Niewątpliwym osiągnięciem renesansu była poprawna geometrycznie konstrukcja obrazu. Artysta budował obraz za pomocą wypracowanych przez siebie technik. Najważniejsze dla ówczesnych malarzy było obserwowanie proporcji przedmiotów. Nawet natura znalazła się pod matematycznymi metodami obliczania proporcjonalności obrazu z innymi obiektami na obrazie.
Innymi słowy, artyści renesansu starali się przekazać dokładny obraz, na przykład osoby na tle natury. W porównaniu z nowoczesnymi metodami odtwarzania widzianego obrazu na jakimś płótnie, najprawdopodobniej zdjęcie z późniejszą korektą pomoże zrozumieć, do czego dążyli artyści renesansu.
Renesansowi malarze uważali, że mają prawo korygować wady natury, to znaczy, jeśli ktoś miał brzydkie rysy twarzy, artyści korygowali je w taki sposób, aby twarz stała się słodka i atrakcyjna.
Leonardo da Vinci
Renesans stał się taki dzięki wielu kreatywnym osobowościom, które żyły w tym czasie. Światowej sławy Leonardo da Vinci (1452 - 1519) stworzył ogromną liczbę arcydzieł, których koszt szacuje się na miliony dolarów, a koneserzy jego sztuki są gotowi kontemplować jego obrazy przez długi czas.
Leonardo rozpoczął studia we Florencji. Jego pierwszym płótnem, namalowanym około 1478 roku, jest Madonna Benois. Potem były takie kreacje jak „Madonna w grocie”, „Mona Lisa”, wspomniana wyżej „Ostatnia wieczerza” i mnóstwo innych arcydzieł napisanych ręką tytana renesansu.
Surowość geometrycznych proporcji i dokładne odwzorowanie budowy anatomicznej człowieka – tym charakteryzuje się malarstwo Leonarda da Vinci. Zgodnie z jego przekonaniami sztuka przedstawiania określonych obrazów na płótnie jest nauką, a nie tylko hobby.
Rafał Santi
Raphael Santi (1483 - 1520) znany w świecie sztuki jako Raphael tworzył we Włoszech. Jego obrazy są przepojone liryzmem i wdziękiem. Rafał jest przedstawicielem renesansu, który przedstawiał człowieka i jego bycie na ziemi, uwielbiał malować ściany katedr watykańskich.
Obrazy zdradzały jedność postaci, proporcjonalne odpowiedniki przestrzeni i obrazów, eufonię koloru. Czystość Dziewicy była podstawą wielu obrazów Rafaela. Jego pierwszym obrazem Matki Bożej jest Madonna Sykstyńska, namalowana przez słynnego artystę w 1513 roku. Portrety, które stworzył Rafael, odzwierciedlały idealny wizerunek człowieka.
Sandro Botticellego
Sandro Botticelli (1445 - 1510) jest także malarzem renesansu. Jednym z jego pierwszych dzieł był obraz „Pokłon Trzech Króli”. Subtelna poezja i marzycielstwo były jego oryginalnymi manierami na polu przenoszenia artystycznych obrazów.
Na początku lat 80. XV wieku wielki artysta namalował ściany Kaplicy Watykańskiej. Wykonane przez niego freski wciąż zachwycają.
Z biegiem czasu jego obrazy charakteryzowały się spokojem antycznych budowli, żywotnością przedstawionych postaci, harmonią obrazów. Ponadto znana jest fascynacja Botticellego rysunkami do znanych dzieł literackich, co również dodało tylko chwały jego twórczości.
Michał Anioł Buonarotti
Michelangelo Buonarotti (1475-1564) był włoskim malarzem, który tworzył również w okresie renesansu. Czego tylko ta znana wielu z nas osoba nie zrobiła. I rzeźba, i malarstwo, i architektura, a także poezja. Michał Anioł, podobnie jak Rafael i Botticelli, malował ściany świątyń Watykanu. W końcu tylko najbardziej utalentowani malarze tamtych czasów zajmowali się tak odpowiedzialną pracą, jak rysowanie obrazów na ścianach katolickich katedr. Ponad 600 metrów kwadratowych Kaplicy Sykstyńskiej musiał pokryć freskami przedstawiającymi różne sceny biblijne. Najbardziej znanym dziełem w tym stylu jest nam znany Sąd Ostateczny. Znaczenie biblijnej historii jest wyrażone w pełni i jasno. Taka dokładność w przekazywaniu obrazów jest charakterystyczna dla całego dzieła Michała Anioła.
renesans (renesans). Włochy. 15-16 wieków. wczesny kapitalizm. Krajem rządzą bogaci bankierzy. Interesują się sztuką i nauką.
Bogaci i potężni gromadzą wokół siebie utalentowanych i mądrych. Poeci, filozofowie, malarze i rzeźbiarze codziennie rozmawiają ze swoimi mecenasami. Przez chwilę wydawało się, że ludem rządzą mędrcy, tak jak chciał Platon.
