Przerażające portrety. „Saturn pożerający syna” Francisco Goya

Jeśli chodzi o malarstwo, wyobraźnia ma tendencję do malowania sielanek i dostojnych portretów. Ale w rzeczywistości sztuka jest wieloaspektowa. Tak się złożyło, że spod pędzla wielkich artystów wyszły bardzo niejednoznaczne obrazy, które mało kto chce powiesić w domu. W naszym przeglądzie 10 najstraszniejszych obrazów znanych artystów.

1. Wielki czerwony smok i potwór z morza. Williama Blake'a

William Blake jest dziś znany ze swoich rycin i poezji romantycznej, ale za życia był mało doceniany. Ryciny i ilustracje Blake'a to klasyka stylu romantycznego, ale dziś rozważ serię akwareli Blake'a, które przedstawiają wielkiego czerwonego smoka z Księgi Objawienia. Ten obraz przedstawia dużego czerwonego smoka, który jest ucieleśnieniem diabła, który stoi na siedmiogłowej bestii w morzu.

2. Studium portretu Innocentego X pędzla Velázqueza. Franciszka Bacona

Francis Bacon był jednym z najbardziej wpływowych artystów XX wieku. Jego obrazy, uderzające śmiałością i ponurością, sprzedawane są za miliony dolarów. Za swojego życia Bacon często malował własne interpretacje portretu papieża Innocentego X. W oryginalnym dziele Velázqueza papież Innocenty X patrzy w zamyśleniu z płótna, podczas gdy Bacon przedstawiał go krzyczącego.

3. Dante i Wergiliusz w piekle. Adolphe Williama Bouguereau

Piekło Dantego, przedstawiające przerażające tortury, inspiruje artystów od czasu opublikowania tej pracy. Bouguereau jest najbardziej znany ze swoich realistycznych przedstawień klasycznych scen, ale na tym obrazie przedstawił krąg piekła, w którym oszuści nieustannie walczą, kradnąc sobie nawzajem tożsamość poprzez ugryzienie.

4. Śmierć Marata. Edvard Munch

Edvard Munch to najsłynniejszy norweski artysta. Jego słynny obraz „Krzyk”, będący uosobieniem melancholii, mocno zapadł w pamięć każdej osoby, której sztuka nie jest obojętna. Marat był jednym z czołowych przywódców politycznych rewolucji francuskiej. Ponieważ Marat cierpiał na chorobę skóry, większość dnia spędzał w łazience, gdzie pracował nad swoimi pracami. To tam Marat został zabity przez Charlotte Corday. Śmierć Marata została przedstawiona przez więcej niż jednego artystę, ale obraz Muncha jest szczególnie realistyczny i okrutny.

5. Odcięte głowy. Theodore Géricault

Najbardziej znanym dziełem Géricaulta jest Tratwa Meduzy, ogromny obraz w stylu romantycznym. Przed stworzeniem dużych dzieł Gericault malował obrazy „rozgrzewkowe”, takie jak „Odcięte głowy”, do których używał prawdziwych kończyn i odciętych głów. Artysta zabierał podobny materiał do kostnic.

6. Kuszenie św. Antoniego. Maciej Grunewald

Grunewald często malował obrazy religijne w stylu średniowiecza, choć żył w okresie renesansu. Święty Antoni przeszedł kilka prób swojej wiary, żyjąc na pustyni. Według jednej legendy święty Antoni został zabity przez demony mieszkające w jaskini, ale później wskrzesił je i zniszczył. Ten obraz przedstawia świętego Antoniego, który został zaatakowany przez demony.

7. Martwa natura z maskami. Emila Noldego

Emil Nolde był jednym z pierwszych malarzy ekspresjonistycznych, chociaż jego sława została wkrótce przyćmiona przez wielu innych ekspresjonistów, takich jak Munch. Istotą tego trendu jest zniekształcanie rzeczywistości w celu pokazania subiektywnego punktu widzenia. Ten obraz został namalowany przez artystę po zbadaniu masek w Muzeum Berlińskim.

8. Saturn pożerający syna. Franciszek Goja

W mitach rzymskich, które są mocno oparte na mitologii greckiej, ojciec bogów pożerał własne dzieci, aby nigdy nie zdetronizowały go. To właśnie ten akt zabijania dzieci przedstawił Goya. Obraz nie był przeznaczony dla publiczności, ale został namalowany na ścianie domu artysty wraz z kilkoma innymi ponurymi obrazami, zwanymi łącznie „Czarnym obrazem”.

9. Judyta i Holofernes. Caravaggio

W Starym Testamencie jest opowieść o dzielnej wdowie Judycie. Judea została zaatakowana przez armię dowodzoną przez dowódcę Holofernesa. Judyta opuściła mury miejskie i udała się do obozu wojsk oblegających miasto. Tam z pomocą swej urody uwiodła Holofernesa. Kiedy dowódca spał w nocy pijany, Judyta odcięła mu głowę. Ta scena jest dość popularna wśród artystów, ale wersja Caravaggia jest szczególnie przerażająca.

