Prokofiew Siergiej Siergiejewicz (23 kwietnia 1891 - 5 marca 1953) - największy rosyjski i radziecki kompozytor, pianista, dyrygent. Skomponował 11 oper, 7 symfonii, 8 koncertów, 7 baletów, ogromną liczbę utworów instrumentalnych i wokalnych, a także muzykę do filmów i spektakli. Laureat Nagrody Lenina (pośmiertnie), laureat sześciu Nagród Stalina, Artysta Ludowy RFSRR. W XX wieku nie było już wykonywanego kompozytora.
Dzieciństwo i nauka w konserwatorium
Pod koniec XIX wieku w Imperium Rosyjskim znajdowała się gubernia jekaterynosławska, aw niej obwód bachmucki. Tutaj, w tym powiecie, 23 kwietnia 1891 r. We wsi lub, jak to było wówczas zwyczajowo nazywać, majątku Sontsovka, urodził się Siergiej Prokofiew (obecnie jego ojczyzna jest lepiej znana całemu światu jako Donbas).
Jego ojciec, Siergiej Aleksiejewicz, był agronomem, w chwili narodzin syna pracował jako zarządca majątku ziemskiego. Wcześniej w rodzinie urodziły się dwie dziewczynki, ale zmarły w niemowlęctwie. Dlatego chłopiec Seryozha był bardzo wyczekiwanym dzieckiem, a jego rodzice poświęcili mu całą swoją miłość, troskę i uwagę. Matka chłopca, Maria Grigoriewna, była prawie całkowicie zaangażowana w wychowanie. Pochodzi z pańszczyźnianej rodziny Szeremietowów, gdzie dzieci od najmłodszych lat uczyły się muzyki i sztuki teatralnej (i to nie tylko tak, ale na najwyższym poziomie). Maria Grigoriewna była także pianistką.
Wpłynęło to na fakt, że mały Seryozha studiował muzykę już w wieku 5 lat i stopniowo zaczął się w nim objawiać dar pisania. Wymyślał muzykę w postaci sztuk teatralnych i piosenek, ronda i walca, a moja mama pisała dla niego. Jak wspominał kompozytor, najmocniejszym wrażeniem z dzieciństwa była dla niego wycieczka do Moskwy z mamą i tatą, gdzie byli w teatrze i słuchali Księcia Igora A. Borodina, Fausta Charlesa Gounoda. Po obejrzeniu „Śpiącej królewny” P. Czajkowskiego chłopiec wrócił do domu z obsesją napisania czegoś takiego. Już w wieku dziesięciu lat napisał dwie prace pod tytułami „Olbrzym” i „Na bezludnych wyspach”.
Druga wizyta Sierioży w Moskwie miała miejsce na początku zimy 1901 roku. Wysłuchał go profesor konserwatorium S. Tanejew.Doświadczony nauczyciel zauważył talent dziecka i zalecił mu z całą powagą i systematycznością naukę muzyki. Latem do wsi Sontsovka przybył znany kompozytor Reinhold Gliere. Niedawno ukończył konserwatorium, otrzymał złoty medal i zgodnie z zaleceniami Tanejewa przybył do majątku. Nauczył małego Prokofiewa muzycznych teorii improwizacji, harmonii, kompozycji i został pomocnikiem przy pisaniu dzieła Uczta w czasach zarazy. Jesienią Gliere wraz z Marią Grigoriewną, matką Seryozhy, ponownie zabrał dziecko do Moskwy do Tanejewa.
Podjęto decyzję o utalentowanym chłopcu, a Siergiej został uczniem konserwatorium w Petersburgu. Jego nauczycielami są A.N. Esipova, N.A. Rimski-Korsakow, A.K. Lyadov, N.N. Czerepnin. W 1909 ukończył konserwatorium jako kompozytor, aw 1914 jako pianista. Pod koniec konserwatorium Prokofiew otrzymał złoty medal. A na egzaminach końcowych komisja jednogłośnie przyznała mu Nagrodę. A. Rubinstein - fortepian "Schroeder". Nie opuścił jednak konserwatorium, lecz kontynuował naukę w klasie organów do 1917 roku.
Od 1908 był solistą i wykonywał własne utwory. Po ukończeniu konserwatorium Prokofiew po raz pierwszy wyjechał do Londynu (taki prezent obiecała mu matka). Tam poznał Diagilewa, który w tym czasie organizował w stolicy Francji Sezony Rosyjskie. Od tego momentu młody muzyk otworzył sobie drogę do popularnych europejskich salonów. Jego wieczory fortepianowe odniosły ogromny sukces w Neapolu i Rzymie.
Od dzieciństwa postać Siergieja nie była prosta, co znalazło odzwierciedlenie nawet w jego wczesnych pracach. Podczas studiów w konserwatorium często szokował otoczenie swoim wyglądem, zawsze starał się przejąć przywództwo i być w centrum uwagi. Ludzie, którzy go znali w tamtych latach, zauważyli, że zawsze wyglądał wyjątkowo. Prokofiew miał doskonały gust, ubierał się bardzo pięknie, pozwalając sobie na użycie jasnych kolorów i chwytliwych kombinacji w ubraniach.
Znacznie później Światosław Richter powie o nim:
„Pewnego słonecznego dnia spacerowałem po Arbacie i spotkałem niezwykłą osobę, która niosła w sobie siłę i wyzwanie, minęła mnie jak fenomen. Miał na sobie jaskrawożółte buty i czerwono-pomarańczowy krawat. Nie mogłem nic na to poradzić, ale odwróciłem się i zaopiekowałem się nim. Był to Siergiej Prokofiew.
Życie poza Rosją
Pod koniec 1917 r. Siergiej postanawia opuścić Rosję. Jak zapisał w swoim dzienniku, decyzja o zmianie Rosji na Amerykę wynikała z chęci zobaczenia życia pełną parą, a nie kwaśnego; kultura, a nie dziczyzna i ubój; dać nie nędzne koncerty w Kisłowodzku, ale wystąpić w Chicago i Nowym Jorku.
W wiosenny dzień w maju 1918 roku Prokofiew opuszcza Moskwę i opuszcza ją, zabierając bilet na Ekspres Syberyjski. Pierwszego dnia lata trafia do Tokio i tam przez około dwa miesiące czeka na amerykańską wizę. Na początku sierpnia Siergiej Siergiejewicz popłynął do Stanów Zjednoczonych Ameryki. Tam mieszkał przez trzy lata, aw 1921 przeniósł się do Francji.
Przez następne piętnaście lat ciężko pracował i koncertował w miastach amerykańskich i europejskich, aż trzykrotnie przyjeżdżał z koncertami do Związku Radzieckiego. W tym czasie poznał i bardzo zbliżył się do tak znanych ludzi ze świata kultury, jak Pablo Picasso i Siergiej Rachmaninow. Prokofiewowi udało się również ożenić, hiszpańska Karolina Codina-Lubera została jego życiową partnerką. Para miała dwóch synów - Olega i Światosława. Ale coraz częściej Siergieja ogarniały myśli o powrocie do domu.
W 1936 r. Prokofiew wraz z żoną i synami przybył do ZSRR i zamieszkał w Moskwie.
Do końca życia tylko dwukrotnie wyjeżdżał z koncertami za granicę – w sezonach 1936/1937 i 1938/1939.
Prokofiew dużo rozmawiał ze znanymi artystami tamtych czasów. Wraz z Siergiejem Eisensteinem pracowali nad filmem „Aleksander Newski”.
2 maja 1936 r. w Centralnym Teatrze Dziecięcym odbyła się premiera światowej sławy baśni-symfonii „Piotruś i Wilk”.
Tuż przed wybuchem wojny kompozytor pracował nad operami Duenna i Siemion Kotko.
Okres wojny zaznaczył się w twórczości kompozytora operą „Wojna i pokój”, V Symfonią, muzyką do filmu „Iwan Groźny”, baletem „Kopciuszek” i wieloma innymi dziełami.