Pamiętali starożytnych Rzymian i Greków. Co również zbudowało społeczeństwo wolnych obywateli. Gdzie główną wartością jest człowiek (oczywiście nie licząc niewolników).
Renesans to nie tylko kopiowanie sztuki starożytnych cywilizacji. To jest mieszanka. Mitologia i chrześcijaństwo. Realizm natury i szczerość obrazów. Piękno fizyczne i piękno duchowe.
To był tylko błysk. Okres Wielkiego Renesansu to około 30 lat! Od 1490 do 1527 Od początku rozkwitu twórczości Leonarda. Przed splądrowaniem Rzymu.
Miraż idealnego świata szybko zniknął. Włochy były zbyt kruche. Wkrótce została zniewolona przez innego dyktatora.
Jednak te 30 lat określiło główne cechy malarstwa europejskiego na następne 500 lat! Aż do impresjoniści.
Realizm obrazu. Antropocentryzm (gdy głównym bohaterem i bohaterem jest osoba). Perspektywa liniowa. Farby olejne. Portret. Sceneria…
Niewiarygodne, w ciągu tych 30 lat pracowało jednocześnie kilku genialnych mistrzów. Które w innych czasach rodzą się raz na 1000 lat.
Leonardo, Michał Anioł, Rafael i Tycjan to tytani renesansu. Ale nie sposób nie wspomnieć o ich dwóch poprzednikach. Giotto i Masaccio. Bez którego nie byłoby renesansu.
1. Giotto (1267-1337)
Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment obrazu „Pięciu mistrzów renesansu florenckiego”. Początek XVI wieku. Luwr, Paryż.
14 wiek Proto-renesans. Jej głównym bohaterem jest Giotto. To mistrz, który w pojedynkę zrewolucjonizował sztukę. 200 lat przed Wielkim Renesansem. Gdyby nie on, era, z której ludzkość jest tak dumna, prawie by nie nadeszła.
Przed Giotto były ikony i freski. Powstały one według kanonów bizantyjskich. Twarze zamiast twarzy. płaskie figury. Niedopasowanie proporcjonalne. Zamiast krajobrazu - złote tło. Jak na przykład na tej ikonie.
Guido ze Sieny. Pokłon Mędrców. 1275-1280 Altenburg, Muzeum Lindenau, Niemcy.
I nagle pojawiają się freski Giotta. Mają duże figury. Twarze szlachetnych ludzi. Smutny. Smutny. Zdziwiony. Stary i młody. Różne.
Giotto. Żal za Chrystusem. Fragment
Giotto. Pocałuj Judasza. Fragment
Giotto. Święta Anno
Freski Giotta w kościele Scrovegni w Padwie (1302-1305). Po lewej: Opłakiwanie Chrystusa. Środek: Pocałunek Judasza (fragment). Po prawej: Zwiastowanie św. Anny (matki Marii), fragment.
Głównym dziełem Giotta jest cykl jego fresków w Kaplicy Scrovegnich w Padwie. Kiedy ten kościół został otwarty dla parafian, wlewały się do niego tłumy ludzi. Bo nigdy czegoś takiego nie widzieli.
W końcu Giotto zrobił coś bezprecedensowego. W pewnym sensie przetłumaczył biblijne historie na prosty, zrozumiały język. I stały się znacznie bardziej dostępne dla zwykłych ludzi.
Giotto. Pokłon Mędrców. 1303-1305 Fresk w kaplicy Scrovegnich w Padwie we Włoszech.
To właśnie będzie charakterystyczne dla wielu mistrzów renesansu. Lakonizm obrazów. Żywe emocje bohaterów. Realizm.
Między ikoną a realizmem renesansu.
Giotto był podziwiany. Ale jego innowacje nie były dalej rozwijane. Moda na międzynarodowy gotyk dotarła do Włoch.
Dopiero po 100 latach pojawi się mistrz, godny następca Giotta.
2. Masaccio (1401-1428)
Masaccio. Autoportret (fragment fresku „Święty Piotr na ambonie”). 1425-1427 Kaplica Brancacci w Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.
Początek XV wieku. Tak zwany wczesny renesans. Na scenę wkracza kolejny innowator.
Masaccio był pierwszym artystą, który zastosował perspektywę liniową. Zaprojektował go jego przyjaciel, architekt Brunelleschi. Teraz przedstawiony świat stał się podobny do rzeczywistego. Architektura zabawkowa to już przeszłość.
Masaccio. Święty Piotr uzdrawia swoim cieniem. 1425-1427 Kaplica Brancacci w Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.
Przyjął realizm Giotta. Jednak w przeciwieństwie do swojego poprzednika znał już dobrze anatomię.
Zamiast blokowych postaci, Giotto to pięknie zbudowani ludzie. Zupełnie jak starożytni Grecy.
Masaccio. Chrzest neofitów. 1426-1427 Kaplica Brancacci, kościół Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy.
Masaccio. Wygnanie z Raju. 1426-1427 Fresk w Kaplicy Brancaccich, Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.
Masaccio żył krótko. Zmarł, podobnie jak jego ojciec, niespodziewanie. W wieku 27 lat.
