Witajcie drodzy czytelnicy - poszukiwacze wiedzy i prawdy!
Japońscy artyści wyróżniają się niepowtarzalnym stylem, szlifowanym przez pokolenia mistrzów. Dzisiaj porozmawiamy o najjaśniejszych przedstawicielach malarstwa japońskiego i ich obrazach, od starożytności po czasy współczesne.
Cóż, zanurzmy się w sztuce Kraju Kwitnącej Wiśni.
Narodziny sztuki
Starożytna sztuka malarska w Japonii jest związana przede wszystkim ze specyfiką pisma i dlatego opiera się na podstawach kaligrafii. Pierwsze przykłady to fragmenty dzwonów z brązu, naczynia i przedmioty gospodarstwa domowego znalezione podczas wykopalisk. Wiele z nich zostało pomalowanych naturalnymi farbami, a badania sugerują, że wyroby powstały wcześniej niż 300 pne.
Wraz z przybyciem do Japonii rozpoczął się nowy etap w rozwoju sztuki. Na emakimono - specjalnych papierowych zwojach - wizerunki bóstw panteonu buddyjskiego naniesiono sceny z życia Nauczyciela i jego wyznawców.
Przewagę motywów religijnych w malarstwie można prześledzić w średniowiecznej Japonii, czyli od X do XV wieku. Nazwiska artystów tamtej epoki do dziś niestety nie zachowały się.
W okresie XV-XVIII wieku rozpoczyna się nowy czas, charakteryzujący się pojawieniem się artystów o rozwiniętym indywidualnym stylu. Wyznaczyły wektor dalszego rozwoju sztuk plastycznych.
Jasni przedstawiciele przeszłości
Tense Shubun (początek XV wieku)
Aby stać się wybitnym mistrzem, Xubong studiował techniki pisarskie chińskich artystów Sung i ich twórczość. Następnie stał się jednym z założycieli malarstwa w Japonii i twórcą sumi-e.
Sumi-e to styl artystyczny oparty na rysunku tuszem, co oznacza jeden kolor.
Shubun zrobił wiele, aby nowy styl zakorzenił się w kręgach artystycznych, uczył sztuki innych talentów, w tym późniejszych słynnych malarzy, takich jak Sesshu.
Najpopularniejszy obraz Shubuna nosi tytuł „Czytanie w bambusowym gaju”.
„Czytanie w bambusowym gaju” autorstwa Tense Shubun
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Został twórcą szkoły, nazwanej swoim imieniem - Hasegawa. Początkowo starał się podążać za kanonami szkoły Kano, ale stopniowo w jego pracach zaczęto śledzić jego indywidualny „pismo”. Tohaku kierował się grafiką Sesshu.
Podstawą pracy były proste, zwięzłe, ale realistyczne krajobrazy o nieskomplikowanych nazwach:
- „Sosny”;
- "Klon";
- Sosny i rośliny kwitnące.
Sosny, Hasegawa Tohaku
Bracia Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)
Bracia byli znakomitymi rzemieślnikami XVIII wieku. Najstarszy, Ogata Korin, poświęcił się całkowicie malarstwu i stworzył gatunek rimpa. Unikał stereotypowych obrazów, preferując gatunek impresjonistyczny.
Ogata Korin malował naturę w ogóle, a kwiaty w formie jasnych abstrakcji w szczególności. Jego pędzle należą do obrazu:
- „Kwiat śliwy czerwono-biały”;
- „Fale Matsushimy”;
- „Chryzantemy”.
Fale Matsushimy Korin Ogata
Młodszy brat - Ogata Kenzan - miał wiele pseudonimów. Przynajmniej zajmował się malarstwem, ale był bardziej znany jako wspaniały ceramik.
Ogata Kenzan opanował wiele technik garncarskich. Wyróżniał się niestandardowym podejściem, np. tworzył tablice w formie kwadratu.
Własne malarstwo nie wyróżniało się przepychem - to też było jego osobliwością. Lubił umieszczać kaligrafię na produktach, takich jak zwój lub fragmenty poezji. Czasami pracowali razem z bratem.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Pracował w stylu ukiyo-e - rodzaj drzeworytu, innymi słowy malarstwa rytowniczego. Przez cały czas twórczości zmienił około 30 nazwisk. Najbardziej znanym dziełem jest Wielka fala u wybrzeży Kanagawy, dzięki której zasłynął poza ojczyzną.
