Słynny francuski kompozytor to Paul Mauriat. kompozytorzy francuscy

Jego urzekające, magiczne melodie przenosiły w nieznany, niezrównany świat muzyki i niepowtarzalnych dźwięków każdego, kto choć raz je usłyszał. Wielki, niezrównany mistrz w swoim fachu, światowej sławy kompozytor i po prostu wspaniały człowiek, duma Francji – Paul Mauriat na zawsze pozostanie w pamięci ludzi dzięki swojej wspaniałej twórczości.

Mistrz magicznej muzyki

Czy kiedykolwiek zwracałeś uwagę na biografie wielkich osobistości, a mianowicie działania sławnych ludzi, ich charaktery i to, jak te dwa składniki naszego bycia na tej planecie są ze sobą silnie powiązane. Miły i przyzwoity człowiek nigdy nie popełni złego czynu, nigdy nie napisze złej piosenki ani melodii.

Wręcz przeciwnie, dzieła takich ludzi są pozytywne, jakby oświecały i oczyszczały dusze ludzi z wszelkiego rodzaju brudu. Tak jak nikczemni i nieżyczliwi ludzie są gotowi sprowadzić na ten świat tylko negatywność i zniszczenie. I dlatego wpływ ich twórczości na umysły ludzi jest tak niebezpieczny.

Paula Mauriata można śmiało zaliczyć do pierwszej kategorii kreatywnych geniuszy. Człowiek o rzadkiej dobroci, tak czysty pod każdym względem, że czasami wydawało się, iż właśnie oto zabłyśnie nad nim aura świętości.

Tak przynajmniej mówią o nim wszyscy, którzy go dobrze znali, którym pomagał. I wielu pomógł na swojej życiowej drodze, nie zapominając o wspieraniu młodych talentów, które na początku swojej drogi ledwo wiązały koniec z końcem.

Sam Paul urodził się w Marsylii w 1925 roku, dorastał w dość biednej rodzinie. Naukę muzyki zaczął od wczesnego dzieciństwa, nawet w dzieciństwie nie zamienił się na żadne psikusy, jakby od zawsze wiedział, że urodził się do wielkiej muzyki, więc w tym ulotnym życiu musi być jak najbardziej na czasie.

Co zaskakujące, sama Francja przez długi czas nie rozpoznawała swojego bohatera, w każdy możliwy sposób naruszając i utrudniając kompozytorowi jego twórczość. Pawłowi nie było łatwo przebić się w swoim ukochanym stanie. I dopiero gdy cały świat zaczął o nim mówić, Paryż zawstydził się jego niegodnym zachowaniem, a może po prostu szkoda było stracić dochodowego muzyka.

Nienawiść do Rosji

Francja, Ameryka, Kanada, kraje europejskie, Japonia, Chiny. Być może cały świat został urzeczony najwspanialszymi, melodyjnymi i tak niezwykłymi melodiami Paula Mauriata. Została tylko Rosja. Zimny ​​obóz o trudnym charakterze. Koncert państwowy ZSRR z inicjatywy Sowieckiego Towarzystwa Kulturalnego „ZSRR-Francja”. w 1978 wysłał kompozytorowi zaproszenie z prośbą o poprowadzenie trasy koncertowej - 7 koncertów w Moskwie.

Paweł szczęśliwie się zgodził. Rosja od dawna interesuje tego człowieka, on sam przeszedł przez wiele trudności i trudności, zawsze był bardzo wierny, zarówno w przyjaźni, jak iw życiu rodzinnym.

Zakochał się w swojej żonie od pierwszego wejrzenia i na zawsze. Stało się to dobrym przykładem dla tych, którzy błędnie wierzyli, że prawdziwa miłość nie istnieje, a wierność nie jest dotrzymywana na zawsze.

Paweł wierzył, że Rosja, która wiele w swoim życiu doświadczyła, jest mu bliska charakterem, dlatego tak bardzo chciał grać dla ludzi. Dla prostych, życzliwych, otwartych Rosjan.Jednak jego marzenie się nie spełniło. Sala koncertowa, w której miał się odbyć występ Paula, wypełniona była w większości przez przedstawicieli MSW i służb specjalnych.

Kompozytorowi popsuł się nastrój i po koncercie od razu poleciał do Paryża, nie chcąc ani minuty przebywać w kraju Sowietów, zwłaszcza że płacono mu tylko ruble, które można było wydać na odznaki, gniazdujące lalki, torty i czarnego kawioru. W drodze powrotnej muzycy ledwo się ocierali.

Najważniejszym osobistym osiągnięciem Paula Mauriata była melodia „Chariot”, napisana przez niego pod pseudonimem Del Roma (Del Roma), wraz z przyjaciółmi i współpracownikami – Frankiem Pourcelem, który wykonał aranżację, oraz Raymondem Lefebvre, który zaaranżował melodię . Piosenka zdobyła Grand Prix na Europejskim Konkursie Piosenki Eurowizji w 1962 roku.

