Leonardo da Vinci był rzeźbiarzem. Leonardo da Vinci - włoski malarz, rzeźbiarz, architekt, naukowiec, inżynier

(Leonardo da Vinci) (1452-1519) - największa postać, wszechstronny geniusz renesansu, twórca Wielkiego Renesansu. Znany jako artysta, naukowiec, inżynier, wynalazca.

Leonardo da Vinci urodził się 15 kwietnia 1452 roku w miejscowości Anchiano w pobliżu miasta Vinci, położonego niedaleko Florencji. Jego ojcem był Piero da Vinci, notariusz, który pochodził z wybitnej rodziny w mieście Vinci. Według jednej wersji matką była wieśniaczka, według innej właścicielka tawerny, znana jako Katerina. W wieku około 4,5 roku Leonardo został zabrany do domu ojca, aw dokumentach z tamtego czasu nazywany jest nieślubnym synem Piero. W 1469 wszedł do warsztatu słynnego artysty, rzeźbiarza i jubilera Andrei del Verrocchio ( 1435/36–1488). Tutaj Leonardo przeszedł całą drogę praktyk: od wcierania farb do pracy jako praktykant. Według współczesnych namalował lewą postać anioła na obrazie Verrocchio Chrzest(ok. 1476, Galeria Uffizi, Florencja), co natychmiast przyciągnęło uwagę. Naturalność ruchu, gładkość linii, miękkość światłocienia - odróżnia postać anioła od bardziej sztywnego pisma Verrocchio. Leonardo mieszkał w domu mistrza, a po roku 1472 został przyjęty do Cechu Św. Łukasza, cechu malarzy.

Jeden z nielicznych datowanych rysunków Leonarda powstał w sierpniu 1473 roku. Widok na dolinę Arno z wysokości został wykonany piórem szybkimi pociągnięciami, przekazującymi wibracje światła, powietrza, co wskazuje, że rysunek został wykonany z natury (Galeria Uffizi, Florencja).

Pierwszym obrazem przypisywanym Leonardowi, choć jego autorstwo jest kwestionowane przez wielu znawców, jest zwiastowanie(ok. 1472, Galeria Uffizi, Florencja). Niestety nieznany autor dokonał późniejszych poprawek, które znacznie pogorszyły jakość pracy.

Portret Ginevry de Benci(1473-1474, National Gallery, Waszyngton) jest przesiąknięty melancholijnym nastrojem. Część poniższego zdjęcia jest ucięta: prawdopodobnie były tam przedstawione ręce modelki. Kontury postaci są zmiękczane za pomocą efektu sfumato, stworzonego przed Leonardem, ale to on stał się geniuszem tej techniki. Sfumato (wł. sfumato – zamglony, zadymiony) – technika rozwinięta w renesansie w malarstwie i grafice, która pozwala oddać miękkość modelowania, nieuchwytność konturów obiektów i wrażenie powietrznego otoczenia.

W latach 1476-1478 Leonardo otwiera swój warsztat. Do tego okresu należy Madonna z kwiatem, tak zwana Madonna Benois(ok. 1478, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg). Uśmiechnięta Madonna zwraca się do siedzącego na jej kolanach Dzieciątka Jezus, ruchy postaci są naturalne i plastyczne. Na tym obrazie widać charakterystyczne zainteresowanie sztuką Leonarda, aby pokazać świat wewnętrzny.

Do wczesnych prac należy również niedokończony obraz. Pokłon Mędrców(1481-1482, Galeria Uffizi, Florencja). Centralne miejsce zajmuje umieszczona na pierwszym planie grupa Madonny z Dzieciątkiem i Trzech Króli.

W 1482 roku Leonardo wyjechał do Mediolanu, najbogatszego miasta tamtych czasów, pod protektoratem Lodovico Sforzy (1452–1508), który wspierał armię, wydawał ogromne sumy na wystawne uroczystości i zakup dzieł sztuki. Przedstawiając się przyszłemu mecenasowi, Leonardo mówi o sobie jako o muzyku, znawcy wojskowości, wynalazcy broni, rydwanów wojennych, maszyn, a dopiero potem mówi o sobie jako o artyście. Leonardo mieszkał w Mediolanie do 1498 roku i ten okres jego życia był najbardziej owocny.

Pierwszym zleceniem, jakie otrzymał Leonardo, było wykonanie pomnika konnego na cześć Francesco Sforzy (1401–1466), ojca Lodovico Sforzy. Pracując nad nim przez 16 lat, Leonardo stworzył wiele rysunków, a także ośmiometrowy gliniany model. Starając się przewyższyć wszystkie istniejące posągi jeździeckie, Leonardo chciał zrobić rzeźbę o imponujących rozmiarach, aby pokazać stającego dęba konia. Ale w obliczu trudności technicznych Leonardo zmienił pomysł i postanowił przedstawić chodzącego konia. W listopadzie 1493 wzór Koń bez jeźdźca został wystawiony na widok publiczny i to właśnie to wydarzenie rozsławiło Leonarda da Vinci. Odlanie rzeźby wymagało około 90 ton brązu. Rozpoczęta zbiórka metalu została przerwana, a pomnik konny nigdy nie został odlany. W 1499 Mediolan został zdobyty przez Francuzów, którzy wykorzystali rzeźbę jako cel. Po jakimś czasie się zawaliło. Koń- wspaniały, ale nigdy nie ukończony projekt - jedno ze znaczących dzieł monumentalnej sztuki plastycznej XVI wieku. a według Vasariego „ci, którzy widzieli ogromny gliniany model… twierdzą, że nigdy nie widzieli dzieła piękniejszego i majestatycznego”, nazwali pomnik „wielkim kolosem”.

Na dworze Sforzów Leonardo pracował także jako dekorator wielu uroczystości, tworząc niespotykane dotąd scenografie i mechanizmy oraz szyjąc kostiumy dla postaci alegorycznych.

niedokończone płótno Święty Hieronim(1481, Muzeum Watykańskie, Rzym) przedstawia świętego w momencie pokuty w złożonym obrocie z lwem u jego stóp. Obraz został namalowany czarno-białymi farbami. Ale po pokryciu go werniksem w XIX wieku. kolory zmieniły się w oliwkowe i złote.

Madonna w skałach(1483-1484, Luwr, Paryż) - słynny obraz Leonarda, napisany przez niego w Mediolanie. Wizerunek Madonny, Dzieciątka Jezus, małego Jana Chrzciciela i anioła w pejzażu to nowy motyw w malarstwie włoskim tego czasu. W otworze skały widoczny jest pejzaż, któremu nadano wysublimowane cechy idealne, w którym ukazany jest dorobek perspektywy liniowej i powietrznej. Mimo, że jaskinia jest słabo oświetlona, ​​obraz nie jest ciemny, twarze i postacie delikatnie wyłaniają się z cienia. Najcieńszy światłocień (sfumato) stwarza wrażenie przytłumionego, rozproszonego światła, modeluje twarze i dłonie. Leonardo łączy figury nie tylko wspólnym nastrojem, ale także jednością przestrzeni.

DAMA Z ERMINEM. 1485–1490. Muzeum Czartoryskich

dama z gronostajem(1484, Muzeum Czartoryskich, Kraków) - jedno z pierwszych dzieł Leonarda jako nadwornego portrecisty. Obraz przedstawia kochankę Lodovika Cecylię Gallerani z herbem rodziny Sforzów, gronostajem. Złożony obrót głowy i wykwintne zgięcie dłoni kobiety, zakrzywiona poza zwierzęcia - wszystko mówi o autorstwie Leonarda. Tło zostało przemalowane przez innego artystę.

Portret muzyka(1484, Pinacoteca Ambrosiana, Mediolan). Tylko twarz młodzieńca jest ukończona, reszta obrazu nie jest opisana. Typ twarzy jest zbliżony do twarzy aniołów Leonarda, tylko odważniej wykonanych.

Kolejna wyjątkowa praca została stworzona przez Leonarda w jednej z sal Pałacu Sforzów, która nazywa się Osioł. Na sklepieniach i ścianach tej sali namalował korony wierzbowe, których gałęzie są misternie splecione, przewiązane ozdobnymi sznurami. Następnie część warstwy malarskiej uległa kruszeniu, ale znaczna część została zachowana i odrestaurowana.

