Jean-Baptiste Camille Corot – słynny francuski artysta. Znany jako wielki pejzażysta epoki romantyzmu. Zwrócił szczególną uwagę na Valerę. Valer - odcienie kolorów, które uzyskuje się za pomocą określonej techniki i tworzą efekt głębi i charakteru środowiska światła i powietrza. Specjalna technika malowania pejzaży, w której większy nacisk kładzie się na subtelne odcienie atmosfery i powietrza, miała wielki wpływ na impresjonistów.
Urodzony 17 lipca 1796 w Paryżu. Wiadomo, że pierwsze lekcje malarstwa pobierał u artysty Michalona i Bertina. Badacze sztuki Corota zauważają, że Jean Baptiste zwracał szczególną uwagę na malarstwo takich artystów jak Canaletto, Guardi czy Lorrain, pewne cechy ich malarstwa widoczne są także w malarstwie Camille'a Corota. Jednak sztuka tego francuskiego artysty jest na swój sposób oryginalna i niepowtarzalna. Miał swój własny styl, który uczynił go naprawdę sławnym przez wiele stuleci. Wiele obrazów Corota, zarówno pejzaży, jak i portretów, oddaje jesienny nastrój z nutą smutku i filozoficznej ciszy, spokoju.
Pejzażysta Jean-Baptiste Camille Corot często podróżował po świecie, gdzie czerpał inspiracje i znajdował piękne widoki do swoich prac. Często odwiedzał Włochy, Szwajcarię, dużo podróżował po Francji, a także podróżował do takich krajów jak Belgia, Anglia, Holandia. Większość obrazów Corota to pejzaże. Oprócz pejzaży zasłynął także portretami. Najbardziej znane portrety tego autora to „Kobieta w różowej spódnicy”, „Przerwana lektura”, „Cyganka z mandoliną”, „Dama w błękicie” i inne.
W ciągu swojego życia Jean-Baptiste Camille Corot namalował ponad 3000 obrazów i dziesiątki akwafort. Wielki artysta zmarł 22 lutego 1875 roku we Francji. Obecnie jego prace znajdują się w tak znaczących muzeach jak Luwr w Paryżu, Art Institute w Chicago, Museum of Art w Sao Paulo, Museum of Art w St. Louis, Museum of Fine Arts w Bostonie, Metropolitan Museum of Art, National Gallery of Art w Waszyngtonie, Muzeum Puszkina im. A. Puszkin w Moskwie itp.
Chcesz zdobyć pracę w swojej specjalności? Na stronie internetowej New Way English School można znaleźć
Urodzony w Paryżu 17 lipca 1796 r. Corot był synem bardzo bogatego kupca odzieżowego. Po studiach w Rouen College, w wieku 26 lat, otrzymał wolność finansową, aby poświęcić się malarstwu.
Najpierw studiował u projektanta krajobrazu Achille Etna Michallon, a po jego śmierci u Jean-Victora Bertina (1767-1842), obaj byli uczniami Pierre-Henri de Valenciennes. W latach 1825-1828 Korot odbył podróż do Włoch, co uważa się za bardzo znaczące dla jego formacji pejzażysty. Camille mieszkała w Rzymie i Kampanii przed wyjazdem do Neapolu. W 1827 wysłał na Salon Paryski swoje pierwsze obrazy: „Widok Narni” (obecnie w Ottawie, w National Gallery of Canada) i „Roman Campagna” (obecnie w Zurychu, Kunsthaus Museum).
Później Corot wrócił do Włoch w 1834 i 1843 roku. Dużo podróżował także po Francji, odwiedzając Normandię, Prowansję, region Morvan w Burgundii, do którego później wrócił. W 1854 podróżował po Holandii i Belgii, regularnie odwiedzał Szwajcarię, aw 1862 mieszkał przez jakiś czas w Londynie.
Podczas tych wyjazdów Corot dużo pracował na świeżym powietrzu i zapełniał liczne zeszyty szkicami i rysunkami. Jego wczesne szkice, na przykład malowane we Włoszech, były bardzo wyraziste i świeże, pełne jasnych kolorów w pociągnięciach. W miesiącach zimowych pracował w pracowni nad ambitnymi pejzażami mitologicznymi i religijnymi przeznaczonymi do salonu. Hagar in the Desert (obecnie w Nowym Jorku, w Metropolitan Museum of Art), wystawiona w Salonie w 1835 roku, jest charakterystyczna dla jego wczesnego stylu i podobnie jak jego plenery ma wyraźne formy i kolorystykę malarstwa akademickiego.