„Wielka fala w Kanagawie” Hokusai Katsushiki
Szczególnie ciężko Hokusai zaczął pracować po 60 latach, co przyniosło dobre efekty. Van Gogh, Monet, Renoir znali jego twórczość i do pewnego stopnia wpłynęło to na twórczość europejskich mistrzów.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Jeden z najwybitniejszych artystów XIX wieku. Urodzony, mieszkał, pracował w Edo, kontynuował dzieło Hokusai, inspirował się jego twórczością. Sposób, w jaki przedstawił naturę, jest niemal równie uderzający, jak liczba samych prac.
Edo to dawna nazwa Tokio.
Oto kilka postaci dotyczących jego twórczości, które są reprezentowane przez cykl obrazów:
- 5,5 tys. – liczba wszystkich rycin;
- „100 widoków Edo;
- „36 widoków Fuji”;
- „69 stacji Kisokaido”;
- „53 stacje Tokaido” .
Malarstwo autorstwa Ando Hiroshige
Co ciekawe, wybitny Van Gogh napisał kilka kopii swoich rycin.
Nowoczesność
Takashiego Murakamiego
Malarz, rzeźbiarz, projektant mody, sławę zyskał już pod koniec XX wieku. W swojej pracy podąża za modowymi trendami z elementami klasyki, czerpie inspiracje z kreskówek anime i mangi.
Obraz Takashiego Murakamiego
Twórczość Takashiego Murakamiego zaliczana jest do subkultur, ale jednocześnie cieszy się niesamowitą popularnością. Na przykład w 2008 roku jedno z jego dzieł zostało kupione na aukcji za ponad 15 milionów dolarów. Kiedyś współczesny twórca współpracował z domami mody „Marc Jacobs” i „Louis Vuitton”.
Tycho Asima
Współpracowniczka poprzedniego artysty, tworzy współczesne obrazy surrealistyczne. Przedstawiają widoki miast, ulice megamiast i stworzenia jakby z innego wszechświata - duchy, złe duchy, obce dziewczyny. W tle obrazów często widać dziewiczą, czasem wręcz przerażającą przyrodę.
Jej obrazy osiągają duże rozmiary i rzadko ograniczają się do papieru. Przenoszą się na skórę, tworzywa sztuczne.
W 2006 roku, w ramach wystawy w stolicy Wielkiej Brytanii, kobieta stworzyła około 20 łukowatych konstrukcji, które odzwierciedlały piękno przyrody wioski i miasta, w dzień iw nocy. Jeden z nich ozdobił stację metra.
Hej Arakawa
Młodego człowieka nie można nazwać tylko artystą w klasycznym tego słowa znaczeniu – tworzy instalacje tak popularne w sztuce XXI wieku. Tematyka jego wystaw jest prawdziwie japońska i dotyka zarówno przyjaznych relacji, jak i pracy całego zespołu.
Ei Arakawa często bierze udział w różnych biennale, na przykład w Wenecji, jest wystawiany w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w swojej ojczyźnie i zasłużenie otrzymuje różne nagrody.
Ikenaga Yasunari
Współczesnemu malarzowi Ikenadze Yasunari udało się połączyć dwie pozornie nie do pogodzenia rzeczy: życie dzisiejszych dziewcząt w formie portretu oraz tradycyjne techniki Japonii wywodzące się z antyku. W swojej pracy malarz posługuje się specjalnymi pędzlami, farbami z naturalnym pigmentem, tuszem i węglem drzewnym. Zamiast zwykłego lnu - lniana tkanina.
Malarstwo Ikenagi Yasunari
Ta technika kontrastowania przedstawianej epoki i wyglądu bohaterek sprawia wrażenie, jakby powróciły one do nas z przeszłości.
Cykl obrazów przedstawiających zawiłości życia krokodyla, który ostatnio stał się popularny w społeczności internetowej, stworzył także japoński rysownik Keigo.
Wniosek
Tak więc malarstwo japońskie powstało około III wieku pne i od tego czasu bardzo się zmieniło. Pierwsze obrazy nanoszono na ceramikę, potem w sztuce zaczęły dominować motywy buddyjskie, jednak nazwiska autorów nie zachowały się do dziś.