W 1495 Leonardo rozpoczął prace nad Ostatnia Wieczerza(powierzchnia 4,5 × 8,6 m). Fresk znajduje się na ścianie refektarza dominikańskiego klasztoru Santa Maria delle Grazie w Mediolanie, na wysokości 3 m od posadzki i zajmuje całą końcową ścianę pomieszczenia. Leonardo zorientował perspektywę fresku na widza, przez co organicznie wpisał się on we wnętrze refektarza: przedstawiona na fresku perspektywiczna redukcja ścian bocznych kontynuuje rzeczywistą przestrzeń refektarza. Trzynaście osób siedzi przy stole równoległym do ściany. W centrum znajduje się Jezus Chrystus, po lewej i prawej stronie Jego uczniowie. Ukazany jest dramatyczny moment zdemaskowania i potępienia zdrady, moment, w którym Chrystus właśnie wypowiedział słowa: „Jeden z was mnie zdradzi”, oraz różne emocjonalne reakcje apostołów na te słowa. Kompozycja zbudowana jest na ściśle zweryfikowanej matematycznej kalkulacji: w centrum Chrystus, przedstawiony na tle środkowego, największego otworu tylnej ściany, punkt zbiegu perspektywy pokrywa się z jego głową. Dwunastu apostołów jest podzielonych na cztery grupy po trzy postacie w każdej. Każdemu z nich nadano żywą charakterystykę dzięki ekspresyjnym gestom i ruchom. Głównym zadaniem było pokazanie Judasza, oddzielenie go od reszty apostołów. Umieszczając go na tej samej linii stołu co wszystkich apostołów, Leonardo oddzielił go psychicznie samotnością. kreacja Ostatnia Wieczerza stał się znaczącym wydarzeniem w życiu artystycznym ówczesnych Włoch. Jako prawdziwy innowator i eksperymentator Leonardo porzucił technikę fresku. Pokrył ścianę specjalną kompozycją żywicy i mastyksu i pomalował temperą. Eksperymenty te doprowadziły do ​​największej tragedii: refektarz, który został pospiesznie naprawiony na rozkaz Sforzy, malarskie innowacje Leonarda, nizina, na której znajdował się refektarz - wszystko to służyło smutnej służbie bezpieczeństwu. Ostatnia Wieczerza. Farba zaczęła się łuszczyć, o czym wspominał już Vasari w 1556 roku. Sekret kolacja był wielokrotnie restaurowany w XVII i XVIII wieku, ale uzupełnienia były bez zastrzeżeń (po prostu ponownie nałożono warstwy farby). Do połowy XX wieku, kiedy Ostatnia Wieczerza doszedł do opłakanego stanu, rozpoczął naukową renowację: najpierw utrwalono całą warstwę malarską, następnie usunięto kolejne warstwy i otwarto temperowy obraz Leonarda. I choć dzieło było poważnie zniszczone, to prace konserwatorskie pozwoliły stwierdzić, że to renesansowe arcydzieło zostało uratowane. Pracując nad freskiem przez trzy lata, Leonardo stworzył największe dzieło renesansu.

Po upadku potęgi Sforzy w 1499 roku Leonardo udał się do Florencji, zatrzymując się po drodze w Mantui i Wenecji. W Mantui tworzy z tektury Portret Izabeli d'Este(1500, Luwr, Paryż), wykonany czarną kredką, węglem drzewnym i pastelami.

Wiosną 1500 roku Leonardo przybył do Florencji, gdzie wkrótce otrzymał zlecenie namalowania obrazu ołtarzowego w klasztorze Zwiastowania. Zamówienie nigdy nie zostało zrealizowane, ale jedną z opcji jest tzw. Karton Burlington House(1499, Galeria Narodowa, Londyn).

Jednym ze znaczących zleceń otrzymanych przez Leonarda w 1502 roku na dekorację ściany Sali Rady Signorii we Florencji było Bitwa pod Anghiari(nie zapisane). Kolejną ścianę do dekoracji otrzymał Michał Anioł Buonarroti (1475–1564), który namalował tam obraz. Bitwa pod Kaszynem. Zaginione już szkice Leonarda przedstawiały panoramę bitwy, w centrum której toczyła się bitwa o sztandar. Dużym powodzeniem cieszyły się wystawione w 1505 roku kartony autorstwa Leonarda i Michała Anioła. Jak w przypadku z Ostatnia Wieczerza, Leonardo eksperymentował z farbami, w wyniku czego warstwa farby stopniowo się kruszyła. Ale zachowały się rysunki przygotowawcze, kopie, które częściowo dają wyobrażenie o skali tej pracy. W szczególności zachował się rysunek Petera Paula Rubensa (1577–1640), który przedstawia centralną scenę kompozycji (ok. 1615, Luwr, Paryż).
Po raz pierwszy w historii malarstwa batalistycznego Leonardo ukazał dramat i furię bitwy.

MONA LISA. Luwr, Paryż Mona Lisa- najsłynniejsze dzieło Leonarda da Vinci (1503-1506, Luwr, Paryż). Mona Lisa (skrót od Madonna Lisa) była trzecią żoną florenckiego kupca Francesco di Bartolomeo del Giocondo. Teraz obraz jest nieco zmieniony: kolumny były pierwotnie rysowane po lewej i prawej stronie, teraz zostały odcięte. Niewielkie rozmiary obrazu robią wrażenie monumentalne: Mona Lisa ukazana jest na tle pejzażu, gdzie głębia przestrzeni, powietrzna mgła oddana jest z największą perfekcją. Słynna technika sfumato Leonarda została tu wyniesiona na niespotykane dotąd wyżyny: najcieńsza, jakby topniejąca mgiełka światłocienia, spowijająca postać, zmiękcza kontury i cienie. Jest coś nieuchwytnego, czarującego i pociągającego w lekkim uśmiechu, w żywotności wyrazu twarzy, w dostojnym spokoju pozy, w bezruchu gładkich linii dłoni.

W 1506 Leonardo otrzymał zaproszenie do Mediolanu od Ludwika XII, króla Francji (1462-1515). Dając Leonardowi pełną swobodę działania, regularnie mu płacąc, nowi mecenasi nie żądali od niego pewnych prac. Leonardo lubi badania naukowe, czasem zwraca się ku malarstwu. Potem powstała druga wersja Madonny w skałach(1506-1508, Brytyjska Galeria Narodowa, Londyn).

MADONNA Z DZIECIĄTKIEM I ŚW. ANNO. OK. 1510. Luwr, Paryż

Św. Anny z Maryją i Dzieciątkiem Jezus(1500-1510, Luwr, Paryż) - jeden z tematów twórczości Leonarda, do którego wielokrotnie się odwoływał. Ostatni rozwój tego tematu pozostał niedokończony.

W 1513 r. Leonardo udał się do Rzymu, do Watykanu, na dwór papieża Leona X (1513–1521), ale wkrótce stracił przychylność papieża. Studiuje rośliny w ogrodzie botanicznym, opracowuje plany osuszania Bagien Pontyjskich, pisze notatki do traktatu o budowie ludzkiego głosu. W tym czasie stworzył jedyny autoportret(1514, Reale Library, Turyn), stracony w sangwiniku, przedstawiający siwowłosego starca z długą brodą i nieruchomym spojrzeniem.

Ostatni obraz Leonarda został również namalowany w Rzymie - Święty Jan Chrzciciel(1515, Luwr, Paryż). Św. Jan jest rozpieszczany uwodzicielskim uśmiechem i kobiecymi gestami.

Leonardo ponownie otrzymuje propozycję od francuskiego króla, tym razem od Franciszka I (1494-1547), następcy Ludwika XII: przenieść się do Francji, do posiadłości w pobliżu królewskiego zamku Amboise. W 1516 lub 1517 Leonardo przybywa do Francji, gdzie otrzymuje mieszkania w posiadłości Cloux. Otoczony pełnym szacunku podziwem króla, otrzymuje tytuł „Pierwszego artysty, inżyniera i architekta króla”. Leonardo mimo wieku i choroby zajmuje się rysowaniem kanałów w Dolinie Loary, bierze udział w przygotowaniach uroczystości dworskich.

