Relief (rzeźba)

Ulga- rodzaj sztuki plastycznej, jeden z głównych rodzajów rzeźby, w którym wszystko przedstawione jest tworzone za pomocą brył wystających ponad płaszczyznę tła. Wykonywany z wykorzystaniem skrótów w perspektywie, zwykle widzianej od przodu. Relief jest więc przeciwieństwem okrągłej rzeźby. Obraz figuratywny lub ozdobny jest wykonywany na płaszczyźnie kamienia, gliny, metalu, drewna za pomocą modelowania, rzeźbienia i golenia.

W zależności od przeznaczenia różne są płaskorzeźby architektoniczne (na frontonach, fryzach, płytach).

Rodzaje terenu:

Zobacz też

• Maszkaron – płaskorzeźba dekoracyjna w formie maski, często przedstawiająca ludzką twarz lub głowę zwierzęcia w formie groteskowej lub fantastycznej.

Notatki

Literatura

• Słownik encyklopedyczny młodego artysty / Comp. NI Platonova, VD Sinyukov. - M .: Pedagogika, 1983. - S. 327. - 416 s. - 500 000 egzemplarzy.
• „Słownik architektoniczny”

Spinki do mankietów

Fundacja Wikimedia. 2010 .

Zobacz, co „Relief (rzeźba)” znajduje się w innych słownikach:

Relief (rzeźba)- RELIEF, rodzaj rzeźby, w której obraz jest wypukły lub zagłębiony w stosunku do płaszczyzny tła. Główne rodzaje: płaskorzeźba, płaskorzeźba. …

Relief: Relief (francuski relief, z łac. relevo podnoszę) zestaw nierównego lądu, dna oceanów i mórz. Relief (rzeźba) to rodzaj dzieł sztuki, jeden z głównych rodzajów rzeźby, w którym wszystko jest przedstawione ... Wikipedia

- (łac. sculptura, od sculpo rzeźbię, wycinam), rzeźba, plastik (gr. plastika, od plasso rzeźbię), rodzaj sztuki plastycznej, oparty na zasadzie trójwymiarowego, fizycznie trójwymiarowego obrazu. Z reguły obiekt obrazu w ... ... Encyklopedia sztuki

Rzeźba renesansowa jest jednym z najważniejszych gatunków sztuki renesansowej, która właśnie w tym czasie osiągnęła swój początek. Głównym ośrodkiem rozwoju gatunku były Włochy, a głównym motywem było skupienie się na antycznych samplach i zachwyt nad ludzką osobowością. ... ... Wikipedia

- (francuska płaskorzeźba, z łac. relevo podnoszę), rzeźbiarski wizerunek na płaszczyźnie. Nierozerwalne połączenie z płaszczyzną, która jest fizyczną podstawą i tłem obrazu, jest specyficzną cechą reliefu jako rodzaju rzeźby. ... ... Encyklopedia sztuki

- (łac. sculptura od sculpo wycinam, rzeźbię), rzeźba, plastyka, rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła mają trójwymiarowy, trójwymiarowy kształt i są wykonane z litych lub plastycznych materiałów. Rzeźba przedstawia głównie ... ... Wielki słownik encyklopedyczny

Rzeźba antyczna- rzeźba starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu, a także państw hellenistycznych. Powstanie S.A. miało miejsce w okresie archaicznym (VIII–VI w. p.n.e.). Rzeźba wczesnoarchaiczna charakteryzuje się wschodem. motywy i wiąże się z nazwą ... ... antyczny świat. Odniesienie do słownika.

- (łac. sculptura, od sculpo wycinam, rzeźbię), rzeźba, plastyka, rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła mają trójwymiarowy, trójwymiarowy kształt i są wykonywane (rzeźbienie, cięcie, rzeźbienie, kucie, odlewanie itp.) z litego lub ... ... Współczesna encyklopedia

- (łac. sculptura, od sculpo - wycinać, rzeźbić) - rzeźba plastyczna, rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła mają trójwymiarowy, trójwymiarowy kształt i są wykonane z litych lub plastikowych materiałów. Rozróżnij okrągły posąg od płaskorzeźby i ... ... Encyklopedia kulturoznawstwa

- (łac. sculptura, od sculpo - wycinam, rzeźbię), rzeźba, plastyka, rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła mają trójwymiarowy, trójwymiarowy kształt i są wykonywane (rzeźbienie, cięcie, rzeźbienie, kucie , odlewanie itp.) z litego lub ... ... Ilustrowany słownik encyklopedyczny

Książki

• Dzieci kraju Sowietów. Publikacja przedstawia prace radzieckich malarzy, grafików, rzeźbiarzy, artystów sztuki użytkowej poświęcone tematyce dzieciństwa. Album ilustracji, składający się z tematycznych…

Opublikowano: 6 września 2010 r

ULGA

Słowo „relief” pochodzi od włoskiego „relevio”, co oznacza „wybrzuszenie”, „półkę”. W reliefie obraz jest tworzony przez wolumetryczną formę, która tylko częściowo wystaje ponad płaską powierzchnię. Jak każda rzeźba ma trzy wymiary, ale trzeci wymiar jest skrócony, warunkowy. Innymi słowy, staje się niejako ogniwem pośrednim między okrągłą rzeźbą a obrazem na płaszczyźnie, która jest zarówno podkładem technicznym, jak i tłem, na którym usytuowana jest kompozycja.

Ulga była szczególnie powszechna na starożytnym Wschodzie: w Indiach, Mezopotamii, Kambodży (Kampucza), Iranie. Sceny z pałaców królów asyryjskich i perskich w Niniwie i Persepolis były całkowicie pokryte płaskorzeźbami. Asyryjczycy przedstawiali sceny wojenne i polowania, nie mieli sobie równych w odtwarzaniu działań i uczuć zwierząt, umieli pokazać je wściekłe, cierpiące, walczące. Płaskorzeźby z Persepolis potwierdzały władzę królewską: przedstawiały wojowników z mieczami, włóczniami i łukami oraz ludy składające hołd „królowi królów” – Babilończycy prowadzili go bykami, Ormianie – konie, Elamici – oswojone lwy, Arabowie – wielbłądy. Ponieważ wszystkie postacie były tej samej wielkości i poruszały się w tym samym kierunku, wydawało się, że podąża za nimi wiele osób i zwierząt: swoisty rytm i poczucie majestatu tego, co się dzieje, osiągnięto dzięki Najprostsza metoda powtórzeń.

Pod względem skali płaskorzeźby wschodnie znacznie przewyższają płaskorzeźby europejskie. Czasem całkowicie pokrywają całą ścianę, czasem idą wzdłuż niej z fryzem – poziomym pasem znajdującym się w jej górnej części. Zawsze są świetne. Całkowity rozmiar fryzu, przechodzącego z sali do sali w pałacu w Dur-Sharrukin w Asyrii, sięga sześciu tysięcy metrów kwadratowych. Fryz „tarasu słoni” w Angkor, dawnej stolicy Kambodży, przedstawia słonie naturalnej wielkości.

Świątynie Kambodży: Relfef angkor Wat

Obrazy na płaskorzeźbach są w większości bardzo realistyczne. Płaskorzeźby Angkoru to prawdziwa encyklopedia codziennego życia ludu. N. i przedstawiają myśliwych strzelających do ptaków z łuków; rybacy zarzucający sieci do wody; murarze tnący kamienie; kucharze krzątają się przy piecach - gotują ryż, pieką ciasta; linoskoczek śmiało kroczący po linie rozpiętej w powietrzu; chłopiec kradnący coś ze straganu drzemiącego kupca na rynku; podekscytowana grupa „cheerleaderek” uwikłana w walkę kogutów. Nawet w tak uroczystych płaskorzeźbach, jak płaskorzeźba pałacu w Persepolis, zachowany jest bezwzględnie realizm detali: bordiura szat jednego z przedstawionych na niej królów dokładnie odwzorowuje oryginalną bordiurę znalezioną przez archeologów w jednym z najstarszych pochówków .

Relief dzieli się na trzy główne odmiany: głęboka ulga, płaskorzeźba oraz wypukłorzeźba. Wgłębiony relief nazywany jest nie wypukłym, ale konturami wyciętymi w głąb płyty lub ściany - płaski obraz jest tutaj zachowany w całości. Jest to technika graficzna i bardzo przejrzysta: pomimo gry światła i cienia wywołanej na jej powierzchni przez modelowanie światła, nigdy nie zrywa związku z rysunkiem.

Relief wpuszczany

Płaskorzeźba zagłębiona była używana w starożytnym Egipcie. Zdobiono je miniaturowymi szkatułkami i ogromnymi świątyniami. Płaskorzeźby na skroniach, przeznaczone do oglądania z dużej odległości, miały wyraźne kompozycje i wyraźne kontury. Kontury te stawały się szczególnie głębokie przy przedstawianiu faraonów i ich świty, ich postacie były modelowane objętościowo, podczas gdy postacie drugoplanowe były „rysowane” powierzchownie i sprawiały wrażenie płaskich. Ta technika zastąpiła europejską perspektywę dla Egipcjan.

płaskorzeźba

Słowo „płaskorzeźba” pochodzi od francuskiego płaskorzeźby i oznacza „płaskorzeźbę”. Przedstawione na nim postacie wystają nie więcej niż o połowę. Klasycznym przykładem płaskorzeźby jest fryz starożytnej greckiej świątyni Partenonu (442-435 pne), który przedstawia uroczystą procesję Ateńczyków do świątyni Ateny, bogini patronki miasta. Młodzieńcy trzymający rozgrzane konie, jeźdźcy galopujący na świętą górę, nastolatkowie niosący puchary z winem, starcy z gałązkami oliwnymi, symbolem pokoju – wszystko to ukazane jest na fryzie niemal bez pomniejszania perspektywy: płaskorzeźba nie niszczy płaszczyznę ściany, ale zdaje się rozciągać równolegle do niej, stając się organiczną częścią świątyni. Jednym z najpiękniejszych fragmentów fryzu jest procesja dziewcząt tkających welon dla Ateny; poruszają się wolno, płynnie, ich gesty są majestatycznie powolne – rytm kompozycji opiera się na przemienności ich póz. Aby pokazać duchową wspólnotę procesji, jednomyślność wszystkich, którzy ją tworzą, rzeźbiarz przedstawia wszystkie głowy – zarówno pieszych, jak i jeźdźców – na tym samym poziomie, technika ta nazywana jest izocefalią. Kompozycja płaskorzeźby rozwija się, jakby podążając za procesją (nie bez powodu oglądają ją, poruszając się za obrazem), tło fryzu jest całkowicie gładkie, uwaga skupia się na sylwetkach chodzących postaci.

Reliefy wielofigurowe z reguły mają charakter narracyjny, a ich „historie” mogą być znacznie bardziej wyczerpujące niż „historie” okrągłych grup rzeźbiarskich. Rzeźbiarz nie musi wyrażać swojego pomysłu w „zatrzymanym momencie”, a jego narracja często toczy się w tym samym porządku chronologicznym, w jakim rozgrywały się odtworzone wydarzenia. Jest to wyraźnie wyrażone w rzymskich płaskorzeźbach, które zdobiły łuki triumfalne i kolumny. Wzniesiona na cześć zwycięstwa nad Dakami trzydziestoośmiometrowa kolumna Trajana (ok. 111-114 ne) pokryta jest od cokołu aż po stolicę spiralną wstęgą płaskorzeźb, która opowiada o wyprawach Trajana na Dunaj z protokołową dokładnością. Stopniowo, jeden po drugim, ukazane są dni wojny: budowa mostu na Dunaju, składanie ofiar bogom, rady wojskowe, przyjęcia ambasadorów, bitwy, samobójstwo wodza Daków, palenie dackich wiosek. Bardzo dokładnie - szczegółowo - pokazuje uzbrojenie Rzymian, machiny oblężnicze, statki, mosty. Starannie podkreślona jest rola dowódcy: Trajan zawsze wyprzedza walczące oddziały. Aby przekonać o tym widza, autor płaskorzeźb (prawdopodobnie Apollodoros z Damaszku) przedstawia go dziewięćdziesiąt razy – raz przed jednym, to przed drugim legionem. Opowieść kończy się triumfalnym powrotem Rzymian do ojczyzny – ostatnia seria płaskorzeźb, niczym ostatnia strona księgi, podsumowuje historię.

