(de aici și numele specific). Mai târziu, „simfonic” a început să fie numit în general orice muzică pentru o anumită compoziție instrumentală – inclusiv cea creată de compozitorii școlilor naționale mondiale.

YouTube enciclopedic

• 1 / 5

  Orchestra simfonică este formată din instrumente a căror istorie este indisolubil legată de istoria muzicii din Europa de Vest. Muzica care este scrisă pentru o orchestră simfonică (numită și „simfonică”) ține seama de obicei de stilul (specificitatea genului, limbajul muzical, până la limitările impuse de caracteristicile de design ale acestui instrument) care s-a dezvoltat în cadrul muzicii europene. cultură.

  Baza orchestrei simfonice este alcătuită din patru grupe de instrumente: coarde înclinate, suflate din lemn și alamă, percuție. În unele cazuri, în orchestră sunt incluse și alte instrumente (în primul rând, harpa, precum și pianul, orga, celesta, clavecinul).

  Orchestra de dimensiune completă necesară pentru a interpreta unele dintre marile lucrări ale secolelor XIX și XX poate include până la 110 muzicieni. Orchestrele mici pot fi formate din cel mult cincizeci de interpreți: astfel de grupuri fie lucrează în orașe mici în care existența unei orchestre la scară largă nu este fezabilă din punct de vedere economic, fie sunt specializate în interpretarea muzicii anterioare concepute pentru ansambluri mici și lucrări destinate compozitorilor. pentru mai multă muzică de cameră. și poate fi apelat orchestre de cameră. Uneori, numărul de instrumente de suflat reprezentat în el este folosit pentru a indica mărimea orchestrei: compoziția orchestrei, în care cântă doi flautisti, doi oboiști (există și două țevi, iar cornul poate fi una sau două perechi) , etc., se numește pereche, compoziția cu trei flautisti etc. - triplu. Într-o compoziție triplă, varietatea sa se adaugă la o pereche de instrumente de suflat de bază: pentru flaut - un flaut piccolo, pentru oboi - un corn englezesc, pentru clarinet - clarinet bas, pentru fagot - contrafagot. În același timp, un interpret pe aceste tipuri de instrumente le poate combina cu tipul principal, adică un flautist-piccolo poate cânta și la al treilea flaut, un interpret la corn englezesc - la al treilea oboi etc. Cu o creștere suplimentară a compoziției (cvadruple, cinci) în grupuri de instrumente de suflat din lemn pot fi adăugate flaut alto, clarinet mic (piccolo) în Es, oboe d'amour, iar în grupuri de instrumente de suflat din alamă - tubele Wagner (corn), trompeta bas sau trompeta piccolo, diferite tipuri de tube bas, chimbasso.

  Originile orchestrei simfonice pot fi urmărite până la producția de muzică instrumentală europeană din secolul al XVI-lea, legând istoria acesteia cu îmbunătățirea instrumentelor cu coarde. În epoca barocului, orchestra nu putea fi imaginată fără un clavecin, care includea adesea o lăută, mandoline. Compoziția „clasică” a orchestrei simfonice s-a format în partiturile lui L. van Beethoven și este numită „beethoveniană” în literatura muzicologică. Această orchestră, pe lângă instrumentele cu coarde cu arc, care ocupa o poziție de lider în ea - viori, viole, violoncel și contrabas (așa-numitul cvintet cu arc, deoarece viorile sunt împărțite în prima și a doua), - a inclus compoziții pereche de instrumente de suflat din lemn (2 flaute, 2 oboi, 2 clarinete și 2 fagoți) și un grup de suflat alamă (2, 3 sau 4 corni și 2 trâmbițe); percuția erau reprezentate de timpani.

  În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, orchestra „Beethoven” era deja clasificată ca o mică simfonie; marea compoziție a orchestrei, care a fost inițiată și de Beethoven, în Simfonia a IX-a (1824), se deosebea de cea mică nu numai prin compoziția extinsă a fiecărei secțiuni, ci și prin unele instrumente suplimentare: un flaut mic, contrafagot, În ea au apărut tromboni, triunghi, chimvale și tobă. Mai târziu, în epoca romantismului, în orchestra simfonică au apărut harpe, tube, cor anglais, clopote. Deja în anii 40 ai secolului al XIX-lea, orchestra Operei din Berlin, dacă era necesar, putea oferi o compoziție de 14 viori întâi și 14 secunde, 8 viole, 10 violoncel, 8 contrabasuri, câte 4 din lemn și alamă. instrumente, timpane, tobă, chimvale și 2 harpe. Berlioz, într-un tratat de instrumentare, a descris o orchestră și mai mare, care era necesară pentru interpretarea propriilor partituri. Un număr și mai mare de instrumente include Orchestra Wagner.

  De-a lungul rampei sunt viori prima (stânga) și violoncel (dreapta). Viorile a 2-a stau în spatele primei, violele stau în spatele violoncelilor din dreapta. Contrabasurile sunt în spatele violoncelilor. În mijlocul scenei sunt două rânduri de instrumente de suflat din lemn (flaute, oboi și clarinete, fagoturi). În spatele lor se află instrumente de alamă - trompete, coarne, tromboane și tubă. Instrumentele de percuție sunt situate cel mai departe de ascultător - de la marginea stângă până la centrul scenei, unde sunt de obicei amplasate timpanii. Harpele sunt pe partea stângă a dirijorului.

  scaune germane se deosebește prin faptul că violoncelul își schimbă locul cu 2 viori, iar contrabasul - în stânga. Instrumentele de alamă se deplasează spre dreapta, în adâncurile scenei, iar coarnele se deplasează spre stânga. Tobele cu acest aspect sunt situate mai aproape de aripile drepte.

  Dirijorul decide cum să așeze orchestra.

  Orchestra simfonică este formată din trei grupe de instrumente muzicale: coarde (viori, viole, violoncel, contrabas), suflate (alama și lemn) și un grup de instrumente de percuție. Numărul de muzicieni în grupuri poate varia în funcție de piesa interpretată. Adesea compoziția unei orchestre simfonice este extinsă, se introduc instrumente muzicale suplimentare și atipice: harpă, celesta, saxofon etc. Numărul muzicienilor unei orchestre simfonice în unele cazuri poate depăși 200 de muzicieni!

  În funcție de numărul de muzicieni în grupuri, se disting o orchestră simfonică mică și una mare; printre varietățile de mici, există orchestre de teatru care participă la acompaniamentul muzical al operelor și baletelor.

  Cameră

  O astfel de orchestră diferă de o simfonie printr-o compoziție semnificativ mai mică de muzicieni și o varietate mai mică de grupuri de instrumente. În orchestra de cameră a fost redus și numărul de instrumente de suflat și percuție.

  Şir

  Această orchestră este formată numai din instrumente cu coarde cu arc - vioară, violă, violoncel, contrabas.

  Vânt

  Compoziția fanfarei include o varietate de instrumente de suflat - lemn și alamă, precum și un grup de instrumente de percuție. Fanfara include, alături de instrumente muzicale caracteristice unei orchestre simfonice (flaut, oboi, clarinet, fagot, saxofon, trompetă, corn, trombon, tubă) și instrumente specifice (alto, tenor, bariton, eufoniu, flugelhorn, sousafon). și etc.), care nu se găsesc în alte tipuri de orchestre.

  În țara noastră, fanfarele militare sunt foarte populare, interpretând, alături de compoziții pop și jazz, muzică militară aplicată specială: fanfare, marșuri, imnuri și așa-numitul repertoriu de grădină și parc - valsuri și marșuri vechi. Fanfarele sunt mult mai mobile decât trupele simfonice și de cameră, pot cânta muzică în timp ce se mișcă. Există un gen special de interpretare - un defileu orchestral, în care interpretarea muzicii de către o fanfară este combinată cu interpretarea simultană a unor spectacole coregrafice complexe ale muzicienilor.

  În marile teatre de operă și balet, puteți găsi fanfare speciale - formații de teatru. Bandele participă direct la producția de scenă în sine, unde, conform intrigii, muzicienii sunt personaje care joacă.

  Pop

  De regulă, aceasta este o compoziție specială a unei mici orchestre simfonice (orchestră simfonică variată), care include, printre altele, un grup de saxofoane, clape specifice, instrumente electronice (sintetizator, chitară electrică etc.) și un ritm pop. secțiune.

  Jazz

  O orchestră (formație) de jazz este formată, de regulă, dintr-un grup de suflat, care include grupuri de trompete, tromboane și saxofoane extinse față de alte orchestre, un grup de coarde, reprezentat de viori și contrabas, precum și un ritm de jazz. secțiune.

  Orchestra de instrumente populare

  Una dintre variantele ansamblului popular este orchestra de instrumente populare rusești. Este format din grupuri de balalaikă și domra, include gusli, acordeoane cu butoni, instrumente speciale de suflat rusești - corn și zhaleika. Astfel de orchestre includ adesea instrumente tipice unei orchestre simfonice - flaut, oboi, corn și instrumente de percuție. Ideea creării unei astfel de orchestre a fost propusă de jucătorul de balalaika Vasily Andreev la sfârșitul secolului al XIX-lea.

  Orchestra de instrumente populare rusești nu este singurul tip de ansambluri populare. Există, de exemplu, orchestre scoțiene de cimpoi, orchestre de nuntă mexicane, în care se află un grup de diverse chitare, trompete, percuții etnice etc.