Leonardo da Vinci zmarł 2 maja 1519 roku, zapisując swoje rysunki i dokumenty Francesco Melzi, studentowi, który trzymał je przez całe życie. Ale po jego śmierci wszystkie niezliczone gazety były rozprowadzane po całym świecie, niektóre zaginęły, niektóre są przechowywane w różnych miastach, w muzeach na całym świecie.

Leonardo, naukowiec z powołania, już teraz imponuje rozmachem i różnorodnością swoich zainteresowań naukowych. Jego badania w dziedzinie projektowania samolotów są unikalne. Studiował lot, planowanie ptaków, budowę ich skrzydeł i stworzył tzw. ornitopter, samolot z trzepoczącymi skrzydłami, i nigdy nie zrealizował. Stworzył spadochron piramidalny, model śmigła spiralnego (wariant współczesnego śmigła). Obserwując przyrodę, stał się ekspertem w dziedzinie botaniki: jako pierwszy opisał prawa filotaksji (prawa rządzące układem liści na łodydze), heliotropizmu i geotropizmu (prawa wpływu słońca i grawitacji na roślinach), odkrył sposób określania wieku drzew na podstawie słojów. Był znawcą anatomii: jako pierwszy opisał zastawkę prawej komory serca, zademonstrował anatomię itp. Stworzył system rysunków, które do dziś pomagają studentom zrozumieć budowę ludzkiego ciała: pokazał obiekt w czterech rzutach, aby obejrzeć go ze wszystkich stron, stworzył układ obrazujący narządy i ciała w przekroju. Interesujące są jego badania w dziedzinie geologii: dał opisy skał osadowych, wyjaśnienia osadów morskich w górach Włoch. Jako optyk wiedział, że obrazy wizualne na rogówce oka są wyświetlane do góry nogami. Prawdopodobnie jako pierwszy użył do szkicowania pejzaży camera obscura (od łac. camera – pokój, obscurus – ciemny) – zamkniętego pudełka z małym otworem w jednej ze ścian; promienie światła odbijają się od matowego szkła po drugiej stronie pudełka i tworzą odwrócony kolorowy obraz, używany przez pejzażystów XVIII wieku. do dokładnego odwzorowania widoków). Na rysunkach Leonarda znajduje się projekt przyrządu do pomiaru natężenia światła, fotometru, powołanego do życia dopiero trzy wieki później. Projektował kanały, śluzy, tamy. Wśród jego pomysłów można zobaczyć: lekkie buty do chodzenia po wodzie, koło ratunkowe, plecione rękawice do pływania, urządzenie do poruszania się pod wodą na wzór współczesnego skafandra, maszyny do produkcji lin, szlifierki i wiele innych. Rozmowa z matematykiem Lucą Paciolim, który napisał podręcznik O Boskiej Proporcji, Leonardo zainteresował się tą nauką i stworzył ilustracje do tego podręcznika.

Leonardo działał również jako architekt, ale żaden z jego projektów nie został nigdy powołany do życia. Brał udział w konkursie na projekt centralnej kopuły katedry w Mediolanie, zaprojektował mauzoleum dla członków rodziny królewskiej w stylu egipskim, projekt, który zaproponował sułtanowi tureckiemu, aby wybudował ogromny most przez Bosfor, pod którym mogły przepływać statki.

Pozostała duża liczba rysunków Leonarda, wykonanych optymistycznymi, kolorowymi kredkami, pastelami (to Leonardo jest uznawany za wynalazcę pasteli), srebrnym ołówkiem i kredą.

W Mediolanie Leonardo zaczyna pisać Traktat o malarstwie, praca nad którą trwała przez całe życie, ale nigdy nie została ukończona. W tym wielotomowym podręczniku Leonardo pisał o tym, jak odtworzyć otaczający go świat na płótnie, o perspektywie liniowej i powietrznej, proporcjach, anatomii, geometrii, mechanice, optyce, o interakcji kolorów, refleksie.

Jan Chrzciciel. 1513-16

Madonna Litta 1478-1482 Ermitaż w Petersburgu, Rosja

Leda z łabędziem 1508 - 1515 Galeria Uffizi, Florencja, Włochy

Życie i twórczość Leonarda da Vinci pozostawiły kolosalny ślad nie tylko w sztuce, ale także w nauce i technice. Malarz, rzeźbiarz, architekt - był przyrodnikiem, mechanikiem, inżynierem, matematykiem, dokonał wielu odkryć dla przyszłych pokoleń. Była to największa osobowość renesansu.

"Człowiek witruwiański"- potoczna nazwa rysunku graficznego da Vinci, wykonanego w 1492 roku. jako ilustracja do wpisów w jednym z pamiętników. Figura przedstawia nagą postać męską. Ściśle mówiąc, są to nawet dwa obrazy tej samej postaci nałożone na siebie, ale w różnych pozach. Wokół figury opisano koło i kwadrat. Rękopis zawierający ten rysunek jest czasami nazywany również Kanonem proporcji lub po prostu Proporcjami człowieka. Teraz ta praca jest przechowywana w jednym z muzeów w Wenecji, ale jest wystawiana niezwykle rzadko, ponieważ ta wystawa jest naprawdę wyjątkowa i cenna zarówno jako dzieło sztuki, jak i przedmiot badań.

Leonardo stworzył swojego „Człowieka witruwiańskiego” jako ilustrację prowadzonych przez siebie badań geometrycznych na podstawie traktatu starożytnego rzymskiego architekta Witruwiusza (stąd nazwa dzieła da Vinci). W traktacie filozofa i badacza proporcje ciała ludzkiego przyjęto za podstawę wszelkich proporcji architektonicznych. Da Vinci z kolei zastosował studia starożytnego rzymskiego architekta do malarstwa, co po raz kolejny dobitnie ilustruje zasadę jedności sztuki i nauki, wysuniętą przez Leonarda. Ponadto praca ta odzwierciedla również próbę mistrza skorelowania człowieka z naturą. Wiadomo, że da Vinci uważał ludzkie ciało za odbicie wszechświata, tj. był przekonany, że funkcjonuje według tych samych praw. Sam autor uważał Człowieka Witruwiańskiego za „kosmografię mikrokosmosu”. Ten rysunek ma również głębokie znaczenie symboliczne. Kwadrat i koło, w które wpisane jest ciało, nie odzwierciedlają po prostu fizycznych, proporcjonalnych cech. Kwadrat można interpretować jako materialną egzystencję osoby, a koło reprezentuje jej duchową podstawę, a punkty styku figur geometrycznych między sobą i z włożonym w nie ciałem można uznać za połączenie między tymi dwoma fundamentami ludzkiej egzystencji. istnienie. Przez wiele stuleci ten rysunek był uważany za symbol idealnej symetrii ludzkiego ciała i wszechświata jako całości.

Włoski renesans wkracza w nowy etap rozwoju na przełomie XV i XVI wieku. Kulminacja sztuki (koniec XV i pierwsze dekady XVI wieku), która ukazała światu tak wielkich mistrzów jak Rafael, Tycjan, Giorgione czy Leonardo da Vinci, nazywana jest etapem Wysokiego Renesansu.

