ჰოლანდიური მხატვრობა. ჰოლანდიური მხატვრობის ოქროს ხანა

ჩვენს სტატიაში ვისაუბრებთ ორ ხელოვანზე: იან ვან გოიენიდა იაკობ ვან რუისდეილი.

ისინი ორივე ცხოვრობდნენ ჰოლანდიის უცხო უღლისგან განთავისუფლების ეპოქაში და ეს იყო ჰოლანდიური მხატვრობის ოქროს ხანა. სწორედ ჰოლანდიის ხელოვნებაში დაიწყო განვითარება შემდეგი ჟანრები: პორტრეტი, პეიზაჟი, ყოველდღიური ჟანრი, ნატურმორტი. ეს მაშინ არ შეინიშნებოდა ხელოვნების გამორჩეულ ცენტრებშიც - იტალიაში თუ საფრანგეთში. ჰოლანდიის ხელოვნება მე -17 საუკუნეში. მე-17 საუკუნეში ევროპის მხატვრულ სამყაროში თავისებურ ფენომენად იქცა. ჰოლანდიელმა ოსტატებმა გზა გაუხსნეს ევროპის სხვა ეროვნული ხელოვნების სკოლების მხატვრებს.

იან ვან გოიენი (1596-1656)

ტერბორხი „ვან გოიენის პორტრეტი“ (დაახლოებით 1560 წ.)

იან ვან გოიენი ერთ-ერთი პირველი მხატვარია, ვინც ბუნებას ბუნებრივად, მარტივად, შელამაზების გარეშე ასახავს. ის არის ჰოლანდიის ეროვნული ლანდშაფტის შემქმნელი. მისი ქვეყნის ბუნება მისცა მას საკმარისი საგნები მთელი ცხოვრების განმავლობაში.
იან ვან გოიენი დაიბადა 1596 წელს ლეიდენში, ფეხსაცმლის ოჯახში.
მიუხედავად იმისა, რომ ახალგაზრდობაში იან ვან გოიენმა გარკვეული დრო გაატარა პარიზში, უბრალო პეიზაჟის სიყვარული საფრანგეთში უცნობი იყო, ამიტომ ძნელად ღირს საუბარი ფრანგული მხატვრობის წარმომადგენლების რაიმე გავლენას მის შემოქმედებაზე.
საკუთარ ქვეყანაში მას ჰყავდა ფერწერის რამდენიმე მასწავლებელი, მაგრამ მხოლოდ ესაია ვან დე ველდეს სახელოსნოში გაატარა ერთი წელი და კიდევ უფრო ნაკლებად დაუკავშირდა დანარჩენ მენტორებს.

იან ვან გოიენი "პეიზაჟი დიუნებით" (1630-1635). Kunsthistorisches მუზეუმი (ვენა)

შემოქმედება

თავდაპირველად გოიენი თავისი მცენარეულობით ხატავდა ჰოლანდიის სოფლებსა თუ შემოგარენს, შემდეგ მის ნახატებში დაიწყო ზღვისპირა ხედების გაბატონება, სადაც ნახატების უმეტესი ნაწილი ცა და წყალი იყო დაკავებული.

იან ვან გოიენი "მდინარის ხედი" (1655). Mauritshuis (ჰაგა)

ხეები, ქოხები ან ქალაქის შენობები მეორეხარისხოვან როლს ასრულებენ მის ნახატებში, მაგრამ აქვთ ძალიან თვალწარმტაცი გარეგნობა, ისევე როგორც პატარა მცურავი და ნიჩბიანი გემები მეთევზეების, მესაჭეების და მგზავრების ფიგურებით.
გოიენის ნახატები უპირატესად ერთფეროვანია. მხატვარს უყვარდა ფერის სიმარტივე, მაგრამ ამავე დროს მისი ფერები ჰარმონიულია. მან საღებავი მსუბუქი ფენით წაისვა.

იან ვან გოიენი მერვედეს ხედი დორდრეხტის მახლობლად (დაახლოებით 1645 წ.). Rijksmuseum (ამსტერდამი)

მხატვრის გვიანდელი ნამუშევრები გამოირჩევიან თითქმის მონოქრომული პალიტრით, გამჭვირვალე გრუნტი კი მათ განსაკუთრებულ სიღრმეს და განუმეორებელ ხიბლს ანიჭებს.

იან ვან გოიენის პეიზაჟი ორი მუხით (1641 წ.). Rijksmuseum (ამსტერდამი)

მისი ნახატები სასიამოვნოა სწორედ მათი სიმარტივისა და რეალიზმის გამო. მხატვარმა საკმაოდ ბევრი მხატვრული ტილო შექმნა, მაგრამ მისი ნამუშევარი ყოველთვის არ იყო ღირსეულად დაჯილდოვებული. ამიტომ, გოიენს დამატებითი ფულის შოვნა სხვა გზით მოუწია: ის ვაჭრობდა ტიტებით, ეწეოდა ხელოვნების ნიმუშების, უძრავი ქონებისა და მიწის შეფასებითა და გაყიდვით. მაგრამ მეწარმეობის მცდელობებს, როგორც წესი, არ მოჰყოლია წარმატება.

იან ვან გოიენი "ზამთრის სცენა ყინულზე"

ახლა მისი ნამუშევარი დაფასებულია და ნებისმიერი მუზეუმი მის ნახატებს ძვირფას ექსპონატებად მიიჩნევს.
ერმიტაჟში ასევე არის იან ვან გოიენის რამდენიმე ნახატი: „მდინარის ხედი. Meuse, დორტრეხტის მახლობლად, "შევენინგენის სანაპირო, ჰააგასთან", "ზამთრის პეიზაჟი", "მდინარის ხედი. მეუსე“, „სოფლის ხედი“, „პეიზაჟი მუხით“ და ა.შ.

იან ვან გოიენი "პეიზაჟი მუხით"

გოიენი ფერწერის გარდა ეწეოდა (ლითონზე გრავიურის სახეობა) და ხატვით.

1632 წელს გოიენი ოჯახთან ერთად გადავიდა ჰააგაში, სადაც ცხოვრობდა სიცოცხლის ბოლომდე - 1656 წლამდე.

იაკობ ვან რუისდაელი (1628/1629-1682)

იაკობ ისააკს ვან რუისდაელი დაიბადა და გარდაიცვალა ჰარლემში (ნიდერლანდები). მისი ზუსტი პორტრეტები არ არსებობს. ეს პორტრეტი მხოლოდ ვარაუდია.
ამჟამად რუისდაელი ითვლება ყველაზე მნიშვნელოვან ჰოლანდიელ ლანდშაფტის მხატვრად, მაგრამ სიცოცხლის განმავლობაში მისი ნიჭი სათანადოდ არ დაფასდა. მისი მასწავლებელი შეიძლება იყოს მისი ბიძა - მხატვარი სოლომონ ვან რუისდაელი.
რუისდაელი ასევე პრაქტიკოსი ქირურგი იყო ამსტერდამში.