  Instrumente orchestrei simfonice

  „Invitații orchestrei”

  LA Orchestra simfonica există instrumente care sună în unele lucrări, dar în altele s-ar putea să nu fie, așa că uneori sunt numite „ invitații orchestrei ". Acestea includ pian, clavecin, orgă și altele. Să aruncăm o privire mai atentă la unele dintre ele.

  Instrumente de percuție ale unei orchestre simfonice

  Instrumente de percutie sunt cele mai vechi instrumente muzicale. Inițial, au apărut, desigur, în muzica populară. Și doar mulți ani mai târziu, au apărut instrumente muzicale profesionale, care fac parte dintr-una dintre cele patru grupuri ale orchestrei simfonice. Puteți cânta o melodie pe unele instrumente de percuție (să le numim melodice). Acestea includ clopote, xilofon, celesta și altele.

  Al doilea grup include instrumentele de zgomot (tobă, tobă bas, castagnete, tamburin și altele).

  Acest grup nu este dominant într-o orchestră simfonică, dar nu de puține ori sunetul acestor instrumente este un mijloc important de exprimare muzicală.

  Dacă în orchestrele secolului al XVIII-lea se foloseau în principal timpani, o tobă mare și o capcană, atunci în muzica secolului al XIX-lea și mai ales al secolului al XX-lea compoziția grupului de percuție s-a extins semnificativ și au început să joace un rol mai semnificativ. În lucrări.

  Ascultă o lecție video pe această temă pentru a-i cunoaște mai bine pe reprezentanții acestui grup.

  Instrumente de alamă ale orchestrei simfonice. Lecție video.

  grup instrumente de alamă ale orchestrei simfonice mic în compoziție. Dar atrage imediat atenția cu un sunet festiv și solemn de metal. Arta de a sufla un corn sau o concă era deja cunoscută în cele mai vechi timpuri. Ulterior, oamenii au învățat să facă unelte asemănătoare unui corn și destinate scopurilor militare și de vânătoare.

  Aceste instrumente sunt numite după metalul din care sunt fabricate. Cel mai adesea este un aliaj special, format din 60% cupru, 10% nichel, 30% zinc sau argint. Dar pe vremuri, unele dintre ele erau făcute din corn, coajă sau os.

  A fost o vreme când aceste instrumente erau făcute din metale prețioase, iar muzicienii credeau că metalele prețioase dau timbrului instrumentului o nuanță aparte: argintul face sunetul mai plin, aurul - moale, platina - profund. Dar aceste diferențe, dacă există, sunt vizibile în principal doar pentru muzicieni înșiși. Mai târziu, au decis să efectueze un experiment neobișnuit. Au luat o bucată de furtun de cauciuc, a cărei grosime a peretelui și alte dimensiuni corespundeau tubului de clarinet, au făcut găuri în ea și au construit un muștiuc pentru clarinet. Clarinetul improvizat suna destul de asemănător cu cel real.

  Dacă sunetul suflat de lemn ne amintește adesea de un flaut ciobanesc, atunci instrumentele de alamă sunt asociate în mintea noastră cu semnale și marșuri militare. Și acest lucru nu este întâmplător, deoarece instrumentele de alamă sunt folosite în fanfarele militare. De acolo au venit la orchestra simfonică.

  Mulți oameni cred că trâmbița sună pentru că este suflată. Dacă încerci să faci asta, atunci cel mai probabil vei primi doar un șuierat. La instrumentele de alamă, precum suflat, nu există nicio trestie, trecând prin care aerul începe să oscileze, scoțând un sunet. Pentru alama, buzele proprii ale muzicianului sunt folosite ca vibrator. El le pliază aproximativ așa cum sunt pliate trestii de fagot sau oboi, iar adâncitura din muștiuc ajută la acest lucru. O astfel de anumită poziție a buzelor atunci când se cântă se numește emboșură, iar instrumentele se numesc emboșură.

  Trâmbița nu se sufla astfel încât aerul din plămânii muzicianului să treacă prin ea. Da, uneori acest lucru este imposibil: volumul plămânilor noștri este de aproximativ patru litri de aer și, dacă îi comparăm cu volumul unui elicon bas, devine clar că o persoană nu-l poate umple cu aer cu o expirație. Când cântă la instrumente de suflat, respirația muzicianului ajută doar la excitarea vibrațiilor aerului care este deja în țeavă.

  Să aruncăm o privire la instrumentele de alamă.

  CORN FRANCEZ. German Waldhorn - corn de pădure. Aceasta este traducerea literală a numelui acestui instrument. Strămoșul cornului erau coarnele de vânătoare, care erau suflate atunci când era necesar să se dea un semnal în timpul unei vânătoare sau al unui eveniment solemn, pentru a anunța adunarea trupelor. Pentru a face sunetul mai puternic și mai puternic, ca să se audă de la mare distanță, claxonul a început să fie lungit. Dar a juca un tub atât de lung a fost incomod. Prin urmare, tubul instrumentului a început să fie „răsucit”. Mai întâi a fost o tură, apoi două, apoi trei. Cornul francez modern este un tub îngust, lung de aproximativ trei metri, rulat într-un cerc cu o prelungire în formă de con la capăt, transformându-se într-un clopot larg.

  Amplasarea cornului în timpul cântării este neobișnuită - cu clopotul în jos, spre mâna dreaptă a muzicianului, care se sprijină cu palma mâinii de peretele clopotului, acoperindu-l ușor. Această poziție a fost introdusă de cornista de la Dresda Anton Gampel în jurul anului 1750, astfel încât să fie mai ușor de controlat sunetul cornului prin introducerea mâinii în clopot. Această tehnică este utilizată pe scară largă de către corniştii moderni. Timbrul cornului este influențat de forma piesei bucale, a cupei, ca la alte instrumente de alamă.

  Cornul joacă un rol foarte important în orchestră. Vocea ei este blândă și nobilă. Poate transmite atât o dispoziție tristă, cât și solemnă, poate suna caustic și derizoriu. Este în primul rând un instrument orchestral, dar există și literatură solo pentru el. În interpretarea cornului, puteți auzi o melodie melodioasă, plină de suflet, care, de exemplu, sună la începutul celei de-a doua părți a P.I. Ceaikovski. În simfonia Manfred, Ceaikovski a comandat patru coarne ffff pentru a interpreta tema muzicală principală, care pictează un portret muzical al eroului. Iar în „Valsul florilor” din baletul „Spărgătorul de nuci” cvartetul de corn sună blând și melodios. Concertul pentru corn și orchestră de R. M. Gliere este foarte popular.

  ȚEVA - unul dintre cele mai vechi instrumente de alamă. Chiar și în „Vechiul Testament” se menționează folosirea țevilor în ceremoniile religioase. Analele asediului Kievului de către pecenegi în 968 vorbesc despre rolul important al țevilor în lupta armatei ruse. Trâmbița a fost folosită ca instrument de semnalizare de multe popoare încă din cele mai vechi timpuri. Ea a avertizat despre pericol, a susținut curajul războinicilor în luptă, a deschis ceremonii solemne și a chemat atenția.

  

  În vremuri străvechi, un războinic stătea de pază pe turnul zidului cetății orașului Cracovia din Polonia. Se uită vigilent în depărtare: dacă va apărea inamicul. În mâini ținea o țeavă de cupru pentru a da un semnal în caz de pericol. Și apoi într-o zi a văzut în depărtare o armată inamică care se apropia. Paznicul a început să joace și o alarmă a sunat peste Cracovia. Un nor de săgeți a zburat spre santinelă. Unul dintre ei a străpuns pieptul trompetistului. Adunându-și toate puterile, a terminat de redat semnalul. Abia la ultimul sunet i-a căzut trompeta din mâini.

  Timp de multe secole, amintirea eroului care și-a salvat orașul cu prețul vieții a fost păstrată cu grijă printre oameni. Și acum indicativele de la Cracovia sunt semnalul de război străvechi al trompetei, care se întrerupe la ultimul sunet.

  La începutul secolului al XVII-lea. Trâmbița a intrat în orchestra operei. La început, ea a jucat un rol modest: a jucat doar ocazional semnale scurte, a participat la acordurile de acompaniament. În acel moment, pe ea puteau fi redate doar melodii simple construite pe sunetele unei triade. Dar, în timp, instrumentul a fost îmbunătățit, gama sa a crescut, a devenit posibil să cânte părți complexe și expresive la trompetă. Sunetul ei strălucitor a început să atragă atenția compozitorilor. Și trâmbița suna în episoade solemne, eroice și, uneori, lirice. În secolul al XVIII-lea. ea ocupa deja un loc proeminent în fanfarele simfonice și de alamă.

  Următorul cel mai înalt instrument de alamă este TROMBON. Numele său provine de la cuvântul italian tromba (trâmbiță), completat de sufixul de mărire unu. În sensul literal, acest nume poate fi tradus ca „trâmbițe”. Și într-adevăr este. În secolul XV. țeava a fost mult lungă, pentru care au făcut o scenă-tub retractabilă. Așa s-a născut trombonul.