Dzieciństwo Leonardo da Vinci urodził się 15 kwietnia 1452 roku w Vinci, toskańskim miasteczku położonym na wzgórzu o tej samej nazwie. Tajemnice otaczają życie Leonarda od urodzenia. Był nieślubnym synem młodego notariusza Piera da Vinci i niejakiej Kateriny, wieśniaczki lub właścicielki tawerny. O matce naszego bohatera nie wiemy prawie nic, choć życie Piero da Vinci jest dobrze udokumentowane. Przodkowie Pierrota osiedlili się w Vinci co najmniej w XIII wieku (a może nawet wcześniej). Jego ojciec, dziadek i pradziadek też byli notariuszami – i tak im się powiodło, że stali się właścicielami ziemskimi i zamożnymi obywatelami, tzw. „seniorami”. Tytuł ten odziedziczył Pierrot. Dom, w którym Leonardo mieszkał jako dziecko

Leonardo wychowywał się w domu Piero da Vinci. Wiadomo, że młody Leonardo wyróżniał się silną sylwetką, pięknem i dociekliwym umysłem. Jednocześnie otrzymał dość powierzchowne wykształcenie – później artysta żałował, że nie nauczył się łaciny, a język ten był w tamtych czasach podstawą edukacji. Jednak już wtedy Leonardo wykazywał wybitne zdolności matematyczne, pięknie śpiewał, grał na lirze i wspaniale rysował. W wieku 15 lat został uczniem jednego ze słynnych mistrzów florenckich – Andrei del Verrocchio (ok. 1435 1488). Tutaj studiował nie tylko malarstwo, ale także rysunek, rzeźbę i tworzenie biżuterii. Widząc zdolności ucznia, Andrea pozwolił mu wziąć udział w tworzeniu Chrztu Chrystusa, polecając mu napisać postać anioła trzymającego szaty Chrystusa.

Wrażenie Vasariego Vasari tak opisuje wrażenie, jakie wywarła na nauczycielu praca jego ucznia: . . Anioł Leonarda okazał się znacznie lepszy niż figurki Verrocchio iz tego powodu Andrea nigdy więcej nie chciał dotykać farb, obraził się, że jakiś chłopak przewyższa go umiejętnościami.

Zbieżność zainteresowań nauczyciela i ucznia Verrocchio był nie tylko znanym artystą i rzeźbiarzem włoskiego renesansu, ale także utalentowanym pedagogiem. Zaczynał jako mistrz jubilerski, ale sławę przyniosły mu rzeźby i obrazy. Ponadto Verrocchio był czczony jako wybitny inżynier. Był szczęśliwy, że może uczyć się ze swoim nowym uczniem, ciesząc się zbieżnością ich zainteresowań. Niestety, zbiegły się również ich wady. Tak więc ani nauczyciel, ani uczeń nie chcieli dogłębnie studiować techniki fresku. Gdyby Leonardo malował freski w tradycyjny sposób, to jego wielkie dzieła „Ostatnia wieczerza” i „Bitwa pod Anghiari” przetrwałyby do naszych czasów w oryginalnej formie.

Tytuł mistrza malarstwa Leonardo otrzymał tytuł mistrza malarstwa w 1472 r., ale do 1476 r. pozostawał przy Verrocchio. Być może było to spowodowane jakąś wspólną pracą. 1481 pochodzi z pierwszego dużego zamówienia Leonarda. Zlecono mu namalowanie obrazu „Pokłon Trzech Króli” – do ołtarza klasztoru San Donato. Nigdy go nie skończył. Ale pracując nad obrazem, Leonardo posunął się na tyle daleko, że można mówić o nim jako o innowatorze w przekazywaniu gestów i emocji. W tym samym roku rozpoczęto prace nad obrazem „Święty Hieronim”

Na długo przed Leonardem madonna z obrazów i rzeźb włoskich mistrzów przestała być niebiańską królową trzymającą w ramionach zbawiciela świata. Stała się młodą matką podziwiającą syna. Ale bez względu na to, co robił Leonardo, zawsze otwierał nowe, jeszcze niezbadane możliwości, zarówno w sztuce, jak iw nauce. Nigdy wcześniej temat religijny nie zamienił się w scenę rodzajową w takim stopniu, jak w Madonnie Benois.

Młoda Florentynka, słodka i urocza, ubrana na modłę ostatniej ćwierci XV wieku, położyła syna na kolanach. Zabawiając go, oddzieliła kwiat od skromnego bukietu i podała go dziecku. Dziecko złapało jedną rękę matki, a drugą próbuje wziąć dla niego nowy przedmiot. Matka śmieje się beztrosko, obserwując wciąż niepewne ruchy chłopca. Kwiat, wokół którego splecione są dłonie, pełni rolę semantycznego i matematycznego centrum kompozycji. Krzyż w dłoni Madonny

Problemy, które trapiły mistrzów przez cały XV wiek, znalazły rozwiązanie w tym małym dziele Leonarda. Niepowtarzalny transfer ciał w ruchu, umiejętność łączenia postaci w taki sposób, że grupa jest postrzegana jako jedność zarówno zewnętrznie, jak i nastrojowo, najdelikatniejsze gradacje światła i cienia, dzięki którym formy nabierają namacalnej objętości, przeniesienie cech różne przedmioty - włosy, tkaniny, biżuteria, perswazja na budynkach - wszystko to sugeruje, że Madonna Benois podsumowuje długą podróż malarstwa włoskiego.

Przeprowadzka z Florencji do Mediolanu iz powrotem Jednym z powodów, dla których Leonardo zrezygnował z pracy, było przeniesienie się z Florencji do Mediolanu, by służyć na dworze księcia Lodovico Sforzy, władcy miasta, który otrzymał przydomek „Moro” (czyli , „Moor” ze względu na jego ciemną skórę). W 1482 roku, zanim przeniósł się do Mediolanu na dwór księcia Lodovico Moro, Leonardo wysłał mu list, w którym szczegółowo wyliczał swojemu patronowi wszystko, co mógł zrobić: „Wiem, jak wykonać niezwykle lekkie i łatwe do przenoszenia mosty, odpowiednie dla ścigać wrogów i uciekać przed nimi. . . » I tak dalej, punkt po punkcie (jest ich dziesięć), Leonardo przedstawia swoje możliwości w dziedzinie techniki. I dopiero na koniec dodaje: „Mam nadzieję, że w czasie pokoju będziecie konkurować ze wszystkimi w architekturze, w budowie budynków. . . Zobowiązuję się również w rzeźbie, w marmurze, brązie lub glinie, jak w malarstwie, zrobić wszystko, co możliwe, nie gorzej niż ktokolwiek, kto chce się ze mną zmierzyć. Jednak Leonardo nie poprzestał na tym. Jego przeznaczeniem było odkrycie nowych horyzontów w sztuce, kiedy w 1482 roku wyjechał z Florencji do Mediolanu, zdając sobie sprawę, że rodzinne miasto nie dało mu możliwości prawdziwego ujawnienia swojego talentu.

W Mediolanie Mistrz Vinci sądził, że takim mecenasem będzie dla niego władca Mediolanu Lodovico Moro, człowiek niegrzeczny, ale ambitny, który zabiegał o zapewnienie Mediolanowi pozycji czołowego ośrodka w systemie rozdrobnionej Italii. Jak wynika z listu przytoczonego na początku naszej historii, Leonardo jako ostatni mówi o sobie jako o artyście. Rzeczywiście, pole jego działalności w Mediolanie było niezwykle szerokie. Zajmował się nauką, malował obraz dla jednego z kościołów, pracował dla księcia. Namalował portret ukochanego księcia Cecilii Galerani, ale głównym zadaniem w dziedzinie sztuki była dla niego budowa pomnika ku czci ojca Moro, Francesca Sforzy. Niestety, zachowały się do nas tylko rysunki przygotowawcze i niewielka grupa brązu - zwycięzca na koniu. Model pomnika został zniszczony w czasie najazdu Francuzów na początku XVI wieku, żołnierze Ludwika XII zrobili z niego tarczę strzałową.

Rzeźba w Mediolanie. Koń Leonarda W 2001 roku koń Leonarda został ostatecznie zainstalowany w Mediolanie.

