Un tablou este o lucrare de pictură de șevalet care are un sens independent. Pictura de șevalet, monumentală, decorativă Legătura spațiului pictural al tabloului cu spațiul real

Pictura- o lucrare de pictură care are un caracter complet (spre deosebire de o schiță și o schiță) și o valoare artistică independentă. Se compune dintr-o bază (pânză, scândură de lemn sau metal, carton, hârtie, piatră, mătase etc.), un grund și un strat de vopsea. Pictura este unul dintre tipurile de artă de șevalet. Imaginile vin în diferite genuri. Creând o imagine, artistul se bazează pe natură, dar imaginația creativă joacă un rol important în acest proces. Sfârșitul secolului al XIX-lea a fost marcat în toată Europa de o nouă viziune dinamică asupra lumii. Artistul de la începutul secolului a trebuit să corespundă vieții în continuă schimbare: nu atât să reflecte lumea din jurul lui (fotografie și cinematograful fac acum asta), cât să-și poată exprima individualitatea, lumea interioară, propria viziune din imagine. Apogeul artei a fost atins în picturile unor pictori remarcabili. În diversele curente ale modernismului, există o pierdere a intrigii și o respingere a figurativității, astfel conceptul de imagine este revizuit semnificativ. Unii artiști aparținând diferitelor școli de pictură s-au îndepărtat de la a descrie lumea (oameni, animale, natură) așa cum o vedem noi. Pe tablourile lor, lumea apare deformată, uneori complet de nerecunoscut, pentru că artiștii sunt ghidați mai mult de imaginația lor decât de percepția vizuală a fenomenelor din jurul nostru.

Pictura joacă un rol important în dezvoltarea picturii.

O reproducere poate fi numită și pictură, dacă în contextul relevant nu contează dacă este o copie sau o lucrare originală.

O imagine într-un sens figurativ sau mai general este orice operă de artă completă, integrală, inclusiv o descriere vie și vie, orală sau scrisă, a unei vederi a naturii.

Pictura este arta planului și un punct de vedere, unde spațiul și volumul există doar în iluzie. Pictura, datorită complexității mijloacelor vizuale, este capabilă să creeze pe un plan o astfel de adâncime a spațiului iluzoriu și o multidimensionalitate a realității artistice care nu este supusă altor metode de reprezentare. Fiecare imagine îndeplinește două funcții - picturală și expresiv-decorativă. Limbajul pictorului este destul de înțeles doar pentru cei care sunt conștienți de funcțiile decorative-ritmice ale planului tabloului.

În percepția estetică, toate funcțiile imaginii (atât decorative, plane, cât și picturale, spațiale) trebuie să participe simultan. A percepe și înțelege corect o imagine înseamnă a vedea simultan și indivizibil suprafața, adâncimea și modelul, și ritmul și imaginea.

Percepția estetică a unui tablou este mult îmbunătățită atunci când este plasată într-un cadru adecvat care separă pictura de lumea înconjurătoare. Tipul oriental de pictură păstrează forma tradițională a unui sul desfășurat (orizontal sau vertical). Tabloul, spre deosebire de pictura monumentală, nu este legat rigid de un anumit interior. Poate fi scos de pe perete și agățat diferit.

Profunzimea spațiului iluzoriu al picturilor

Profesorul Richard Gregory a descris „proprietățile ciudate ale picturilor”: „Tablourile sunt o clasă unică de obiecte, deoarece sunt atât vizibile în sine, cât și ca ceva cu totul diferit de doar o foaie de hârtie pe care sunt desenate. Imaginile sunt paradoxale. Niciun obiect nu poate fi în două locuri în același timp; niciun obiect nu poate fi atât bidimensional cât și tridimensional în același timp. Și așa vedem pozele. Imaginea are o dimensiune foarte definită și, în același timp, arată dimensiunea reală a unei fețe umane, a unei clădiri sau a unei nave. Imaginile sunt obiecte imposibile.

Capacitatea unei persoane de a răspunde la situații absente, imaginare, prezentate în imagini, este o etapă importantă în dezvoltarea gândirii abstracte.

Cum se fac picturile

Un tablou este lumea spirituală a artistului, experiențele și sentimentele sale exprimate pe pânză sau hârtie. Este dificil să explici cum sunt create picturile - este mai bine să o vezi singur. Este imposibil de exprimat în cuvinte cum pictează artistul peste pânză, cu ce pensulă atinge pânza, ce picturi alege. În timpul lucrării, totul devine una: artistul, pensula și pânza. Și deja după prima lovitură a pensulei în atelier, magia specială a picturii începe să funcționeze.

Imaginile nu sunt doar o pânză pictată, ele afectează sentimentele și gândurile, lasă o amprentă asupra sufletului, trezesc presimțiri.

Cum se creează un tablou?

S-ar părea, vopsele, pensule, pe pânză. Poate exista un alt răspuns universal: în moduri diferite.

Metodele de lucru la o pictură s-au schimbat constant de-a lungul istoriei artei. Artiștii Renașterii italiene au lucrat cu totul altfel decât Rembrandt sau „micuții olandezi” din secolul al XVII-lea, romanticii au lucrat altfel decât impresioniștii, abstracționiștii, artiștii realiști contemporani. Da, și în aceeași eră și chiar într-o direcție, puteți găsi o mare varietate.