10. Ogród rozkoszy ziemskich. Hieronima Boscha

Zazwyczaj Hieronim Bosch kojarzony jest z obrazami fantastycznymi i religijnymi. Ogród rozkoszy ziemskich to tryptyk. Trzy panele obrazu przedstawiają odpowiednio Ogród Eden i stworzenie ludzkości, Ogród ziemskich rozkoszy i karę za grzechy, które występują w ziemskim ogrodzie. Dzieło Boscha jest jednym z najbardziej makabrycznych, ale najpiękniejszych dzieł w historii sztuki zachodniej.

Nie wszyscy artyści wolą przedstawiać portrety i pejzaże. Niektórzy ludzie chcą przekazać na swoich obrazach pewną tajemnicę, mistycyzm, poczucie strachu. Na przykład najstraszniejszy obraz na świecie, który wywołuje niekończący się horror u wszystkich użytkowników Internetu, został sfotografowany ze słynnego płótna „Ręce mu się opierają”. To naprawdę okropne płótno wywołało wokół siebie takie poruszenie, że wielu bało się nawet spojrzeć na nie przez ekran monitora, myśląc, że jest przeklęte. Plotka głosi, że artysta wlał w obraz wszystkie swoje ciemne strony duszy i najstraszniejsze koszmary. Jednak więcej o wszystkim w naszym ciekawym artykule.

„Ręce mu się opierają”. Fikcja czy prawdziwe przekleństwo?

Ten przerażający obraz został namalowany w 1972 roku przez znanego artystę i przedstawia dziewczynkę przypominającą lalkę oraz chłopca w wieku około 5 lat. Dzieci stoją na tle szklanych drzwi, na których widać ogromną liczbę małych rączek.

Najstraszniejszy obraz świata został skopiowany ze zdjęcia artysty z dzieciństwa. Stoneham przedstawił siebie w wieku 5 lat i małą dziewczynkę z sąsiedztwa.

Co artysta chciał powiedzieć?

Według Stonehama drzwi to nic innego jak ściana między światem żywych a równoległym światem snów. Chłopiec na płótnie jest zły i niezadowolony. I nie jest to zaskakujące, ponieważ bardzo chce otworzyć drzwi i zobaczyć, co jest poza prawdziwym światem. Ale ręce dzieci opierają się temu, blokując chłopcu drogę. Stojąca obok lalka jest niewrażliwa i pusta. Nic nie widzi ani nie słyszy, ale jako jedyna w tym przypadku może pomóc chłopcu wejść w świat marzeń.

Jakie przerażające historie wiążą się z obrazem?

Pierwszym właścicielem „Hands Resist Him” był słynny amerykański aktor John Marley. Jakiś czas później mężczyzna zmarł. Nikt nadal nie wie, czy niefortunny obraz jest naprawdę winny jego śmierci. To samo stało się z innymi właścicielami mistycznego płótna. Młoda rodzina, która kiedyś posiadała to niesamowite zdjęcie, opowiedziała o strasznych rzeczach, które wydarzyły się w ich domu. Znaleźli płótno na wysypisku razem z innym stosem.Uradowana głowa rodziny zabrała je do domu i umieściła w najbardziej widocznym miejscu. W nocy ich mała córeczka włamała się do sypialni rodziców, krzycząc, że w jej pokoju kłócą się dzieci. Następnego dnia dziewczyna ponownie zgłosiła, że ​​obraz na zdjęciu nieco się zmienił - dzieci były przed szklanymi drzwiami. Po tym ojciec postanowił pozbyć się „przeklętego” stworzenia.

W 2000 roku obraz płótna pojawił się na aukcji internetowej. Administratorzy ostrzegali internautów, że jest to najstraszniejsze zdjęcie na świecie, ponieważ zostało sfotografowane z analogu przeklętego płótna „Ręce mu się opierają”, które już wielu osobom przyniosło smutek. Jednak wielu wpatrywało się w obraz, okazując ogromną ciekawość. Po pewnym czasie na adres pocztowy administratora zaczęły napływać listy, wskazujące, że po obejrzeniu „niefortunnego” obrazu wielu zaczęło odczuwać zawroty głowy.

Mimo okropnych listów najstraszniejszy obraz nadal był sprzedawany. Został przejęty przez śmiałego właściciela galerii sztuki o imieniu Kim Smith. Po pewnym czasie na jego adres zaczęły też przychodzić listy, w których napisano, że to najstraszniejsze zdjęcie. Smithowi zaproponowano nawet usługi słynnych jasnowidzów, którzy obiecali egzorcyzmować demony z tego okropnego płótna. Do dziś losy obrazu nie są znane.

„Płaczący chłopiec”

Obraz „Płaczący chłopiec” namalował Giovanni Bragolina. Wiele osób oglądających to zdjęcie w Internecie twierdzi, że jest to najstraszniejsze zdjęcie planety, jakie kiedykolwiek widzieli.