Jego reputacja rozwinęła się w latach pięćdziesiątych XIX wieku, kiedy jego styl stał się bardziej miękki, a kolory bardziej stonowane. W swoich późnych pejzażach studyjnych, które często były zamieszkane przez kąpiących się, Bakchanów i alegoryczne postacie, używał niewielkiej gamy kolorów, często używając delikatnych szarości i niebiesko-zielonych z okazjonalnymi plamami koloru, aby podkreślić ubrania postaci.
Detale topograficzne zostały stłumione na rzecz nastroju i atmosfery, zwłaszcza w jego „pamiątkach”, które opierały się na wspomnieniach rzeczywistych krajobrazów. Były popularne, a Corot sprzyjał młodym artystom, którzy kopiowali jego obrazy, używając ich jako pomocy dydaktycznych lub wykonując kopie na sprzedaż. Doprowadziło to później do licznych fałszerstw i imitacji, a także trudności w atrybucji.
Na wystawie Universelle w 1855 roku Corot pokazał sześć obrazów i zdobył złoty medal. Jego wpływ na malarstwo pejzażowe w XIX wieku, w tym na impresjonistów, był znaczący. Szczególnie liczni naśladowcy pozostawali pod wpływem jego techniki przedstawiania światła na pejzażu. Jednak przez długi czas, zwłaszcza wśród kolekcjonerów, popularność jego późniejszej twórczości przyćmiła twórczość wcześniejszą.
Najbardziej odmienne, najbardziej niepowtarzalne, najbardziej oryginalne – krytyka nigdy nie szczędziła entuzjastycznych epitetów pod adresem francuskiego romantyka, który poszerzył granice gatunku i wprowadził do niego coś, co było inspiracją dla impresjonistów drugiej połowy XX wieku. 19 wiek.
Corot stał się artystą „nagle”. Ten roztargniony i milczący syn bogatego kupca od dzieciństwa nie sprawiał rodzicom szczególnych problemów. Studiował w prywatnej szkole z internatem, następnie został wysłany do Rouen, gdzie nauczył się podstaw handlu. Studiował bez przyjemności, ale radził sobie ze wszystkich przedmiotów.
Już pierwsze doświadczenie pracy w sklepie z suknem było smutne. Kamil nie wiedział, jak sprzedawać przestarzałe towary, a towar nowy i wysokiej jakości dawał z dużym rabatem każdemu, kto go o to poprosił. Właściciel sklepu odesłał go do rodziny z listem, w którym z żalem poinformował rodzica, że jego syn nie nadaje się do handlu. Ojciec nie myślał o zdenerwowaniu, przypisując wszystkie niepowodzenia swojego potomstwa młodości i niedoświadczeniu.
Nagłe oświadczenie Camille, że nie chce już robić interesów i chce zostać artystą, nie zaniepokoiło również jego ojca. Cieszył się tylko, że nie będzie wydawał więcej pieniędzy na syna.
Kilka lat praktykowania u znanych mistrzów malarstwa niewiele nauczyło początkującego artystę. Znacznie więcej nauczył się podczas podróży do. Z podróży Corot przywozi kilka szkiców, które otrzymały dobre recenzje od kolegów. Po Włoszech artysta podróżuje po swoim rodzinnym kraju, tworząc jedno arcydzieło po drugim. Artysta swoją płodnością i szybkością tworzenia nowych obrazów przypominał mistrzów holenderskich XVII wieku.
Dziedzictwo Corota to cała galeria portretów, kilka prac o tematyce mitologicznej i alegorycznej oraz niezliczone pejzaże, które zyskały najwyższe uznanie w świecie sztuki.
Mistrz uważał, że tylko to, co jest pisane z natury po raz pierwszy, jest najbardziej szczere i utalentowane. Etiudowy charakter jego płócien, pewna niekompletność, początkowo wywoływała konsternację, ale wkrótce krytycy się z tym pogodzili. Wraz z niekompletnością w pracach Corota podziwiano umiejętność „chwytania” najważniejszej rzeczy, unikania statyki i wnoszenia czegoś więcej do krajobrazu. Bawiąc się półtonami, rozmiłowanymi mgłami, zamgleniami, rozmytymi formami, artyście udało się wnieść do swoich romantycznych pejzaży poczucie ruchu i samego życia, które inspirowało impresjonistów, którym zależało właśnie na przekazywaniu ruchu otaczającego świata, pierwsze wrażenia z tego, co zobaczyli.