Wielki kompozytor i dyrygent Paul Mauriat opuścił nas niestety w 2006 roku. Ale co za błogosławieństwo, że jego muzyka pozostanie z nami na zawsze, nadal zachwycając, oczyszczając i inspirując do dobrych uczynków.

Francuski kompozytor - Paul Mauriat - WIDEO

Paul Mauriat wypracował swój własny styl, który stał się najbardziej unikalny w swojej szerokości i zasięgu – była to muzyka niezwykła, lekka, jasna i zapadająca w pamięć. Posłuchaj jego muzyki.

Wśród tych melodii jest motyw na każdy nastrój: romantyczny, pozytywny lub ponury, aby się zrelaksować i nie myśleć o niczym lub odwrotnie, zebrać myśli.

Włoski kompozytor i pianista porusza się w kierunku minimalizmu, często zwraca się ku ambientowi i umiejętnie łączy muzykę klasyczną z innymi stylami muzycznymi. Szerokim kręgom znany jest z nastrojowych kompozycji, które stały się ścieżkami dźwiękowymi do filmów. Na przykład z pewnością rozpoznasz muzykę z francuskiej taśmy „1 + 1” autorstwa Einaudi.

Glass to jedna z najbardziej kontrowersyjnych osobowości w świecie współczesnej klasyki, która jest albo chwalona pod niebiosa, albo krytykowana do dziewiątek. Ze swoim Philip Glass Ensemble jest związany od pół wieku i napisał muzykę do ponad 50 filmów, w tym Truman Show, Iluzjonista, Smak życia i Fantastyczna Czwórka. Melodie amerykańskiego kompozytora minimalistycznego zacierają granicę między muzyką klasyczną a popularną.

Autor wielu ścieżek dźwiękowych, najlepszy kompozytor filmowy 2008 roku według Europejskiej Akademii Filmowej i post-minimalista. Urzekł krytyków od pierwszego albumu Memoryhouse, w którym muzyka Richtera została nałożona na odczyty poezji, a kolejne albumy również wykorzystywały fikcyjną prozę. Oprócz pisania własnych kompozycji ambientowych, aranżuje utwory klasyczne: The Four Seasons Vivaldiego znalazł się na szczycie list przebojów muzyki klasycznej iTunes w jego aranżacji.

Ten twórca muzyki instrumentalnej z Włoch nie jest kojarzony z kinem sensacyjnym, ale dał się już poznać jako kompozytor, wirtuoz i doświadczony pedagog gry na fortepianie. Jeśli opisać muzykę Marradi w dwóch słowach, to będą to słowa „zmysłowy” i „magiczny”. Miłośnikom klasyki retro przypadną do gustu jego kreacje i okładki: w motywach widać nuty minionego stulecia.

Słynny kompozytor filmowy stworzył akompaniament muzyczny do wielu kasowych filmów i kreskówek, w tym Gladiator, Pearl Harbor, Incepcja, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagaskar, Król Lew. Jego gwiazda pyszni się na Hollywood Walk of Fame, a na jego półce są Oscary, Grammy i Złote Globy. Muzyka Zimmera jest tak różnorodna jak te filmy, ale bez względu na ton, uderza w akord.

Hisaishi jest jednym z najsłynniejszych japońskich kompozytorów, zdobywcą czterech Nagród Japońskiej Akademii Filmowej za najlepszą muzykę filmową. Zasłynął z napisania ścieżki dźwiękowej do anime Nausicaä z Doliny Wiatru Hayao Miyazakiego. Jeśli jesteś fanem taśm Studia Ghibli czy Takeshiego Kitano, z pewnością zachwycisz się muzyką Hisaishiego. Jest to głównie światło i światło.

Ten islandzki multiinstrumentalista jest tylko chłopcem w porównaniu z wymienionymi mistrzami, ale przed trzydziestką zdążył już zostać uznanym neoklasykiem. Nagrał akompaniament do baletu, zdobył nagrodę BAFTA za ścieżkę dźwiękową do brytyjskiego serialu „Morderstwo na plaży” i wydał 10 albumów studyjnych. Muzyka Arnaldsa przypomina ostry wiatr na opustoszałym wybrzeżu.

Najbardziej znane dzieła Lee Ru Ma to Kiss the Rain i River Flows in You. Koreański kompozytor i pianista New Age pisze popularne klasyki, które są zrozumiałe dla słuchaczy na każdym kontynencie, niezależnie od gustu muzycznego i wykształcenia. Jego lekkie i zmysłowe melodie stały się dla wielu początkiem miłości do muzyki fortepianowej.