W Rosji w XVIII-XX wieku. płaskorzeźby zdobiły pałace i budynki użyteczności publicznej, uzupełniały i uzupełniają cokoły pomników. Na cokole leningradzkiego pomnika I. A. Kryłowa, ukończonego w latach 1848-1855. Peter Klodt odtworzył całą baśniową menażerię: mopsa szczekającego na słonia; łabędź, szczupak i rak próbujący poruszyć wóz z bagażami; lis sięgający po winogrona. Ten wesoły okrągły taniec wokół postaci bajkopisarza dopełnia pomnik.

Reliefy wielofigurowe z reguły mają charakter narracyjny, a ich „historie” mogą być znacznie bardziej wyczerpujące niż „historie” okrągłych grup rzeźbiarskich. Rzeźbiarz nie musi wyrażać swojego pomysłu w „zatrzymanym momencie”, a jego narracja często toczy się w tym samym porządku chronologicznym, w jakim rozgrywały się odtworzone wydarzenia. Jest to wyraźnie wyrażone w rzymskich płaskorzeźbach, które zdobiły łuki triumfalne i kolumny. Wzniesiona na cześć zwycięstwa nad Dakami trzydziestoośmiometrowa kolumna Trajana (ok. 111-114 ne) pokryta jest od cokołu aż po stolicę spiralną wstęgą płaskorzeźb, która opowiada o wyprawach Trajana na Dunaj z protokołową dokładnością. Stopniowo, jeden po drugim, ukazane są dni wojny: budowa mostu na Dunaju, składanie ofiar bogom, rady wojskowe, przyjęcia ambasadorów, bitwy, samobójstwo wodza Daków, palenie dackich wiosek. Bardzo dokładnie - szczegółowo - pokazuje uzbrojenie Rzymian, machiny oblężnicze, statki, mosty. Starannie podkreślona jest rola dowódcy: Trajan zawsze wyprzedza walczące oddziały. Aby przekonać o tym widza, autor płaskorzeźb (prawdopodobnie Apollodoros z Damaszku) przedstawia go dziewięćdziesiąt razy – raz przed jednym, to przed drugim legionem. Opowieść kończy się triumfalnym powrotem Rzymian do ojczyzny – ostatnia seria płaskorzeźb, niczym ostatnia strona księgi, podsumowuje historię.

Wyjątkowym wkładem w rzeźbę był średniowieczna płaskorzeźba rosyjska lub, jak to się częściej nazywa, rosyjska rzeźba kamienna z XII-XIII wieku, jej centrum stanowiła Ruś Włodzimierz-Suzdal. Pokryte dywanem ornamentalno-baśniowych wzorów masywne mury rosyjskich cerkwi wydawały się jednocześnie monumentalne i dekoracyjne. Jak cała starożytna sztuka rosyjska, rzeźbiarstwo było ściśle związane z kościołem, ale to nie czyniło go ani ascetycznym, ani dogmatycznym. Stosunkowo niewiele jest rzeczywiście chrześcijańskich obrazów na ścianach katedry Dmitrowskiego we Włodzimierzu - tylko czterdzieści sześć z pięciuset sześćdziesięciu sześciu, dosłownie toną w masie bestialskich, bajecznych, fantastycznych historii. Rzeźbiarze zapożyczają je wszędzie: z ludowych ozdób, baśni, otaczającej przyrody, starożytnych miniatur, Biblii, a nawet średniowiecznych powieści. Historia podróży Aleksandra Wielkiego do nieba jest w całości zaczerpnięta z popularnej opowieści przygodowej „Aleksandria”. Siedząc w wiklinowym koszu zaprzężonym w fantastyczne gryfy, Aleksander trzyma nad głową małe, nowonarodzone lwiątka; widząc smaczną zdobycz, gryfy rzucają się do niej, a kosz unosi się w powietrze.

dekoracja katedry św. Jerzego w Juriewie-Polskim

Jeszcze grubszy i bardziej elegancki jest rzeźbiarski strój katedry św. Jerzego w Juriewie-Polskim. Wznosi się bezpośrednio z ziemi, staje się częścią detalu architektonicznego: kapitele portali są całkowicie pokryte dziwacznym wzorem kwiatów i liści; pilastry zdobią twarze kobiet i wojowników. W ornamentach roślinnych zakopane są wizerunki Chrystusa, aniołów, świętych, ujęte w płaskorzeźbione medaliony, figury smoków i sępów. Widzimy też dobrodusznie uśmiechnięte, filozoficznie myślące lwy, które drzemią w cieniu swoich drzewiastych ogonów. I Sirins, pół-panny, pół-ptaki, gotowe w każdej chwili zamienić się w legendarne ptaki smutku i radości. I centaury ubrane w kaftany i kapelusze książęcych myśliwych. Centaury i lwy były uważane za emblematyczne zwierzęta średniowiecznej Rusi: mogły być przedstawiane tylko obok książąt, uosabiając ich mądrość i siłę. Ale w rosyjskiej rzeźbie w kamieniu żyją samodzielnie, a ponadto tracą swój abstrakcyjny majestatyczny wygląd, stając się bajecznymi. Duch narodowy triumfuje w nim zarówno nad symbolami książęcymi, jak i nad instytucjami kościelnymi.

Od: Biryukova Irina,  11043 wyświetleń

- Dołącz teraz! Twoje imię:

Komentarz:

Istnieją dwa główne rodzaje tworzyw sztucznych: okrągła rzeźba i relief. Ich możliwości i cechy są bardzo różne. Okrągła rzeźba „żyje” w wolnej przestrzeni, można ją obejść i obejrzeć ze wszystkich stron. Płaskorzeźba (z włoskiego rilievo - „występ, wybrzuszenie, wzniesienie”) jest podobna do trójwymiarowego rysunku wykonanego w glinie lub kamieniu. Na płaskiej powierzchni kamienia, drewna lub innego materiału rzeźbiarz rzeźbi, tnie lub rzeźbi wizerunek postaci, przedmiotów, często tworząc złożone kompozycje fabularne. Jednocześnie obraz pozostaje połączony z tłem, wystaje z niego wypukłym lub trochę, pozostając płaskim.
I. Dworkina

ULGA(fr. relief, od łac. relevare – podnosić) – jeden z rodzajów rzeźby. W przeciwieństwie do okrągłej rzeźby, którą można obejść ze wszystkich stron, płaskorzeźba znajduje się na płaszczyźnie i jest przeznaczona głównie do percepcji czołowej. Relief może mieć niezależne znaczenie sztalugowe i być częścią dzieła architektonicznego lub rzeźbiarskiego. Relief może wystawać ponad płaszczyznę tła i zagłębiać się w nią.

formy terenu

W zależności od tego, jak obszerne są przedstawione postacie, jak są one połączone z tłem, wyróżnia się trzy rodzaje płaskorzeźby: płaskorzeźbę, płaskorzeźbę i kontrrzeźbę.

Giacomo Manzu. „Śmierć Abla” Brama Śmierci

płaskorzeźba zwany płaskorzeźbą niską, dość płaską, w której postacie oddalają się od płaszczyzny tła o mniej niż połowę.Płaskorzeźba z reguły pełni rolę elementu składowego obiektu architektonicznego i pełni w nim rolę dekoracyjno-narracyjną.
Pojawienie się płaskorzeźby poprzedziło powstanie okrągłej rzeźby. Warunkowe obrazy niedźwiedzi i żubrów, wyryte na skalistej powierzchni, można znaleźć w jaskiniach prehistorycznych ludzi żyjących w epoce lodowcowej. Ornamentalne motywy reliefowe zdobią wszystkie budowle sakralne z czasów starożytnych, które przetrwały do ​​naszych czasów. Majestatyczne świątynie epoki faraonów są całkowicie pokryte płaskorzeźbami, które niczym strony księgi przeznaczonej na wieczność opowiadają o pochodzeniu i czynach egipskich bogów.

Płaskorzeźba jest używana na monetach i medalach.

Fragment fryzu Partenonu. Marmur. V wiek pne

W wypukłorzeźba w przeciwieństwie do płaskorzeźby, rzeźbiarski wizerunek znacznie odbiega od tła lub jest podany niemal w całości. W wypukłym reliefie postacie wydają się być bardzo wypukłe, prawie zaokrąglone. Czasami wyglądają jak posągi ustawione na gładkim tle. Płaskorzeźba jest szczególnie wrażliwa na oświetlenie. W jasnych, zwłaszcza bocznych, lekkich figurach wolumetrycznych rzucają silne cienie, które wydają się „walczyć” ze światłem, wskazując wszystkie krzywizny formy plastycznej, podkreślając drobne szczegóły.

Relief zagłębiony ( kontrreliefa) mniej powszechne niż relief wypukły. Obraz tego typu nie wystaje ponad tło, a wręcz przeciwnie, sięga głębiej. Przede wszystkim taka płaskorzeźba przypomina ścisły rysunek: kontury obrazu są jakby wyrzeźbione przez rzeźbiarza na powierzchni kamienia. Figury i przedmioty pozostają płaskie. Ten rodzaj terenu jest często

znaleźć w sztuce starożytnych Egipcjan. Potężne kolumny starożytnych egipskich świątyń pokryte są od góry do dołu takim rzeźbiarskim „wzorem”.

Cechy terenu.

Rzeźbiarz pracujący w reliefie ma więcej miejsca na wyobraźnię niż mistrz tworzący okrągłą rzeźbę. W końcu prawie wszystko, co jest dostępne dla malarstwa i grafiki, można przedstawić z reliefem: góry, rzeki, drzewa, chmury na niebie, domy ... Z ulgą przez cały czas powstawały wielopostaciowe kompozycje fabularne. Relief jako rodzaj rzeźby był często kojarzony z obiektem architektonicznym. Wspaniałe płaskorzeźby zdobiły świątynie starożytnego Egiptu i starożytnej Grecji, łuki triumfalne Rzymu, średniowieczne katedry i budowle pałacowe czasów nowożytnych...

malownicza ulga.

Cameo Gonzaga

Płaskorzeźbę, przypominającą swymi rysami malowniczy obraz, nazywano malowniczym. W płaskorzeźbach obrazowych odległe obiekty są przedstawiane jako małe i bardziej płaskie, podczas gdy te, które są bliżej, wręcz przeciwnie, są uformowane prawie w całości. Okazuje się, że rzeźbiarz stosuje te same prawa perspektywy linearnej co malarz. W malowniczym reliefie tło przestaje być gładkie (jak w płaskorzeźbie i płaskorzeźbie) i zamienia się w rodzaj pejzażu z drzewami, chmurami, górami lub odtwarza wnętrze pomieszczenia, w którym toczy się akcja. Twórca tego typu płaskorzeźby uważany jest za genialnego włoskiego rzeźbiarza XV wieku. Donatello.

Godnym uwagi przykładem malowniczej płaskorzeźby są „Bramy raju” baptysterium (baptysterium) zbudowanego we Florencji. Rzeźbiarz umieścił na drzwiach kompozycje o tematyce biblijnej. W reliefie tym można podziwiać subtelność przejścia planów przestrzennych – od niemal okrągłej rzeźby do misternie rytowanego tła.

„Zabawa w boski cień”

Każda rzeźba jest wrażliwa na światło. Można powiedzieć, że budzi się do życia tylko pod wpływem światła. Będzie wyglądać inaczej przy oświetleniu górnym i bocznym, przy pochmurnej pogodzie lub odwrotnie, w pełnym słońcu. Rzeźbiarze muszą to uwzględniać w swojej pracy. W salach muzealnych, w których eksponowana jest rzeźba, musi być starannie przemyślane oświetlenie, inaczej publiczność nie zrozumie, nie doceni wszystkich walorów plastycznych dzieła sztuki. „Cienie, boska gra cieni na antycznych marmurach! Można powiedzieć, że cienie mają słabość do arcydzieł. Cienie przylegają do nich, obdarzają je dekoracją ”- napisał słynny francuski rzeźbiarz Auguste Rodin. O słuszności słów Rodina można się przekonać oglądając fragment fryzu Partenonu? - jeden z nielicznych zachowanych do naszych czasów fragmentów wspaniałej dekoracji rzeźbiarskiej głównej świątyni starożytnych Aten. Marmurowe płaskorzeźby zdawały się ożywać w promieniach greckiego słońca. Cienie rzucane przez postacie mężczyzn i leżące w fałdach ubrań dziewcząt stwarzały wrażenie ruchu, nadając złudzenie pełnej objętości wypukłym obrazom wystającym z tła.