W 1482 roku książę Mediolanu Lodovico Sforza zlecił Leonardowi da Vinci wyrzeźbienie konia na pamiątkę jego ojca Francesco. Konie nie są proste, ale nie są nawet złote. Ale po prostu największy. Na świecie. Cóż to w końcu za drobiazgi, drogi ojcze. Leonardo też nie jest skromnym facetem, a projekt komplikowała niezwykła i trudna do zrealizowania kompozycja z jeźdźcem przygotowującym się do zmiażdżenia wroga rozwalonym na ziemi (a mówią też: „nie bije się leżącego jeden"). Otrzymawszy depozyt od Sforzy, Da Vinci z charakterystyczną dla siebie odpowiedzialnością i pracowitością przystąpił do studiowania anatomii koni w książęcych stajniach. Poszczególne części ciała najpiękniejszych okazów zostały naszkicowane z adnotacjami w rodzaju: „Morel Florentine jest ogromny i ma piękną szyję z dość piękną głową”. Hodowany koń o wysokości ponad siedmiu metrów był wówczas kolosalnym pomysłem pod względem złożoności. Jak się okazało, nawet dla Leonarda. Kilka lat po otrzymaniu rozkazu pokonanego wroga wykreślono z planów, a samego konia postanowiono spuścić na grzeszną ziemię na wszystkich czterech podkowach. W 1493 r. podziwiającej publiczności wystawiono gliniany model naturalnej wielkości. Naturalna w planie, a nie w naturze matka, czyli ponad siedem metrów grających mięśni i kręcona grzywa. Pozostało już tylko trochę - wypełnić posąg brązem. Brąz wymagał około 100 ton. Które były dostępne całkiem niedawno, ale odpłynęły. O armatach do obrony księstwa przed najazdem francuskim pod wodzą Ludwika XII. Leonardo poczuł się urażony taką ekstrawagancją i wycofał się do Mantui. A koń pozostał w zamku Sforzów, gdzie wkrótce stał się celem szkolenia strzeleckiego z francuskimi żołnierzami, którzy wyróżniali się godną pozazdroszczenia celnością.

W 1483 roku Leonardo otrzymał polecenie wykonania obrazu ołtarzowego, czyli obrazu, który umieszczono na środku ściany nad ołtarzem i pełnił rolę głównej dekoracji kościoła. Leonardo zawsze zwlekał z ukończeniem pracy, łamiąc wszelkie terminy. Doprowadziło to do tego, że pierwsza wersja obrazu, napisana dla kościoła San Francesco, pozostała u artysty, który później zabrał ją ze sobą do Francji. Drugi, stworzony wiele lat później przy minimalnym udziale Leonarda i maksymalnym udziale jego uczniów, znajduje się obecnie w National Gallery w Londynie. Interesuje nas pierwsza wersja tzw. Madonny na Skale. Tradycyjny dla obrazu ołtarzowego był wizerunek Maryi z Dzieciątkiem siedzącej na tronie wśród świętych i aniołów. Leonardo stworzył coś niezwykłego, coś takiego nigdy wcześniej się nie wydarzyło.

Jego Madonna nie siedzi na tronie, ale w dziwnej grocie, na brzegu porośniętego kwiatami strumienia. Opierając jedną rękę na ramionach małego Jana Chrzciciela, wyciąga rękę w geście ochronnym nad głową swojego syna, który błogosławi Chrzciciela. Matka patrzy z uśmiechem pełnym ukrytego, tajemniczego znaczenia na Dzieciątko Chrystus, a ten uśmiech zdaje się odbijać na ustach pięknego anioła, który tajemniczo spogląda na widza, podczas gdy palec prawej dłoni wskazuje na Jana . W ten sposób krąg spojrzeń i gestów zamyka się, tworząc magiczne połączenie komunikacji pomiędzy pięknymi istotami pośród majestatycznej natury. Być może słowa „magia”, „magia” brzmią nieco banalnie, ale w pełni oddają wrażenie, jakie wywiera na nas wiele obrazów malarza z Vinci. Wydaje się dziwne, że ten człowiek, który miał trzeźwy umysł naukowca, mówił z taką magiczną mocą o poetyckich głębiach ludzkiej duszy i natury. Do dziś historycy sztuki nie męczą się raz po raz, aby rozwikłać znaczenie dzieł Leonarda.

Dzieło wyznaczające początek Wielkiego Renesansu „Madonna in the Rocks” to dzieło wyznaczające początek Wysokiego Renesansu, czasu największego rozkwitu sztuki włoskiej. Główne zasady Wysokiego Renesansu zostały sformułowane w dziele Leonarda. Artysta nie stara się już „duszą i wzrokiem” podążać za naturą – zasada mistrzów XV wieku, ale wybiera z otaczającego świata to, co najistotniejsze, odrzucając wszystko, co przypadkowe i drugorzędne, uogólniając to, co zobaczył. Jeśli poszczególne rysy twarzy Madonny Benois zostały sprowadzone niemal do podobieństwa portretowego, to twarze Marii i anioła na analizowanym przez nas obrazie są typami, które przyswoiły sobie ideę idealnego piękna. Połączenie spokojnych zielonkawo-niebieskich tonów wzmacnia wrażenie jedności panującej w dziele.

Niestety, dziedzictwo Leo Nardo jako artysty jest niewielkie: do naszych czasów zachowało się nie więcej niż 12-14 jego prac. Niektórzy zmarli za jego życia. Taki los spotkał model pomnika Francesca Sforzy, tekturę przygotowawczą do malowania ściennego „Bitwa pod Anghiari”. Inni, chociaż do nas dotarli, są w opłakanym stanie. Dotyczy to również pracy programowej magisterskiej - Ostatnia wieczerza. "

Fresk Ostatnia Wieczerza miał zdobić ścianę klasztoru Santa Maria delle Grazie. Pracując nad nim, Leonardo eksperymentował z kompozycją, mającą jego zdaniem chronić obraz przed wilgocią. Eksperyment zakończył się katastrofą – kilka lat po stworzeniu fresk zaczął się kruszyć, a teraz, po serii renowacji, jest najsłynniejszą ruiną w historii sztuki. Słynny fresk „Ostatnia wieczerza” Leonarda da Vinci od początku nie miał szczęścia. Już dwie dekady po ukończeniu zaczął tracić swój pierwotny wygląd. Po pierwsze, artysta zastosował w swojej pracy zupełnie nową, niesprawdzoną kompozycję farb i nową technikę pisania. Nowość nie była zbyt udana: choć początkowo kolory były zaskakująco jasne, wkrótce zaczęły blaknąć. Po drugie, wybrano dla niej wyjątkowo niefortunne miejsce. . . . Fresk ten został zamówiony przez Leonarda, znanego już malarza z Vinci, przez mnichów z zakonu dominikanów do refektarza ich klasztoru w pobliżu nowo wybudowanego kościoła Site Maria della Grazie w Mediolanie. W 1495 roku Leonardo zabrał się do pracy, a dwa lata później zamówienie zostało zrealizowane.

Wielokrotnie podejmowano próby „potraktowania” malarskiej kompozycji genialnego artysty, która przedstawia scenę z ewangelicznej legendy: Chrystusa na uczcie z dwunastoma apostołami. W XVIII i XIX wieku podejmowano próby przywrócenia dzieła Leo Nardo, ale osiągnięto niewielki sukces. Wszyscy tylko na chwilę wstrzymali niszczenie arcydzieła. Na domiar złego w 1943 r. w refektarz uderzyła bomba. Jednak szczególnie duże szkody wyrządzono freskowi w ostatnim czasie w wyniku zatrucia powietrza w mieście spalinami, w wyniku czego samo istnienie Ostatniej Wieczerzy zostało zagrożone. Teraz, patrząc na to, wydaje się, że pomalowana ściana jest pokryta firanką z gazy: wcześniej fresk wyblakł.

Rysunek w Luwrze Na autorstwa Leonarda wskazuje szkic głowy Madonny, który jest przechowywany w Luwrze. Niemniej jednak wielu historyków sztuki zwraca uwagę na elementy obrazu, niezwykłe dla stylu autora Leonarda, w szczególności na nienaturalną postawę dziecka. Przypuszcza się, że przynajmniej postać dziecka należy do pędzla jednego z uczniów Leonarda, najprawdopodobniej Boltraffio.

