Obraz

Malarskie dzieło sztalugowe o samodzielnym znaczeniu. W przeciwieństwie do studium i szkicu obraz jest dziełem kompletnym, wynikiem długiej pracy artysty, uogólnieniem obserwacji i refleksji na temat życia. Obraz uosabia głębię intencji i treści figuratywnej.

Tworząc obraz, artysta opiera się na naturze, ale kreatywna wyobraźnia odgrywa w tym procesie ważną rolę.

Pojęcie obrazu stosuje się przede wszystkim do dzieł o charakterze fabularno-tematycznym, których podstawą jest przedstawienie ważnych wydarzeń historycznych, mitologicznych lub społecznych, ludzkich działań, myśli i emocji w złożonych wielopostaciowych kompozycjach. Dlatego w rozwoju malarstwa obraz odgrywa wiodącą rolę.

Obraz składa się z podłoża (płótno, deska drewniana lub metalowa, sklejka, tektura, płyta prasowana, plastik, papier, jedwab itp.), na które nakłada się podkład i warstwę farby. Percepcję estetyczną obrazu znacznie poprawia umieszczenie go w odpowiedniej ramie (bagietce) oddzielającej obraz od otaczającego świata. Orientalny typ malarstwa zachowuje tradycyjną formę swobodnie wiszącego, rozwiniętego zwoju (poziomego lub pionowego). Obraz, w przeciwieństwie do malarstwa monumentalnego, nie jest sztywno związany z pewnym wnętrzem. Można go zdjąć ze ściany i zawiesić inaczej.

Szczyt sztuki osiągnięto w malarstwie wybitnych malarzy. W różnych nurtach modernizmu dochodzi do utraty fabuły i odrzucenia figuratywności, przez co koncepcja obrazu ulega znacznej rewizji. Coraz szersza gama dzieł malarskich XX wieku. zwane zdjęciami.

dzieło malarskie, które ma samodzielną wartość artystyczną i posiada właściwość kompletności (w przeciwieństwie do studium i szkicu). K. z reguły nie jest kojarzony, jak fresk czy miniatura książki, z określonym systemem wnętrz lub dekoracji. Składa się z podłoża (płótno, deska drewniana lub metalowa, tektura, papier), podkładu i warstwy farby.

Świetna definicja

Niepełna definicja ↓

Obrazy

1. DO. ( grecki sosny) były to drewniane deski, płyty i kafle ze spalania. glina lub kamień, metal oraz inne talerze z nałożonymi, figurowanymi lub ozdobnymi obrazami. Najwcześniejsze dowody to gliniane metopy z Therma (VII w. p.n.e.); ze sfery etruskiej - płyty Boccaner i Campanian. Ceramika koryncka z Pendeskufia i ceramika z Pitsa (VI wiek pne) mają mniejszy format. hellenistyczny K. na marmurze, np. w Herkulanum, kopiuj klasykę. próbki. Zachowało się wiele rzymskich malowideł ściennych z Kampanii, które z reguły stanowiły jeden z elementów dekoracyjnych malarstwa ściennego. Szczególne znaczenie mają w większości przypadków doskonale zachowane w połowie portrety zmarłych. Rodzina Roman. portrety ( łac. Świetna definicja

Niepełna definicja ↓

„Sztuka jest taką samą potrzebą człowieka jak jedzenie i picie. Potrzeba piękna i kreatywności, ucieleśniająca je, jest nieodłączna od człowieka” – pisał F. M. Dostojewski.

Rzeczywiście, historia świadczy o tym, że człowiek zawsze był nieodłączny od sztuki. W górach, w jaskiniach różnych krajów świata zachowały się starożytne malowidła naskalne. Te ekspresyjne rysunki zwierząt i myśliwych powstały w czasach, gdy ludzie nie potrafili pisać.

Zabytki sztuki mówią nam, jak wielkie znaczenie miała w życiu człowieka i społeczeństwa ludzkiego. Starożytni Grecy stworzyli piękny mit o Muzach – wiecznie młodych siostrach, uosabiających sztukę i naukę. Melpomena - muza tragedii, Thalia - komedia, Terpsichore - taniec, Clio - muza historii... Mit mówi, że kiedy bóg Apollo - patron sztuki, poezji i muzyki - pojawił się w towarzystwie muz, wtedy wszyscy przyroda wsłuchiwała się w ich śpiew... Muzyka, muzeum - te słowa pochodzą od słowa Muza.

Poetycki mit muz sióstr nie stracił na znaczeniu. Każdy rodzaj sztuki ma swoje własne środki wyrazu: w muzyce jest to dźwięk, w sztukach plastycznych jest to kolor, linia itd., w literaturze jest to słowo. Ale pokrewna istota wszelkiego rodzaju polega na tym, że sztuka jest jedną z form świadomości społecznej, która opiera się na figuratywnym odbiciu zjawisk rzeczywistości.

Sztuki wizualne związane z percepcją wzrokową to: malarstwo, grafika i rzeźba. Sztuki te tworzą obraz na płaszczyźnie (malarstwo i grafika) oraz w przestrzeni (rzeźba).