Zmiany w życiu rodzinnym Prokofiewa nastąpiły już w 1941 roku, jeszcze przed wybuchem wojny. W tym czasie nie mieszkał już z rodziną. Znacznie później rząd sowiecki uznał jego małżeństwo za nieważne, aw 1948 roku Prokofiew ponownie wszedł w legalny związek małżeński z Mirą Mendelssohn. Żona Lina przeżyła aresztowania, obozy i rehabilitację. W 1956 wyjechała ze Związku Radzieckiego do Niemiec. Lina żyła długo i zmarła w podeszłym wieku. Przez cały ten czas kochała Prokofiewa i do ostatnich dni pamiętała, jak go zobaczyła i usłyszała po raz pierwszy na koncercie. Uwielbiała Seryozha, jego muzykę i za wszystko obwiniała Mirę Mendelssohn.
Dla samego Prokofiewa lata powojenne zamieniły się w gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia, a nadciśnienie postępowało. Został ascetą i nigdzie nie wychodził ze swojej daczy. Miał ścisły reżim medyczny, ale mimo to ukończył prace nad baletem „Opowieść o kamiennym kwiecie”, IX Symfonią, operą „Opowieść o prawdziwym człowieku”.
Śmierć wielkiego kompozytora przeszła niezauważona przez społeczeństwo radzieckie i media. Ponieważ stało się to 5 marca 1953 r., kiedy zmarł także towarzysz Stalin. Co więcej, koledzy muzyka, jego krewni i przyjaciele mieli nawet spore problemy z organizacją pogrzebu. Kompozytor zmarł w moskiewskim mieszkaniu komunalnym z powodu kryzysu nadciśnieniowego. Pogrzeb odbył się na Cmentarzu Nowodziewiczym w Moskwie.
Wydawało się, że po 4 latach władze radzieckie próbowały zadośćuczynić słynnemu muzykowi i przyznały mu pośmiertnie Nagrodę Lenina.
Prace - arcydzieła o światowej sławie
Na świecie balety napisane przez S.S. są szczególnie popularne i kochane. Prokofiew.
| Rok premiery | Tytuł pracy | Premierowa lokalizacja |
| 1921 | „Opowieść o błaźnie, który przechytrzył siedmiu błaznów” | Paryż |
| 1927 | „stalowy skok” | Paryż |
| 1929 | "Syn marnotrawny" | Paryż |
| 1931 | „Nad Dnieprem” | Paryż |
| 1938, 1940 | „Romeo i Julia” W. Szekspira | Brno, Leningrad |
| 1945 | "Kopciuszek" | Moskwa |
| 1951, 1957 | „Opowieść o kamiennym kwiecie” P.P. Bażow | Moskwa, Leningrad |
Dla orkiestr Prokofiew stworzył 7 symfonii, suitę scytyjską „Ala i Lolly”, dwa walce Puszkina i wiele innych uwertur, wierszy, suit.
Świat pamięta o wielkim człowieku i szanuje jego dzieła. Bardzo wiele szkół muzycznych i sal koncertowych, samolotów i lotnisk, ulic i dziecięcych szkół muzycznych, orkiestr symfonicznych i akademii muzycznych nosi imię S. S. Prokofiewa. Dwa muzea są otwarte w Moskwie i jedno w jego ojczyźnie, w Donbasie.
WIELKI SYN ZIEMI DONIECKIEJ SIERGIEJ PROKOFIEW
Uważany za jednego z największych, najbardziej wpływowych i najczęściej wykonywanych kompozytorów XX wieku. Był także pianistą i dyrygentem. Dwa lata temu z okazji 120. rocznicy urodzin wielkiego kompozytora zorganizowano koncerty i festiwale na Ukrainie, w Rosji, we Francji, w Niemczech i innych krajach, z którymi nazwisko mistrza jest kojarzone. Donbass, gdzie muzyk urodził się i spędził dzieciństwo, ogłosił rok 2011 Rok Prokofiewa.
Z Sontsovki
Wokół twórczości tego kompozytora często wybuchały spory, ponieważ oryginalność i oryginalność zawsze wywołują sprzeczną reakcję. Jednak nie tylko kibice Prokofiew poczuj moc i blask jego talentu. To, co obecnie nazywa się charyzmą, było nieodłącznym elementem kompozytora. Surowy, opanowany, niezwykle wybredny we wszystkim, co dotyczy jego pracy, przeklinał wykonawców i reżyserów, raz nawet skarcił Dawida Ojstracha na samym koncercie, a Galina Ulanova powiedziała: „Potrzebujesz bębnów, a nie muzyki”.
Przez 50 lat działalności twórczej napisał 130 utworów muzycznych. Talent kompozytora znalazł odzwierciedlenie w szerokiej palecie gatunków: balety, opery, symfonie, muzyka do filmów i oczywiście muzyka dla dzieci.
Dla upamiętnienia 100. rocznicy urodzin wielkiego muzyka UNESCO ogłosiło w 1991 r. Rok Prokofiewa. Jednocześnie dzięki staraniom wdzięcznych rodaków we wsi Krasnoje powstała strefa pamięci Prokofiew. Odrestaurowano kościół św. Piotra i Pawła, w którym ochrzczono przyszłego muzyka.
DANE
Światosław Richter napisał: „Pewnego słonecznego dnia spacerowałem wzdłuż Arbatu i zobaczyłem niezwykłą osobę. Niósł wyzywającą moc i minął mnie jak zjawisko. 
W jaskrawożółtych butach, z czerwono-pomarańczowym krawatem. Nie mogłem się powstrzymać, ale odwróciłem się za nim - tak było Prokofiew».
Nazwa Prokofiew nazwano Salę Koncertową Donieckiej Filharmonii Obwodowej, orkiestrę akademicką i Akademię Muzyczną. Od ponad dekady odbywa się międzynarodowy festiwal „Wiosna Prokofiewa”, w który organicznie przeplata się konkurs młodych pianistów „W ojczyźnie Siergieja Prokofiewa”. Nagroda ustanowiona Siergiej Prokofiew, który jest przyznawany muzykom za osiągnięcia twórcze.
Zaktualizowano: 13 kwietnia 2019 r. przez: Helena
Urodzony 23 kwietnia 1891 r. w majątku Sontsovka, rejon Bachmut, obwód jekaterynosławski (obecnie wieś Krasnoje, rejon krasnoarmejski, obwód doniecki, Ukraina).
W 1909 ukończył Konserwatorium Petersburskie w klasie kompozycji A. Ladowa, w klasie instrumentacji - N. Rimskiego-Korsakowa i J. Witolda, w 1914 - w klasie fortepianu A. Esipovej, w klasie dyrygentury - N. Czerepnin. Pracował we współpracy twórczej z Siergiejem Eisensteinem.
Od 1908 roku rozpoczął działalność koncertową jako pianista i dyrygent - wykonawca własnych utworów.
W maju 1918 r. udał się w podróż zagraniczną, która trwała osiemnaście lat. Prokofiew koncertował w Ameryce, Europie, Japonii i na Kubie. W latach 1927, 1929 i 1932 odbywał podróże koncertowe do ZSRR. W 1936 wrócił do ZSRR ze swoją żoną Hiszpanką Liną Kodiną, która została Prokofiewą (właściwie Karolina Kodina-Lubera, 1897-1989). Prokofiew i jego rodzina - jego żona Lina oraz synowie Światosław i Oleg ostatecznie osiedlili się w Moskwie. W przyszłości za granicę (do Europy i USA) wyjechał tylko dwukrotnie: w sezonach 1936/37 i 1938/39.
Od 1941 roku żył już z dala od rodziny, kilka lat później rząd sowiecki unieważnił jego małżeństwo i bez wniesienia rozwodu 15 stycznia 1948 roku kompozytor oficjalnie ożenił się po raz drugi, jego żoną została Mira Mendelssohn. A pierwszą żonę aresztowano w 1948 r. i zesłano - najpierw do Abez (Komi ASSR), potem do obozów mordowskich, skąd wróciła w 1956 r.; później udało jej się opuścić ZSRR, zmarła w wieku 91 lat w Anglii w 1989 roku.
W 1948 roku został poddany druzgocącej krytyce za formalizm. Jego VI Symfonia (1946) i opera Opowieść o prawdziwym człowieku spotkały się z ostrą krytyką jako niezgodne z koncepcją socrealizmu.
Od 1949 roku Prokofiew prawie nie opuszcza swojej daczy, ale nawet w najsurowszym reżimie medycznym pisze balet Kamienny kwiat, Dziewiątą Sonatę fortepianową, oratorium Na straży pokoju i wiele innych. Ostatnim utworem, jaki kompozytor miał okazję usłyszeć w sali koncertowej, była VII Symfonia (1952).