Miał jednak wielu naśladowców. Mistrzowie kolejnych pokoleń chodzili do Kaplicy Brancaccich, by uczyć się z jego fresków.
Tak więc innowacje Masaccio zostały podchwycone przez wszystkich wielkich tytanów Wielkiego Renesansu.
3. Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo da Vinci. Autoportret. 1512 Biblioteka Królewska w Turynie we Włoszech.
Leonardo da Vinci to jeden z tytanów renesansu. Co kolosalnie wpłynęło na rozwój malarstwa.
To on sam podniósł rangę artysty. Dzięki niemu przedstawiciele tego zawodu nie są już tylko rzemieślnikami. To są twórcy i arystokraci ducha.
Leonardo dokonał przełomu przede wszystkim w portrecie.
Uważał, że nic nie powinno odwracać uwagi od głównego obrazu. Oko nie powinno błądzić od jednego szczegółu do drugiego. Tak powstały jego słynne portrety. Zwięzły. Harmonijny.
Leonardo da Vinci. Dama z gronostajem. 1489-1490 Muzeum Czertoryskich w Krakowie.
Główną innowacją Leonarda jest to, że znalazł sposób na tworzenie obrazów… żywych.
Przed nim postacie na portretach wyglądały jak manekiny. Linie były jasne. Wszystkie szczegóły są starannie narysowane. Namalowany rysunek nie mógłby być żywy.
Ale potem Leonardo wynalazł metodę sfumato. Zatarł linie. Sprawił, że przejście od światła do cienia było bardzo miękkie. Jego postacie wydają się być spowite ledwie wyczuwalną mgłą. Postacie ożyły.
Leonardo da Vinci. Mona Lisa. 1503-1519 Luwr, Paryż.
Od tego czasu sfumato wejdzie do czynnego słownika wszystkich wielkich artystów przyszłości.
Często uważa się, że Leonardo jest oczywiście geniuszem. Ale nie mógł niczego dokończyć. I często nie kończył malarstwa. I wiele jego projektów pozostało na papierze (nawiasem mówiąc, w 24 tomach). Ogólnie rzecz biorąc, został wrzucony do medycyny, a następnie do muzyki. I nawet sztuka służenia kiedyś lubiła.
Pomyśl jednak o sobie. 19 obrazów. I jest największym artystą wszystkich czasów i narodów. Niektóre z nich nie są nawet zbliżone rozmiarami. W tym samym czasie, po napisaniu 6000 płócien w swoim życiu. Oczywiście, kto ma wyższą wydajność.
4. Michał Anioł (1475-1564)
Daniele da Volterra. Michał Anioł (szczegóły). 1544 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.
Michał Anioł uważał się za rzeźbiarza. Ale był mistrzem uniwersalnym. Podobnie jak inni jego renesansowi koledzy. Dlatego jego obrazowe dziedzictwo jest nie mniej imponujące.
Rozpoznaje się go przede wszystkim po fizycznie rozwiniętych postaciach. Ponieważ przedstawiał idealnego mężczyznę. W którym piękno fizyczne oznacza piękno duchowe.
Dlatego wszystkie jego postacie są tak muskularne, wytrzymałe. Nawet kobiety i starcy.
Michał Anioł. Fragment fresku „Sąd Ostateczny”
Michał Anioł. Fragmenty fresku Sądu Ostatecznego w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.
Często Michał Anioł malował postać nago. A potem dodałam ubrania na wierzchu. Aby ciało było jak najbardziej wytłoczone.
Sam namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej. Chociaż to kilkaset cyfr! Nie pozwolił nawet nikomu zetrzeć farby. Tak, był samotnikiem. Posiadający stromy i kłótliwy charakter. Ale przede wszystkim był niezadowolony z… siebie.
Michał Anioł. Fragment fresku „Stworzenie Adama”. 1511 Kaplica Sykstyńska, Watykan.
Michał Anioł żył długo. Przetrwać upadek renesansu. Dla niego była to osobista tragedia. Jego późniejsze prace są pełne smutku i żalu.
Ogólnie rzecz biorąc, twórcza ścieżka Michała Anioła jest wyjątkowa. Jego wczesne prace są pochwałą ludzkiego bohatera. Wolny i odważny. W najlepszych tradycjach starożytnej Grecji. Jak jego Dawid.
W ostatnich latach życia - to tragiczne obrazy. Celowo zgrubnie ciosany kamień. Jakbyśmy mieli przed sobą pomniki ofiar faszyzmu XX wieku. Spójrz na jego „Pietę”.
Michał Anioł. Dawid
Michał Anioł. Pieta z Palestriny
Rzeźby Michała Anioła w Akademii Sztuk Pięknych we Florencji. Po lewej: Dawid. 1504 Po prawej: Pieta z Palestriny. 1555
Jak to jest możliwe? Jeden artysta w ciągu jednego życia przeszedł przez wszystkie etapy sztuki od renesansu do XX wieku. Co zrobią następne pokolenia? Cóż, idź swoją drogą. Wiedząc, że poprzeczka została postawiona bardzo wysoko.