  

  Trombonul are aceiași strămoși ca și trompeta, dar într-un fel, trombonul s-a dovedit a fi mai fericit - era un instrument cromatic de la naștere, așa că aproape că nu s-a schimbat. Trâmbița trombonului, îngustându-se și curbându-se, trece într-un tub cilindric îngust, pe care se pune un mecanism de alunecare. Este format din două tuburi fixe de-a lungul cărora alunecă un tub de glisare în formă de U. Mișcând slide-ul cu mâna dreaptă, trombonistul poate schimba ușor înălțimea, executând glissando și, de asemenea, poate extrage orice sunete cu aceeași ușurință.

  Trombonul ocupă locul de mândrie în grupul de instrumente de alamă. Are o voce foarte puternică, acoperind cu ușurință sunetul întregii orchestre. Și când cântă mai multe tromboane împreună, dă solemnitate și strălucire muzicii. Trombonul reușește foarte bine în melodiile eroice, tragice. Dar cel mai adesea, trei tromboane și o tubă, unite într-un singur grup, cântă acorduri în orchestră, acționând ca acompaniament.

  TUBĂ- instrumentul cu cel mai mic sunet al grupului de alame. Gama sa este de la mi contraoctavă la F din prima octavă, timbrul său este sever, masiv. Spre deosebire de alte instrumente din acest grup, tuba este relativ tânără. Ea s-a născut în Germania în 1835 pentru că o fanfară avea nevoie de un bas bun și constant. Este format din țevi de diferite dimensiuni, un clopot, un muștiuc și supape.

  

  De regulă, rolul tubei în orchestră se limitează la dublarea cu o octavă sub partea celui de-al treilea trombon. Acesta servește drept fundație pentru grupul de alamă, ca și contrabasul corzilor. Tuba este cea care „cimentează” toată muzica. Este în general acceptat că acest instrument este stângaci și nemișcat. Într-adevăr, este foarte greu să îl joci. Este necesar un flux mare de aer, astfel încât interpretul trebuie uneori să respire la fiecare sunet. Dar tuba poate fi jucată și rapid. Adevărat, sunetul ei este foarte gros, puternic, suculent, iar muzica rapidă cu un astfel de sunet va fi grea. Tuba transmite foarte bine imaginea unui elefant din piesa lui Saint-Saens „Elefantul” din suita „Carnavalul animalelor”.

  Desigur, episoadele solo de tubă sunt foarte rare în lucrările orchestrale. Una dintre ele este piesa „Vitele” din suita „Tablouri la o expoziție” de M. Mussorgsky, orchestrată de M. Ravel.

  Repetăm ​​încă o dată că grupul de instrumente de alamă include:

  trompetă, corn, trombon și tubă.

  Instrumente cu coarde ale unei orchestre simfonice. Lecție video.

  Instrumente cu coarde în orchestra simfonică sunt cel mai mare grup. Ele sunt numite instrumente cu coarde pentru că sunt cântate cel mai adesea cu un arc, spre deosebire de instrumentele populare cu coarde, de pe care sunetul este extras cu un ciupit. Există orchestre de instrumente populare în fiecare țară, dar cred că înțelegeți că orchestrele de instrumente populare din diferite țări vor consta din instrumente diferite, pentru că. Instrumentele populare sunt diferite pentru diferite națiuni.

  De exemplu, un instrument popular ucrainean foarte comun este bandura, prin urmare în Ucraina există orchestre de bandura, în Belarus, de exemplu, chimvalele sunt un instrument popular obișnuit, așa că vor face cu siguranță parte dintr-o orchestră populară.

  Dar există o orchestră, care, indiferent în ce țară vom veni, va fi aceeași - aceasta Orchestra simfonica.

  

  Și joacă un rol major instrumente cu coarde arcuite pe care ne vom întâlni astăzi.

  

  Viorile sunt unul dintre cele mai importante instrumente ale acestui grup.

  

  Vioara are o preistorie destul de lungă, în care nu vom aprofunda, vom observa doar că predecesorul violei a fost viola, care, la rândul ei, s-a format din fuziunea mai multor instrumente. Viola, spre deosebire de vioară, era cel mai adesea ținută nu pe umăr, ci pe genunchi. Priviți o pictură din secolul al XV-lea cu o violă cântând

  

  Forma viorii a fost în cele din urmă stabilită în secolul al XVI-lea. Și la începutul secolelor al XVI-lea și al XVII-lea, au apărut maeștri care au învățat să facă viori, al cărui sunet încă nu îl pot repeta, în ciuda faptului că știința și tehnologia au trecut mult înainte.

  Niciun instrument muzical nu a atras atât de mult atenția ca vioara. A fost studiat de matematicieni, fizicieni, chimiști, acusticieni și mulți alți oameni de știință care au dorit să dezvăluie secretul sunetului magnific al viorilor realizat de maeștrii italieni Stradivari, Amati, Guarneri.

  Au existat multe legende care explicau sunetul minunat al viorilor în felul lor. Unii dintre ei spuneau că, pentru a face o vioară bună, trebuie să alegeți un copac în pădure pe care aterizează păsările și doar dintr-un astfel de copac se poate face o vioară bună.

  Au existat acuzații că aceste viori au fost acoperite cu un lac special, al cărui secret nu știa nimeni. S-a mai spus că este necesar să se respecte proporțiile matematice stricte ale părților viorii.

  Dar când studiam, de exemplu, viorile Stradivari, toate aceste afirmații au fost infirmate de oamenii de știință. S-a dovedit că Stradivari nu a recoltat lemn, ci a cumpărat scânduri pentru viori de la artizani.

  Chiar și-a împărtășit rețeta lui de lac cu străinii care veneau uneori să-l vadă.

  Studiind raporturile părților diferitelor viori, ei nu au putut găsi o regularitate „magică”, datorită căreia aceste viori ar suna bine. Evident, secretul era cu totul altul.

  Stradivari și-a făcut prima vioară la vârsta de 11 ani, iar ultima cu puțin timp înainte de moarte, și a murit la 93 de ani, iar în fiecare zi de-a lungul vieții a muncit din zori până seara. Și, desigur, un mare talent înmulțit de o muncă uriașă a dus la astfel de rezultate. Să facem acum cunoștință mai detaliată cu primul dintre cei patru reprezentanți ai grupului de coarde.

  Vioară. Ea este adesea numită „regina trupei”.

  Dacă te uiți cu atenție la forma sa, poți găsi în ea o asemănare cu figura umană.

  Are două găuri în formă de F pe corp. Acestea sunt eps.

  Vioara are 4 coarde acordate pe note: mi, la, re, sol. Gama viorii este de la sarea unei octave mici la sarea octavei a 4-a. Dacă te uiți la violonistul care cântă, poate părea că ține vioara cu mâna stângă. Dar nu este. Pe corpul viorii este atașat un dispozitiv special, violonistul pune vioara pe umărul stâng și o apasă cu bărbia.

  Vioara se cântă cel mai adesea cu un arc. Dacă ciupiți o coardă de vioară, sunetul se va stinge rapid, dar când conduceți corzile cu un arc, sunetul durează mult timp, nu se stinge. Arcul este un baston cu păr de cal întins. Pentru ca părul arcului să nu fie neted, să nu alunece de-a lungul coardelor, ci să le facă să vibreze, acestea sunt frecate înainte de a juca, cel mai adesea cu colofoniu.

  Vioara cântă adesea ca instrument solo.

  Au existat în istorie mulți violoniști remarcabili, dintre care unul a fost Nicolo Paganini.

  

  A fost acuzat de vrăjitorie, pentru că nu le venea să creadă că o persoană simplă poate cânta așa la vioară.

  Ei spun că…

  Într-o zi, un profesor orb de muzică și un prieten au venit la concertul lui Paganini. Ascultând jocul lui Paganini, el l-a întrebat pe un prieten: „Câți oameni cântă pe scenă?” După ce a aflat că cânta un muzician, și-a prins prietenul de mână și l-a târât până la ieșire, spunând că o persoană simplă nu poate cânta așa, acesta este diavolul.

  Paganini nu a fost doar un violonist remarcabil, ci și un compozitor.

  Vioara poate fi solistă în orchestră. De exemplu, în suita simfonică a lui Rimski-Korsakov Șeherazada, vioara transmite foarte bine imaginea naratorului Șeherazada.

  Într-o orchestră simfonică pot fi 30 sau mai multe viori, în partea a 3-a a suitei simfonice „Scheherazade” se poate auzi cât de frumos și bogat va suna grupul de instrumente cu coarde.

  Dacă începeți să cântați la vioară nu cu un arc, ci cu un ciupit (acest mod de a cânta se numește pizzicato), atunci puteți transmite sunetul instrumentelor populare (balalaika, domra). Când compozitorii doresc să transmită o aromă populară, să înfățișeze cântatul de instrumente populare, ei folosesc această tehnică de joc.

  Astfel, primul reprezentant al grupului de coarde într-o orchestră simfonică este vioară

  Următorul instrument al grupului de coarde este alto.

  
  

  În exterior, este foarte asemănător cu o vioară, doar puțin mai mare. Se ține și pe umăr, apăsând bărbia, și cântă, ca vioara, cu un arc.

  Dacă te uiți la interpret de departe, este greu să-l deosebești de vioară.