Czczony Artysta RFSRR (1944).
Artysta Ludowy RFSRR (1947).
Prokofiew zmarł w Moskwie w mieszkaniu komunalnym przy Kamergersky Lane z powodu kryzysu nadciśnieniowego 5 marca 1953 r. Ponieważ zmarł w dniu śmierci Stalina, jego śmierć przeszła niemal niezauważona, a krewni i współpracownicy kompozytora mieli duże trudności z organizacją pogrzebu. Został pochowany w Moskwie na Cmentarzu Nowodziewiczym (miejsce nr 3).
Autor oper Maddalena (1913), Hazardzista (1916), Miłość do trzech pomarańczy (1919), Siemion Kotko (1939), Zaręczyny w klasztorze (1940), Wojna i pokój (2-I wyd. - 1952); balety „Opowieść o błaźnie, który przechytrzył siedmiu błaznów” (1915-1920), „Stalowy skok” (1925), „Syn marnotrawny” (1928), „Nad Dnieprem” (1930), „Romeo i Julia” ( 1936), „Kopciuszek” (1944), „Opowieść o kamiennym kwiecie” (1950); kantata „Aleksander Newski”, baśń symfoniczna „Piotruś i wilk”, 2 koncerty na fortepian i orkiestrę (1912, 1913, wyd. 2 1923).
nagrody i wyróżnienia
Sześć nagród Stalina:
(1943) II stopień - za VII sonatę
(1946) I klasa - za V Symfonię i VIII Sonatę
(1946) I stopnia - za muzykę do filmu "Iwan Groźny", I seria
(1946) I klasa - za balet "Kopciuszek" (1944)
(1947) I kl. - na sonatę na skrzypce i fortepian
(1951) II stopień - za suitę wokalno-symfoniczną „Ogień zimowy” i oratorium „Na straży świata” do wierszy S. Ya Marshaka
Nagroda Lenina (1957 - pośmiertnie) - za VII symfonię
Order Czerwonego Sztandaru Pracy
Kardynalną zaletą (lub jak kto woli wadą) mojego życia zawsze było poszukiwanie oryginalnego, własnego języka muzycznego. Nienawidzę naśladownictwa, nienawidzę oklepanych sztuczek... Możesz być za granicą tak długo, jak chcesz, ale na pewno od czasu do czasu musisz wrócić do ojczyzny, żeby poczuć prawdziwego rosyjskiego ducha.
S. Prokofiew
Lata dzieciństwa przyszłego kompozytora minęły w muzycznej rodzinie. Matka była dobrą pianistką, a chłopiec zasypiając często słyszał dźwięki sonat Beethovena dochodzące z daleka, kilka pokoi dalej.
Kiedy Seryozha miał 5 lat, skomponował swój pierwszy utwór na fortepian. W 1902 roku Tanejew zapoznał się z doświadczeniami kompozytorskimi swoich dzieci i za jego radą rozpoczął lekcje kompozycji u Gliere. W latach 1904-14 Prokofiew studiował w Konserwatorium Petersburskim u Rimskiego-Korsakowa (instrumentacja), Witolsa (forma muzyczna), Lyadova (kompozycja), Esipovej (fortepian). Na egzaminie końcowym Prokofiew znakomicie wykonał swój I Koncert, za który otrzymał Nagrodę Rubinsteina. Młody kompozytor chętnie chłonie nowe trendy w muzyce i szybko odnajduje własną drogę jako nowatorski muzyk. Przemawiając jako pianista, Prokofiew często włączał do swoich programów własne utwory, co wywoływało silną reakcję publiczności.
W 1918 roku Prokofiew wyjechał do USA, rozpoczynając dalej serię podróży do innych krajów - Francji, Niemiec, Anglii, Włoch, Hiszpanii. Chcąc zjednać sobie światową publiczność, dużo koncertuje, pisze najważniejsze dzieła - opery Miłość do trzech pomarańczy (1919), Ognisty anioł (1927); balety Stalowy skok (1925, inspirowane wydarzeniami rewolucyjnymi w Rosji), Syn marnotrawny (1928), Nad Dnieprem (1930); muzyka instrumentalna.
Na początku 1927 i pod koniec 1929 roku Prokofiew występował z wielkimi sukcesami w Związku Radzieckim. W 1927 koncertował w Moskwie, Leningradzie, Charkowie, Kijowie i Odessie. „Przyjęcie, jakie zgotowała mi Moskwa, było niezwykłe. (...) Przyjęcie w Leningradzie okazało się jeszcze cieplejsze niż w Moskwie” – pisał kompozytor w swojej Autobiografii. Pod koniec 1932 roku Prokofiew postanawia wrócić do ojczyzny.
Od połowy lat 30. twórczość Prokofiewa osiąga szczyty. Tworzy jedno ze swoich arcydzieł - balet "Romeo i Julia" Szekspira (1936); opera liryczno-komiczna Zaręczyny w klasztorze (The Duenna, wg Sheridana - 1940); kantaty „Aleksander Newski” (1939) i „Toast” (1939); baśń symfoniczna do własnego tekstu "Piotruś i Wilk" z instrumentami-postaciami (1936); Szósta sonata fortepianowa (1940); cykl utworów fortepianowych „Muzyka dziecięca” (1935). W latach 30-40. Muzykę Prokofiewa wykonują najlepsi muzycy radzieccy: Gołowanow, Gilels, Sofronitsky, Richter, Ojstrach. Najwyższym osiągnięciem radzieckiej choreografii był obraz Julii stworzony przez Ułanową. Latem 1941 roku na daczy pod Moskwą Prokofiew napisał balet Kopciuszek na zamówienie Leningradzkiego Teatru Opery i Baletu.
Wiadomość o wybuchu wojny z faszystowskimi Niemcami i późniejszych tragicznych wydarzeniach wywołała w kompozytorze nowy rozkwit twórczy. Tworzy wspaniałą heroiczno-patriotyczną epicką operę „Wojna i pokój” na podstawie powieści L. Tołstoja (1943), współpracując z reżyserem Eisensteinem nad historycznym filmem „Iwan Groźny” (1942). Niepokojące obrazy, refleksje o wydarzeniach wojennych, a zarazem niezłomna wola i energia są charakterystyczne dla muzyki Siódmej Sonaty fortepianowej (1942). Majestatyczna pewność siebie została uchwycona w V Symfonii (1944), w której kompozytor chciał w swoich słowach „śpiewać o człowieku wolnym i szczęśliwym, o jego potężnej sile, jego szlachetności, jego duchowej czystości”.
W okresie powojennym, mimo ciężkiej choroby, Prokofiew stworzył wiele znaczących dzieł: VI (1947) i VII (1952) symfonie, IX Sonatę fortepianową (1947), nowe wydanie opery Wojna i pokój (1952) , Sonata wiolonczelowa (1949) i Koncert symfoniczny na wiolonczelę i orkiestrę (1952). Koniec lat 40. i początek 50. przyćmiły hałaśliwe kampanie przeciwko nurtowi „antynarodowego formalizmu” w sztuce radzieckiej i prześladowania wielu jego najlepszych przedstawicieli. Jednym z głównych „formalistów” w muzyce okazał się Prokofiew. Publiczne zniesławienie jego muzyki w 1948 roku dodatkowo pogorszyło stan zdrowia kompozytora.
Ostatnie lata życia Prokofiew spędził na daczy we wsi Nikolina Góra wśród kochanej przez siebie rosyjskiej przyrody, nadal nieprzerwanie komponował, łamiąc zakazy lekarzy. Trudne okoliczności życiowe wpłynęły także na twórczość. Obok autentycznych arcydzieł wśród dzieł ostatnich lat znajdują się dzieła „prostej koncepcji” - uwertura „Spotkanie Wołgi z Donem” (1951), oratorium „Na straży świata” (1950), suita „Zimowe ognisko” (1950), niektóre strony baletu „Opowieść o kamiennym kwiecie” (1950), VII Symfonia. Prokofiew zmarł tego samego dnia co Stalin, a pożegnanie wielkiego rosyjskiego kompozytora w jego ostatniej podróży przesłoniło powszechne poruszenie związane z pogrzebem wielkiego wodza narodów.