Narodziny Afrodyty. ulga. Marmur. Sycylia 460 pne

klejnoty.

Od czasów starożytnych rzeźbiarze-jubilerzy rzeźbili płaskorzeźby na kamieniach szlachetnych i półszlachetnych, wykonując biżuterię i pieczęcie. Takie obrazy nazywane są klejnotami (od łacińskiego gemma - „kamienie szlachetne”). Wklęsły obraz, wycięty w głębi litego minerału, nazywa się wklęsłym, a wypukły obraz wystający ponad powierzchnię kamienia nazywa się kameą ... Często klejnoty powstawały z wielowarstwowych kamieni, a mistrz miał okazję, przetwarzając kamień, aby tło miało jeden kolor, a główny obraz - inny.

Natalia Sokolnikowa.

Wysłany dnia http:// www. stronie internetowej. en/

Tambowski Państwowy Uniwersytet Techniczny

Streszczenie na ten temat

Rodzaje płaskorzeźb rzeźbiarskich

Tambow 2009

1. Pojęcie „rzeźby”

2. Odmiany rzeźby

3. Podział rzeźby ze względu na treść i funkcję

4. Materiały rzeźbiarskie

5. Schematyczny proces powstawania formy rzeźbiarskiej

6. Rzeźba prymitywna

7. Rzeźba starożytnego Egiptu

8. Antyczna rzeźba

9. Rzeźba zachodnioeuropejska

10. Rosyjska rzeźba

Bibliografia

1. Pojęcie „rzeźby”

Rzeźba - (łac. sculptura, od sculpo - wyrzeźbić, wyciąć), rzeźba, plastik (gr. plastike, od plasso - sculpt), forma sztuki oparta na zasadzie trójwymiarowego, fizycznie trójwymiarowego obrazu przedmiotu .

Z reguły przedmiotem obrazu w rzeźbie jest osoba, rzadziej zwierzęta (gatunek animalistyczny), jeszcze rzadziej natura (krajobraz) i rzeczy (martwa natura). Pozycjonowanie postaci w przestrzeni, przeniesienie jej ruchu, postawy, gestu, modelowanie światła i cienia wzmacniające relief formy, architektoniczna organizacja bryły, efekt wizualny jej masy, proporcje wagowe, dobór proporcji , charakter sylwetek specyficzny w każdym przypadku, są głównymi środkami wyrazu rzeźby.

Trójwymiarowa forma rzeźbiarska budowana jest w rzeczywistej przestrzeni zgodnie z prawami harmonii, rytmu, równowagi, interakcji z otaczającym środowiskiem architektonicznym lub przyrodniczym oraz na podstawie zaobserwowanych w przyrodzie cech anatomicznych (konstrukcyjnych) konkretnego modelu.

2. Odmiany rzeźby

Istnieją dwa główne rodzaje rzeźby:

1) okrągła rzeźba, która jest swobodnie umieszczona w przestrzeni. Dzieła okrągłej rzeźby, zwykle wymagające okrągłego widoku, obejmują:

Statua (postać we wzroście),

Grupa (dwie lub więcej postaci tworzących jedną całość),

Statuetka (figurka, znacznie mniejsza od naturalnej wielkości),

Tułów (obraz tułowia człowieka),

Popiersie (obraz popiersia osoby) itp.

2) Relief – rodzaj rzeźby; rzeźbiarski obraz na płaszczyźnie, który jest fizyczną podstawą i tłem obrazu. Relief odtwarza złożone sceny wielopostaciowe, a także motywy architektoniczne i krajobrazowe.

Wyróżnij: - wypukły relief wystający ponad płaszczyznę tła, który dzieli się na kontrrelief i coilanaglif; - głęboki relief wcięty w głąb płaszczyzny tła, który dzieli się na płaskorzeźby i przepala

Płaskorzeźba - rodzaj płaskorzeźby, w której wszystkie części wystają ponad płaszczyznę o mniej niż połowę swojej objętości.

Płaskorzeźba służy do ozdabiania obiektów architektonicznych i dzieł sztuki zdobniczej.

Victoria - płaskorzeźby wykorzystane w dekoracji ścian w postaci latającej bogini zwycięstwa.

Nacinany relief – technika, w której wnęki obrazów wykutych w murze wypełniano farbą zlicowaną z płaszczyzną muru, tak aby cały relief nabrał charakteru barwnych sylwetek.

Geniusze - płaskorzeźby przedstawiające latające postacie ludzkie wykorzystywane w dekoracji ścian.

Geniusze - w starożytnym Rzymie - duchy patronów, które towarzyszą człowiekowi przez całe życie i kierują jego działaniami.

Ślepa rzeźba - nieprzezroczysta rzeźba wykonana w litym drewnie, przeznaczona do dostrzegania reliefu w świetle słonecznym lub specjalnym oświetleniu.

Płaskorzeźba wysoka – rodzaj płaskorzeźby, w której obraz wystaje ponad płaszczyznę tła o więcej niż połowę swojej objętości. Płaskorzeźba jest stosowana w architekturze.

Koilanaglif to płaskorzeźba o głębokim konturze i wypukłym modelowaniu, spotykana w architekturze starożytnego Egiptu oraz na starożytnych intagliach wschodnich i starożytnych.

Kontrrelief – pogłębiony relief w formie ścisłego negatywu płaskorzeźby wypukłej, który służy (na pieczęciach wklęsłych) do uzyskania odbitek w formie miniaturowej płaskorzeźby.

Relief stiukowy - sztukaterie na powierzchni ścian.

Koniec formy

Estampage - odcisk z płaskorzeźby uzyskany przez nałożenie papieru lub tkaniny na powierzchnię rzeźby pokrytą barwnikiem.

3. Podział rzeźby ze względu na treść i funkcję

Monumentalno-dekoracyjna: rzeźba przeznaczona jest do określonego środowiska architektoniczno-przestrzennego lub przyrodniczego. Ma wyraźny charakter publiczny, adresowany jest do mas widzów i umieszczany jest przede wszystkim w miejscach publicznych – na ulicach i placach miasta, w parkach, na elewacjach i we wnętrzach budynków użyteczności publicznej. Rzeźba monumentalna i dekoracyjna ma na celu konkretyzację obrazu architektonicznego, uzupełnienie wyrazistości form architektonicznych o nowe odcienie. Zdolność rzeźby monumentalnej i dekoracyjnej do rozwiązywania wielkich zadań ideowych i figuratywnych ujawnia się ze szczególną kompletnością w pracach, które nazywane są monumentalnymi i które zwykle obejmują pomniki miejskie, pomniki i obiekty pamięci. Majestat form i trwałość materiału łączą się w nich z uniesieniem systemu figuratywnego, rozmachem uogólnienia.

Rzeźba sztalugowa, niezwiązana bezpośrednio z architekturą, jest bardziej kameralna. Jego zwykłym środowiskiem są sale wystawowe, muzea, wnętrza mieszkalne, gdzie można go obejrzeć z bliska i we wszystkich szczegółach. W ten sposób określa się cechy plastycznego języka rzeźby, jego wymiary, ulubione gatunki (portret, gatunek codzienny, gatunek zwierzęcy). Rzeźbę sztalugową w większym stopniu niż monumentalną i dekoracyjną cechuje zainteresowanie wewnętrznym światem człowieka, subtelny psychologizm i narracja.

Rzeźby małych form obejmują szeroki wachlarz prac przeznaczonych głównie do wnętrz mieszkalnych i pod wieloma względami łączą się ze sztuką dekoracyjną i użytkową. Wysokość i długość pracy można zwiększyć do 80 centymetrów i metra. Można go powielać przemysłowo, co nie jest typowe dla rzeźby sztalugowej. Sztuka dekoracyjna i użytkowa oraz rzeźba małych form tworzą ze sobą symbiozę, podobnie jak architektura budynku ze zdobiącą go okrągłą rzeźbą, tworząc jeden zespół. Rzeźba małych form rozwija się w dwóch kierunkach - jako sztuka rzeczy masowych i jako sztuka unikatowych, pojedynczych dzieł. Gatunki i kierunki małej rzeźby - portret, kompozycje rodzajowe, martwa natura, krajobraz. Małe, przestrzenne - objętościowe formy, krajobraz projekt i rzeźby kinetycznej.

Rzeźba z brązu Jednym ze sposobów wytwarzania rzeźb z brązu jest metoda odlewania z brązu wydrążonego. Jej sekret polega na tym, że pierwotną formę figurki wykonuje się w wosku, następnie nakłada się warstwę gliny i wosk topi. I dopiero wtedy metal jest wylewany. Odlewanie z brązu to zbiorcza nazwa całego tego procesu.

Rzeźba kinetyczna Rodzaj sztuki kinetycznej, w której odtwarzane są efekty rzeczywistego ruchu.

4. Materiały rzeźbiarskie

Cel i treść pracy rzeźbiarskiej. determinują charakter jego struktury plastycznej, a to z kolei wpływa na wybór materiału rzeźbiarskiego. Technika rzeźby w dużej mierze zależy od cech naturalnych i metod ich obróbki.

Do modelowania używa się miękkich substancji (glina, wosk, plastelina itp.); podczas gdy najczęstszymi narzędziami są pierścienie i stosy drutu.

Substancje stałe (różne rodzaje kamienia, drewna itp.) są przetwarzane przez cięcie (rzeźbienie) lub rzeźbienie, usuwając niepotrzebne części materiału i stopniowo uwalniając niejako ukrytą w nim trójwymiarową formę; do obróbki bloku kamiennego stosuje się młotek (młotek) i zestaw narzędzi metalowych, pióro i wpust (szkarłat, troyanka itp.), do obróbki drewna - głównie dłuta kształtowe i wiertła.

Substancje zdolne do przejścia ze stanu ciekłego w stan stały (różne metale, gips, beton, plastik itp.) wykorzystywane są do odlewania rzeźb w specjalnie wykonanych formach. Galwanizacja służy również do odtwarzania rzeźby w metalu. W swojej niestopionej postaci metal do rzeźby jest przetwarzany poprzez kucie i wytłaczanie.

Do tworzenia rzeźb ceramicznych używa się specjalnych rodzajów gliny, którą zwykle pokrywa się malarstwem lub kolorowym szkliwem i wypala w specjalnych piecach. Kolor jest obecny w rzeźbie od dawna: znana jest rzeźba malowana starożytności, średniowiecza, renesansu i baroku. Rzeźbiarze XIX - XX wieku Zwykle zadowalają się naturalnym kolorem materiału, w razie potrzeby uciekając się tylko do jego monochromatycznego barwienia, tonowania. Jednak doświadczenia lat 50. i 60. XX wieku świadczy o nowo rozbudzonym zainteresowaniu rzeźbą polichromowaną.

5. Schematyczny proces powstawania formy rzeźbiarskiej

Schematycznie proces powstawania dzieła rzeźbiarskiego można podzielić na kilka etapów:

modelowanie (z plasteliny lub gliny) szkiców i szkiców z natury; wykonanie ramy dla fajnej rzeźby lub płaskorzeźby (żelazne pręty, drut, gwoździe, drewno);

praca na wirującej maszynie lub wzmocnionej pionowo tarczy nad modelem w zadanym rozmiarze;

zamiana modelu glinianego w model gipsowy za pomocą formy „czarnej” lub „bryłowej”;

jego przekształcenie w materiał stały (kamień lub drewno) za pomocą maszyny do nakłuwania i odpowiedniej techniki obróbki lub odlewania z metalu z późniejszym wytłaczaniem;

patynowanie lub zabarwienie posągu.

Znane są także dzieła rzeźbiarskie tworzone z twardych materiałów (marmur, drewno) bez uprzedniego modelowania glinianego oryginału (technika taille directe, czyli cięcia bezpośredniego, wymagającego wyjątkowych umiejętności).