Fabuła Obraz przedstawia kobietę trzymającą w ramionach dziecko, które karmi piersią. Tłem obrazu jest ściana z dwoma łukowatymi oknami, z których światło pada na widza i przyciemnia ścianę. Okna wychodzą na krajobraz w odcieniach błękitu. Ta sama figura Madonny jest jakby oświetlona światłem padającym gdzieś z przodu. Kobieta patrzy na dziecko z czułością i zamyśleniem. Twarz Madonny ukazana jest z profilu, na jej ustach nie ma uśmiechu, tylko jakiś jej wizerunek czai się w kątach. Dziecko patrzy z roztargnieniem na widza, prawą ręką trzymając pierś matki. W lewej ręce dziecko trzyma szczygła. Żywe obrazy dzieła ujawniają się w drobnych szczegółach, które wiele mówią nam o matce i dziecku. Widzimy dziecko i matkę w dramatycznym momencie odstawiania od piersi. Kobieta ma na sobie czerwoną koszulę z szerokim dekoltem. Wykonane są w nim specjalne nacięcia, dzięki którym wygodnie, bez zdejmowania sukienki, karmić dziecko piersią. Oba nacięcia zostały starannie zaszyte (czyli postanowiono odstawić dziecko od piersi). Ale prawy krój został pospiesznie zerwany - górne szwy i kawałek nici są wyraźnie widoczne. Matka, za namową dziecka, zmieniła zdanie i odłożyła ten trudny moment.

Już pierwsi włoscy biografowie Leonarda da Vinci pisali o miejscu, jakie ten obraz zajmował w twórczości artysty. Leonardo nie wzbraniał się przed pracą nad Mona Lisą – jak to miało miejsce w przypadku wielu innych zleceń, ale wręcz przeciwnie, oddawał się jej z jakąś pasją. Poświęciła cały czas, który pozostał mu z pracy nad Bitwą pod Anghiari. Poświęcił mu sporo czasu, a opuszczając Włochy w wieku dorosłym, zabrał ze sobą do Francji, między innymi wybrane obrazy. Da Vinci miał szczególne przywiązanie do tego portretu, a także dużo myślał w trakcie jego tworzenia, w „Traktacie o malarstwie” oraz w tych notatkach o technikach malarskich, które nie zostały w nim zawarte, można znaleźć wiele wskazówek, które niewątpliwie patrz „Gioconda » .

Według Giorgio Vasariego (1511-1574), biografa włoskich artystów, który pisał o Leonardzie w 1550 roku, 31 lat po jego śmierci, Mona Lisa (skrót od Madonna Lisa) była żoną florenckiego Francesco del Giocondo, którego portret Leonarda spędził 4 lata, ale pozostawił go niedokończonym.

„Mona Lisa” Leonardo stała się przełomem w historii sztuki światowej. Ten obraz otworzył nową erę realistycznego portretu. Z reguły portrety we Włoszech w XV wieku były malowane z profilu i były raczej formalne, pod wieloma względami powtarzające bicie monet rzymskich. Przez długi czas bardzo bogaci i szlachetni ludzie, którzy chcieli zobaczyć siebie na portrecie nie tyle rozpoznawalnym, co potężnym, mogli zamówić własny portret. Jednak już w tym samym XV wieku bogaci kupcy zaczęli zamawiać portrety. Wręcz przeciwnie, nowi klienci domagali się portretowego podobieństwa. Zdolność Leonarda do tworzenia portretów jest najmocniej ucieleśniona w Mona Lisie, która oznaczała przejście od formalnego portretu wczesnego renesansu do bardziej realistycznego portretu wysokiego renesansu.

Wszystkie obrazy Leonarda (poza tymi wykonanymi na ścianach) są malowane na drewnianych deskach, które były wówczas zwykłym „podstawem” (płótno w tej roli było wówczas jeszcze bardzo rzadkie). To właśnie na tablicy Leonardo zamówił dwa ze swoich najbardziej czarujących portretów, Portret muzyka, 1485 i Portret Ginevra de Benci, 1474.

W latach 1513-1516 Leonardo mieszkał w Belwederze i pracował nad obrazem „Jan Chrzciciel”

Tło głuche, pozbawione pejzażu, tak charakterystyczne dla dzieł renesansu w ogóle, całkowicie skupia uwagę widza na postaci Jana Chrzciciela, która spowita jest w topniejącym, doprowadzonym do perfekcji sfumato. Wizerunek świętej wyposażony jest w tradycyjne akcesoria: cienki trzcinowy krzyż, długie włosy, wełniane szaty. Przecięcie przekątnych korpusu i prawej dłoni potęguje ledwie zauważalny przez artystę motyw krzyża. Gest prawej ręki w górę jest również uważany za tradycyjny dla wizerunków Jana Chrzciciela. Jednak ten gest w pewnym sensie jest również tradycyjny dla twórczości Leonarda, można go znaleźć w wielu gotowych dziełach („Ostatnia wieczerza”, „Madonna w skałach”, „Madonna z Dzieciątkiem” (1510), itp.), a także szkice.

W 1508 roku wielki artysta, naukowiec i inżynier Leonardo da Vinci stworzył woskową figurę jeźdźca na koniu, która miała być wzorem dla większej rzeźby. Jednak geniusz włoskiego renesansu zmarł, zanim rzeźba mogła zostać odlana z metalu, a model tajemniczo zniknął z widoku na kilka stuleci. A jednak, po usilnych poszukiwaniach, figurka została odnaleziona, a brązowa figura konia z jeźdźcem w końcu pojawiła się na oczach opinii publicznej.

Cechą charakterystyczną kultury Wysokiego Renesansu Cechą charakterystyczną kultury Wysokiego Renesansu było niezwykłe poszerzenie horyzontów społecznych jej twórców, skala ich wyobrażeń o świecie i przestrzeni. Zmienia się pogląd człowieka i jego stosunek do świata. Sam typ artysty, jego światopogląd, jego pozycja społeczna są zdecydowanie odmienne od tego, jakie zajmowali mistrzowie XV wieku, którzy nadal byli w dużej mierze związani z klasą rzemieślników. Artyści Wielkiego Renesansu to nie tylko ludzie wielkiej kultury, ale osobowości twórcze, wolne od ram cechowych fundacji, zmuszających przedstawicieli klas panujących do liczenia się ze swoimi planami.

Leonardo da Vinci (Leonardo da Vinci) (), włoski malarz, rzeźbiarz, architekt, naukowiec i inżynier. Założyciel kultury artystycznej Wysokiego Renesansu, Leonardo da Vinci, rozwijał się jako mistrz, studiując we Florencji u Verrocchio. Metody pracy w warsztacie Verrocchio, gdzie praktykę artystyczną łączono z eksperymentami technicznymi, a także przyjaźń z astronomem P. Toscanellim, przyczyniły się do powstania zainteresowań naukowych młodego da Vinci.

Leonardo urodził się w 1452 roku i był nieślubnym synem niejakiego Sir Piero, notariusza z małego miasteczka niedaleko miasta Vinci, i prostej wieśniaczki. Dlatego później, gdy artysta stał się sławny, zaczął nazywać siebie Leonardo da Vinci. Już od dzieciństwa wykazywał równe zainteresowanie mechaniką, astronomią, matematyką i innymi naukami przyrodniczymi, co nie przeszkadzało mu z zapałem rysować i rzeźbić różne postacie. Mówi się, że od najmłodszych lat wyrzeźbił kilka głów śmiejących się kobiet, które były tak wyraziste, że nadal wykonuje się z nich odlewy gipsowe, aby je naśladować. Będąc już uznanym artystą, nie porzucił studiów inżynierskich, utrwalając swoje nowe idee w rysunku.

We wczesnych pracach (głowa anioła w Chrzcie Chrystusa Verrocchio, po 1470; Zwiastowanie, około 1474, oba w Uffizi; w pierwszym niezależnym dziele, Benois Madonna, około 1478, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg) , artysta rozwijający tradycje sztuki wczesnego renesansu, podkreślał płynność form miękkim światłocieniem, czasem ożywiał twarze ledwie dostrzegalnym uśmiechem, osiągając za jego pomocą przeniesienie subtelnych stanów umysłu.Chrzest Chrystusa Zwiastowanie Madonna Benois

Pewnego dnia nauczyciel Leonarda, Verrocchio, otrzymał zamówienie na obraz „Chrzest Chrystusa” i polecił Leonardowi namalować jednego z dwóch aniołów. W ówczesnych pracowniach plastycznych było to częstym zwyczajem: nauczyciel tworzył obraz wraz z pomocnikami uczniów. Najbardziej utalentowanym i pracowitym powierzono wykonanie całego fragmentu. Dwa anioły, namalowane przez Leonarda i Verrochio, wyraźnie demonstrowały wyższość ucznia nad nauczycielem. Jak pisze Vasari, zachwycony Verrochio, porzucił swój pędzel i nigdy nie wrócił do malarstwa.