Styl Prokofiewa, którego twórczość obejmuje cztery i pół dekady burzliwego XX wieku, przeszedł ogromną ewolucję. Prokofiew utorował drogę nowej muzyce naszego stulecia wraz z innymi innowatorami początku stulecia – Debussym. Bartok, Skriabin, Strawiński, kompozytorzy szkoły nowoweńskiej. Wszedł do sztuki jako śmiały burzyciel podupadłych kanonów sztuki późnego romantyzmu z jej wyjątkowym wyrafinowaniem. Rozwijając w swoisty sposób tradycje Musorgskiego i Borodina, Prokofiew wniósł do muzyki nieokiełznaną energię, rzeź, dynamizm, świeżość pierwotnych sił, postrzeganych jako „barbarzyństwo” („Obsesja” i Toccata na fortepian, „Sarkazmy”; symfoniczna „Suita scytyjska” ” na podstawie baletu „Ala i Lolly”; I i II koncerty fortepianowe). Muzyka Prokofiewa odzwierciedla innowacje innych rosyjskich muzyków, poetów, malarzy, pracowników teatru. „Siergiej Siergiejewicz gra na najdelikatniejszych nerwach Władimira Władimirowicza” - powiedział W. Majakowski o jednym z występów Prokofiewa. Zjadliwa i soczysta rosyjsko-wiejska figuratywność przez pryzmat wyrafinowanej estetyki charakteryzuje balet „Opowieść o błaźnie, który zdradził siedmiu błaznów” (na podstawie baśni ze zbioru A. Afanasjewa). Stosunkowo rzadki w tym czasie liryzm; u Prokofiewa pozbawiony zmysłowości i wrażliwości – nieśmiały, łagodny, delikatny („Ulotne”, „Opowieści starej babci” na fortepian).
Jasność, różnorodność, wzmożona ekspresja są typowe dla stylu obcego piętnastu lat. To tryskająca radością opera „Miłość do trzech pomarańczy” oparta na baśni Gozziego („kieliszek szampana” według Łunaczarskiego); wspaniały III Koncert z żywiołową presją motoryczną, zapoczątkowaną wspaniałą melodią piszczałkową początku części I, przenikliwym liryzmem jednej z wariacji części II (1917-21); intensywność silnych emocji „Ognistego anioła” (na podstawie powieści Bryusowa); heroiczna moc i rozmach II Symfonii (1924); „Kubistyczna” urbanistyka „Steel lope”; liryczna introspekcja „Myśli” (1934) i „Rzeczy same w sobie” (1928) na fortepian. Styl lat 30. i 40. XX wieku odznacza się mądrym powściągliwością wrodzoną w dojrzałość, połączoną z głębią i narodowym gruntem koncepcji artystycznych. Kompozytor dąży do uniwersalnych ludzkich idei i tematów, uogólniając obrazy historii, jasnych, realistycznie-konkretnych postaci muzycznych. Ta linia twórczości została szczególnie pogłębiona w latach 40. w związku z trudnymi próbami, które spotkały naród radziecki w latach wojny. Ujawnienie wartości ludzkiego ducha, głębokie uogólnienia artystyczne stają się głównym dążeniem Prokofiewa: „Jestem przekonany, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służby człowiekowi i ludowi. Powinien śpiewać o ludzkim życiu i prowadzić człowieka do lepszej przyszłości. Taki jest, z mojego punktu widzenia, niewzruszony kodeks sztuki.
Prokofiew pozostawił ogromne dziedzictwo twórcze - 8 oper; 7 baletów; 7 symfonii; 9 sonat fortepianowych; 5 koncertów fortepianowych (w tym IV na jedną lewą rękę); 2 koncerty skrzypcowe, 2 koncerty wiolonczelowe (II - Symfonia-koncert); 6 kantat; oratorium; 2 suity wokalno-symfoniczne; wiele utworów fortepianowych; utwory na orkiestrę (m.in. „Uwertura rosyjska”, „Pieśń symfoniczna”, „Oda do końca wojny”, dwa „Walce Puszkina”); utwory kameralne (Uwertura na tematy żydowskie na klarnet, fortepian i kwartet smyczkowy; Kwintet na obój, klarnet, skrzypce, altówkę i kontrabas; 2 kwartety smyczkowe; dwie sonaty na skrzypce i fortepian; Sonata na wiolonczelę i fortepian; szereg kompozycji wokalnych za słowa Achmatowa, Balmont, Puszkin)
Kreatywność Prokofiewa zyskała światowe uznanie. Trwała wartość jego muzyki leży w jego hojności i życzliwości, w jego przywiązaniu do wzniosłych idei humanistycznych, w bogactwie artystycznego wyrazu jego dzieł.
Redaktor Paweł Wiaczesławowicz Muskatiniew
Korektor Marina Nikołajewna Sbitniewa
© S. V. Venchakova, 2018
ISBN 978-5-4490-8970-0
Stworzony za pomocą inteligentnego systemu wydawniczego Ridero
OD AUTORA
Celem stworzenia cyklu opracowań metodycznych w dyscyplinie „Rodzinna literatura muzyczna XX - XXI wieku” dla uczniów IV roku szkół muzycznych (specjalizacje: 53.02.04 „Sztuka wokalna”, 53.02.05 „Solo i chór śpiew ludowy”, 53.02.06 „Dyrygentura chóralna”, 53.02.03 „Wykonanie instrumentalne”, 53.02.07 „Teoria muzyki”), była przede wszystkim systematyzacją badań, a także fikcją (w tym współczesną), reprezentującą osobowość i twórczość rosyjskiego kompozytora pierwszej połowy XX wieku – CS Prokofiewa.
Należy zauważyć, że podręczniki dotyczące tej tematyki od dawna nie były wznawiane. Literatura edukacyjna, która pojawiła się w ostatnich latach, zawiera niezbędne podstawowe informacje dotyczące tematyki zajęć, jednak objętość publikacji edukacyjnych nie jest w stanie odzwierciedlić wielu aktualnych problemów twórczości kompozytorskiej, jak również przedstawić holistycznej analizy muzycznej Pracuje.
Cykl rozwoju metodologicznego był wynikiem wieloletniego nauczania powyższego przedmiotu. Dzieła zawierają znaczną ilość materiału edukacyjnego, opartego na szczegółowym przeglądzie najważniejszych aspektów twórczości kompozytora, a także analizie znacznej liczby utworów autorskich. Ścisła logiczna sekwencja każdego rozwoju metodologicznego jasno pokazuje plan lekcji, kluczowe zagadnienia tematyczne i końcowe wymagania dotyczące oceniania uczniów. Do każdej pracy dołączony jest aktualny wykaz literatury naukowej oraz aneks muzyczny, który może stanowić dobrą pomoc dla studentów muzyki w studiowaniu utworów danego autora; a także w trakcie pisania esejów, prac zaliczeniowych i prac kreatywnych. Każdy temat kursu jest prezentowany w formie lekcji otwartych wraz z tworzeniem prezentacji multimedialnej.
Cykl opracowań metodologicznych poświęconych twórczości S. Prokofiewa:
1. „S. S. Prokofiew. Niektóre cechy stylu kreatywnego” - dla ujawnienia tematu autorka sięga do obszernego materiału artystycznego i kulturowego, stosując metodę integracji wiedzy estetycznej i interakcji sztuk. W związku z tym postawiono kluczowe pytania, które pozwalają nam w pełni i wieloaspektowo rozważyć cechy twórczości tego rosyjskiego kompozytora, objąć rozległe realia społeczno-kulturowe, określić priorytety figuratywno-tematyczne i stylistyczne. W odniesieniu do S. S. Prokofiewa jest to przede wszystkim dalszy rozwój tradycyjnych gatunków muzyki akademickiej na nowym etapie ewolucji języka muzycznego, demonstracja nowych możliwości w tworzeniu obrazów artystycznych i dramaturgii. Praca porusza problematykę periodyzacji, analizuje najważniejsze aspekty twórczego myślenia - melodię i harmonię na przykładzie wybranych kompozycji. Pracę zamyka rozdział „Neoklasyczne i neoromantyczne cechy twórczości Prokofiewa w kontekście tendencji stylistycznych XX wieku”.