6. Rzeźba prymitywna

Pojawienie się rzeźby, sięgające czasów prymitywnych, jest bezpośrednio związane z pracą człowieka i wierzeniami magicznymi. Na stanowiskach paleolitycznych odkryto w wielu krajach (Montespan we Francji, Willendorf w Austrii, Maltę i Buret w Związku Radzieckim itp.) różne rzeźbiarskie wizerunki zwierząt i kobiet - przodków rodzaju, do którego zalicza się tzw. Paleolityczna Wenus. Asortyment neolitycznych pomników rzeźbiarskich jest jeszcze szerszy.

Okrągła rzeźba, zwykle niewielkich rozmiarów, została wycięta z miękkich skał, kości i drewna; płaskorzeźby wykonano na kamiennych płytach i ścianach jaskiń. Rzeźba często służyła jako środek do ozdabiania przyborów, narzędzi pracy i polowania, a także była używana jako amulety.

Przykładami późnoneolitycznej i eneolitycznej rzeźby na terenie ZSRR są rzeźba ceramiczna Trypillia, duże kamienne wizerunki ludzi („kamienne kobiety”), dekoracje rzeźbiarskie wykonane z brązu, złota, srebra itp.

Choć uproszczone formy są charakterystyczne dla rzeźby prymitywnej, często wyróżnia ją ostrość obserwacji życia i żywa plastyczna ekspresja. Dalszy rozwój rzeźby nastąpił w okresie rozkładu prymitywnego systemu komunalnego, w związku ze wzrostem podziału pracy i postępem technologicznym; Najjaśniejszymi zabytkami tego etapu są scytyjskie złote płaskorzeźby, terakotowe głowy kultury Nok oraz zróżnicowana typologicznie drewniana rzeźbiona rzeźba Oceanian.

7. Rzeźba starożytnego Egiptu

W sztuce społeczeństwa niewolniczego rzeźba wyróżniała się jako szczególny rodzaj działalności, mający określone zadania i własnych mistrzów. Rzeźba starożytnych państw wschodnich, która służyła wyrażaniu wszechogarniającej idei despotyzmu, utrwalaniu ścisłej hierarchii społecznej i gloryfikowaniu władzy bogów i królów, zawierała pociąg do tego, co znaczące i doskonałe, które miało obiektywny uniwersalny charakter. wartość. Taka jest rzeźba starożytnego Egiptu: ogromne nieruchome sfinksy, pełne wielkości; posągi faraonów i ich żon, portrety szlachty, o kanonicznych pozach i konstrukcji frontalnej zgodnej z zasadą symetrii i równowagi; kolosalne płaskorzeźby na ścianach grobowców i świątyń oraz drobne rzeźby związane z kultem pogrzebowym. Rzeźba innych starożytnych despotyzmów Wschodu - Sumeru, Akadu, Babilonii, Asyrii - rozwijała się w podobny sposób.

Około 5 tysięcy lat temu w dolinie wzdłuż dolnego biegu Nilu pojawiły się pierwsze małe państwa posiadające niewolników. Pod koniec I tysiąclecia p.n.e. władcy jednego z nich podporządkowali sobie cały kraj, tworząc jedno królestwo z centrum w mieście Memfis, położonym na lewym brzegu Nilu, na południe od miejsca, gdzie znajdowało się miasto Obecnie znajduje się Kair. Około 2800 r. p.n.e. mi. Władcą tego państwa został faraon Chufu. Następnie historycy zmienili jego imię na Cheops. Tak to dziś nazywają.

Ważną rolę w kształtowaniu się kultury i państwa egipskiego odegrał wczesny okres dziejów Egiptu – okres od 4000 do 3000 pne oraz okres wczesnego Królestwa 3000-2000 pne. mi.

Głównym przedmiotem sztuki staje się człowiek. Wspaniałe konstrukcje architektoniczne - piramidy zadziwiają ogólnością i kompletnością form. Największa z nich - piramida Cheopsa - ma wysokość 146,6 m i składa się z 2300 wielotonowych kamiennych bloków.

Wokół piramidy faraona znajdowały się grobowce szlachty i urzędników. „Miasto Umarłych” było swego rodzaju drogą do zaświatów.

Starożytni Egipcjanie wierzyli w życie pozagrobowe i starali się zapewnić wyjeżdżającym na tamten świat wszystko, czego potrzebowali w życiu. Religia egipska nauczała, że ​​szczęśliwe życie pozagrobowe jest dane tylko ludziom szlachetnym.

Egipcjanie wierzyli, że człowiek ma kilka dusz, a życie wieczne po ziemskiej śmierci obdarzają bogowie tym ludziom, których dusze są pod dobrą opieką kapłanów-kapłanów. Grobowiec był uważany za schronienie dla jednej z tych dusz, które Egipcjanie nazywali „Ka” (sobowtór osoby zmarłej).

Jednocześnie religia egipska była zbiorem różnych kultów, które na przestrzeni wielu wieków ulegały licznym zmianom. W Egipcie czczono wielu bogów. Niektóre z nich były bardzo stare i bardziej przypominały zwierzęta niż ludzi. Ich wizerunki mają psie głowy, rogi lub inne oznaki zwierząt.

Ale były też powszechne bóstwa egipskie, których świątynie budowano w całym kraju: Horus, Ra, Ozyrys, Izyda i inni.

Według tradycji Ozyrys, zanim został bogiem, panował w Egipcie, a pamięć o jego dobroczynności skłoniła go do utożsamienia się z zasadą dobra, podczas gdy jego morderca utożsamia się ze złem. Ta sama legenda miała inne religijne, moralne wyjaśnienie: Ozyrys to zachodzące słońce, zabite lub pochłonięte przez ciemność - ciemność.

Izyda - księżyc pochłania i przechowuje, jak tylko może, promienie słoneczne,

a Horus - wschodzące słońce - mści swojego ojca, rozpraszając ciemność.

Ozyrys był często przedstawiany jako mumia, jego zwykłymi atrybutami są hak lub bicz, symbol władzy oraz godło Nilu w postaci krzyża z oczkiem u góry. Czasami Ozyrys jest przedstawiany z głową byka.

Wizerunek bogini Izydy to głowa z krowimi uszami, na której wznosi się budynek – symbol wszechświata: zdaje się stać na bogato zdobionej misie, symbolu wilgoci, bez której nic nie mogłoby istnieć na ziemi. Znakiem rozpoznawczym Izydy jest dysk, podwójna korona oznaczająca panowanie nad Górnym i Dolnym Nilem oraz rogi na głowie.

Bóg Thot jest przedstawiony z głową ptaka ibisa, uosabia boski umysł, który stworzył wszechświat. Jest także bogiem liter i organizatorem świata, który rozproszył ciemność i rozproszył ciemność duszy. Ponadto, gdy ptak ten je, jego dziób wraz z łapami tworzy trójkąt równoboczny, dlatego ibis uosabia geometrię i wszelkie nauki na niej oparte, dlatego ibis jest poświęcony bogu Thotowi – bogu boskiego umysłu. Do obowiązków tego boga należało monitorowanie poziomu podnoszenia się wody podczas wylewu Nilu. Czasami przedstawiany jest bóg Thot trzymający postrzępioną linijkę - symbol wylewu Nilu.

Egipscy faraonowie byli często utożsamiani ze wschodzącym słońcem, a następnie otrzymywali tytuł synów Amona-Ra. Zgodnie z tradycją, podczas świąt i uroczystych procesji, w świętej łodzi, w towarzystwie tłumów dziewcząt i kobiet, przewożono w świętej łodzi posąg bóstwa pokryty klejnotami i ozdobami. Egipcjanie twierdzili, że słońce i księżyc krążą po ziemi tylko w łodzi.

Prawie każdemu egipskiemu bóstwu nadano w ten sposób formy i każdemu z nich poświęcono jakieś zwierzę.

Do naszych czasów zachowało się zaledwie kilka kamiennych tablic (nazywanych paletami) z wizerunkami pierwszych faraonów. Sami Egipcjanie mieli najgłębszy szacunek dla pierwszych, wczesnych wieków ich historii. Ich wyobraźnia zaludniła te czasy wielkimi mędrcami i potężnymi królami.

Jak wspomniano wcześniej, obok piramid w „mieście umarłych” znajdowały się grobowce szlachty. Ekspozycja Ermitażu przedstawia kamienne płaskorzeźby z grobowców, w przeszłości były one jaskrawo pomalowane.

Charakter obrazów i ich rozwiązanie kompozycyjne dają wyobrażenie o wypracowanym kanonie. Tak więc na płaskorzeźbie z grobowca Nimaatra postać szlachcica siedzącego w uroczystej pozie przy stole jest kilkakrotnie większa od postaci służących, którzy mu podają różne potrawy. Umieszczone są w rzędach, fryzach, na kilku „piętrach” i poruszają się w płaszczyźnie obrazu. Trójwymiarowa bryła zostaje zredukowana do sylwetki wyraźnie określonej konturem.

Rzeźbiarz umiejętnie łączy części postaci widziane z różnych punktów widzenia: głowa i nogi są z profilu; oczy, ramiona i klatka piersiowa - z przodu. To przedstawienie ludzi jest typowe dla sztuki egipskiej.

Drugi pomnik, kamienna płaskorzeźba z grobowca Miriraankha, została wykonana inną techniką: obraz nie jest wypukły, lecz osadzony w kamieniu.

W grobowcach umieszczano posągi zmarłych. Grupa rodzinna z grobowca Ujaankhdzhes odtwarza wygląd szlachcica i jego żony.

Kompozycja wykonana jest w ścisłych ramach przyjętego kanonu: frontalność większej postaci Ujaankhjesa, nogi ciasno przesunięte, ręce ułożone na kolanach, uroczyście zamrożona poza i spojrzenie skierowane prosto. Lakonicznie i ogólnie interpretowane figury kojarzą się z kamiennym blokiem. To wapień, od góry pokryty gipsem i pomalowany zgodnie z kanonem: postać męska jest brązowa, postać kobieca jest żółta.

Godnym uwagi zabytkiem rzeźbiarskim egipskiej kolekcji Ermitażu jest posąg faraona Amenemheta III, który panował w Egipcie w okresie od XXI do XVIII wieku. PNE. To czas jednoczenia się kraju, rozwoju miast, rozkwitu kultury. W oficjalnej rzeźbie, w posągach faraonów, wraz z idealizacją i cechami kanonicznymi, można wyczuć pragnienie mistrzów, aby przekazać indywidualność cech modelu, zainteresowanie identyfikacją cech portretowych. Tendencje te można prześledzić w granitowym posągu faraona Amenemheta Sh. Postać faraona przedstawiona jest w tradycyjnej pozie.

Charakterystyczny nakrycie głowy – nemes – z wizerunkiem uraeusa – świętego węża strzegącego króla – oraz trzy jego imiona wyryte w kartuszu (ozdoba w formie na wpół otwartego zwoju) na tronie przypominają, że mieć przed sobą władcę całego Egiptu. W obliczu faraona zauważono cechy charakterystyczne dla tej konkretnej osoby: wąskie, głęboko osadzone oczy, duże kości policzkowe. Mocno zaciśnięte wąskie usta, wystający podbródek nadają twarzy władczy i surowy wyraz. Wykonany z granitu posąg wyraźnie oddaje jednak najdrobniejsze szczegóły ubioru i nakrycia głowy, co świadczy o wysokim kunszcie rzeźbiarza.

W Ermitażu znajduje się wiele znaczących rzeźb codziennych i religijnych, w szczególności posąg bogini Mut - Sokhmet. Córka najwyższego boga Ra, bogini wojny i palącego upału. Sokhmet był przedstawiany jako kobieta z głową lwa. Ten obraz odzwierciedla chęć podkreślenia siły człowieka, porównując ją z mocą bestii. Według mitu, zła na ludzi, którzy przestali słuchać jej zgrzybiałego ojca i czynili zło, bogini postanowiła spalić ich żarem suszy. I tylko wstawiennictwo litościwych bogów uratowało ludzi przed całkowitą zagładą.