Obraz, rysunek, druk, rzeźba, która ma samodzielne znaczenie, to znaczy nie jest kojarzona z żadnym zespołem artystycznym lub z czysto praktycznym przeznaczeniem, nazywamy prace sztalugowe. Definicja ta pochodzi od słowa „maszyna” (w tym przypadku sztaluga), na którym umieszcza się płótno podczas malowania obrazu. I nawet fakt, że obraz jest koniecznie wstawiony w ramę, podkreśla niezależność, czyli izolację malarstwa sztalugowego od otoczenia. Rama oddziela obraz, stwarza możliwość postrzegania go jako samodzielnej całości artystycznej. Niektóre obrazy sztalugowe są reprodukowane w książce.

W przeciwieństwie do maszyny malarstwo monumentalne Swoim przeznaczeniem i charakterem jest połączona z zespołem architektonicznym. Freski, mozaiki, panele, witraże organicznie wpisują się w architekturę, dopełniając i wzbogacając dekorację wnętrza lub całego budynku. Doskonałymi przykładami malarstwa monumentalnego są freski Rafaela w Pałacu Watykańskim, obrazy Michała Anioła w Kaplicy Sykstyńskiej. Malarstwo monumentalne osiągnęło najwyższy poziom w sztuce bizantyjskiej i staroruskiej.

W naszych czasach malarstwo monumentalne jest szeroko stosowane w pałacach kultury, klubach, teatrach, stacjach metra, dworcach kolejowych itp. Wielu z Was widziało w metrze mozaiki, wykonane według szkiców P. Korina, A. Deineki i innych Radzieccy mistrzowie. Malowidła wewnętrzne Dworca Autobusowego i Muzeum Sił Zbrojnych w Moskwie (artysta Yu. Korolev), murale Muzeum Ciołkowskiego w Kałudze (grupa artystów kierowana przez A. Vasnetsova), witraże mistrzów litewskich, ścigane Panele gruzińskich artystów zdobiły wiele nowych budynków w naszych miastach.

Monumentalna sztuka współczesnego Meksyku zdobyła międzynarodową sławę. Mozaiki Siqueirosa i innych wielkich artystów odzwierciedlają heroiczną walkę narodu meksykańskiego o niezależność.

Nie zawsze da się postawić ostrą granicę między sztalugą a monumentalnym dziełem sztuki. Tłumaczy się to tym, że malarstwo sztalugowe często ma walor monumentalności. A dzieła monumentalne mają czasem znaczenie niezależne, postrzegane jako gotowe obrazy sztalugowe.

Wciąż istnieje bardzo duży obszar sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Są to wykonane artystycznie meble, naczynia, ubrania, tkaniny, dywany, hafty, biżuteria itp. Jednak niektóre rodzaje rzemiosła artystycznego (gobelin, pogoń, rzeźba ozdobna) można również uznać za prace samodzielne. Malarstwo, które ma na celu ozdobienie lub ujawnienie projektu i przeznaczenia przedmiotu i nie ma wyraźnie niezależnego znaczenia, nazywa się dekoracyjnym.

Malarstwo dzieli się więc na sztalugowe, monumentalne i dekoracyjne.

Obraz- dzieło malarskie, które ma charakter kompletny (w przeciwieństwie do szkicu i szkicu) i samodzielną wartość artystyczną. Składa się z podłoża (płótno, deska drewniana lub metalowa, tektura, papier, kamień, jedwab itp.), podkładu i warstwy farby. Obraz jest jednym z rodzajów sztuki sztalugowej. Zdjęcia pochodzą z różnych gatunków. Tworząc obraz, artysta opiera się na naturze, ale kreatywna wyobraźnia odgrywa w tym procesie ważną rolę. Koniec XIX wieku naznaczony został w całej Europie nowym, dynamicznym spojrzeniem na świat. Artysta przełomu wieków musiał odpowiadać na nieustannie zmieniające się życie: nie tyle odzwierciedlać otaczający go świat (teraz robi to fotografia i kino), ile umieć wyrazić swoją indywidualność, swój wewnętrzny świat, swoje własna wizja na zdjęciu. Szczyt sztuki osiągnięto w malarstwie wybitnych malarzy. W różnych nurtach modernizmu dochodzi do utraty fabuły i odrzucenia figuratywności, przez co koncepcja obrazu ulega znacznej rewizji. Niektórzy artyści należący do różnych szkół malarskich odeszli od przedstawiania świata (ludzi, zwierząt, przyrody) takim, jakim go widzimy. Na ich obrazach świat wydaje się zdeformowany, czasem zupełnie nierozpoznawalny, bo artystów bardziej kieruje wyobraźnia niż wizualna percepcja otaczających nas zjawisk.

Malarstwo odgrywa ważną rolę w rozwoju malarstwa.

Reprodukcję można również nazwać obrazem, jeśli w odpowiednim kontekście nie ma znaczenia, czy jest to kopia, czy dzieło oryginalne.

Obraz w sensie przenośnym lub bardziej ogólnym to każde kompletne, integralne dzieło sztuki, zawierające żywy i żywy opis, ustny lub pisemny, przedstawiający widok natury.