Istnieje kilka wersji tego obrazu. Pierwsza mówi, że artysta miał małego synka w wieku 4 lat. Chłopiec bardzo bał się ognia i wszystkiego, co z nim związane. Plotka głosi, że Giovanni celowo podpalił zapałkę i przyłożył ją do twarzy dziecka, aby bardziej wiarygodnie uchwycić cały jego gniew i strach. Plotka głosi, że z tego powodu dziecko nienawidziło swojego okrutnego ojca tak bardzo, że szczerze życzyło mu spłonięcia. Po pewnym czasie chłopiec zmarł na zapalenie płuc, a później niespodziewanie w warsztacie jego ojca wybuchł pożar. Ogień strawił wszystko na swojej drodze. Tylko płótno pozostało nienaruszone. Nic dziwnego, że „Płaczący chłopiec” to najstraszniejszy obraz na świecie, na widok którego wiele serc drży.

Później w całej Anglii miała miejsce nieoczekiwana seria pożarów, w których zginęli ludzie. Bez względu na to, jak dziwnie to może zabrzmieć, we wszystkich pokojach znajdowały się dzieła Giovanniego, które pozostały absolutnie nietknięte. Ludzie zdecydowali, że duch urażonego chłopca, który przeniósł się na płótno, postanowił zemścić się na całym świecie. Wiadomo, że najstraszniejszy obraz na świecie wciąż podnieca podświadomość wielu. Strach, który odbija się w oczach małego, niewinnego chłopca, nigdy nie zostanie zapomniany. Oryginalny Crying Boy nigdy nie został znaleziony.

„Czerwony smok” Williama Blake'a

Jeden z najbardziej kontrowersyjnych artystów i poetów namalował ten obraz, czerpiąc inspirację z Apokalipsy. Na zdjęciu William przedstawił samego diabła, który ukazał mu się we śnie.

Autorowi udało się całkiem wiarygodnie przedstawić króla ciemności. Wielu w tym czasie nie miało nawet wątpliwości, że artysta naprawdę mógł spotkać samego diabła w swoich snach.

Krzyk Edvarda Muncha

Jak sam artysta napisał w swoim osobistym dzienniku, przedstawił na swoim obrazie uczucia, których kiedyś doświadczył. „Krzyk” niewątpliwie znajduje się na liście „Najstraszniejszych obrazów”. Galeria sztuki, która trzyma to okropne płótno w swoich murach, znajduje się w mieście Oslo (Norwegia) i nazywa się Galerią Narodową.

Wielu naukowców uważa, że ​​Munch był osobą niezrównoważoną psychicznie, ponieważ tylko osoba z poważnymi chorobami układu nerwowego może to przedstawiać. Autor tworzył obrazy o tej samej tematyce, która, jak sam twierdził, dręczyła go przez wiele lat.

Wielu uważa, że ​​​​najstraszniejszym obrazem na świecie jest prototyp Krzyku. Niewiele osób wie, że oryginał tego słynnego płótna spowodował wiele zgonów. Właściciele tego strasznego obrazu rzekomo cierpieli na poważne choroby lub stali się ofiarami strasznych katastrof.

„Wenus z lustrem” Diego Velazqueza

Istnieją inne najstraszniejsze obrazy i obrazy, na przykład „Wenus z lustrem”, namalowany przez artystę Diego Velazqueza.

To z pozoru niczym nie wyróżniające się płótno już przysporzyło właścicielom wiele zmartwień.

Plotka głosi, że osoba, która zdobyła przeklęty obraz, została szybko zrujnowana i zmarła z tego powodu, dlatego „Wenus z lustrem” przez długi czas nie mogła znaleźć stałego właściciela. W 1914 roku najstraszniejszy obraz został zniszczony, pocięty nożem przez nieznaną kobietę.

„Saturn pożerający syna” Francisco Goya

Przedstawił na swoim obrazie mityczną postać o imieniu Kronos, który bał się, że zostanie obalony przez własnego syna iw desperacji pożerał ciała swoich dzieci.

„Koszmar” Henry’ego Fuselli

„Koszmar” to dzieło słynnego angielskiego artysty Henry'ego Fuselli. Twórczość autora była bardziej skłonna do mistycyzmu i tajemnic. Swoje wątki czerpał z mitologii i literatury (najczęściej mistrz przedstawiał dzieła Szekspira).

W Koszmarze Fuselli wcielił się w postać nieprzytomnej kobiety, na której piersi siedzi inkub (demon oddający się przyjemnościom seksualnym z samotnymi kobietami). Jej sylwetka jest zakrzywiona i wydłużona. Pomiędzy zasłonami widać głowę bezokiego konia, który uosabia zadowolonego demona.

Obrazy Zdzisława Beksińskiego

Polski artysta najczęściej przedstawiał na swoich obrazach umierających i zdeformowanych ludzi, wojny, upadające światy, apokalipsy i wieczny smutek.