Artiștii realiști din trecut și prezent (dacă înțelegem realismul în sensul larg al cuvântului) sunt uniți de următoarele:

Crearea unei opere cu drepturi depline, în acest caz un tablou, portret sau peisaj, este imposibilă fără un studiu profund al vieții, o atitudine activă a autorului față de aceasta. Mijloacele de cunoaștere artistică a vieții sunt opera din natură, impresiile vizuale, analiza și sinteza fenomenelor vieții.

Crearea unei picturi este un proces creativ complex, care necesită multă muncă, ale cărui rezultate sunt determinate nu de timpul petrecut, ci de măsura talentului, priceperea artistului, puterea și eficacitatea soluției figurative originale. Cele mai importante repere în acest proces sunt originea și concretizarea ideii, observațiile directe, schițele, schițele din natură, scrierea propriu-zisă a tabloului cu indispensabila prelucrare creativă, activă a materialului vieții.

Iar când un privitor se apropie de un tablou într-un muzeu sau la o expoziție, înainte de a-și face propria judecată în privința ei, trebuie să-și amintească că în spatele lui se află întotdeauna o persoană vie, un artist care și-a investit o bucată din viață, inimă, nervi. , talent și pricepere în muncă. Se poate spune că pictura este visul unui artist devenit realitate.

G. S. OSTROVSKII

Completitudinea imaginii

În viață, multe se întâmplă întâmplător - în imagine nu pot exista astfel de accidente, totul în ea trebuie finalizat, logic. În ce moment este considerat un tablou complet?

Lovitura picturală impastă a virtuozului Rembrandt, atât de apreciată mai târziu și în vremurile noastre, nu a provocat decât nedumerire în rândul contemporanilor lui Rembrandt și a dat naștere ridicolului și duhului pe cheltuiala lui. Opunându-se criticilor săi, Rembrandt a contestat corectitudinea înțelegerii lor cu privire la completitudinea unui tablou, opunându-le cu propria sa înțelegere a acesteia, pe care a formulat-o în felul acesta: tabloul trebuie considerat complet atunci când artistul a spus tot ce și-a dorit în ea. . Pentru a nu auzi întrebările care îl deranjau despre „incompletitudinea” picturilor sale, Rembrandt a încetat să mai permită vizitatorilor naivi ai atelierului său să se apropie de ei, care priveau cu mare curiozitate la trăsăturile de bravura ale picturii sale, înspăimântându-i cu faptul că picturile nu trebuie abordate prea aproape, deoarece mirosirea vopselelor lor este nesănătoasă.

Matisse despre pictura sa:

„Încerc doar să pun pe pânză acele culori care exprimă sentimentul meu. Proporția necesară de tonuri mă poate face să schimb forma figurii sau să schimb compoziția. Până nu am ajuns la această proporție în toate părțile imaginii, mă uit Apoi vine momentul în care toate părțile capătă proporțiile lor finale și atunci nu pot atinge imaginea fără a o reface din nou.

Începând aproximativ de la impresioniști, categoriile de desen, formă și culoare sunt strâns legate, crescute împreună, par a fi un proces continuu: desenul și culoarea, modelarea și compoziția, tonul și linia apar și se dezvoltă parcă în același timp. Procesul de pictare a unui tablou poate, ca să spunem așa, să continue la nesfârșit, momentul finalizării lucrării este oarecum arbitrar: oriunde pe pânză, artistul o poate continua, aplicând noi traze altora similare, dar situată dedesubt. Cel mai izbitor și mai consistent reprezentant al acestui sistem este Cezanne. În scrisori și conversații înregistrate, el a formulat în mod repetat această metodă mixtă sau, mai corect, nediferențiată de pictură. În orice moment, lucrarea la un tablou poate fi întreruptă, dar lucrarea nu își va pierde valoarea estetică. În orice moment imaginea este gata.

Legătura spațiului pictural al tabloului cu spațiul real

Artistul și teoreticianul artei V. A. Favorsky, în cursul teoriei compoziției, a subliniat că o operă cu adevărat artistică are o existență dublă încă de la naștere: ca obiect în spațiul înconjurător și ca lume relativ închisă cu propriile relații spațio-temporale. . În pictură, acest scop este atins prin coordonarea structurii interne a tabloului cu cadrul, în sculptură - cu spațiul înconjurător (un exemplu clasic: o statuie într-o nișă).

Pentru a conecta spațiul pictural cu spațiul real în care se află privitorul, se folosește o ramă de imagine. Artiștii se joacă și cu multiple „reproducție a cadrului” în imaginea în sine, rime vizuale, repetări de verticale și orizontale. Una dintre tehnicile caracteristice care vă permite să „întăriți” vizual imaginea în limitele unui format dreptunghiular este „colțul teșit”. Separarea picturii de arhitectură a dat naștere unui anumit sistem de percepție a picturii de șevalet. Conținutul principal al imaginii este expresia unei viziuni holistice asupra spațiului. Compoziția se transformă într-o expunere în care privitorul se confruntă cu lumea transformată a relațiilor spațio-temporale și se vede în ea ca într-o oglindă. Așa că sticla transparentă a Renașterii s-a transformat într-o oglindă a epocii clasice și baroc. Arta epocii postrenascentiste se caracterizeaza prin jocul cu reflexiile in oglinda, introducerea unor figuri-mediatori in alcatuirea tabloului, persoane care, prin pozitia lor, privirea sau gestul mainii, indica actiunea care se desfasoara in adâncimea imaginii, de parcă i-ar fi invitat să intre în ea. Pe lângă cadru, în astfel de compoziții există un proskenium - partea din față a scenei, în culise, apoi calea de mijloc, în care are loc acțiunea principală, iar fundalul - „fondul”.