5. Rafał (1483-1520)
Rafał. Autoportret. 1506 Galeria Uffizi, Florencja, Włochy.
Rafał nigdy nie został zapomniany. Jego geniusz zawsze był doceniany. I w życiu. I po śmierci.
Jego postacie obdarzone są zmysłową, liryczną urodą. To jego Madonny są słusznie uważane za najpiękniejsze kobiece obrazy, jakie kiedykolwiek stworzono. Ich zewnętrzne piękno odzwierciedla duchowe piękno bohaterek. Ich łagodność. Ich poświęcenie.
Rafał. Madonna Sykstyńska. 1513 Galeria Starych Mistrzów, Drezno, Niemcy.
Słynne słowa „Piękno zbawi świat” Fiodor Dostojewski powiedział o Madonnie Sykstyńskiej. To było jego ulubione zdjęcie.
Jednak zmysłowe obrazy nie są jedyną mocną stroną Rafaela. Bardzo dokładnie przemyślał kompozycję swoich obrazów. Był niezrównanym architektem w malarstwie. Co więcej, zawsze znajdował najprostsze i najbardziej harmonijne rozwiązanie w organizacji przestrzeni. Wydaje się, że nie może być inaczej.
Rafał. szkoła ateńska. 1509-1511 Fresk w pokojach Pałacu Apostolskiego w Watykanie.
Rafał żył tylko 37 lat. Zmarł nagle. Od złapanych przeziębień i błędów medycznych. Ale jego spuścizny nie da się przecenić. Wielu artystów ubóstwiało tego mistrza. Mnożąc swoje zmysłowe obrazy na tysiącach swoich płócien.
6. Tycjan (1488-1576).
Tycjanowski. Autoportret (szczegóły). 1562 Muzeum Prado, Madryt.
Tycjan był niezrównanym kolorystą. Dużo też eksperymentował z kompozycją. Ogólnie rzecz biorąc, był odważnym i błyskotliwym innowatorem.
Za taki błyskotliwy talent wszyscy go kochali. Nazywany „Królem malarzy i malarzem królów”.
Mówiąc o Tycjanie, chcę postawić wykrzyknik po każdym zdaniu. Przecież to on wniósł do malarstwa dynamikę. Patos. Entuzjazm. Jasny kolor. Blask kolorów.
Tycjanowski. Wniebowstąpienie Maryi. 1515-1518 Kościół Santa Maria Gloriosi dei Frari, Wenecja.
Pod koniec życia wypracował niezwykłą technikę pisarską. Uderzenia są szybkie. Gruby. pasztecik. Farbę nakładano pędzlem lub palcami. Od tego - obrazy są jeszcze bardziej żywe, oddychające. A fabuły są jeszcze bardziej dynamiczne i dramatyczne.
Tycjanowski. Tarkwiniusz i Lukrecja. 1571 Muzeum Fitzwilliama, Cambridge, Anglia.
Czy to ci czegoś nie przypomina? Oczywiście jest to technika Rubensa. I technika artystów XIX wieku: Barbizona i impresjonistów. Tycjan, podobnie jak Michał Anioł, przejdzie przez 500 lat malowania w ciągu jednego życia. Dlatego jest geniuszem.
***
Artyści renesansu to artyści o wielkiej wiedzy. Aby zostawić taką spuściznę, trzeba było dużo wiedzieć. W dziedzinie historii, astrologii, fizyki i tak dalej.
Dlatego każdy z ich obrazów daje nam do myślenia. Dlaczego jest pokazany? Jaka jest tutaj zaszyfrowana wiadomość?
Dlatego prawie nigdy się nie mylą. Ponieważ dokładnie przemyśleli swoją przyszłą pracę. Używając całego bagażu swojej wiedzy.
Byli kimś więcej niż artystami. Byli filozofami. Wyjaśnianie nam świata poprzez malarstwo.
Dlatego zawsze będą dla nas bardzo interesujące.
Renesans rozpoczął się we Włoszech. Swoją nazwę zawdzięcza gwałtownemu rozkwitowi intelektualnemu i artystycznemu, który rozpoczął się w XIV wieku i wywarł ogromny wpływ na europejskie społeczeństwo i kulturę. Renesans wyrażał się nie tylko w malarstwie, ale także w architekturze, rzeźbie i literaturze. Najwybitniejszymi przedstawicielami renesansu są Leonardo da Vinci, Botticelli, Tycjan, Michał Anioł i Rafael.
W tamtych czasach głównym celem malarzy było realistyczne przedstawienie ludzkiego ciała, dlatego malowali głównie ludzi, przedstawiali różne tematy religijne. Wymyślono również zasadę perspektywy, co otworzyło przed artystami nowe możliwości.
Centrum renesansu stała się Florencja, następnie Wenecja, a później, bliżej XVI wieku, Rzym.
