კლასიციზმის ერა მუსიკაში, კლასიციზმის მუსიკალური კულტურა. კლასიციზმის მუსიკალური კულტურა

უკან წინ

ყურადღება! სლაიდების გადახედვა მხოლოდ საინფორმაციო მიზნებისთვისაა და შესაძლოა არ წარმოადგენდეს პრეზენტაციის სრულ ნაწილს. თუ გაინტერესებთ ეს ნამუშევარი, გთხოვთ გადმოწეროთ სრული ვერსია.

ამჟამად, რუსეთის ყველა საბავშვო მუსიკალური სკოლა და ხელოვნების სკოლა გადადის სწავლების ახალ სტანდარტებზე. დაიწყო საგანმანათლებლო პროგრამების დაყოფა წინასწარ პროფესიულ და ზოგადგანვითარებად. და თუ ბავშვები, რომლებიც სწავლობენ წინაპროფესიულ პროგრამებში, იღებენ სიღრმისეულ ცოდნას ყველა საგანში, მაშინ იმ ბავშვების ცოდნა, რომლებიც ეუფლებიან ზოგად განვითარების პროგრამებს, ძალიან ზედაპირულია. განსაკუთრებით თეორიულ საგნებში, რადგან. სასწავლო გეგმების მიხედვით, სრულფასოვანი გაკვეთილების ნაცვლად „სოლფეჯიო“, „მუსიკალური ლიტერატურა“, „მუსიკის თეორია“, „მუსიკალური ფორმების ანალიზი“ მოსწავლეები გადიან საგანს „მუსიკა და გარემო“ (კვირაში 1 საათი).

მათი სპეციალობის ნაწარმოებების დაკვრისას მოსწავლეებს უნდა ჰქონდეთ ელემენტარული ცოდნა მუსიკალური ეპოქების, სტილის შესახებ, რადგან. ეს ცოდნა ძალიან მნიშვნელოვანია ჰორიზონტის გაფართოებისთვის, მოსწავლეთა შემეცნებითი აქტივობის აღზრდისა და სწავლისადმი ინტერესის შესანარჩუნებლად. მუსიკალურ სკოლაში გაკვეთილები უნდა იყოს საინტერესო, ფერადი, ინფორმაციული და რაც მთავარია დასამახსოვრებელი.

სწორედ აქ არის მთავარი დანიშნულებაგაკვეთილი-ლექცია: მუსიკალური ეპოქების გაცნობის გზით მოსწავლეთა ესთეტიკური ღირებულებების შესახებ იდეების ჩამოყალიბების ხელშეწყობა.

ამ მიზნის მისაღწევად აუცილებელია შემდეგის გადაჭრა დავალებებიგაკვეთილი:

• გააცნობს მოსწავლეებს „ბაროკოს“, „კლასიციზმის“ და „რომანტიზმის“ სტილებს;
• მიეცით წარმოდგენა ამ ეპოქაში შექმნილი მსოფლიო შედევრების ჟღერადობაზე;
• ცოდნის კონსოლიდაცია და განზოგადება.

გაკვეთილების დროს

სლაიდი 1. მუსიკა თან ახლავს ადამიანს პირველივე დღეებიდან და მთელი ცხოვრების მანძილზე. ჩვენ ვუსმენთ მას გაღვიძების მომენტიდან, დღისით და მუსიკის ხმაზე ვიძინებთ. ჩვენ ყოველთვის გვესმის: გზაზე, შვებულებაში, სამსახურში... მუსიკას შეუძლია გაახალისოს, შთააგონოს, მაგრამ ასევე გამოიწვიოს სევდა, მწუხარება ან მშვიდი სევდა. მუსიკა, როგორც ხელოვნების ერთ-ერთი ფორმა, უპირველეს ყოვლისა ადამიანის სულისკენაა მიმართული.

რა არის მუსიკა? მუსიკა ბგერების ხელოვნებაა. მეცნიერებმა დაამტკიცეს, რომ უძველესი ადამიანები გადარჩნენ გამყინვარების ხანას და გახდნენ პლანეტის დომინანტური სახეობა, რადგან მათ ჰქონდათ უნარი შექმნან: გადასცემდნენ და შექმნიდნენ ხმებს, ფერებს, ქმნიდნენ ვიზუალურ და ხმის გამოსახულებებს. .

მუსიკა განვითარდა სხვა ხელოვნების პარალელურად, ამიტომ მას ბევრი საერთო აქვს მხატვრობასთან, არქიტექტურასთან, ქანდაკებასთან, ლიტერატურასთან და თეატრთან.

ხელოვნება და უპირველეს ყოვლისა სხვადასხვა ეპოქის მუსიკა ასახავდა თავის დროს და გამოიხატა გარკვეული მხატვრული სტილით.

მუსიკა ყოველთვის არ ყოფილა ისეთი, როგორიც ახლა ვიცით. დღეს გეპატიჟებით დროში მუსიკალური მოგზაურობისთვის და კლასიკური მუსიკის რამდენიმე სტილის გასაცნობად.

სლაიდი 2. პირველი გაჩერება - ერა ბაროკოს.

ეპოქა ბაროკოს (მისგან. ბაროკო - "უცნაური", "უცნაური"), რომელიც წარმოიშვა XVI - XVII სს. - ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი კაცობრიობის განვითარების ისტორიაში. სწორედ ამ დროს დაიბადა ხელოვნების ახალი სტილი და ტენდენციები: ლიტერატურა, მუსიკა, მხატვრობა, არქიტექტურა. ბაროკოს ეპოქა უარყოფს ბუნებრიობას, მას უმეცრებად და ველურობად მიიჩნევს.

სლაიდი 3. მაგალითად, ამ დროს ქალი უნდა იყოს არაბუნებრივად ფერმკრთალი, აცვია ფრიალი პარიკი, მჭიდრო კორსეტი და დიდი ზომის ქვედაკაბა.

სლაიდი 4. მამაკაცი პარიკში ულვაშისა და წვერის გარეშე, ფხვნილი და პარფიუმირებული.

ამ სტილს ახასიათებს ექსპრესიულობა, დრამატულობა, სანახაობა, საზეიმოდ, ბრწყინვალება, ხელოვნების სხვადასხვა სახეობების შერწყმის სურვილი. ეს თვისებები სრულად გამოიხატა ოპერაში, სადაც შერწყმულია მუსიკა, პოეზია, დრამატურგია და თეატრალური მხატვრობა.

სლაიდი 5. ჩვენამდე მოღწეული ახალი ჟანრის პირველი ნამუშევრები არის ორი ოპერა ამავე სახელწოდებით „ევრიდიკე“, კომპოზიტორები. ჯაკოპო პერი და ჯულიო კაჩინი ორფეოსის მითის სიუჟეტზე შექმნილი.

ოპერამ სწრაფად დაიწყო განვითარება, გაჩნდა სხვადასხვა საოპერო სკოლები. მაგალითად, ნეაპოლის საოპერო სკოლაში განვითარდა ბელ კანტო ვოკალური სტილი (იტალიური bel canto - „ლამაზი სიმღერა“), რომელიც განთქმული იყო ხმის, მელოდიისა და ტექნიკური სრულყოფილების არაჩვეულებრივი სილამაზით.

ბაროკოს ეპოქაში შეიცვალა საეკლესიო მუსიკის იდეა. იყო ტექსტებზე ან ნაკვეთებზე დაწერილი ნაწარმოებები, მაგრამ არ იყო განკუთვნილი ეკლესიაში სავალდებულო შესრულებისთვის. მათ შორისაა კანტატა, ორატორიო.

სლაიდი 6. იმდროინდელი მონუმენტური ორატორიოს ოსტატია გეორგ ფრიდრიხ ჰენდელი (1685-1759), გერმანელი კომპოზიტორი და ორგანისტი. მან შექმნა ახალი ტიპის ორატორიო, მასშტაბით გრანდიოზული, მუსიკალური ენით დემოკრატიული. ჰენდელის ორატორიუმებმა მნიშვნელოვანი გავლენა მოახდინეს ევროპელი კომპოზიტორების შემოქმედებაზე.

ბაროკოს ეპოქაში პოლიფონია, რომელიც დომინირებდა რენესანსის მუსიკაში, დაიწყო ჰომოფონიის დათმობა (ბერძნულიდან "homos" - "ერთი" და "ფონი" - "ხმა". განსხვავებით პოლიფონიისგან, სადაც ყველა ხმა თანაბარია, ერთი ხმა გამოირჩევა ჰომოფონიაში, დანარჩენები კი აკომპანიმენტის როლს ასრულებენ. ამან ბიძგი მისცა ინსტრუმენტული მუსიკის განვითარებას, ახალი ჟანრების გაჩენას და, უპირველეს ყოვლისა, ინსტრუმენტულ კონცერტს.

სლაიდი 7. ვიოლინოს მუსიკის ერთ-ერთი გამორჩეული ოსტატი მუშაობდა "Concerto Grosso" ჟანრში - დიდი კონცერტი. ანტონიო ვივალდი (1678-1741), რომელმაც დაწერა 465 კონცერტი. ა.ვივალდის კონცერტები შედგება 3 ნაწილისგან - სწრაფი ექსტრემალური და ნელი შუა ნაწილისგან. ა. ვივალდის ბევრ კონცერტს აქვს პროგრამა, მაგალითად, კონცერტების ციკლი "სეზონები".

დანართი 1. ა.ვივალდი „სეზონები“: „ზამთარი“ 1სთ.

სლაიდი 8. გერმანული ბაროკოს სკოლის წარმომადგენელია იოჰან სებასტიან ბახი (1685-1750) - მსოფლიო მუსიკალური კულტურის უდიდესი მოღვაწე. მისი შემოქმედება მუსიკაში ფილოსოფიური აზროვნების ერთ-ერთი მწვერვალია. თავისუფლად გადაკვეთა არა მხოლოდ სხვადასხვა ჟანრის, არამედ ეროვნული სკოლების თავისებურებები, ბახმა შექმნა უკვდავი შედევრები, რომლებიც დროზე მაღლა დგას.

დანართი 2. ი.ს. ბახ ტოკატა და ფუგა d-moll-ში

როგორც ბაროკოს ეპოქის უკანასკნელი (G. F. Handel-თან ერთად) დიდი კომპოზიტორი, მან შეაჯამა ბაროკოდან კლასიციზმამდე გარდამავალი პერიოდის მუსიკალური ხელოვნების მიღწევები.

სლაიდი 9. შემდეგი გაჩერება - ეპოქ კლასიციზმი .

ხელოვნების სტილი კლასიციზმი ლათ. კლასიკური -"სამაგალითო", "სრულყოფილი" წარმოიშვა მე -17 საუკუნეში საფრანგეთში. კანონზომიერების, მსოფლიო წესრიგის რაციონალურობის იდეებზე დაყრდნობით, ამ სტილის ოსტატები ცდილობდნენ იდეალური, მკაფიო და მკაცრი ფორმების, ჰარმონიული გამოსახულებებისკენ. კლასიციზმი მრავალი თვალსაზრისით ეწინააღმდეგებოდა ბაროკოს თავისი ვნებით, ცვალებადობითა და შეუსაბამობით. ისევე როგორც თავად ადამიანი, კლასიციზმის ხელოვნებაც სიცოცხლის დამამტკიცებელი და ნათელი იყო. სწორედ ამ დროს ჩამოყალიბდა „სამაგალითო“ სტრუქტურები სონატისა და სიმფონიის მთელი შემდგომი ისტორიისთვის დასავლეთ ევროპულ მუსიკაში.

სლაიდი 10. სონატის ფორმა- ეს არის მუსიკალური მასალის პრეზენტაციის პრინციპი, რომელიც გულისხმობს თემებისა და მხატვრული გამოსახულების ურთიერთქმედებას. თემები - ძირითადი და მეორეხარისხოვანი - ან უპირისპირდება ერთმანეთს, ან ავსებს ერთმანეთს. თემების განვითარება გადის სამ ეტაპს - ექსპოზიცია, განვითარება და რეკაპიტულაცია. თემები ჩნდება ექსპოზიციაში, თემების შემდგომი განვითარება ხდება განვითარებაში. რეკაპიტულაცია არის რთული გზის შედეგი, რომლისკენაც თემები გამდიდრდა ექსპოზიციისა და განვითარების განვითარებით. განვითარების შედეგები ზოგჯერ ფიქსირდება დამატებით განყოფილებაში - კოდი, მაგრამ ის არჩევითია.

სლაიდი 11. სიმფონია- ინსტრუმენტული მუსიკის ყველაზე რთული ფორმა. ასრულებს სიმფონიური ორკესტრი. ვენის კლასიკური სკოლის კომპოზიტორებმა (ჰაიდნი, მოცარტი, ბეთჰოვენი) შეიმუშავეს სონატა-სიმფონიური ციკლი ოთხ ნაწილად, რომლებიც განსხვავდება მუსიკის ხასიათით, ტემპით და თემის განვითარების მეთოდებით.

პირველი ნაწილი ჩვეულებრივ შესრულდა სწრაფი ტემპით, სავსე დრამატული შინაარსით, დაწერილი სონატის სახით. მეორე ნაწილი ნელია, ჩაფიქრებული - ეს არის კომპოზიციის ლირიკული ცენტრი. მესამე ნაწილი არის მობილური, აქვს საცეკვაო ან სათამაშო ხასიათი (მინუეტი ან შერცო). მეოთხე მოძრაობა ფინალი, ჩვეულებრივ, სწრაფი მოძრაობა, აჯამებს მთელი სიმფონიის სურათებისა და თემების განვითარებას.