Corot był wierny swojemu maniery do końca życia. Od 1827 do śmierci w 1875 mistrz nie opuścił ani jednej wystawy w Salonie. Co ciekawe, jego ostatnie prace zostały zaprezentowane publiczności już po jego śmierci. Umierając w swoim paryskim mieszkaniu, Corot kazał wystawić kilka swoich prac na następnej wystawie, nawet jeśli już nie żył. Na wystawie w 1875 roku największym zainteresowaniem publiczności cieszyły się prace zmarłego artysty, uznanego mistrza, niepowtarzalnego i oryginalnego, w przeciwieństwie do innych.
Malarstwo Koro staje się bardziej wyrafinowane, drżące, lekkie, nasycone walerianą, formy zdają się roztapiać w srebrno-perłowej mgiełce. Starając się uchwycić chwilowe, zmienne stany natury, zachować świeżość pierwszego wrażenia, Corot pod wieloma względami antycypował poszukiwania malarzy impresjonistów („Powoz z sianem”, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych, Moskwa). Kiedy Ashil Etna Michalon wrócił z Rzymu w 1821 roku, jego uczniem był Corot, dwudziestopięcioletni syn właściciela pracowni mody przy Rue Bac w Paryżu, który wyraźnie wiedział o swojej przyszłej drodze artystycznej.
Pod koniec 1825 roku sam Corot przeniósł się już do Rzymu. Tak się złożyło, że głównym problemem malarstwa pejzażowego XIX wieku była nowa technika, której odkrycie na pierwszy rzut oka wyglądało na prosty, choć przewidywalny przypadek. Jednak „gra przypadku” była z wystarczającą pewnością wynikiem bezstronnego procesu warsztatu malarskiego, a także większego niż w sztuce poprzednich epok zaufania artysty do czysto wizualnych wrażeń. Otwartość tej nowej oryginalnej pozycji pejzażysty opierała się na zrozumieniu, że kolor, forma i światło na obrazie powinny być odtwarzane bezpośrednio i tylko w całości.
Co było nowego w tym procesie? Szkic namalowany olejem w pewnym momencie budzi w naszych zmysłach wizualny obraz istniejącej materii fizycznej; farba olejna oddaje wszystko miękko i autentycznie, idealnie przyczyniając się do ujawnienia indywidualności artysty. Używając zagruntowanego papieru, Corot nauczył się rozprowadzać tony od najjaśniejszych do najciemniejszych poprzez pół tuzina kolejnych stopni, które oddają niuanse rzeczywistego oświetlenia wszystkiego, co widoczne. Jak większość plenerów, Corot wierzył, że tylko on sam może poznać prawdziwą wartość swoich studiów olejnych, dlatego zazdrośnie strzegł kolekcji swoich ulubionych studiów, nazywając je perłami. Wbrew powszechnemu przekonaniu nie wszyscy najlepsi z nich byli wcześnie; Corot niemal do końca życia tworzył wspaniałe studia w plenerze. Niemniej jednak „Widok Koloseum przez arkady Bazyliki Konstantyna” jest rzeczywiście jednym z najwcześniejszych studiów i żadne inne nie dorównuje mu pięknem. Jak to często bywa w krajobrazach z natury, istnieje głęboki związek z tradycją. Trójdzielna struktura, która tak majestatycznie spaja cały obraz, przywodzi na myśl te renesansowe ołtarze, które Corot znał dobrze z Luwru, takie jak obraz ołtarzowy Philippe'a Lippiego, który zachował trójdzielny podział jako echo gotyckich tryptyków.
Używając tak uroczych i naturalnych modeli, jak na obrazie „Panna młoda”, Corot był w stanie wnieść do obrazu wiele ładnej prostoty. Późniejszy okres jego twórczości to "Kobieta z perłami" - najdoskonalszy z jego portretów. Znów wyłania się jakby z głębin wiedza o kolekcji Luwru, która weszła w ciało i krew. Przy całej swej zachwycającej świeżości, charakterystycznej dla wizerunków portretowych Corota, postać młodej kobiety ozdobionej perłami wygląda jak mimowolna parafraza portretu „Monny Lisy”. Znamienne jest to, że spotykając się z nią na zakończenie wystawy w Luwrze, stajemy przed przypomnieniem spuścizny epoki króla Franciszka I.
Obraz Camille'a Corota „Ville d'Avre”.