Leonardo jest nam znany jako utalentowany malarz, rzeźbiarz, naukowiec, inżynier i architekt renesansu. Przez większość życia Leonardo pracował we Florencji, gdzie stworzył wiele arcydzieł znanych na całym świecie. Wśród nich: „Mona Lisa” (inaczej – „Gioconda”), „Dama z gronostajem”, „Madonna Benois”, „Jan Chrzciciel” i „Św. Anna z Maryją i Dzieciątkiem Jezus.
Artysta ten jest rozpoznawalny dzięki unikalnemu stylowi, który wypracował przez lata. Malował też ściany Kaplicy Sykstyńskiej na osobiste zlecenie papieża Sykstusa IV. Botticelli malował słynne obrazy o tematyce mitologicznej. Do takich obrazów należą „Wiosna”, „Pallas i centaur”, „Narodziny Wenus”.
Tycjan był głową florenckiej szkoły artystów. Po śmierci swojego nauczyciela Belliniego Tycjan został oficjalnym, powszechnie uznanym artystą Republiki Weneckiej. Malarz ten znany jest ze swoich portretów o tematyce religijnej: „Wniebowstąpienie Maryi”, „Danae”, „Miłość ziemska i Miłość niebiańska”.
Włoski poeta, rzeźbiarz, architekt i artysta przedstawił wiele arcydzieł, wśród których znajduje się słynna rzeźba „Dawida” wykonana z marmuru. Ten posąg stał się główną atrakcją Florencji. Michał Anioł namalował sklepienie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, co było głównym zleceniem papieża Juliusza II. W okresie swojej twórczości poświęcił więcej uwagi architekturze, ale dał nam „Ukrzyżowanie św. Piotra”, „Złożenie do grobu”, „Stworzenie Adama”, „Wróżbiarz”.
Jego twórczość powstała pod wielkim wpływem Leonarda da Vinci i Michała Anioła, dzięki którym zdobył bezcenne doświadczenie i umiejętności. Malował sale reprezentacyjne w Watykanie, przedstawiając działalność człowieka i przedstawiając różne sceny z Biblii. Wśród słynnych obrazów Rafaela są „Madonna Sykstyńska”, „Trzy gracje”, „Święty Michał i diabeł”.
Iwan Siergiejewicz Ceregorodcew
renesans, która rozkwitła w XV-XVI wieku, była nowym etapem w rozwoju sztuki, aw szczególności malarstwa. Istnieje również francuska nazwa tej epoki - renesans. Sandro Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci, Tycjan, Michał Anioł to tylko niektóre ze znanych nazwisk reprezentujących ten okres.
Artyści renesansu przedstawiali postacie na swoich obrazach tak dokładnie i wyraźnie, jak to tylko możliwe.
Kontekst psychologiczny nie był pierwotnie uwzględniony na obrazie. Malarze postawili sobie za cel osiągnięcie żywotności przedstawionych. Niezależnie od tego, czy dynamika ludzkiej twarzy, czy detale otaczającej przyrody miały być jak najdokładniej oddane farbami. Jednak z biegiem czasu w obrazach renesansu moment psychologiczny staje się wyraźnie widoczny, na przykład z portretów można było wyciągnąć wnioski na temat cech charakteru przedstawionej osoby.
Osiągnięcie kultury artystycznej renesansu
Niewątpliwym osiągnięciem renesansu było geometrycznie poprawny projekt obrazu. Artysta budował obraz za pomocą wypracowanych przez siebie technik. Najważniejsze dla ówczesnych malarzy było obserwowanie proporcji przedmiotów. Nawet natura znalazła się pod matematycznymi metodami obliczania proporcjonalności obrazu z innymi obiektami na obrazie.
Innymi słowy, artyści renesansu starali się przekazać dokładny obraz, na przykład osoba na tle natury. W porównaniu z nowoczesnymi metodami odtwarzania widzianego obrazu na jakimś płótnie, najprawdopodobniej zdjęcie z późniejszą korektą pomoże zrozumieć, do czego dążyli artyści renesansu.
Malarze renesansu uważali, że mają prawo do poprawiania niedoskonałości natury, czyli jeśli ktoś miał brzydkie rysy twarzy, artyści korygowali je w taki sposób, że twarz stawała się słodka i atrakcyjna.
Podejście geometryczne w obrazach prowadzi do nowego sposobu przedstawiania przestrzenności. Przed odtworzeniem obrazów na płótnie artysta wytyczył ich układ przestrzenny. Zasada ta ostatecznie została ustalona wśród malarzy tamtej epoki.
Widz miał być pod wrażeniem obrazów na obrazach. Na przykład, Rafał osiągnął pełną zgodność z tą zasadą, tworząc obraz „Szkoła ateńska”. Sklepienia budynku uderzają swoją wysokością. Jest tak wiele przestrzeni, że zaczynasz rozumieć, jaki rozmiar ma ten budynek. A przedstawieni myśliciele starożytności z Platonem i Arystotelesem pośrodku wskazują, że w świecie starożytnym istniała jedność różnych idei filozoficznych.