Malarstwo to sztuka płaszczyzny i jednego punktu widzenia, gdzie przestrzeń i objętość istnieją tylko w iluzji. Malarstwo dzięki złożoności środków wizualnych jest w stanie stworzyć na płaszczyźnie taką głębię iluzorycznej przestrzeni i wielowymiarowość rzeczywistości artystycznej, która nie podlega innym metodom obrazowania. Każdy obraz spełnia dwie funkcje - obrazową i ekspresyjno-dekoracyjną. Język malarza jest zrozumiały tylko dla tych, którzy są świadomi funkcji dekoracyjno-rytmicznych płaszczyzny obrazu.

W percepcji estetycznej wszystkie funkcje obrazu (zarówno dekoracyjne, planarne, jak i obrazowe, przestrzenne) muszą uczestniczyć jednocześnie. Prawidłowe postrzeganie i rozumienie obrazu oznacza jednoczesne, niepodzielne widzenie powierzchni, głębi, wzoru, rytmu i obrazu.

Estetyczna percepcja obrazu jest znacznie wzmocniona, gdy zostanie umieszczony w odpowiedniej ramie oddzielającej obraz od otaczającego świata. Orientalny typ malarstwa zachowuje tradycyjną formę swobodnie wiszącego, rozwiniętego zwoju (poziomego lub pionowego). Obraz, w przeciwieństwie do malarstwa monumentalnego, nie jest sztywno związany z pewnym wnętrzem. Można go zdjąć ze ściany i zawiesić inaczej.

Głębia iluzorycznej przestrzeni obrazów

Profesor Richard Gregory opisał „dziwne właściwości obrazów”: „Obrazy to wyjątkowa klasa obiektów, ponieważ są one zarówno widoczne same w sobie, jak i jako coś zupełnie innego niż tylko kartka papieru, na której są narysowane. Zdjęcia są paradoksalne. Żaden przedmiot nie może znajdować się jednocześnie w dwóch miejscach; żaden obiekt nie może być jednocześnie dwuwymiarowy i trójwymiarowy. I tak widzimy zdjęcia. Obraz ma bardzo określony rozmiar, a jednocześnie pokazuje prawdziwe rozmiary ludzkiej twarzy, budynku czy statku. Obrazy to przedmioty niemożliwe.

Zdolność osoby do reagowania na nieobecne, wyimaginowane sytuacje przedstawione na zdjęciach jest ważnym etapem w rozwoju myślenia abstrakcyjnego.

Jak powstają obrazy

Obraz to świat duchowy artysty, jego przeżycia i uczucia wyrażone na płótnie lub papierze. Trudno wytłumaczyć, jak powstają obrazy – lepiej to zobaczyć na własne oczy. Nie da się wyrazić słowami, jak artysta maluje na płótnie, jakim pędzlem dotyka płótna, jakie farby wybiera. Podczas pracy wszystko staje się jednym: artysta, pędzel i płótno. I już po pierwszym pociągnięciu pędzla w warsztacie zaczyna działać szczególna magia malarstwa.

Obrazy nie są tylko malowanym płótnem, oddziałują na uczucia i myśli, zostawiają ślad w duszy, budzą przeczucia.

Jak powstaje obraz?

Wydawałoby się, farby, pędzle, na płótnie. Może istnieć inna uniwersalna odpowiedź: na różne sposoby.

Metody pracy nad obrazem zmieniały się na przestrzeni historii sztuki. Zupełnie inaczej pracowali artyści włoskiego renesansu niż Rembrandt czy „mały Holendrzy” z XVII wieku, inaczej pracowali romantycy niż impresjoniści, abstrakcjoniści, współcześni artyści realiści. Tak, i w tej samej epoce, a nawet w jednym kierunku, można znaleźć wielką różnorodność.

Realistycznych artystów przeszłości i teraźniejszości (jeśli rozumiemy realizm w szerokim tego słowa znaczeniu) łączy to, co następuje:

Stworzenie pełnoprawnego dzieła, w tym przypadku obrazu, portretu czy pejzażu, jest niemożliwe bez głębokiego studium życia, aktywnej wobec niego postawy autora. Środki artystycznego poznania życia to praca z natury, wrażenia wizualne, analiza i synteza zjawisk życiowych.

Tworzenie obrazu to złożony, pracochłonny proces twórczy, którego wyniki determinowane są nie przez poświęcony czas, ale miarą talentu, umiejętności artysty, siłą i skutecznością oryginalnego rozwiązania figuratywnego. Najważniejszymi kamieniami milowymi w tym procesie są powstanie i konkretyzacja pomysłu, bezpośrednie obserwacje, szkice, szkice z natury, faktyczne pisanie obrazu wraz z niezbędną twórczą, aktywną obróbką materiału życia.

A kiedy widz podchodzi do obrazu w muzeum lub na wystawie, zanim dokona własnej oceny, musi pamiętać, że za nim zawsze stoi żywy człowiek, artysta, który zainwestował kawałek swojego życia, serca, nerwów , talent i umiejętności w pracy. Można powiedzieć, że obraz jest spełnieniem marzeń artysty.