Artistul plasează de obicei figurile principale în planul mijlociu al imaginii, așându-le pe o linie orizontală mentală ca pe un piedestal. Adâncimea „stratului spațial” depinde de poziția acestei linii orizontale de referință (în termeni planimetrici - deasupra sau sub marginea inferioară a ramei imaginii). Amânând orizontalul de multe ori în sus, pictorul creează un anumit ritm de mișcare în adâncurile spațiului imaginar. Datorită acestui fapt, chiar și pe o pânză mică, puteți reprezenta un spațiu de orice lungime cu orice număr de figuri și obiecte. Într-o astfel de expunere, trebuie să atragem atenția privitorului asupra faptului că unele obiecte sunt mai aproape, în timp ce altele sunt mai departe. Pentru a face acest lucru, se folosesc „indicatoare”: reducerea perspectivei, introducerea de repere la scară mare (figuri mici de oameni în fundal), planuri suprapuse, contrast tonal, umbre căderea de la o sursă de lumină în interiorul sau în afara imaginii. Un alt punct de referință pentru mișcarea mentală a privitorului în spațiul imaginii sunt diagonalele, principala fiind „diagonala de intrare” (de obicei de la stânga la dreapta).

Poza din poza

Poza din poza

Picture in Picture poate fi utilizat într-o funcție specială de compoziție. O organizare ierarhică similară este prezentată în cazul înfățișării unui tablou în cadrul unui tablou (precum și frescele din picturile murale etc.).

„Tabloul într-o imagine” este o tehnică compozițională întâlnită în arta picturii clasice din secolele XVI-XVII. O imagine din cadrul unei imagini poate fi înzestrată cu un sens ascuns special.

Tehnica compozițională „imagine în imagine” poate îndeplini mai multe sarcini:

• exprima o idee
• explica complotul
• a se opune sau a crea armonie
• fi un detaliu al situației (interior)

Foarte des, imaginea unui fundal dintr-un tablou poate fi înțeleasă ca un fel de imagine într-o imagine, adică o imagine independentă construită conform propriilor legi speciale. În același timp, imaginea fundalului, într-o măsură mai mare decât imaginea figurilor de pe planul principal, este supusă unor sarcini pur decorative, putem spune că adesea nu lumea în sine este reprezentată aici, ci peisajul acestei lumi, adică nu imaginea în sine este prezentată, ci imaginea acestei imagini.

Pentru olandezi, o hartă geografică, o tapiserie, o imagine, o fereastră deschisă ca imagine inclusă în imagine extind granițele lumii sau servesc la dezvoltarea semnificației alegorice a intrigii principale. Vermeer, deschizând vălul atelierului, devine ghid pe trei niveluri ale realității: spațiul privitorului, spațiul atelierului său, spațiul operei de artă (pânza care stă pe șevalet), asemănând aceste metamorfoze. a înota în oceane, marcate pe o hartă geografică sau a zbura deasupra pământului marcat pe hartă.

Debordarea realității - artă - mit poate fi observată și la Velazquez, care recurge de bunăvoie la tehnica „picture in picture”, un exemplu din care poate fi Meninas și Spinners.

„Picture in picture” este și în „Venus în fața unei oglinzi” de Velasquez, dar oglinda ceață reflectă doar umbra zeiței iubirii.

Pictura si rama

Orice imagine creată de artist, cu excepția picturilor antice rupestre, are un cadru. Încadrarea este o parte necesară și importantă a compoziției, o completează, dă unitate. Cadrul poate fi pe același plan cu compoziția picturală sau grafică în sine. De asemenea, poate fi creat special ca un fel de formă de relief cu ajutorul elementelor decorative, sculpturale și arhitecturale. Cel mai adesea există rame de formă dreptunghiulară, ceva mai rar - rotunde și ovale.

Rama ajută la deosebirea picturii de mediu ca ceva special și demn de atenție, dar în același timp îl conectează cu mediul. Deci, dacă stilul cadrului coincide cu aspectul artistic, structura și caracterul interiorului în care se află tabloul, acest lucru contribuie la integritatea ansamblului. În funcție de culoare, saturația cu detalii decorative și sculpturale, cadrul afectează semnificativ impresia de ansamblu a imaginii picturale. Toate acestea ne permit să vorbim despre unitatea imaginii și a cadrului, unde încadrarea îndeplinește, desigur, nu funcția principală, ci o funcție foarte necesară.

Dezvoltarea picturii de șevalet a fost complexă. Ce piatră de hotar strălucitoare în istoria sa a fost trecerea de la Evul Mediu la Renaștere! Cea mai semnificativă în ea a fost dorința de a scăpa de rigiditatea și abstracția imaginii icoanei care a dominat Evul Mediu. Aproximativ în secolul al XIV-lea s-a născut un tablou în sensul modern al cuvântului, iar odată cu el a apărut un cadru, îmbrăcat încă în dantelă unui decor gotic.