Działki malarstwa renesansu
Jeśli zaczniesz poznawać malarstwo renesansu, możesz wyciągnąć ciekawy wniosek. Fabuła obrazów oparta była głównie na wydarzeniach opisanych w Biblii. Częściej malarze tamtych czasów przedstawiali historie z Nowego Testamentu. Najpopularniejszym obrazem jest Dziewica i Dzieciątko- mały Jezus Chrystus. 
Postać była tak żywa, że ludzie nawet czcili te obrazy, chociaż ludzie rozumieli, że to nie są ikony, ale modlili się do nich i prosili o pomoc i ochronę. Oprócz Madonny malarze renesansu bardzo lubili odtwarzać obrazy Jezus Chrystus, apostołowie, Jan Chrzciciel, a także epizody ewangeliczne. Na przykład, Leonardo da Vinci stworzył słynny na całym świecie obraz „Ostatnia wieczerza”.
Dlaczego artyści renesansu używali działek z Biblii? Dlaczego nie próbowali wyrazić siebie, tworząc portrety swoich współczesnych? Może w ten sposób próbowali przedstawić zwykłych ludzi z ich wrodzonymi cechami charakteru? Tak, malarze tamtych czasów starali się pokazać ludziom, że człowiek jest istotą boską.
Przedstawiając sceny biblijne, artyści renesansu starali się wyjaśnić, że ziemskie przejawy osoby można przedstawić wyraźniej, jeśli jednocześnie używane są historie biblijne. Możesz zrozumieć, czym jest upadek, pokusa, piekło czy niebo, jeśli zaczniesz poznawać twórczość ówczesnych artystów. To samo wizerunek Madonny przekazuje nam piękno kobiety, a także niesie zrozumienie ziemskiej ludzkiej miłości.
Leonardo da Vinci
Renesans stał się taki dzięki wielu kreatywnym osobowościom, które żyły w tym czasie. Znany na całym świecie Leonardo da Vinci (1452 - 1519) stworzył ogromną liczbę arcydzieł, których koszt szacuje się na miliony dolarów, a koneserzy jego sztuki są gotowi kontemplować jego obrazy przez długi czas. 
Leonardo rozpoczął studia we Florencji. Jego pierwsze płótno, namalowane około 1478 r., to „Madonna Benois”. Potem były takie kreacje jak "Madonna w Grocie", „Mona Lisa”, wspomniana wyżej Ostatnia Wieczerza i mnóstwo innych arcydzieł napisanych ręką tytana renesansu.
Surowość proporcji geometrycznych i dokładne odwzorowanie budowy anatomicznej człowieka – tym charakteryzuje się malarstwo Leonarda da Vinci. Zgodnie z jego przekonaniami sztuka przedstawiania określonych obrazów na płótnie jest nauką, a nie tylko hobby.
Rafał Santi
Rafał Santi (1483 - 1520) znany w świecie sztuki jako Raphael tworzył swoje prace we Włoszech. Jego obrazy są przepojone liryzmem i wdziękiem. Rafał jest przedstawicielem renesansu, który przedstawiał człowieka i jego bycie na ziemi, uwielbiał malować ściany katedr watykańskich.
Obrazy zdradzały jedność postaci, proporcjonalne odpowiedniki przestrzeni i obrazów, eufonię koloru. Czystość Dziewicy była podstawą wielu obrazów Rafaela. Jego pierwszy obraz Matki Boskiej- To jest Madonna Sykstyńska, namalowana przez słynnego artystę w 1513 roku. Portrety, które stworzył Rafael, odzwierciedlały idealny wizerunek człowieka.
Sandro Botticellego
Sandro Botticelli (1445 - 1510) jest także malarzem renesansu. Jednym z jego pierwszych dzieł był obraz „Pokłon Trzech Króli”. Subtelna poezja i marzycielstwo były jego oryginalnymi manierami na polu przenoszenia artystycznych obrazów.
Na początku lat 80-tych XV wieku wielki artysta malował ściany Kaplicy Watykańskiej. Wykonane przez niego freski wciąż zachwycają.
Z biegiem czasu jego obrazy charakteryzowały się spokojem antycznych budowli, żywotnością przedstawionych postaci, harmonią obrazów. Ponadto znana jest fascynacja Botticellego rysunkami do znanych dzieł literackich, co również dodało tylko chwały jego twórczości.
Michał Anioł Buonarotti
Michał Anioł Buonarotti (1475 - 1564)- włoski artysta, który tworzył również w okresie renesansu. Czego tylko ta znana wielu z nas osoba nie zrobiła. I rzeźba, i malarstwo, i architektura, a także poezja.
Michał Anioł, podobnie jak Rafael i Botticelli, malował ściany świątyń Watykanu. W końcu tylko najbardziej utalentowani malarze tamtych czasów zajmowali się tak odpowiedzialną pracą, jak rysowanie obrazów na ścianach katolickich katedr.
Ponad 600 metrów kwadratowych Kaplicy Sykstyńskiej musiał go pokryć freskami przedstawiającymi różne sceny biblijne.
Najbardziej znane dzieło w tym stylu jest nam znane jako „Sąd Ostateczny”. Znaczenie biblijnej historii jest wyrażone w pełni i jasno. Taka dokładność w przekazywaniu obrazów jest charakterystyczna dla całego dzieła Michała Anioła.