შემოქმედება

მხატვარი ოსტატურად გადმოსცემდა ადამიანურ ემოციებს პეიზაჟის საშუალებით. და მისთვის მნიშვნელოვანი იყო პეიზაჟის ნებისმიერი კომპონენტი: ხის ტოტი მოხრილი ქარის ნაკადით, ბალახის დამსხვრეული პირი, ჭექა-ქუხილი, გავლილი ბილიკი... და ყველა ეს კომპონენტი მის ნახატებში ჰარმონიულად იყო შერწყმული ერთში. ᲑᲣᲜᲔᲑᲐ.
პატარა შტრიხებით წერდა. მას უყვარდა ტყის ბუჩქების, ჭაობების, ჩანჩქერების, ჰოლანდიის პატარა ქალაქებისა თუ სოფლების ხატვა და უპირველეს ყოვლისა - ტრიუმფალური ცა. რუისდაელის პეიზაჟები გასაგებია ნებისმიერი ეროვნების ადამიანისთვის, რადგან ისინი გამოხატავენ ბუნებასთან საერთო ერთობას ყველა ადამიანისათვის.
რუისდაელმა შექმნა 450-მდე ნახატი. სხვა წყაროებში მითითებულია 600. მისი პეიზაჟების უმეტესობა ეძღვნება მშობლიური ნიდერლანდების ბუნებას, მაგრამ მან ასევე დახატა გერმანიის მუხის ტყეები და ნორვეგიის ჩანჩქერები.

იმავდროულად, ეს არის ევროპული კულტურის განსაკუთრებული სფერო, რომელიც უფრო დეტალური შესწავლის ღირსია, რომელიც ასახავს იმდროინდელი ჰოლანდიის ხალხის თავდაპირველ ცხოვრებას.

გარეგნობის ისტორია

ხელოვნების ნათელი წარმომადგენლები ქვეყანაში მეჩვიდმეტე საუკუნეში გამოჩნდნენ. ფრანგმა კულტუროლოგებმა მათ დაარქვეს საერთო სახელი - "პატარა ჰოლანდიელი", რომელიც არ უკავშირდება ნიჭის მასშტაბებს და აღნიშნავს მიჯაჭვულობას გარკვეული თემებისადმი ყოველდღიური ცხოვრებიდან, საპირისპირო "დიდი" სტილისა დიდი ტილოებით ისტორიულ ან მითოლოგიურ თემებზე. ჰოლანდიური მხატვრობის გაჩენის ისტორია დეტალურად იყო აღწერილი მეცხრამეტე საუკუნეში და მასზე ნაწარმოებების ავტორებმაც გამოიყენეს ეს ტერმინი. „პატარა ჰოლანდიელები“ ​​გამოირჩეოდნენ საერო რეალიზმით, ისინი ირგვლივ სამყაროს და ადამიანებს მიმართავდნენ, იყენებდნენ ტონალობებით მდიდარ ფერწერას.

განვითარების ეტაპები

ჰოლანდიური ფერწერის გაჩენის ისტორია შეიძლება დაიყოს რამდენიმე პერიოდად. პირველი გაგრძელდა დაახლოებით 1620 წლიდან 1630 წლამდე, როდესაც რეალიზმი დაიმკვიდრა ეროვნულ ხელოვნებაში. ჰოლანდიური ფერწერის მეორე პერიოდი განიცადა 1640-1660 წლებში. ეს ის დროა, როდესაც ადგილობრივი ხელოვნების სკოლის ნამდვილი აყვავება მოდის. დაბოლოს, მესამე პერიოდი, დრო, როდესაც ჰოლანდიურმა მხატვრობამ დაცემა დაიწყო - 1670 წლიდან მეთვრამეტე საუკუნის დასაწყისამდე.

აღსანიშნავია, რომ კულტურული ცენტრები ამ ხნის განმავლობაში შეიცვალა. პირველ პერიოდში ჰარლემში მოღვაწეობდნენ წამყვანი მხატვრები, მთავარი წარმომადგენელი კი ჰალსა იყო. შემდეგ ცენტრი გადავიდა ამსტერდამში, სადაც ყველაზე მნიშვნელოვანი ნამუშევრები შეასრულეს რემბრანდტმა და ვერმეერმა.

ყოველდღიური ცხოვრების სცენები

ჰოლანდიური მხატვრობის უმნიშვნელოვანესი ჟანრების ჩამოთვლისას აუცილებლად უნდა დავიწყოთ ყოველდღიური ცხოვრებით - ყველაზე თვალშისაცემი და ორიგინალური ისტორიაში. ეს იყო ფლამანდიელები, რომლებმაც მსოფლიოსთვის გახსნეს სცენები ჩვეულებრივი ადამიანების, გლეხების და ქალაქების თუ ბურგერების ყოველდღიური ცხოვრებიდან. პიონერები იყვნენ ოსტადე და მისი მიმდევრები ოუდენროგი, ბეგა და დუსარტი. ოსტადეს ადრეულ ნახატებში ადამიანები ბანქოს თამაშობენ, ჩხუბობენ და ტავერნაშიც კი ჩხუბობენ. თითოეული სურათი გამოირჩევა დინამიური, გარკვეულწილად ბრუტალური ხასიათით. იმდროინდელი ჰოლანდიური მხატვრობა ასევე მოგვითხრობს მშვიდობიან სცენებზე: ზოგიერთ ნამუშევარში გლეხები საუბრობენ მილისა და ლუდის ფინჯანზე, დროს ატარებენ ბაზრობაზე ან ოჯახებთან ერთად. რემბრანდტის გავლენამ განაპირობა რბილი ოქროსფერი ქიაროსკუროს ფართო გამოყენება. ურბანული სცენები შთააგონებდა მხატვრებს, როგორიცაა ჰალსი, ლეისტერი, მოლენერი და კოდე. მეჩვიდმეტე საუკუნის შუა ხანებში ოსტატებმა გამოსახეს ექიმები, მეცნიერები სამუშაო პროცესში, საკუთარი სახელოსნოები, საყოფაცხოვრებო სამუშაოები ან ყოველი შეთქმულება უნდა ყოფილიყო გასართობი, ზოგჯერ გროტესკულად დიდაქტიკური. ზოგიერთი ოსტატი მიდრეკილი იყო ყოველდღიური ცხოვრების პოეტიზებისკენ, მაგალითად, ტერბორხი ასახავდა მუსიკის დაკვრის ან ფლირტის სცენებს. მეცუმ გამოიყენა ნათელი ფერები, ყოველდღიური ცხოვრება დღესასწაულად აქცია, ხოლო დე ჰუჩი შთაგონებული იყო ოჯახური ცხოვრების სიმარტივით, დატბორილი დღის გაფანტული შუქით. ჟანრის გვიანდელი წარმომადგენლები, როგორებიც იყვნენ ჰოლანდიელი ოსტატები ვან დერ ვერფი და ვან დერ ნეერი, ხშირად ქმნიდნენ გარკვეულწილად პრეტენზიულ საგნებს ელეგანტური გამოსახულებისკენ სწრაფვისას.