Za ich radą nalewano nocą piwo zabarwione na czerwono, które bogini, myląc się z krwią, piła. Mit zrodził się z rzeczywistości: czerwone wody Nilu ratują Egipcjan przed suszą w okresie powodzi.

Straszna bogini trzyma w dłoniach „ankh” - znak symbolizujący życie.

Monumentalny posąg Sochmeta, wykonany za panowania Amenhotepa III (jego imię widnieje na tronie) znalazł się wśród podobnych rzeźb w największej ówczesnej świątyni - Karnaku.

Chciałbym zatrzymać się nad jeszcze jedną grupą rzeźbiarską - Posągiem Amenemheba z żoną i matką. Królewski skryba i burmistrz Teb był w tym czasie wielkim człowiekiem. Rzeźbiarz dzięki wirtuozowskiej obróbce granitu oddał miękkość i sprężystość form ludzkiego ciała, zachowując przy tym wiele tradycyjnych cech (frontalność, statyczność, podniosłe pozy, połączenie z bryłą kamienia itp.). Szczególnie uderzające są postacie kobiece: zarówno matka, jak i żona są ukazane w tym samym wieku. Sugeruje to, że starożytni Egipcjanie wierzyli, że wieczna młodość i pokój czekają na ludzi w zaświatach.

Charakterystyczny jest również wizerunek starożytnego egipskiego architekta, autora i pierwszego budowniczego piramid - Imhotepa, który żył około XX wieku. pne mi.

Imhotep słynie z piramidy schodkowej i świątyni grobowej faraona Jossera w Sakkarze. Niewielkich rozmiarów rzeźba wykonana z czarnego bazaltu, fascynuje wdziękiem i doniosłością. Ta sama statyczna, uroczysta postawa siedzącej osoby, ze zwojem papirusu na kolanach, przedstawia osobę pełniącą bardzo ważną rolę w państwie.

Podobnie jak zbudowana przez niego piramida, tak rzeźba architekta przyniosła nam niepowtarzalne piękno, bajeczność i wielkość starożytnego Egiptu.

8. Antyczna rzeźba

Inny, humanistyczny charakter ma rzeźba starożytnej Grecji i częściowo starożytnego Rzymu, adresowana do mas wolnych obywateli i pod wieloma względami zachowująca związek z antyczną mitologią. Na obrazach bogów i bohaterów, sportowców i wojowników rzeźbiarze starożytnej Grecji uosabiają ideał harmonijnie rozwiniętej osobowości, potwierdzają swoje idee etyczne i estetyczne. Naiwno-holistyczna, plastycznie uogólniona, ale nieco powściągliwa rzeźba okresu archaicznego jest zastępowana przez elastyczną, rozczłonkowaną, opartą na dokładnej znajomości anatomii klasyków rzeźbiarstwa, którzy wysuwali tak wielkich mistrzów jak Myron, Fidiasz, Poliklet, Skopas , Prządka, Lizyp.

Realistyczny charakter starożytnych greckich posągów i płaskorzeźb (często kojarzonych z architekturą kultową), nagrobków, figurek z brązu i terakoty wyraźnie przejawia się w wysokiej kunszcie przedstawiania nagiego lub udrapowanego ciała ludzkiego. Polikletos próbował sformułować prawa jego proporcjonalności na podstawie obliczeń matematycznych w pracy teoretycznej „Kanon”. W rzeźbie starożytnej Grecji wierność rzeczywistości, żywotna ekspresja form łączy się z idealnym uogólnieniem obrazu. W okresie hellenistycznym patos obywatelski i architektoniczna przejrzystość klasycznej rzeźby zostają zastąpione patosem dramatycznym, burzliwymi kontrastami światła i cienia; obraz nabiera zauważalnie większego stopnia indywidualizacji. Realizm rzeźby starożytnego Rzymu ujawnił się szczególnie w pełni w sztuce portretu, uderzając ostrością indywidualnego i społecznego zarysu postaci. Rozbudowano płaskorzeźbę z wątkami historycznymi i narracyjnymi, zdobiącą kolumny i łuki triumfalne; istniał rodzaj pomnika jeździeckiego (posąg Marka Aureliusza, później ustawiony przez Michała Anioła na Placu Kapitolińskim w Rzymie).

Sztuka Doliny Nilu i Mezopotamii istnieje od tysięcy lat, kiedy sztuka grecka dopiero zaczynała stawać na nogi, aby osiągając niezwykłe wyżyny w swoim szybkim, zwycięskim marszu podbijać Europę, Afrykę i Azję. Sztuka grecka po raz pierwszy osiągnęła wolność w swojej twórczości nie tylko w kierunku naturalistycznym, dokładnie oddając anatomię ciała i ruch duszy, ale także w niezależności tego obrazu od wszystkich innych sił duchowych i od sąsiednich światów sztuki. Piękno sztuki greckiej tkwi w jej prawdzie i wolności, ponadto, jak każde piękno artystyczne, w pełnej harmonii formy z treścią. Idealizm i realizm, styl i natura łączą się w sztuce greckiej w jedną nierozerwalną całość. Sztuka grecka odtwarzała rzeczywistość i wyrosła bezpośrednio z zawodów, które jednoczyły plemiona helleńskie od czasu ustanowienia igrzysk olimpijskich.

Rzeźba to ta gałąź sztuki, w której Grecy nauczyli się łączyć formę z treścią w najdoskonalszy sposób i przedstawiać to, co niebiańskie w ziemskiej skorupie, a ponadto lepiej niż jakikolwiek inny naród.

Grecka rzeźba przed wojnami perskimi

Początki rzeźby greckiej były bardzo skromne. Najstarszy styl waz beockich odpowiada niezwykłym glinianym figurkom kobiecym znalezionym w grobowcach beockich; ich kształt, przypominający dzwon, wynika z tego, że ich ubrania pozostają w tyle za ciałem. Zbyt długa szyja, mała głowa, brak pyska, ostry profil i ornamentalny wzór przywodzą na myśl prymitywny styl europejski. Kilka statuetek nagich kobiet, przechowywanych w Muzeum Ateńskim, wykonanych z kości słoniowej, w których proporcjach ciała, przy całej ich geometrycznej kanciastości, jest już zauważalny znaczny krok naprzód, znaleziono w grobowcach Attic Dipylon.

Początków rzeźby wielkich postaci wśród Greków, podobnie jak początków ich architektury, należy szukać w produkcji drewna. Liczne drewniane bożki (xoans), które uważano za spadające z nieba, przypominały późniejszym Hellenom o początkach ich tworzyw sztucznych. Żadna z tych drewnianych figur nie przetrwała do naszych czasów, ale zachowało się wiele rzeźb z luźnego wapienia (poro) lub z gruboziarnistego wyspiarskiego marmuru. Mniej lub bardziej dobrze zachowane dzieła tego typu pozyskiwano głównie z pozostałości budowli zniszczonych przez Persów na ateńskim Akropolu, a także na Delos i sąsiednich wyspach. Męskie posągi przedstawiają młodych, nagich ludzi bez brody; kobiece posągi w ubraniach.

W przeciwieństwie do wszystkich tych kamiennych rzeźb, przypominających styl drewniany, siedzące posągi z Didymaeon, słynnej świątyni Apolla w Didyma, niedaleko Miletu, które są naturalnej wielkości, noszą piętno prymitywnego azjatyckiego stylu kamiennego. Pod względem wielkości, położenia i inskrypcji te posągi portretowe z pierwszej ćwierci VII wieku. Wydają się być najstarszymi dziełami jońskiej rzeźby monumentalnej.

Widzieliśmy, jak sztuka grecka we wszystkich swoich gałęziach, pod wpływem wschodnich, głównie zachodnioazjatyckich, a także egipskich, wyłoniła się ze swojego pierwotnego surowego stanu i rozwinęła narodowy, niezależny styl, w którym połączono uważną, choć nieśmiałą obserwację natury z najściślejszą regularnością.

Wśród rzeźbiarzy tej epoki spotykamy Royka i Teodora z Samos. Royk posiadał wykonaną z brązu postać kobiecą, prawdopodobnie zwaną „Nocą” i stojącą w Efezie, w pobliżu świątyni Artemidy. Z dzieł Teodora znane są głównie wyroby ze złota, na przykład pierścień wykonany dla tyrana Samos Polikratesa oraz srebrne naczynie do mieszania.

Współczesnym tym artystom był Smilides, który posiadał drewniany wizerunek Hery w jej świątyni na Samos.

Najwybitniejszymi spośród najstarszych greckich rzeźbiarzy marmurowych byli według legendy tubylcy jońskiej wyspy Chios: Melas, Mykkiades, Archermus, Bupal i Afenis.

Ale pierwszymi słynnymi rzeźbiarzami w marmurze są Deepoin i Skilid. Założyciele techniki chryzelefantynowej.

Imię artysty na poddaszu zachowało się w jednej z inskrypcji, które do nas dotarły - Arystokles. Złożył swój podpis na pięknej steli nagrobnej Aristion.

Uważa się, że grupy frontonów świątyni Ateny na Eginie są dziełem Onatesa. Na frontonach przedstawiono bitwy pod Troją.

Przejdźmy teraz do okrągłych plastikowych figurek. Stopniowy postęp w rozwoju form jest najbardziej widoczny w posągach kobiecych, a mianowicie w swobodniejszym układzie fałd w ubraniach i bardziej naturalnym wyglądzie włosów.

Męskie posągi ostatnich dni archaizmu są już naznaczone oznakami tego samego postępu. Można wyróżnić figury Apolla z Piombino, Apollina znalezionego w Pompejach.

Widzimy więc, że sztuka grecka do czasów wojen perskich wszędzie osiągnęła niemal ten sam stopień rozwoju, czas wpływów zewnętrznych już minął, a artyści z różnych części Grecji dążyli do wzajemnej wymiany osobistych korzyści między sobą i dla przyjaznej równości.

Rzeźba grecka od początku wojen perskich do epoki diadochów

Wojny perskie nie zatrzymały dalszego rozwoju form rzeźby greckiej: w ich trakcie ulegała ona dalszemu udoskonalaniu.

W tym czasie znane są nazwiska takich rzeźbiarzy jak Pitagoras („Ranny Filoktet”, „Europa na byku”), Kalamis („Omphal-Apollo”), Myron („Miedziana krowa”, „Discobolus”). Prace Mirona były bardzo realistyczne, a sztuka Mirona jest ostatnim krokiem przed całkowitą wolnością w posiadaniu form. Oprócz figurek sportowców Myron produkował posągi bohaterów i bogów. Jedna z jego bardziej znanych grup przedstawiała Atenę i Marsjasza.

Za najważniejsze dzieła rzeźby monumentalnej w rozważanej przez nas epoce uznać należy posągi zdobiące świątynię Zeusa w Olimpii – grupy frontonów i metopy wyrzeźbione z pariańskiego marmuru. Na wschodnim frontonie przedstawiono moment przed rozpoczęciem fatalnej w skutkach rywalizacji między Pelopsem a Ojnomajem. Zachodni fronton przedstawia bitwę centaurów i Lapithów na weselu Perithousa. Za wykonawcę rzeźb frontonu wschodniego uważa się niejakiego Paeoniusa, zachodniego – Alkamena.

Sztuka osiągnęła swój pełny rozkwit dopiero w twórczości Fidiasza. Prace tego artysty są wyrazem doskonałości sztuki greckiej. Najpełniejszy rozwój szlachetnych form łączy się w nich z najściślejszą regularnością umiejscowienia, najczystsze odczucie natury łączy się nierozerwalnie z największą wzniosłością odczucia duchowego. Kolosalny posąg stojącej dziewicy bogini Pallas Ateny w ateńskim Partionie (12 metrów wysokości) i kolosalny posąg Zeusa siedzącego na tronie w Świątyni Olimpijskiej (13 metrów wysokości) to dwa główne źródła światła na artystycznym niebie Fidiasza. Wielkim przedstawicielem sztuki argiwskiej był Poliket. Powinien stanąć na czele artystów, którzy kiedykolwiek próbowali odtworzyć normalne ludzkie ciało. Do naszych czasów zachowały się trzy jego posągi w marmurowych reprodukcjach: „Spearman”, „Amazon”, „Diadumen”.