სლაიდი 12. XVII საუკუნის ოპერაში. კლასიციზმი წარმოდგენილია ნაწარმოებებით კრისტოფ უილიბალდ გლუკი (1714-1787), რომელმაც შექმნა ამ ტიპის მუსიკალური და დრამატული ხელოვნების ახალი ინტერპრეტაცია. დრამატურგის თანდაყოლილი ინსტინქტი და უკმაყოფილების განცდა საოპერო სერიით, მისი ვირტუოზი მომღერლების კულტით, კომპოზიტორს მუსიკალური დრამის მიმართულებით, ანტიკური მოდელისკენ მიჰყავს.

ახალი წესებით შექმნილი პირველი ოპერები იყო ორფეოსი და ევრიდიკე (1762), პარიზი და ელენა (1770). ამ ოპერების ლიბრეტო დაწერა პოეტმა და დრამატურგმა რანიერი და კალზაბიჯიმ, ეს იყო მუსიკის ავტორსა და ლიბრეტისტს შორის თანამშრომლობის პირველი მაგალითი ოპერის შექმნის პროცესში, სანამ კომპოზიტორები დაწერდნენ მზა და ცალკე გამოქვეყნებულ მუსიკას. ლიბრეტო. თავისი ოპერებისთვის გლუკი, როგორც წესი, ირჩევდა უძველეს ნაკვეთებს, რომლებშიც მღეროდა ღვაწლი სიყვარულისა და მოვალეობის შესრულების სახელით. კომპოზიტორმა სიტყვას მთავარი ყურადღება დაუთმო. ის ცდილობდა, რომ მუსიკა ზუსტად გამოეხატა პოეტური ტექსტის სული და განწყობა. გლუკის ოპერებში მნიშვნელოვანი როლი შეასრულეს რეჩიტატივებმა, ისინი ყოველთვის ჟღერდნენ ორკესტრის თანხლებით (განსხვავებით "secco" - საოპერო რეჩიტატივები - "სერია"), რომლებსაც თან ახლდა კლავესინი. მთავარი მელოდიური ხაზი იმართება არიებში. გაიზარდა ორკესტრის როლი. ძირითადი იდეები უკვე გამოკვეთილი იყო უვერტიურაში. გლუკის შემოქმედებაში მას იზიდავდა დრამატული განვითარების სიცხადე, სურათების მთლიანობა, მუსიკის კლასიკური სიმკაცრე და ექსპრესიულობა, მელოდიების ბუნებრიობა და სილამაზე, პერსონაჟების გრძნობების კეთილშობილება.

მუსიკალური კლასიციზმის განვითარების მწვერვალი იყო J. Haydn-ის, V.A. მოცარტი და ლ.ბეთჰოვენი, რომლებიც ძირითადად მუშაობდნენ ვენაში და ჩამოაყალიბეს მიმართულება მუსიკალურ კულტურაში - ვენის კლასიკური სკოლა.

სლაიდი 13. კრეატიულობით იოსები ჰაიდნი (1732-1809) ასოცირდება ისეთი ჟანრების აყვავებასთან, როგორიცაა სიმფონია (მას აქვს 104 მათგანი), სიმებიანი კვარტეტი, კლავიერის სონატა. კომპოზიტორმა დიდი ყურადღება დაუთმო კონცერტებს სხვადასხვა ინსტრუმენტებისთვის, კამერული ანსამბლებისა და სასულიერო მუსიკისთვის. ვენის კლასიკური სკოლის კომპოზიტორებს და, უპირველეს ყოვლისა, ჰაიდნს, მიეწერება ორკესტრის სტაბილური კომპოზიციის ჩამოყალიბება. მუსიკალური ინსტრუმენტების ხმა შემოიყვანეს მკაცრ სისტემაში, რომელიც ემორჩილებოდა ინსტრუმენტების წესებს, ინსტრუმენტების შესაძლებლობების ცოდნაზე დაყრდნობით.

სლაიდი 14. კრეატიულობა ვოლფგანგ ამადეუსი მოცარტი (1756-1791) განსაკუთრებული ადგილი უკავია ვენის კლასიკურ სკოლაში. მის ნამუშევრებში კლასიკური სიმკაცრე და ფორმის სიცხადე შერწყმულია ღრმა ემოციურობასთან.

მოცარტი განსაკუთრებულ ყურადღებას უთმობდა ოპერას, მაგრამ არ ცდილობდა, გლუკის მაგალითზე, შეექმნა ახალი საოპერო ფორმა - მისი მუსიკა თავად იყო ინოვაციური. სექსუალურ ნაწარმოებებში კომპოზიტორმა მიატოვა მკაცრი განსხვავება სერიოზულ და კომიკურ ოპერას შორის - გამოჩნდა მუსიკალური და დრამატული წარმოდგენა, რომელშიც ეს ელემენტები ერთმანეთშია გადახლართული ("ფიგაროს ქორწინება", "დონ ჯოვანი", "ჯადოსნური ფლეიტა").

დანართი 3. ვ.ა. ღამის დედოფლის მოცარტ არია ოპერიდან "ჯადოსნური ფლეიტა", დაწერილი ბელ კანტოს სტილში.

მოცარტი დიდ ყურადღებას აქცევდა სიმფონიებს, განსაკუთრებით პოპულარულია ბოლო სამი - No39, No40 და No41 "იუპიტერი". ამ ჟანრის ნაწარმოებებში საბოლოოდ დაფიქსირდა 4 ნაწილიანი ციკლი და სონატის ფორმის წესები.

მოცარტი კლასიკური კონცერტის ჟანრის ერთ-ერთი შემქმნელი გახდა. საფორტეპიანო ნაწარმოებებში შედის 19 სონატა, ასევე კომპოზიციები ფანტასტიკის ჟანრში. მან ასევე შექმნა სულიერი ნაწარმოებები: მასები, კანტატები, ორატორიოები, რეკვიემები.

სლაიდი 15. ვენის კლასიკური სკოლის ბოლო წარმომადგენელი იყო ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენი (1770-1827 წწ.). ბეთჰოვენის მსოფლმხედველობა განმანათლებლობისა და საფრანგეთის რევოლუციის იდეების გავლენით ჩამოყალიბდა. მუსიკალურად, მისი შემოქმედება, ერთი მხრივ, აგრძელებდა ვენის კლასიციზმის ტრადიციებს, მეორეს მხრივ, შეიცავს ახალი, რომანტიული ხელოვნების მახასიათებლებს (გაბედული ექსპერიმენტები სიმფონიებსა და სონატებში, ინტერესი ვოკალური და ინსტრუმენტული მინიატურებისა და პროგრამირების მიმართ). სიცოცხლის განმავლობაში კომპოზიტორმა დაწერა ცხრა სიმფონია, ოცდათორმეტი სონატა ფორტეპიანოსათვის, ასევე ვიოლინოსა და ჩელოსთვის, თექვსმეტი სიმებიანი კვარტეტი, ოპერა Fidelio, ხუთი საფორტეპიანო კონცერტი. მეცხრე სიმფონია სამართლიანად ითვლება სიმფონიური შემოქმედების მწვერვალად. სიმფონია გრანდიოზულია მასშტაბით, ფინალი განსაკუთრებით უჩვეულოა, რომელიც რაღაც დიდი კანტატის მსგავსია გუნდისთვის, სოლისტებისა და ორკესტრისთვის, დაწერილი ურდოს ტექსტზე ი.ფ. შილერი.

სლაიდი 16 რომანტიზმი.

მე-18-19 საუკუნეების მიჯნაზე ევროპულ ხელოვნებაში გაჩნდა ახალი მიმართულება - რომანტიზმი (ფრ. romantisme), რომლის ჩამოყალიბებაშიც უზარმაზარი როლი ითამაშა 1789 წლის საფრანგეთის რევოლუციამ. მან ხალხს იმედგაცრუება და უიმედობა მოუტანა, რადგან. ის, რისთვისაც რევოლუციონერები იბრძოდნენ, არ ახდა. რეალობა საშინელი იყო, ამიტომ რომანტიკოსები ნუგეშს ოცნებების სამყაროში ეძებდნენ. მთავარი თემებია მარტოობა, შორეული წარსული, ოცნება, ზღაპარი. რომანტიკოსებს აინტერესებთ ადამიანის სული, მისი ვნებები და გამოცდილება.

ფილისტიმელთა, ვაჭრების, რიგითი მაცხოვრებლების საზოგადოება კარნახობდა მათ გემოვნებას მუსიკალურ ხელოვნებას, რამაც გამოიწვია "მსუბუქი" ჟანრების შექმნა. სიმღერა და რომანტიკა ფართოდ განვითარდა.

წამყვანი ჟანრი არის მინიატურა, ხშირად კონკრეტული სახელწოდებით. პატარა ინსტრუმენტულ პიესაში - მინიატურაში, შეიძლება აღბეჭდო წარმავალი გრძნობები, ღრმა ემოციური შოკი, მყისიერი განწყობა და ჩანახატი ბუნებიდან.

მუსიკალური გამოსახულების შექმნის მნიშვნელოვან საშუალებად იქცა სიტყვიერი პროგრამა, რომელიც ავლენს ნაწარმოების შინაარსს. ზოგჯერ მუსიკა იწერებოდა როგორც ილუსტრაცია ლიტერატურის ან ფერწერის ნაწარმოებისთვის. ზოგჯერ კომპოზიტორმა თავად შეადგინა შეთქმულება ინსტრუმენტული მუსიკისთვის და ასახავდა მას პარტიტურისთვის სპეციალურ განმარტებაში.

რომანტიკული კომპოზიტორები ხშირად მიმართავდნენ ფოლკლორს, იყენებდნენ ინტონაციებს, რიტმებს, ხალხური ცეკვებისა და სიმღერების მოტივებს.

რომანტიკული კომპოზიტორები დარწმუნებულნი იყვნენ, რომ მუსიკალური განათლებით შესაძლებელი იყო სამყაროსა და ადამიანის შეცვლა, ამიტომ მათ დიდი ძალისხმევა დაუთმეს ჟურნალისტიკას და საგანმანათლებლო საქმიანობას. ისინი ცდილობდნენ პირადად მოეხდინათ გავლენა დიდ აუდიტორიაზე და გახდნენ შემსრულებლები ან დირიჟორები. სწორედ რომანტიკოსებმა შექმნეს ევროპაში საჯარო კონცერტების სისტემა.

სლაიდი 17. ავსტრიელი კომპოზიტორი რომანტიზმის პირველი წარმომადგენელი გახდა ფრანც შუბერტი (1797-1828) თავისი ხანმოკლე ცხოვრების განმავლობაში კომპოზიტორმა შექმნა 1000-ზე მეტი კომპოზიცია. შუბერტის ინსტრუმენტული მუსიკა ასოცირდება ვენის კლასიკური სკოლის ტრადიციებთან. კომპოზიტორმა დაწერა ცხრა სიმფონია. სიმფონია No8, ქვესათაურით „დაუმთავრებელი“ (1822), ერთ-ერთი ყველაზე თვალსაჩინო ნაწარმოებია არა მხოლოდ შუბერტის შემოქმედებაში, არამედ მსოფლიო სიმფონიურ მუსიკაშიც. მაგრამ სიცოცხლის განმავლობაში მან აღიარება მხოლოდ როგორც კომპოზიტორმა მიიღო და მისი სიმფონიები, სონატები, საფორტეპიანო მინიატურები დიდი ხნის განმავლობაში დავიწყებას მიეცა.

დანართი 4ფ.შუბერტი "ფუტკარი".

შუბერტმა დაწერა 600-ზე მეტი სიმღერა. თითოეული მათგანი არის ისტორია ადამიანზე, რომელსაც შეუძლია ძლიერი, გულწრფელი გრძნობები. სიმღერების ძირითადი ნაწილი სიყვარულს ეძღვნება, მაგრამ მათ შორის არის ლანდშაფტური და ჟანრული ჩანახატები (მაგალითად, "კალმახი"), რომანტიკული ლეგენდები (ბალადა "ტყის მეფე" გერმანელი პოეტის I.W. გოეთეს ლექსებზე). სიმღერებში დიდი მნიშვნელობა ენიჭება ფორტეპიანოს ნაწილს, რომელიც თითქოს მთლიანად ექვემდებარება ხმას, ეს არის ინსტრუმენტი, რომელიც გადმოსცემს იმ გრძნობებსა და ემოციებს, რაც სიტყვებით შეუძლებელია. ვოკალური ციკლები "მშვენიერი მილერის ქალი" და "ზამთრის გზა" ფ. შუბერტის შემოქმედების მწვერვალია.