ბუნება და პეიზაჟები

გარდა ამისა, ჰოლანდიური მხატვრობა ფართოდ არის წარმოდგენილი ლანდშაფტის ჟანრში. ის პირველად წარმოიშვა ჰარლემის ისეთი ოსტატების შემოქმედებაში, როგორებიც არიან ვან გოიენი, დე მოლეინი და ვან რუისდაელი. სწორედ მათ დაიწყეს სოფლის კუთხეების გამოსახვა გარკვეული ვერცხლისფერი შუქით. ნამუშევრებში წინა პლანზე წამოვიდა ბუნების მატერიალური ერთიანობა. ცალკე აღნიშვნის ღირსია ზღვის პეიზაჟები. მე-17 საუკუნეში საზღვაო მხატვრებს შორის იყვნენ პორჩელისი, დე ვლიგერი და ვან დე კაპელი. ისინი იმდენად არ ცდილობდნენ გადმოეცათ გარკვეული ზღვის სცენები, რამდენადაც ცდილობდნენ გამოესახათ თავად წყალი, შუქის თამაში მასზე და ცაში.

მეჩვიდმეტე საუკუნის მეორე ნახევრისთვის ჟანრში გაჩნდა უფრო ემოციური ნაწარმოებები ფილოსოფიური იდეებით. იან ვან რუისდაელმა მაქსიმალურად გაზარდა ჰოლანდიური ლანდშაფტის სილამაზე, გამოსახა იგი მთელი თავისი დრამატულობით, დინამიკით და მონუმენტურობით. მისი ტრადიციების გამგრძელებელი გახდა ჰობემი, რომელიც ამჯობინებდა მზიან პეიზაჟებს. კონინკი ასახავდა პანორამებს, ხოლო ვან დერ ნეერი ღამის პეიზაჟების შექმნით და მთვარის შუქის, მზის ამოსვლისა და ჩასვლის გადაცემით იყო დაკავებული. რიგ მხატვრებს ასევე ახასიათებს ცხოველების გამოსახვა პეიზაჟებში, მაგალითად, ძროხების და ცხენების ძოვება, ასევე ნადირობა და სცენები მხედრებთან. მოგვიანებით, მხატვრებმა დაიწყეს უცხო ბუნებაში ჩართვა - ბოტმა, ვან ლაერმა, ვენიქსმა, ბერჩემმა და ჰაკერტმა გამოსახეს იტალია, რომელიც დაბანილია სამხრეთ მზის სხივებში. ჟანრის პიონერი იყო სანრედამი, რომლის საუკეთესო მიმდევრები არიან ძმები ბერკჰაიდე და იან ვან დერ ჰეიდენი.

ინტერიერის გამოსახულება

სცენები ეკლესიის, სასახლისა და საყოფაცხოვრებო ოთახებით შეიძლება ეწოდოს ცალკე ჟანრს, რომელიც გამოარჩევდა ჰოლანდიურ მხატვრობას მისი აყვავების პერიოდში. ინტერიერები გამოჩნდა XVII საუკუნის მეორე ნახევრის ნახატებში დელფტის ოსტატების - ჰაუკგესტის, ვან დერ ვლეტისა და დე ვიტეს მიერ, რომელიც გახდა მიმართულების მთავარი წარმომადგენელი. ვერმეერის ტექნიკის გამოყენებით, მხატვრებმა ასახეს სცენები მზის შუქით, სავსე ემოციებითა და მოცულობით.

თვალწარმტაცი კერძები და ჭურჭელი

დაბოლოს, ჰოლანდიური მხატვრობის კიდევ ერთი დამახასიათებელი ჟანრი არის ნატურმორტი, განსაკუთრებით საუზმის გამოსახულება. პირველად, კლასმა და ხედამ ჰარლემიდან, რომლებიც მდიდრული ჭურჭლით გაშლილ მაგიდებს ხატავდნენ, ხელოვნებით შევიდნენ. თვალწარმტაცი არეულობა და მყუდრო ინტერიერის განსაკუთრებული დახატვა სავსეა ვერცხლისფერ-ნაცრისფერი შუქით, რომელიც დამახასიათებელია ვერცხლისფერი და პიუტერის ჭურჭელისთვის. უტრეხტის მხატვრები ხატავდნენ აყვავებულ ყვავილოვან ნატურმორტებს, ჰააგაში კი ოსტატები განსაკუთრებით წარმატებულები იყვნენ თევზისა და ზღვის ქვეწარმავლების გამოსახატავად. ლეიდენში წარმოიშვა ჟანრის ფილოსოფიური მიმართულება, რომელშიც თავის ქალა და ქვიშის სათვალე არის სენსუალური სიამოვნების ან მიწიერი დიდების სიმბოლოების მიმდებარედ, რომლებიც შექმნილია დროის დროებითი გახსენებისთვის. დემოკრატიული სამზარეულო ნატურმორტები გახდა როტერდამის ხელოვნების სკოლის დამახასიათებელი ნიშანი.