2. „S. S. Prokofiew. Sztuka operowa. „Miłość do trzech pomarańczy” Komentarze do tekstów » – praca przedstawia szczegółową analizę kompozycji operowych powstałych w różnych okresach twórczości. Podano również charakterystykę gatunku operowego jako najważniejszego kierunku stylistycznego twórczości kompozytora, omówiono orientacyjne zasady dramaturgiczne tych utworów. Problematyka „Prokofiewa i teatru” jest aktualna także w XXI wieku. Specyfika myślenia kompozytora determinuje pracę nad scenariuszem, kształtuje wszystkie najważniejsze składowe dramaturgii, wpływa na emocjonalną i figuratywną strukturę muzyki oraz ma decydujący wpływ na stronę kompozycyjną i strukturalną opery.
3. „S. S. Prokofiew. Sztuka operowa. „Anioł ognia”. Komentarze do tekstów » – dzieło uwzględnia niektóre charakterystyczno-stylistyczne i dramatyczne zasady opery. Ogromne znaczenie ma analiza przesłanek wyboru określonej fabuły jako fundamentalnej zasady literackiej – w tym przypadku niewątpliwym zainteresowaniem cieszy się „praca równoległa” kompozytora i pisarza.
4. „S. S. Prokofiew. Sztuka operowa. "Gracz". Komentarze do tekstów » - kontynuuje przegląd twórczości operowej kompozytora. Przedstawiono analizę oper wraz z krótkim omówieniem twórczości pisarza, którego utwory stały się podstawą libretta. Przyczynia się to do jak najdokładniejszego zrozumienia głównych akcentów akcji operowej.
5. „S. S. Prokofiew. Sztuka operowa. "Wojna i pokój". Komentarze do tekstów » – praca przedstawia analizę ostatniej opery kompozytora, powiązania z epicką powieścią L. N. Tołstoja. Szczegółowo omówiono następujące aspekty: dokumentalne świadectwa czasu powstania utworu, libretto, genezę gatunku, zasady leittematyzmu, zastosowanie wokalnych technik recytatorskich. Do najważniejszych zadań kompozytora należało muzyczne ucieleśnienie tekstu powieści Tołstoja, co doprowadziło do pojawienia się charakterystycznych obrazów dźwiękowych. Artykuł rozważa również możliwości pracy z modelami gatunkowymi, technikami ostinato.
6. „S. S. Prokofiew. Kreatywność fortepianu. Niektóre cykle fortepianowe z wczesnego okresu” – utwór ujawnia niektóre z głównych aspektów stylu fortepianowego kompozytora w ramach ogólnej ewolucji twórczej. Analiza cyklu „Ulotność” przedstawiona jest w sposób holistyczny.
7. „S. S. Prokofiew. Kreatywność fortepianu. Sonaty nr 6, nr 7, nr 8, nr 9 " – w utworze uwzględniono najważniejsze cechy stylistyczne i wzorce gatunku sonatowego. Późne sonaty kompozytora są analizowane z punktu widzenia tematyki, struktury i cech dramaturgii. Formułowane są także wnioski dotyczące nowatorskich zasad cykli sonatowych Prokofiewa.
8. „S. S. Prokofiew. Kreatywność baletowa. „Syn marnotrawny”, „Romeo i Julia” - autorka stawia sobie za zadanie prześledzenie ewolucji gatunku baletu z jego ogromną rozpiętością fabularną na przykładzie analizy niektórych kompozycji powstałych w różnych okresach twórczości.
9. „S. S. Prokofiew. kantaty. Kantata „Aleksander Newski” – w utworze przedstawiono główne informacje dotyczące twórczości kantatowej kompozytora. Kantata „Aleksander Newski”, stworzona na materiale muzyki filmowej, z filmu o tym samym tytule, jest analizowana pod kątem stylistyki, dramaturgii, zasad harmonicznych i struktury.
10. „S. S. Prokofiew. Twórczość symfoniczna. Symfonie nr 5, nr 7 "- autor śledzi niektóre cechy symfonizmu kompozytora, interpretację cyklu symfonicznego na podstawie analizy tych symfonii w kontekście tradycji i nowatorstwa.
Svetlana Vyacheslavovna Venchakova, muzykolog, nauczyciel dyscyplin teoretycznych Republiki Mordowii, Sarańska Szkoła Muzyczna. LP Kiryukova.
PRZEDSTAWIENIE SIĘ
Program kursu „Literatura muzyczna” ma na celu kształtowanie myślenia muzycznego studentów, rozwijanie umiejętności analizy utworów muzycznych, zdobywanie wiedzy o wzorcach formy muzycznej, specyfice języka muzycznego.
Przedmiot „Narodowa literatura muzyczna XX wieku” jest ważną częścią przygotowania zawodowego studentów wydziałów teoretycznych i wykonawczych szkół muzycznych i artystycznych.
W trakcie studiowania przedmiotu następuje proces analizy i systematyzacji różnych cech zjawisk muzycznych i artystycznych, których znajomość ma bezpośrednie znaczenie dla późniejszej praktyki wykonawczej i pedagogicznej studentów. Stwarzane są warunki do naukowego i twórczego rozumienia problemów artystycznych oraz rozumienia różnych interpretacji wykonawczych współczesnych stylów muzycznych. Na ogół tworzony jest elastyczny system kształcenia specjalistycznego, bez kryterium „wąskiej specjalizacji”, co sprzyja pogłębianiu umiejętności zawodowych i aktywizacji twórczego zainteresowania uczniów pracą.
Holistyczne badanie tendencji artystycznych i estetycznych, stylów opiera się na integracji wiedzy studentów z różnych dziedzin: historii muzyki obcej i rosyjskiej (do XX wieku), światowej kultury artystycznej, analizy dzieł muzycznych, praktyki wykonawczej, która zapewnia tworzenie nowej profesjonalnie uogólnionej wiedzy.
Rozwój metodologiczny na ten temat: „S. S. Prokofiew. Niektóre cechy stylu kreatywnego”
Cel lekcji: prześledzić wybrane cechy stylu twórczego i ewolucję aspektów stylistycznych wybitnego rosyjskiego kompozytora XX wieku S. Prokofiewa (1891 - 1953) w kontekście tradycji i nowatorstwa.
Plan lekcji:
1. Rosyjski kompozytor XX wieku S. S. Prokofiew
Początki twórczości Prokofiewa są zgodne z tradycjami narodowymi – folklorystycznymi i indywidualnymi, założonymi przez każdego z największych przedstawicieli szkoły rosyjskiej. Dla bardziej holistycznego spojrzenia na muzykę i styl kompozytora należy przyjrzeć się niektórym jego utworom powstałym w różnych okresach twórczości z nowymi akcentami w rozumieniu utworów; a także najważniejsze składowe stylu twórczego – cechy melodyki i harmonii kompozytora.
W muzyce S. Prokofiewa reprezentowane są praktycznie wszystkie znane gatunki – w tym zakresie można mówić o uniwersalizmie stylistycznym i gatunkowym; rozwinęły się specjalne środki wyrazu, które mogą odsłonić świat uczuć nowoczesny mężczyzna. Rozwikłanie muzycznej logiki kompozytora i jej szczególnej specyfiki jest przedmiotem wielu badań z zakresu muzykologii rosyjskiej i zagranicznej; problem ewolucji stylu S. Prokofiewa nie przestał być aktualny w XXI wieku. Niewątpliwie interesujące są zwłaszcza neoklasyczne i neoromantyczne cechy twórczości kompozytora. Jak wielu artystów XX wieku, Prokofiew przeszedł naturalną ścieżkę ewolucji - okresy różnorodnych, czasem sprzecznych poszukiwań. Główne kierunki twórczości artystycznej odzwierciedlały najważniejsze nurty stylistyczne w muzyce początku XX wieku: od neoprymitywizmu i urbanistyki po klasycyzm. Wśród jego zasług są odkrycia w gatunku opery (w szczególności odnowienie epickiego muzycznego „teatru performatywnego”, jakim jest opera); odkrycia w dziedzinie baletu – na szczególną uwagę zasługuje zainteresowanie Prokofiewa teatralnością, która jest odczuwalna także w muzyce instrumentalnej. Istotne są tu nie tylko specyficzne skojarzenia z akcją sceniczną – „aktorstwo” przenika niemal całą twórczość kompozytora, a porównując muzykę sceniczną Prokofiewa z muzyką instrumentalną, można się przekonać, że wiele pochodzi z teatru. Znaki te znalazły swój wyraz w stworzeniu specjalnej etykiety charakterystyki muzycznej postaci (w twórczości instrumentalnej występuje też szczególna „relief tematyczny”). Specyficzne właściwości stylu Prokofiewa wyrażają się w widzialności, szczególnej charakterystyce, widzialności gestów urzeczywistnianych za pomocą sztuki dźwięków. Prokofiew dokonał szeregu odkryć w gatunku symfonicznym (w szczególności „sonata moderato” w pierwszych częściach cyklu, która zmieniła logikę kompozycyjną symfonii; momenty związane ze specyfiką dramaturgii tempa obecne są w dzieło symfoniczne D. Szostakowicza, błyskotliwego innowacyjnego symfonisty). Powstają ciekawe znaleziska w starym gatunku kantat (np. kantata „W 20-lecie października” (1937), stworzona na podstawie tekstów różnych autorów, zbudowana jest z uwzględnieniem logiki kompozycji montażowej, pochodzącej z wpływ teatru i kina). Koncerty Prokofiewa, muzyka kameralna charakteryzują się nowym odczytaniem epicki tradycje muzyczne. Istnieją innowacje w dziedzinie pisania orkiestrowego.