Plotka głosi, że artysta przedstawił swoją śmierć na ostatnim płótnie. Obraz przedstawiał ciało zadźganego mężczyzny. Taki straszny los spotkał artystę. Zabił go syn komendanta, bo Zdzisław odmówił mu pożyczenia pieniędzy.

Theodore Géricault i jego odcięte głowy

Do swoich prac artysta wykorzystał prawdziwe ludzkie kończyny, które znalazł w kostnicach. Dlatego nie na próżno, patrząc na obraz, wielu twierdzi, że jest to najstraszniejszy obraz na świecie.

Wniosek

Obraz jak gąbka pochłania wszystkie pozytywne i negatywne emocje artysty. Doświadczony strach, złość, negatywność - wszystko to z pewnością odbija się na płótnie. Tak stało się w przypadku wszystkich wymienionych w naszym artykule obrazów. Patrząc na nie, rozumiemy, jak trudny los spotkał każdego artystę.

Są dzieła sztuki, które wydają się uderzać widza w głowę, oszołomione i niesamowite. Inne wciągają w refleksję i poszukiwanie warstw semantycznych, tajemnej symboliki. Niektóre obrazy skrywają tajemnice i mistyczne zagadki, inne zaskakują wygórowaną ceną.

Dokładnie przejrzeliśmy wszystkie najważniejsze osiągnięcia malarstwa światowego i wybraliśmy z nich dwa tuziny najdziwniejszych obrazów. Salvador Dali, którego prace całkowicie mieszczą się w formacie tego materiału i jako pierwsze przychodzą na myśl, nie został celowo włączony do tej kolekcji.

Oczywiste jest, że „dziwność” jest pojęciem raczej subiektywnym i dla każdego istnieją niesamowite obrazy, które wyróżniają się spośród wielu innych dzieł sztuki. Będzie nam miło, jeśli podzielisz się nimi w komentarzach i opowiesz nam trochę o nich.

"Krzyk"

Edvard Munch. 1893, karton, olej, tempera, pastel.
Galeria Narodowa, Oslo.

Krzyk jest uważany za przełomowe wydarzenie ekspresjonistyczne i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.

Istnieją dwie interpretacje tego, co jest przedstawione: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przyciskając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na krzyk otaczającego go świata i natury. Munch napisał cztery wersje Krzyku i istnieje wersja, w której ten obraz jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po kuracji w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.

„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi. Słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie i oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem. Moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk, który przeszywa naturę” – opowiadał o historii obrazu Edvard Munch.

"Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?"

Paul Gauguin. 1897-1898, olej na płótnie.
Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie.

Zgodnie z zaleceniami samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy figur ilustrują postawione w tytule pytania.

Trzy kobiety z dzieckiem reprezentują początek życia; środkowa grupa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zdaniem artysty, „stara kobieta zbliżająca się do śmierci wydaje się pogodzona i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje daremność słów”.

Głęboko filozoficzny obraz postimpresjonisty Paula Gauguina został napisany przez niego na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Pod koniec pracy chciał nawet popełnić samobójstwo: „Wierzę, że to płótno jest lepsze od wszystkich moich poprzednich i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego ani nawet podobnego”. Żył jeszcze pięć lat i tak się stało.

„Guernica”

Pablo Picasso. 1937, olej na płótnie.
Muzeum Królowej Zofii w Madrycie.

Guernica przedstawia sceny śmierci, przemocy, okrucieństwa, cierpienia i bezsilności, nie precyzując ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do gestapo w Paryżu. Rozmowa natychmiast zeszła na zdjęcie. "Czy ty to zrobiłeś?" - „Nie, ty to zrobiłeś”.

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada o nalocie jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego 6-tysięczne miasto zostało doszczętnie zniszczone. Obraz został namalowany w zaledwie miesiąc - w pierwszych dniach pracy nad obrazem Picasso pracował przez 10-12 godzin, a już w pierwszych szkicach można było zobaczyć główną ideę. To jedna z najlepszych ilustracji koszmaru faszyzmu, ludzkiego okrucieństwa i żalu.

„Portret Arnolfinich”

Jana van Eycka. 1434, olej na drewnie.
Londyńska Galeria Narodowa, Londyn.

Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i różnymi odniesieniami – aż po podpis „Jan van Eyck tu był”, który uczynił z obrazu nie tylko dzieło sztuki, ale dokument historyczny potwierdzający realność wydarzenia, w którym uczestniczył artysta.

Portret, prawdopodobnie Giovanniego di Nicolao Arnolfiniego i jego żony, jest jednym z najbardziej złożonych dzieł zachodniej szkoły malarstwa renesansu północnego.

W Rosji w ostatnich latach obraz zyskał dużą popularność ze względu na podobieństwo portretu Arnolfiniego do Władimira Putina.

„Siedzący demon”

Michaił Wrubel. 1890, olej na płótnie.
Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie.

„Ręce mu się opierają”

Billa Stonehama. 1972.

Tej pracy oczywiście nie można zaliczyć do arcydzieł sztuki światowej, ale fakt, że jest dziwna, jest faktem.