სლაიდი 18. რომანტიზმის კიდევ ერთი წარმომადგენელი კომპოზიტორია რობერტ შუმანი (1810-1856 წწ.). თავის შემოქმედებაში კომპოზიტორმა დიდი ყურადღება დაუთმო საფორტეპიანო მუსიკას. ერთმანეთის მიყოლებით ცნობილი საფორტეპიანო ციკლები "ვარიაციები" (1830), "პეპლები" (1831), "კარნავალი" (1835), "ფანტასტიკური ნაჭრები" (1837), ასევე "ბავშვთა სცენები", "კრეისლერიანი", " ნოველეტები“. კომპოზიტორმა დაწერა ფსიქოლოგიური მუსიკა, რომელიც შორს იყო ფოლკლორული მოტივებისგან. შუმანის ნამუშევრები არის რაღაც „პირადი“. მისი ნამუშევრების ჰარმონიული ენა უფრო რთულია, ვიდრე მისი თანამედროვეები. შუმანის შემოქმედების რიტმი საკმაოდ ახირებული და კაპრიზულია.

კომპოზიტორი ვოკალურ მუსიკასაც მიუბრუნდა. შუმანის ვოკალურ მემკვიდრეობაში ცენტრალური ადგილი უკავია ორ ციკლს „ქალის სიყვარული და ცხოვრება“ და „პოეტის სიყვარული“.

დანართი 5. რ.შუმანი „არ ვარ გაბრაზებული“ ციკლიდან „პოეტის სიყვარული“.

სლაიდი 19. ფრედერიკ შოპენი(1810-1849) - რომანტიული კომპოზიტორი, პოლონეთის კომპოზიტორთა ეროვნული სკოლის დამფუძნებელი. ფ. შოპენი უნიკალური კომპოზიტორია, რადგან მან პრაქტიკულად მხოლოდ საფორტეპიანო მუსიკა დაწერა. „შოპენის“ სტილის დამახასიათებელი თვისებაა კამერული ლირიკის შერწყმა, პოეტური იმპროვიზაცია ბრწყინვალე ვირტუოზული ტექნიკით. შოპენის კომპოზიციის სტილი ხასიათდება რომანტიული და კლასიკური ტრადიციების სინთეზით. მიმართვა ხალხურ საწყისებზე: ხალხური რეჟიმების გამოყენება, რიტმები და ჰარმონიზაცია. ფორტეპიანო ხშირად „ბაძავს“ ხალხურ ორკესტრს. კომპოზიტორის საფორტეპიანო კომპოზიციებიდან ბევრი ელეგიურია მელოდიაში. შოპენმა შექმნა მრავალი ნაწარმოები პოლონური ხალხური და ქალაქური ცეკვების რიტმში (მაზურკა, პოლონეზი, ვალსი).

დანართი 6. F. Chopen Nocturne Es-dur.

სლაიდი 20. ოპერა რომანტიზმის ეპოქაში განვითარდა ორი გზით - ტრადიციების განვითარებისა და განახლების გზით ( ჯუზეპე ვერდი (1813-1901) იტალიაში, ჟორჟ ბიზე (1838-1875) საფრანგეთში) და რეფორმის გზით ( რიჩარდ ვაგნერი (1813-1883) გერმანიაში).

ვერდისა და ბიზეს ოპერებმა შეაჯამა იტალიური და ფრანგული ოპერის საუკეთესო მიღწევები და მნიშვნელოვნად განაახლეს მათი შინაარსი. მთავარია ახალი გმირები. ესენი არიან არა მითოლოგიური პერსონაჟები და ისტორიული ფიგურები, არამედ ჩვეულებრივი ადამიანები, ხშირად „დამცირებული და შეურაცხყოფილი“. ხუმრობა რიგოლეტოში, კურტიზანი ვერდის ლა ტრავიატაში, თამბაქოს ქარხნის მუშა და ჯარისკაცი ბიზეს კარმენში. მაგრამ სწორედ მათი ცხოვრებისეული ისტორიები ხდება სიუჟეტის საფუძველი, ეს არის მათი გრძნობები და ვნებები, რომლებსაც მსმენელი თანაუგრძნობს. ამავდროულად, პერსონაჟების გმირები ვლინდება დრამატულ, თუნდაც ტრაგიკულ პირობებში.

ვერდისა და ბიზეს ოპერები მუსიკაში ფსიქოლოგიური ლექსების მაგალითებია და აერთიანებს რომანტიკულ და რეალისტურ ხელოვნებას.

სლაიდი 21. რ.ვაგნერი- უდიდესი ფიგურა XIX საუკუნის მუსიკის ისტორიაში. მისმა პიროვნებამ და მოღვაწეობამ გამოიწვია მწვავე დისკუსიები, რომლებიც თითქმის დღემდე გრძელდება. მთელი მისი ცხოვრება ერთ რამეზე იყო ორიენტირებული – შექმნა ის, რასაც თავად უწოდებდა „მომავლის ხელოვნების ნაწარმოებს“.

რ. ვაგნერის საოპერო რეფორმის პრინციპები (მის მიერ ჩამოყალიბებული მრავალრიცხოვან თეორიულ ნაშრომებში, მაგალითად, „ოპერა და დრამა“):

1) კომპოზიციის პროცესი იწყება მხატვრული იდეის ჩამოყალიბებით.

2) კომპოზიტორი და დრამატურგი ერთი ადამიანია. მას ეკუთვნის იდეა, ის წერს თავისი ოპერის ტექსტსაც და მუსიკასაც. ეს მთლიანად მისი ნამუშევარია.

3) სიუჟეტი დაფუძნებულია მითებსა და ლეგენდებზე. სწორედ მათში შეიძლება იპოვოთ მარადიული იდეები, რომლებმაც გაიარეს დროის მრავალსაუკუნოვანი გამოცდა, რაც ნიშნავს, რომ ისინი ყოველთვის აქტუალური იდეებია.

4) კომპოზიტორი ავითარებს მუსიკალურ ენას, რომელიც გახდება „აზრის სენსუალური გამოხატულება“.

მსმენელი არა მხოლოდ ტკბება ლამაზი ჰარმონიებით, არამედ კითხულობს მუსიკას ტექსტივით. ამისთვის გამოიყენება ლაიტმოტივების სისტემა. ლაიტმოტივი (ანუ განმეორებადი თემა) შეიძლება სიმბოლო იყოს გრძნობა (სიყვარული, ტანჯვა), კონცეფცია (ცდუნება, ბედი, სიკვდილი,), ობიექტი (ჯადოსნური ხმალი, ძალაუფლების ბეჭედი), ბუნებრივი მოვლენა (ქარიშხალი). ამ ლაიტმოტივების სხვადასხვა თანმიმდევრობით დალაგებით, მათი გამეორებით და შეცვლით კომპოზიტორი ხელმძღვანელობს მსმენელის აზრს.

საინტერესოა, რომ ვაგნერის ყოველი რეფორმისტული ოპერა, მითოლოგიური შინაარსისა და ფილოსოფიური იდეების მნიშვნელობის განზოგადების მიუხედავად, ღრმად პირადი გამოცდილებით ცოცხლდება, ე.ი. ავტობიოგრაფიულ მოტივებზე დაყრდნობით. და ეს ღალატობს მასში ტიპურ რომანტიკულ მხატვარს.

ეს ჩვენი მუსიკალური მოგზაურობის დასასრულია. მოკლედ გავეცანით ხელოვნების განვითარების ყველაზე მნიშვნელოვან ეპოქას. პატარა ვიქტორინა დაგვეხმარება ჩვენი მოგზაურობის შეჯამებაში.

სლაიდები 22, 23. Კითხვები და პასუხები:

რა ეპოქებს ვიცნობთ დღეს? (ბაროკო, კლასიციზმი, რომანტიზმი)

რა ჰქვია საოპერო ვოკალურ სტილს, რომელიც განთქმული იყო ხმის არაჩვეულებრივი სილამაზით, მელოდიითა და ტექნიკური სრულყოფილებით? (ბელ კანტო - "ლამაზი სიმღერა")

რა განსხვავებაა პოლიფონიურ მუსიკასა და ჰომოფონიურ მუსიკას შორის? (პოლიფონიაში ყველა ხმა თანაბარია, ჰომოფონიაში კი ერთი ხმა გამოირჩევა, დანარჩენები აკომპანემენტის როლს ასრულებენ).

1. ვინ არის ინსტრუმენტული კონცერტების ციკლის „სეზონების“ ავტორი? (ა. ვივალდი)
2. ბაროკოს ეპოქის დიდი გერმანელი კომპოზიტორი - მსოფლიო მუსიკალური კულტურის უდიდესი ფიგურა? (ჯ.ს. ბახი)
3. დაასახელეთ სონატის ფორმის სტრუქტურა. (გამოფენა, განვითარება, განმეორება)
4. დაასახელეთ ვენის კლასიკური სკოლის კომპოზიტორები. (ჯ. ჰაიდნი, ვ.ა. მოცარტი და ლ. ბეთჰოვენი)
5. რა ჟანრებს მიმართავდნენ რომანტიკული კომპოზიტორები ყველაზე ხშირად? (მინიატურა, სიმღერა, რომანტიკა)
6. რომელმა გერმანელმა კომპოზიტორმა ჩამოაყალიბა თეორიულ ნაწარმოებში „ოპერა და დრამა“ თავისი საოპერო რეფორმის პრინციპები? (რ. ვაგნერი)

მაგრამ მუსიკის ისტორიაში არის "კლასიკური" პერიოდიც, რომელსაც კლასიციზმი ჰქვია, ჰაიდნი და მოცარტი კლასიციზმის თვალსაჩინო წარმომადგენლები იყვნენ. ეს არის პირველ რიგში პირველი საჯარო კონცერტების გამოჩენა, მუსიკალური საზოგადოებებისა და ორკესტრების ჩამოყალიბება დედაქალაქებსა და დიდ ქალაქებში.

გვიანი კლასიციზმი, რომელიც დაკავშირებულია განმანათლებლობასთან, დაახლოებით მე-18 საუკუნის შუა ხანებიდან მე-19 საუკუნის დასაწყისამდე, ძირითადად ასოცირდება ვენის კლასიკურ სკოლასთან. ეს მიმართულება მოიცავს, კერძოდ, K. V. Gluck-ის რეფორმისტულ ოპერებს, ადრეული ვენისა და მანჰაიმის სკოლებს.

კლასიციზმი მუსიკაში - ვენის კლასიკა

მუსიკაში, როგორც ხელოვნების სხვა ფორმაში, „კლასიკის“ ცნებას აქვს ორაზროვანი შინაარსი. მაპატიეთ, ადრეული მუსიკის მოყვარულებო, უაზრო სიტყვა "ჰიტი", მაგრამ ბოლოს და ბოლოს, დიდმა კომპოზიტორებმა ოდესღაც დაწერეს პოპულარული მუსიკა თავიანთი თანამედროვეებისთვის, სულაც არ უმიზნებდნენ მარადისობას. მე-18 საუკუნეში დაიწყო სოციალური ცნობიერების განვითარების ახალი რაუნდი – დაიწყო განმანათლებლობის ხანა. კლასიციზმის უშუალო წინამორბედი ბაროკოს პომპეზურობა და პომპეზურობა შეიცვალა სიმარტივისა და ბუნებრიობის საფუძველზე დაფუძნებული სტილით.

კლასიციზმის ესთეტიკური პარამეტრები

ამ ტენდენციის მხატვრებისთვის იდეალური მოდელი იყო უძველესი ესთეტიკა თავისი ჰარმონიული ლოგიკით და ჰარმონიით. კლასიციზმის ეპოქის მოთხოვნაა პროპორციების ბალანსი, რაც გამორიცხავს ყველაფერს ზედმეტი, მეორეხარისხოვანი.

სტილის ზოგადი მახასიათებლები

მე-18 საუკუნის შუა ხანებში ახალი მუსიკალური კულტურის განვითარებამ გამოიწვია მრავალი კერძო სალონის, მუსიკალური საზოგადოებისა და ორკესტრის გაჩენა, ღია კონცერტებისა და საოპერო სპექტაკლების გამართვა. იმ დღეებში მუსიკალური სამყაროს დედაქალაქი იყო ვენა. ჯოზეფ ჰაიდნი, ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტი და ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენი სამი დიდი სახელია, რომლებიც ისტორიაში ვენის კლასიკოსებად დარჩნენ.

მუსიკის მაღალი სტილი, რომელშიც მდიდარი ფიგურალური შინაარსი განსახიერებულია მარტივი, მაგრამ სრულყოფილი მხატვრული ფორმით, ვენის კლასიკოსების შემოქმედების მთავარი მახასიათებელია. ჰაიდნი და ბეთჰოვენი უფრო მეტად მიისწრაფოდნენ ინსტრუმენტული მუსიკისკენ - სონატების, კონცერტებისა და სიმფონიებისკენ. კლასიციზმის მუსიკალური კულტურა დაკავშირებულია ინსტრუმენტული მუსიკის მრავალი ჟანრის შექმნასთან, როგორიცაა სონატა, სიმფონია და კონცერტი.

კლასიციზმის ეპოქაში ჩამოყალიბდა კამერული ანსამბლების ძირითადი ტიპები - ტრიო, სიმებიანი კვარტეტი. მოკლედ შევჩერდეთ კლასიციზმისთვის დამახასიათებელ სიახლეებზე. კლასიკური სონატის ფორმა ემყარება 2 თემის (ხშირად კონტრასტული, ზოგჯერ კონფლიქტური) - მთავარი და მეორეხარისხოვანი - დაპირისპირებას და მათ განვითარებას. როგორც წესი, სონატის ან სიმფონიური ციკლის პირველი, სწრაფი ნაწილები იწერებოდა სონატის სახით, ამიტომ მათ ენიჭებოდათ სახელწოდება sonata allegro.