  Dacă sunetul cel mai scăzut al viorii este sarea unei octave mici, atunci cel mai scăzut sunet al violei este de până la o octavă mică, adică. cinci trepte mai jos. Viola joacă un rol important în orchestră, dar rareori i se atribuie părți solo. Nici jucătorii de violă nu se găsesc des, deși situația s-a schimbat recent. Dacă interpreții de violă anteriori cântau în principal lucrări scrise pentru vioară, acum din ce în ce mai des compozitorii au început să creeze lucrări pentru violă. Unul dintre violoniștii remarcabili ai timpului nostru este Yuri Bashmet, care nu este doar solist, ci și dirijor, creatorul orchestrei de cameră a Solistilor din Moscova.

  Dacă viola diferă ușor în aspect și mod de a cânta de vioară, atunci acest lucru nu se poate spune despre următorul instrument pe care îl vom întâlni cu tine.

  Violoncel diferă de vioară nu numai prin dimensiunea ei semnificativ mai mare, ci și prin modul în care se cântă.

  Dacă te uiți la o fotografie a unui violoncel, atunci fără să-ți dai seama de dimensiunea acestuia, este foarte dificil să-ți faci o idee despre acest instrument. În aspectul său, este foarte asemănător cu o vioară, doar că o dimensiune mult mai mare. Vioncelistul cântă stând pe un scaun, iar violoncelul stă în fața lui pe podea pe un „picior” special retractabil, pe o tijă de metal care se sprijină pe podea.

  

  Dacă vioara poate fi comparată cu o voce feminină înaltă, atunci violoncelul este o voce masculină joasă - melodioasă, catifelată, bogată. Are, de asemenea, 4 corzi și aproape întotdeauna se cântă cu un arc. Violoncelul, spre deosebire de viola, este mult mai des un instrument solo; transmite tristețe, durere și sentimente profunde deosebit de bine.

  Un violoncelist și dirijor remarcabil al secolului al XX-lea a fost Mstislav Rostropovich, pe care îl vedeți în fotografie, care va interpreta un fragment din Concertul pentru violoncel al lui Joseph Haydn în lecția video.

  Iar ultimul reprezentant al grupului de coarde este contrabasul. Este cel mai mare și cel mai mic instrument cu sunet. El joacă un rol foarte important în orchestră, fiind, parcă, fundamentul orchestrei. Dacă vă uitați îndeaproape la forma sa, veți observa că se deosebește de toate instrumentele cu coarde anterioare prin „umeri mai înclinați”, astfel încât seamănă mai mult cu o violă. Contrabasul este adesea folosit în orchestrele de jazz și pop, dar se cântă acolo cu un strop, adică. într-un fel numit pizzicato. Ca instrument solo, contrabasul nu funcționează des, deși unii contrabasişti au dobândit abilități foarte mari la acest instrument.

  

  În lecția video, va fi o piesă de teatru de Camille Saint-Saens din suita „Carnavalul animalelor”, care se numește „Elefantul”. Registrul scăzut al contrabasului transmite foarte bine imaginea acestui animal mare de aici.

  Să repetăm ​​acum încă o dată ce instrumente fac parte din instrumentele cu coarde ale unei orchestre simfonice.

  Aceasta este o vioară, violă, violoncel și contrabas

  Orchestră - un grup mare de instrumente muzicale care interpretează lucrări special concepute pentru această compoziție.

  În funcție de compoziție, orchestrele au capacități diferite, expresive, timbrale și dinamice și au denumiri diferite:

  • orchestra simfonică (mare și mică),
  • camera, orchestra de instrumente populare,
  • vânt,
  • pop,
  • jazz.

  Într-o orchestră simfonică modernă, instrumentele sunt împărțite în următoarele grupuri:

  I. Înclinat: viori, viole, violoncel, contrabas.
  II. suflat: flaute, oboi, clarinete, fagoturi.
  III. Alamă: coarne, trompete, trombone, tube.
  IV. Tobe:

  A) zgomot: castanete, zdrănitoare, maracas, flagel, tam-tam, tobe (mari și mici). Părțile lor sunt înregistrate pe o singură linie muzicală – "fir".
  b) cu un anumit pas: timpani, chimvale, triunghi, clopot, xilofon, vibrafon, celesta.

  V. Tastaturi: pian, orgă, clavecin, clavicord.
  VI. Grup de extensie: harpă.

  Sunetul complet al orchestrei se numește „ tutti " - ("Toata lumea").

  Conductor - (din franceză - „manage, manage”) conduce o echipă de muzicieni - interpreți, deține interpretarea artistică a operei.

  Pe consola din fața dirijorului se află - Scor (notație muzicală completă a tuturor părților instrumentelor orchestrale).

  Părțile instrumentale ale fiecărui grup sunt înregistrate una sub alta, începând cu instrumentele care sună cel mai înalt și terminând cu cele mai joase.

  Se numește un aranjament de muzică orchestrală pentru un interpret de pian claviatură .

  Caracteristicile grupurilor orchestrei simfonice

  I. Snur-inclinat

  Acestea sunt instrumente similare ca aspect și colorare a sunetului (timbre). În plus, sunetul lor este extras cu un arc. De aici și numele. Cel mai virtuos și mai expresiv instrument al acestui grup este vioară . Sună ca vocea unui cântăreț. Are un timbru blând, cântând. De obicei, viorii i se încredințează melodia principală a lucrării. Orchestra are viori I și II. Ei joacă roluri diferite.
  Alto arată ca o vioară, dar nu este mult mai mare și are un sunet mai înăbușit, mat /
  Violoncel poate fi numită „vioară mare”. Acest instrument nu este pe umăr, ca o vioară sau viola, ci se sprijină pe un suport care atinge podeaua. Sunetul violoncelului este scăzut, dar în același timp moale, catifelat, nobil.
  Cel mai mare instrument din acest grup este contrabas . Îl joacă în timp ce stau, pentru că este mai înalt decât o persoană. Acest instrument este rar folosit ca solist. Sunetul lui este cel mai scăzut, fredonând din acest grup.
  Grupul de coarde-arcuri din orchestră este liderul orchestrei. Are un timbru și capacități tehnice enorme.

  II. suflat din lemn

  

  Lemnul este folosit pentru a face unelte din lemn. Se numesc instrumente de suflat deoarece produc sunet prin suflarea aerului în instrument.
  Flaut (din italiană înseamnă „vânt, respirație”). Sunetul flautului este transparent, sonor, rece.
  Are un sunet melodios, bogat, cald, dar oarecum nazal oboi.
  Are o varietate de timbre clarinet. Această calitate îi permite să realizeze picturi dramatice, lirice, scherzo.
  Realizează partea de bas fagot - un instrument cu timbru gros, ușor răgușit.
  Fagotul cel mai jos are un nume contrafagot .
  Grupul de instrumente de suflat din lemn este utilizat pe scară largă pentru schițarea imaginilor naturii, a episoadelor lirice.

  III. Alamă

  

  Pentru fabricarea instrumentelor de suflat cupru se folosesc metale de cupru (cupru, alamă etc.).
  Puternic și solemn, strălucit și strălucitor, întregul grup de instrumente de suflat din alamă sună în orchestră.
  Are o „voce” clară teava . Sunetul puternic al trompetei se aude chiar și atunci când cântă toată orchestra. Adesea, trompeta are o parte solo.
  corn francez („corn de pădure”) poate fi folosit în muzica pastorală.
  În momentul celei mai mari tensiuni într-o piesă muzicală, în special de natură dramatică, alături de pipe, se cântă tromboane.
  Cel mai jos instrument de alamă din orchestră - tubă. Este adesea cântat în combinație cu alte instrumente.

  Sarcina instrumentelor de percuție- sporește sonoritatea orchestrei, o face mai colorată, arată expresivitatea și varietatea ritmului.

  

  Acesta este un grup mare, colorat și divers, care este unit printr-un mod comun de extragere a sunetului - o lovitură. Adică, prin natura lor, nu sunt melodici. Scopul lor principal este de a sublinia ritmul, de a spori sonoritatea generală a orchestrei și de a o completa, de a o decora cu diverse efecte. Doar timpanii sunt membri permanent al orchestrei. Începând cu secolul al XIX-lea, grupul de șoc a început să se completeze rapid. Bas și tobe, chimvale și triunghiuri, apoi tamburin, tom-tom, clopote și clopote, xilofon și celesta, vibrafon. Dar aceste instrumente au fost folosite doar sporadic.

  

  O trăsătură caracteristică a unui număr de instrumente este prezența tastelor albe și negre, care sunt numite colectiv tastatură sau, pentru o orgă, manual.
  Principalele instrumente de tastatură: organ (rude - portabil , pozitiv ), clavicord (legate de - spinetă în Italia şi virginal în Anglia), clavecin, pian (soiuri - pian și pian ).
  În funcție de sursa de sunet, instrumentele cu tastatură sunt împărțite în două grupuri. Prima grupă include instrumente cu coarde, a doua grupă include instrumente de tip orgă. În loc de sfori, au țevi de diverse forme.
  pian Acesta este un instrument în care atât sunetele puternice (forte) cât și cele liniștite (pian) erau extrase cu ajutorul ciocanelor. De aici și numele instrumentului.
  Timbru clavecin - argintiu, sunetul nu este puternic, de aceeași putere.
  organ - cel mai mare instrument muzical. Îl cântă, ca la pian, apăsând tastele. Întreaga parte din față a orgii a fost decorată pe vremuri cu sculpturi artistice fine. În spatele lui sunt mii de țevi de diverse forme, fiecare cu propriul timbru distinct. În consecință, organul emite atât cele mai înalte, cât și cele mai joase sunete pe care urechea umană le poate capta doar.