Wokół obrazka z chłopcem, lalką i dłońmi przyciśniętymi do szyby krążą legendy. Od „z powodu tego obrazu umierają” do „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i domysłów u osób o słabej psychice.

Artysta zapewniał, że obraz przedstawia go w wieku pięciu lat, drzwi są reprezentacją linii podziału między światem realnym a światem snów, a lalka jest przewodnikiem, który może przeprowadzić chłopca przez ten świat. Ręce reprezentują alternatywne życie lub możliwości.

Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 r., kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią, według której obraz był „nawiedzony”. „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith, który następnie został zasypany listami z przerażającymi historiami i żądaniami spalenia obrazu.

Niektóre dzieła sztuki wydają się uderzać widza w głowę, oszołomiony i zdumiewający. Niektóre z nich wciągają w zadumę i poszukiwanie warstw semantycznych, tajemnej symboliki. Niektóre obrazy owiane są tajemnicami i mistycznymi tajemnicami, a niektóre zaskakują wygórowaną ceną.

Edvard Munch „Krzyk”

1893, karton, olej, tempera, pastel. 91×73,5 cm

Galeria Narodowa, Oslo

Krzyk jest uważany za przełomowe wydarzenie ekspresjonistyczne i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.
„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi - słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując wyczerpanie, i oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto - moi przyjaciele kontynuowali, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę ”- powiedział Edvard Munch o historii obrazu.
Istnieją dwie interpretacje tego, co jest przedstawione: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przyciskając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na krzyk otaczającego go świata i natury. Munch napisał 4 wersje Krzyku i istnieje wersja, w której ten obraz jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po kuracji w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.

Paul Gauguin „Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?"

1897-1898, olej na płótnie. 139,1 × 374,6 cm

Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie

Głęboko filozoficzny obraz postimpresjonisty Paula Gauguina został napisany przez niego na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Pod koniec pracy chciał nawet popełnić samobójstwo, bo „Wierzę, że to płótno jest nie tylko lepsze od wszystkich moich poprzednich, i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego ani nawet podobnego”. Żył jeszcze 5 lat i tak się stało.
Zgodnie z zaleceniami samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy figur ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem reprezentują początek życia; środkowa grupa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zdaniem artysty, „stara kobieta zbliżająca się do śmierci wydaje się pogodzona i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje daremność słów”.

Pablo Picasso „Guernica”

1937, olej na płótnie. 349×776 cm

Muzeum Królowej Zofii w Madrycie

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada o nalocie jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego 6-tysięczne miasto zostało doszczętnie zniszczone. Obraz został namalowany w zaledwie miesiąc - pierwsze dni pracy nad obrazem, Picasso pracował po 10-12 godzin i już w pierwszych szkicach widać było główną ideę. To jedna z najlepszych ilustracji koszmaru faszyzmu, ludzkiego okrucieństwa i żalu.
Guernica przedstawia sceny śmierci, przemocy, okrucieństwa, cierpienia i bezsilności, nie precyzując ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do gestapo w Paryżu. Rozmowa natychmiast zeszła na obraz. "Czy ty to zrobiłeś?" „Nie, ty to zrobiłeś”.

Jan van Eyck „Portret Arnolfinich”

1434, olej na drewnie. 81,8×59,7 cm

Londyńska Galeria Narodowa, Londyn

Portret, prawdopodobnie Giovanniego di Nicolao Arnolfiniego i jego żony, jest jednym z najbardziej złożonych dzieł zachodniej szkoły malarstwa renesansu północnego.
Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i różnymi odniesieniami – aż po podpis „Jan van Eyck był tutaj”, który uczynił z niego nie tylko dzieło sztuki, ale dokument historyczny potwierdzający prawdziwe wydarzenie, jakie artysta był obecny o godz.
W Rosji w ostatnich latach obraz zyskał dużą popularność dzięki portretowemu podobieństwu Arnolfiniego do Władimira Putina.

Michaił Vrubel „Siedzący demon”

1890, olej na płótnie. 114×211 cm

Galeria Trietiakowska, Moskwa

Obraz Michaiła Wrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Smutny długowłosy facet wcale nie przypomina uniwersalnych wyobrażeń o tym, jak powinien wyglądać zły duch. Sam artysta mówił o swoim najsłynniejszym obrazie: „Demon to nie tyle zły duch, ile cierpiący i żałosny, przy tym duch dominujący, majestatyczny”. To obraz siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, wątpliwości. Z tragicznie splecionymi rękami Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony kwiatami. Kompozycja podkreśla powściągliwość postaci demona, jakby wciśniętej między górną i dolną poprzeczkę ramy.