IV w. (400-275 gg. zanim OGŁOSZENIE)

Rzeźba świątynna w pierwszej połowie tego stulecia nadal przyciągała największe siły artystyczne. Ale wizerunki bogów pojawiają się teraz częściej jako bezpłatne ofiary dla świątyń niż jako rzeczywiste obiekty kultu. Coraz częściej spotyka się grupy i posągi bogów i półbogów, przeznaczone już do dekoracji budynków cywilnych, placów publicznych, pałaców królewskich, przez co rzeźby te nabierają coraz bardziej świeckiego, rodzajowego charakteru. Sztuka religijna zamienia się w mitologiczną. Nazwiska takich artystów jak Kefisodot („Eirena z małym Plutosem”), Silanion („Platon”, „Safona”), Skopas (grupy frontonowe świątyni Ateny Alei w Tegei), Pythius („Mausolus”) można związane z tym czasem.

Praksyteles w źródłach literackich zapisywany jest jako przedstawienie głównie bogów, a ponadto młodych i pięknych, w duchowym i zmysłowym podnieceniu. (Apollo, Aremis, Latona, Dionizos, Afrodyta i Eros są ulubieńcami Praksytelesa). Tylko sporadycznie przybierał postać śmiertelników: słynne dwa posągi słynnej hetery Fryne i jeden posąg zwycięzcy igrzysk olimpijskich. Z personifikacji poszczególnych bóstw, wyrzeźbionych przez Praksytelesa, najbardziej znany w starożytności był posąg nagiej Afrodyty. Innym autentycznym dziełem jego autorstwa jest głowa Afrodyty, pełna wyrazu, łącząca w sobie piękność ludzką z pięknością boską. Możesz wymienić wiele jego słynnych dzieł: „Wenus z Aralu”, „Juno Ludovisi”, „Hermes Antnoy”, „Arodita” itp.

Za najbliższych wyznawców Praksytelesa można uznać jedynie jego synów Kefisodota młodszego i Timakhra: „Menandera”.

Jako rzeźbiarz portretowy, obok synów Praksytelesa, można postawić Polieuktusa, którego słynne dzieło, posąg Demostenesa, zostało wystawione w 280 rpne Rzeźbiarz Lysippus pracował tylko z brązem i przedstawiał wyłącznie postacie męskie. „Apoxiomen”, „Hercules of Farnese”, „Hermes” i inne. Wśród dzieł wyznawców Lysippusa można zaliczyć jedno oryginalne dzieło, a mianowicie wielką marmurową Nike z Samotraki, która pomimo faktu, że jej głowa jest zagubiona , jest jedną z głównych dekoracji muzeum w Luwrze.

Rzeźba w starożytnej Grecji i Grecji Mniejszej (275-27 pne)

Rzeźbiarze z Pergamonu czerpali wątki swoich historycznych wizerunków ze zwycięskich wojen Attalosa z Galami. Epigon, Pyromachus, Stratinik, Antygon. Należy zwrócić uwagę na takie rzeźby jak „Ranny Gal”, „Umierający wojownik”, „Gall i jego żona”. Prace tego rodzaju wprowadzają nas w prawdziwie nowy świat sztuki. Zgodnie z prawdą życia wizerunki cudzoziemców i ich motywy ludowo-historyczne byłyby nie do pomyślenia w czasach Fidiasza, a nawet Praksytelesa. Do tego czasu przypisujemy taką rzeźbę jak „wojownik Borghesa” - Agassios z Efezu. A także słynny marmurowy posąg - "Wenus z Milo". Stała się powszechną ulubienicą w XIX wieku dzięki pięknu swojej sylwetki, która niestety przeszła do naszych czasów bez rąk; ciepło duszy, które tchnie szlachetnymi rysami jej twarzy; niezwykła miękkość cięcia marmuru. Posąg został znaleziony na wyspie Milos w 1820 roku. Najwyraźniej wykonał go Aleksander (lub Agesander).

Mistrzowie neoattyccy byli w zasadzie tylko kopistami. Na przykład Antioch z Aten w swoim posągu Ateny odtworzył Atenę Parthinos Phidias. Szkoła neoattycka bardzo chętnie ozdabiała płaskorzeźbami duże marmurowe wazy. Z mistrzów tej branży znani są: Salpion, Sosibius, Pontius.

Rzeźba Włoch do końca Republiki Rzymskiej

Zanim początek hellenistyczny era (o 900-275 zanim OGŁOSZENIE)

Rzeźba etruska od dawna znajduje się pod wpływem archaizmu grecko-jońskiego. Około 500 pne Głównym materiałem rzeźbiarskim była glina. Duże terakotowe grupy posągów na tronie w Kapitolińskiej Świątyni Jowisza w Rzymie zostały przypisane pewnemu Volcaniusowi (lub Vulca). Postacie w większości zachowały się na wiekach sarkofagów.

O etruskich dziełach z brązu pojęcie dają nam nie tyle próbki, które do nas dotarły, ile niezbędne wskazówki w źródłach pisanych. Brązowa wilczyca w Palazzo dei Conservatori rzymskiego Kapitolu do dziś pozostaje jedynym tego rodzaju dziełem. Wilczyca karmiąca mlekiem Romulusa i Remusa jest symbolem Rzymu. Niektórzy uznają wilczycę za dzieło czysto greckie, inni widzą w niej nawet dzieło chrześcijańskiego średniowiecza.

Spośród kamiennych rzeźb etruskich z tej starożytności na uwagę zasługują przede wszystkim wapienne stele grobowe, zaokrąglone u góry, ozdobione płaskorzeźbami.

O dziełach etruskiego przemysłu artystycznego zauważamy, że dzięki zwyczajowi Etrusków umieszczania w grobowcach różnych przedmiotów gospodarstwa domowego, sprowadziła się do nas ogromna ilość artystycznie wykonanych przyborów (gliniane naczynia, wazy). Etruskowie próbowali naśladować malowane greckie gliniane wazy, które przywieziono wielu.

Wyroby z brązu wytwarzane są w Etrurii od VI wieku. silny rozwój ducha narodowego. Świeczniki tyrreńskie były znane w V wieku. nawet Grecy.

Od początku ery hellenistycznej do końca Republiki Rzymskiej (ok. 275-25 p.n.e.)

Przejścia do rzeźby włoskiej omawianego okresu można doszukać się w cystach z brązu środkowych Włoch, zdobionych plastycznie, na przykład cysta z Vulci w Muzeum Gregoriańskim w Rzymie, z wytłoczonym reliefowym wizerunkiem Amazonek. Wraz z tego rodzaju dziełami można postawić etruskie urny grobowe podświetlane kolorami. Na wieczkach tych urn umieszczone są portretowe postacie zmarłych, mniejsze niż żywe, wymodelowane z grubsza i sucho, z krótkim tułowiem i dużą głową.

Jako główne dzieło rzeźby etruskiej można wskazać wykonany z brązu posąg Aulusa Metellusa. Metellus jest przedstawiony w naturalnej wielkości, zgodnie ze starożytną techniką rzeźbiarską.

Największe wrażenie robią na nas popiersia portretowe, choć co do przedstawionych na nich osobowości istnieje wiele rozbieżności. Na przykład, jeśli chodzi o tzw. popiersie Juliusza Cezara, popiersie Cycerona, uchodzącego za portret Pompejusza.

Rzeźba Cesarstwa Rzymskiego

Hellenistyczna rzeźba idealistyczna we Włoszech w zasadzie powiedziała swoje ostatnie słowo w twórczości neoattyckiej szkoły Pasitola. Jedynym hasłem tej dziedziny sztuki stało się naśladownictwo wielkich mistrzów minionych czasów.

Najlepsze dzieła z czasów Hadriana wciąż były pełne tego samego życia, co dwa centaury z ciemnoszarego marmuru autorstwa Arystaeusa i Papiasza. Głównym zadaniem rzeźby za czasów Hadriana była produkcja niezliczonych posągów i popiersi Antinousa, którymi obdarzyła wszystkie instytucje artystyczne i religijne imperium. Antinous był przystojnym młodzieńcem, ulubieńcem Adriana, aby uratować mu życie, Antinous, kierowany medycznymi przesądami, poświęcił się dla niej i utopił w Nilu.

Rzymianie od dawna byli przyzwyczajeni uważać greckie bóstwa za własne; dlatego zmiany wizerunków bóstw greckich zgodnie z ideami lokalnej mitologii włoskiej ograniczały się zwykle w rzeźbie rzymskiej do atrybutów. Lanuvian Juno Sospita, kolosalna i surowa.

Ostatnie próby hellenistyczno-rzymskiej sztuki idealistycznej pojawiły się w płaskorzeźbach na marmurowych sarkofagach cesarstwa. Ściany sarkofagów zdobią wielofigurowe płaskorzeźby, a na wieczkach umieszczono półsiedzącą postać zmarłego.

Portret rzymski i płaskorzeźby triumfalne wprowadzają nas w zupełnie inny świat. Na tym terenie dominował duch rzymski i uczucie rzymskie. Konieczne było dokładne przedstawienie osobowości nowych władców świata. Ta prawdziwie rzymska sztuka cesarska była realistyczna w najszerszym tego słowa znaczeniu.

Zadaniem rzymskiej rzeźby portretowej było początkowo przedstawianie osób prywatnych. Jej najlepszymi dziełami były popiersia, pełnometrażowe posągi i siedzące postacie obywateli rzymskich oraz ich żon i córek. Zaskakująca naturalność, połączona z grecką surowością i wielkością, tchnie rysami twarzy „Vestal”.

Rzymska rzeźba portretowa zamieniła się następnie w cesarską. Np. głowa młodego Augusta, potem na rzeźbie wiekowego już Augusta. W obu rzeźbach wyraża się w nich całe życie wewnętrzne, głównie w głowie – w spojrzeniu, wyrazie twarzy.

Rzeźba portretowa płynnie przechodzi w rzeźbę reliefową. Szereg płaskorzeźb triumfalnych zaczyna się od tych, które zdobiły Ołtarz Pokoju, dalszy rozwój płaskorzeźby można prześledzić w rzeźbach łuku Tytusa, na których dwa główne obrazy związane z triumfem Tytusa zdobią ściany pod łukiem rozpiętości. Z jednej strony sam cesarz ukazany jest jadący w towarzystwie swojej orszaku na zwycięskim rydwanie, z drugiej triumfalny pochód. Łuki Trajana (dokładniej pozostała kolumna Trajana).

9. Rzeźba zachodnioeuropejska

Religia chrześcijańska, jako główna forma światopoglądowa, w dużej mierze zdeterminowała charakter rzeźby europejskiej w średniowieczu. Jako niezbędne ogniwo w rzeźbie wpisuje się w architektoniczną tkankę katedr romańskich, będąc posłusznym surowej powadze ich struktury tektonicznej. W sztuce gotyckiej, gdzie płaskorzeźby i posągi apostołów, proroków, świętych, fantastycznych stworzeń, a czasem prawdziwych ludzi dosłownie wypełniają portale katedr, galerie wyższych kondygnacji, nisze wieżyczek i występy gzymsów, rzeźba odgrywa szczególnie ważną rolę. Niejako „humanizuje” architekturę, wzbogaca jej duchowe bogactwo. Na starożytnej Rusi sztuka reliefowa osiągnęła wysoki poziom (płaskorzeźby z łupków kijowskich, dekoracja cerkwi Włodzimiersko-Suzdalskiej). W średniowieczu rzeźba była szeroko rozwinięta w krajach Bliskiego i Dalekiego Wschodu; Szczególne znaczenie w światowej sztuce mają rzeźby Indii, Indonezji, Indochin, o charakterze monumentalnym, łączące siłę konstruowania brył ze zmysłową wyrafinowaniem modelowania.