G. S. OSTROVSKII

Kompletność obrazu

W życiu wiele dzieje się przez przypadek - na zdjęciu nie może być takich wypadków, wszystko w nim musi być dopełnione, logicznie. W którym momencie obraz jest uważany za kompletny?

Impastowe pociągnięcie malarskie wirtuoza Rembrandta, tak bardzo cenione później i w naszych czasach, wywołało jedynie dezorientację wśród współczesnych Rembrandtowi i wywołało drwiny i dowcipy jego kosztem. Sprzeciwiając się swoim krytykom, Rembrandt kwestionował poprawność ich rozumienia pełni obrazu, przeciwstawiając im własne rozumienie tego, które sformułował w ten sposób: obraz należy uznać za kompletny, gdy artysta powiedział w nim wszystko, czego chciał. . Aby nie słyszeć nurtujących go pytań o „niekompletność” jego obrazów, Rembrandt przestał dopuszczać do siebie naiwnych gości jego pracowni, którzy z wielką ciekawością patrzyli na brawurowe kreski jego malarstwa, strasząc ich fakt, że do obrazów nie należy podchodzić zbyt blisko, bo wąchanie ich farb jest niezdrowe.

Matisse o swoim obrazie:

„Po prostu staram się nałożyć na płótno te kolory, które wyrażają moje odczucia. Odpowiednia proporcja tonów może skłonić mnie do zmiany kształtu sylwetki lub zmiany kompozycji. Dopóki nie osiągnę tej proporcji we wszystkich częściach obrazu, patrzę za to i dalej pracować.Następnie przychodzi moment, kiedy wszystkie części nabierają ostatecznych proporcji i wtedy nie mogę dotknąć obrazu bez przerobienia go od nowa.

Począwszy od mniej więcej impresjonistów kategorie rysunku, formy i koloru są ze sobą ściśle powiązane, zrastają się, wydają się być procesem ciągłym: rysunek i kolor, modelowanie i kompozycja, ton i linia pojawiają się i rozwijają jakby jednocześnie. Proces malowania obrazu może, że tak powiem, trwać w nieskończoność, moment zakończenia dzieła jest nieco arbitralny: w dowolnym miejscu na płótnie artysta może go kontynuować, nakładając nowe pociągnięcia do podobnych, ale leżących poniżej. Najbardziej wyrazistym i konsekwentnym przedstawicielem tego systemu jest Cezanne. W listach i nagranych rozmowach wielokrotnie formułował tę mieszaną, a właściwie niezróżnicowaną metodę malowania. W każdej chwili pracę nad obrazem można przerwać, ale praca nie straci na walorach estetycznych. W każdej chwili zdjęcie jest gotowe.

Połączenie przestrzeni obrazowej obrazu z przestrzenią rzeczywistą

Artysta i teoretyk sztuki V. A. Favorsky w toku teorii kompozycji podkreślał, że dzieło prawdziwie artystyczne ma od urodzenia podwójną egzystencję: jako obiekt w otaczającej przestrzeni i jako stosunkowo zamknięty świat z własnymi relacjami czasoprzestrzennymi . W malarstwie cel ten osiąga się koordynując wewnętrzną strukturę obrazu z ramą, w rzeźbie z otaczającą przestrzenią (klasyczny przykład: posąg w niszy).

Aby połączyć przestrzeń obrazową z przestrzenią rzeczywistą, w której znajduje się widz, stosuje się ramkę do obrazu. Artyści bawią się też wielokrotnym „reprodukcją kadru” w samym obrazie, wizualnymi rymami, powtórzeniami pionów i poziomów. Jedną z charakterystycznych technik, która pozwala wizualnie „wzmocnić” obraz w granicach formatu prostokątnego, jest „skośny róg”. Oddzielenie malarstwa od architektury zrodziło pewien system percepcji malarstwa sztalugowego. Główną treścią obrazu jest wyrażenie całościowego spojrzenia na przestrzeń. Kompozycja zostaje przekształcona w ekspozycję, w której widz staje twarzą w twarz z przekształconym światem relacji czasoprzestrzennych i widzi w nim siebie jak w lustrze. Tak więc przezroczyste szkło renesansu zamieniło się w lustro epoki klasycyzmu i baroku. Sztuka epoki porenesansowej charakteryzuje się zabawą odbiciami w lustrze, wprowadzaniem w kompozycję obrazu postaci-mediatorów, osób, które swoją pozycją, spojrzeniem lub gestem ręki wskazują na akcję rozgrywającą się w głębi obrazu, jakby zapraszając ich do wejścia. Oprócz kadru w takich kompozycjach znajduje się proskenium - przednia część sceny, za kulisami, potem środkowy grunt, w którym toczy się główna akcja, oraz tło - „tło”.