Wasilij Wierieszczagin „Apoteoza wojny”

1871, olej na płótnie. 127×197 cm

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Vereshchagin jest jednym z głównych rosyjskich malarzy batalistycznych, ale wojny i bitwy malował nie dlatego, że je kochał. Przeciwnie, starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Pewnego razu Vereshchagin w ogniu emocji wykrzyknął: „Nie napiszę więcej zdjęć bitewnych - wystarczy! To, co piszę, biorę zbyt blisko serca, wykrzykuję (dosłownie) żal każdego rannego i zabitego. Prawdopodobnie wynikiem tego okrzyku był straszny i urzekający obraz „Apoteoza wojny”, który przedstawia pole, wrony i górę ludzkich czaszek.
Obraz jest napisany tak głęboko i emocjonalnie, że za każdą czaszką leżącą na tym stosie zaczynasz dostrzegać ludzi, ich losy i losy tych, którzy już tych ludzi nie zobaczą. Sam Vereshchagin ze smutnym sarkazmem nazwał płótno „martwą naturą” - przedstawia „martwą naturę”.
Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor, symbolizują śmierć i zniszczenie. Bezchmurne niebo podkreśla martwotę obrazu. Ideę „apoteozy wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach na czaszkach.

Grant Wood „Amerykański gotyk”

1930, olej. 74×62 cm

Instytut Sztuki w Chicago, Chicago

„Amerykański gotyk” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w sztuce amerykańskiej XX wieku, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku.
Obraz z ponurym ojcem i córką przepełniony jest szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób. Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, staromodne ubranie nawet jak na standardy z 1930 roku, odsłonięty łokieć, szwy na ubraniach rolnika powtarzające kształt wideł, a więc groźba skierowana do każdego kto wkracza. Wszystkie te szczegóły można oglądać w nieskończoność i kulić się z dyskomfortu.
Co ciekawe, jurorzy konkursu w Art Institute of Chicago uznali „gotyk” za „humorystyczną walentynkę”, a mieszkańcy Iowa byli strasznie urażeni przez Wooda za pokazanie ich w tak nieprzyjemnym świetle.

Rene Magritte „Kochankowie”

1928, olej na płótnie

Obraz „Kochankowie” („Kochankowie”) istnieje w dwóch wersjach. Na jednej całują się mężczyzna i kobieta, których głowy owinięte są białym obrusem, a na drugiej „patrzą” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje. Dzięki dwóm postaciom bez twarzy Magritte przekazał ideę ślepoty miłości. O ślepocie w każdym sensie: zakochani nie widzą nikogo, nie widzimy ich prawdziwej twarzy, a poza tym zakochani są tajemnicą nawet dla siebie nawzajem. Ale z tą pozorną jasnością nadal patrzymy na kochanków Magritte'a i myślimy o nich.
Prawie wszystkie obrazy Magritte'a to zagadki, których nie można całkowicie rozwiązać, ponieważ stawiają pytania o samą istotę bytu. Magritte cały czas mówi o ułudzie widzialnego, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie zauważamy.

Marc Chagall „Spacer”

1917, olej na płótnie

Państwowa Galeria Trietiakowska

Zwykle niezwykle poważny w swoim malarstwie, Marc Chagall napisał zachwycający manifest własnego szczęścia, pełen alegorii i miłości. „Spacer” to autoportret z żoną Bellą. Jego ukochana szybuje w przestworzach i wygląda, jakby została wciągnięta do lotu i Chagalla, który stoi niepewnie na ziemi, jakby dotykał jej tylko czubkami butów. W drugiej ręce Chagall ma cycek – jest szczęśliwy, w dłoniach ma cycek (chyba jego obraz), a na niebie żurawia.

Hieronim Bosch „Ogród rozkoszy ziemskich”

1500-1510, olej na drewnie. 389×220 cm

Prado, Hiszpania

„Ogród rozkoszy ziemskich” – najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha, który wziął swoją nazwę od tematu części środkowej, poświęcony jest grzechowi rozpusty. Do tej pory żadna z dostępnych interpretacji obrazu nie została uznana za jedyną prawdziwą.
Niezmienny urok i jednocześnie niezwykłość tryptyku tkwi w sposobie, w jaki artysta poprzez wiele detali wyraża główną myśl. Obraz pełen jest przezroczystych postaci, fantastycznych budowli, potworów, które stały się halucynacjami, piekielnymi karykaturami rzeczywistości, na którą patrzy badawczym, niezwykle ostrym spojrzeniem. Niektórzy naukowcy chcieli zobaczyć w tryptyku obraz ludzkiego życia przez pryzmat jego marności i obrazów ziemskiej miłości, inni triumf rozpusty. Jednak niewinność i pewien dystans, z jakim interpretowane są poszczególne postacie, a także przychylny stosunek władz kościelnych do tego dzieła, każą wątpić, czy jego treścią może być gloryfikacja cielesnych uciech.