W epoce New Age mistrzowie pędzla nabywali coraz więcej indywidualności, tworzyli różne kierunki, szkoły. Dzisiejsze sztuki wizualne nie ograniczają się do tradycyjnego malarstwa – wykorzystuje się instalacje, karykatury, rzeźby artystyczne, konstrukcje specjalne.
Bardzo dziękuję za uwagę, drodzy czytelnicy! Mamy nadzieję, że nasz artykuł okazał się przydatny, a opowieści o życiu i twórczości najwybitniejszych przedstawicieli sztuki pozwoliły lepiej ich poznać.
Oczywiście trudno w jednym artykule opowiedzieć o wszystkich artystach od starożytności do współczesności. Niech więc będzie to pierwszy krok w kierunku poznania malarstwa japońskiego.
I dołącz do nas - zapisz się na bloga - będziemy razem studiować buddyzm i kulturę Wschodu!
Sztuka i projektowanie
2904
01.02.18 09:02
Dzisiejsza scena artystyczna w Japonii jest bardzo różnorodna i prowokacyjna: patrząc na prace mistrzów z Kraju Kwitnącej Wiśni, pomyślisz, że wylądowałeś na innej planecie! Jest domem dla innowatorów, którzy zmienili krajobraz branży w skali globalnej. Oto lista 10 współczesnych japońskich artystów i ich dzieł, od niesamowitych stworzeń Takashiego Murakamiego (który dzisiaj obchodzi swoje urodziny) po kolorowy wszechświat Kusama.
Od futurystycznych światów po kropkowane konstelacje: współcześni japońscy artyści
Takashi Murakami: tradycjonalista i klasyk
Zacznijmy od bohatera okazji! Takashi Murakami jest jednym z najbardziej znanych współczesnych artystów japońskich, tworzącym obrazy, rzeźby na dużą skalę i modę. Styl Murakamiego jest inspirowany mangą i anime. Jest założycielem ruchu Superflat, który wspiera japońskie tradycje artystyczne i powojenną kulturę kraju. Murakami wypromował wielu swoich współczesnych, niektórych z nich poznamy także dzisiaj. „Subkulturowe” prace Takashiego Murakamiego prezentowane są na rynkach mody i sztuki. Jego prowokacyjny film My Lonesome Cowboy (1998) został sprzedany w Nowym Jorku w Sotheby's w 2008 roku za rekordową kwotę 15,2 miliona dolarów. Murakami współpracował ze znanymi na całym świecie markami Marc Jacobs, Louis Vuitton i Issey Miyake.
Tycho Asima i jej surrealistyczny świat
Członek firmy produkcyjnej Kaikai Kiki i ruchu Superflat (oba założone przez Takashiego Murakamiego), Chiho Ashima jest znana ze swoich fantastycznych pejzaży miejskich i dziwnych popowych stworzeń. Artysta tworzy surrealistyczne sny zamieszkane przez demony, duchy, młode piękności ukazane na tle dziwacznej natury. Jej prace są zwykle wielkoformatowe i drukowane na papierze, skórze, plastiku. W 2006 roku ta współczesna japońska artystka wzięła udział w Art on the Underground w Londynie. Na platformę stworzyła 17 kolejnych łuków - magiczny krajobraz stopniowo zmieniał się z dnia w noc, z miejskiego w wiejski. Ten cud rozkwitł na stacji metra Gloucester Road.
Chiharu Shima i Nieskończone nici
Inny artysta, Chiharu Shiota, pracuje nad wielkoskalowymi instalacjami wizualnymi dla określonych punktów orientacyjnych. Urodziła się w Osace, ale obecnie mieszka w Niemczech - w Berlinie. Głównymi tematami jej prac są zapomnienie i pamięć, sny i rzeczywistość, przeszłość i teraźniejszość, a także konfrontacja z lękiem. Najsłynniejsze prace Chiharu Shioty to nieprzeniknione pajęczyny czarnej nici, które spowijają wiele przedmiotów codziennego użytku i osobistych, takich jak stare krzesła, suknia ślubna, spalony fortepian. Latem 2014 roku Shiota połączyła ponad 300 podarowanych jej butów i kozaków nitkami czerwonej przędzy i zawiesiła je na haczykach. Pierwsza wystawa Chiharu w stolicy Niemiec odbyła się podczas Berlin Art Week w 2016 roku i wywołała sensację.