Dustina O'Hallorana

Amerykański kompozytor jest interesujący, ponieważ nie ma wykształcenia muzycznego, ale jednocześnie pisze najprzyjemniejszą i dość popularną muzykę. Melodie O'Hallorana zostały wykorzystane w Top Gear i kilku filmach. Chyba najbardziej udanym albumem ze ścieżką dźwiękową był melodramat Like Crazy.Ten kompozytor i pianista wie dużo o sztuce dyrygowania i tworzeniu muzyki elektronicznej. Ale jego główną dziedziną jest nowoczesna klasyka. Cacchapalla nagrał wiele albumów, w tym trzy z Royal Philharmonic Orchestra. Jego muzyka płynie jak woda, pod nią wspaniale się relaksuje.

Jakich innych współczesnych kompozytorów warto posłuchać

Jeśli lubisz epopeję, dodaj Klausa Badelta, który pracował z Zimmerem przy Piratach z Karaibów, do swojej playlisty. Nie można też pominąć Jana Kaczmarka, Alexandre'a Desplata, Howarda Shore'a i Johna Williamsa - trzeba by napisać osobny artykuł, żeby wymienić wszystkie ich prace, zasługi i nagrody.

Jeśli chcesz więcej pysznego neoklasycyzmu, zwróć uwagę na Nielsa Frama i Sylvaina Chauveau.

Jeśli nie masz dość, przypomnij sobie twórcę ścieżki dźwiękowej do „Amelie” Jana Tiersena lub odkryj japońskiego kompozytora Tammona: pisze zwiewne, oniryczne melodie.

Muzykę jakich kompozytorów lubisz, a których nie? Kogo jeszcze dodalibyście do tej listy?

Jean-Philippe Rameau to popularny kompozytor z Francji, znany ze swoich muzycznych eksperymentów. Był znany w całej Europie, służył jako nadworny kompozytor króla Francji. Do historii world music wszedł jako teoretyk nurtu baroku, twórca nowego stylu operowego. W tym artykule opowiemy o jego szczegółowej biografii.

Biografia kompozytora

Jean-Philippe Rameau urodził się w 1683 r. Urodził się we francuskim mieście Dijon.

Jego ojciec był organistą, więc chłopiec został wprowadzony do muzyki od dzieciństwa. W rezultacie nauczył się nut, zanim nauczył się alfabetu. Jean-Philippe Rameau kształcił się w szkole jezuickiej. Jego rodzice mocno wspierali jego pasję do muzyki. Dlatego też, gdy tylko skończył 18 lat, został wysłany do Włoch, aby doskonalić swoją edukację muzyczną. Jean-Philippe Rameau studiował w Mediolanie.

Po powrocie do ojczyzny podjął najpierw pracę jako skrzypek w orkiestrze w mieście Montpellier, następnie poszedł w ślady ojca, rozpoczynając pracę jako organista. Stale występował w Lyonie, swoim rodzinnym Dijon, Clermont-Ferrand.

W 1722 r. Jean-Philippe Rameau, którego biografia znajduje się w tym artykule, ostatecznie osiedlił się w Paryżu. Zaczął komponować muzykę dla stołecznych teatrów. Warto zauważyć, że pisał nie tylko dzieła świeckie, ale także duchowe. W 1745 został nadwornym kompozytorem Ludwika XV Ukochanego.

Najbardziej znane prace

Świeckie prace przyniosły sławę bohaterowi naszego artykułu. Jean-Philippe Rameau stworzył wiele utworów na klawesyn, które stały się tak popularne w XX wieku, że zaczęto je nawet grać i uczyć się w dziecięcych szkołach muzycznych. Również wśród jego dzieł warto wymienić aż pięć koncertów na skrzypce, klawesyn i altówkę, utworów charakterystycznych, wyróżniających się żywym i zapadającym w pamięć stylem.

Kompozytor ma też dzieła duchowe. Przede wszystkim są to trzy łacińskie motety, czyli polifoniczne utwory wokalne, które były niezwykle popularne w średniowieczu w Europie Zachodniej, nie straciły na aktualności w renesansie.

Wśród popularnych sztuk Rameau należy zwrócić uwagę na dzieła „Kurczak”, „Tamburyn”, „Młoty”, „Dauphine”, „Apel ptaków”.

Eksperymenty muzyczne

Obecnie Ramo jest znany przede wszystkim jako odważny muzyczny eksperymentator. Szczególnie często eksperymentował przy pisaniu utworów na klawesyn. Rameau eksperymentował z rytmem, harmonią i fakturą. Współcześni bezpośrednio nazywali jego warsztat twórczym laboratorium.

Przykład sztuk „Cyclopes” i „Savages” jest orientacyjny. W nich Rameau udało się osiągnąć niesamowity dźwięk dzięki niezwykłemu rozmieszczeniu trybu tonalnego. Było to dość pomysłowe i niezwykłe jak na twórczość muzyczną tamtych czasów. W spektaklu „Enharmonic” Rameau jako jeden z pierwszych na świecie zastosował modulacje enharmoniczne, to znaczy użył dźwięków, akordów, interwałów i tonacji, które pokrywały się wysokością, a jednocześnie zachowywały różną pisownię.