სონატა-სიმფონიური ციკლი

ეს ნაწარმოები განკუთვნილია ორკესტრისთვის და სოლო ინსტრუმენტისთვის. კლასიციზმის მუსიკა საოცრად აერთიანებს გარეგნულ სიმარტივეს და სიცხადეს ღრმა შინაგან შინაარსთან, რაც უცხო არ არის ძლიერი გრძნობებისა და დრამატულისთვის. კლასიციზმი, გარდა ამისა, არის გარკვეული ისტორიული ეპოქის სტილი და ეს სტილი არ არის დავიწყებული, მაგრამ სერიოზული კავშირი აქვს ჩვენი დროის მუსიკასთან (ნეოკლასიციზმი, პოლისტილისტიკა).

ყველაფერი რაც არ შეესაბამებოდა გონიერებას, ყველაფერი მახინჯი უნდა გამოჩენილიყო კ-ის ხელოვნებაში განწმენდილი და კეთილშობილი.

მუსიკაში ტერმინი „კლასიკური“ ძირითადად გამოიყენება სერიოზული, მხატვრული მუსიკის განსაზღვრისათვის, ე.ი. მუსიკა, რომელიც არ არის ხალხური, პოპულარული, ჯაზი, როკი და ა.შ. კლასიციზმი დაიწყო განმანათლებლობის ხანაში - რადიკალური ცვლილებების დრო ადამიანური და სოციალური ღირებულებების ცნობიერებაში და საზოგადოებაში ქცევის წესების შესახებ. ორკესტრის ახალმა კომპოზიციამ განაპირობა სიმფონიის გაჩენა - მუსიკის ყველაზე მნიშვნელოვანი სახეობა, სამი ტემპისგან შემდგარი სტანდარტის მიხედვით - სწრაფი დასაწყისი, ნელი შუა და სწრაფი დასასრული.

ნამუშევრები შექმნილია სპეციალურად სიმებიანი კვარტეტისთვის, ოთხი ტემპის საკუთარი სტანდარტით, რომელიც მოგვაგონებს სიმფონიას. ამავე ეპოქაში შეიქმნა ფორტეპიანო ან პიანოფორტე (სწორი სახელი). ეს საშუალებას აძლევდა კლავიატურას დაეკრათ მუსიკა სხვადასხვა ვარიაციით, როგორც რბილი (ფორტეპიანო) ასევე უფრო ხმამაღალი (ფორტე), გამოყენებული კლავიშების მიხედვით.

სიმფონიების მსგავსად, სონატები გახდა მრავალი სხვადასხვა ტიპის ინსტრუმენტული მუსიკის ერთ ტიპად გაერთიანების საშუალება. 1750-დან 1820 წლამდე მე უფრო მიდრეკილი ვარ მჯეროდეს, რომ ეს ერა დაიწყო ბრიტანეთში კაპიტალისტური რევოლუციის შემდეგ და დასრულდა დიდი ბურჟუაზიული რევოლუციით საფრანგეთში.

ამ დროს მნიშვნელოვანი ცვლილებები განასხვავებს ევროპის მუსიკალურ ცხოვრებას. ორკესტრები კომპოზიციით ფართოვდებიან, ორღანი და კლავესინი ტოვებს მათ, იზრდება ჩასაბერი ინსტრუმენტების ჯგუფები, კლარნეტი შემოდის ხმარებაში თავისი მგრძნობიარე, ნეტარებით სავსე ჟღერადობით. ამ გარემოდან ყალიბდება კლასიციზმის ეპოქის ერთ-ერთი უმნიშვნელოვანესი ჟანრი, სიმებიანი კვარტეტი. გამოსახულების სიღრმისა და აქტუალობის, მუსიკალური ქსოვილის განვითარებული ტექნიკისა და ფორმის სტრუქტურის თვალსაზრისით, მას შეუძლია კონკურენცია გაუწიოს სიმფონიას - ამ სახის კლასიცისტურ ინსტრუმენტულ დრამას.

მე-18 საუკუნის მეორე ნახევარი - რეფორმების, შეიძლება ითქვას, რევოლუციური ცვლილებების დრო ოპერაში. ისინი უპირველეს ყოვლისა ასოცირდება K.-V-ს სახელებთან. გლუკი და ვ.-ა. მოცარტი. კრისტოფ უილიბალდ გლუკი (1714-1787) არის ავსტრიელი კომპოზიტორი, რომლის ბავშვობა და ახალგაზრდობა ჩეხეთში გაატარა, შემდეგ გადავიდა მილანში, სადაც იყო იტალიელი არისტოკრატ ა.მელზის სამლოცველოს წინამძღვარი.

ამავდროულად, დრამატურგის თანდაყოლილი ინსტიქტი და სენა ოპერისადმი უკმაყოფილების განცდა ვირტუოზი მომღერლების კულტით კომპოზიტორს მუსიკალური დრამისკენ, ანტიკური მოდელისკენ მიიპყრობს. და 1760-იანი წლების მიჯნაზე. გლუკი რეფორმის გზას ადგას: არა ტექნიკურად დახვეწილი კოლორატურა, არამედ დრამატული მოქმედება მკვეთრი შეჯახებით გამოხატული მუსიკით.

მუსიკაში მისი ყველაზე გამორჩეული წარმომადგენელი იყო ჯ.ბ.ლული, „ლირიკული ტრაგედიის“ ჟანრის შემქმნელი, რომელიც თავისი საგნობრივი და საბაზისო თვალსაზრისით. სტილისტური

ოპერის სიუჟეტი ეფუძნება ძველ ბერძნულ მითს პოეტ-მომღერალ ორფეოსის შესახებ, რომელმაც გრძნობის ძალითა და თავისი ოსტატობით გადაიტანა ქვესკნელის მრისხანება საწყალზე, რომელშიც მისი გარდაცვლილი ცოლი ევრიდიკე ვარდება. სტატიკური ფიგურებიდან პერსონაჟები გადაიქცევიან მსახიობებად, რომლებიც შედიან აქტიურ მოქმედებებში, კონფლიქტურ ურთიერთობებში.

ეს არის ერთ-ერთი იმ რამდენიმე კლასიკური ოპერიდან, რომელიც აქტიურად არის შემონახული თანამედროვე მუსიკალური თეატრების რეპერტუარში. კლასიციზმი (ლათ. classicus - სანიმუშო), მხატვრული სტილი, რომელიც არსებობდა მე-17 - ადრეულ წლებში. მე-19 საუკუნეები ევროპაში ლიტერატურა და ხელოვნება. კლასიციზმის ხელოვნების საფუძველია გონების კულტი - რაციონალიზმი, ჰარმონია და ლოგიკა. კლასიციზმის უმაღლესი მიღწევები მუსიკაში დაკავშირებულია ვენის კლასიკური სკოლის საქმიანობასთან - ჯ.ჰაიდნის, ვ.ა. მოცარტისა და ლ.ვან ბეთჰოვენის შემოქმედებასთან.

კლასიციზმი, რომელმაც რამდენიმე ეტაპად ჩაანაცვლა რენესანსი, ჩამოყალიბდა საფრანგეთში მე-17 საუკუნის ბოლოს, რაც ასახავდა მის ხელოვნებაში ნაწილობრივ აბსოლუტური მონარქიის სერიოზულ აღზევებას, ნაწილობრივ მსოფლმხედველობის ცვლილებას რელიგიურიდან სეკულარულში. მე-18 საუკუნეში დაიწყო სოციალური ცნობიერების განვითარების ახალი რაუნდი – დაიწყო განმანათლებლობის ხანა. კლასიციზმის უშუალო წინამორბედი ბაროკოს პომპეზურობა და პომპეზურობა შეიცვალა სიმარტივისა და ბუნებრიობის საფუძველზე დაფუძნებული სტილით.

კლასიციზმის ესთეტიკური პარამეტრები. კლასიციზმის ხელოვნების საფუძველია გონების კულტი - რაციონალიზმი, ჰარმონია და ლოგიკა. სახელწოდება „კლასიციზმი“ წარმოშობით ასოცირდება ლათინური ენიდან სიტყვასთან - classicus, რაც ნიშნავს - „სამაგალითო“. ამ ტენდენციის მხატვრებისთვის იდეალური მოდელი იყო უძველესი ესთეტიკა თავისი ჰარმონიული ლოგიკით და ჰარმონიით. კლასიციზმში გონება სჭარბობს გრძნობებს, ინდივიდუალიზმი არ არის მისასალმებელი და ნებისმიერ ფენომენში ზოგად, ტიპოლოგიურ თავისებურებებს უდიდესი მნიშვნელობა აქვს. თითოეული ხელოვნების ნიმუში უნდა იყოს აგებული მკაცრი კანონების მიხედვით. კლასიციზმის ეპოქის მოთხოვნაა პროპორციების ბალანსი, რაც გამორიცხავს ყველაფერს ზედმეტი, მეორეხარისხოვანი.

კლასიციზმს ახასიათებს მკაცრი დაყოფა „მაღალ“ და „დაბალ“ ჟანრებად. „მაღალი“ ნაწარმოებებია ძველ და რელიგიურ თემებზე მოხსენიებული ნაწარმოებები, დაწერილი საზეიმო ენაზე (ტრაგედია, ჰიმნი, ოდა). ხოლო „დაბალი“ ჟანრები არის ის ნაწარმოებები, რომლებიც წარმოდგენილია სასაუბრო ენაზე და ასახავს ხალხის ცხოვრებას (იგავი, კომედია). ჟანრების შერევა მიუღებელი იყო.

კლასიციზმი მუსიკაში - ვენის კლასიკა. მე-18 საუკუნის შუა ხანებში ახალი მუსიკალური კულტურის განვითარებამ გამოიწვია მრავალი კერძო სალონის, მუსიკალური საზოგადოებისა და ორკესტრის გაჩენა, ღია კონცერტებისა და საოპერო სპექტაკლების გამართვა. იმ დღეებში მუსიკალური სამყაროს დედაქალაქი იყო ვენა. ჯოზეფ ჰაიდნი, ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტი და ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენი სამი დიდი სახელია, რომლებიც ისტორიაში ვენის კლასიკოსებად დარჩნენ. ვენის სკოლის კომპოზიტორებმა ოსტატურად აითვისეს მუსიკის სხვადასხვა ჟანრი - ყოველდღიური სიმღერებიდან სიმფონიებამდე. მუსიკის მაღალი სტილი, რომელშიც მდიდარი ფიგურალური შინაარსი განსახიერებულია მარტივი, მაგრამ სრულყოფილი მხატვრული ფორმით, ვენის კლასიკოსების შემოქმედების მთავარი მახასიათებელია. კლასიციზმის მუსიკალური კულტურა, ისევე როგორც ლიტერატურა, ისევე როგორც სახვითი ხელოვნება, ადიდებს ადამიანის ქმედებებს, მის ემოციებსა და გრძნობებს, რომლებზეც გონება სუფევს. ხელოვან-შემქმნელებს თავიანთ ნამუშევრებში ახასიათებთ ლოგიკური აზროვნება, ჰარმონია და ფორმის სიცხადე. კლასიკური კომპოზიტორების სიმარტივე და გამოხატვის სიმარტივე თანამედროვე ყურს შეიძლება ბანალურად მოეჩვენოს (ზოგიერთ შემთხვევაში, რა თქმა უნდა), თუ მათი მუსიკა არც ისე ბრწყინვალე იყო. თითოეულ ვენის კლასიკოსს ჰქონდა ნათელი, უნიკალური პიროვნება. ჰაიდნი და ბეთჰოვენი უფრო მეტად მიისწრაფოდნენ ინსტრუმენტული მუსიკისკენ - სონატების, კონცერტებისა და სიმფონიებისკენ. მოცარტი ყველაფერში უნივერსალური იყო – ნებისმიერ ჟანრში ადვილად ქმნიდა. მან დიდი გავლენა მოახდინა ოპერის განვითარებაზე, შექმნა და გააუმჯობესა მისი სხვადასხვა სახეობები - ოპერის მოყვარულიდან მუსიკალურ დრამამდე. კომპოზიტორების მიერ გარკვეული ფიგურალური სფეროების უპირატესობის თვალსაზრისით, ჰაიდნი უფრო დამახასიათებელია ობიექტური ფოლკლორული ჟანრის ჩანახატებისთვის, პასტორალური, რაინდულობისთვის, ბეთჰოვენი ახლოს არის გმირობასთან და დრამასთან, ასევე ფილოსოფიასთან და, რა თქმა უნდა, ბუნებასთან, მცირე რაოდენობით. და დახვეწილი ლექსები. მოცარტი ფარავდა, ალბათ, ყველა არსებულ ფიგურულ სფეროს.