W XIII-XVI wieku. Rzeźba zachodnioeuropejska, stopniowo uwalniając się od treści religijnych i mistycznych, przechodzi do bardziej bezpośredniego przedstawiania życia. Wcześniej niż w rzeźbie innych krajów, w 2. połowie XIII - na początku XIV wieku. W rzeźbie włoskiej pojawiły się nowe, realistyczne tendencje (Niccolò Pisano i inni rzeźbiarze. W XV-XVI wieku rzeźba włoska, opierając się na tradycji antycznej, coraz bardziej skłania się ku wyrażaniu ideałów renesansowego humanizmu. Ucieleśnienie jego głównym zadaniem stają się żywe postacie ludzkie, nasycone duchem afirmacji życia (dzieła Donagello, L. Ghiberti, Verrocchio, Luca della Robbia, Jacopo della Quercia itp.). Ważny krok naprzód został wykonany w tworzeniu wolnostojące (tj. stosunkowo niezależne od architektury) posągi, w rozwiązywaniu problemów pomnika w zespole miejskim, wielopłaszczyznowa płaskorzeźba.Udoskonalana jest technika odlewania i tłoczenia brązu, aw rzeźbie wykorzystywana jest technika majoliki.Jeden szczytami sztuki renesansowej były rzeźbiarskie dzieła Michała Anioła, pełne tytanicznej mocy i intensywnego dramatu.Pierwsze zainteresowanie zadaniami dekoracyjnymi wyróżnia rzeźbiarzy manieryzmu (B. Cellini i inni. ) rzeźbiarzy renesansu w innych krajach itp. . Sławę zdobyli Klaus Sluter (Burgundia), J. Goujon i J. Pilon (Francja), M. Pacher (Austria), P. Fischer i T. Riemenschneider (Niemcy).

W rzeźbie barokowej renesansowa harmonia i wyrazistość ustępują elementom form zmiennych, dobitnie dynamicznych, często pełnych podniosłego przepychu. Prężnie rozwijają się trendy zdobnicze: rzeźby dosłownie przeplatają się z architekturą kościołów, pałaców, fontann, parków. W epoce baroku powstały także liczne ceremonialne portrety i pomniki. Najwięksi przedstawiciele rzeźby barokowej to L. Bernini we Włoszech, A. Schluter w Niemczech, P. Puget we Francji, gdzie klasycyzm rozwija się w ścisłym związku z barokiem (cechy obu stylów przeplatają się w twórczości F. Girardona, A. Coisevoxa i innych). Zasady klasycyzmu, przemyślane na nowo w epoce oświecenia, odegrały ważną rolę w rozwoju rzeźby zachodnioeuropejskiej drugiej połowy XVIII i pierwszej tercji XIX wieku, w której obok wątków historycznych, mitologicznych i alegorycznych, zadania portretowe nabrały wielkiego znaczenia (J. B. Pigalle, E. M. Falcone, J. A. Houdon we Francji, A. Canova we Włoszech, B. Thorvaldsen w Danii).

10. Rosyjska rzeźba

W rzeźbie rosyjskiej z początku XVIII wieku. dokonuje się przejście od średniowiecznych form religijnych do świeckich; Rozwijając się w zgodzie ze wspólnymi europejskimi stylami – barokiem i klasycyzmem, łączy w sobie patos tworzenia nowej państwowości, a następnie oświecania ideałów obywatelskich, ze świadomością nowo odkrytego plastycznego piękna realnego świata.

Pomnik Piotra I w Petersburgu autorstwa E. M. Falcone stał się majestatycznym symbolem nowych aspiracji historycznych Rosji, które zostały określone w epoce Piotra Wielkiego. Znakomite przykłady monumentalnej i dekoracyjnej rzeźby parkowej, snycerki i portretów formalnych pojawiają się już w pierwszej połowie XVIII wieku. (BK Rastrelli i inni). W 2. poł. XVIII - 1. poł. XIX wieku. powstaje akademicka szkoła rzeźby rosyjskiej, którą reprezentuje plejada wybitnych mistrzów. Patriotyczny patos, wielkość i klasyczna klarowność obrazów charakteryzują twórczość F. I. Szubina, M. I. Kozłowskiego, F. F. Szczedrina, I. P. Martosa, V. I. Demuta-Malinowskiego, S. S. Pimenowa. Ścisły związek z architekturą, równorzędna pozycja w syntezie z nią, uogólnienie struktury figuratywnej są charakterystyczne dla rzeźby klasycyzmu. W latach 30. i 40. XIX wieku w rzeźbie rosyjskiej coraz częściej pojawia się pragnienie historycznej konkretności obrazu (B. I. Orłowski) i specyfiki gatunkowej (P. K. Klodt, N. S. Pimenov).

W drugiej połowie XIX wieku. Rzeźba rosyjska i zachodnioeuropejska odzwierciedla ogólny proces demokratyzacji sztuki. Klasycyzmowi, który obecnie odradza się w sztuce salonowej, przeciwstawia ruch realistyczny z jego otwarcie wyrażaną orientacją społeczną, uznaniem codzienności godnej uwagi artysty, odwołaniem się do tematu pracy, do problemów moralności publicznej (J. Dalou we Francji, C. Meunier w Belgii itp.). Realistyczna rzeźba rosyjska z II połowy XIX wieku. rozwijała się pod silnym wpływem malarstwa Wędrowców. Charakterystyczna dla tej ostatniej głębia refleksji nad historycznymi losami ojczyzny wyróżnia także twórczość rzeźbiarską M. M. Antokolskiego. Działki zaczerpnięte ze współczesnego życia, temat chłopski są potwierdzone w rzeźbie (F. F. Kamensky, M. A. Chizhov, V. A. Beklemishev, E. A. Lansere).

W sztuce realistycznej drugiej połowy XIX wieku. odejście wielu mistrzów od postępowych idei społecznych stało się jedną z przyczyn upadku rzeźby monumentalnej i dekoracyjnej. Innymi tego przyczynami była nieuchronna historycznie utrata przez rzeźbę w warunkach rozwiniętego kapitalizmu możliwości wyrażania ideałów o znaczeniu uniwersalnym, zerwanie więzi stylistycznych między rzeźbą a architekturą oraz rozpowszechnienie nurtów naturalistycznych. Próby przezwyciężenia kryzysu są charakterystyczne dla rzeźby przełomu XIX i XX wieku. W poszukiwaniu trwałych wartości duchowych i estetycznych życia rozwijała się na różne sposoby (impresjonizm, neoklasycyzm, ekspresjonizm itp.). Dzieła O. Rodina, A. Maillola, E. A. Bourdelle'a we Francji, E. Barlacha w Niemczech, I. Meštrovica w Chorwacji wywierają ogromny wpływ na wszystkie szkoły narodowe. Sztuka S. M. Volnukhina, I. Ya. Gintsburga, P. P. Trubetskoya, A. S. Golubkiny, S. T. Konenkowa, A. T. Matwiejewa, N. A. Andriejewa staje się wyrazem postępowych tendencji rosyjskiej rzeźby tego okresu. . Wraz z odnawianiem treści zmienia się także artystyczny język rzeźby, wzrasta znaczenie formy plastyczno-ekspresyjnej.

W warunkach kryzysu kultury mieszczańskiej w XX wieku. rozwój rzeźby przybiera sprzeczny charakter i jest często kojarzony z różnymi nurtami modernistycznymi i formalistycznymi eksperymentami kubizmu (AP Archipenko, A. Laurent), konstruktywizmu (N. Gabo, A. Pevzner), surrealizmu (H. Arp, A. Giacometti), sztuka abstrakcyjna (A. Calder);

Tendencjom modernistycznym konsekwentnie przeciwstawia się rzeźba radziecka, rozwijająca się na ścieżce socrealizmu. Jego powstanie jest nierozerwalnie związane z leninowskim planem propagandy monumentalnej, na podstawie którego powstały pierwsze rewolucyjne pomniki i tablice pamiątkowe, a później wiele znaczących dzieł rzeźby monumentalnej. W pomnikach zbudowanych w latach 20-30. (Do V. I. Lenina, rzeźbiarza S. A. Evseeva i S. M. Kirowa, rzeźbiarza N. V. Tomsky'ego, - w Leningradzie; K. A. Timiryazeva, rzeźbiarza S. D. Merkurowa i N. E. Baumana, rzeźbiarza B. D. Korolewa, w Moskwie; T. G. Szewczenki w Charkowie, rzeźbiarza M. G. Manizera), w monumentalna i dekoracyjna rzeźba, która zdobiła duże budynki użyteczności publicznej, stacje metra, wystawy ogólnounijne i międzynarodowe („Robotniczka i kołchozowa kobieta” V. I. Muchina), wyraźnie manifestował się światopogląd socjalistyczny, zasady narodowości i ducha partyjnego sztuki radzieckiej były realizowany. Centrum w S. 20-30s. stały się tematem rewolucji („Październik” A. T. Matwiejewa), obraz uczestnika wydarzeń rewolucyjnych, budowniczego socjalizmu. Duże miejsce w rzeźbie sztalugowej zajmuje portret („Leniniana” N. A. Andriejewa; prace A. S. Golubkiny, S. D. Lebiediewy, V. N. Domogatskiego i innych), a także wizerunek człowieka-wojownika („Brukowiec - broń proletariat” I. D. Shadra), wojownika („Wartownik” L. V. Sherwooda), robotnika („Metallurg” G. I. Motowiłowa). Rozwija się rzeźba animalistyczna (I. S. Efimov, V. A. Vatagin), a rzeźba małych form jest zauważalnie aktualizowana (V. V. Kuznetsov, N. Ya. Danko i inni). W latach Wielkiej Wojny Ojczyźnianej 1941-45 temat Ojczyzny, sowieckiego patriotyzmu, ucieleśniony w portretach bohaterów (V. I. Muchina, S. D. Lebiediewa, N. V. Tomski), w intensywnie dramatycznych postaciach i grupach gatunkowych, dotarł do fore (V. V. Lishev, E. F. Belashova i inni).

Tragiczne wydarzenia i bohaterskie czyny lat wojny znalazły szczególnie wyraziste odzwierciedlenie w rzeźbie budowli pamięci z lat 40.-70. XX wieku. (E. V. Vuchetich, Y. Mikenas, L. V. Bukovsky, G. Jokubonis i inni). W latach 40-70. Rzeźba odgrywa aktywną rolę jako element dekoracyjny lub organizujący przestrzeń w architekturze budynków i zespołów użyteczności publicznej, jest wykorzystywana do tworzenia kompozycji urbanistycznych, w których wraz z licznymi nowymi zabytkami (M. K. Anikushin, V. Z. Borodai, L. E. Kerbel, A. . P. Kibalnikov, N. Nikoghosyan, V. E. Tsigal itp.), ważne miejsce zajmuje rzeźba ogrodowa i parkowa, pomniki na autostradach i drogach dojazdowych do miasta, dekoracja rzeźbiarska obszarów mieszkalnych itp. Dla rzeźby na małą skalę penetrującej w sposób życia, na uwagę zasługuje chęć estetycznego zindywidualizowania nowoczesnego wnętrza. Żywe wyczucie nowoczesności, poszukiwanie sposobów aktualizacji plastycznego języka są charakterystyczne dla rzeźby sztalugowej drugiej połowy lat 50-70. Wspólną cechą wielu narodowych szkół sowieckiego socjalizmu jest pragnienie ucieleśnienia charakteru współczesnego człowieka – budowniczego komunizmu – oraz zwrócenie się ku tematom przyjaźni między narodami i walki o pokój. Te same tendencje tkwią także w rzeźbie innych krajów socjalistycznych, które wydały wielu wybitnych mistrzów (K. Dunikovsky w Polsce, F. Kremer w NRD, A. Avgustinchich w Jugosławii, J. Kisfaludy-Strobl na Węgrzech, i inni). W krajach zachodnioeuropejskich S. reakcja przeciw faszyzmowi i wojnie spowodowała aktywizację najbardziej postępowych sił i przyczyniła się do powstania dzieł nasyconych wzniosłym humanistycznym patosem (rzeźbiarze M. Mazakurati i J. Manzu we Włoszech, V. V. Aaltonen w Finlandii oraz inni). Rzeźby czołowych artystów promują postępowe idee nowoczesności, odtwarzając wydarzenia historyczne i współczesne ze szczególną rozmachem, epickością i wyrazistością, podczas gdy przedstawiciele różnych ruchów modernistycznych zrywają żywy związek z rzeczywistością, odchodząc od rzeczywistych problemów życiowych w świat subiektywnej fantazji i eksperymenty formalistyczne.

rzeźba sztuka antyczny rosyjski

Bibliografia

1) Kepinov G. I., Technologia rzeźby, M., 1936.