Instrumentem Jean-Philippe'a Rameau są organy. Wielokrotnie też z nim eksperymentował, uzyskując zasadniczo nowe brzmienie.

Nowy styl operowy

Jean-Philippe Rameau stworzył nowy styl operowy. Z tego jest najbardziej znany wśród współczesnych. Można to ocenić na podstawie najsłynniejszych tragedii muzycznych autora. Na przykład jest to Hipolit i Arizja.

To jego pierwsza opera, do której libretto napisał Simon Joseph Pellegrin. Opera oparta jest na słynnej tragedii Racine'a "Fedra", która z kolei została napisana na podstawie tragedii "Hipolit" Eurypidesa i "Fedra" Seneki.

Co ciekawe, była to jedyna opera Rameau, która nie cieszyła się popularnością wśród publiczności. Ale wywołał też żywe kontrowersje. Zwolennicy tradycji operowych uważali, że okazała się ona zbyt skomplikowana i sztuczna. Zwolennicy muzyki Rameau sprzeciwiali się im na wszelkie możliwe sposoby.

Warto zauważyć, że Rameau napisał swoją pierwszą operę, gdy miał prawie 50 lat. Wcześniej znany był jako autor prac z zakresu teorii muzyki oraz zbiorów łatwych utworów na klawesyn. Sam Rameau przez wiele lat pracował nad stworzeniem wielkiego dzieła godnego Królewskiej Opery, ale nie mógł znaleźć pisarza, który pomógłby mu zrealizować ten plan. Dopiero znajomość z opatem Pellegrinem, znanym już wówczas jako autor libretta do opery Jefteja, uratowała sytuację.

Pellegrin zgodził się na współpracę, ale według plotek zażądał od Rameau weksla na wypadek niepowodzenia prac. Jedną z głównych innowacji, jakie kompozytor zastosował w tej operze, były powiązania, jakie powstały między uwerturami a treścią samej opery. Udało mu się więc zilustrować konfrontację między głównymi bohaterami dzieła – Hipolitą i Fedrą.

Rameau kontynuował pracę nad stworzeniem nowego stylu operowego w operach Castor i Pollux, operze-balet The Gallant Indias, utworach Dardanus, Hebe's Celebrations, czy Lyrical Gifts, Naida, Said, Zoroaster, „Boready”, komedia liryczna „Płyta”. Większość oper została po raz pierwszy wystawiona w Operze Paryskiej.

Dziś niezwykle popularne stało się siedem kantat, które nigdy nie zostały opublikowane za jego życia. Często chórzyści wykonują też jego „Hymn nocy”. To prawda, że ​​\u200b\u200bostatnio okazało się, że nie jest to dzieło Rameau, ale późniejsza adaptacja tematu z opery Hipolit i Aricia autorstwa Noyona.

Traktaty o teorii muzyki

Swego czasu Rameau zasłynął jako wybitny teoretyk muzyki, dzięki któremu francuska muzyka klasyczna i opera poszły daleko do przodu. W 1722 r. opublikował słynny „Traktat o harmonii sprowadzonej do jej naturalnych zasad”.

Cieszył się też i nadal wzbudza zainteresowanie wśród specjalistów swoją pracą nad sposobami akompaniamentu na klawesynie i organach, badaniem genezy harmonii, demonstracją jej podstaw, obserwacją upodobań muzycznych człowieka.

W 1760 r. jego traktat „Prawa muzyki praktycznej” wywołał długie dyskusje.

Uznanie kompozytora

Po śmierci kompozytora szybko o nim zapomniano, gdyż Rameau zastąpił jeszcze odważniejszy reformator Christophe Gluck, który stworzył z gruntu nową operę. Przez prawie cały XIX wiek dzieła Rameau nie były wykonywane. Jego muzykę uważnie studiowali tylko sami kompozytorzy. Na przykład Richard Wagner i

Dopiero na początku XX wieku twórczość Rameau zaczęła powracać na scenę. dziś stał się uznanym geniuszem muzyki francuskiej, jedną z najbardziej wpływowych postaci połowy XVIII wieku.

Krater na planecie Merkury został nawet nazwany imieniem kompozytora.

krótki życiorys

Hector Berlioz urodził się 11 grudnia 1803 roku we wschodniej Francji w miejscowości La Côte – Sainte-André. Był pierwszym dzieckiem w rodzinie miejscowego lekarza, który wszechstronnie wychował syna, zaszczepiając w nim zainteresowania, także muzyczne.

Jako dziecko Hector opanował grę na flecie i gitarze, wtedy powstały jego pierwsze romanse. W 1821 wyjechał do Paryża na studia, ale wcale nie do konserwatorium, ale do Szkoły Medycznej, gdyż ojciec widział w nim następcę dynastii lekarskiej. Jednak uczeń Berlioza nie był zainteresowany badaniami medycznymi, ale był zniesmaczony. Ujście znalazł w Operze Paryskiej, gdzie zainspirowały go talenty Glucka i Spontiniego. Zaczął studiować partytury swoich ulubionych oper, napisał artykuł w czasopiśmie i ponownie zajął się pisaniem. Od 1823 roku młody człowiek pobiera prywatne lekcje kompozycji i zajmuje się samokształceniem.