Gustav Klimt „Trzy wieki kobiety”

1905, olej na płótnie. 180×180 cm

Narodowa Galeria Sztuki Nowoczesnej w Rzymie

„Trzy wieki kobiety” są jednocześnie radosne i smutne. Historia życia kobiety jest w nim zapisana trzema postaciami: beztroski, spokoju i rozpaczy. Młoda kobieta jest organicznie wpleciona w ozdobę życia, stara kobieta wyróżnia się z niej. Kontrast między stylizowanym wizerunkiem młodej kobiety a naturalistycznym wizerunkiem staruszki nabiera symbolicznego znaczenia: pierwsza faza życia niesie ze sobą nieskończone możliwości i metamorfozy, ostatnia to niezmienna stałość i konflikt z rzeczywistością.
Płótno nie odpuszcza, wnika w duszę i skłania do refleksji nad głębią przekazu artysty, głębią i nieuchronnością życia.

Egon Schiele „Rodzina”

1918, olej na płótnie. 152,5×162,5 cm

Galeria Belvedere, Wiedeń

Schiele był uczniem Klimta, ale jak każdy doskonały uczeń nie kopiował swojego nauczyciela, ale szukał czegoś nowego. Schiele jest o wiele bardziej tragiczny, dziwny i przerażający niż Gustav Klimt. W jego pracach jest dużo tego, co można by nazwać pornografią, różnych perwersji, naturalizmu, a zarazem bolesnej rozpaczy.
Rodzina to jego najnowsza praca, w której rozpacz doprowadzona jest do absolutu, mimo że jest to jego najmniej dziwaczne zdjęcie. Namalował go tuż przed śmiercią, po tym jak jego ciężarna żona Edith zmarła na grypę hiszpankę. Zmarł w wieku 28 lat zaledwie trzy dni po Edith, udało mu się narysować ją, siebie i ich nienarodzone dziecko.

Frida Kahlo „Dwie Fridy”

Historia trudnego życia meksykańskiej artystki Fridy Kahlo stała się szeroko znana po premierze filmu „Frida” z Salmą Hayek w roli tytułowej. Kahlo malował głównie autoportrety i tłumaczył to po prostu: „Maluję siebie, ponieważ spędzam dużo czasu sam i ponieważ jestem tematem, który znam najlepiej”.
Frida Kahlo nie uśmiecha się na żadnym autoportrecie: poważna, wręcz smutna twarz, zrośnięte grube brwi, lekko zauważalny wąs na mocno zaciśniętych ustach. Idee jej obrazów są zaszyfrowane w szczegółach, tle, postaciach pojawiających się obok Fridy. Symbolika Kahlo opiera się na tradycjach narodowych i jest ściśle związana z mitologią indyjską okresu przedhiszpańskiego.
W jednym z najlepszych obrazów – „Dwóch Fridach” – wyraziła męskie i żeńskie zasady, połączone w niej jednym układem krążenia, demonstrując jej integralność.

Most Claude'a Moneta Waterloo. Efekt mgły »

1899, olej na płótnie

Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Oglądając obraz z bliskiej odległości, widz nie widzi nic poza płótnem, na którym często nakładane są grube kreski olejne. Cała magia dzieła ujawnia się, gdy stopniowo zaczynamy oddalać się od płótna na coraz większą odległość. Najpierw zaczynają się przed nami pojawiać niezrozumiałe półkola przechodzące przez środek obrazu, potem widzimy wyraźne zarysy łodzi i po przesunięciu się na odległość około dwóch metrów wszystkie prace łączące są ostro zarysowane i ułożone w łańcuch logiczny przed nami.

Jackson Pollock „Numer 5, 1948”

1948, płyta pilśniowa, olej. 240×120 cm

Dziwność tego obrazu polega na tym, że płótno amerykańskiego lidera abstrakcyjnego ekspresjonizmu, które namalował wylewając farbę na kawałek płyty pilśniowej rozłożonej na podłodze, jest najdroższym obrazem świata. W 2006 roku na aukcji Sotheby's zapłacili za niego 140 milionów dolarów. David Giffen, producent filmowy i kolekcjoner, sprzedał go meksykańskiemu finansiście Davidowi Martinezowi.
„Nadal odchodzę od zwykłych narzędzi artysty, takich jak sztalugi, paleta i pędzle. Wolę kije, łopaty, noże i polewanie farbą lub mieszanką farby z piaskiem lub tłuczonym szkłem czy czymkolwiek innym. Kiedy jestem wewnątrz obrazu, nie jestem świadomy tego, co robię. Zrozumienie przychodzi później. Nie boję się zmiany lub zniszczenia obrazu, ponieważ obraz żyje własnym życiem. Po prostu pomagam jej wyjść na zewnątrz. Ale jeśli stracę kontakt z obrazem, jest brudny i niechlujny. Jeśli nie, to jest to czysta harmonia, łatwość brania i dawania.

Joan Miro „Mężczyzna i kobieta przed kupą ekskrementów”

1935, miedź, olej, 23×32 cm

Fundacja Joana Miro, Hiszpania

Dobry tytuł. I kto by pomyślał, że ten obraz opowiada nam o okropnościach wojen domowych.
Obraz powstał na blasze miedzianej w tygodniu między 15 a 22 października 1935 roku. Według Miro jest to efekt próby zobrazowania tragedii hiszpańskiej wojny domowej. Miro powiedział, że jest to obraz o okresie niepokojów. Obraz przedstawia mężczyznę i kobietę, którzy obejmują się nawzajem ramionami, ale się nie poruszają. Powiększone genitalia i złowieszcze kolory zostały opisane jako „pełne odrazy i odrażającej seksualności”.