2) Arkin D. E., Obrazy rzeźby, M., 1961.

Podobne dokumenty

Idea rzeźby starożytnej, jej charakterystyczne cechy, cechy. Periodyzacja sztuki starożytnej Grecji. Ogólne dziedzictwo kulturowe rzeźby greckiej, jej przedstawiciele. Wpływ rzeźby antycznej na rozwój kultury kolejnych cywilizacji.

test, dodano 27.06.2013


Główne rodzaje rzeźby Plastyka piękna, rzeźba małych form, rzeźba monumentalna i dekoracyjna. Rozwój gatunku portretowego. Gatunki animalistyczne i historyczne. Ekspresyjne środki rzeźbiarskie. Materiały do ​​wykonywania modeli rzeźb.

prezentacja, dodano 25.03.2016


Istota rzeźby jako rodzaju sztuki plastycznej, której dzieła mają trójwymiarową objętość. Rodzaje i gatunki rzeźby, użyte materiały i metody jej realizacji. Twórczość rzeźbiarzy: M. Buonarroti, M. Kozlovsky, I. Shadr, P. Klodt.

prezentacja, dodano 25.02.2014


Pojęcie i cechy rzeźby jako rodzaju sztuki plastycznej. Rosyjska Akademia Sztuki i jej sławni absolwenci. Osiągnięcia rzeźby rosyjskiej XVIII – początku XIX wieku. Twórczość B. Rastrellego, F. Szubina, M. Kozłowskiego i F. Szczedrina.

test, dodano 28.01.2010


Środki wyrazowe i charakterystyka odmian rzeźby. Wybór materiału i koloru do stworzenia pracy. Historia rozwoju rzeźby od społeczeństwa prymitywnego do współczesności. Przegląd twórczości najwybitniejszych rosyjskich rzeźbiarzy.

streszczenie, dodano 14.05.2014


Dzieło Anthony'ego Gormleya to klasyk współczesnej sztuki brytyjskiej, jeden z najsłynniejszych współczesnych rzeźbiarzy muralistów. Ludzkie rzeźby Gormleya - Angel of the North, Quantum Cloud, Another Place, Field of Attraction, Garbage Man.

streszczenie, dodano 03.06.2013


Pochodzenie rzeźby starożytnej Grecji. Epoka archaizmu jako wczesny etap rozwoju społeczeństwa starożytnej Grecji. Dwa rodzaje figur rzeźbiarskich nieodłącznie związane z epoką. Cechy klasycznej rzeźby greckiej. Etap hellenistyczny, ruch kulturalny w Rzymie.

streszczenie, dodano 13.02.2012


Przesłanki rozwoju, procesu powstawania, rozkwitu i schyłku rzeźby starożytnej Grecji: od surowych, statycznych i wyidealizowanych form archaicznych, przez zrównoważoną harmonię rzeźby klasycznej, po dramatyczny psychologizm posągów hellenistycznych.

streszczenie, dodano 19.04.2011


Zasady i techniki pracy nad kompozycją rzeźbiarską. Wybitne dzieła rzeźbiarskie. Cechy anatomiczne (głowa, sylwetka). Materiały i narzędzia rzeźbiarza. Metodyczne metody nauczania dzieci w wieku szkolnym do pracy z tworzywami sztucznymi.

praca semestralna, dodano 24.12.2011


Dzieje powstania i rozwoju sztuki staroruskiej Słowian wschodnich, jej cechy charakterystyczne oraz wpływ światopoglądu i specyficznych uwarunkowań społecznych. Etapy rozwoju i oryginalność architektury, malarstwa, rzeźby i sztuki użytkowej.

Lekcja 1

Lekcja wprowadzająca. Wprowadzenie do materiału (2 godz.)

Wykład : Historia rozwoju ceramiki. Ceramika jako rodzaj sztuki i rzemiosła”, „Eklektyzm”

Motyw : "panel dekoracyjny"

Poświęcono kilka minut na szkicowanie, uogólniony szkic pracy.

Rzeźbienie ozdobnych płytek o różnych kształtach i rozmiarach, zawierających integralną kompozycję, następnie połączonych liną. Talerze zdobią geometryczne wzory, nadruki roślin. Technika płaskorzeźba z obniżonym konturem.

Eklektyzm. Za podstawę można przyjąć motywy różnych narodowości i epok. Na przykład: motywy indyjskie, japońskie, starożytnej Grecji.

Jako zbiór materiałów nauczyciel dostarcza kilka fotografii na ten temat.
Produkty suche. Następnie są malowane (w jednej z poniższych klas) angobą lub po wypaleniu szkliwem.

Materiał: szara glina (ceramika)

Lekcja 2

(2 godziny)

Wykład:„Reliefy starożytnego świata”

Motyw:„Ukochane Miasto”, „Stare Miasto”

Dekoracyjny relief, kompozycja architektury miejskiej wpisana w geometryczny kształt na płaszczyźnie.

Kompozycyjna konstrukcja płaskorzeźby architektonicznej łączy w sobie rytmy horyzontów i pionów, dynamikę i statykę, co znajduje szczególne odzwierciedlenie w motywach miejskiego pejzażu.

(Szkic, szkic, zdjęcie „Ukochanego Miasta” jest przygotowywane z wyprzedzeniem)

Nauczyciel zapewnia zbiór materiałów na dany temat (ilustracje, zdjęcia).

Materiał: czerwona glina szamotowa

Lekcja 3

Wykład: Rzeźba średniowiecza. Reliefy ornamentu roślinnego w architekturze»

Motyw:„Relief roślinny”, „Życie kwiatów”

Ulga przez. Rzeźbienie rośliny, kwiatu lub grupy kwiatów z natury. Wykonanie w reliefie przelotowym.

Kilkuminutowa praca nad szkicem, na którym w sposób ogólny zarysowane są ciemne i białe plamy, obszary objęte reliefem oraz poprzez przestrzeń.

Kwiatowy ornament trójwymiarowego reliefu może być albo ściśle wpisany w geometryczny kształt, nadany przez ramę, albo mieć dowolny kształt.

Harmonijne połączenie przestrzeni, powietrza z zamkniętą reliefową sylwetką. Powietrze, rozbijając kompozycję wewnątrz reliefu na przelotowe otwory różnej wielkości, pełni ważną rolę estetyczną w tworzeniu określonego rytmu kompozycji.

Kolorystyka produktu, technika surowa - angoba

Materiał: glina czerwona lub szara

Transformacja rośliny w grafice, kompozycja do wykonania w ceramice.

Lekcja nr 4

Wykład:Ceramika starożytnej Grecji. Malowanie wazonów czerwonofigurowych i czarnofigurowych»

Motyw:"Wazon dekoracyjny"

Modelowanie miniaturowego wazonu z jednego kawałka gliny. Wazon - miska, miska, na nóżkach, ozdobiony ornamentami sztukatorskimi lub malowidłami.

Materiał: czerwona lub szara glina, malowana glazurą.

Lekcja nr 5; 6; 7

(6 godzin) około (+/-)

Wykład: „Abstrakcjonizm w sztuce, w rzeźbie”

Motyw:„Woda, podwodny świat”, „Cud oceanu”

Rzeźba wolumetryczna.

Wykonywany jest w glinie rzeźbiarskiej na ramie, zadaniem jest odlanie pracy w ciągu jednej sesji (2 godziny), aw następnej sesji odlanie w gipsie pod ścisłym nadzorem prowadzącego. Ponadto warstwy gliny ceramicznej, szamotu układa się w gotowej formie gipsowej, a części formy są ze sobą połączone. W tym stanie praca będzie musiała zastygnąć, wyschnąć przez chwilę. Następnie jest demontowany, malowany, wypalany.

Abstrakcyjna stylizacja zwierzęcia morskiego, ryby, gada, żywego organizmu z głębi oceanu.

Glina pozwala na zobrazowanie otaczającego Cię świata, przekształcając go w bardziej uogólnione, symboliczne formy, jednocześnie podkreślając ich istotę. To przekształcenie formy w znak pozwala nam wyodrębnić istotę charakteru w tym przypadku życia morskiego.

Rzeźba wolumetryczna zakłada przegląd ze wszystkich stron, musi żyć w przestrzeni „jak ryba w wodzie”.

Zadanie polega na doprowadzeniu do harmonizacji, stworzeniu w rzeźbie określonych zestawień kolorystycznych i geometrycznych kształtów, posługując się językiem abstrakcji.

Rzeźba abstrakcyjna sama w sobie budzi różnorodne skojarzenia, grę wyobraźni i rozwinięcie fantazji...

Lekcja nr 8; dziewięć

Wykład:„Współcześni artyści są awangardowi. Awangarda w ceramice

Motyw:„Przestrzeń kosmiczna”, „Wszechświat wewnątrz…”

Temat ten pozwala kreującemu człowiekowi zajrzeć w jego wewnętrzny świat i za pomocą gliny, jej plastycznej specyfiki, ukazać coś kosmicznego, abstrakcyjnego, awangardowego.

Tutaj jest miejsce na wyobraźnię, różnorodność form, nieoczekiwane rozwiązania. I tak glina szamotowa ujawnia się w rękach swojej nieokiełznanej natury. Nie uwięziony, tak jak materialny, lecz uzdrowiony w swojej pierwotnej nagości, takiej, jaką widzi go twórca. Tworząc niesamowite obrazy z warstw gliny, abstrakcyjne kompozycje, zajrzały gdzieś w czeluści świadomości...

Ogromne znaczenie w tym zadaniu ma kolorystyka rzeźby, w której zastosowana zostanie technika „crackle” (francuska Craquele), (efekt spękanej glazury), co nada rzeźbie niejako lekki dotyk czasu…

Materiał: glina szamotowa

Lekcja nr 10

Wykład: „Reliefy asyryjskie”

Motyw: « Mieszkańcy dzikiej przyrody, zwierzęta, gady»

Obraz dzikich zwierząt w reliefie. Płyta.

Materiał: glina szamotowa

Lekcja nr 11; 12

Wykład:„Animalizm w rzeźbie”

Motyw: "Dzikiej przyrody. Rzeźba zwierząt »

Wolumetryczna rzeźba dzikiego zwierzęcia. Modelowanie zwierzęcia w glinie rzeźbiarskiej, następnie formowanie i przenoszenie na glinę szamotową. Ponadto zwierzęca rzeźba jest pomalowana farbami angobowymi.

Lekcja nr 13

Wykład: „Sign Art”, „Twórczość rzeźbiarzy Vadima Sidura i Henry'ego Moore'a”

Motyw: „Obraz człowieka jako znak w sztuce”

Abstrakcyjna rzeźba postaci ludzkiej

Materiał: glina szamotowa

Lekcja nr 14

Wykład: „Płaskorzeźby starożytnego Egiptu (obraz boga Ptaha itp.)”

Motyw:panel dekoracyjny "W świecie ptaków"

Relief jest obszerny, obszerny - ptak lub grupa ptaków w przyrodzie.

Materiał: glina szamotowa, malowanie szkliwem

Przekształcenie obrazu realistycznego w dekoracyjny, który powstaje w materiale (wersja graficzna).

Lekcja numer 15

Wykład: „Miłość w sztuce, rzeźbie”

Motyw: „Symboliczny obraz miłości”

Kompozycja rzeźbiarska symbolizująca miłość.

Romantyczna reprezentacja uczuć zawarta w pewnym symbolicznym obrazie, znaku.

Przedstawienie subiektywnej wizji artysty na zadany temat filozoficzny.

Kompozycja może składać się z kilku oddzielnych figur, które następnie są łączone ze sobą lub z monolitu, kawałka gliny.

Materiał: glina ceramiczna, szkliwiona (jeden ton), po wypaleniu a następnie przetarta papierem ściernym dla uzyskania ciekawszego efektu artystycznego i dekoracyjnego.

Cena - 18 000 rubli/ cały cykl,
opcje płatności:
— całkowicie 100%;
- miesięcznie (5000 rubli miesięcznie);
— 50/50 za 9500r. przez połowę kursu;
- jedna lekcja - 1500 rub.

Grupa: Wtorek w godz. 19-30 (rekrutacja w toku)

W grupie od 5 do 8 osób