa można oglądać w Waszyngtonie.
14. Phillips miał dosłownie obsesję na punkcie obrazu Renoira. 
Pierwsze amerykańskie muzeum sztuki nowoczesnej.
Phillips po raz pierwszy zobaczył obraz „Śniadanie wioślarzy” na wystawie w Nowym Jorku. Uderzyła go tak głęboko, że kolekcjoner dosłownie miał obsesję na punkcie płótna. Kiedy Phillips usłyszał, że Śniadanie wioślarzy jest wystawione na sprzedaż, specjalnie pośpieszył do Francji, gdzie przeznaczył cały roczny budżet na sztukę na obraz.
15. Słynny hollywoodzki aktor fantazjował o kradzieży obrazu. 
Aktor Edward G. Robinson.
W Złotym Wieku Hollywood aktor Edward G. Robinson zasłynął z roli gangsterów w filmach takich jak Key Largo (1948) i Little Caesar (1931). Poza ekranem był zagorzałym miłośnikiem sztuki. Robinson powiedział kiedyś: „Dla Od ponad trzydziestu lat regularnie odwiedzam muzeum w Waszyngtonie, aby obejrzeć obraz Renoira. Raz po raz wymyślam sposoby na kradzież tego obrazu z muzeum”.
16. Nic się nie zmienia 
Obraz do dziś pobudza umysły.
Auguste Renoir „Śniadanie wioślarzy”
Obraz „Śniadanie wioślarzy” został namalowany w latach 1880-1881. Płótno, olej. 130 × 173 cm Obecnie w Phillips Collection Museum w Waszyngtonie.
Fabuła obrazu została zainspirowana popularnym miejscem wypoczynku w Paryżu.
Restauracja „Dom Fournaise” w mieście Chatou (pod Paryżem) z widokiem na Sekwanę była ulubionym miejscem ludzi o różnym statusie społecznym. Jak widać w „Śniadaniu wioślarzy” częstymi bywalcami tej restauracji byli biznesmeni, bywalcy towarzystwa, szwaczki i artyści. Renoir również bardzo lubił to miejsce i przedstawiał na nim wielu swoich znajomych.
Restauracja Fournaise została zamknięta w 1906 roku. Ale prawie sto lat później, w 1990 roku, przeprowadzono jego całkowitą renowację, po której restauracja zyskała dawną popularność. Ponadto „Fournaise House” szczyci się obecnie muzeum i pracownią artystów z reprodukcjami impresjonistów.
Obraz przedstawia prawdziwych ludzi, przyjaciół Renoira, których uwiecznił na jednym ze swoich znakomitych obrazów.
Po lewej Alina Sharigot (1859-1915), która pierwotnie była modelką Renoira, a następnie została jego żoną, siedzi przy stole w kapeluszu z kwiatami. Naprzeciwko, w białej koszulce i żółtym kapeluszu, stoi słynny malarz i kolekcjoner obrazów impresjonistów, Gustave Caillebotte (1848-1894). Za Aliną Sharigo stoi syn właściciela restauracji, w której odbywa się spotkanie przyjaciół, odpowiedzialny za wynajem łodzi - Alphonse Fournes. Dalej tyłem do widza stoi Raoul Bardieu – baron, bohater wojenny i były burmistrz Sajgonu. Dama w żółtym kapeluszu, oparta łokciem o poręcz, to córka właścicielki restauracji, Alfonsiny Fournaise. Pani, która pije ze szklanki, to aktorka, modelka Renoira, Edouarda Maneta i Edgara Degasa - Ellen Andre (1857-1925). W skrajnym lewym rogu rozmawiają dwaj mężczyźni - poeta i krytyk Jules Laforgue (1860-1887) i mężczyzna w cylindrze Charles Ephrussi, który był kolekcjonerem i wydawcą, w szczególności zajmował się publikacją Gazette des Beaux-Arts. W skrajnym prawym rogu trio: aktorka i modelka Renoira, Jeanne Samary (1857-1890), naprzeciwko przyjaciela Renoira, pracownika Ministerstwa Spraw Wewnętrznych, Pierre'a Lestringue, oraz przyjaciela Renoira, dziennikarza i pisarza Paula Lota w środku. Pani w niebieskiej sukience to modelka, aktorka i piosenkarka Angel Lego. Obok Anioła stoi włoski dziennikarz Antonio Maggiolo.