ჰოლანდიური კულტურა მე -17 საუკუნეში

ჩრდილოეთ ნიდერლანდებში ბურჟუაზიული რევოლუციის გამარჯვებამ გამოიწვია დამოუკიდებელი სახელმწიფოს - შვიდი გაერთიანებული პროვინციის რესპუბლიკის - ჰოლანდიის ჩამოყალიბება (ამ პროვინციებიდან ყველაზე მნიშვნელოვანი პროვინციების სახელის მიხედვით); პირველად ევროპის ერთ-ერთ ქვეყანაში დამკვიდრდა ბურჟუაზიულ-რესპუბლიკური სისტემა. რევოლუციის მამოძრავებელი ძალები იყვნენ გლეხები და ქალაქის მოსახლეობის ყველაზე ღარიბი ფენები, მაგრამ ხელისუფლებაში მოსულმა ბურჟუაზიამ ისარგებლა მისი დაპყრობით.
ესპანური აბსოლუტიზმისა და კათოლიკური ეკლესიის უღლისგან განთავისუფლებამ, მთელი რიგი ფეოდალური შეზღუდვების განადგურებამ გზა გაუხსნა რესპუბლიკის მწარმოებელი ძალების სწრაფ ზრდას, რომელიც, მარქსის აზრით, „მე-17 სანიმუშო კაპიტალისტური ქვეყანა იყო. მხოლოდ იმ დროს ჰოლანდიაში ჭარბობდა ურბანული მოსახლეობა სოფლის მოსახლეობას, მაგრამ მთავარი მოგება იყო არა მრეწველობა (თუმცა აქ განვითარებული იყო ტექსტილის წარმოება და განსაკუთრებით გემთმშენებლობა), არამედ შუამავალი ვაჭრობა, რომელიც გაფართოვდა კოლონიური პოლიტიკის გამო. როდესაც მმართველი კლასები გამდიდრდნენ, მშრომელთა სიღარიბე გაიზარდა, გლეხები და ხელოსნები განადგურდნენ და მე-17 საუკუნის შუა ხანებში კლასობრივი წინააღმდეგობები გაძლიერდა.
თუმცა რესპუბლიკის დაარსებიდან პირველ ათწლეულებში ცოცხალი იყო რევოლუციური ეპოქის დემოკრატიული ტრადიციები. ეროვნულ-განმათავისუფლებელი მოძრაობის სიგანე, ხალხის თვითშეგნების ამაღლება, უცხო უღლისაგან განთავისუფლების ხალისი აერთიანებდა მოსახლეობის ყველაზე მრავალფეროვან ფენებს. ქვეყანას აქვს განვითარებული პირობები მეცნიერებისა და ხელოვნების განვითარებისათვის. აქ თავშესაფარი იპოვეს იმდროინდელმა მოწინავე მოაზროვნეებმა, კერძოდ ფრანგმა ფილოსოფოსმა დეკარტმა და ჩამოყალიბდა სპინოზას ფუნდამენტურად მატერიალისტური ფილოსოფიური სისტემა. უმაღლეს მიღწევებს მიაღწიეს ჰოლანდიის მხატვრებმა, ისეთმა მხატვრებმა, როგორებიც არიან რემბრანდტი, რუისდაელი, ტერბორხი, ჰალსი, ჰობემა, ჰონთჰორსტი და ფერწერის მრავალი სხვა ოსტატი. ჰოლანდიელი მხატვრები პირველები იყვნენ ევროპაში, ვინც გათავისუფლდნენ სასამართლო წრეებისა და კათოლიკური ეკლესიის მჩაგვრელი გავლენისგან და შექმნეს დემოკრატიული და რეალისტური ხელოვნება, რომელიც პირდაპირ ასახავს სოციალურ რეალობას.

მე -17 საუკუნის ჰოლანდიური მხატვრობა

ჰოლანდიური ხელოვნების განვითარების გამორჩეული მახასიათებელი იყო მნიშვნელოვანი უპირატესობა მის ყველა სახის ფერწერას შორის. სურათები ამშვენებდა არა მხოლოდ საზოგადოების მმართველი ელიტის, არამედ ღარიბი ბურგერების, ხელოსნებისა და გლეხების სახლებს; ისინი იყიდებოდა აუქციონებსა და ბაზრობებზე; ზოგჯერ მხატვრები მათ იყენებდნენ, როგორც გადასახადების გადახდის საშუალებას. მხატვრის პროფესია იშვიათი არ იყო, ბევრი მხატვარი იყო და სასტიკად ეჯიბრებოდნენ ერთმანეთს. რამდენიმე მათგანს შეეძლო მხატვრობით იკვებებოდა, ბევრი იღებდა სხვადასხვა სამუშაოს: სტენი სასტუმროს მეპატრონე იყო, ჰობემა იყო აქციზის თანამშრომელი, იაკობ ვან რუისდაელი ექიმი.
მე-17 საუკუნეში ჰოლანდიური მხატვრობის სწრაფი განვითარება აიხსნებოდა არა მხოლოდ ნახატებზე მოთხოვნით, ვისაც სურდა მათით სახლის გაფორმება, არამედ მათი, როგორც საქონლის, როგორც მოგების, სპეკულაციის წყაროს ხედვით. უშუალო დამკვეთისგან - კათოლიკური ეკლესიისა თუ გავლენიანი ფეოდალის ქველმოქმედის თავიდან აცილების შემდეგ მხატვარი მთლიანად იყო დამოკიდებული ბაზრის მოთხოვნებზე. ბურჟუაზიული საზოგადოების გემოვნებამ წინასწარ განსაზღვრა ჰოლანდიური ხელოვნების განვითარების გზები და მხატვრები, რომლებიც ეწინააღმდეგებოდნენ მათ, იცავდნენ თავიანთ დამოუკიდებლობას შემოქმედების საკითხებში, აღმოჩნდნენ იზოლირებულები, უდროოდ კვდებოდნენ გაჭირვებაში და მარტოობაში. უფრო მეტიც, ეს, როგორც წესი, ყველაზე ნიჭიერი ოსტატები იყვნენ. საკმარისია ჰალსის და რემბრანდტის სახელების აღნიშვნა.
ჰოლანდიელი მხატვრებისთვის გამოსახულების მთავარი ობიექტი იყო გარემომცველი რეალობა, რომელიც აქამდე არასოდეს ყოფილა ასე სრულად ასახული სხვა ეროვნული სკოლების მხატვრების ნამუშევრებში. ცხოვრების ყველაზე მრავალფეროვანი ასპექტებისადმი მიმართვამ განაპირობა მხატვრობაში რეალისტური ტენდენციების გაძლიერება, სადაც წამყვანი ადგილი ეკავა ყოველდღიურ ჟანრს და პორტრეტს, პეიზაჟს და ნატურმორტის. რაც უფრო მართალი იყო, რაც უფრო ღრმად ასახავდნენ მხატვრები მათ წინაშე გახსნილ რეალურ სამყაროს, მით უფრო მნიშვნელოვანი იყო მათი ნამუშევრები.
თითოეულ ჟანრს თავისი განშტოებები ჰქონდა. ასე, მაგალითად, ლანდშაფტის მხატვრებს შორის იყვნენ საზღვაო მხატვრები (ზღვის გამოსახულებები), მხატვრები, რომლებიც უპირატესობას ანიჭებდნენ ბრტყელ ადგილებს ან ტყის ბუჩქებს, იყვნენ ოსტატები, რომლებიც სპეციალიზირებულნი იყვნენ ზამთრის პეიზაჟებსა და პეიზაჟებზე მთვარის შუქით: ჟანრის მხატვრებს შორის, მხატვრები, რომლებიც გამოსახული იყო გლეხები, ბურგერები, ქეიფებისა და შინაური ცხოვრების სცენები, ნადირობის სცენები და ბაზრები; იყვნენ ეკლესიის ინტერიერის ოსტატები და სხვადასხვა სახის ნატურმორტები - „საუზმე“, „დესერტები“, „მაღაზიები“ და ა.შ. ჰოლანდიური მხატვრობის შეზღუდვის თავისებურებანი იმოქმედა, რამაც შეამცირა დავალებების რაოდენობა მისი შემქმნელებისთვის. მაგრამ ამავდროულად, თითოეული ხელოვანის კონცენტრაციამ კონკრეტულ ჟანრზე ხელი შეუწყო მხატვრის ოსტატობის დახვეწას. ჰოლანდიელი ხელოვანებიდან მხოლოდ ყველაზე დიდი მუშაობდა სხვადასხვა ჟანრში.
რეალისტური ჰოლანდიური მხატვრობის ჩამოყალიბება მოხდა იტალიალიზებული ტენდენციისა და მანერიზმის წინააღმდეგ ბრძოლაში. ამ ტენდენციების წარმომადგენლებმა, თითოეულმა თავისებურად, მაგრამ მხოლოდ გარეგნულად, ისესხეს იტალიელი მხატვრების ტექნიკა, ღრმად უცხო ეროვნული ჰოლანდიური ფერწერის ტრადიციებისთვის. ჰოლანდიური მხატვრობის ჩამოყალიბების ადრეულ ეტაპზე, რომელიც მოიცავდა 1609-1640 წლებს, რეალისტური ტენდენციები უფრო მკაფიოდ გამოიკვეთა პორტრეტში და ყოველდღიურ ჟანრში.