Zapisując wyniki niezliczonych obserwacji w szkicach, szkicach i badaniach terenowych wykonywanych w różnych technikach (ołówki włoskie i srebrne, sangwinik, pióro itp.), Leonardo da Vinci osiągnął, uciekając się czasem do niemal karykaturalnej groteski, ostrość w przekazie twarzy mimika i fizyczność doprowadziła rysy i ruch ludzkiego ciała do idealnej harmonii z duchową atmosferą kompozycji. W 1481 lub 1482 roku Leonardo da Vinci wszedł na służbę władcy Mediolanu Lodovico Moro, pełniąc funkcję inżyniera wojskowego, inżyniera hydraulika i organizatora świąt dworskich.

W okresie mediolańskim Leonardo da Vinci stworzył „Madonnę w skałach” (Luwr, Paryż; wersja 2 – w pobliżu Galerii Narodowej w Londynie), gdzie postacie są przedstawione w otoczeniu dziwacznego skalistego krajobrazu, a najwspanialszy światłocień odgrywa rola zasady duchowej podkreślającej ciepło relacji międzyludzkich.Madonna w skałach

Madonna na Skale, Luwr, Paryż.

W refektarzu klasztoru Santa Maria delle Grazie ukończył malowidło ścienne „Ostatnia wieczerza” (; ze względu na specyfikę techniki stosowanej przez Leonarda da Vinci – olej z temperą – zachowało się w mocno zniszczonej formie; odrestaurowane w XX wieku), która wyznacza jeden ze szczytów malarstwa europejskiego; jej wysoka zawartość etyczna i duchowa wyraża się w matematycznej regularności kompozycji, logicznie kontynuującej rzeczywistą przestrzeń architektoniczną, w czytelnym, ściśle opracowanym układzie gestów i mimiki postaci, w harmonijnej równowadze form.

Po upadku Mediolanu życie Leonarda da Vinci spędził w ciągłych podróżach (Florencja; Mantua i Wenecja; 1506, Mediolan; Rzym; Francja).

Siła przekonań artysty była taka, że ​​nawet najbardziej fantastyczne z tego, co wymyślił, wydawało się jemu współczesnym całkiem realne. Giorgio Vasari relacjonuje, że kiedy Leonardo mieszkał jeszcze we Florencji, sporządził rysunek, za pomocą którego wielokrotnie udowadniał wielu przedsiębiorczym obywatelom rządzącym wówczas miastem, że potrafi wznieść świątynię San Giovanni i wnieść pod nią drabiny, nie niszcząc jej. . „I przekonywał tak przekonującymi argumentami, że wydawało się to możliwe, choć wszyscy po jego odejściu w głębi duszy zdawali sobie sprawę z niemożliwości takiego przedsięwzięcia.” Świątynia San Giovanni

Niestety, zamiłowanie do najrozmaitszych refleksji i eksperymentów naukowych nie dało Leonardowi możliwości skupienia się na jednej rzeczy. Dużo zaczynał, mało kończył, przez co zaczęła się wyrabiać opinia o nim jako o osobie, która nie jest w stanie niczego doprowadzić do końca. Kiedy więc poproszono go o namalowanie refektarza nowego klasztoru dominikanów Santa Maria della Grazie w Mediolanie, zgodził się bez chwili wahania, mając nadzieję, że wykonaniem tego fresku udowodni przeciwieństwo wszelkich czczych plotek.

Leonardo rozpoczął pracę nad Ostatnią Wieczerzą dla klasztoru Santa Maria della Grazie w 1495 roku. Musiał jak najszybciej ukończyć fresk. Ale, jak zawsze, chciał być niezależny i oryginalny we wszystkim, co wymagało starannej i ciężkiej pracy. I choć koncepcja Ostatniej Wieczerzy zrodziła się u Leonarda na długo przed otrzymaniem tego zamówienia, to on, zanim zaczął malować na ścianie, wykonał wiele rysunków i szkiców, opatrzonych słownymi opisami, takimi jak: „Pierwszy, który pił i stawia szklankę na swoim miejscu, odwraca głowę w stronę mówiącego; drugi łączy palce obu rąk i patrzy na swego towarzysza ze zmarszczonymi brwiami; drugi, otwierając ręce, pokazuje dłonie, podnosi ramiona do uszu i robi minę zdumienia ustami ”i tak dalej dla każdej postaci.„ Ostatnia wieczerza ”

Ostatnia Wieczerza, refektarz klasztoru Santa Maria delle Grazie.

Opat klasztoru nieustannie namawiał Leonarda do ukończenia pracy. Pewnego razu, zirytowany opieszałością artysty, poskarżył się na niego księciu. Artysta, który często dyskutował z księciem o sztuce, zdołał go przekonać, że „talenty wzniosłe czasem mniej pracują, ale więcej osiągają, gdy przemyśleją swoje idee i stworzą te doskonałe idee, które dopiero potem wyrażają rękami”. Leonardo przekazał swoje dzieło zimą 1497 roku, nie mając jednak czasu na dokończenie głowy Jezusa Chrystusa. Sukces fresku przerósł wszelkie oczekiwania. Całe Włochy zachwyciła śmiałością kompozycji, siłą wyrazu, ruchem połączonym ze spokojem, które do dziś zadziwiają każdego, kto wejdzie do refektarza. Różnorodność widzialnych form życia duchowego jest niesamowita.Głowa Jezusa Chrystusa

Rozwiązanie kompozycyjne tradycyjnej opowieści ewangelicznej, wybrane przez Leonarda do malowania refektarza, było już niezwykłe. Pomieszczenie, w którym znajduje się fresk, ma wydłużony kształt, a w nim ustawiono stoły w formie litery „P”. Aby stworzyć iluzję realności tego, co się dzieje, stół, przy którym siedział Jezus Chrystus ze swoimi uczniami, został narysowany tak samo, jak ten, który stał w refektarzu, zamykając je w jednym prostokącie. Oryginalność pomysłu polegała również na tym, że opat klasztoru okazał się być naprzeciw Chrystusa, siedzącego przed jego postacią podczas popołudniowego posiłku. Ściany pokoju rzeczywistego i sufit również niepostrzeżenie łączą się ze ścianami i sufitem przedstawionymi na fresku. Kiedy wszyscy mnisi zebrali się przy stole, wydawało się, że Chrystus i apostołowie uczestniczą we wspólnym posiłku. Pragnienie oddania wrażenia realności tego, co się dzieje, które zajmowało artystę od wczesnej młodości, zostało zrealizowane w tej pracy z pełną autentycznością i perswazją.

Fresk Leonarda da Vinci „Ostatnia wieczerza”

Przy stole w wieczerniku, gdzie odbywa się ostatni posiłek Nauczyciela i uczniów, Chrystus siedzi pośrodku. Po obu jego stronach byli apostołowie, zjednoczeni w trzyosobowych grupach. Cała kompozycja Ostatniej wieczerzy przedstawia moment, w którym Jezus wypowiada swoje słynne słowa: „Jeden z was mnie zdradzi”. Spokój ostatniej wieczerzy, przekazany ściśle dopasowaną kompozycją, zostaje zakłócony przez pojawiający się hałas i falę ludzkich emocji: „Czy to nie ja, rabbi?” Judasz, tradycyjnie zawsze siedzący po drugiej stronie stołu, tym razem znalazł się w gronie apostołów. On też jest oburzony, też próbuje się zdziwić, ale jego prawa ręka, nerwowo ściskająca sakiewkę z trzydziestoma srebrnikami, zdradza go i czyni rozpoznawalnym. Zrównoważona wizualnie kompozycja zostaje zaburzona przez powstający szum. Uwagi wydają się przenosić z jednego końca stołu na drugi, mieszając oddzielne grupy apostołów w jedną niespokojną masę. Chrystus nie może nie słyszeć i nie zauważać, co się dzieje, ale jego postać pozostaje niewzruszona. Na wzruszenie, które ogarnęło wszystkich apostołów, odpowiada rytualnym spokojem, bezruchem, ciszą.