Hej Arakawa: wszędzie, nie nigdzie
Ei Arakawa inspiruje się stanami zmian, okresami niestabilności, elementami ryzyka, a jego instalacje często symbolizują tematy przyjaźni i pracy zespołowej. Credo współczesnego japońskiego artysty określa performatywna nieokreśloność „wszędzie, ale nigdzie”. Jego dzieła pojawiają się w nieoczekiwanych miejscach. W 2013 roku prace Arakawy były wystawiane na Biennale w Wenecji oraz na wystawie współczesnej sztuki japońskiej w Mori Art Museum (Tokio). Instalacja Hawaiian Presence (2014) powstała we współpracy z nowojorską artystką Carissą Rodriguez i została zaprezentowana na Whitney Biennale. Również w 2014 roku Arakawa i jego brat Tomu, występując jako duet o nazwie United Brothers, zaoferowali odwiedzającym Frieze London swoje „dzieło” „The This Soup Taste Ambivalent” z „radioaktywnymi” korzeniami Fukushimy daikon.
Koki Tanaka: Związek i powtórzenie
W 2015 roku Koki Tanaka otrzymał tytuł Artysty Roku. Tanaka bada wspólne doświadczenie kreatywności i wyobraźni, zachęca do wymiany między uczestnikami projektu i opowiada się za nowymi zasadami współpracy. Jego instalacja w pawilonie japońskim na Biennale w Wenecji w 2013 roku składała się z filmów przedstawiających obiekty zmieniające przestrzeń w platformę wymiany sztuki. Instalacje Koki Tanaki (nie mylić z aktorem, który jest jego pełnym imiennikiem) ilustrują związek między przedmiotami a czynnościami, takimi jak rejestracja wideo prostych gestów wykonywanych zwykłymi przedmiotami (krojenie warzyw nożem, nalewanie piwa do szklanki, otwieranie parasola) . Nie dzieje się nic istotnego, ale obsesyjna powtarzalność i dbałość o najdrobniejsze szczegóły sprawiają, że widz docenia przyziemność.
Mariko Mori i opływowe kształty
Inna współczesna japońska artystka, Mariko Mori, „wyczarowuje” obiekty multimedialne, łącząc filmy, zdjęcia, obiekty. Ma minimalistyczną futurystyczną wizję i eleganckie, surrealistyczne formy. Powracającym tematem w twórczości Maury'ego jest zestawienie zachodniej legendy z zachodnią kulturą. W 2010 roku Mariko założyła Fau Foundation, edukacyjną, kulturalną organizację non-profit, dla której wyprodukowała serię swoich instalacji artystycznych na cześć sześciu zamieszkałych kontynentów. Ostatnio stała instalacja Fundacji, The Ring: One with Nature, została podniesiona nad malowniczym wodospadem w Resende niedaleko Rio de Janeiro.
Ryoji Ikeda: Synteza dźwięku i wideo
Ryoji Ikeda jest artystą nowych mediów i kompozytorem, którego twórczość związana jest głównie z dźwiękiem w różnych „surowych” stanach, od dźwięków sinusoidalnych po szumy wykorzystujące częstotliwości na granicy ludzkiego słuchu. Jego zapierające dech w piersiach instalacje zawierają generowane komputerowo dźwięki, które są wizualnie przekształcane w projekcje wideo lub szablony cyfrowe. Audiowizualne obiekty artystyczne Ikedy wykorzystują skalę, światło, cień, głośność, dźwięki elektroniczne i rytm. Słynny obiekt testowy artysty składa się z pięciu projektorów, które oświetlają obszar o długości 28 metrów i szerokości 8 metrów. Urządzenie konwertuje dane (tekst, dźwięki, zdjęcia i filmy) na kod kreskowy i binarne wzory zer i jedynek.