Wiele nowinek stylistycznych, które zadziwiły współczesnych, odnalezionych przez kompozytora na samym początku jego drogi, okazało się później powszechnie przyjętymi elementami nowej muzyki i weszło w estetyczną codzienność stulecia. Wszechstronne uruchomienie zasady rytmicznej, dynamicznie impulsywna technika ostinato, rozbudowa systemu tonalnego i swoboda efektów modulacyjnych, pociąg do wielofunkcyjnych kompleksów dźwiękowych, wyostrzone zwroty intonacyjne – wszystkie te środki wyrazu wyróżniają muzykę Prokofiewa już na wczesnym etapie twórczości .
2. Prokofiew i tradycje
Wielu badaczy słusznie uważa, że na styl Prokofiewa wpływ miały dokonania rosyjskich klasyków: Glinki, Rimskiego-Korsakowa, Borodina, Musorgskiego, Czajkowskiego. W szczególności od Rimskiego-Korsakowa Prokofiew uczy się pociągu do narodowej bajeczności, krajobrazowego malarstwa dźwiękowego, a także niektórych technik ucieleśniania takich obrazów (harmonie powiększone i całotonowe, charakterystyczne kombinacje barw, zainteresowanie kolorem). Dla powstania muzyki symfonicznej i teatralnej Prokofiewa niemałe znaczenie miały opery i dzieła symfoniczne Rimskiego-Korsakowa, zwłaszcza programowe. Tak więc balet Opowieść o błaźnie, który przechytrzył siedmiu błaznów, pomimo szokującej nowości i ekscentryczności fabuły i języka, w rzeczywistości wiele zawdzięcza satyrycznym stronom Złotego koguta, Kościeja nieśmiertelnego i Opowieści o carze Saltan. Po Rimskim-Korsakowie odziedziczył zainteresowanie eposem i fantazją, kolorowym pisaniem dźwiękowym, bajecznością; niektóre teatralne efekty oper Rimskiego-Korsakowa były kontynuowane w komediowych odcinkach „Opowieści o błaźnie”, „Trzech pomarańczach”. Nietrudno znaleźć echa fantastycznych stron w Prokofiewie - epizodach Śnieżnej Panny, Sadko, Kościeja Nieśmiertelnego.
Śledzi się także wpływ Lyadova - początek krajobrazowo-duszpasterski jest często odczuwany u Prokofiewa w obrazach liryczno-epickich (fragment tematu dwóch obojów z części bocznej pierwszej części VI Symfonii); w surowym, epicko-epickim magazynie („Wiatr na kopcach” – glissando skrzypiec w pierwszej części Sonaty skrzypcowej f-moll); kilka obrazów tanecznych (temat menueta drugiej części Symfonii klasycznej). Wielokrotnie prezentowane są baśniowe, magiczno-fantastyczne obrazy, na przykład czwarta wariacja z powolnej części III Koncertu fortepianowego, epizody z cykli fortepianowych „Ulotne” i „Opowieści starej babci”.
Po Borodinie Prokofiew odziedziczył epicką moc, powagę i szczególną surową wielkość niektórych obrazów. Rosyjska linia epicka wyraźnie zamanifestuje się w twórczości późnego okresu - w kantacie „Aleksander Newski”, V Symfonii, w operze „Wojna i pokój”. Epickie cechy można prześledzić nawet znacznie wcześniej - „Suita scytyjska” na swój sposób kontynuowała tradycję ustanowioną przez obrazy tańców Borodina. Od Borodina, a jednocześnie od Rimskiego-Korsakowa i Musorgskiego (w tym przypadku istnieje pewna synteza elementów gatunku ludowego typowego dla wszystkich trzech kompozytorów) pochodzą błazeńskie obrazy przedstawione w „Księciu Igorze” (Rimskiego-Korsakowa w „ Taniec błaznów” z „Snow Maiden”). Prokofiew przedstawia „bufonowy odcinek” z „Bitwy na lodzie” w kantacie „Aleksander Newski”, aranżację piosenki „Dark Man” z baletu „Opowieść o kamiennym kwiecie”. Istnieje wiele „apelów” z Borodinem w harmonicznym języku Prokofiewa, w szczególności należy zwrócić uwagę na upodobanie do cierpkich konsonansów kwarto-kwintowych i modów naturalnych.
W utworach wokalnych Prokofiewa stwierdzono kontynuację charakterystycznej dla twórczości Dargomyżskiego tendencji do charakterystycznej deklamacji. Znaleziska rosyjskiego innowatora i jego szczególne sposoby pracy z intonacjami mowy ucieleśnione zostały w chęci komponowania muzyki do niezmiennego tekstu pierwotnych źródeł literackich – tak manifestuje się na nowym etapie podstawowa zasada opery Kamienny gość . Należy też zauważyć, że w operach Dargomyżskiego trafnie uchwycone szczegóły mowy muzycznej przeważają nad pieśniowymi uogólnieniami. Obfitość charakterystycznych zwrotów deklamacyjnych związanych z potocznymi intonacjami utrudniała odbiór wielu dzieł wokalnych Prokofiewa (podobne procesy zachodziły podczas odbioru Kamiennego gościa, Mozarta i Salieriego, Wesela i szeregu innych realistycznych oper deklamacyjnych rosyjskiego kompozytorzy). Nowatorskie osiągnięcia Prokofiewa, zaprezentowane w zakresie melosów wokalnych Hazardzisty, Siemiona Kotki, Wojny i pokoju, znalazły niewątpliwie odzwierciedlenie w kolejnych poszukiwaniach w gatunku operowym XX wieku.
Od Musorgskiego przede wszystkim Prokofiew postrzega interpretację gatunków wokalnych. Już wczesny cykl Brzydkie kaczątko (1914) przedstawia teatralno-aktorską serię skeczowych scen, przypominających miniaturową operę. Ekspresyjna mowa muzyczna w „Brzydkim kaczątku” łączy się, podobnie jak u Musorgskiego, z trafną obrazowością obrazową, malowniczością rodem z fortepianu. W romansach Prokofiewa Pod dachem i Czarodziej (z Pięciu wierszy na głos i fortepian, op. 23 (1915)) zabrzmiały tak charakterystyczne dla Musorgskiego wątki satyryczne i społecznie oskarżycielskie, które później pojawiły się w operze Hazardzista. Należy podkreślić, że wczesne romanse służyły jako oryginalne szkice do powstania opery i nakreślono w nich wiele operowych zasad, gdyż kompozytor rozszerzył granice gatunkowe romansu w kierunku jego dramatyzacji używając, podobnie jak Musorgski, tematów codziennych i satyrycznych. Musorgski odziedziczył zasady dokładnego odtwarzania intonacji mowy, używania tekstów prozatorskich. Wizualne epizody „Obrazków z wystawy” nawiązują pod wieloma względami do całej serii dramatów Prokofiewa („Brzydkie kaczątko”, „Opowieści starej babci”, „Przelotne”), kontynuacją obrazów „Dziecięce” - spuścizna Prokofiewa obejmuje wiele kompozycji dla dzieci.