W 1824 roku Hector opuścił Szkołę Lekarską, aby zająć się muzyką na pełny etat. Rodzice bardzo negatywnie odnieśli się do tego kroku, ojciec znacznie ograniczył jego treść, a młody autor publicznie wykonywanej „Mszy uroczystej” zmuszony był zarabiać na życie śpiewaniem w chórze. W 1826 roku Berlioz wstąpił do Konserwatorium Paryskiego, które ukończył w roku swego absolutnego triumfu Symfonią fantastyczną. W tym samym czasie otrzymał także prestiżową Nagrodę Rzymską, ze środków, z których wyjechał na studia do Włoch. Powrót do Paryża w 1833 roku zwiastowało jej małżeństwo z aktorką Harriet Smithson. Cała rodzina Berliozów była przeciwna temu małżeństwu, z wyjątkiem jego młodszej siostry Adele. Rok później urodził się syn Louis, nazwany na cześć ojca kompozytora.

Pomimo tego, że był aktywny w komponowaniu i dyrygowaniu, główne dochody Berlioza pochodziły z dziennikarstwa i krytyki muzycznej. Dla zarobku objął stanowisko zastępcy, a następnie bibliotekarza Konserwatorium Paryskiego. Prawdziwym ratunkiem przed bankructwem były dwa tournee po Rosji - w 1847 i 1867-68. Pierwsza z nich odbyła się nie bez udziału M.I. Glinka, którego Berlioz poznał jeszcze w Rzymie.

Związek z ekscentrycznym irlandzkim Smithsonem trwał 11 lat, aw 1854 zmarł Harriett. W tym samym roku Berlioz zawarł nowy związek małżeński z piosenkarką Marie-Genevieve Martin, czyli Marie Recio – jak ją nazywano na scenie, z którą kompozytor był w wieloletnim związku. Pod koniec życia Berlioza ścigały go same straty - w 1860 zmarła jego młodsza siostra Adele, w 1862 - żona, w 1864 - w wieku 26 lat zmarła jego ostatnia kochanka Amelie, a w 1867 Berlioz stracił jedyny syn. Po tej stracie sędziwy maestro nigdy nie był w stanie dojść do siebie. Wyjeżdża na trzymiesięczne tournée do Rosji, gdzie zdarzają mu się pierwsze napady padaczkowe. 8 marca 1869 roku umiera w swoim paryskim mieszkaniu.

Film „Śladami Berlioza”

Tradycje francuskiej kultury muzycznej zaczęły powstawać jeszcze przed XV wiekiem. Wiadomo na pewno, że duży wpływ na to miała kultura plemion germańskich i celtyckich zamieszkujących współczesne terytorium Francji. Rozwój muzyki w tym kraju odbywał się w interakcji z twórczością narodów sąsiednich krajów - Włochów i Niemców. Dlatego francuskie dziedzictwo muzyczne okazało się tak barwne i różnorodne.

pochodzenie

Początkowo we Francji do głosu doszła muzyka ludowa, bez której zwykli ludzie nie wyobrażali sobie swojego istnienia. Wraz z nadejściem chrześcijaństwa narodziła się muzyka kościelna, która stopniowo zaczęła się zmieniać pod wpływem ludu.

Najsłynniejszym kompozytorem liturgii tamtych czasów jest Ilarius z prowincji Poitiers. Żył w III wieku i był najmądrzejszym teologiem i nauczycielem kościoła.

Około X wieku popularność zaczęła zdobywać muzyka świecka. Odbywa się na dworach feudalnych, na placach wielkich miast, w klasztorach. Wśród instrumentów znajdują się bęben, flet, tamburyn, lutnia.

XII wiek upłynął pod znakiem otwarcia szkoły muzycznej w Notre Dame, wielkiej paryskiej katedrze. Jej kompozytorzy stali się twórcami nowych gatunków muzycznych (dyrygent, motet).

W XIII wieku najwybitniejszym muzykiem był Adam de la Alle, który na nowo przemyślał twórczość trubadurów, ustępując miejsca prawdziwej sztuce muzycznej. Jego najciekawszym dziełem jest „Gra Robina i Marion”. Stał się autorem zarówno poezji, jak i muzyki do tego spektaklu, wystawianego z powodzeniem na dworze hrabiego Artois.