  VI. Un membru frecvent al orchestrei simfonice este ciupită cu sfoară instrument - harpă , care este un cadru aurit cu sfori întinse. Harpa are un timbru blând, transparent. Sunetul său creează o aromă magică.

  Caracteristicile timbrului instrumentelor

  Tipuri de orchestre

  Orchestra de instrumente populare rusești

  Compoziția unei astfel de orchestre include principalele grupuri:

  • Coarda ciupită:
    • domra, balalaika, gusli
  • Alamă:
    • flaut, zhaleyka, corni Vladimir
  • Trestă pneumatică:
    • baians, armonici
  • • tamburine și tobe
  • Instrumente suplimentare:
    • flaut, oboi și soiurile lor

  Orchestra de instrumente populare din Belarus

  Compozitie aproximativa:

  • Instrumente cu coarde:
    • harpă, vioară, basset
  • Instrumente de suflat:
    • Svirel, zhaleyka, duda, pipă, corn
  • • tobe și chimvale
  • Acordeon - (sau acordeon cu butoane multi-timbre, gata de selectat) este un instrument cu clavitură pneumatic („aer”) cu stuf. Și-a luat numele de la numele draene - cântărețul legendar rus - povestitorul Bayan. Acest instrument are butoane pe ambele părți, pe care interpretul interpretează o melodie din geamătul din dreapta și acompaniament din stânga.
    Bayanele sunt cele mai răspândite în concertele moderne. Având comutatoare speciale ale registrelor de timbru în tastatura din stânga, care fac posibilă schimbarea timbrului instrumentului, schimbarea culorii sunetului.
    Există și acordeoane electronice cu butoane, care au putere sonoră nelimitată și un număr foarte mare de culori de timbru.
  • Balalaica - o rudă cu lăuta, mandolina, chitara. Simbol muzical al poporului rus. Este un instrument ciupit cu coarde. Ea are un corp triunghiular din lemn și un gât lung, de care sunt trase sforile. Sunetul este extras prin lovirea tuturor corzilor cu degetul arătător sau prin ciupire. Există mai multe tipuri de balalaika: piccolo, prima, secundă, viola, bas și contrabas.
  • Armonic (acordeon, acordeon) - un instrument muzical de suflat care a devenit larg răspândit în multe țări.
    Este echipat cu blănuri și tastatură. O trăsătură caracteristică a instrumentului: capacitatea de a schimba pasul din cauza unei modificări a tensiunii de mișcare a burdufului.
    Un alt tip de armonică este acordeon . Pe o parte a acordeonului există taste, ca un pian, cântă o melodie, pe cealaltă - mai multe rânduri de butoane pentru acompaniament. Când apăsați pe mai multe dintre ele, se aude un întreg acord. De aici și numele de acordeon.
  • Domra - cam ca o balalaica, doar corpul ei este oval, in forma de para, iar coardele sunt acordate in sferturi.
  • Chimvale - un instrument de percuție cu coarde, este o cutie joasă în formă de trapez sau cadru de lemn, peste care sunt întinse coarde. Instrumentul se cântă cu bastoane sau ciocane. Sunetul blând al chimvalelor în timbru seamănă cu sunetul unei harpe.
  • Chitară - unul dintre putinele instrumente muzicale pe care sunetul este pregatit si extras cu degetele.
  • Guzlă - un vechi instrument rusesc cu coarde ciupite.

  Fanfară

  O fanfară este un grup de muzicieni care cântă la diferite instrumente de suflat și percuție.
  Conform compoziției lor, instrumentele unei fanfare moderne sunt împărțite în orchestre mici de alame, mixte mici, mixte medii și mixte mari.
  Baza orchestrei mici de cupru este alcătuită din: cornete, alti, tenori, baritoni, basi.
  Odată cu adăugarea de suflat (flaute, oboi, clarinete, saxofoane, fagote), precum și trompete, cornuri, tromboane și instrumente de percuție la acest grup, se formează compoziții mixte mici, medii, mari.

  Orchestra de soiuri

  Compoziția acestei orchestre include grupuri tradiționale de instrumente ale unei orchestre simfonice - instrumente de suflat - cornuri și coarde (vioară, violă, violoncel).

  Orchestra de jazz (formație de jazz)

  Această orchestră include trompete, clarinete, trombone și o „secțiune de ritm” (banjo, chitară, contrabas, tobe și pian).

  

  Materiale folosite in lucrare:

  1. Z.Osovitskaya, A.KazarinovaÎn lumea muzicii. Primul an de studiu. M., „Muzică”, 1996.
  2. M. Shonikova Literatura muzicala. Rostov-pe-Don, 2003.
  3. Ya.Ostrovskaya, L.Frolova Literatura muzicală în definiții și exemple muzicale. SPb., 2004.
  4. M.F. regn muzical. Minsk, 2002.

  Compoziția unei orchestre simfonice moderne

  O orchestră simfonică modernă este formată din 4 grupuri principale. Fundamentul orchestrei este un grup de coarde (viori, viole, violoncel, contrabas). În cele mai multe cazuri, coardele sunt principalele purtătoare ale începutului melodic în orchestră. Numărul de muzicieni care cântă coarde este de aproximativ 2/3 din întreaga trupă. Grupul de instrumente de suflat din lemn include flaute, oboi, clarinete, fagoturi. Fiecare dintre ei are de obicei un partid independent. Cedați în fața celor înclinați în saturație de timbru, proprietăți dinamice și o varietate de tehnici de cânt, instrumentele de suflat au o putere mare, un sunet compact, nuanțe strălucitoare, colorate. Al treilea grup de instrumente de orchestră este alama (corn, trompetă, trombon, trompetă). Ele aduc noi culori strălucitoare orchestrei, îmbogățindu-i capacitățile dinamice, dând putere și strălucire sunetului și servesc, de asemenea, ca suport de bas și ritm. Instrumentele de percuție devin din ce în ce mai importante în orchestra simfonică. Funcția lor principală este ritmică. În plus, ele creează un fundal special de sunet și zgomot, completează și decorează paleta orchestrală cu efecte de culoare. După natura sunetului, tobele sunt împărțite în 2 tipuri: unele au o anumită înălțime (timpani, clopoței, xilofon, clopoței etc.), altele au o înălțime exactă (triunghi, tamburin, tobă mică și mare, chimvale) . Dintre instrumentele care nu sunt incluse în grupele principale, rolul harpei este cel mai semnificativ. Ocazional, compozitorii includ celesta, pianul, saxofonul, orga și alte instrumente în orchestră. suflat din lemn

  FLAUT - unul dintre cele mai vechi instrumente din lume, cunoscut în antichitate - în Egipt, Grecia și Roma. Din cele mai vechi timpuri, oamenii au învățat să extragă sunete muzicale dintr-o trestie tăiată, închisă la un capăt. Acest instrument muzical primitiv a fost aparent strămoșul îndepărtat al flautului. În Europa, în Evul Mediu, s-au răspândit două tipuri de flaut: drept și transversal. Flautul drept, sau „flautul cu vârf”, era ținut drept înainte, ca un oboi sau un clarinet; oblic sau transversal - la un unghi. Flautul transversal s-a dovedit a fi mai viabil, deoarece era ușor de îmbunătățit. La mijlocul secolului al XVIII-lea, a înlocuit în cele din urmă flautul drept din orchestra simfonică. În același timp, flautul, împreună cu harpa și clavecinul, a devenit unul dintre cele mai îndrăgite instrumente de muzică casnică. La flaut, de exemplu, au cântat artistul rus Fedotov și regele prusac Frederic al II-lea. Flautul este cel mai mobil instrument de suflat din lemn: din punct de vedere al virtuozității, întrece toate celelalte instrumente de suflat. Un exemplu în acest sens este suita de balet „Daphnis and Chloe” de Ravel, unde flautul acționează de fapt ca un instrument solo. Flautul este un tub cilindric, din lemn sau metal, închis pe o parte - la cap. Există și o gaură laterală pentru injectarea aerului. Cântarea la flaut necesită mult consum de aer: atunci când este suflată, o parte din el se sparge pe marginea ascuțită a găurii și pleacă. Din aceasta, se obține un ton sibilant caracteristic, mai ales într-un registru scăzut. Din același motiv, notele susținute și melodiile largi sunt greu de interpretat la flaut. Rimski-Korsakov a descris sonoritatea flautului astfel: „Timbrul este rece, cel mai potrivit pentru melodii cu o natură grațioasă și frivolă în majoritate și cu o notă de tristețe superficială în minor”. Compozitorii folosesc adesea un ansamblu de trei flaute. Un exemplu este dansul ciobanilor din Spărgătorul de nuci de Ceaikovski.