Primele cadre nu erau complet opuse întregii imagini și nu erau separate de aceasta; materialele ambelor erau similare, aurirea condiționată a fundalului, de exemplu, a unei icoane antice rusești sau bizantine, a trecut în cadru, iar imaginea în sine a „împroșcat” adesea pe ea. Apoi, granițele dintre imagine și cadru au devenit din ce în ce mai clar recunoscute. Cu toate acestea, ca un fel de amintire a secolelor anterioare, cadrul și-a păstrat culoarea aurie. Când fondul auriu, care denotă lumea divinului, a dispărut din tablou, aurirea cadrului a început să fie percepută condiționat, cu alte cuvinte, ca un atribut necesar al cadrului, care a ajutat la evidențierea tabloului din cameră, atrage privirea privitorului la ea.

În Renaștere, a dominat ideea picturii ca o privire asupra lumii printr-o fereastră, cadrul, cu formele sale, făcea foarte clar aluzie la ideea predominantă și îi răspundea. Aceste cadre magnifice, solemne, au fost realizate după desenele artiștilor din ateliere speciale sau de către asistenții artistului care lucrau în atelierul său.

În timpul Renașterii, pictura a fost constant comparată cu o oglindă care reflectă realitatea, iar cadrul, creat ca un cadru ornamental de oglindă, a subliniat și mai puternic această comparație. Acest cadru ar putea fi realizat nu numai din șipci de lemn și ipsos, ci și din materiale prețioase, inclusiv argint, fildeș, sidef etc. Pretiozitatea materialelor parea sa se potriveasca cu pretiozitatea tabloului, intarindu-l.

Vechii maeștri au fost foarte atenți la cadru, ținând cont de impactul acestuia în procesul de lucru, uneori chiar au pictat într-un cadru finit, ținând cont de un anumit ton și ritm decorativ al cadrului. Prin urmare, compozițiile vechilor maeștri beneficiază adesea foarte mult în cadrele originale.

Observațiile asupra ramelor vechilor maeștri ne permit să stabilim un alt principiu - corespondența dintre profilul și lățimea cadrului și dimensiunea tabloului: de exemplu, pictorii olandezi obișnuiau să-și introducă picturile mici în cadre mari cu profil adânc și pur. , care, parcă, conduce ochiul în centrul imaginii și îl izolează de orice influență a mediului

La începutul secolului al XX-lea au început să se audă voci care ceru abandonarea totală a cadrelor, ca ceva prea material, „întemeind” spiritualitatea artei. Diferiți artiști de avangardă, după astfel de apeluri, au început să-și expună lucrările fără rame. Cu toate acestea, ca urmare a acestei inovații, lucrările lor în sine au încetat să mai fie picturi în sensul restrâns al cuvântului. Acestea erau un fel de „obiecte”, „pete”, adesea lipsite de un sens clar.

Deși acum nu există un singur stil în designul ramelor, așa cum a fost cândva, dar există mai mult decât înainte, corespondența cadrului cu stilul individual al artistului.

Recent la expozițiile de artă se poate observa că începe să fie depășită inerția în raport cu proiectarea ramelor (să fie, dar ce nu este atât de important), care s-a manifestat în trecut cu artiștii noștri. Ramele sunt pictate în diferite culori, pe ele sunt adesea plasate mici imagini suplimentare și inscripții, sculptorii îi ajută pe pictori - apar rame cu motive plastice bogate.

Format de imagine

Există, însă, două elemente specifice tabloului, care par să creeze o tranziție de la plan la imagine, aparținând în același timp realității imaginii și ficțiunii sale - formatul și cadrul. Poate părea că formatul imaginii este doar un instrument al artistului, dar nu o expresie directă a conceptului său creativ: la urma urmei, artistul alege doar formatul. Între timp, natura formatului este cel mai strâns legată de întreaga structură internă a unei opere de artă și adesea indică chiar calea corectă pentru înțelegerea intenției artistului. De regulă, formatul este ales înainte de începerea lucrării pictorului. Dar sunt cunoscuți o serie de artiști cărora le-a plăcut să schimbe formatul imaginii în timp ce lucrau, fie tăind bucăți din ea, fie adăugând altele noi (Velasquez a făcut acest lucru de bunăvoie).

Cel mai comun format pentru o imagine este patruunghiular, un pătrat pur fiind mult mai rar decât un patrulater mai mult sau mai puțin alungit în sus sau în lățime. Unele epoci apreciază formatul rotund (tondo) sau oval. Alegerea formatului nu este întâmplătoare, formatul dezvăluie de obicei o legătură profundă, organică atât cu conținutul operei de artă, cu tonul ei emoțional, cât și cu compoziția imaginii, reflectă la fel de clar temperamentul individual al artistului. și gustul unei întregi epoci. Simțim relația de cauzalitate ascunsă dintre format și intenția artistului înaintea fiecărei imagini, din care provine farmecul unei adevărate opere de artă. Există tablouri al căror conținut este atât de îmbinat cu natura formatului încât cea mai mică schimbare de proporții, se pare, ar trebui să deranjeze echilibrul stilistic și ideologic al tabloului.

Formatul orizontal, alungit, în general, este cu siguranță mai potrivit pentru compoziția narativă, pentru desfășurarea secvențială a mișcării dincolo de privitor. Prin urmare, artiștii care sunt epici în dispoziție, luptă pentru compoziție activă, pentru acțiune, apelează de bunăvoie la acest format, de exemplu, pictorii italieni din secolul al XIV-lea și prima jumătate a secolului al XV-lea (în special în compozițiile în frescă). Dimpotrivă, un format pătrat sau unul în care înălțimea prevalează oarecum asupra lățimii, ca și cum ar opri imediat dinamica acțiunii și dă compoziției caracterul unei reprezentări solemne - acesta a fost acest tip de format pe care maeștrii Înalta Renaștere a preferat pentru picturile lor de altar ("Madona Sixtina"). La rândul său, cu o predominanță semnificativă a înălțimii asupra lățimii, compoziția capătă din nou dinamică, tracțiune puternică, dar de data aceasta în sus sau în jos; un format atât de îngust era pe placul în special al artiştilor aristocratici, decorativi (Crivelli) sau mistici (manierişti, greci), care căutau să întrupeze anumite emoţii şi stări de spirit.