UWAGA! Do jakiegokolwiek wykorzystania materiałów witryny wymagany jest aktywny link do!
Z klasyczną kompletnością renesans zrealizował się we Włoszech, w kulturze renesansu, w której występują okresy: protorenesans lub czasy zjawisk przedrenesansowych („epoka Dantego i Giotta”, ok. 1260-1320), częściowo pokrywa się z okresem Ducento (XIII w.), a także Trecento (XIV w.), Quattrocento (XV w.) i Cinquecento (XVI w.). Bardziej powszechnymi okresami są wczesny renesans (XIV-XV w.), Kiedy nowe trendy aktywnie wchodzą w interakcję z gotykiem, przezwyciężając go i twórczo przekształcając.
Podobnie jak wysoki i późny renesans, którego szczególną fazą stał się manieryzm. W epoce Quattrocento szkoła florencka, architekci (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino i inni), rzeźbiarze (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano), malarze (Masaccio, Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli), którzy stworzyli plastycznie integralną koncepcję świata o wewnętrznej jedności, która stopniowo rozprzestrzeniła się na całe Włochy (dzieła Piero della Francesca w Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa w Ferrarze, Andrea Mantegna w Mantui, Antonello da Messina oraz bracia Gentile i Giovanni Bellini w Wenecji).
Jest rzeczą naturalną, że czas, który przywiązywał centralne znaczenie do „boskiej” twórczości ludzkiej, wysunął w sztuce osobowości, które przy całym bogactwie ówczesnych talentów stały się uosobieniem całych epok kultury narodowej (osobowości- „tytani”, jak ich później romantycznie nazywano). Giotto stał się uosobieniem Protorenesansu, przeciwne aspekty Quattrocento - konstruktywny rygor i szczery liryzm - zostały odpowiednio wyrażone przez Masaccio i Angelico z Botticellim. „Tytani” średniego (lub „wysokiego”) renesansu Leonardo da Vinci, Raphael i Michelangelo to artyści – symbole wielkiego kamienia milowego New Age jako takiego. Najważniejsze etapy architektury włoskiego renesansu - wczesny, środkowy i późny - są monumentalnie ucieleśnione w dziełach F. Brunelleschiego, D. Bramantego i A. Palladio.
W renesansie średniowieczna anonimowość została zastąpiona indywidualną, autorską twórczością. Duże znaczenie praktyczne ma teoria perspektywy liniowej i powietrznej, proporcje, zagadnienia anatomii oraz modelowanie światła i cienia. Ośrodkiem renesansowych nowinek, artystycznym „zwierciadłem epoki” było malarstwo iluzorycznie-naturalne, w sztuce sakralnej wypiera ikonę, a w sztuce świeckiej rodzi niezależne gatunki pejzażu, malarstwa codziennego, portretu (tzw. ten ostatni odegrał pierwszorzędną rolę w wizualnej afirmacji ideałów humanistycznego virtu). Sztuka rytownictwa drukowanego na drewnie i metalu, która w okresie reformacji stała się prawdziwie masowa, zyskuje swoją ostateczną wartość. Rysowanie ze szkicu roboczego zamienia się w osobny rodzaj kreatywności; indywidualny sposób pociągnięcia pędzla, kreski, a także faktura i efekt niekompletności (non-finito) zaczynają być cenione jako samodzielne efekty artystyczne. Malarstwo monumentalne staje się także malowniczym, iluzoryczno-trójwymiarowym, uzyskując coraz większą wizualną niezależność od masywu muru. Wszystkie rodzaje sztuk wizualnych teraz w jakiś sposób naruszają monolityczną średniowieczną syntezę (w której dominowała architektura), zyskując względną niezależność. Powstają typy posągu absolutnie okrągłego wymagające specjalnego obejścia, pomnik konny, popiersie portretowe (pod wieloma względami wskrzeszające starożytną tradycję), powstaje zupełnie nowy typ uroczystego rzeźbiarsko-architektonicznego nagrobka.
W okresie Wielkiego Renesansu, kiedy walka o humanistyczne ideały renesansu nabrała charakteru napiętego i heroicznego, architektura i sztuki plastyczne odznaczały się rozmachem dźwięku publicznego, syntetycznymi uogólnieniami i siłą obrazów pełnych duchowej i fizycznej aktywności. W budynkach Donato Bramante, Raphaela, Antonio da Sangallo doskonała harmonia, monumentalność i wyraźne proporcje osiągnęły swoje apogeum; humanistyczna pełnia, śmiały lot wyobraźni artystycznej, rozpiętość pokrycia rzeczywistości są charakterystyczne dla twórczości największych mistrzów plastyki tej epoki – Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła, Giorgione, Tycjana. Od drugiej ćwierci XVI wieku, kiedy Włochy weszły w okres kryzysu politycznego i rozczarowania ideami humanizmu, twórczość wielu mistrzów nabrała charakteru złożonego i dramatycznego. W architekturze późnego renesansu (Giacomo da Vignola, Michelangelo, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi) wzrosło zainteresowanie przestrzennym zagospodarowaniem kompozycji, podporządkowaniem budowli szerokiemu układowi urbanistycznemu; w budynkach użyteczności publicznej, świątyniach, willach i pałacach, które otrzymały bogatą i złożoną zabudowę, wyraźna tektonika wczesnego renesansu została zastąpiona intensywnym konfliktem sił tektonicznych (zbudowanych przez Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). Malarstwo i rzeźba późnego renesansu zostały wzbogacone zrozumieniem sprzeczności świata, zainteresowaniem przedstawieniem dramatycznej akcji masowej, dynamiką przestrzenną (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); niespotykana głębia, złożoność, wewnętrzna tragedia osiągnęła psychologiczne cechy obrazów w późniejszych dziełach Michała Anioła i Tycjana.