  Oboiul concurează cu flaut în antichitatea originii sale: își urmărește strămoșia până la flautul primitiv. Dintre strămoșii oboiului, aulosul grecesc a fost cel mai utilizat, fără de care elenii antici nu și-ar putea imagina nici o sărbătoare, nici o reprezentație teatrală. Strămoșii oboiului au venit în Europa din Orientul Mijlociu. În secolul al XVII-lea, un oboi a fost creat dintr-o bombardă - un instrument de tip pipă, care a devenit imediat popular în orchestră. Curând a devenit și un instrument de concert. Timp de aproape un secol, oboiul a fost idolul muzicienilor și iubitorilor de muzică. Cei mai buni compozitori ai secolelor XVII-XVIII - Lully, Rameau, Bach, Händel - au adus un omagiu acestei pasiuni: Händel, de exemplu, a scris concerte pentru oboi, a căror dificultate poate deruta chiar și oboiștii moderni. Cu toate acestea, la începutul secolului al XIX-lea, „cultul” oboiului în orchestră a dispărut oarecum, iar rolul principal în grupul de suflat a trecut la clarinet. După structura sa, oboiul este un tub conic; la un capăt al acestuia se află un mic clopot în formă de pâlnie, la celălalt - un baston, pe care interpretul îl ține în gură. Datorită unor caracteristici de design, oboiul nu își pierde niciodată reglajul. Prin urmare, a devenit o tradiție acordarea întregii orchestre la ea. În fața unei orchestre simfonice, când muzicienii se adună pe scenă, nu este neobișnuit să-l auzi pe oboistul cântând în La în prima octavă, iar ceilalți interpreți ajustându-și instrumentele. Oboiul are o tehnică mobilă, deși este inferior în acest sens flautului. Este mai mult un cântat decât un instrument virtuos: de regulă, domeniul său este tristețea și elegia. Așa sună în tema lebedelor de la pauza până la actul al doilea din „Lacul lebedelor” și în melodia simplă melancolică a celei de-a doua părți a simfoniei a IV-a a lui Ceaikovski. Ocazional, oboiului i se atribuie „roluri comice”: în Frumoasa adormită a lui Ceaikovski, de exemplu, în varianta „Pisica și pisicuța”, oboiul imită amuzant mieunatul pisicii.

  Clarinetul este un tub cilindric de lemn cu un clopot în formă de coronetă la un capăt și un vârf de trestie la celălalt. Dintre toate instrumentele de suflat, doar clarinetul are flexibilitatea de a schimba volumul sunetului. Aceasta și multe alte calități ale clarinetului l-au făcut una dintre cele mai expresive voci din orchestră. Este curios faptul că doi compozitori ruși, care se ocupă de aceeași intriga, au acționat exact în același mod: atât în ​​„Crăiasa zăpezii” - Rimski-Korsakov, cât și Ceaikovski - melodiile ciobanului lui Lel sunt încredințate clarinetului. Timbrul clarinetului este adesea asociat cu situații dramatice sumbre. Această zonă de expresivitate a fost „descoperită” de Weber. În scena „Wolf Valley” din „Magic Shooter” el a ghicit mai întâi ce efecte tragice sunt ascunse în registrul scăzut al instrumentului. Mai târziu, Ceaikovski a folosit sunetul ciudat al clarinetelor joase din The Queen of Spades în momentul în care apare fantoma Contesei. Clarinet mic. Micul clarinet a venit la orchestra simfonică din alamă militară. A fost folosit pentru prima dată de Berlioz, care i-a încredințat „tema iubită” distorsionată în ultima mișcare a Simfoniei Fantastice. Clarinetul mic a fost folosit adesea de Wagner, Rimsky-Korsakov, R. Strauss. Şostakovici. corn basset. La sfârșitul secolului al XVIII-lea, familia clarinetului s-a îmbogățit cu încă un membru: în orchestră a apărut cornul de basset - o varietate veche a clarinetului alto. Ca mărime a depășit instrumentul principal, iar timbrul său - calm, solemn și mat - ocupa o poziție intermediară între clarinetul obișnuit și cel bas. A rămas în orchestră doar câteva decenii și și-a datorat perioada de glorie lui Mozart. Pentru două corni de basset cu fagoturi a fost scris începutul „Requiemului” (acum, cornii de basset sunt înlocuiți cu clarinete). O încercare de a reînvia acest instrument sub denumirea de clarinet alto a fost făcută de R. Strauss, dar de atunci se pare că nu a mai avut repetări. În zilele noastre, cornurile de basset sunt incluse în trupele militare. Clarinet bas. Clarinetul bas este cel mai „impresionant” membru al familiei. Construită la sfârșitul secolului al XVIII-lea, a câștigat o poziție puternică în orchestra simfonică. Forma acestui instrument este destul de neobișnuită: clopotul său este îndoit în sus, ca o țeavă de fumat, iar mușticul este montat pe o tijă curbată - toate acestea pentru a reduce lungimea exorbitantă a instrumentului și a facilita utilizarea acestuia. Meyerbeer a fost primul care a „descoperit” enorma putere dramatică a acestui instrument. Wagner, începând cu „Lohengrin”, îl face un bass permanent. Compozitorii ruși au folosit adesea clarinetul bas în munca lor. Așadar, sunetele sumbre ale clarinetului bas se aud în cea de-a cincea imagine a „Reginei de pică” în momentul în care Herman citește scrisoarea Lizei. Acum clarinetul bas este un membru permanent al unei mari orchestre simfonice, iar funcțiile sale sunt foarte diverse.

  Strămoșul fagotului este vechea pipă de bas - bombarda. Fagotul care l-a înlocuit a fost construit de canonicul Afragno degli Albonesi în prima jumătate a secolului al XVI-lea. O țeavă mare de lemn îndoită în jumătate semăna cu un mănunchi de lemn de foc, ceea ce se reflectă în numele instrumentului (cuvântul italian fagotto înseamnă „mănunchi”). Fagotul și-a cucerit contemporanii cu eufonia timbrului, care, în contrast cu vocea răgușită a bombardei, au început să-l numească „dolcino” – dulce. În viitor, păstrându-și contururile exterioare, fagotul a suferit îmbunătățiri serioase. Din secolul al XVII-lea a intrat în orchestra simfonică, iar din secolul al XVIII-lea - în armată. Trunchiul conic de lemn al fagotului este foarte mare, așa că este „pliat” în jumătate. Un tub metalic curbat este atașat la partea superioară a instrumentului, pe care este pus un baston. În timpul jocului, fagotul este atârnat de o sfoară în jurul gâtului interpretului. În secolul al XVIII-lea, instrumentul s-a bucurat de o mare dragoste în rândul contemporanilor: unii îl numeau „mândru”, alții – „blând, melancolic, religios”. Rimski-Korsakov a definit culoarea fagotului într-un mod foarte ciudat: „Timbrul este senil batjocoritor la major și dureros de trist la minor”. Performanța în fagot necesită multă respirație, iar fortele într-un registru scăzut poate provoca oboseală extremă pentru interpret. Funcțiile instrumentului sunt foarte diverse. Adevărat, în secolul al XVIII-lea se limitau adesea la a susține basuri cu coarde. Dar în secolul al XIX-lea, cu Beethoven și Weber, fagotul a devenit vocea individuală a orchestrei și fiecare dintre maeștrii următori și-a găsit noi proprietăți. Meyerbeer din „Robert the Devil” i-a forțat pe fagoți să înfățișeze „râsul morții, din care gerul rupe pielea” (cuvintele lui Berlioz). Rimski-Korsakov în „Scheherazade” (o poveste a prințului Kalender) a descoperit un narator poetic la fagot. În acest ultim rol, fagotul interpretează mai ales des - probabil de aceea Thomas Mann a numit fagotul „pasăre batjocoritoare”. Exemple pot fi găsite în Scherzo umoristic pentru patru fagoți și în Petya și lupul de Prokofiev, unde fagotului i se dă „rolul” de bunic, sau la începutul finalului Simfoniei a IX-a a lui Șostakovici. Varietățile de fagot sunt limitate în timpul nostru la un singur reprezentant - contrafagotul. Este cel mai jos instrument al orchestrei. Mai jos decât sunetele limitative ale contrafagotului, sună doar basurile pedală ale orgăi. Ideea de a continua scala de fagot în jos a apărut cu mult timp în urmă - primul contrafagot a fost construit în 1620. Dar era atât de imperfect încât, până la sfârșitul secolului al XIX-lea, când instrumentul a fost îmbunătățit, foarte puțini oameni au apelat la el: ocazional Haydn, Beethoven, Glinka. Contrafagotul modern este un instrument îndoit de trei ori: lungimea lui desfăcută este de 5 m 93 cm (!); în tehnică seamănă cu un fagot, dar este mai puțin agil și are un timbru gros, aproape de orgă. Compozitorii secolului al XIX-lea - Rimsky-Korsakov, Brahms - au apelat de obicei la contrafagot pentru a spori basul. Dar uneori sunt scrise solo-uri interesante pentru el. Ravel, de exemplu, în „Convorbirea frumuseții și a fiarei” (baletul „Mama mea gâsca”) i-a încredințat vocea monstrului. Siruri de caractere