Legătura formatului cu temperamentul individual al artistului este, de asemenea, neîndoielnică: fantezia senzuală, dinamică a lui Rubens necesită un format mai mare decât fantezia reținută și spiritualizată a lui Rembrandt. În cele din urmă, formatul depinde direct de tehnica picturală. Cu cât pensula artistului este mai largă, mai liberă, cu atât mai firească este dorința lui pentru un format mare.

1) Un tablou de șevalet care are o semnificație independentă. Spre deosebire de un studiu și de o schiță, un tablou este o lucrare completă, rezultatul unei lucrări îndelungate, a unei generalizări a observațiilor și reflecțiilor asupra vieții. Imaginile vin în diferite genuri. Imaginea întruchipează profunzimea intenției și conținutul figurat. Spre deosebire de o frescă sau o carte în miniatură, o pictură nu este neapărat asociată cu un anumit interior sau cu un anumit sistem de decorare.

Creând o imagine, artistul se bazează pe natură, dar imaginația creativă joacă un rol important în acest proces. Conceptul de pictură se aplică în primul rând lucrărilor de natură intriga-tematică, a căror bază este imaginea unor evenimente istorice, mitologice sau sociale importante, acțiunilor umane, gândurilor și emoțiilor în compoziții complexe cu mai multe figuri. Prin urmare, în dezvoltarea picturii, imaginea joacă un rol principal.

Tabloul este format dintr-o bază (pânză, scândură de lemn sau metal, placaj, carton, carton presat, plastic, hârtie, mătase etc.), pe care se aplică un grund și un strat de vopsea. Percepția estetică a unui tablou este mult îmbunătățită atunci când acesta este plasat într-un cadru adecvat (baghetă) care separă tabloul de lumea înconjurătoare. Tipul oriental de pictură păstrează forma tradițională a unui sul desfășurat (orizontal sau vertical). Poza, spre deosebire de pictură monumentală, nu este legat rigid de un anumit interior. Poate fi scos de pe perete și agățat diferit.

Culmile artei au fost atinse în picturile unor pictori remarcabili. În diversele curente ale modernismului, există o pierdere a intrigii și o respingere a figurativității, astfel conceptul de imagine este revizuit semnificativ. O gamă tot mai largă de lucrări picturale ale secolului al XX-lea. numite imagini. Pictura este unul dintre cele mai tipice tipuri de artă de șevalet. Johann Wolfgang Goethe a scris: „Imaginile nu sunt doar o pânză pictată, ele afectează sentimentele și gândurile, lasă o amprentă asupra sufletului, trezesc presimțiri”.

O reproducere sau o copie a unui tablou original poate fi numită și pictură dacă nu este importantă în contextul relevant dacă este o copie sau o lucrare originală. De exemplu, „Au fost mai multe tablouri atârnate pe coridor”.

2) Într-un sens figurat sau mai general - orice operă de artă completă, integrală, inclusiv - o descriere vie și vie, orală sau scrisă, o vedere frumoasă a naturii.

3) Într-o operă muzicală și teatrală - o parte a actului, despărțită nu printr-o pauză, ci printr-o scurtă pauză, timp în care cortina cade scurt.

4) În muzică - desemnarea lucrărilor instrumental-simfonice, care se caracterizează prin concretețe deosebită, vizualizarea imaginilor muzicale; uneori astfel de lucrări aparțin genului de muzică de program.

5) În construcție, un element de acoperiș ale cărui margini sunt pregătite pentru o îmbinare a cusăturii. Se aplică în acoperișuri pliate. În funcție de tehnologie, se realizează prin metode manuale sau mecanice. Există tablouri pentru o acoperire obișnuită, precum și tablouri pentru surplome de cornișă, jgheaburi de perete, jgheaburi, văi etc.

„Arta este aceeași nevoie pentru o persoană ca a mânca și a bea. Nevoia de frumos și creativitate, întruchipând-o, este inseparabilă de om”, a scris F. M. Dostoievski.

Într-adevăr, istoria mărturisește că omul a fost întotdeauna inseparabil de artă. În munți, în peșterile diferitelor țări ale lumii s-au păstrat picturi antice rupestre. Aceste desene expresive ale animalelor și vânătorilor au fost făcute în vremurile când oamenii nu puteau scrie.

Monumentele de artă ne spun ce mare importanță a avut în viața omului și a societății umane. Grecii antici au creat un frumos mit despre Muze - surori veșnic tinere, personificând artele și știința. Melpomene - muza tragediei, Thalia - comedia, Terpsichore - dansul, Clio - muza istoriei... Mitul spune că atunci când zeul Apollo - patronul artei, poeziei și muzicii - a apărut însoțit de muze, atunci toate natura le-a ascultat cântarea... Muzica, muzeul - aceste cuvinte provin din cuvântul Muse.