Ars nova - kierunek muzyki europejskiej, który rozwinął się we Francji, stał się ucieleśnieniem nowych pomysłów muzyków. Głównymi teoretykami tego okresu stali się francuscy kompozytorzy Guillaume de Machaux i Philippe de Vitry. De Vitry napisał akompaniament muzyczny do wiersza „Romans z Fauvel”, de Machaux został autorem „Mszy Notre Dame”. Jest to pierwszy utwór napisany przez jednego kompozytora, a nie we współpracy z kimś innym.

renesans

Od połowy XV do drugiej połowy XVI wieku muzyka francuska rozwijała się pod wpływem szkoły niderlandzkiej oraz wewnętrznych zmian politycznych, takich jak wojna o zjednoczenie Francji, powstanie scentralizowanego państwa i pojawienie się burżuazja.

Pod wpływem takich kompozytorów jak Gilles Benchois, Josquin Despres, Orlando di Lasso, w sztuce muzycznej Francji formuje się nowa warstwa. Dwór królewski nie stoi z boku. Pojawiają się tam kaplice i zatwierdzają stanowisko głównego intendenta muzyki. Pierwszym był włoski skrzypek Baltazarini di Belgioiso.

Rozkwit narodowej kultury muzycznej przypadł na wiek XVI, kiedy jako gatunek wyróżniał się chanson, znaczącą rolę odgrywała muzyka organowa. Założycielem i ideologiem tego kierunku został Jean Titluz.

Twórczość hugenotów była szeroko rozpowszechniona, co z powodu konfliktów religijnych zostało zepchnięte na dalszy plan. Autorami setek psalmów stali się kompozytorzy francuscy, najwięksi przedstawiciele tej warstwy, Claude Goudimel i Claude Lejeune. Obaj cierpieli podczas nocy św. Bartłomieja.

XVII wiek

Muzyka tego stulecia rozwijała się pod wpływem ustanowionej monarchii absolutnej. Życie dworskie za Ludwika XV słynęło z przepychu i obfitości. Nic więc dziwnego, że wśród innych rozrywek pojawiły się tak ważne gatunki, jak opera i balet.

Kardynał Mazarin opowiadał się za rozwojem sztuki wyrafinowanej. Jego włoskie pochodzenie było powodem spopularyzowania kultury tego kraju we Francji. Pierwsze próby stworzenia opery narodowej podejmuje Elisabeth Jacquet de la Guerre, która w 1694 roku napisała „Kefala i Procris”.

Otwarta w 1671 roku Opera Królewska przedstawiała krajowi wybitnych kompozytorów. Marc-Antoine Charpentier stworzył setki dzieł, w tym opery Zejście Orfeusza do piekieł, Medea i Sąd Parysa. Andre Kampra jest autorem opery-baletu „Gallant Europe”, „Carnival of Venice”, tragedii muzycznych „Ifigenia w Taurydzie”, „Achillesa i Deidamii”.

Wiek XVII to okres kształtowania się francuskiej szkoły klawesynistów. Wśród jego uczestników można wyróżnić Chambonnière i Jean-Henri d'Anglebert.

18 wiek

Życie muzyczne i społeczne w tym stuleciu zmienia się diametralnie. Działalność koncertowa wykracza poza boisko. Od 1725 r. w teatrach odbywały się regularne publiczne koncerty. W Paryżu powstały towarzystwa „Koncerty Amatorskie” i „Przyjaciele Apolla”, gdzie amatorzy mogli cieszyć się wykonywaniem muzyki instrumentalnej.

Suita klawesynowa osiągnęła swój szczyt w latach trzydziestych XX wieku. Francois Couperin napisał ponad 250 utworów na klawesyn i zasłynął nie tylko w rodzinnym kraju, ale także za granicą. Ma na swoim koncie także królewskie opery i pracuje na organach.

Dla muzyki XVIII wieku ogromne znaczenie ma twórczość Jeana Philippe'a Rameau, który był nie tylko utalentowanym kompozytorem, ale także wybitnym teoretykiem w swojej dziedzinie. Jego liryczne tragedie Kastor i Polluks, Hipolit i Arizja, balet-opera The Gallant Indias są również poszukiwane przez współczesnych reżyserów.

Prawie wszystkie dzieła muzyczne do połowy XVIII wieku miały charakter kościelny lub mitologiczny. Ale nastrój w społeczeństwie wymagał nowych interpretacji i gatunków. Na tej podstawie popularność zyskała opera buff, która od strony satyrycznej ukazywała wysokie społeczeństwo i władzę królewską. Pierwsze libretta do takich oper napisał Charles Favard.

Duży wpływ na styl operowy i muzyczno-teoretyczne podstawy tego gatunku wywarli kompozytorzy francuscy XVIII wieku.

19 wiek

Wielka Rewolucja Francuska przyniosła istotne zmiany w kulturze muzycznej. Na pierwszy plan wysunęła się wojskowa muzyka dęta. Otwarto specjalne szkoły kształcące muzyków wojskowych. W operze dominowały teraz wątki patriotyczne z nowymi bohaterami narodowymi.