szkoła wenecka
Szkoła wenecka, jedna z głównych szkół malarstwa we Włoszech, z centrum w Wenecji (czasami także w małych miasteczkach Terraferma, obszarach kontynentu przylegających do Wenecji). Szkołę wenecką charakteryzuje dominacja zasady obrazowej, zwrócenie szczególnej uwagi na problemy koloru, chęć ucieleśnienia zmysłowej pełni i barwności życia. Ściśle związana z krajami Europy Zachodniej i Wschodu Wenecja czerpała z obcej kultury wszystko, co mogło służyć za jej ozdobę: elegancję i złocisty blask bizantyjskich mozaik, kamienne otoczenie mauretańskich budowli, fantastykę gotyckich świątyń. Jednocześnie wykształcił się tutaj własny, oryginalny styl w sztuce, skłaniający się ku ceremonialnej kolorystyce. Szkołę wenecką charakteryzuje świecki, afirmujący życie początek, poetyckie postrzeganie świata, człowieka i natury, subtelny koloryt.
Największy rozkwit szkoła wenecka osiągnęła w epoce wczesnego i późnego renesansu, w twórczości Antonello da Messina, który otworzył przed współczesnymi sobie możliwości ekspresyjne malarstwa olejnego, twórców idealnie harmonijnych wizerunków Giovanniego Belliniego i Giorgione , największy kolorysta Tycjan, który w swoich płótnach ucieleśniał radość i barwność właściwe malarstwu weneckiemu. W twórczości mistrzów szkoły weneckiej drugiej połowy XVI wieku wirtuozeria w przekazywaniu wielobarwnego świata, zamiłowanie do odświętnych spektakli i różnorodnego tłumu współistnieje z dramatyzmem jawnym i ukrytym, niepokojącym poczuciem dynamiki i nieskończoności wszechświat (obrazy Paolo Veronese i Jacopo Tintoretto). W XVII wieku tradycyjne zainteresowanie szkoły weneckiej problematyką koloru w twórczości Domenico Fettiego, Bernarda Strozziego i innych artystów współistnieje z technikami malarstwa barokowego, a także tendencjami realistycznymi w duchu karawagizmu. Malarstwo weneckie XVIII wieku charakteryzuje się rozkwitem malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego (Giovanni Battista Tiepolo), gatunku codzienności (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), dokumentalno-wiernego pejzażu architektonicznego - veduta (Giovanni Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) oraz liryczny, subtelnie oddający atmosferę poetyckiego życia codziennego pejzaż miejski Wenecji (Francesco Guardi).
szkoła florencka
Szkoła Florencka, jedna z wiodących włoskich szkół artystycznych renesansu, ma swoją siedzibę we Florencji. Powstaniu szkoły florenckiej, która ostatecznie ukształtowała się w XV wieku, sprzyjał rozkwit myśli humanistycznej (Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola itp.), która zwróciła się ku dziedzictwu starożytności. Przodkiem szkoły florenckiej w epoce protorenesansu był Giotto, który nadał swoim kompozycjom plastycznej perswazji i życiowej autentyczności.
W XV wieku założycielami sztuki renesansowej we Florencji byli architekt Filippo Brunelleschi, rzeźbiarz Donatello, malarz Masaccio, następnie architekt Leon Battista Alberti, rzeźbiarze Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano i innych mistrzów. W architekturze szkoły florenckiej w XV wieku powstał nowy typ renesansowego palazzo i rozpoczęto poszukiwania idealnego typu budowli świątynnej, odpowiadającej humanistycznym ideałom epoki.
Sztukę plastyczną szkoły florenckiej XV wieku charakteryzuje zamiłowanie do problematyki perspektywy, dążenie do plastycznej klarownej konstrukcji postaci ludzkiej (dzieła Andrei del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrei del Castagno) oraz do wielu jego mistrzów - szczególną duchowość i intymną liryczną kontemplację (obrazy Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi). W XVII wieku szkoła florencka popada w ruinę.
Dane referencyjne i biograficzne Galerii Sztuki Small Bay Planet są przygotowywane na podstawie materiałów z Historii Sztuki Zagranicznej (red. M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), Artistic Encyclopedia of Foreign Classical Art i Great Russian Encyclopedia.