Delikatne pastelowe kolory i puszyste drzewa tworzą senną, zroszoną atmosferę wczesnego poranka w tym cudownie delikatnym krajobrazie. Bladosrebrzyste niebo odbija się w tafli jeziora, a słońce oświetlające domy po lewej stronie przywodzi na myśl malownicze szkice namalowane przez Corota we Włoszech. W 1817 roku ojciec Corota kupił wiejską posiadłość w okolicach Paryża, w Dzikim Avre, gdzie obraz został namalowany. Corot przez całe swoje długie twórcze życie malował widoki tej okolicy. Corot był jednym z najwybitniejszych malarzy pejzażystów epoki XIX w. Corot malował także portrety rodzajowe, w których model jest organicznie wpisany w otoczenie („Kobieta z perłą”, 1868-1870, Luwr, Paryż), duże kompozycje pejzażowe z motywami fabularno-mitologicznymi („Kąpiąca się Diana” , 1873-1874, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych, Moskwa) Corot jest również znany jako wybitny rysownik, litograf, rytownik. Sztuka Corota obejmuje prawie całe stulecie, wielu artystów go inspirowało, on sam był źródłem inspiracji dla kilku pokoleń Związanie Corota z tradycją akademicką, a jednocześnie bezpośredniość i świeżość spojrzenia sprawiły, że nazwano go „ostatnim z klasycznych pejzażystów i pierwszym z impresjonistów”. Corota można zobaczyć na obrazach Alfreda Sisleya i Claude'a Moneta. Uważa się, że podczas swojego długiego życia twórczego Corot namalował około trzech tysięcy obrazów. Camille Corot zmarł 22 lutego 1875 roku w Paryżu.
Wystawione są prace Jeana Baptiste'a Camille'a Corota. Jego twórczość łączy cechy klasyczne, romantyczne i realistyczne.
Zmarł w 1875 roku i żył długo i owocnie. Corot znał Barbizonów, ale nie podzielał ich poglądów. Pod wieloma względami Camille Corot antycypował impresjonizm, pozostając jednocześnie artystą klasycznym. I chociaż sami impresjoniści nazywali Corota swoim prekursorem i nauczycielem, on sam nie rozumiał i nie akceptował ich malarstwa.
Praca Corota pojawiła się w czasie, gdy publiczność zaczęła już lubić Barbizonów. Często zdarza się, że na początku ludzie nie akceptują nowego. Potem, po jakimś czasie, pojawia się coś innego i to, co jeszcze kilka lat temu nie podobało się, już wydaje się atrakcyjne, bo pojawił się nowszy i brzydszy kierunek, jak zwykle mówi się o czymś niezwykłym. Kiedy pojawiają się impresjoniści, których „twórczość” w ogóle nie trafiła w żadne bramy, wydaje się, że przyzwyczaili się już do Barbizonów i zaczęli ich lubić.
Kamil Korot. „Portret Mariette Gambe (sny Mariette)”
W naszej ekspozycji znajduje się namalowany przez niego portret siostry artysty Camille Corota. Ten obraz nosi tytuł „Portret Mariette Gambe (Sny Mariette)”, dzieło, które niewiele przypomina portret, jest raczej obrazem rodzajowym, obrazem nie samej dziewczyny, ale jej rozmarzonej, zamyślonej.
Kamil Korot. „Poranek w Wenecji”
Corot otrzymał absolutnie tradycyjne wykształcenie artystyczne, kończąc Akademię ze złotym medalem. I jako zachętę zostaje wysłany na trzy lata na poprawę do Włoch na koszt państwa. Stamtąd przywiózł mały obraz „Poranek w Wenecji”.
Po tych trzech latach, wracając do ojczyzny, Corot stawia sobie za cel przemierzenie całej Francji i odkrycie drżenia rodzimej natury. A z każdej pieszej wycieczki przywoził nowe obrazy. Jedna z jego prac„Wóz z sianem (wóz przejeżdżający przez bród w pobliżu dużego drzewa)”.
Kamil Korot. krajobrazy
Bawiąc się światłem i cieniem, Corot pisze rodzaj przejściowego stanu natury. Oczywiście - ostatnio padało lub nadal pada. Wagon przejeżdża przez dużą kałużę. Padało, ale już przeszło. Za drzewem trawnik jest już oświetlony słońcem i przebija się przez chmury.
Przejściowy stan natury jest pokazany z wielką wprawą.
Każdy pejzaż Camille'a Corota to pejzaż nastrojowy. Oddaje drżenie, ruchliwość, wibrację nie tylko konstrukcjami kompozycyjnymi, ale także oszałamiającym walecznym malarstwem.