Artysta zazwyczaj umieszcza główne postacie w środkowej płaszczyźnie obrazu, ustawiając je na mentalnej poziomej linii jak na piedestale. Głębokość „warstwy przestrzennej” zależy od położenia tej poziomej linii odniesienia (w ujęciu planimetrycznym – powyżej lub poniżej dolnej krawędzi ramy obrazu). Wielokrotnie odsuwając poziom w górę, malarz tworzy pewien rytm ruchu w głąb wyobrażonej przestrzeni. Dzięki temu nawet na niewielkim płótnie można zobrazować przestrzeń o dowolnej długości dowolną liczbą figurek i przedmiotów. W takiej ekspozycji trzeba w szczególny sposób zwrócić uwagę widza na to, że jedne obiekty są bliżej, a inne dalej. W tym celu stosuje się „wskaźniki”: redukcję perspektywy, wprowadzenie punktów orientacyjnych na dużą skalę (małe postacie ludzi w tle), nakładające się plany, kontrast tonalny, padające cienie ze źródła światła wewnątrz lub na zewnątrz obrazu. Kolejnym punktem odniesienia dla mentalnego ruchu widza w przestrzeni obrazu są przekątne, z których główną jest „przekątna wejściowa” (najczęściej od lewej do prawej).

Obrazek w obrazku

Obrazek w obrazku

Obraz w obrazie może być używany w specjalnej funkcji kompozycji. Podobna hierarchiczna organizacja jest prezentowana w przypadku przedstawiania obrazu w obrazie (a także fresków w malowidłach ściennych itp.).

„Obraz w obrazie” to technika kompozycyjna występująca w sztuce malarstwa klasycznego XVI-XVII wieku. Obrazowi w obrazie można nadać specjalne ukryte znaczenie.

Technika kompozycyjna „obraz w obrazie” może wykonywać kilka zadań:

• wyrazić pomysł
• wyjaśnij fabułę
• sprzeciwiać się lub tworzyć harmonię
• być szczegółem sytuacji (wnętrze)

Bardzo często obraz tła na obrazie może być rozumiany jako rodzaj obrazu w obrazie, czyli niezależny obraz zbudowany według własnych, szczególnych praw. Jednocześnie obraz tła, w większym stopniu niż obraz postaci na płaszczyźnie głównej, podlega czysto dekoracyjnym zadaniom, można powiedzieć, że często nie jest tu przedstawiany sam świat, ale sceneria tego świata, to znaczy nie sam obraz jest przedstawiony, ale obraz tego obrazu.

Dla Holendrów mapa geograficzna, gobelin, obraz, otwarte okno jako obraz zawarty w obrazie poszerzają granice świata lub służą rozwinięciu alegorycznego znaczenia głównego wątku. Vermeer, otwierając zasłonę warsztatu, staje się przewodnikiem po trzech poziomach rzeczywistości: przestrzeni widza, przestrzeni jego warsztatu, przestrzeni dzieła sztuki (płótna stojącego na sztalugach), porównując te metamorfozy do pływania w oceanach, zaznaczonych na mapie geograficznej lub latających nad zaznaczonymi na mapie lądami.

Przelew rzeczywistości - sztuki - mitu obserwujemy także u Velazqueza, który chętnie sięga po technikę „obraz w obrazie”, czego przykładem mogą być Meninas i Prządki.

„Obraz w obrazie” jest także w „Wenus przed lustrem” Velasqueza, ale zamglone lustro odbija tylko cień bogini miłości.

Malowanie i rama

Każdy obraz stworzony przez artystę, z wyjątkiem starożytnych malowideł naskalnych, ma ramę. Kadrowanie jest niezbędną i ważną częścią kompozycji, dopełnia ją, nadaje jedności. Rama może znajdować się na tej samej płaszczyźnie, co sama kompozycja obrazkowa lub graficzna. Może być również tworzony specjalnie jako rodzaj formy reliefowej za pomocą elementów dekoracyjnych, rzeźbiarskich i architektonicznych. Najczęściej są to ramki o kształcie prostokątnym, nieco rzadziej - okrągłe i owalne.

Rama pomaga odróżnić obraz od otoczenia jako coś wyjątkowego i godnego uwagi, ale jednocześnie łączy go z otoczeniem. Jeśli więc styl oprawy pokrywa się z artystycznym wyglądem, strukturą i charakterem wnętrza, w którym znajduje się obraz, przyczynia się to do integralności zespołu. W zależności od koloru, nasycenia detalami dekoracyjnymi i rzeźbiarskimi rama znacząco wpływa na ogólne wrażenie obrazowego obrazu. Wszystko to pozwala nam mówić o jedności obrazu i ramy, w której kadrowanie spełnia oczywiście nie główną, ale bardzo niezbędną funkcję.

Rozwój malarstwa sztalugowego był złożony. Jakim jasnym kamieniem milowym w jego historii było przejście od średniowiecza do renesansu! Najważniejsza była w nim chęć oderwania się od sztywności i abstrakcji obrazu ikony, który dominował w średniowieczu. Mniej więcej w XIV wieku narodził się obraz we współczesnym znaczeniu tego słowa, a wraz z nim pojawiła się rama, wciąż ubrana w koronkę gotyckiej scenerii.