Narodowe podstawy twórczości Prokofiewa przejawiały się w jego odwołaniu do rosyjskiej literatury klasycznej (Puszkin, Lew Tołstoj, Dostojewski), do różnych epok historii Rosji (XIII wiek w „Aleksandrze Newskim”, XVI wiek w „Groźnym”, XVIII wiek w „ Porucznika Kiża”, XIX wiek w „Wojnie i pokoju”), do baśni rosyjskiej (balet „Błazen”, cykl „Opowieści starej babci”, balet „Kamienny kwiat”), do rosyjskiej pieśni ludowej,
(„12 pieśni”, „Uwertura rosyjska”), po współczesne rosyjskie życie (kantata „Toast”, suita „Zimowe ognisko”). Rosyjski narodowy początek wyraża się zarówno w zainteresowaniu kompozytora heroiczną epopeją Ojczyzny, jak i pociągu do melodii lirycznej, a także w trosce o gwarę rosyjską w jej najróżniejszych przejawach.
Cechy narodowo-rosyjskie ujawniają się wyraźnie w wariantowo-śpiewnych sposobach rozwijania melodii, charakterystycznych dla ludowej pieśni przewlekłej (temat otwierający III Koncert), w stosowaniu diatonicznych, rosyjskich trybów zmiennych, w ciążeniu ku nie- imitacyjna polifonia, zbliżona do podtekstów ludowych.
Według magazynu twórczych natur - harmonii, równowagi, zgodnie z jasnym, pozytywnym światopoglądem - Prokofiewa można porównać do Glinki. "Walc h-moll(„Walc Nataszy”) w operze „Wojna i pokój” jest wyraźnym hołdem złożonym Glince i jego „Walcowi Fantazji”. Typową dla Glinki doskonałą czystość rysunku, przejrzystość faktury odnaleźć można w twórczości instrumentalnej i symfonicznej Prokofiewa (późne sonaty, niektóre partytury baletowe) i wokalnej (cykl "Trzy romanse o wierszach Puszkina"). Obu kompozytorów łączy szczególna ekspresja linii melodycznych – typowa cecha rosyjskich pieśni ludowych. Warto zauważyć, że podobnie jak Glinka i Borodin, Prokofiew nie wykorzystuje materiału folklorystycznego do tworzenia obrazów rosyjskiego magazynu ludowego.
Wpływ stylu Czajkowskiego przejawiał się w szczególnym pięknie linii melodycznych, chociaż „... w dziedzinie formy operowej Prokofiew wychodzi z logiki poszczególnych scen, charakterystycznej dla oper kompozytorów Potężnej garstki i ich symfonizmu , niż z zasad rozwoju przez Czajkowskiego. Wpływ Czajkowskiego objawił się w mozartowskich stronicach muzyki Prokofiewa (liryczne walce z baletu Kopciuszek), walcach operowych i VII Symfonii. Niektóre odcinki odtwarzają obrazy z życia codziennego i koloryt epoki – duet Nataszy i Soni z opery „Wojna i pokój”; fragmenty tekstu wiersza Żukowskiego, użyte przez Prokofiewa, stały się swego czasu podstawą duetu Lizy i Poliny w Damie pikowej Czajkowskiego. Prawdziwy klasyk XX wieku, S. Prokofiew na nowym etapie historycznym dostrzegł i zsyntetyzował elementy najważniejszych tradycji rosyjskiej kultury muzycznej.
Należy zwrócić uwagę na charakterystyczne cechy narodowe wielu melodii Prokofiewa: kwinta charakterystyczna dla rosyjskiej pieśni ludowej równość dwóch podstaw - toniki i kwinty (III Koncert fortepianowy, temat epigraficzny); stosowanie melodii ze zwrotami pentatonicznymi i trichordowymi – w pieśniach ludowych tego typu melodie są elementami starożytnego pochodzenia iz reguły mają niewielki rozpiętość interwałową. „Prokofiew natomiast wprowadza je w melodie o najszerszym rozpiętości, łącząc je ze zwrotami ariozowo-melodyjnymi i deklamacyjnymi (VII Symfonia, część I, część boczna); plagalność kadencji, czasem planów tonalnych (finały V i VI symfonii, gdzie refreny brzmią w tonacji głównej i subdominującej); plagalne rozdzielczości od septymy do czwartej, tak jak to się dzieje w pieśni ludowej; zmienność modalna; swobodna interpretacja chromatyzmu, który nie niszczy diatonizmu, gdyż jest elementem zdobniczym, wywołującym pewne wewnętrzne fluktuacje strojenia i jest wynikiem zanieczyszczania każdego kroku trybu tonem wprowadzającym.
Podobnie jak wielu rosyjskich kompozytorów, Prokofiew wykorzystuje w swojej twórczości epicką opowieść, lament, wiele gatunków rosyjskich pieśni ludowych, prezentując je w tematach instrumentalno-symfonicznych i wokalnych. Na szczególną uwagę zasługuje bogactwo gatunków tanecznych w operach i baletach, utwory symfoniczne (walc, starożytne gatunki menueta i gawota). Badacze zauważają, że kompozytor nie stosuje tańców współczesnych - jedyny przypadek w operze "Opowieść o prawdziwym człowieku" (rumba).
Jak wiecie, Prokofiew przez całe życie starał się aktualizować swoje środki muzyczne i wyrazowe - stało się to jednym z jego twórczych credo.
Szczególnie interesujące są powiązania twórczości Prokofiewa z wiodącymi nurtami muzyki obcej i rosyjskiej końca XIX wieku - pierwszej połowy XX wieku. Znał dobrze i twórczo opanował środki harmoniczne, barwowe, polifoniczne stosowane przez R. Straussa, M. Regera, A. Skriabina, I. Strawińskiego, K. Debussy'ego, M. Ravela, D. Szostakowicza, N. Miaskowskiego - bogate doświadczenie z tych kompozytorów interesowało Prokofiewa z punktu widzenia wzbogacenia języka harmonicznego, kolorystyki barwowo-orkiestrowej i różnych innych środków reprezentatywnych dla dźwięku.
Prokofiew przejął wiele nowatorskich cech stylu Debussy'ego, podobnie jak nie omijali ich prawie wszyscy kompozytorzy XX wieku. Ułatwiał to fakt, że sam Debussy wiele czerpał z muzyki rosyjskiej. W szczególności Prokofiew, podobnie jak Debussy, przywiązuje dużą wagę do kolorystyki barwy i pisma tonalno-harmonicznego; Prokofiew z kolei jest mistrzem poetyckiego dźwiękowego malarstwa pejzażowego, charakterystycznego dla twórczości impresjonistów. M. Sabinina zauważa: „Jeśli Debussy kocha klucze z dużą liczbą znaków, „gorący” ostry ( E-dur, H-dur, Fis-dur) i świetnie rozwijające się płaskie, to ulubionym klawiszem Prokofiewa jest klawisz biały C-dur, ale C-dur, opalizujący wszystkimi kolorami tęczy, z powodu nasycenia zmianami, wewnętrznymi odchyleniami. Charakterystyczne w tym sensie są jego wizerunki, jak promienny refren „Toast”, tematy z Julii dziewczynki i Petit (suita „Piotruś i Wilk”); Adagio w II akcie Kopciuszka, polonez w operze Wojna i pokój; C-dur- tonację główną Syna marnotrawnego i IV Symfonii, Lope'a stalowego, Sonaty V i IX, kantatę W 20-lecie października i wiele innych utworów.
Wyjaśniając różnice między myśleniem harmonicznym Prokofiewa i Debussy'ego, L. Mazel podkreśla: „...że komplikacja harmonii u Prokofiewa łączy się z aktywną centralizacją tonalną; Prokofiew wybiera warunki barwowe, fakturalne i dynamiczne, które ujawniają, a nie zasłaniają różnicę między podtrzymaniem a niestabilnością, jak to ma miejsce w muzyce Debussy'ego. do 18, str. 40]. Z kolei Yu Chołopow uważa, że cechą charakterystyczną muzyki Prokofiewa jest multikompozycja modalna, swobodne łączenie różnych formacji modalnych, zastępując się nawzajem z wyraźnym i określonym centrum. U Debussy'ego „kiedy wymazuje się funkcjonalną określoność współbrzmienia, centralizacja tonalna jest często słabo wyrażona”. M. Tarakanow wprowadza pojęcie „polirytmii modalnej i modalno-funkcjonalnej, którą Prokofiew rozwija w wyniku nakładania się linii z własnym indywidualnym rytmem modalnym oraz „niesynchronizmu” tych linii, który pojawia się niekiedy, gdy naruszenie stabilność w jednym wierszu tkaniny polifonicznej łączy się z przywróceniem równowagi modowo-funkcjonalnej w innym” .