  VIOLA este un instrument cu coarde cu arc, cel mai înalt ca sunet, cel mai bogat în posibilități expresive și tehnice dintre instrumentele familiei viorilor. Se crede că predecesorul imediat al viorii a fost așa-numita liră de braccio, care provine din violele antice; ca o vioară, acest instrument era ținut la umăr (braccio italian - umăr), tehnicile de joc erau și ele asemănătoare cu cele de vioară. De la mijlocul secolului al XVI-lea. vioara este stabilită în practica muzicală ca instrument solo și de ansamblu. Multe generații de meșteri au lucrat pentru a îmbunătăți designul, îmbunătățirea calităților sunetului viorii. Istoria a păstrat numele lui A. și N. Amati, A. și D. Guarneri, A. Stradivari - maeștri italieni remarcabili de la sfârșitul secolului al XVI-lea - începutul secolului al XVIII-lea, care au creat mostre de viori care sunt încă considerate de neîntrecut. Corpul viorii are o formă caracteristică ovală, cu crestături pe laterale. Carcasa conectează două plăci de sunet ale instrumentului (găurile speciale sunt tăiate în partea de sus - efs). Există 4 corzi întinse peste bordură, acordate în cincimi. Gama viorii acoperă 4 octave; cu toate acestea, cu ajutorul armonicilor se pot extrage și o serie de sunete mai înalte. Vioara este un instrument predominant monofonic. Cu toate acestea, pe el sunt extrase intervale armonice și chiar acorduri cu 4 sunete. Timbrul viorii este melodios, bogat in nuante sonore si dinamice, in expresivitate se apropie de vocea umana. Pentru a schimba timbrul în timpul jocului, uneori este folosit un mute. Viorii, care are o mobilitate tehnică excepțională, i se încredințează adesea executarea de pasaje dificile și rapide, sărituri largi și melodice, diverse feluri de triluri, tremolo.

  Viola și felul în care se cântă amintesc foarte mult de vioară, așa că dacă nu observi diferența de mărime (și este foarte dificil să faci asta: viola este vizibil mai mare decât vioara), atunci pot fi ușor confuz. Se crede că timbrul violei este inferior viorii în strălucire și luminozitate. Cu toate acestea, acest instrument are și avantajele sale unice: este indispensabil în muzica de natură elegiacă, visătoare-romantică. În ceea ce privește virtuozitatea, viola este aproape la fel de perfectă ca și vioara, dar dimensiunea mare a violei necesită ca jucătorul să aibă o întindere adecvată a degetelor și o forță fizică. Viola nu și-a primit imediat rolul cuvenit printre instrumentele orchestrei. După înflorirea școlii polifonice a lui Bach și Handel, când viola era membru egal al grupului de coarde, au început să-i încredințeze o voce armonică subordonată. Violiștii din acele vremuri erau de obicei violoniști fără succes. În lucrările lui Gluck, Haydn și, într-o oarecare măsură, Mozart, viola este folosită doar ca voce medie sau inferioară a orchestrei. Numai în operele lui Beethoven și ale compozitorilor romantici viola capătă semnificația unui instrument melodic. Viola datorează o mare parte din recunoaștere violoniștilor remarcabili ai secolului trecut, în special lui Paganini, care a cântat la viola într-un cvartet și a cântat într-un concert solo. Mai târziu, Berlioz introduce partea de violă solo în simfonia sa „Harold în Italia”, încredințându-i caracterizarea lui Harold. După aceea, atitudinea compozitorilor și interpreților față de violă a început să se schimbe. Wagner în „Tannhäuser”, într-o scenă numită „Grota lui Venus”, scrie pentru violă o parte incredibil de dificilă pentru acea vreme. R. Strauss interpretează și mai magistral viola solo în filmul simfonic „Don Quijote”. Violele sunt adesea încredințate cu o voce melodică împreună cu violoncele, viori sau complet independent, ca, de exemplu, în actul al doilea al „Cocoșul de aur” al lui Rimski-Korsakov în timpul dansului reginei Shemakhan.

  CELLO a intrat în viața muzicală în a doua jumătate a secolului al XVI-lea. Ea își datorează creația artei unor maeștri instrumentali remarcabili precum Magini, Gasparo de Salo și mai târziu - Amati și Stradivari. La fel ca viola, violoncelul a fost mult timp considerat un instrument secundar în orchestră. Până la sfârșitul secolului al XVIII-lea, compozitorii l-au folosit în principal ca voce de bas, iar chiar la începutul secolului anterior, în legătură cu aceasta, părțile pentru violoncel și contrabas erau scrise în partitură pe o singură linie. Violoncelul are de două ori dimensiunea violei, arcul său este mai scurt decât vioara și viola, coardele sunt mult mai lungi. Violoncelul aparține numărului de instrumente „picior”: interpretul îl pune între genunchi, sprijinind vârful de metal pe podea. Beethoven a fost primul care a „descoperit” frumusețea timbrului violoncelului. În urma lui, compozitorii i-au transformat sunetul în vocea cântătoare a orchestrei - să ne amintim partea a doua a simfoniei a VI-a a lui Ceaikovski. Destul de des în opere, balete și lucrări simfonice violoncelul este atribuit solo - ca, de exemplu, în „Don Quijote” de R. Strauss. În numărul de piese de concert scrise pentru ea, violoncelul este al doilea după vioară. La fel ca vioara și viola, violoncelul are patru coarde acordate în cincimi, dar cu o octavă mai jos de viole. În ceea ce privește capacitățile tehnice, violoncelul nu este inferior viorii și în unele cazuri chiar o depășește. De exemplu, datorită coardelor mai lungi ale violoncelului, este posibil să se obțină o serie mai bogată de armonici pe acesta.

  DOUBLE BASS este cu mult superior omologilor săi atât ca dimensiune, cât și ca volum al registrului mic: contrabasul este de două ori mai mare decât violoncelul, care este de două ori mai mare decât viola. Cel mai probabil, contrabasul, descendent al vechii viole, a apărut în orchestră în secolul al XVII-lea. Forma contrabasului și-a păstrat trăsăturile vechii viole până în ziua de azi: corpul îndreptat în sus, părțile înclinate - datorită acestui fapt, interpretul se poate apleca peste partea superioară a corpului și „întinde mâna” în partea de jos. a gâtului pentru a extrage cele mai înalte sunete. Instrumentul este atât de mare încât interpretul îl cântă în timp ce stă în picioare sau stă pe un scaun înalt. Din punct de vedere al virtuozității, contrabasul modern este destul de mobil: de multe ori, împreună cu violoncelul, se execută pasaje destul de rapide pe el. Dar „mulțumită” dimensiunii sale, necesită o întindere uriașă a degetelor, iar arcul său este foarte greu. Toate acestea fac tehnica instrumentului mai grea: pasajele în care se cere ușurință sună oarecum greu pe el. Cu toate acestea, rolul său în orchestră este enorm: interpretând invariabil părțile vocii de bas, el creează fundația pentru sunetul grupului de coarde și, împreună cu fagotul și tuba sau al treilea trombon, întreaga orchestra. În plus, contrabasurile sună grozav într-o octavă cu violoncel în melodii. În orchestră, este foarte rar să împarți contrabasurile în mai multe părți sau să interpretezi solo-uri pe ele. Alamă

  PIPE a făcut parte din orchestra de operă încă de la înființare; Orfeul lui Monteverdi sunase deja cinci trâmbițe. În secolul al XVII-lea și în prima jumătate a secolului al XVIII-lea, pentru trompete au fost scrise părți foarte virtuozice și înalte, al căror prototip erau părțile de soprană din compozițiile vocale și instrumentale ale vremii. Pentru a interpreta aceste părți cele mai dificile, muzicienii din vremea lui Purcell, Bach și Haendel foloseau instrumente naturale comune în acea epocă, cu o pipă lungă și un muștiuc al unui dispozitiv special care făcea posibilă extragerea cu ușurință a celor mai înalte tonuri. O trompetă cu un astfel de muștiuc se numea „clarino”, același nume a fost dat în istoria muzicii și stilul de scriere pentru ea. În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, odată cu schimbarea scrisului orchestral, stilul clarino a fost uitat, iar trompeta a devenit predominant un instrument de fanfară. Era limitat în posibilitățile sale ca un corn francez și se afla într-o poziție și mai proastă, deoarece „sunetele închise” care extindeau scala nu erau folosite pe el din cauza timbrului lor prost. Dar în anii treizeci ai secolului al XIX-lea, odată cu inventarea mecanismului supapei, a început o nouă eră în istoria țevii. A devenit instrument cromatic și, după câteva decenii, a înlocuit trompeta naturală din orchestră. Timbrul trompetei nu este caracterizat de versuri, ci de eroismul pe care îl reușește în cel mai bun mod posibil. Printre clasicii vienezi, trompetele erau un instrument pur de fanfară. Adesea au îndeplinit aceleași funcții în muzica secolului al XIX-lea, anunțând începutul procesiilor, marșurilor, festivităților solemne și vânătorii. Wagner a folosit țevi mai mult decât altele și într-un mod nou. Timbrul lor este aproape întotdeauna asociat în operele sale cu romantismul și eroismul cavaleresc. Trâmbița este renumită nu numai pentru puterea sa sonoră, ci și pentru calitățile sale remarcabile de virtuozitate.