Okres Restauracji charakteryzował się powstaniem romantycznej opery. Najwybitniejszym przedstawicielem tego czasu jest francuski kompozytor Berlioz. Jego pierwszym utworem programowym była „Symfonia fantastyczna”, oddająca przesadną emocjonalność, typowe dla tamtych czasów nastroje. Stał się twórcą symfonii dramatycznej „Romeo i Julia”, uwertury „Król Lear”, opery „Benvenuto Cellini”. W swoim rodzinnym kraju Hector Berlioz był oceniany niejednoznacznie. Wynikało to ze specjalnej ścieżki twórczej, którą wybrał dla siebie. Jego utwory przepełnione są niesamowitymi efektami orkiestrowymi, których kompozytor jako pierwszy francuski muzyk użył.

Połowa XIX wieku to początek rozwoju operetki w kraju. Ale już w latach 70. XIX wieku do głosu doszła muzyka liryczna, ale z tendencjami realistycznymi. Charles Gounod jest uważany za twórcę tego gatunku. Jego opery - Nieświadomy Doktor, Faust, Romeo i Julia - wyrażają wszystkie nowatorskie osiągnięcia kompozytora.

Dziesiątki dzieł znaczących dla kultury francuskiej stworzył żyjący krótko Georges Bizet. Uczył się w konserwatorium od 10 roku życia i od samego początku robił duże postępy. Wygrał kilka znaczących konkursów muzycznych, co pozwoliło muzykowi wyjechać na kilka lat do Rzymu. Po powrocie do Paryża Georges Bizet rozpoczął pracę nad operą swojego życia, Carmen. Jego premiera miała miejsce w 1875 roku. Opinia publiczna nie zaakceptowała i nie zrozumiała tej pracy. Kompozytor zmarł w tym samym roku, nie doczekawszy triumfu „Carmen”.

W ostatnich latach XIX wieku kompozytorzy francuscy tworzyli pod wpływem kompozytorów niemieckich, zwłaszcza Richarda Wagnera.

XX wiek

Nowy wiek upłynął pod znakiem rozprzestrzeniania się impresjonizmu w kulturze muzycznej. Zwolennikami tego stylu stali się wielcy kompozytorzy francuscy. Najjaśniejszy był K. Debussy. Wszystkie główne cechy charakterystyczne dla tego kierunku znalazły odzwierciedlenie w jego pracy. Estetyka impresjonizmu nie odstawała od innego Francuza. Maurice Ravel w swoich pracach mieszał różne trendy stylistyczne swoich czasów.

Wiek XX to okres powstawania stowarzyszeń twórczych, których członkami byli artyści. Słynna „francuska szóstka”, utworzona pod przewodnictwem Erica Satie i Jeana Cocteau, stała się najpotężniejszym środowiskiem kompozytorskim tamtych czasów.

Stowarzyszenie ma swoją nazwę ze względu na analogię z Rosyjskim Związkiem Kompozytorów - Potężną Garstką. Połączyła ich chęć oderwania się od obcych wpływów (w tym przypadku niemieckich) i rozwijania narodowej warstwy tej sztuki.

Do stowarzyszenia należeli Louis Duray („Ofiary liryczne”, „Autoportrety”), Darius Milhaud (opera „Guilty Mother”, balet „Stworzenie świata”), Arthur Honegger (opera „Judith”, balet „Shota Rustaveli”) , Georges Auric (muzyka do filmów „Księżniczka Kleve”, „Rzymskie wakacje”), Francis Poulenc (opera „Dialogi karmelitów”, kantata „Bal maskowy”) i Germaine Taifer (opera „Mała Syrenka”, balet „Sprzedawca ptaków”).

W 1935 roku narodziło się kolejne stowarzyszenie – „Młoda Francja”. Jego uczestnikami byli Olivier Messiaen (opera „Św. Franciszek z Asyżu”), Andre Jolivet (balet „Piękna i Bestia”, „Ariadna”).

Taki nowy nurt, jakim była awangarda muzyczna, pojawił się po 1950 roku. Jego błyskotliwym przedstawicielem i inspiratorem był Pierre Boulez, który studiował u Messiaena. W 2010 roku znalazł się w pierwszej dwudziestce najlepszych dyrygentów świata.

Rozwojowi sztuki współczesnej we Francji sprzyjała pionierska twórczość takich filarów muzyki akademickiej, jak Debussy i Ravel.

Debussy'ego

Achille-Claude Debussy, urodzony w Saint-Germain-en-Laye, od wczesnego dzieciństwa odczuwał głód piękna. Już w wieku 10 lat wstąpił do Konserwatorium Paryskiego. Nauka była dla niego łatwa, chłopiec wygrał nawet mały wewnętrzny konkurs. Ale Claude był obciążony zajęciami w harmonii, ponieważ nauczyciel był nieprzyjazny eksperymentom chłopca z dźwiękami.

Po przerwaniu studiów Claude Debussy udał się na wycieczkę z ziemianinem z Rosji, N. von Meckiem, jako pianista house. Czas spędzony na rosyjskiej ziemi miał korzystny wpływ na Claude'a. Lubił twórczość Czajkowskiego, Bałakiriewa i innych kompozytorów.