ჰოლანდიის პეიზაჟი

ჰოლანდიური რეალისტური ლანდშაფტის პრინციპები ჩამოყალიბდა მე-17 საუკუნის პირველ მესამედში. პირობითი კანონებისა და იდეალიზებული, წარმოსახვითი ბუნების ნაცვლად, იტალიური მიმართულების ოსტატების ნახატებში, რეალისტური ლანდშაფტის შემქმნელებმა მიმართეს ჰოლანდიის ნამდვილი ბუნების გამოსახვას მისი დიუნებითა და არხებით, სახლებითა და სოფლებით. მათ არა მხოლოდ აღბეჭდეს ტერიტორიის ხასიათი ყველა ნიშნით, შექმნეს ეროვნული ლანდშაფტის ტიპიური მოტივები, არამედ ცდილობდნენ გადმოეცათ სეზონის ატმოსფერო, ნოტიო ჰაერი და სივრცე. ამან ხელი შეუწყო ტონალური ფერწერის განვითარებას, სურათის ყველა კომპონენტის ერთ ტონს დაქვემდებარებას.
ჰოლანდიური რეალისტური ლანდშაფტის ერთ-ერთი უდიდესი წარმომადგენელი იყო იან ვან გოიენი (1596-1656). მუშაობდა ლეიდენსა და ჰააგაში. მხატვრის იან ვან გოიენის საყვარელი მოტივები მის პატარა პეიზაჟებში: ხეობები და ფართო მდინარეების წყლის ზედაპირი ქალაქებითა და სოფლებით ნაპირებზე ნაცრისფერ, მოღრუბლულ დღეებში. ბევრი სივრცე (დაახლოებით სურათის ორი მესამედი) იან ვან გოიენმა დატოვა ცა ტენით გაჯერებული მბრუნავი ღრუბლებით. ასეთია ნახატი „მდინარე ვაალის ხედი ნიჟმეგენის მახლობლად“ (1649 წელი, მოსკოვი, პუშკინის სახელობის სახვითი ხელოვნების სახელმწიფო მუზეუმი), შენარჩუნებული ყავისფერ-ნაცრისფერ ფერთა თხელ დიაპაზონში.
განსაკუთრებული სახის პეიზაჟი, რომელიც ასახავს ცხოველებს, საძოვრებს ძროხებთან, ცხვრებთან ერთად, შექმნა პოლ პოტერმა (1625-1654). მშვენივრად შეისწავლა ცხოველების ჩვევები, მხატვარი ხშირად აძლევდა მათ ახლო კადრებს, ყურადღებით წერდა თითოეული მასალის ტექსტურას, რბილ მატყლს და უმცირეს დეტალებს. ასეთია ნახატები „ხარი“ (1647, ჰაგა, მაურიტშუისი), „ძაღლი ჯაჭვზე“ (ს. პეტერბურგი, ერმიტაჟი).

ჰოლანდიური ნატურმორტი

ლანდშაფტის მხატვრობასთან ერთად მე-17 საუკუნეში ჰოლანდიაში ფართოდ გავრცელდა ნატურმორტი, რომელიც გამოირჩეოდა ინტიმური ხასიათით. ჰოლანდიელმა მხატვრებმა ნატურმორტისთვის აირჩიეს ობიექტების მრავალფეროვნება, მათ იცოდნენ როგორ სრულყოფილად შეექმნათ ისინი, გამოეჩინათ თითოეული ობიექტის მახასიათებლები და მისი შინაგანი ცხოვრება, განუყოფლად დაკავშირებული ადამიანის სიცოცხლესთან.
მე-17 საუკუნის ჰოლანდიელმა მხატვრებმა პიტერ კლაესმა (დაახლოებით 1597 - 1661 წწ.) და ვილემ ჰედამ (1594-1680/1682 წწ.) დახატეს "საუზმის" მრავალი ვარიანტი, რომელშიც გამოსახული იყო ლორები, მოწითალო ფუნთუშები, მაყვლის ღვეზელები, მყიფე შუშის ჭიქა ნახევრად. თითოეული ნივთის ფერის, მოცულობის, ტექსტურის საოცარი ოსტატურად გადმოცემით. ადამიანის ბოლოდროინდელი ყოფნა შესამჩნევია აშლილობაში, იმ ნივთების შემთხვევით მოწყობაში, რომლებიც ახლახან ემსახურებოდა მას. მაგრამ ეს აშლილობა მხოლოდ აშკარაა, რადგან თითოეული ნატურმორტის შემადგენლობა საგულდაგულოდ არის გააზრებული და ნაპოვნი. ფრთხილი მონაცრისფრო-ოქროსფერი, ზეთისხილისფერი ტონალური დიაპაზონი აერთიანებს სუბიექტებს და განსაკუთრებულ ჟღერადობას ანიჭებს იმ სუფთა ფერებს, რომლებიც ხაზს უსვამს ახლად მოჭრილი ლიმონის სიახლეს ან ლურჯი ლენტის რბილ აბრეშუმს.
დროთა განმავლობაში, ნატურმორტის ოსტატების, მხატვრების კლაესისა და ჰედას "საუზმე" ადგილს უთმობს ჰოლანდიელი მხატვრების აბრაამ ვან ბეიჯერენის (1620/1621-1690) და ვილემ კალფის (1622-1693) "დესერტებს". ბეიერენის ნატურმორტები შემადგენლობით მკაცრია, ემოციურად მდიდარი, ფერადი. ვილემ კალფი მთელი თავისი ცხოვრების განმავლობაში ხატავდა თავისუფლად და დემოკრატიულ "სამზარეულებს" - ქოთნებს, ბოსტნეულს და ნატურმორტებს, არისტოკრატია დახვეწილი ძვირფასი საგნების შერჩევაში, თავშეკავებული კეთილშობილების მსგავსად, როგორიცაა ვერცხლის ჭურჭელი, თასები, ფერების შინაგანი წვით გაჯერებული ჭურვები. .
შემდგომი განვითარებისას ნატურმორტი იმავე გზას მიჰყვება, როგორც მთელი ჰოლანდიური ხელოვნება, კარგავს თავის დემოკრატიას, სულიერებას და პოეზიას, ხიბლს. ნატურმორტი იქცევა მაღალი რანგის მომხმარებლების სახლის დეკორაციად. მთელი დეკორატიულობითა და შესრულების უნარით, გვიანი ნატურმორტები ჰოლანდიური მხატვრობის დაკნინებას ელიან.
სოციალური გადაგვარება, ჰოლანდიური ბურჟუაზიის ცნობილი არისტოკრატიზაცია მე-17 საუკუნის ბოლო მესამედში, იწვევს ფრანგი თავადაზნაურობის ესთეტიკურ შეხედულებებთან დაახლოების ტენდენციას, იწვევს მხატვრული გამოსახულების იდეალიზაციას, მათ დახვეწას. ხელოვნება კარგავს კავშირს დემოკრატიულ ტრადიციებთან, კარგავს რეალისტურ საფუძველს და შედის ხანგრძლივი დაცემის პერიოდში. ინგლისთან ომებში ძლიერ გამოფიტული ჰოლანდია კარგავს თავის პოზიციას, როგორც დიდი სავაჭრო ძალა და უდიდესი მხატვრული ცენტრი.