Mitul poetic al muzelor surori nu și-a pierdut sensul. Fiecare tip de artă are propriile mijloace expresive: în muzică este sunet, în arte plastice este culoare, linie etc., în literatură este cuvântul. Dar esența aferentă de tot felul constă în faptul că arta este una dintre formele conștiinței sociale, care se bazează pe o reflectare figurativă a fenomenelor realității.

Artele vizuale legate de percepția vizuală includ: pictura, grafica și sculptura. Aceste arte creează o imagine în plan (pictură și grafică) și în spațiu (sculptură).

O poză, desen, imprimeu, sculptură care are un sens independent, adică nu este asociat cu niciun ansamblu artistic sau cu un scop pur practic, numim lucrări de șevalet. Această definiție provine de la cuvântul „mașină” (în acest caz, un șevalet), pe care este plasată o pânză atunci când este pictată o imagine. Și chiar și faptul că tabloul este introdus în mod necesar în cadru subliniază independența, adică izolarea picturii de șevalet de mediu. Rama separă poza, creează oportunitatea de a o percepe ca un întreg artistic independent. Unele picturi de șevalet sunt reproduse în carte.

Spre deosebire de mașină pictură monumentală prin scopul și caracterul său este legat de ansamblul arhitectural. Frescele, mozaicuri, panouri, vitralii intră organic în arhitectură, completând și îmbogățind decorul interiorului sau al întregii clădiri. Exemple excelente de pictură monumentală sunt frescele lui Rafael din Palatul Vatican, picturile lui Michelangelo din Capela Sixtină. Pictura monumentală a atins cel mai înalt nivel în arta bizantină și veche rusă.

În vremea noastră, pictura monumentală este utilizată pe scară largă în palatele culturii, cluburi, teatre, stații de metrou, gări etc. Mulți dintre voi ați văzut mozaicuri în metrou, create după schițe de P. Korin, A. Deineka și alții. maeștri sovietici. Picturi murale interioare ale Autogariei și Muzeului Forțelor Armate din Moscova (artist Yu. Korolev), picturi murale ale Muzeului Ciolkovski din Kaluga (un grup de artiști condus de A. Vasnetsov), vitralii ale unor maeștri lituanieni, urmărite panouri ale artiștilor georgieni au împodobit multe clădiri noi din orașele noastre.

Arta monumentală a Mexicului modern a câștigat faima internațională. Mozaicurile lui Siqueiros și alți artiști importanți reflectă lupta eroică a poporului mexican pentru independență.

Nu este întotdeauna posibil să trasăm o linie ascuțită între un șevalet și o operă de artă monumentală. Acest lucru se explică prin faptul că pictura de șevalet are adesea calitatea de monumentalitate. Iar lucrările monumentale au uneori un sens independent, fiind percepute ca tablouri de șevalet terminate.

Există încă o zonă foarte mare de arte decorative și aplicate. Acestea sunt mobilier realizate artistic, vesela, haine, țesături, covoare, broderii, bijuterii etc. Cu toate acestea, unele tipuri de arte și meșteșuguri (tapiserie, goblen, sculptură decorativă) pot fi considerate și lucrări independente. Pictura, care are scopul de a decora sau dezvălui designul și scopul unui obiect și nu are o semnificație clar independentă, se numește decorativă.

Astfel, pictura se împarte în șevalet, monumentală și decorativă.

CARICATURĂ(it. caricatura, de la caricare - a încărca, a exagera) - un gen de artă plastică care folosește mijloacele satirei și umorului, grotesc, caricatural pentru a evalua critic orice fenomen social, politic și domestic sau indivizi și evenimente specifice. Efectul comic al unei imagini de caricatură este creat prin exagerare și ascuțire a trăsăturilor caracteristice, comparații neașteptate, comparații, metafore, o combinație între real și fantastic. Caricatura este folosită mai ales în grafica ziarelor și revistelor, dar își găsește un loc și în pictura satirică și în mica artă plastică, în afișe și chiar în pictura monumentală. Caricatura poate fi văzută în arta populară, în special în lubok. Caricaturi remarcabili au fost J. Effel (Franța), X. Bidstrup (Danemarca), Kukryniksy (M. Kupriyanov, P. Krylov, N. Sokolov - Rusia).

Pictura- lucrare de pictură de șevalet, care are o valoare independentă. Spre deosebire de un studiu și o schiță, o pictură este o operă completă, rezultatul unei lucrări îndelungate a artistului, o generalizare a observațiilor și o profunzime de intenție și conținut figurativ. Creând o imagine, artistul se bazează pe natură, dar imaginația creativă joacă un rol important în acest proces. Conceptul de pictură se aplică, în primul rând, lucrărilor de natură intriga-tematică, a căror bază este reprezentarea unor evenimente istorice, mitologice sau sociale importante, acțiunilor umane, gândurilor și emoțiilor în compoziții complexe cu mai multe figuri. Prin urmare, în dezvoltarea picturii, imaginea joacă un rol principal. Tabloul este format dintr-o bază (pânză, scândură de lemn sau metal, placaj, carton, carton presat, plastic, hârtie, mătase etc.), pe care se aplică un grund și un strat de vopsea. Percepția estetică a unui tablou este mult îmbunătățită atunci când acesta este plasat într-un cadru adecvat (baghetă) care separă tabloul de lumea înconjurătoare. Tipul oriental de pictură păstrează forma tradițională a unui sul desfășurat (orizontal sau vertical). Tabloul, spre deosebire de pictura monumentală, nu este legat rigid de un anumit interior. Poate fi scos de pe perete și agățat diferit. Apogeul artei a fost atins în picturile unor pictori remarcabili. În diversele curente ale modernismului, există o pierdere a intrigii și o respingere a figurativității, astfel conceptul de imagine este revizuit semnificativ. O gamă tot mai largă de lucrări picturale ale secolului al XX-lea. numite imagini.