Pierwsze kadry nie były całkowicie przeciwstawne całemu obrazowi i nie były od niego odseparowane; materiały obu były podobne, warunkowe złocenie tła, na przykład starożytnej ikony rosyjskiej lub bizantyjskiej, przeszło na ramę, a sam obraz często „rozpryskiwał się” na nim. Wtedy coraz wyraźniej dostrzegano granice między obrazem a kadrem. Niemniej jednak, jako swego rodzaju wspomnienie minionych wieków, rama zachowała swój złoty kolor. Kiedy z obrazu zniknęło złote tło, oznaczające świat boskości, złocenie ramy zaczęło być postrzegane warunkowo, innymi słowy, jako niezbędny atrybut ramy, który pomógł uwydatnić obraz w pokoju, przyciągnąć na to wzrok widza.

W okresie renesansu dominowała idea malarstwa jako spojrzenia na świat przez okno, rama ze swoimi formami bardzo wyraźnie nawiązywała do panującej idei i odpowiadała na nią. Te wspaniałe, uroczyste ramy zostały wykonane według rysunków artystów w specjalnych warsztatach lub przez asystentów artysty, którzy pracowali w jego warsztacie.

W okresie renesansu malarstwo było nieustannie porównywane do lustra, w którym odbija się rzeczywistość, a rama, stworzona jak ozdobna rama lustra, jeszcze silniej to porównanie podkreślała. Rama ta mogła być wykonana nie tylko z listew drewnianych i gipsu, ale także z materiałów szlachetnych, m.in. srebra, kości słoniowej, masy perłowej itp. Szlachetność materiałów zdawała się dorównywać cennością obrazu, wzmacniając go.

Starzy mistrzowie bardzo zwracali uwagę na ramę, biorąc pod uwagę jej wpływ w procesie pracy, czasami nawet malowali w gotowej ramie, biorąc pod uwagę pewien ton i dekoracyjny rytm ramy. Dlatego kompozycje dawnych mistrzów często czerpią duże korzyści z oryginalnych kadrów.

Obserwacje na kadrach dawnych mistrzów pozwalają ustalić inną zasadę - zgodność profilu i szerokości kadru z wielkością obrazu: np. holenderscy malarze wstawiali swoje małe obrazy w duże kadry z głębokim, wyraźnym wyprofilowaniem , który niejako prowadzi oko do środka obrazu i izoluje je od wszelkich wpływów otoczenia

Na początku XX wieku zaczęto słyszeć głosy wzywające do całkowitego porzucenia ram, jako czegoś zbyt materialnego, „ugruntowującego” duchowość sztuki. Różni artyści awangardowi, podjęli takie apele, zaczęli wystawiać swoje prace bez ram. Jednak w wyniku tej innowacji same ich prace przestały być obrazami w wąskim znaczeniu tego słowa. Były to jakieś „obiekty”, „plamy”, często pozbawione wyraźnego znaczenia.

Chociaż teraz nie ma jednego stylu w projektowaniu ram, jak kiedyś, ale jest więcej niż wcześniej, zgodność ramy z indywidualnym stylem artysty.

Ostatnio na wystawach sztuki można zauważyć, że inercja w stosunku do projektowania ram (niech tak będzie, ale co nieważne), która przejawiała się w przeszłości u naszych artystów, zaczyna być przełamywana. Ramy malowane są na różne kolory, często umieszczane są na nich drobne dodatkowe obrazki i napisy, rzeźbiarze pomagają malarzom - pojawiają się ramki z bogatymi motywami plastycznymi.

Format obrazu

Istnieją jednak dwa specyficzne elementy obrazu, które zdają się tworzyć przejście od płaszczyzny do obrazu, jednocześnie należące do rzeczywistości obrazu i jego fikcji – formatu i kadru. Wydawać by się mogło, że format obrazu jest tylko narzędziem artysty, a nie bezpośrednim wyrazem jego koncepcji twórczej: w końcu artysta wybiera tylko format. Tymczasem charakter formatu najściślej wiąże się z całą wewnętrzną strukturą dzieła sztuki i często wręcz wskazuje właściwą drogę do zrozumienia intencji artysty. Z reguły format wybierany jest przed rozpoczęciem pracy malarza. Znanych jest jednak wielu artystów, którzy podczas pracy lubili zmieniać format obrazu, wycinając z niego fragmenty lub dokładając nowe (Velasquez robił to szczególnie chętnie).

Najpopularniejszym formatem obrazu jest czworokąt, przy czym czysty kwadrat jest znacznie rzadszy niż czworokąt mniej lub bardziej wydłużony w górę lub wszerz. Niektóre epoki doceniają okrągły format (tondo) lub owal. Wybór formatu nie jest przypadkowy, format ujawnia zwykle głębokie, organiczne powiązanie zarówno z treścią dzieła, jego emocjonalnym tonem, jak i kompozycją obrazu, równie wyraźnie odzwierciedla indywidualny temperament artysty i smak całej epoki. Ukryty związek przyczynowy między formatem a intencją artysty wyczuwamy przed każdym obrazem, z którego czerpie urok prawdziwego dzieła sztuki. Są obrazy, których treść jest tak zrośnięta z naturą formatu, że wydaje się, że najmniejsze przesunięcie proporcji powinno zaburzyć równowagę stylistyczną i ideologiczną obrazu.