მუსიკალური კლასიციზმის ჟანრები. კლასიციზმის მუსიკალური კულტურა დაკავშირებულია ინსტრუმენტული მუსიკის მრავალი ჟანრის შექმნასთან, როგორიცაა სონატა, სიმფონია და კონცერტი. ჩამოყალიბდა მრავალნაწილიანი სონატა-სიმფონიური ფორმა (4 ნაწილის ციკლი), რომელიც დღემდე მრავალი ინსტრუმენტული კომპოზიციის საფუძველია. კლასიციზმის ეპოქაში ჩამოყალიბდა კამერული ანსამბლების ძირითადი ტიპები - ტრიო, სიმებიანი კვარტეტი. ვენის სკოლის მიერ შემუშავებული ფორმების სისტემა დღესაც აქტუალურია - მასზე საფუძვლად თანამედროვე „ზარები და სასტვენები“ არის დალაგებული. მოკლედ შევჩერდეთ კლასიციზმისთვის დამახასიათებელ სიახლეებზე.

სონატის ფორმა სონატის ჟანრი არსებობდა ჯერ კიდევ მე-17 საუკუნის დასაწყისში, მაგრამ სონატის ფორმა საბოლოოდ ჩამოყალიბდა ჰაიდნისა და მოცარტის ნაწარმოებებში და ბეთჰოვენმა მიიყვანა იგი სრულყოფილებამდე და დაიწყო ჟანრის მკაცრი კანონების დარღვევაც კი. კლასიკური სონატის ფორმა ემყარება 2 თემის (ხშირად კონტრასტული, ზოგჯერ კონფლიქტური) - მთავარი და მეორეხარისხოვანი - დაპირისპირებას და მათ განვითარებას. სონატის ფორმა მოიცავს 3 მთავარ ნაწილს: პირველი ნაწილი არის ექსპოზიცია (მთავარი თემების განხორციელება), მეორე არის განვითარება (თემათა შემუშავება და შედარება) და მესამე არის რეკაპიტულაცია (ექსპოზიციის შეცვლილი გამეორება, რომელშიც ჩვეულებრივ ხდება ადრე საპირისპირო თემების ტონალური კონვერგენცია). როგორც წესი, სონატის ან სიმფონიური ციკლის პირველი, სწრაფი ნაწილები იწერებოდა სონატის სახით, ამიტომ მათ ენიჭებოდათ სახელწოდება sonata allegro.

სონატა-სიმფონიური ციკლი სტრუქტურული თვალსაზრისით, ნაწილების, სიმფონიებისა და სონატების თანმიმდევრობის ლოგიკა ძალიან ჰგავს, აქედან მოდის მათი ინტეგრალური მუსიკალური ფორმის საერთო სახელწოდება - სონატა-სიმფონიური ციკლი. კლასიკური სიმფონია თითქმის ყოველთვის შედგება 4 ნაწილისგან: I - სწრაფი აქტიური ნაწილი სონატა ალეგროს ფორმაში, მისთვის ტრადიციული; II - ნელი ნაწილი (მისი ფორმა, როგორც წესი, მკაცრად არ არის მოწესრიგებული - აქ შესაძლებელია ვარიაციები და სამნაწილიანი რთული ან მარტივი ფორმები და რონდო სონატები და ნელი სონატა ფორმა); III - მენუეტი (ზოგჯერ სკერცო), ე.წ ჟანრული ნაწილი - ფორმაში თითქმის ყოველთვის რთული სამნაწილიანი; IV - ბოლო და ბოლო სწრაფი ნაწილი, რომლისთვისაც ხშირად ირჩევდნენ სონატის ფორმას, ზოგჯერ რონდოს ან რონდო სონატის ფორმას.

კონცერტი კონცერტის სახელწოდება, როგორც ჟანრი, მომდინარეობს ლათინური სიტყვიდან concertare - „კონკურსი“. ეს ნაწარმოები განკუთვნილია ორკესტრისთვის და სოლო ინსტრუმენტისთვის. ინსტრუმენტულმა კონცერტმა, რომელიც შეიქმნა რენესანსში და მიიღო უბრალოდ გრანდიოზული განვითარება ბაროკოს მუსიკალურ კულტურაში, შეიძინა სონატა-სიმფონიური ფორმა ვენის კლასიკოსების შემოქმედებაში.

სიმებიანი კვარტეტი სიმებიანი კვარტეტი ჩვეულებრივ შედგება ორი ვიოლინოს, ალტისა და ჩელოსგან. კვარტეტის ფორმა, სონატა-სიმფონიური ციკლის მსგავსი, უკვე განსაზღვრული იყო ჰაიდნის მიერ. მოცარტმა და ბეთჰოვენმაც დიდი წვლილი შეიტანეს და გზა გაუხსნეს ამ ჟანრის შემდგომ განვითარებას. კლასიციზმის მუსიკალური კულტურა გახდა ერთგვარი „აკვანი“ სიმებიანი კვარტეტისთვის, შემდგომ ხანებში და დღემდე კომპოზიტორები არ წყვეტენ სულ უფრო და უფრო მეტ ნაწარმოების წერას კონცერტის ჟანრში - ასეთი სახის ნაწარმოები ასე გამოვიდა. მოთხოვნადი. კლასიციზმის მუსიკა საოცრად აერთიანებს გარეგნულ სიმარტივეს და სიცხადეს ღრმა შინაგან შინაარსთან, რაც უცხო არ არის ძლიერი გრძნობებისა და დრამატულისთვის. კლასიციზმი, გარდა ამისა, არის გარკვეული ისტორიული ეპოქის სტილი და ეს სტილი არ არის დავიწყებული, მაგრამ სერიოზული კავშირი აქვს ჩვენი დროის მუსიკასთან (ნეოკლასიციზმი, პოლისტილისტიკა).

კლასიციზმი (ლათ. сlassicus - სამაგალითო) - სტილი მე-17 - მე-18 საუკუნეების ხელოვნებაში. სახელწოდება "კლასიციზმი" მომდინარეობს კლასიკური ანტიკურობისადმი, როგორც ესთეტიკური სრულყოფილების უმაღლესი სტანდარტის მიმართ. კლასიციზმის წარმომადგენლებმა თავიანთი ესთეტიკური იდეალი ანტიკური ხელოვნების ნიმუშებიდან მიიღეს. კლასიციზმი ემყარებოდა რწმენას ყოფიერების გონივრული, ბუნებაში და ადამიანის შინაგან სამყაროში წესრიგისა და ჰარმონიის არსებობის შესახებ. კლასიციზმის ესთეტიკა შეიცავს სავალდებულო მკაცრი წესების ჯამს, რომლებსაც ხელოვნების ნიმუში უნდა შეესაბამებოდეს. მათგან ყველაზე მნიშვნელოვანია სილამაზისა და სიმართლის ბალანსის მოთხოვნა, ლოგიკური სიცხადე, კომპოზიციის ჰარმონია და სისრულე, მკაცრი პროპორციები და ჟანრებს შორის მკაფიო განსხვავება.

კლასიციზმის განვითარებაში აღინიშნება 2 ეტაპი:

XVII საუკუნის კლასიციზმი, რომელიც ნაწილობრივ განვითარდა ბაროკოს ხელოვნებასთან ბრძოლაში, ნაწილობრივ მასთან ურთიერთობისას.

XVIII საუკუნის განმანათლებლობის კლასიციზმი.

მე-17 საუკუნის კლასიციზმი მრავალი თვალსაზრისით არის ბაროკოს ანტითეზა. ის ყველაზე სრულყოფილ გამოხატულებას საფრანგეთში იღებს. ეს იყო აბსოლუტური მონარქიის აყვავების ხანა, რომელიც უმაღლეს მფარველობას უწევდა სასამართლო ხელოვნებას და მისგან პომპეზურობასა და ბრწყინვალებას ითხოვდა. კორნელისა და რასინის ტრაგედიები, ისევე როგორც მოლიერის კომედიები, რომლის შემოქმედებაზეც ლული ეყრდნობოდა, ფრანგული კლასიციზმის მწვერვალი გახდა თეატრალური ხელოვნების სფეროში. მისი „ლირიკული ტრაგედიები“ ატარებს კლასიციზმის გავლენის კვალს (მშენებლობის მკაცრი ლოგიკა, გმირობა, თავშეკავებული ხასიათი), თუმცა მათ ასევე აქვთ ბაროკოს თვისებები - მისი ოპერების ბრწყინვალება, ცეკვების სიმრავლე, მსვლელობა, გუნდები.

მე-18 საუკუნის კლასიციზმი დაემთხვა განმანათლებლობის ხანას. განმანათლებლობა არის ფართო მოძრაობა ფილოსოფიაში, ლიტერატურასა და ხელოვნებაში, რომელმაც მოიცვა ევროპის ყველა ქვეყანა. სახელწოდება "განმანათლებლობა" აიხსნება იმით, რომ ამ ეპოქის ფილოსოფოსები (ვოლტერი, დიდრო, რუსო) ცდილობდნენ ესწავლათ თანამოქალაქეები, ცდილობდნენ გადაეჭრათ ადამიანთა საზოგადოების სტრუქტურის, ადამიანის ბუნებისა და მისი უფლებების საკითხები. განმანათლებლები გამოვიდნენ ადამიანის გონების ყოვლისშემძლეობის იდეიდან. ადამიანის რწმენა, მისი გონება განსაზღვრავს ნათელ, ოპტიმისტურ განწყობას, რომელიც თან ახლავს განმანათლებლობის მოღვაწეთა შეხედულებებს.

ოპერა მუსიკალური და ესთეტიკური კამათის ცენტრშია. ფრანგმა ენციკლოპედისტებმა მიიჩნიეს ის ჟანრი, რომელშიც უნდა აღდგეს ძველ თეატრში არსებული ხელოვნების სინთეზი. ამ იდეამ საფუძველი ჩაუყარა კ.ვ. გლუკი.

განმანათლებლური კლასიციზმის უდიდესი მიღწევაა სიმფონიური ჟანრის (სონატა-სიმფონიური ციკლი) და სონატის ფორმის შექმნა, რომელიც დაკავშირებულია მანჰეიმის სკოლის კომპოზიტორთა შემოქმედებასთან. მანჰაიმის სკოლა ჩამოყალიბდა ქალაქ მანჰეიმში (გერმანია) მე-18 საუკუნის შუა ხანებში სასამართლო სამლოცველოს საფუძველზე, რომელშიც ძირითადად ჩეხი მუსიკოსები მუშაობდნენ (ყველაზე დიდი წარმომადგენელი იყო ჩეხი იან სტამიცი). მანჰეიმის სკოლის კომპოზიტორთა შემოქმედებაში ჩამოყალიბდა სიმფონიის 4 ნაწილიანი სტრუქტურა და ორკესტრის კლასიკური კომპოზიცია.

მანჰაიმის სკოლა გახდა ვენის კლასიკური სკოლის წინამორბედი - მუსიკალური მიმართულება, რომელიც აღნიშნავს ჰაიდნის, მოცარტის, ბეთჰოვენის შემოქმედებას. ვენის კლასიკოსების შემოქმედებაში საბოლოოდ ჩამოყალიბდა სონატა-სიმფონიური ციკლი, რომელიც კლასიკად იქცა, ასევე კამერული ანსამბლისა და კონცერტის ჟანრები.

ინსტრუმენტულ ჟანრებს შორის განსაკუთრებული პოპულარობით სარგებლობდა ყოველდღიური გასართობი მუსიკის სხვადასხვა სახეობა – სერენადები, დივერსიები, რომლებიც საღამოს ღია ცის ქვეშ ჟღერდა. დივერტიმენტო (ფრანგული გასართობი) - მრავალნაწილიანი ინსტრუმენტული ნაწარმოებები კამერული ანსამბლისთვის ან ორკესტრისთვის, რომელიც აერთიანებს სონატისა და სუიტის მახასიათებლებს და ახლოს არის სერენადასთან, ნოქტურნთან.

K.V. Gluck - ოპერის დიდი რეფორმატორი

კრისტოფ უილიბალდ გლუკი (1714 - 1787) - დაბადებით გერმანელი (დაიბადა ერასბახში (ბავარია, გერმანია)), მიუხედავად ამისა, არის ვენის კლასიკური სკოლის ერთ-ერთი თვალსაჩინო წარმომადგენელი.

გლუკის რეფორმის საქმიანობა ვენაში და პარიზში მიმდინარეობდა და კლასიციზმის ესთეტიკის შესაბამისად მიმდინარეობდა. მთლიანობაში გლუკმა დაწერა 40-მდე ოპერა - იტალიური და ფრანგული, ბუფა და სერიალი, ტრადიციული და ინოვაციური. სწორედ ამ უკანასკნელის წყალობით დაიმკვიდრა თვალსაჩინო ადგილი მუსიკის ისტორიაში.

გლუკის რეფორმის პრინციპები ასახულია ოპერის ალკესტეს პარტიტურაზე მის წინასიტყვაობაში. ისინი აქამდე მიდიან:

მუსიკამ უნდა გამოხატოს ოპერის პოეტური ტექსტი; ის ვერ იარსებებს თავისთავად, დრამატული მოქმედების მიღმა. ამრიგად, გლუკი მნიშვნელოვნად აძლიერებს ოპერის ლიტერატურული და დრამატული საფუძვლის როლს, მუსიკას დრამას უქვემდებარებს.

ოპერამ ადამიანზე მორალური გავლენა უნდა მოახდინოს, აქედან გამომდინარე, მიმართვა უძველესი საგნებისადმი მათი მაღალი პათოსითა და კეთილშობილებით („ორფეოსი და ევრიდიკე“, „პარიზი და ელენე“, „იფიგენია აულისში“). გ.ბერლიოზმა გლუკს „მუსიკის ესქილე“ უწოდა.