მე -17 საუკუნის ფრანგული ხელოვნება

მე-17 საუკუნის ფრანგულ ხელოვნებაში ყველაზე სრულყოფილი ასახვა ჰპოვა იდეებმა ადამიანისა და საზოგადოებაში მისი ადგილის შესახებ, რომელიც წარმოიქმნა ევროპაში ცენტრალიზებული მონარქიების ჩამოყალიბების დროს. აბსოლუტიზმის კლასიკური ქვეყანა, რომელიც უზრუნველყოფდა ბურჟუაზიული ურთიერთობების ზრდას, საფრანგეთმა განიცადა ეკონომიკური ბუმი და გახდა ძლიერი ევროპული ძალა. ეროვნული გაერთიანებისთვის ბრძოლა ფეოდალური თვითნებისა და ანარქიის წინააღმდეგ ხელი შეუწყო გონების მაღალი დისციპლინის განმტკიცებას, პიროვნების პასუხისმგებლობის გრძნობას მის ქმედებებზე და ინტერესს სახელმწიფო პრობლემებისადმი. ფილოსოფოსმა დეკარტმა შეიმუშავა ნების თეორია, გამოაცხადა ადამიანის გონების დომინირება. ის მოუწოდებდა თვითშემეცნებას და ბუნების დაპყრობას, სამყაროს რაციონალურად ორგანიზებულ მექანიზმად თვლიდა. რაციონალიზმი გახდა ფრანგული კულტურის დამახასიათებელი ნიშანი. მე-17 საუკუნის შუა წლებში ჩამოყალიბდა ეროვნული ლიტერატურული ენა - იგი ადასტურებდა ლოგიკური სიცხადის, სიზუსტის და პროპორციის გრძნობის პრინციპებს. კორნეისა და რასინის შემოქმედებაში ფრანგულმა კლასიკურმა ტრაგედიამ აპოგეას მიაღწია. თავის დრამებში მოლიერი ხელახლა ქმნის „ადამიანურ კომედიას“. საფრანგეთი ეროვნული კულტურის აყვავებას განიცდიდა, შემთხვევითი არ არის, რომ ვოლტერმა მე-17 საუკუნეს „დიდი“ უწოდა.
აბსოლუტიზმის დამკვიდრების პირობებში ჩამოყალიბდა XVII საუკუნის ფრანგული კულტურა. თუმცა, მისმა მრავალფეროვნებამ და შეუსაბამობამ განაპირობა ფართო მოძრაობა ეროვნული გაერთიანებისთვის. მან იპოვა ნათელი პასუხები მკვეთრ სოციალურ კონფლიქტებზე, რომლებიც თან ახლდა ახალი საზოგადოების დაბადებას. მე-17 საუკუნის პირველ ნახევარში სახელმწიფოს საფუძვლები შეარყია გლეხთა და ქალაქების აჯანყებებმა, საპარლამენტო ფრონდეს დიდმა დემოკრატიულმა მოძრაობამ. ამის საფუძველზე დაიბადა უტოპიები, ოცნებები იდეალურ საზოგადოებაზე, რომელიც დაფუძნებულია გონიერებისა და სამართლიანობის კანონებზე და აბსოლუტიზმის თავისუფლად მოაზროვნე კრიტიკა. მე-17 საუკუნეში ფრანგული ხელოვნების განვითარებამ გაიარა ორი ეტაპი, რომელიც დაემთხვა საუკუნის პირველ და მეორე ნახევარს.