GALERIE DE PICTURI- un muzeu de artă, care expune exclusiv sau în principal lucrări de pictură. O galerie de artă se mai numește și secțiunile de pictură din marile muzee și sălile palatului destinate colecțiilor de picturi. În Grecia antică, depozitul de picturi a fost numit Pinakothek, iar mai târziu marile colecții de picturi, adică galerii de artă, au fost numite așa. Multe dintre cele mai mari muzee de artă din lume sunt galerii de artă și poartă numele de galerii, inclusiv Galeria Națională din Londra, Galeria Națională de Artă din Washington, Galeria de Stat Tretiakov din Moscova și altele.

PERIE- un instrument de artist, în principal un pictor, care este un stilou cu o grămadă la capăt. Pensulele pentru pictură sunt de obicei folosite din păr: peri (din peri de porc alb), kolinsky (din păr de jder roșu - o coloană), veveriță, dihor etc. Pentru pictura în acuarelă sunt potrivite pensulele din păr subțire și moale. pentru lucrul la mici detalii, de exemplu veverita. Pentru pictura cu guașă se aleg tempera, vopsele în ulei, pensule cu peri tari. Pe vremuri, artiștii foloseau o perie de bursuc numită flaut, cu care netezeau suprafața vopselei, distrugând zgârieturile lăsate pe vopsea de o perie cu peri. Periile sunt rotunde și plate, cu grămadă scurtă și lungă, tari și moi. Pe fiecare perie sunt pifra (1, 2, 3 etc.). Cu cât numărul este mai mare, cu atât peria este mai mare. Capetele părului din perie trebuie să fie ascuțite, nu tăiate. Părul trebuie coafat astfel încât să fie paralel și să nu iasă în lateral. O perie bună își păstrează forma chiar și după spălarea cu apă, iar una proastă se peri chiar dacă este înmuiată în vopsea. O astfel de perie nu este deloc potrivită pentru vopsire. Recent, artiștii preferă pensulele plate care dau o pensulă mai definită. În prezent, o perie largă și plată se numește flaut. Este folosit pentru vopsirea suprafețelor mari și amorsarea pânzelor. Pensulele sunt folosite și în grafică și caligrafie.

KITSCH(German Kitsch - letters, hack, bad taste) - produse pseudo-artistice care satisfac un gust artistic scăzut și nevoi estetice nedezvoltate. Kitsch-ul se caracterizează prin intensitatea culorii, eclectism, redundanță a decorului, falsuri de materiale prețioase. Manifestările kitsch-ului sunt posibile în toate tipurile de arte plastice, dar cel mai adesea se găsesc în producția de artă în masă, industria suvenirurilor, în grafica tipărită în masă și în unele tipuri de meșteșuguri de artă.

CLASIC(din latină classicus - exemplar) - în istoria artei, epoca celei mai mari ascensiuni a artei antice în secolele V-IV. î.Hr e. Arta clasică - arta Greciei antice și a Romei antice în perioada lor de glorie, precum și arta Renașterii europene și a clasicismului, care se baza direct pe tradițiile antice. În epoca clasicilor, s-au format principalele ordine arhitecturale, s-a dezvoltat o planificare urbană obișnuită, sculptura monumentală, indisolubil legată de arhitectură, și arta decorativă a înflorit. Imaginile unor oameni armoniosi, înzestrați atât cu frumusețe fizică cât și spirituală, au fost create de cei mai mari sculptori Myron, Poliklet, Phidias, Praxiteles, Skopas. Pictura (Polygnotus) a fost foarte dezvoltată în arta clasică. În secolul al V-lea î.Hr e. au fost create cele mai desăvârșite lucrări arhitecturale ale Greciei Antice - templele Partenonului (arhitecții Iktin și Kallikrat) și Erehtheion, situate pe Acropole din Atena, marcate de unitatea artistică a întregului și a tuturor detaliilor arhitecturale și sculpturale. Arta clasică este asociată cu înflorirea Atenei și a altor orașe-stat în care a existat un sistem de democrație de sclavi.

CLASICISM(din latină classicus - exemplar) - stilul artistic al artei europene din secolele XVII-XIX, una dintre cele mai importante caracteristici ale căruia a fost apelul la arta antică ca cel mai înalt model și încrederea în tradițiile înaltei Renașteri. Arta clasicismului a reflectat ideile structurii armonioase a societății, dar în multe privințe le-a pierdut în comparație cu cultura Renașterii. Conflictele dintre individ și societate, ideal și realitate, sentimente și rațiune mărturisesc complexitatea artei clasicismului. Formele artistice ale clasicismului se caracterizează prin organizare strictă, echilibru, claritate și armonie a imaginilor. Arhitectura clasicismului se caracterizează printr-un sistem de ordine inspirat de eșantioane antice, claritatea și corectitudinea geometrică a volumelor și a dispozițiilor, porticurilor, coloanelor, statuilor și reliefurilor care ies în evidență pe suprafața pereților. O capodoperă remarcabilă a arhitecturii, care combină clasicismul și barocul într-un singur stil solemn, a fost ansamblul palatului și parcului din Versailles - reședința regilor francezi (a doua jumătate a secolului al XVII-lea). În pictură, desfășurarea logică a intrigii, o compoziție clar echilibrată, un transfer clar de volum, rolul subordonat al culorii cu ajutorul clarobscurului, folosirea culorilor locale (N. Poussin, K. Lorrain) au dobândit principalele elemente. importanţă. O delimitare clară a planurilor în peisaje a fost dezvăluită și cu ajutorul culorii: primul plan trebuia să fie maro, cel din mijloc - verde, iar cel îndepărtat - albastru.