Tatsuo Miyajima i liczniki LED
Współczesny japoński rzeźbiarz i montażysta Tatsuo Miyajima wykorzystuje w swojej sztuce obwody elektryczne, wideo, komputery i inne gadżety. Główne koncepcje Miyajimy są inspirowane ideami humanistycznymi i naukami buddyjskimi. Liczniki LED w jego konfiguracji migają nieprzerwanie w powtórzeniach od 1 do 9, symbolizując podróż od życia do śmierci, ale unikając ostateczności reprezentowanej przez 0 (zero nigdy nie pojawia się w pracy Tatsuo). Wszechobecne liczby w siatkach, wieżach i diagramach wyrażają zainteresowanie Miyajimy ideami ciągłości, wieczności, połączenia oraz przepływu czasu i przestrzeni. Nie tak dawno obiekt Miyajima's Arrow of Time był pokazywany na inauguracyjnej wystawie "Incomplete Thoughts Visible in New York".
Nara Yoshimoto i złe dzieci
Nara Yoshimoto tworzy obrazy, rzeźby i rysunki dzieci i psów, tematy odzwierciedlające dziecięcą nudę i frustrację oraz dziką niezależność, która jest naturalna dla małych dzieci. Estetyka prac Yoshimoto przypomina tradycyjne ilustracje książkowe, jest mieszanką niespokojnego napięcia i zamiłowania artysty do punk rocka. W 2011 roku Asian Society Museum w Nowym Jorku gościło pierwszą indywidualną wystawę Yoshitomo zatytułowaną „Yoshitomo Nara: Nobody's Fool”, obejmującą 20-letnią karierę współczesnego japońskiego artysty. Eksponaty były ściśle związane ze światowymi subkulturami młodzieżowymi, ich wyobcowaniem i protestem .
Yayoi Kusama i przestrzeń, która porasta dziwacznymi formami
Niesamowita twórcza biografia Yayoi Kusamy obejmuje siedem dekad. W tym czasie niesamowitej Japonce udało się studiować dziedziny malarstwa, grafiki, kolażu, rzeźby, kina, grawerowania, sztuki środowiskowej, instalacji, a także literatury, mody i projektowania odzieży. Kusama opracowała bardzo charakterystyczny styl grafiki kropkowej, który stał się jej znakiem rozpoznawczym. Iluzoryczne wizje przedstawione w pracach 88-letniej Kusamy - kiedy świat wydaje się pokryty mnożącymi się dziwacznymi formami - są wynikiem halucynacji, których doświadczała od dzieciństwa. Pomieszczenia z kolorowymi kropkami i „niekończącymi się” lustrami odbijającymi ich nagromadzenia są rozpoznawalne, nie sposób ich pomylić z niczym innym.
Malarstwo japońskie jest najstarszą formą sztuki. Obejmuje różne formy, gatunki i różnorodne treści.
malarstwo japońskie jest najstarszą formą sztuki. Obejmuje różne formy, gatunki i różnorodne treści. Sztuka elegancka przedstawia świat obrazami będącymi ekranami, malowidłami ściennymi, jedwabnymi lub papierowymi zwojami, wachlarzami, obrazami sztalugowymi i rycinami.
Malarstwo japońskie wyróżnia się różnorodnością gatunków i stylów. Wiodące miejsce w malarstwie japońskim, a także w literaturze, zajmuje natura. Przedstawiana jest jako strażniczka boskiej zasady. Malarstwo japońskie wywodzi się ze sztuki chińskiej, więc jego gatunki są bardzo podobne do tych z Imperium Niebieskiego. Obecnie wielu japońskich artystów woli studiować w Chinach.
Malarstwo w Japonii ma kilka etapów w swojej historii. Każdy z nich ma swoje własne cechy i cechy szczególne.
Za początkowy etap rozwoju uważa się okres od połowy VII do końca VIII wieku, zwany Nara. W tym okresie pomalowano świątynię Horyuji, co jest doskonałym dowodem wpływu tradycji indyjskiej i chińskiej na kulturę japońską.
Kolejny okres w rozwoju malarstwa japońskiego to tzw hejn. Słynie z aktywnego rozkwitu malarstwa świątynnego i przykładów świeckiej sztuki obrazowej. W tym okresie powstawały ilustracje do powieści i opowiadań, których celem było zabawianie szlachetnych dżentelmenów.