Ogólnie rzecz biorąc, poziomy, wydłużony format jest z pewnością bardziej odpowiedni do kompozycji narracyjnej, do sekwencyjnego rozwijania ruchu obok widza. Dlatego chętnie sięgają po ten format artyści o epickim nastroju, dążący do aktywnego komponowania, do działania, np. malarze włoscy XIV i pierwszej połowy XV wieku (zwłaszcza w kompozycjach freskowych). Wręcz przeciwnie, format kwadratowy lub taki, w którym wysokość nieco góruje nad szerokością, jakby natychmiast zatrzymuje dynamikę akcji i nadaje kompozycji charakter uroczystego przedstawienia – to właśnie tego typu formaty mistrzowie Wysoki renesans preferowany do obrazów ołtarzowych („Madonna Sykstyńska”). Z kolei przy znacznej przewadze wysokości nad szerokością kompozycja ponownie nabiera dynamiki, silnej trakcji, ale tym razem w górę lub w dół; tak wąski format przypadał szczególnie do gustu artystom arystokratycznym, dekoracyjnym (Crivelli) czy mistycznym (manierystyczny, Greco), którzy starali się uosabiać określone emocje i nastroje.

Niewątpliwy jest też związek formatu z indywidualnym temperamentem artysty: zmysłowa, dynamiczna fantazja Rubensa wymaga większego formatu niż powściągliwa i uduchowiona fantazja Rembrandta. Wreszcie format jest bezpośrednio zależny od techniki obrazkowej. Im szerszy, swobodny ruch pędzla artysty, tym bardziej naturalne jest jego pragnienie dużego formatu.

KARYKATURA(wł. karykatura, od caricare – do obciążenia, przesadzić) – gatunek plastyki, który posługuje się środkami satyrycznymi i humoru, groteski, karykatury do krytycznej oceny wszelkich zjawisk społecznych, politycznych, domowych czy konkretnych osób i wydarzeń. Komiczny efekt karykaturalnego obrazu tworzy przesada i wyostrzenie cech charakterystycznych, nieoczekiwane porównania, porównania, metafory, połączenie rzeczywistości z fantastyką. Karykatura wykorzystywana jest głównie w grafice gazetowej i magazynowej, ale znajduje swoje miejsce także w malarstwie satyrycznym i drobnej plastyce, w plakatach, a nawet w malarstwie monumentalnym. Karykaturę można zobaczyć w sztuce ludowej, zwłaszcza w luboku. Wybitnymi rysownikami byli J. Effel (Francja), X. Bidstrup (Dania), Kukryniksy (M. Kupriyanov, P. Krylov, N. Sokolov - Rosja).

OBRAZ- dzieło malarstwa sztalugowego, które ma samodzielną wartość. W przeciwieństwie do studium i szkicu obraz jest dziełem kompletnym, wynikiem długiej pracy artysty, uogólnieniem obserwacji oraz głębią intencji i treści figuratywnych. Tworząc obraz, artysta opiera się na naturze, ale kreatywna wyobraźnia odgrywa w tym procesie ważną rolę. Pojęcie obrazu stosuje się przede wszystkim do dzieł o charakterze fabularno-tematycznym, których podstawą jest przedstawienie ważnych wydarzeń historycznych, mitologicznych lub społecznych, ludzkich działań, myśli i emocji w wielopostaciowych, złożonych kompozycjach. Dlatego w rozwoju malarstwa obraz odgrywa wiodącą rolę. Obraz składa się z podłoża (płótno, deska drewniana lub metalowa, sklejka, tektura, płyta prasowana, plastik, papier, jedwab itp.), na które nakłada się podkład i warstwę farby. Percepcję estetyczną obrazu znacznie poprawia umieszczenie go w odpowiedniej ramie (bagietce) oddzielającej obraz od świata zewnętrznego. Orientalny typ malarstwa zachowuje tradycyjną formę swobodnie wiszącego, rozwiniętego zwoju (poziomego lub pionowego). Obraz, w przeciwieństwie do malarstwa monumentalnego, nie jest sztywno związany z pewnym wnętrzem. Można go zdjąć ze ściany i zawiesić inaczej. Szczyt sztuki osiągnięto w malarstwie wybitnych malarzy. W różnych nurtach modernizmu dochodzi do utraty fabuły i odrzucenia figuratywności, przez co koncepcja obrazu ulega znacznej rewizji. Coraz szersza gama dzieł malarskich XX wieku. zwane zdjęciami.

GALERIA ZDJĘĆ- muzeum sztuki, które wystawia wyłącznie lub głównie dzieła malarstwa. Galeria sztuki nazywana jest również działami malarstwa w dużych muzeach i salach pałacowych przeznaczonych na zbiory malarstwa. W starożytnej Grecji repozytorium obrazów nazywano Pinakoteką, a później nazywano tak duże zbiory obrazów, czyli galerie sztuki. Wiele z największych muzeów sztuki na świecie to galerie sztuki i nosi nazwę galerii, w tym National Gallery w Londynie, National Gallery of Art w Waszyngtonie, Państwowa Galeria Tretiakowska w Moskwie i inne.