Jacek Jerka „Erozja”

Polski neosurrealista znany jest na całym świecie ze swoich niesamowitych obrazów, w których rzeczywistości łączą się, tworząc nowe. Trudno rozpatrywać jego niezwykle szczegółowe i do pewnego stopnia wzruszające prace jeden po drugim, ale taki jest format naszego materiału i musieliśmy wybrać jeden - aby zilustrować jego wyobraźnię i kunszt. Polecamy przeczytać.

Bill Stoneham „Ręce mu się opierają”

Tej pracy oczywiście nie można zaliczyć do arcydzieł sztuki światowej, ale fakt, że jest dziwna, jest faktem.
Wokół obrazka z chłopcem, lalką i dłońmi przyciśniętymi do szyby krążą legendy. Od „z powodu tego obrazu umierają” do „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i domysłów u osób o słabej psychice.
Artysta zapewniał, że obraz przedstawia go w wieku pięciu lat, drzwi są reprezentacją linii podziału między światem realnym a światem snów, a lalka jest przewodnikiem, który może przeprowadzić chłopca przez ten świat. Ręce reprezentują alternatywne życie lub możliwości.
Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 r., kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią, według której obraz był „nawiedzony”. „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith, który następnie został zasypany listami z przerażającymi historiami i żądaniami spalenia obrazu.

Sztuka artystyczna może być różna - piękna i słodka, imponująca lub przerażająca, poruszająca duszę lub wywracana na lewą stronę. Ale na świecie jest kilka obrazów, których żaden kolekcjoner nie chce oglądać w swoim domu. Obrazy przerażające do granic przerażenia i zabierając dusze ...

1. „Ręce mu się opierają” (Bill Stoneham)

Obraz, stworzony przez Billa Stonehama w 1972 roku, na pierwszy rzut oka nie wygląda zupełnie okropnie. Jeśli nie wiesz, że przedstawiona dziewczyna z twarzą lalki jest przewodnikiem po TAMTYM świecie i nie widzisz dłoni po drugiej stronie szyby. A także nie wiedzieć, ile śmierci to pociągnęło za sobą.

2. „Krzyk” (Edvard Munch)

Ten obraz nie jest na próżno jednym z najstraszniejszych. Wszystkie osoby, które miały z nią kontakt, zachorowały i bardzo szybko zmarły.

3. Smalec z Gallowgate (Ken Curry)

Raczej nie chcesz powiesić nad łóżkiem autoportretu słynnego artysty. W końcu widząc go obudzonego, można długo grzechotać w szpitalu psychiatrycznym.

4. „Martwa natura z maskami” (Emil Nolde)

Płótno Emila Nolde w stylu ekspresjonizmu słusznie zajmuje miejsce w rankingu najstraszniejszych obrazów. Mówią, że jeśli spojrzysz na jego oryginał dłużej niż 10 minut, możesz zwariować.

5. „Dwóch starców je zupę” (Francisco Goya)

Fabuła z cyklu obrazów malowanych na ścianach domu Francisco Goya przypomina koszmar. Na widok tego płótna robi się naprawdę przerażająco.

6. Odcięte głowy (Theodore Géricault)

Już sam fakt, że obraz przedstawia prawdziwe głowy (artysta skopiował je z czaszek zabranych z kostnicy) jest przerażający.

7. „Płaczący chłopiec” (Bruno Amadio)

Fabuła tego obrazu wcale nie jest przerażająca. Jest jednak coś, od czego wiele osób to omija. Według powszechnego przekonania powoduje pożary w pomieszczeniu, w którym się znajduje.

8. Lilie wodne (Claude Monet)

Obraz „Lilie wodne” to prawdziwe arcydzieło sztuki światowej. Ale gdziekolwiek wisiał, wszędzie był ogień. Co to jest wypadek? Zbieg okoliczności? A może to wzór?

9. „Wenus w lustrze” (Diego Velasquez)

Żaden miłośnik sztuki nie chce mieć w swojej kolekcji tak nieszkodliwego obrazu. Wiara mówi, że jeśli powiesisz ją we własnym domu, w życiu właściciela natychmiast rozpocznie się czarna passa.

10. „Kobieta deszczu” (Swietłana Byk)

Ostatni obraz w dzisiejszym rankingu to dzieło weneckiej artystki Svetlany Taurus. Narysowała go w 1996 roku. Udało się go sprzedać dopiero po kilku latach. Byłaby zadowolona ze sprzedaży, ale dopiero po 2 tygodniach klient zwrócił płótno. Powodem jest odczucie obecności trzeciej osoby w mieszkaniu. To samo stało się z drugim i trzecim kupującym. Teraz obraz wisi skromnie w jednym ze sklepów w Wenecji.

Ciemne zdjęcia - Wikipedia.