  Trombonul își trage numele de la numele italian pentru pipă - tromba - cu sufixul de mărire „unu”: trombon înseamnă literal „trâmbiță”. Și într-adevăr: tubul trombonului este de două ori mai lung decât cel al trompetei. Deja în secolul al XVI-lea, trombonul și-a primit forma modernă și de la începuturi a fost un instrument cromatic. Scala cromatică completă este realizată pe ea nu prin mecanismul supapelor, ci cu ajutorul așa-numitului culise. Culisele este un tub suplimentar lung, în formă de litera latină U. Se introduce în tubul principal și se prelungește după dorință. În acest caz, sistemul instrumentului scade în mod corespunzător. Interpretul împinge aripile în jos cu mâna dreaptă și susține instrumentul cu stânga. Trombonele au fost de multă vreme o „familie” formată din instrumente de diferite dimensiuni. Nu cu mult timp în urmă, familia trombonelor era formată din trei instrumente; fiecare dintre ele corespundea uneia dintre cele trei voci ale corului și își primea numele: trombon-alto, trombon-tenor, trombon-bas. Cântarea la trombon necesită o cantitate imensă de aer, deoarece mișcarea aripilor durează mai mult decât apăsarea supapelor pe un corn sau o trompetă. Din punct de vedere tehnic, trombonul este mai puțin mobil decât vecinii săi din grup: scara de pe el nu este atât de rapidă și clară, fortele este puțin greu, legato-ul este dificil. Cantilena la trombon necesită multă tensiune din partea interpretului. Cu toate acestea, acest instrument are calități care îl fac indispensabil în orchestră: sunetul trombonului este mai puternic și mai masculin. Monteverdi în opera „Orpheus” a simțit poate pentru prima dată caracterul tragic inerent sunetului unui ansamblu de trombon. Și începând cu Gluck, trei tromboni au devenit obligatorii într-o orchestră de operă; ele apar adesea la punctul culminant al unei drame. Trio-ul de tromboni se pricepe la fraze oratorice. Din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, grupul de tromboni a fost completat de un instrument de bas - tuba. Împreună, trei tromboane și o tubă formează un cvartet de „alama grea”. Un efect foarte ciudat este posibil pe trombon - glissando. Se realizează prin alunecarea în culise într-o poziție a buzelor interpretului. Această tehnică era cunoscută chiar de Haydn, care în oratoriul „Cele patru anotimpuri” o folosea pentru a imita lătratul câinilor. Glissando este utilizat pe scară largă în muzica modernă. Urletul deliberat și nepoliticos al trombonului din Dansul Sabiei din baletul lui Khachaturian Gayane este curios. Interesant este și efectul unui trombon cu mute, care conferă instrumentului un sunet de rău augur, bizar.

  Progenitorul cornului modern a fost cornul. Din cele mai vechi timpuri, semnalul cornului anunța începutul bătăliei, în Evul Mediu și mai târziu, până la începutul secolului al XVIII-lea, se auzea la vânătoare, concursuri și ceremonii solemne de curte. În secolul al XVII-lea, cornul de vânătoare a fost introdus ocazional în operă, dar abia în secolul următor a devenit membru permanent al orchestrei. Și chiar numele instrumentului - corn - reamintește rolul său din trecut: acest cuvânt provine din germanul „Waldhorn” – „corn de pădure”. În cehă, acest instrument este încă numit corn de pădure. Tubul metalic al vechiului corn francez era foarte lung: la desfacere, unele dintre ele ajungeau la 5m 90cm. Un astfel de instrument nu putea fi ținut drept în mâini; așa că țeava a fost îndoită și modelată într-o formă grațioasă asemănătoare cochiliei. Sunetul vechiului corn era foarte frumos, dar instrumentul s-a dovedit a fi limitat în capacitățile sale de sunet: a fost posibil să se extragă doar așa-numita scară naturală, adică acele sunete care apar din împărțirea coloanei de aer conținute. în tub în 2, 3, 4, 5, 6, etc. Potrivit legendei, în 1753, cornista din Dresda Gampel a băgat accidental mâna în clopot și a descoperit că acordarea cornului a scăzut. De atunci, această tehnică a fost utilizată pe scară largă. Sunetele obținute în acest fel au fost numite „închise”. Dar erau surzi și foarte diferiți de cei deschisi strălucitori. Nu toți compozitorii riscau adesea să apeleze la ei, de obicei mulțumiți de motive de fanfară scurte, bine răsunătoare, construite pe sunete deschise. În 1830, a fost inventat mecanismul supapei - un sistem permanent de tuburi suplimentare, care vă permite să obțineți o scară cromatică completă, care sună bine pe corn. Câteva decenii mai târziu, cornul francez îmbunătățit l-a înlocuit în cele din urmă pe cel vechi natural, care a fost folosit ultima dată de Rimski-Korsakov în opera Noaptea de mai în 1878. Cornul este considerat cel mai poetic instrument din grupul de alame. În registrul mic timbrul cornului este oarecum sumbru, în registrul superior este foarte tensionat. Cornul poate cânta sau spune încet. Cvartetul de corn sună foarte blând - îl puteți auzi în „Valsul florilor” din baletul „Spărgătorul de nuci” al lui Ceaikovski.

  TUBA este un instrument destul de tânăr. A fost construită în al doilea sfert al secolului al XIX-lea în Germania. Primele tube erau imperfecte și au fost folosite inițial doar în orchestrele militare și de grădină. Abia când a ajuns în Franța, în mâinile maestrului instrumental Adolphe Sax, tuba a început să îndeplinească cerințele înalte ale orchestrei simfonice. Tuba este un instrument de bas capabil să atingă cel mai de jos capăt al gamei din grupul de alamă. În trecut, funcțiile sale erau îndeplinite de șarpe, un instrument de formă bizară care îi datorează numele (în toate limbile romanice, șarpele înseamnă „șarpe”) – apoi trombonele de bas și contrabas și oficulida cu timbrul său barbar. Dar calitățile sonore ale tuturor acestor instrumente erau de așa natură încât nu dădeau fanfarei un bas bun și stabil. Până când a apărut tuba, maeștrii s-au încăpățânat să caute un nou instrument. Dimensiunile tubului sunt foarte mari, tubul ei este de două ori mai lung decât tubul trombonului. În timpul jocului, interpretul ține instrumentul în fața sa cu clopoțelul sus. Tuba este un instrument cromatic. Consumul de aer pe tub este enorm; uneori, mai ales în forte într-un registru scăzut, interpretul este forțat să-și schimbe respirația la fiecare sunet. Prin urmare, solo-urile pe acest instrument sunt de obicei destul de scurte. Din punct de vedere tehnic, tuba este mobilă, deși grea. Într-o orchestră, ea servește de obicei ca bas într-un trio de tromboane. Dar uneori tuba acționează ca un instrument solo - ca să spunem așa, în roluri caracteristice. Astfel, în timp ce instrumenta „Tablouri la o expoziție” a lui Mussorgski în piesa „Vite”, Ravel i-a încredințat tubei de bass imaginea plină de umor a unui cărucior care zbârnâie târând de-a lungul drumului. Partea de tubă este scrisă aici într-un registru foarte înalt.

  Creatorul SAXOFONULUI este remarcabilul producător de instrumente franco-belgian Adolf Sachs. Sachs a plecat de la o presupunere teoretică: este posibil să se construiască un instrument muzical care să ocupe o poziție intermediară între suflat și alamă? Un astfel de instrument, capabil să lege timbrele cuprului și lemnului, avea mare nevoie de fanfarele militare imperfecte ale Franței. Pentru a-și implementa planul, A. Sachs a folosit un nou principiu de construcție: a conectat un tub conic cu o trestie de clarinet și un mecanism de supapă pentru oboi. Corpul instrumentului era din metal, contururile exterioare semănau cu un clarinet bas; evazat la capăt, tub puternic îndoit în sus, de care este atașat un baston pe vârf metalic, îndoit în formă de „S”. Ideea lui Sachs a avut un succes genial: noul instrument a devenit cu adevărat legătura dintre alamă și suflat în trupele militare. Mai mult, timbrul său s-a dovedit a fi atât de interesant încât a atras atenția multor muzicieni. Colorarea sunetului saxofonului amintește de cornul englezesc, clarinetul și violoncelul în același timp, dar puterea sonoră a saxofonului depășește cu mult puterea sonoră a clarinetului. După ce și-a început existența în fanfarele militare ale Franței, saxofonul a fost introdus curând în opera și orchestra simfonică. Multă vreme – câteva decenii – doar compozitorii francezi s-au îndreptat către el: Thomas („Hamlet”), Massenet („Werther”), Bizet („Arlesienne”), Ravel (instrumentație a Katrinok-ului lui Mussorgski dintr-o expoziție). Atunci au crezut în el și compozitorii din alte țări: Rahmaninov, de exemplu, i-a încredințat saxofonului una dintre cele mai bune melodii ale sale în prima parte a Dansurilor simfonice. Este curios că pe drumul său neobișnuit saxofonul a trebuit să se confrunte cu obscurantismul: în Germania în anii fascismului a fost interzis ca instrument de origine non-ariană. În anii 1910, muzicienii ansamblurilor de jazz au atras atenția asupra saxofonului, iar în curând saxofonul a devenit „regele jazzului”. Mulți compozitori ai secolului al XX-lea au apreciat acest instrument interesant. Debussy a scris Rapsodie pentru saxofon și orchestră, Glazunov - Concert pentru saxofon și orchestră, Prokofiev, Șostakovici și Khachaturian s-au referit la el în mod repetat în lucrările lor. Tobe