დასავლეთ ევროპის ხელოვნება მე -18 საუკუნეში

მეთვრამეტე საუკუნე დასავლეთ ევროპაში არის ფეოდალიზმიდან კაპიტალიზმზე ხანგრძლივი გადასვლის ბოლო ეტაპი. საუკუნის შუა ხანებში დასრულდა კაპიტალის პრიმიტიული დაგროვების პროცესი, დაიწყო ბრძოლა სოციალური ცნობიერების ყველა სფეროში და მომწიფდა რევოლუციური ვითარება. მოგვიანებით მან განაპირობა განვითარებული კაპიტალიზმის კლასიკური ფორმების დომინირება. ერთი საუკუნის მანძილზე განხორციელდა ძველი საზოგადოების შეფასების ყველა სოციალური და სახელმწიფო საფუძვლის, კონცეფციისა და კრიტერიუმის გიგანტური რღვევა. გაჩნდა ცივილიზებული საზოგადოება, გაჩნდა პერიოდული პრესა, ჩამოყალიბდა პოლიტიკური პარტიები, მიმდინარეობდა ბრძოლა ფეოდალურ-რელიგიური მსოფლმხედველობის ბორკილებიდან ადამიანის გასათავისუფლებლად.
ვიზუალურ ხელოვნებაში გაიზარდა ცხოვრების პირდაპირ რეალისტური ასახვის მნიშვნელობა. ხელოვნების სფერო გაფართოვდა, იგი გახდა განმათავისუფლებელი იდეების აქტიური სპიკერი, სავსე აქტუალურობით, მებრძოლი სულით, დაგმო არა მხოლოდ ფეოდალური, არამედ წარმოშობილი ბურჟუაზიული საზოგადოების მანკიერებები და აბსურდულობა. მან ასევე წამოაყენა ახალი პოზიტიური იდეალი პიროვნების შეუზღუდავი პიროვნებისა, თავისუფალი იერარქიული იდეებისგან, ინდივიდუალური შესაძლებლობების განვითარებისა და ამავე დროს დაჯილდოებული მოქალაქეობის კეთილშობილური გრძნობით. ხელოვნება გახდა ეროვნული, მიმართა არა მხოლოდ დახვეწილ მცოდნეთა წრეს, არამედ ფართო დემოკრატიულ გარემოს.