Po powrocie do Paryża Debussy kontynuował naukę w konserwatorium i pisał. Wciąż rozwija swój własny styl. Punktem zwrotnym w życiu Claude'a była znajomość z E. Satie, który swoimi nowatorskimi pomysłami wskazał drogę początkującemu kompozytorowi.

Dojrzały styl Debussy'ego ostatecznie ukształtował się w 1894 roku, kiedy napisał słynne symfoniczne preludium Popołudnie fauna.

Węzeł

Maurice Ravel urodził się na południu Francji, ale w młodym wieku przeniósł się do Paryża, aby uczyć się swojej pasji. Jego nauczycielem był francuski kompozytor-pianista Charles de Bériot.

Podobnie jak w przypadku Debussy'ego, na Maurice'a wielki wpływ miało spotkanie z Erikiem Satie. Po niej Ravel z zapałem zaczęła komponować, inspirowana przemówieniami i pomysłami kompozytora.

Jeszcze w czasie studiów w konserwatorium Ravel napisał szereg utworów o motywach hiszpańskich („Habanera”, „Stary menuet”), które zostały ciepło przyjęte przez kolegów muzyków. Jednak styl kompozytora spłatał mu kiedyś okrutnego figla. Ravel nie została dopuszczona do udziału w konkursie o prestiżową nagrodę rzymską, powołując się na ograniczenia wiekowe. Ale kompozytor nie miał jeszcze 30 lat i mógł zgodnie z regulaminem zgłosić swoją kompozycję. W 1905 roku wybuchł z tego powodu w świecie muzycznym ogromny skandal.

Po pierwszej wojnie światowej, do której Ravel zgłosił się na ochotnika, zasada emocjonalna została uznana za główną w jego pracach. To wyjaśnia nagłe przejście od pisania oper do kompozycji instrumentalnych (suita „Grobowiec Couperina”). Współpracuje także z Siergiejem Diagilewem i pisze muzykę do baletu Daphnis i Chloe.

W tym samym czasie kompozytor rozpoczyna pracę nad swoim najważniejszym dziełem – „Bolero”. Muzyka została ukończona do 1928 roku.

Ostatnim dziełem Maurice'a Ravela były "Trzy pieśni" napisane dla Fiodora Chaliapina.

Legranda

Dla rosyjskiej publiczności nazwisko jednego z francuskich kompozytorów brzmi bardzo znajomo. To Michel Legrand, który stworzył muzykę do kultowych filmów.

Michel Jean urodził się w rodzinie dyrygenta i pianisty. Od dzieciństwa chłopiec fascynował się sztuką muzyczną, dlatego wstąpił do Konserwatorium Paryskiego. Po ukończeniu studiów wyjechał do Stanów Zjednoczonych, gdzie zaczął pisać muzykę do filmów.

We Francji współpracował ze znanymi reżyserami Jeanem-Lucem Godardem i Jacquesem Demy. Jego najpopularniejszym dziełem jest muzyka do filmu „Parasolki z Cherbourga”.

Pisał muzykę jazzową. Od lat 60. pracuje w Hollywood. Do słynnych dzieł kompozytora należy muzyka do „The Thomas Crown Affair”, „The Other Side of Midnight”. Michel Legrand to trzykrotny zdobywca Oscara.

21 wiek

Muzyka akademicka jest nadal poszukiwana we Francji. Nie licząc wszystkich festiwali i ustanowionych nagród za osiągnięcia w tej dziedzinie. W Paryżu, który jest kulturalnym centrum kraju, znajdują się Konserwatorium Narodowe, Opera Bastille, Opera Garnier, Teatr Pól Elizejskich. Istnieją dziesiątki orkiestr znanych na całym świecie.

Muzyka kompozytorów francuskich staje się znana szerokiej publiczności dzięki kinu. Oprócz muzyki operowej i symfonicznej piszą także do filmów. Są to głównie utwory dla francuskiego przemysłu filmowego, ale niektórzy kompozytorzy wychodzą również za granicę. Żyjący francuscy kompozytorzy XXI wieku odnoszący największe sukcesy to:

1. Antoine Duhamel („Skradzione pocałunki”, „Pełen wdzięku wiek”).
2. Maurice Jarre („Doktor Żywago”, „Spacer w chmurach”).
3. Władimir Kosma ("Pick z parasolką", "Tatuś").
4. Bruno Coulet („Belphegor-duch z Luwru”, „Chórzyści”).
5. Louis Aubert (opery „Błękitny las”, „Urocza noc”).
6. Philippe Sarde („Córka D. Artagnana”, „Księżniczka de Montpensier”).
7. Eric Serra (ścieżki dźwiękowe do Leona, Joanny d'Arc, Piątego elementu).
8. Gabriel Yared („Angielski pacjent”, „Zimna góra”).