Każde zdjęcie Corota potwierdza, że nie był najwybitniejszym kolorystą. Uważał, że kolor w malarstwie nie jest najważniejszy. Najpierw musisz wszystko narysować, a następnie pokazać wszystkie obiekty w ruchu. Ruch mistrza przejawia się na poziomie trzepotu listowia, powiewu wiatru, szelestu trawy. I nadał temu ruchowi nie tylko wibrujące uderzenie. Corot NIE PRZEPISYWAŁ SZCZEGÓŁÓW, tak jak Guerin.
Corot twierdził, że w każdym kolorze jest co najmniej 20 jego odcieni. Ale zadaniem artysty jest nie tylko rozpoznanie tych szczegółów, ale także nałożenie ich tak, aby wszystkie odcienie od najciemniejszego do najjaśniejszego nie powtarzały się więcej niż raz na obrazie.
Corot bawi się dowolnym obrazem w taki sposób, aby rozłożyć kolor na wszystkie odcienie i umieścić każdy z nich na obrazie.Najpierw rozkłada, powiedzmy, kolor zielony. Potem robi to samo z szarym. A potem bierze pewien kontrastowy kolor i nakłada go kropkami na obrazie, aby jeszcze bardziej spotęgować to drżenie. Nazwał ten kolorowy sos lub przyprawę.
Kamil Korot. "Podmuch wiatru"
Na przykład „sos” Corota na obrazie „Podmuch wiatru” to kolor kobiecego szalika, który jest odtwarzany z pasemkami na niebie. Kolorystyka obrazu jest prawie monochromatyczna, a ta chusteczka jest jedyną żółtawą plamą.
RYSUNEK jest zawsze zauważalny w pracach Corota. Zwróć uwagę na jego tak zwany „puszysty” styl pisania. Liczby na obrazie są potrzebne do stworzenia głębi, trzeciego wymiaru. Ważne jest, że Corotowi po raz pierwszy udaje się przekazać za pomocą malowania pewien „zachwyt atmosferą”. Na tym płótnie możesz fizycznie poczuć wiatr, ruch atmosfery i to, jak wieśniaczka z trudem idzie w kierunku jego impulsów. Ruch na obrazie, podobnie jak podniecenie w naturze, jest niewyraźny, nie do końca wyrażony przez artystę - to tylko lekkie drżenie, ale nie burza, nie dramatyzm elementów, które urzekły.
Kamil Korot. „Kąpiąca się Diana”
„Kąpiel Diany” to jedno z ostatnich (prawie ostatnie) dzieł Corota.
Niektórzy eksperci twierdzą, że to drugie. W tej chwili Corotowi odmawia się udziału w wystawach, twierdząc, że nadszedł czas na młodych autorów i wszyscy są zmęczeni jego sposobem pisania. I jakoś poradzono mu, żeby trochę odświeżył temat, namalował jakąś Wenus w pejzażu. 75-letni Corot zainspirował się, wyjął duże płótno, zaprosił córkę Charlesa Francois Daubigny Emmę i przedstawił ją na tle natury, podobnie jak Diana.
Ale jak pisze swoją Dianę. Pamiętając o tradycjach klasycyzmu w sztuce, koryguje jej figurę, zamieniając ją w piękny antyczny posąg. Corot był daleki od tradycji impresjonizmu. Jego pejzaż jest malowany w jednym trybie oświetlenia, a Emma w innym, jest uświęcona światłem z zupełnie innego źródła. Jej postać nie do końca łączy się z tłem, wydaje się być „wstawiona” w pejzaż. Później impresjoniści zauważą, że przedmiot obrazowy nie może istnieć w izolacji, wszystkie przedmioty muszą być połączone światłem. Ale Corot nie dożyje, żeby to zobaczyć.
Dziewczyna na tym płótnie szczerze współczuje. Stoi w kałuży, naprawdę chcę ją przykryć kocem, owinąć, żeby nie zamarzła. Obraz wyróżnia się bardzo wyraźną i poprawną FIGURĄ! Koro zawsze to robił.
Co do fabuły - ilustracja słynnego epizodu z mitu. Diana weszła do jeziora, aby popływać i nagle zobaczyła w wodzie odbicie łowcy Akteona. Była przerażona, że zobaczył ją nagą, zamieniła go w jelenia, a psy natychmiast rozszarpały nieszczęśnika. Czyli Corot idzie w jego ślady – wkracza w pejzaż mitologiczną fabułę.