Los fresku „Ostatnia wieczerza” był tragiczny. Przyszedłszy pewnego wieczoru do refektarza klasztoru, by podziwiać swoje najsłynniejsze dzieło, Leonardo zauważył, że podczas pracy z podkładem i farbami popełniono jakiś błąd, a jego praca, nad którą włożono tyle wysiłku i czasu, mogła okazują się krótkotrwałe. Stale monitorował zachodzące zmiany i robił wszystko, co możliwe, aby przedłużyć życie swojego dzieła.

Z Mediolanu Leonardo wrócił do Florencji. W tym samym mieście Leonardo namalował portret Mony Lisy (La Gioconda). Piękna kobieta patrzy na widza z małego płótna, składając na krzyż swoje wdzięczne dłonie cienkimi arystokratycznymi palcami. Jej spojrzenie jest poważne, a usta lekko muska uśmiech, który często nazywany jest tajemniczym. Zamiast tła, za Giocondą rozciąga się idealny krajobraz typowy dla renesansu. Mona Lisa (Mona Lisa)

Portret drzewa Mona Lisa (La Gioconda). 77 x 53. Luwr, Paryż.

Fragment. Portret drzewa Mona Lisa (La Gioconda). 77 x 53. Luwr, Paryż.

Ostatnie lata życia Leonardo spędził na wędrówkach. Najpierw wrócił do Mediolanu, stamtąd udał się do Rzymu. Tam za swoje eksperymenty naukowe został oskarżony o herezję. Uciekając przed prześladowaniami Kościoła, Leonardo przyjął zaproszenie francuskiego króla. We Francji prawie nie pracował, ale zawsze otaczano go pełnym szacunku podziwem. Życie Leonarda zakończyło się w 1519 roku w małym miasteczku Amboise na zamku Cloux. Vasari zauważył, że „chociaż uczynił o wiele więcej słowami niż czynami, wszystkie te gałęzie jego działalności, w których pokazał się tak bosko, nigdy nie pozwolą, aby jego imię i sława zniknęły”.

Wśród dzieł Leonarda da Vinci znajdują się obrazy, freski, rysunki, rysunki anatomiczne, które położyły podwaliny pod powstanie ilustracji naukowej, dzieła architektury, projekty konstrukcji technicznych, zeszyty i rękopisy (około 7 tysięcy arkuszy), „Traktat o malarstwie (Leonardo zaczął pisać traktat w Mediolanie na prośbę Sforzy, który chciał wiedzieć, która sztuka jest bardziej szlachetna - rzeźba czy malarstwo; ostateczna wersja została opracowana po śmierci Leonarda da Vinci przez jego ucznia F. Melzi) .
Zamek Chambord został wybudowany dla króla Franciszka I i do dziś zachwyca nie tylko swoją wielkością – 440 komnat i 365 kominków, ale także innowacyjnością architektury. To nie przypadek, że jest uważany za arcydzieło inżynierii i przyjmuje się, że pierwszy projekt opracował sam Leonardo da Vinci.

Wiarygodne rzeźby Leonarda da Vinci w ogóle się nie zachowały. Ale mamy ogromną liczbę jego rysunków. Są to albo osobne arkusze, będące kompletnymi pracami graficznymi, albo najczęściej szkice przeplatane jego notatkami. Leonardo nie tylko rysował projekty różnych mechanizmów, ale także utrwalał na papierze to, co jego bystre, przenikliwe oko artysty i mędrca odkrywało przed nim w świecie. Być może można go uznać za najpotężniejszego, najostrzejszego rysownika w całej sztuce włoskiego renesansu i już w jego czasach wielu najwyraźniej to rozumiało.

„… Robił rysunki na papierze”, pisze Vasari, „z taką wirtuozerią i tak pięknie, że nie było artysty, który by mu dorównał… Dzięki rysunkowi odręcznemu wiedział, jak tak doskonale przekazać swoje pomysły, że wygrał swoimi tematami i doprowadzał do zawstydzenia swoimi pomysłami nawet najbardziej dumnych talentów… Tworzył modele i rysunki, które pokazywały umiejętność łatwego burzenia gór i noszenia ich przejściami z jednej powierzchni na drugą… Zmarnował cenny czas na obraz złożonego splotu sznurowadeł, tak aby wszystko wydawało się ciągłe od jednego końca do drugiego i tworzyło zamkniętą całość.

Ta ostatnia uwaga Vasariego jest szczególnie interesująca. Być może ludzie XVI wieku. wierzono, że słynny artysta marnuje swój cenny czas na takie ćwiczenia. Ale na tych rysunkach, gdzie ciągłe przeplatanie się wprowadza w ścisłe ramy zaplanowanego porządku, i na tych, gdzie przedstawiał jakieś trąby powietrzne lub potop z szalejącymi falami, sam w zamyśleniu kontemplując te trąby powietrzne i ten wir, starał się zdecydować czy tylko postawić pytania ważniejsze, niż których być może nie ma na świecie: płynność czasu, wieczny ruch, siły natury w ich budzącej grozę emancypacji i nadzieja na podporządkowanie tych sił ludzkiej woli.

Malował z natury lub tworzył obrazy zrodzone z wyobraźni: stado koni, gwałtowne walki i oblicze Chrystusa, pełne łagodności i smutku; cudowne kobiece głowy i straszne karykatury ludzi z wypukłymi ustami lub monstrualnie zarośniętymi nosami; rysy i gesty skazanych na śmierć lub zwłoki na szubienicy; fantastyczne krwiożercze bestie i ludzkie ciała o najlepszych proporcjach; szkice rąk, w jego wykonaniu równie wyraziste jak twarze; drzewa w pobliżu, z każdym płatkiem starannie wyciągniętym, i drzewa w oddali, gdzie tylko ich ogólne zarysy są widoczne przez mgłę. I sam się namalował.

Leonardo da Vinci był malarzem, rzeźbiarzem i architektem, piosenkarzem i muzykiem, poetą-improwizatorem, teoretykiem sztuki, reżyserem teatralnym i bajkopisarzem, filozofem i matematykiem, inżynierem, wynalazcą mechaniki, prekursorem aeronautyki, inżynierem hydraulikiem i fortyfikatorem, fizykiem i astronomem, anatomem i optyk, biolog, geolog, zoolog i botanik. Ale ta lista jest daleka od wyczerpującej jego działalności.

Prawdziwą sławę, powszechne uznanie Leonardo osiągnął wykonując gliniany model pomnika konnego Francesca Sforzy, tj. gdy miał czterdzieści lat. Ale nawet po tym rozkazy nie spadały na niego i nadal musiał wytrwale szukać zastosowania swojej sztuki i wiedzy.

Vasari pisze:

„Wśród jego modeli i rysunków był jeden, za pomocą którego wyjaśnił wszystkim rozsądnym obywatelom, wówczas na czele Florencji, swój plan wzniesienia florenckiego kościoła San Giovanni. Trzeba było, nie niszcząc kościoła, wnieść pod niego drabinę, a tak przekonującymi argumentami towarzyszył jego pomysłowi, że sprawa ta rzeczywiście wydawała się możliwa, chociaż rozstając się z nim, wszyscy wewnętrznie uznawali niemożliwość takiego przedsięwzięcia.

Jest to jeden z powodów niepowodzenia Leonarda w poszukiwaniu możliwych sposobów zastosowania jego wiedzy: wielkość idei, która przerażała nawet najbardziej oświeconych współczesnych, wielkość, która ich zachwycała, ale tylko jako genialna fantazja, jako gra umysłu.

Głównym rywalem Leonarda był Michał Anioł, a zwycięstwo w ich rywalizacji przypadło temu drugiemu. Jednocześnie Michał Anioł próbował ukłuć Leonarda, aby poczuł się tak boleśnie, jak to tylko możliwe, że on, Michał Anioł, był lepszy od niego w rzeczywistych, powszechnie uznanych osiągnięciach.