ოპერა უნდა შეესაბამებოდეს "სილამაზის სამ დიდ პრინციპს ყველა ხელოვნებაში" - "სიმარტივეს, სიმართლეს და ბუნებრიობას". აუცილებელია ოპერის გათავისუფლება ზედმეტი ვირტუოზულობისა და ვოკალური ორნამენტისგან (იტალიურ ოპერაში თანდაყოლილი), რთული სიუჟეტებისგან.

არ უნდა იყოს მკვეთრი კონტრასტი არიასა და რეჩიტატივს შორის. გლუკი ცვლის secco რეჩიტატივს აკომპანიმენტით, რის შედეგადაც იგი უახლოვდება არიას (ტრადიციულ საოპერო სერიალში რეჩიტატივები მხოლოდ კონცერტის ნომრებს შორის დამაკავშირებელი იყო).

გლუკი ასევე ახლებურად განმარტავს არიებს: ის შემოაქვს იმპროვიზაციული თავისუფლების თავისებურებებს, აკავშირებს მუსიკალური მასალის განვითარებას გმირის ფსიქოლოგიური მდგომარეობის ცვლილებასთან. არიები, რეჩიტატივები და გუნდები გაერთიანებულია დიდ დრამატულ სცენებში.

უვერტიურა უნდა ითვალისწინებდეს ოპერის შინაარსს, აცნობდეს მსმენელს მის ატმოსფეროში.

ბალეტი არ უნდა იყოს ინტერსტიციული ნომერი, რომელიც არ არის დაკავშირებული ოპერის მოქმედებასთან. მისი დანერგვა დრამატული მოქმედების მიმდინარეობით უნდა განისაზღვროს.

ამ პრინციპების უმეტესობა განხორციელდა ოპერაში „ორფეოსი და ევრიდიკე“ (პრემიერა შედგა 1762 წელს). ეს ოპერა აღნიშნავს ახალი ეტაპის დაწყებას არა მხოლოდ გლუკის შემოქმედებაში, არამედ მთელი ევროპული ოპერის ისტორიაში. ორფეოსს მოჰყვა მისი კიდევ ერთი პიონერული ოპერა, ალკესტე (1767).

პარიზში გლუკმა დაწერა სხვა რეფორმისტული ოპერები: იფიგენია აულისში (1774), არმიდა (1777), იფიგენია ტაურისში (1779). თითოეული მათგანის დადგმა გადაიქცა გრანდიოზულ მოვლენად პარიზის ცხოვრებაში, რამაც გამოიწვია მწვავე კამათი "გლუკისტებსა" და "პიჩინისტებს" შორის - ტრადიციული იტალიური ოპერის მომხრეებს შორის, რომელსაც ახასიათებდა ნეაპოლიტანელი კომპოზიტორი ნიკოლო პიჩინი (1728 - 1800). გლუკის გამარჯვება ამ დაპირისპირებაში აღინიშნა მისი ოპერის იფიგენია ტაურისში ტრიუმფით.

ამგვარად, გლუკმა ოპერა გადააქცია მაღალი საგანმანათლებლო იდეალების ხელოვნებად, ღრმა მორალური შინაარსით გაჯერებული და სცენაზე ჭეშმარიტი ადამიანური გრძნობების გამოვლენა. გლუკის საოპერო რეფორმამ ნაყოფიერი გავლენა მოახდინა როგორც მის თანამედროვეებზე, ასევე კომპოზიტორთა შემდგომ თაობებზე (განსაკუთრებით ვენის კლასიკოსებზე).

№ 5 კლასიციზმის ეპოქის მუსიკალური ჟანრები

კლასიკური პერიოდის სოლო ნაწარმოებებიდან ყველაზე მნიშვნელოვანი იყო სონატები, ისინი დაიწერა ნებისმიერი სოლო ინსტრუმენტისთვის, მაგრამ, პირველ რიგში, ფორტეპიანოსთვის. სიმფონიების მსგავსად, სონატები გახდა მრავალი სხვადასხვა ტიპის ინსტრუმენტული მუსიკის ერთ ტიპად გაერთიანების საშუალება.

მუსიკალური კომპოზიციების შინაარსი დაკავშირებულია ადამიანის გრძნობების სამყაროსთან, რომელიც არ ექვემდებარება გონების მკაცრ კონტროლს. თუმცა, ამ ეპოქის კომპოზიტორებმა შექმნეს წესების ძალიან ჰარმონიული და ლოგიკური სისტემა ნაწარმოების ასაგებად. კლასიციზმის ეპოქაში ჩამოყალიბდა და სრულყოფილებას მიაღწია ისეთი ჟანრები, როგორიცაა ოპერა, სიმფონია, სონატა. თეორიულად, საეკლესიო ჟანრები კვლავ ითვლებოდა ყველაზე ღირებულ და პატივსაცემი, მაგრამ პრაქტიკაში, თეატრალური და კამერული მუსიკის უმაღლესი ჟანრები: მუსიკალური დრამა და სიმფონია გახდა ბევრად უფრო მნიშვნელოვანი და მნიშვნელოვანი.

ჟანრთა მუსიკალურ თეატრს ჰქონდა თავისი იერარქია, მასში განსახიერებულ „აფექტებზე“ დამოკიდებული. ამიტომ „სერიოზული ოპერა“ კომიქსზე უფრო პრესტიჟული დარჩა. კომიკური ჟანრები ასევე იქცევა მაღალ კომედიად რთული პერსონაჟებით, დახვეწილი გრძნობებითა და მაღალგანვითარებული მუსიკალური ფორმებით.

ოპერამ გააფართოვა თავისი გავლენა საეკლესიო და ინსტრუმენტულ მუსიკაზე. ჟანრების იერარქია ასეთი იყო:

პირველი იყო სიმფონია, როგორც უმაღლესი საფეხური. ადრეულ კლასიკურ პერიოდში გამოირჩეოდა „თეატრალური“ სიმფონიები (ანუ უვერტიურა, რომელსაც ასევე შეიძლება ეწოდოს „პარტიტასი“) და „კამერული“ სიმფონიები. კამერული სიმფონია იყო სიმებიანი, საორკესტრო და საკონცერტო. სიმები გამოირჩეოდა დამწერლობის დახვეწით, რადგან ისინი განკუთვნილი იყო მცოდნეების დახვეწილი ყურისთვის. საორკესტრო სიმფონიებში ასევე იყო ჩასაბერი ინსტრუმენტები. საორკესტრო მუსიკა ძირითადად გასართობი იყო. დივერტიმენტი, სერენადები, პარტიტები მნიშვნელოვნად ჩამორჩებოდა სიმფონიას. აქ კომპოზიტორს შეეძლო ხმაური და ხმოვანი ეფექტები, ექსტრავაგანტული ხუმრობები.

შემდეგ „სცენაზე“ - კონცერტები, რომლებიც აერთიანებს როგორც საორკესტრო-კოლექტიურ, ისე სოლო-პიროვნულ პრინციპებს.

მე-18 საუკუნეში სონატები წარმოადგენდნენ ვრცელ ჟანრულ ჯგუფს: ყველა ანსამბლი და სოლო კომბინაცია (კლავიერი სონატებიდან ტრიოს, კვარტეტების, კვინტეტების და ა.შ.) სონატის, როგორც სახეობის სიმფონიებისგან გამორჩევის მთავარი „წესები“ იყო: ნაწილების დაურეგულირებელი რაოდენობა (ორიდან ოთხამდე და ანსამბლებში და მეტი); თითოეული მხარის შესრულება ერთი ინსტრუმენტით;

შედეგად, შინაარსის ინდივიდუალიზაცია და დამოუკიდებელი დახვეწილი გრძნობების ან ძალიან სუბიექტური განწყობების გამოხატვის შესაძლებლობა.

სიმებიანი ანსამბლის სონატებმა (კვარტეტები და ტრიოები) განიცადეს უპრეცედენტო ყვავილობა და სწრაფი ევოლუცია. ეს ნამუშევარი უნდა იყოს წმინდად „სახლი“, ადამიანების ვიწრო წრისთვის. აქ ორი ტენდენციაა:

მუსიკა მოყვარულთათვის, ტექნიკურად არც თუ ისე რთული;

მუსიკა მცოდნეებისთვის. კომპოზიტორს შეეძლო ნებისმიერი ტექნიკის გამოყენება, მათ შორის ექსპერიმენტული.

ასევე იყო ანსამბლები კლავირის მონაწილეობით. ფორტეპიანოს პარტიას შეუძლია შეასრულოს როგორც მოყვარული, ასევე პროფესიონალი პიანისტი. კიდევ უფრო დაბალი იყო სონატები ორი ინსტრუმენტისთვის და მათი შემდეგი ჟანრული სახეობები:

სონატის ტიპი სოლო ინსტრუმენტისთვის, განსაკუთრებით ვიოლინოსთვის, კლავირით, რომელიც მოქმედებს როგორც კონტინუო.

სონატები კლავირისთვის ვიოლინოს, ფლეიტის, ჩელოს თანხლებით. თანმხლები ხმა შეიძლება დაწერილი იყოს Ad libitum-ში.

სონატები, დუეტები ორი თანაბარი ინსტრუმენტისთვის კლავერის მონაწილეობის გარეშე და უფრო კამერული ხასიათისა იყო.

ბოლოში იყო საფორტეპიანო მინიატურები (კლასიკებისთვის - რონდო, მინუეტები, ბაგატელები), ვარიაციები პოპულარულ თემებზე, სიმღერები, ხალხური სიმღერების არანჟირება ინსტრუმენტული ანსამბლისთვის (ჰაიდნი, ბეთჰოვენი); ცეკვის ციკლები - მინუეტი, ქვეყნის ცეკვები, ეკოსეები - ფორტეპიანოს, ანსამბლისა და ორკესტრისთვის. ისინიც მხიარულობდნენ.

განვითარების გეოგრაფიული ცენტრები.

ძირითადი წარმომადგენლები

მუსიკალურ თეატრში კლასიციზმის ფუძემდებელი იყო ჯ.ბ. ლული (ლირიკული ტრაგედიის შემქმნელი), კლასიციზმისა და ბაროკოს თავისებურებები შერწყმულია ოპერის სერიის ჟანრში; მუსიკალური კლასიციზმის განვითარების მწვერვალი იყო ვენის კლასიკური სკოლის ხელოვნება.

ნამდვილი რევოლუცია იყო კრისტოფ გლუკის საოპერო რეფორმა. მისი შემოქმედებითი პროგრამა იყო სამი დიდი პრინციპი - სიმარტივე, სიმართლე, ბუნებრიობა. მუსიკალურ დრამაში ის ეძებდა მნიშვნელობას და არა ტკბილ ხმას. ოპერიდან გლუკი აშორებს ყველაფერს ზედმეტს: დეკორაციებს, ბრწყინვალე ეფექტებს, პოეზიას ანიჭებს უფრო მეტ გამომსახველობას და მუსიკა მთლიანად ექვემდებარება პერსონაჟების შინაგანი სამყაროს გამჟღავნებას. ოპერა „ორფეოსი და ევრიდიკე“ იყო პირველი ნაწარმოები, რომელშიც გლუკმა განახორციელა ახალი იდეები და საფუძველი ჩაუყარა საოპერო რეფორმას. სიმკაცრე, ფორმის პროპორციულობა, კეთილშობილური უბრალოება პრეტენზიულობის გარეშე, მხატვრული პროპორციის გრძნობა გლუკის ნამუშევრებში მოგვაგონებს უძველესი ქანდაკების ერთერთ ჰარმონიულ ფორმას. არიები, რეჩიტატივები, გუნდები ქმნიან დიდ საოპერო კომპოზიციას.

მუსიკალური კლასიციზმის აყვავება მე-18 საუკუნის მეორე ნახევარში დაიწყო. ვენა, იმდროინდელი მუსიკალური კულტურის დედაქალაქი, გახდა ამ მიმართულების განვითარების ცენტრალური პლატფორმა. კლასიციზმის უმაღლესი გამოხატულება იყო ჯოზეფ ჰაიდნის, ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტის, ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენის შემოქმედება, რომლებიც მუშაობდნენ ვენაში და ჩამოაყალიბეს მიმართულება მუსიკალურ კულტურაში - ვენის კლასიკური სკოლა. ვენის კლასიკოსების შემოქმედება გამოხატავს ცხოვრებისეული პროცესების დინამიურ გაგებას, რამაც იპოვა თავისი ყველაზე სრულყოფილი განსახიერება სონატის ფორმაში და განსაზღვრა მათი მრავალი კომპოზიციის სიმფონია. სიმფონიზმთან, ფართო გაგებით, ასოცირდება ეპოქის წამყვანი ინსტრუმენტული ჟანრების - სიმფონიის, სონატის, კონცერტისა და კამერული ანსამბლის აყვავება, 4-მოძრაობიანი სონატა-სიმფონიური ციკლის საბოლოო ჩამოყალიბება. ჰაიდნს უწოდებენ კლასიკური ინსტრუმენტული მუსიკის ფუძემდებელს, თანამედროვე სიმფონიური ორკესტრის დამფუძნებელს და სიმფონიის მამას. კლასიკურ სიმფონიაში ნაპოვნია იდეალური ფორმა, რომელიც ძალიან ღრმა შინაარსს იტევს. ჰაიდნის შემოქმედებაში ასევე დადგენილია კლასიკური სამმოძრაობიანი სონატის ტიპი. კომპოზიტორის შემოქმედებას ახასიათებს სილამაზე, წესრიგი, დახვეწილი და კეთილშობილური უბრალოება. ჰაიდნის ხელოვნებამ უდიდესი გავლენა მოახდინა მოცარტის სიმფონიური და კამერული სტილის ფორმირებაზე. სონატა-სიმფონიური მუსიკის სფეროში მიღწეული მიღწევებიდან გამომდინარე, მოცარტმა უამრავი ახალი და ორიგინალური წვლილი შეიტანა. მის ოპერებს დიდი მხატვრული ღირებულება აქვს. ორი საუკუნის განმავლობაში Le nozze di Figaro და Don Giovanni სარგებლობდნენ წარმატებით, თვალშისაცემი მათი მომხიბვლელი ელეგანტური მელოდიით, სიმარტივით და მდიდრული ჰარმონიით. მოცარტის საოპერო შემოქმედებამ ფართო პერსპექტივები გახსნა სხვადასხვა ტიპის ოპერის - ლირიკული და სოციალურად ბრალდებული კომედიის, მუსიკალური დრამის, ფილოსოფიური ზღაპრული ოპერას და სხვათა განვითარებისათვის.