Okres Kamakura(zajmuje okres od końca XII wieku do pierwszej połowy XIV wieku), który zajmował okres od końca XII wieku do pierwszej połowy XIV wieku, charakteryzuje się zmianą stylów , poszukiwanie nowych sposobów przedstawiania życia. Nastrój malarstwa japońskiego zmienia się dramatycznie. Wcześniej obrazy oddawały optymistyczną, lekką i radosną atmosferę. W tym okresie zrobiono duży krok w kierunku realistycznego obrazu, a także nadania obrazowi niemal militarnego charakteru. Charakterystycznymi tematami malarstwa są sceny batalistyczne z mitów i historii, sceny religijne z tradycji buddyjskiej. Obraz portretów ważnych mężów stanu jest powszechny.
W trakcie Muromachi(okres od pierwszej połowy XIV do drugiej połowy XVI wieku) na pierwszy plan wysuwa się nurt, który gloryfikował malarstwo japońskie na całym świecie. Filozofia buddyzmu zen wywarła znaczący wpływ na malarstwo, w wyniku czego pejzaż zyskał popularność. Technika monochromatyczna zyskała szczególną elegancję. W tym okresie malarstwo japońskie pozostawało pod wpływem Chin. Najsławniejszy japoński artysta W tym czasie Toyo Oda, który specjalizował się w malowaniu pejzaży, tworzył pierwsze obrazy podróżując po Państwie Środka. Kierunek rozwijał już w domu.
Powyższy nurt był aktywnie rozwijany i uzupełniany w kolejnych dwóch okresach rozwoju malarstwa japońskiego – Monoyama oraz edo. Technika monochromatyczna była bardziej wyrafinowaną opcją. Starannie opracowane i pomalowane szczegóły. Artyści nie bali się eksperymentów i zaczęli stosować techniki stosowane wcześniej w malarstwie na zwojach i parawanach, w malarstwie ściennym. Pejzaże i sceny zbiorowe zaczęto uzupełniać opowieściami psychologicznymi, ukazującymi bohatera w momencie silnego stresu emocjonalnego. Oprócz tradycyjnego malarstwa w Japonii, drzeworyt stał się aktywnie rozpowszechniony. Został on podzielony na dwa rodzaje: rytownictwo teatralne i ryciny pisma codziennego. Najbardziej znanym mistrzem grafiki teatralnej jest Choshusai Syaraku. Grawerowanie życia codziennego było aktywnie rozwijane w pracach Suzuki Harunobu i Kitagawa Utamaro.
Każdy kraj ma swoich bohaterów sztuki współczesnej, których nazwiska są powszechnie znane, których wystawy gromadzą rzesze fanów i ciekawskich, a których prace trafiają do prywatnych kolekcji.
W tym artykule przedstawimy najpopularniejszych współczesnych artystów w Japonii.
Keiko Tanabe
Urodzona w Kioto Keiko jako dziecko wygrała wiele konkursów plastycznych, ale jej wykształcenie wyższe nie było związane ze sztuką. Pracowała w dziale stosunków międzynarodowych japońskiej samorządowej organizacji handlowej w Tokio, dużej kancelarii prawnej w San Francisco i prywatnej firmie konsultingowej w San Diego, dużo podróżowała. Od 2003 roku rzuciła pracę i po nauczeniu się podstaw malarstwa akwarelowego w San Diego poświęciła się wyłącznie sztuce.
Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)
Japońska artystka Ikenaga Yasunari maluje portrety współczesnych kobiet w starożytnej japońskiej tradycji malarstwa, używając pędzla Menso, pigmentów mineralnych, sadzy, tuszu i płótna jako podkładu. Jego bohaterkami są kobiety naszych czasów, ale dzięki stylowi Nihongi można odnieść wrażenie, że przybyli do nas z zamierzchłych czasów.
Abe Toshiyukiego
Abe Toshiyuki jest artystą realistą, który technikę akwareli opanował do perfekcji. Abe można nazwać artystą-filozofem: zasadniczo nie rysuje znanych widoków, preferując kompozycje subiektywne, odzwierciedlające stany wewnętrzne osoby, która je ogląda.
Hiroko Sakai
Kariera artysty Hiroko Sakai rozpoczęła się na początku lat 90. w mieście Fukuoka. Po ukończeniu Seinan Gakuin University i Nihon French School of Interior Design w zakresie projektowania i wizualizacji założyła „Atelier Yume-Tsumugi Ltd.” i z powodzeniem zarządzał tym studiem przez 5 lat. Wiele jej prac zdobi lobby szpitali, biura dużych korporacji i niektóre budynki miejskie w Japonii. Po przeprowadzce do Stanów Zjednoczonych Hiroko zaczęła malować olejami.