SZCZOTKA- narzędzie artysty, głównie malarza, czyli długopis ze stertą na końcu. Pędzle do malowania są zwykle używane z włosów: włosie (z białego włosia wieprzowego), kolinsky (z włosów rudej kuny - kolumna), wiewiórka, fretka itp. Do malowania akwarelą odpowiednie są pędzle wykonane z cienkiego i miękkiego włosa do pracy nad drobnymi detalami, na przykład wiewiórką. Do malowania gwaszem, temperą, farbami olejnymi wybierane są pędzle z twardym włosiem. W dawnych czasach artyści używali pędzla borsuczego zwanego fletem, którym wygładzali powierzchnię farby, niszcząc rysy pozostawione na farbie pędzlem z włosia. Pędzle są okrągłe i płaskie, z krótkim i długim włosiem, twarde i miękkie. Na każdym pędzlu znajdują się pifra (1, 2, 3 itd.). Im większa liczba, tym większy pędzel. Końce włosia w szczotce muszą być zaostrzone, a nie odcięte. Włosy należy ułożyć tak, aby układały się równolegle i nie wystawały na boki. Dobry pędzel zachowuje swój kształt nawet po umyciu wodą, a zły najeży się nawet po umyciu w farbie. Taki pędzel w ogóle nie nadaje się do malowania. Ostatnio artyści preferują płaskie pędzle, które dają bardziej wyraziste pociągnięcie pędzla. Obecnie szeroka i płaska szczotka nazywana jest fletem. Służy do malowania dużych powierzchni i gruntowania płócien. Pędzle znajdują również zastosowanie w grafice i kaligrafii.

KICZ(niemiecki kicz - litery, hack, zły smak) - produkty pseudoartystyczne spełniające niski gust artystyczny i nierozwinięte potrzeby estetyczne. Kicz charakteryzuje się krzykliwością koloru, eklektyzmem, nadmiarowością wystroju, podróbkami szlachetnych materiałów. Manifestacje kiczu są możliwe we wszystkich rodzajach sztuk plastycznych, ale najczęściej można je znaleźć w masowej produkcji artystycznej, przemyśle pamiątkarskim, w masowej grafice drukowanej i niektórych rodzajach rzemiosła artystycznego.

KLASYCZNY(z łac. classicus - wzorowy) - w historii sztuki epoka największego rozkwitu sztuki antycznej w V-IV wieku. pne mi. Sztuka klasyczna - sztuka starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu w okresie ich świetności, a także sztuka europejskiego renesansu i klasycyzmu, która była bezpośrednio oparta na tradycjach antycznych. W dobie klasyków kształtowały się główne porządki architektoniczne, rozwijało się regularne planowanie urbanistyczne, rzeźba monumentalna, nierozerwalnie związana z architekturą, kwitła sztuka zdobnicza. Wizerunki harmonijnych ludzi, obdarzonych pięknem zarówno fizycznym, jak i duchowym, stworzyli najwięksi rzeźbiarze Myron, Poliklet, Fidiasz, Praksyteles, Skopas. Malarstwo (Polygnotus) było wysoko rozwinięte w sztuce klasycznej. W V wieku pne mi. powstały najdoskonalsze dzieła architektoniczne starożytnej Grecji – świątynie Partenonu (architekci Iktin i Kallikrat) oraz Erechtejon, położone na ateńskim Akropolu, naznaczone artystyczną jednością całości i wszelkich detali architektonicznych i rzeźbiarskich. Sztuka klasyczna kojarzy się z rozkwitem Aten i innych państw-miast, w których istniał system demokracji niewolniczej.

KLASYCYZM(z łac. classicus - wzorowy) - styl artystyczny sztuki europejskiej XVII-XIX wieku, którego jedną z najważniejszych cech było odwołanie się do sztuki antycznej jako najwyższego wzorca i nawiązanie do tradycji wysokiego renesansu. Sztuka klasycyzmu odzwierciedlała idee harmonijnej struktury społeczeństwa, ale pod wieloma względami zatraciła je w porównaniu z kulturą renesansu. Konflikty jednostki i społeczeństwa, ideału i rzeczywistości, uczuć i rozumu świadczą o złożoności sztuki klasycyzmu. Artystyczne formy klasycyzmu charakteryzują się ścisłą organizacją, równowagą, wyrazistością i harmonią obrazów. Architekturę klasycyzmu charakteryzuje system porządkowy inspirowany antycznymi wzorami, klarowność i geometryczna poprawność brył i układu, portyki, kolumny, rzeźby i płaskorzeźby wyróżniające się na powierzchni ścian. Wybitnym arcydziełem architektury, łączącym klasycyzm i barok w jeden uroczysty styl, był zespół pałacowo-parkowy w Wersalu - rezydencja królów francuskich (druga połowa XVII wieku). W malarstwie główne znaczenie uzyskało logiczne rozwinięcie fabuły, wyraźna zrównoważona kompozycja, wyraźny przekaz objętości, podrzędna rola koloru za pomocą światłocienia, użycie lokalnych kolorów (N. Poussin, K. Lorrain). znaczenie. Wyraźne rozgraniczenie planów w pejzażach uwidaczniało się także za pomocą koloru: pierwszy plan musiał być brązowy, środkowy – zielony, a daleki – niebieski.