ბეთჰოვენი ცნობილი გახდა, როგორც უდიდესი სიმფონისტი. მისი ხელოვნება გაჟღენთილია ბრძოლის პათოსით. იგი ახორციელებდა განმანათლებლობის მოწინავე იდეებს, რომლებიც ადასტურებდნენ ადამიანის უფლებებსა და ღირსებას. ბეთჰოვენის სურათების სამყარო მრავალფეროვანია. მისი გმირი არა მხოლოდ მამაცი და ვნებიანია, ის დაჯილდოებულია კარგად განვითარებული ინტელექტით. ის არის მებრძოლი და მოაზროვნე. ბეთჰოვენის მუსიკაში ცხოვრება მთელი თავისი მრავალფეროვნებით - მშფოთვარე ვნებები და მოწყვეტილი სიზმრები, დრამატული პათოსი და ლირიკული აღსარება, ბუნების სურათები და ყოველდღიური ცხოვრების სცენები. კლასიციზმის ეპოქის დასრულების შემდეგ, ბეთჰოვენმა ერთდროულად გახსნა გზა მომავალი საუკუნისთვის, რაც აღნიშნავს ახალი ეპოქის გარიჟრაჟს, რომელიც ცნობილია როგორც რომანტიული პერიოდი მუსიკაში.

№ 5 რეალიზმი???

შიშკოვა ნატალია ვიტალიევნა

MOU DOD "ბავშვთა სამხატვრო სკოლა No1", ბალაკოვო

ეპოქები მუსიკაში, ფერწერაში, არქიტექტურაში

მუსიკა რენესანსის XV-XVI საუკუნეებში.

შუა საუკუნეებში მუსიკა ეკლესიის პრეროგატივა იყო, ამიტომ მუსიკალური ნაწარმოებების უმეტესი ნაწილი წმინდა იყო, საეკლესიო საგალობლების საფუძველზე (გრიგორიული გალობა).

შუა საუკუნეებს მოჰყვა რენესანსი, რომელიც იყო აღმოჩენების, ინოვაციებისა და ძიების ეპოქა მუსიკოსებისთვის - ცხოვრების კულტურული და სამეცნიერო გამოვლინების ყველა ფენის რენესანსი მუსიკიდან და მხატვრობიდან ასტრონომიასა და მათემატიკამდე.

სტამბის გამოგონებით შესაძლებელი გახდა ფურცლების დაბეჭდვა და გავრცელება.

სწორედ ამ დროს გამოჩნდა ვიოლინა, ვიოლინოს წინამორბედი. ასევე იყო პოპულარული და ჩასაბერი ინსტრუმენტები - ჩამწერი, ფლეიტა და საყვირი. ყველაზე რთული მუსიკა დაიწერა ახლად შექმნილი კლავესინისთვის და ორღანისთვის.

პერსელ ჰენრი (1659–1695), ინგლისელი კომპოზიტორი. მისი პროფესიული ცხოვრება თითქმის მთლიანად სამეფო კაპელასა და ვესტმინსტერის სააბატოში გაატარა. პერსელის მემკვიდრეობა დაფუძნებულია „შემთხვევაში“ შექმნილ კომპოზიციებზე, ე.ი. დაკავშირებულია სამეფო ოჯახთან და საეკლესიო მსახურებასთან სამლოცველოში და სააბატოში. კომპოზიტორის სულიერ ნაწარმოებებს შორის არის მინიმუმ 60 ჰიმნი, 5 სრული სერვისი და მრავალი სოლო ხმისთვის, 6 სრული ოპერა და მუსიკა 44 პიესისთვის.

რამო ჟან ფილიპი (1683–1764), ფრანგი კომპოზიტორი და მუსიკის თეორეტიკოსი. რამოს მემკვიდრეობა შედგება რამდენიმე ათეული წიგნისა და რიგი სტატიებისგან მუსიკისა და აკუსტიკური თეორიის შესახებ; ოთხი ტომი კლავირის ცალი, რამდენიმე მოტეტი და სოლო კანტატები; 29 სასცენო კომპოზიცია - ოპერები, ოპერა-ბალეტები და პასტორალები.

სკარლატი, დომენიკო (1685-1757), ალესანდროს ვაჟი, კომპოზიტორი, იტალიური კლავირის მუსიკის უდიდესი ოსტატი. სკარლატის კლავირის სტილის ორიგინალობა გამოვლინდა 555 სონატაში. კირკპატრიკის კატალოგი შეიცავს 14 ოპერას, 9 ორატორიოს, 16 კამერულ კანტატს და არიას და 13 სულიერ კომპოზიციას. კომპოზიტორის სტილის ყველაზე თვალსაჩინო მახასიათებლებს შორისაა დისონანსური ჰარმონიებისა და თამამი მოდულაციების ბრწყინვალება, მარცხენა და მარჯვენა ხელის გადაკვეთა, რეპეტიციები, ტრილები და სხვა სახის ორნამენტები.

არქიტექტურა რენესანსში.

იტალიაში, რენესანსის გოთიკას ეძახდნენ ჩრდილოეთ ევროპის შუა საუკუნეების ხელოვნებას - მხატვრულ სტილს, რომელიც დომინირებდა დასავლეთ, ცენტრალურ და ნაწილობრივ აღმოსავლეთ ევროპის ქვეყნებში მე -12 საუკუნის შუა ხანებში. და XV-XVI სს. რენესანსის დროს სიძველის აღმოჩენამ სიხარული და სიამოვნება გამოიწვია.

ფერწერა რენესანსში.

ბ ოტიჩელი, სანდრო. ვენერას დაბადება. დაახლოებით 1482-1483 წწ. რენესანსი. იტალია. ფლორენცია. უფიზის გალერეა.თითოეულ ქვეყანაში რენესანსს აქვს თავისი მახასიათებლები. იტალიაში, სადაც რენესანსი ყველაზე სრულყოფილად გამოიხატა კლასიკურ ფორმაში, მოიცავს XIV-XVII სს. (XIII-XIV საუკუნეების მიჯნა - პროტო-რენესანსი; XV საუკუნე - ადრეული რენესანსი; XV საუკუნის დასასრული - XVI საუკუნის პირველი მეოთხედი - მაღალი რენესანსი; XVI საუკუნე.

ბაროკოს ეპოქის მუსიკა (1600-1750)

თან სიტყვა "ბაროკო" სავარაუდოდ მომდინარეობს პორტუგალიური perola barroca - უცნაური ფორმის მარგალიტიდან. მართლაც, ამ პერიოდის ვიზუალური ხელოვნება და არქიტექტურა გამოირჩეოდა ძალიან დახვეწილი ფორმებით, სირთულეებით, პომპეზურობითა და დინამიკით. მოგვიანებით იგივე სიტყვა გამოიყენეს იმდროინდელ მუსიკაზე. ისეთი ბრწყინვალე ნამუშევრები, როგორიცაა იოჰან სებასტიან ბახის ფუგა, ალილუიას გუნდი გეორგ ფრიდრიხ ჰენდელის ორატორიო მესიიდან, ანტონიო ვივალდის ოთხი სეზონი, კლაუდიო მონტევერდის ვესპერსი დაიბადა ბაროკოს ეპოქაში. მუსიკალური ორნამენტი გახდა ძალიან დახვეწილი, გამოჩნდა ისეთი ტიპის კომპოზიცია, როგორიცაა ოპერა.

იტალიელი კომპოზიტორის კლაუდიო მონტევერდის (1567-1643) მიერ მისი რეჩიტატიული სტილის შექმნა და იტალიური ოპერის თანმიმდევრული განვითარება შეიძლება ჩაითვალოს პირობით გარდამავალ პუნქტად ბაროკოსა და რენესანსს შორის.

ლუი XIV-ის კარის კომპოზიტორთა გამოჩენილი წარმომადგენელი იყო ჯოვანი ბატისტა ლული (1632-1687). უკვე 21 წლის ასაკში მიიღო „ინსტრუმენტული მუსიკის სასამართლო კომპოზიტორის“ წოდება. ლულიმ შექმნა ფრანგული ოპერის სრული ტიპი; ლირიკული ტრაგედია საფრანგეთში

კომპოზიტორი და მევიოლინე არკანჯელო კორელი (1653-1713) ცნობილია კონცერტო გროსოს ჟანრის განვითარებაზე მოღვაწეობით. კორელი იყო ერთ-ერთი პირველი კომპოზიტორი, რომლის ნაწარმოებები გამოიცა და შესრულდა მთელ ევროპაში.

ინგლისში მომწიფებული ბაროკო გამოირჩეოდა ჰენრი პერსელის (1659-1695) ბრწყინვალე გენიოსით. პერსელი მუშაობდა ჟანრის ფართო სპექტრში; მარტივი რელიგიური საგალობლებიდან მარშის მუსიკამდე, დიდი ფორმატის ვოკალური კომპოზიციებიდან დადგმულ მუსიკამდე. მისი კატალოგი შეიცავს 800-ზე მეტ ნამუშევარს.

ანტონიო ვივალდი (1678-1741) - იტალიელი კომპოზიტორი, დაიბადა ვენეციაში. ვივალდის პოპულარობა მოუტანა მისი ნაწარმოებების გამოქვეყნებამ, რომელშიც შედიოდა მისი ტრიო სონატები, ვიოლინოს სონატები და კონცერტები (500-ზე მეტი). მან ასევე მიანიჭა პროგრამული სათაურები თავის ზოგიერთ ნამუშევარს, როგორიცაა ცნობილი ოთხი სეზონი.

მაგრამ, ალბათ, ყველაზე ცნობილი სასამართლო კომპოზიტორი იყო გეორგ ფრიდრიხ ჰენდელი (1685-1759). იგი დაიბადა გერმანიაში, სწავლობდა იტალიაში და თავისი ბრწყინვალე და კომერციულად წარმატებული კარიერა ლონდონში დაიწყო. ჰენდელი ამუშავებდა სხვა კომპოზიტორების მასალას და მუდმივად ამუშავებდა საკუთარ კომპოზიციებს. ჰენდელმა თავის მუსიკაში შეაერთა იმპროვიზაციისა და კონტრაპუნქტის მდიდარი ტრადიციები. მუსიკალური ორნამენტების ხელოვნებამ მის შემოქმედებაში განვითარების ძალიან მაღალ დონეს მიაღწია.

იოჰან სებასტიან ბახი (1685-1750) გერმანია. სიცოცხლის განმავლობაში მან შეადგინა 1000-ზე მეტი ნაწარმოები სხვადასხვა ჟანრში, გარდა ოპერისა. მაგრამ სიცოცხლის განმავლობაში მან ვერ მიაღწია რაიმე მნიშვნელოვან წარმატებას.

ბაროკოს ფერწერა

ბაროკოს მხატვრობა ან ბაროკოს მხატვრობა არის ბაროკოს პერიოდის ნახატები მე-16-17 საუკუნეების კულტურაში, ხოლო პოლიტიკურად ისტორიული პერიოდი იყოფა აბსოლუტიზმად და კონტრ-რეფორმაციად. ბაროკოს მხატვრობა ხასიათდება დინამიზმით, „ხორცობით“ და ფორმების პომპეზურობით, ბაროკოს ყველაზე დამახასიათებელი ნიშნებია მოციმციმე ბზინვარება და დინამიზმი; ნათელი მაგალითია რუბენსი, კარავაჯო.

ბაროკოს არქიტექტურა

იტალიური სიტყვა "ბაროკო" სიტყვასიტყვით ნიშნავს "უცნაურს", "უცნაურს". ბაროკოს სტილი მიზიდული იყო საზეიმო ზეიმისა და ბრწყინვალებისკენ. ამავე დროს, მან გამოხატა პროგრესული იდეები სამყაროს ერთიანობის, უსასრულობისა და მრავალფეროვნების, მისი სირთულის, ცვალებადობისა და მუდმივი მოძრაობის შესახებ.

კლასიკური ეპოქის მუსიკა.