Riusuke Fukahori
Trójwymiarowe prace Ryuusuki Fukahori są jak hologramy. Wykonane są z wielu warstw farby akrylowej i przezroczystej żywicy, z których wszystkie, wraz z tradycyjnymi technikami, takimi jak cieniowanie, zmiękczanie krawędzi, kontrola przezroczystości, pozwalają Ryusukiemu tworzyć rzeźbiarskie obrazy i dodawać głębi i realizmu pracy.
Natsuki Otani
Natsuki Otani to utalentowana japońska ilustratorka mieszkająca i pracująca w Anglii.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu jako podstawę swojej pracy wybrał motyw win-win - rysuje koty. Jego obrazy są popularne na całym świecie, zwłaszcza w formie puzzli.
Tetsuya Mishima
Większość obrazów współczesnego japońskiego artysty Mishimy wykonana jest techniką olejną. Od lat 90-tych zawodowo zajmuje się malarstwem, ma na swoim koncie kilka wystaw indywidualnych oraz dużą liczbę wystaw zbiorowych, zarówno japońskich, jak i zagranicznych.
Hokusai, XVIII-wieczny japoński artysta, stworzył oszałamiającą gamę dzieł sztuki. Hokusai pracował dobrze do starości, niezmiennie twierdząc, że „wszystko, co zrobił przed 70 rokiem życia, nie było warte uwagi i nie było warte uwagi”.
Być może najsłynniejszy japoński artysta na świecie, zawsze wyróżniał się na tle innych współczesnych artystów swoim zainteresowaniem codziennością. Zamiast przedstawiać efektowne gejsze i bohaterskich samurajów, Hokusai malował robotników, rybaków, miejskie scenki rodzajowe, które nie były jeszcze przedmiotem zainteresowania sztuki japońskiej. Wziął również europejskie podejście do kompozycji.
Oto krótka lista kluczowych terminów, które pomogą ci trochę poruszać się po pracy Hokusai.
1 Ukiyo-e to grafiki i obrazy popularne w Japonii od XVII do XIX wieku. Trend w sztukach wizualnych Japonii, który rozwinął się od okresu Edo. Termin ten pochodzi od słowa „ukiyo”, co oznacza „zmieniający się świat”. Wickie jest aluzją do hedonistycznych radości rozwijającej się klasy kupieckiej. W tym kierunku Hokusai jest najbardziej znanym artystą.
Hokusai przez całe życie używał co najmniej trzydziestu pseudonimów. Pomimo tego, że używanie pseudonimów było powszechną praktyką wśród ówczesnych artystów japońskich, pod względem liczby pseudonimów znacznie przewyższał innych głównych autorów. Pseudonimy Hokusai są często używane do periodyzacji etapów jego twórczości.
2 Okres Edo to w historii Japonii okres między 1603 a 1868 rokiem, kiedy to nastąpił wzrost gospodarczy i nowe zainteresowanie sztuką i kulturą.
3 Shunrō to pierwszy z aliasów Hokusai.
4 Shunga dosłownie oznacza „obraz wiosny”, a „wiosna” to japoński slang określający seks. Są to więc ryciny o charakterze erotycznym. Tworzyli je najbardziej cenieni artyści, w tym Hokusai.
5 Surimono. Ostatnie „surimono” – jak nazywano te wykonane na zamówienie odbitki – odniosły ogromny sukces. W przeciwieństwie do druków ukiyo-e, które były przeznaczone dla masowego odbiorcy, surimono rzadko były sprzedawane ogółowi społeczeństwa.
6 Góra Fudżi to symetryczna góra, która jest najwyższą w Japonii. Przez lata zainspirowała wielu artystów i poetów, w tym Hokusai, który wyprodukował serię ukiyo-e Trzydzieści sześć widoków na górę Fuji. Ta seria zawiera najsłynniejsze grafiki Hokusai.
7 Japonizm to trwały wpływ, jaki Hokusai wywarł na kolejne pokolenia zachodnich artystów. Japonizm to styl inspirowany jasnymi kolorami nadruków ukiyo-e, brakiem perspektywy i kompozycyjnymi eksperymentami.