§№5. Arte spațiale. Pictura.

Repetă întrebări?

1. Ce este grafica?
2. Ce mijloace de expresivitate a graficii cunoașteți?
3. Care este sensul termenilor:

• litografie,
• gravură în lemn,
• imprimare,
• gravare,
• atelă?

Pictura- unul dintre cele mai vechi tipuri de arte plastice, asociat cu transmiterea imaginilor vizuale prin aplicarea de vopsele pe o bază solidă sau flexibilă; crearea unei imagini folosind tehnologia digitală; precum şi opere de artă realizate în astfel de moduri.

Originile picturii.

Imaginile cu animale și oameni făcute în epoca societății primitive pe pereții peșterilor au supraviețuit până în vremurile noastre. De atunci, au trecut multe milenii, dar pictura a rămas mereu un tovarăș invariabil al vieții spirituale a omului. În ultimele secole, este, fără îndoială, cea mai populară dintre toate tipurile de artă plastică.

Funcții de pictură:

• Cognitiv
• estetic
• religios
• ideologic
• Social și educațional
• emotiv

Adrian van Ostade. Atelier de artist. 1663. Dresda.

Tipuri de pictură:

Clasificarea vopselei în funcție de materialul utilizat:

Clasificarea picturii după tehnică:

• A la Prima (Alla Prima)
• Grisaille
• Glazură
• Pointilism
• Perie uscata
• Sgraffito

Tehnicile de pictură sunt aproape inepuizabile. Tot ceea ce lasă orice urmă pe ceva, strict vorbind, este pictură: „pictura este creată de natură, timp și om”. Leonardo da Vinci.

Pictura de șevalet.

pictura de șevalet - un fel de pictură, ale cărei lucrări au un sens independent și sunt percepute indiferent de mediu. Literal - pictură, creată pe mașină (șevalet).

Lucrarea picturii de șevalet - o imagine - este creată pe o bază non-staționară (spre deosebire de monumentală) și non-utilitară (spre deosebire de decorativă) (pânză, carton, carton, hârtie, mătase) și implică o bază independentă și independentă. necondiţionată de percepţia mediului.

Pictură monumentală și decorativă.

pictură monumentală - pictura pe structuri arhitecturale si alte baze stationare.

Pictura monumentală este cel mai vechi tip de pictură, cunoscut din paleolitic (picturi din peșterile de la Altamira, Lasko etc.). Datorită staționării și longevității lucrărilor de pictură monumentală, numeroase mostre din ea au rămas din aproape toate culturile care au creat arhitectura dezvoltată și, uneori, servesc ca singurul tip de picturi supraviețuitoare ale epocii.

Principalele tehnici ale picturii monumentale:

• picturi murale
• Fresca pe tencuiala uda
• Fresco a secco
• pictura pe ceară
• Mozaic
• vitraliu

ȘI. B. LA.

A. Mântuit de Cel Atotputernic. Pictură pe cupola Bisericii Schimbarea la Față a Mântuitorului de pe strada Ilyina din Veliky Novgorod. Teofan Grecul. 1378 an. B. Marc Chagall. Picturi ale teatrului evreiesc din Moscova. W. Marc Chagall. Pictura de tavan al Operei din Paris.

Pictură în miniatură.

Miniatură(din lat. minium - vopsele roșii utilizate în proiectarea cărților scrise de mână) - în artele vizuale, picturile de formă mică, sculpturile și lucrările grafice, precum și arta creării lor.

pictură în miniatură comună și în est. În India, în timpul Imperiului Mughal, miniatura Rajasthani a devenit larg răspândită. A fost o sinteză a creativității comune a maeștrilor indieni și persani.

Genuri de pictură:

• Animalistic - imagini cu animale, păsări, insecte și alte faune.
• Abstract - imaginea compozițiilor neobiective.
• Bătălia - imagini cu operațiuni și bătălii militare.
• Gospodărie - imaginea scenelor de zi cu zi.
• Istoric - imaginea unor persoane și evenimente celebre din punct de vedere istoric.
• Marina - peisaj marin.
• Mistic-fantastic - compoziții cu conținut suprarealist.
• Natura moartă (natura moartă) - o imagine a articolelor de uz casnic.
• Portret - imagini cu oameni.
• Peisaj - o imagine a vieții sălbatice.
• Religioase - compoziții cu conținut religios.

Sarcina practica:

1. În literatură, găsiți picturi care corespund fiecăruia dintre genurile enumerate.
2. Faceți o descriere a acestor lucrări sub forma unui tabel:

genuri	Numele tabloului, mozaic, vitraliu...		Aparținând tipului de pictură	Aparținând unui stil sau epocă istorică.
animalistic
Abstract
Luptă
Intern
Istoric
Marina
mistic-ficțiune
Natură moartă
Portret
Peisaj
Religios