Co ciekawe, Corot napisał tę pracę w tym samym czasie co Akt Renoira. Ale Renoir zostanie oblany błotem, a Corot zostanie wzniesiony na piedestale, jeśli nie na niebie.
Camille Corot w Muzeum Puszkina
W naszej kolekcji znajduje się 14 dzieł Corota. Dwa z nich budzą wątpliwości. A jeśli nie mówisz o tych dwóch, pozostałe 12 jest najwyższej jakości. (Nadal możesz długo mówić o wielu podróbkach Corota.
Koniec XIX - początek XX wieku to czas, kiedy amerykańscy handlarze śpieszyli do Europy po obrazy i inne antyki. Nowy Świat nie tworzył własnej sztuki, był zajęty zarabianiem pieniędzy, kupowali sztukę w Europie, nie szczędzili pieniędzy. A jeśli jest popyt, to natychmiast pojawia się podaż… fałszywych obrazów. Corot spełnia to żądanie, jego obrazy są bardzo popularne wśród Amerykanów. Cóż, powstała niesamowita liczba podróbek pod „Coro”. Istnieje żart na temat sztuki i antyków, że z 2000 jego obrazów 4000 znajduje się w prywatnych kolekcjach. Ale w naszym muzeum prace Corota są ORYGINALNE!)
Innym mistrzem, który nie należał do Barbizonów, ale był związany z ich szkołą, jest Jean-Francois Millet (1814-1875). Stał się jednym z największych mistrzów połowy XIX wieku. Pierwsze uznanie zdobył dzięki portretom i małym obrazkom o tematyce biblijnej. Ale głównym motywem jego prac była praca chłopska.
Urodzony w Normandii w środowisku chłopskim artysta skupił się nie na gatunku pejzażu, ale na przedstawieniu chłopskiej pracy, głównego, jego zdaniem, celu człowieka na ziemi. Millet ukazywał pracę na wsi jako naturalny stan człowieka, jako jedyną możliwą formę jego bytu.
Artysta był przyjacielem Teodora Rousseau, w przeciwieństwie do Barbizonów, on sam nie przyjechał do Barbizon, lecz zamieszkał tam na stałe. Ponieważ sam był chłopem, postrzegał przyrodę jako sferę pracy chłopskiej i uważał za swoje zadanie przekazanie związku chłopa z naturą. Jego pejzaże przesiąknięte są obecnością człowieka, wypełnione echem jego myśli i marzeń. W motywie pejzażowym Milleta pojawia się motyw pracy w sensie biblijnym – pracy, jak chłopska pokora, aby w pocie czoła zdobyć chleb. Temat ten zostanie doceniony i zapożyczony przez Vincenta van Gogha.
Jean Francois Millet. „Kolekcjonerzy pedałów”
„Zbieracze pedałów” (lata 50. XIX wieku) to charakterystyczna dla artysty fabuła trudnej pracy chłopskiej. Na zdjęciu nie ma nieba punkt widzenia podany jest z góry, co wywołuje uczucie przytłaczającej ciężkości, intensywnego wysiłku skupionego w postaciach ludzkich. Wydaje się, że ta przestrzeń opada, przyciskając bohaterów do ziemi.
Kolejnym wątkiem, poza związkiem natury z człowiekiem, pracą chłopską, jest temat pracy zniekształcającej człowieka. Pisze swoje bohaterki z takiego punktu widzenia, że nigdy ich nie rozważymy, ich twarzy nie widać. Ale krzywe nogi zbieraczy chrustu rymują się ze skręconymi gałęziami. To jest ich bliski związek z tym światem. Są tak niezdarni, tak prości jak ten świat.
W całym obrazie dominują ziemisto-brązowe odcienie, którymi pisane są stroje wieśniaczek. Cienie gęstnieją pod drzewami, rozbijają się w stercie zarośli na pierwszym planie. Millais był kiepskim kolorystą. Ale ma kreski, które dynamizują przestrzeń tego obrazu. Van Gogh używa tego stylu prosa i doprowadza go do granic możliwości, do skrajności.
Jean Francois Millet. „hacki”
Kolejny obraz Milleta w zbiorach Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina nosi tytuł Stogi siana.
Twórczość Jean-Francois Milleta wyraźnie przejawiała cechy demokratycznego realizmu - zaawansowanego ruchu w sztuce francuskiej połowy XIX wieku. Głową realizmu demokratycznego był