კლასიციზმი (ლათინური classicus-დან - სამაგალითო) არის მხატვრული სტილი და ესთეტიკური ტენდენცია მე-17-მე-19 საუკუნეების ევროპულ ხელოვნებაში. ხელოვნების ნიმუში, კლასიციზმის თვალსაზრისით, უნდა აშენდეს მკაცრი კანონების საფუძველზე, რითაც გამოავლინოს თავად სამყაროს ჰარმონია და ლოგიკა. კლასიციზმის კონცეფცია მუსიკაში სტაბილურად ასოცირდება ჰაიდნის, მოცარტისა და ბეთჰოვენის შემოქმედებასთან, რომლებსაც ვენის კლასიკოსები უწოდებენ და განსაზღვრავენ მუსიკალური კომპოზიციის შემდგომი განვითარების მიმართულებას.

ფრანც ჯოზეფ ჰაიდნი (1732-1809) - ავსტრიელი კომპოზიტორი, ვენის კლასიკური სკოლის წარმომადგენელი, ისეთი მუსიკალური ჟანრების ერთ-ერთი ფუძემდებელი, როგორიცაა სიმფონიური და სიმებიანი კვარტეტი.

ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტი (1756-1791) - ავსტრიელი კომპოზიტორი, ბენდმაისტერი, ვირტუოზი მევიოლინე, კლავესინი, ორღანისტი. მისი უნიკალურობა მდგომარეობს იმაში, რომ იგი მუშაობდა თავისი დროის ყველა მუსიკალურ ფორმაში და მიაღწია უმაღლეს წარმატებას ყველაფერში.

ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენი (1770-1827) იყო დიდი გერმანელი კომპოზიტორი, დირიჟორი და პიანისტი. ის წერდა ყველა ჟანრში, რომელიც არსებობდა თავის დროზე, მათ შორის ოპერაში, ბალეტში, მუსიკა დრამატული სპექტაკლებისთვის, საგუნდო კომპოზიციები. ინსტრუმენტული ნაწარმოებები ითვლება ყველაზე მნიშვნელოვანად მის მემკვიდრეობაში: ფორტეპიანოს, ვიოლინოსა და ჩელოს სონატები, კონცერტები ფორტეპიანოსთვის, ვიოლინოსთვის, კვარტეტები, უვერტიურა, სიმფონიები.

კლასიციზმის ეპოქის მხატვრობა.

რენესანსის უდიდესი თეორეტიკოსი ლეონ ბატისტა ალბერტი ჯერ კიდევ მე-15 საუკუნეში. გამოთქვამდა იდეები, რომლებიც კლასიციზმის გარკვეულ პრინციპებს ასახავდა და სრულად გამოიხატებოდა რაფაელის ფრესკაში „ათენის სკოლა“ (1511 წ.). პომპეის გათხრების დროს „ნამდვილი“ ანტიკური მხატვრობის აღმოჩენამ, გერმანელი ხელოვნებათმცოდნე ვინკელმანის მიერ ანტიკურობის გაღმერთებამ, მე-18 საუკუნის მეორე ნახევარში ახალი სუნთქვა შეიტანა კლასიციზმში.

კლასიკური არქიტექტურა.

კლასიციზმის არქიტექტურის მთავარი მახასიათებელი იყო მიმართვა უძველესი არქიტექტურის ფორმებზე, როგორც ჰარმონიის, სიმარტივის, სიმკაცრის, ლოგიკური სიცხადისა და მონუმენტურობის სტანდარტი. კლასიციზმის არქიტექტურას მთლიანობაში ახასიათებს დაგეგმვის კანონზომიერება და მოცულობითი ფორმის სიცხადე.

რომანტიკული ეპოქის მუსიკა (1810-1910 წწ).

მუსიკა რომანტიკულ პერიოდში ხასიათდება ენერგიით, ინტენსივობით და ვნებით. კლასიკური მუსიკის მკაცრმა ფორმებმა გამოხატულება და გამოხატულება მოიპოვა. მუსიკა უფრო დაუახლოვდა ხელოვნებას, ლიტერატურას და თეატრს. რომანტიზმის მთავარი ამოცანა იყო შინაგანი სამყაროს გამოსახულება, სულიერი ცხოვრება.

ბევრმა კომპოზიტორმა დაიწყო სიმფონიების შექმნა, რომელიც მოჰყვებოდა ერთ მთავარ სცენარს ან „პროგრამას“ (ბერლიოზის ფანტასტიკური სიმფონია ან ლისტის ფაუსტის სიმფონია, მენდელსონის საქორწინო მარში).

რომანტიკული პერიოდი იყო ვირტუოზი სოლისტების, როგორც ფენომენის დაბადების პერიოდი, შემსრულებლები გახდნენ მათი დღის ვარსკვლავები. ვირტუოზთა სიას ხელმძღვანელობენ პიანისტები ლისტი და შოპენი და მევიოლინე პაგანინი. ყველა მათგანი რომანტიული ეპოქის მუსიკალური ბრილიანტები იყო.

გერმანიაში რომანტიკა გახდა მუსიკოსების რეპერტუარის ძალიან მნიშვნელოვანი ნაწილი - იდეალური ფორმა რომანტიზმისთვის, როგორც მუსიკისა და პოეზიის ერთიანობა. შუბერტმა და ბრამსმა უამრავი რომანი შექმნეს. სიმღერებს ძირითადად ფორტეპიანოზე მღეროდნენ.

რომანტიკული ეპოქის შუა პერიოდში გამოჩნდა ვარსკვლავი ჯუზეპე ვერდის, რომელიც აღიარებულია ყველა დროის ერთ-ერთ უდიდეს კომპოზიტორად. მან მთელი იტალიური ოპერა თავდაყირა დააყენა მსოფლიოს წინაშე წარუდგინა ნაწარმოებების ახალი სიუჟეტები, ხშირად სოციალური, პოლიტიკური თუ პატრიოტული თემებით.

გერმანიაში რიჰარდ ვაგნერი გახდა ოპერის რეფორმატორი, მან მთლიანად შეცვალა გერმანული ოპერა. ვაგნერის ოპერები იწერება როგორც გრძელი, განუწყვეტლივ ნაკადი მუსიკა. პერსონაჟების პერსონაჟები და ნაწარმოების იდეები აღწერს მოკლე მელოდიებს, რომლებსაც ლაიტმოტივები ეწოდება.

რომანტიკული ეპოქის მხატვრობა.

რომანტიზმი არის იდეოლოგიური და მხატვრული მოძრაობა მე-18 საუკუნის ბოლოსა და მე-19 საუკუნის დასაწყისის ევროპულ და ამერიკულ კულტურაში. რომანტიზმი უპირისპირებდა უტილიტარიზმს და ინდივიდის ნიველირებას უსაზღვრო თავისუფლებისა და უსასრულობისკენ სწრაფვას, სრულყოფისა და განახლების წყურვილს, პიროვნული და სამოქალაქო დამოუკიდებლობის პათოსს. იდეალსა და რეალობას შორის მტკივნეული უთანხმოება საფუძვლად დაედო რომანტიკულ მსოფლმხედველობას.

ძლიერი ვნებების გამოსახვა, ბუნების სულიერება, ეროვნული წარსულისადმი ინტერესი, ხელოვნების სინთეტიკური ფორმებისადმი ლტოლვა შერწყმულია მსოფლიო მწუხარების მოტივებთან, "ჩრდილის", "ღამის" მხარის შესწავლისა და ხელახლა შექმნის სურვილთან. ადამიანის სული, ცნობილი „რომანტიკული ირონიით“.

რომანტიკული ეპოქის არქიტექტურა.

და ეროვნული წარსულისადმი ინტერესი (ხშირად მისი იდეალიზაცია), საკუთარი და სხვა ხალხების ფოლკლორისა და კულტურის ტრადიციები, სამყაროს უნივერსალური სურათის შექმნის სურვილი (პირველ რიგში ისტორია და ლიტერატურა), ხელოვნების სინთეზის იდეამ გამოხატა. რომანტიზმის იდეოლოგიასა და პრაქტიკაში.

XX საუკუნის მუსიკა. ჯაზი.

ჯაზი, როგორც მუსიკალური ხელოვნების ფორმა, გამოჩნდა შეერთებულ შტატებში მე-19 და მე-20 საუკუნეების მიჯნაზე, რომელიც აერთიანებდა ევროპელი დევნილების მუსიკალურ ტრადიციებს და აფრიკულ ფოლკლორულ მელოდიურ ნიმუშებს.

დამახასიათებელი იმპროვიზაცია, მელოდიური პოლირითმი და შესრულების ექსპრესიულობა გასული საუკუნის პირველ ათწლეულებში გახდა ნიუ ორლეანის პირველი ჯაზ ანსამბლების (ჯაზ-ბენდის) დამახასიათებელი ნიშანი.

დროთა განმავლობაში ჯაზმა გაიარა თავისი განვითარებისა და ფორმირების პერიოდები, შეცვალა რიტმული ნიმუში და სტილისტური ორიენტაცია: რეგტაიმის იმპროვიზაციული სტილიდან (რეგტაიმი), საცეკვაო საორკესტრო სვინგამდე (სვინგი) და აუჩქარებელი რბილი ბლუზამდე (ბლუზი).

პერიოდი 20-იანი წლების დასაწყისიდან 1940-იან წლებამდე ასოცირდება ჯაზის ორკესტრების (დიდი ბენდების) აყვავებასთან, რომელიც შედგებოდა საქსოფონის, ტრომბონის, საყვირის და რიტმული სექციის რამდენიმე საორკესტრო განყოფილებისგან. დიდი ბენდების პოპულარობის პიკი გასული საუკუნის 30-იანი წლების შუა ხანებში დადგა. დიუკ ელინგტონის (ჰერცოგი ელინგტონი), გრაფი ბეისის (გრაფი ბეისი), ბენი გუდმენის (ბენი გუდმენი) ჯაზ-ბენდების მიერ შესრულებული მუსიკა ჟღერდა საცეკვაო მოედნებზე და რადიოში.

იმპრესიონიზმი.

მუსიკალური იმპრესიონიზმი არის მუსიკალური ტენდენცია, რომელიც ჰგავს იმპრესიონიზმის ფერწერაში და სიმბოლიზმის პარალელურად ლიტერატურაში, რომელიც განვითარდა საფრანგეთში მე-19 საუკუნის ბოლო მეოთხედში და მე-20 საუკუნის დასაწყისში, ძირითადად ერიკ სატის, კლოდ დებიუსისა და მორისის შემოქმედებაში. რაველი.

თავად ტერმინი „იმპრესიონიზმი“ ხაზგასმით პირობითია. ხედვასთან დაკავშირებული მხატვრობის საშუალებები და სმენაზე დაფუძნებული მუსიკალური ხელოვნების საშუალებები შეიძლება ერთმანეთთან იყოს დაკავშირებული სპეციალური, დახვეწილი ასოციაციური პარალელების დახმარებით, რომლებიც მხოლოდ გონებაში არსებობს.

იმპრესიონიზმი ფერწერაში.

იმპრესიონიზმი მე-19 საუკუნის ბოლო მესამედის - მე-20 საუკუნის დასაწყისის ხელოვნების ტენდენციაა, რომლის ოსტატები, აფიქსირებენ თავიანთ წარმავალ შთაბეჭდილებებს, ცდილობდნენ ყველაზე ბუნებრივად და მიუკერძოებლად დაეპყროთ რეალური სამყარო მის მობილურობასა და ცვალებადობაში.

ლიტერატურა.

Konen W. Purcell და Opera. მ., 1978 წ

Westrap J. G. Purcell. ლ., 1980 წ

ბრაიანცევა ვ.ნ. ჟან ფილიპ რამო და ფრანგული მუსიკალური თეატრი. მ., 1981 წ

Malignon J. J. F. Rameau. ლ., 1983 წ

ოკრაინეც, ი.ა. დომენიკო სკარლატი: ინსტრუმენტალიზმის გზით სტილამდე. მ., 1994 წ

ლუჩინა ე.ი. ალესანდრო სკარლატის ოპერა "გრიზელდა". ვორონეჟი, 1998 წ

სტატიაში გამოყენებულია ინფორმაცია საიტებიდან:

meget.kiev.ua/arhitektura/gotika/

/info.php?id=44&s=9&PHPSESSID=n89n43q5fvu0gi3ilto64dbb16

1. /index.php/Muzyka-v-epohu-Vozrozhdeniya.html

2. artwood.dp.ua/index.php?option=com_content&view=article&id=4&Itemid=6

   /txt/6barokko01.shtml

   meget.kiev.ua/arhitektura/barokko/

3. /ვიკი/მუსიკა_ბაროკო

   /ვიკი/კლასიციზმის_პერიოდის_მუსიკა

   /ვიკი/კლასიციზმი

5. /wp-content/uploads/2008/10/franz-schubert.jpg

   /alb15954/ft505476/

   arosh.at.ua/dir/

   www.aze.az/news_v_centre_culture_53175.html

   /art/music/composer/weber/weber_816431914_tonnel.shtml

   /2010/Notes/Nomer5/BerkovicH2.php

   /music/classic/page/21/

7. /community/musicworldnews/tag/%e4%e0%f2%fb

   /showthread.php?p=2475118

8. meget.kiev.ua/arhitektura/romantizm/