Z M. Ravelem, którego Prokofiew spotkał osobiście nieraz, wysoko cenił „inwencję barwową, subtelny gatunek, poezję dzieciństwa. Skłonność Ravela do nieco ironicznej muzyczności prozy słownej jest równie charakterystyczna dla Prokofiewa (nasuwa się samo porównanie Brzydkiego kaczątka z dowcipną, baśniową zwierzęcością Opowieści przyrodniczych). Nowatorstwo i wspaniałomyślność pisarstwa impresjonistów znacznie przyczyniły się do poszukiwań modalnych i barwowych rosyjskiego innowatora. Później równie dociekliwie słuchał muzyki Honeggera, oddając hołd podbojowej energii „Pacific 231”.
Na wczesnym etapie swojej kariery Prokofiew był bardzo zainteresowany swoim rodakiem-innowatorem, wynalazcą nowych form muzycznych, I. Strawińskim. Szczególna i bardzo indywidualna realizacja pomysłów Strawińskiego jest obecna w „Suicie scytyjskiej”, w „Opowieści o błaźnie…”, w II Symfonii i wielu innych utworach. „Od Strawińskiego mógł też dostrzec technikę powtórzeń ostinatowych, harmonie „na stojąco”, ciążenie ku efektom politonalnym i „przełamania” metrorytmiczne. Przede wszystkim Prokofiewa fascynowały oryginalne eksperymenty z realizacją rosyjskiego folkloru w „Weselu”, „Ribautkach” itp. Rywalizacja między dwoma innowatorami muzyki rosyjskiej XX wieku jest problemem bardzo ostrym i zasługuje na specjalne namysł. Orkiestrowe i harmoniczne odkrycia Strawińskiego, jego nowe „słuch” rosyjskiego folkloru i rosyjskiego archaizmu były odkryciami w dziedzinie języka muzycznego i miały ogromne znaczenie. Nie należy mówić o znaczącym wpływie Strawińskiego na twórczość młodego Prokofiewa - w aspiracjach obu kompozytorów istniała częściowa i krótkotrwała paralelizm. Fakt ten tłumaczono przynależnością do tej samej tradycji narodowej, do tej samej szkoły - obaj studiowali u N. Rimskiego-Korsakowa w Petersburgu; taki sam dla obu był historyczny okres początkowej formacji twórczej. „Ich podejście do realizacji rosyjskiej melodii było inne: Strawiński wolał grę w krótkie pieśni, podczas gdy Prokofiew skłaniał się ku długim tematom, od szeroko melodyjnych melodii. W przeciwieństwie do antyoperowych i antylirycznych tendencji Strawińskiego, Prokofiew szukał sposobów na wskrzeszenie rosyjskiej opery psychologicznej. W sposobach wariacji intonacyjnych, w kwestiach specjalnej techniki pracy z poszczególnymi śpiewami, w stosowaniu politonalności, politonalności, chwytów ostinatowych i niezwykłych zestawień barwowych, Prokofiew zetknął się niewątpliwie ze Strawińskim. Świadczy o tym szereg dzieł, z których jednym jest balet „Opowieść o głupcu…”. Obaj kompozytorzy należą do najzdolniejszych innowatorów światowej klasyki muzycznej, obaj wnieśli nieoceniony wkład w dalszy rozwój muzyki rosyjskiej, wskazując w rzeczywistości główne drogi jej rozwoju.
3. Zagadnienia periodyzacji twórczości S. Prokofiewa w aspekcie stylistycznym i historycznym
Twórcza działalność S. Prokofiewa trwała ponad pół wieku. W ostatnich dziesięcioleciach kompozytor przeszedł wyraźną ewolucję skłonności artystycznych. Fakt ten wynika przede wszystkim z bliskich związków z uwarunkowaniami społecznymi trudnej epoki, której doświadczył. Kwestia periodyzacji drogi twórczej kompozytora od dawna jest rozstrzygana na podstawie zewnętrznych wskaźników biograficznych. Pierwsza dekada - do 1917 roku - była postrzegana nie tyle jako lata kształtowania się indywidualności jego kompozytora, ile jako okres stopniowego odchodzenia od tradycji klasycznych i umacniania się modernistycznych hobby. Potem nastąpił okres za granicą, a ostatni – po ostatecznym powrocie do Związku Radzieckiego. I. Niestijew uważa, że „początkowy, prawdziwie klasyczny etap aprobaty stylu nie zakończył się wraz z Prokofiewem w 1917 roku, lecz trwał w sumie półtorej dekady (1908 - 1923), znajdując błyskotliwą kontynuację w pierwszych latach jego pobytu za granicą" . Intensywne kształtowanie się stylu twórczego kompozytora nastąpiło właśnie na wczesnym etapie twórczości i doprowadziło do powstania oryginalnych, doskonałych artystycznie dzieł z wielu gatunków muzycznych: cyklu fortepianowego „Ulotne” (1915 - 1917), wczesnych sonat fortepianowych: Pierwszy f-moll(1909), drugie d-moll(1912), trzeci moll(1917), czwarte c-moll(1917); cykl wokalny oparty na wierszach A. Achmatowej (1916); Symfonia „klasyczna” nr 1 (1916–1917); pierwsza wersja opery „Hazardzista” oparta na fabule F. Dostojewskiego (1915–1916).
Wiele współczesnych opracowań ilustruje problem emigracji Prokofiewa z pozycji „artysty i władzy”, wyjaśnia w różny sposób przyczyny wyjazdu kompozytora za granicę w 1918 roku i jego powrotu do ZSRR w 1936 roku. Na podstawie analizy wielu zapisów pamiętnikarskich, a także innych materiałów związanych z życiem i twórczością wybitnego mistrza, autorzy podważają oceny autorów o rzekomo konformistycznych postawach i pozycji artystycznej kompozytora oraz dowodzą nonkonformizmu S. Prokofiewa jako wolnego artysty, aktywnie przeciwstawiającego się władzy. W zrozumieniu problemu „Prokofiewa i Rosji Sowieckiej” ważne jest, aby nie mylić jego stosunku do Rosji jako ojczyzny z jego stosunkiem do Rosji jako państwa sowieckiego, systemu politycznego i ideologicznego. „Kochał i cenił Rosję bez końca: kultura rosyjska, która go wychowała od najmłodszych lat, stała się niewzruszonym narodowym fundamentem jego twórczości różnych okresów historycznych (przedrewolucyjnych, zagranicznych i sowieckich), niezależnie od wrodzonej poetyki kontrastów, co doprowadziło do nagłych, czasem paradoksalnych zmian i przekształceń jego wielostronnego, iście proteuszowego stylu muzycznego, który jako artysta nowatorski nieustannie aktualizował i doskonalił. Początkowo stosunek do nowego systemu politycznego w Rosji był zdecydowanie negatywny, co faktycznie było powodem jego wyjazdu za granicę. Kompozytor nie zaakceptował rewolucji i wojny domowej ani jako osoba, ani jako artysta. Jak wiecie, Prokofiew, pianista i kompozytor, z powodzeniem podbił Europę i Amerykę. Los Rosji i dalsze perspektywy jej rozwoju niepokoiły obywatela Prokofiewa; chociaż powiedział: „Uważam, że artysta powinien zniknąć z polityki”. Taka była stanowcza postawa osobista kompozytora przez całe życie. Pod koniec lat dwudziestych stosunek do emigranta Prokofiewa zmienił się radykalnie i stał się coraz bardziej negatywny i ostro krytyczny. Ważne jest, aby zauważyć, że S. Prokofiew jako osobowość od najmłodszych lat do końca swoich dni charakteryzował się poczuciem godności, samowystarczalności, zupełnej niezależności poglądów i sądów, wyniesionym z dzieciństwa. Ta niezależność i poczucie całkowitej wolności wewnętrznej przejawiały się w jego stosunku do twórczości, która była głównym sensem jego muzycznej i ludzkiej egzystencji.