XVIII საუკუნეში დასავლეთ ევროპის სოციალური და იდეოლოგიური განვითარების ძირითადი ტენდენციები არათანაბრად გამოიხატა სხვადასხვა ქვეყანაში. თუ ინგლისში მე-18 საუკუნის შუა ხანებში მომხდარმა ინდუსტრიულმა რევოლუციამ გააძლიერა კომპრომისი ბურჟუაზიასა და თავადაზნაურობას შორის, მაშინ საფრანგეთში ანტიფეოდალურ მოძრაობას უფრო მასიური ხასიათი ჰქონდა და ბურჟუაზიულ რევოლუციას ამზადებდა. ყველა ქვეყნისთვის საერთო იყო ფეოდალიზმის კრიზისი, მისი იდეოლოგია, ფართო სოციალური მოძრაობის - განმანათლებლობის ჩამოყალიბება, პირველადი ხელუხლებელი ბუნებისა და გონების კულტით, რომელიც მას იცავს, თანამედროვე კორუმპირებული ცივილიზაციისა და ოცნების კრიტიკით. კეთილგანწყობილი ბუნების ჰარმონიისა და ბუნებრივი მდგომარეობისკენ მიზიდული ახალი დემოკრატიული ცივილიზაციისა.
მეთვრამეტე საუკუნე არის გონიერების, ყოვლისმომცველი სკეპტიციზმისა და ირონიის ხანა, ფილოსოფოსების, სოციოლოგების, ეკონომისტების ხანა; განვითარდა ზუსტი საბუნებისმეტყველო მეცნიერებები, გეოგრაფია, არქეოლოგია, ისტორია და მატერიალისტური ფილოსოფია, დაკავშირებული ტექნოლოგიასთან. ეპოქის ფსიქიკურ ცხოვრებაში შეჭრისას მეცნიერულმა ცოდნამ შექმნა საფუძველი ხელოვნებისთვის რეალობის ზუსტი დაკვირვებისა და ანალიზისთვის. განმანათლებლები აცხადებდნენ ხელოვნების მიზანს ბუნების მიბაძვას, მაგრამ მოწესრიგებული, გაუმჯობესებული ბუნება (დიდერო, ა. პაპი), გონებით გაწმენდილი აბსოლუტისტური რეჟიმის მიერ შექმნილი ადამიანის მიერ შექმნილი ცივილიზაციის მავნე ზემოქმედებისგან, სოციალური უთანასწორობისგან, უსაქმურობისა და ფუფუნებისგან. თუმცა მე-18 საუკუნის ფილოსოფიური და ესთეტიკური აზროვნების რაციონალიზმმა არ დათრგუნა გრძნობის სიახლე და გულწრფელობა, არამედ წარმოშვა ხელოვნების მხატვრული ფენომენების პროპორციულობის, მადლისა და ჰარმონიული სისრულისკენ სწრაფვა, არქიტექტურული ანსამბლებიდან დამთავრებული. გამოყენებითი ხელოვნება. განმანათლებლები ცხოვრებაში და ხელოვნებაში დიდ მნიშვნელობას ანიჭებდნენ გრძნობას - კაცობრიობის კეთილშობილური მისწრაფებების ფოკუსს, განცდას, რომელსაც სწყურია მიზანმიმართული მოქმედება, შეიცავს ძალას, რომელიც რევოლუციას ახდენს ცხოვრებაში, გრძნობას, რომელსაც შეუძლია გააცოცხლოს "ბუნებრივი ადამიანის" პირველყოფილი სათნოებები ( დეფო, რუსო, მერსიე), ბუნებრივი კანონების დაცვით, ბუნება.
რუსოს აფორიზმა "ადამიანი მხოლოდ გრძნობებშია დიდი" გამოხატა მე-18 საუკუნის სოციალური ცხოვრების ერთ-ერთი ღირსშესანიშნავი ასპექტი, რამაც დასაბამი მისცა სიღრმისეულ, დახვეწილ ფსიქოლოგიურ ანალიზს რეალისტურ პორტრეტში და ჟანრში, ლირიკული პეიზაჟი გრძნობების პოეზიით გამსჭვალული (გენსბორო, უოტო, ბერნე, რობერტი) "ლირიკული რომანი", "ლექსები პროზაში" (რუსო, პრევოსტი, მარივო, ფილდინგი, სტერნი, რიჩარდსონი), იგი აღწევს თავის უმაღლეს გამოხატულებას მუსიკის აღზევებაში (ჰენდელი , ბახი, გლუკი, ჰაიდნი, მოცარტი, იტალიელი საოპერო კომპოზიტორები). ერთის მხრივ, "პატარა ხალხი" გახდა მე -18 საუკუნის ფერწერის, გრაფიკის, ლიტერატურისა და თეატრის მხატვრული ნაწარმოებების გმირები - ხალხი, ისევე როგორც ყველა, ეპოქის ჩვეულ პირობებში, კეთილდღეობითა და პრივილეგიებით არ გაფუჭებული, ექვემდებარება სულის ჩვეულებრივ ბუნებრივ მოძრაობებს, კმაყოფილი მოკრძალებული ბედნიერებით. მხატვრები და მწერლები აღფრთოვანებული იყვნენ მათი გულწრფელობით, სულის გულუბრყვილო უშუალობით, ბუნებასთან ახლოს. მეორეს მხრივ, აქცენტი კეთდება ემანსიპირებული ცივილიზებული ინტელექტუალური ადამიანის იდეალზე, რომელიც წარმოიქმნება განმანათლებლობის კულტურის, მისი ინდივიდუალური ფსიქოლოგიის ანალიზის, კონფლიქტური ფსიქიკური მდგომარეობებისა და გრძნობების მიერ მათი დახვეწილი ნიუანსებით, მოულოდნელი იმპულსებით და რეფლექსიური განწყობებით.
მწვავე დაკვირვება, აზროვნებისა და გრძნობის დახვეწილი კულტურა დამახასიათებელია მე-18 საუკუნის ყველა მხატვრული ჟანრისთვის. მხატვრები ცდილობდნენ გადაეღოთ სხვადასხვა ჩრდილის ყოველდღიური ცხოვრებისეული სიტუაციები, ორიგინალური ინდივიდუალური სურათები, მიზიდული გასართობი ნარატივებისა და მომხიბლავი სპექტაკლებისკენ, მკვეთრი კონფლიქტური მოქმედებები, დრამატული ინტრიგები და კომედიური სიუჟეტები, დახვეწილი გროტესკები, ბუფონები, მოხდენილი პასტორალები, გალანტური დღესასწაულები.
ახალი პრობლემები წამოიჭრა არქიტექტურაშიც. შემცირდა საეკლესიო შენობის მნიშვნელობა და გაიზარდა სამოქალაქო არქიტექტურის როლი, საოცრად მარტივი, განახლებული, ზედმეტი შთამბეჭდავისაგან გათავისუფლებული. ზოგიერთ ქვეყანაში (საფრანგეთი, რუსეთი, ნაწილობრივ გერმანია) მომავლის ქალაქების დაგეგმვის პრობლემები მოგვარდა. დაიბადა არქიტექტურული უტოპიები (გრაფიკული არქიტექტურული პეიზაჟები - ჯოვანი ბატისტა პირანესი და ე.წ. "ქაღალდის არქიტექტურა"). დამახასიათებელი გახდა კერძო, ჩვეულებრივ, ინტიმური საცხოვრებელი კორპუსის ტიპი და საზოგადოებრივი შენობების ურბანული ანსამბლები. ამავდროულად, მე-18 საუკუნის ხელოვნებაში, წინა ეპოქებთან შედარებით, შემცირდა ცხოვრების გაშუქების სინთეზური აღქმა და სისრულე. დაირღვა მონუმენტური მხატვრობისა და ქანდაკების ყოფილი კავშირი არქიტექტურასთან, გამძაფრდა მათში დაზგური მხატვრობისა და დეკორატიულობის თავისებურებები. განსაკუთრებული კულტის საგანი იყო ყოველდღიური ცხოვრების ხელოვნება, დეკორატიული ფორმები. ამავდროულად გაიზარდა ხელოვნების სხვადასხვა სახეობის ურთიერთქმედება და ურთიერთგამდიდრება, ხელოვნების ერთი სახეობის მიერ შეძენილი მიღწევები უფრო თავისუფლად გამოიყენეს სხვებმა. ამრიგად, თეატრის გავლენა ფერწერასა და მუსიკაზე ძალიან ნაყოფიერი იყო.
მე-18 საუკუნის ხელოვნებამ ორი ეტაპი გაიარა. პირველი გაგრძელდა 1740-1760 წლამდე. დამახასიათებელია გვიანი ბაროკოს ფორმების დეკორატიულ როკოკოს სტილში მოდიფიკაცია. მე-18 საუკუნის პირველი ნახევრის ხელოვნების ორიგინალურობა - მახვილგონივრული და დამცინავი სკეპტიციზმისა და დახვეწილობის ერთობლიობაში. ეს ხელოვნება, ერთის მხრივ, დახვეწილია, აანალიზებს გრძნობებისა და განწყობების ნიუანსებს, ელეგანტური ინტიმურობისკენ, თავშეკავებული ლირიზმისკენ მიისწრაფვის, მეორეს მხრივ, მიზიდულობს „სიამოვნების ფილოსოფიისკენ“, აღმოსავლეთის ზღაპრული სურათებისკენ - არაბები, ჩინელები, სპარსელები. როკოკოს პარალელურად განვითარდა რეალისტური ტენდენცია - ზოგიერთმა ოსტატმა მკვეთრად ბრალმდებელი ხასიათი შეიძინა (ჰოგარტი, სვიფტი). მხატვრული ტენდენციების ბრძოლა ეროვნულ სკოლებში ღიად გამოიხატა. მეორე ეტაპი დაკავშირებულია იდეოლოგიური წინააღმდეგობების გაღრმავებასთან, თვითშეგნების ზრდასთან, ბურჟუაზიისა და მასების პოლიტიკურ აქტივობასთან. 1760-1770-იანი წლების მიჯნაზე. საფრანგეთის სამეფო აკადემია ეწინააღმდეგებოდა როკოკოს ხელოვნებას და ცდილობდა აღედგინა მე-17 საუკუნის ბოლოს აკადემიური ხელოვნების საზეიმო, იდეალიზებული სტილი. გალანტურმა და მითოლოგიურმა ჟანრებმა ადგილი დაუთმეს ისტორიულ ჟანრს რომის ისტორიიდან ნასესხები ნაკვეთებით. მათ მოუწოდეს ხაზი გაესვათ მონარქიის სიდიადეს, რომელმაც დაკარგა ავტორიტეტი, „განმანათლებლური აბსოლუტიზმის“ იდეების რეაქციული ინტერპრეტაციის შესაბამისად. მოწინავე აზროვნების წარმომადგენლებმა მიმართეს ანტიკურ მემკვიდრეობას. საფრანგეთში კომტ დე კაილუსმა გახსნა ამ სფეროში კვლევის სამეცნიერო ერა („სიძველეთა კრებული“, 7 ტომი, 1752-1767 წწ.). XVIII საუკუნის შუა ხანებში გერმანელი არქეოლოგი და ხელოვნების ისტორიკოსი ვინკელმანი (ანტიკური ხელოვნების ისტორია, 1764) მოუწოდებდა მხატვრებს დაბრუნებულიყვნენ „ანტიკური ხელოვნების კეთილშობილურ სიმარტივესა და მშვიდი სიდიადე, რომელიც თავისთავად ასახავს თავისუფლებას. რესპუბლიკის ეპოქის ბერძნები და რომაელები“. ფრანგმა ფილოსოფოსმა დიდრომ ძველ ისტორიაში აღმოაჩინა შეთქმულებები, რომლებიც გმობდა ტირანებს და მოუწოდებდა მათ წინააღმდეგ აჯანყებას. წარმოიშვა კლასიციზმი, როკოკოს დეკორატიულობას უპირისპირდება ბუნებრივი სიმარტივე, ვნებების სუბიექტური თვითნებობა - რეალური სამყაროს კანონების ცოდნა, პროპორციის გრძნობა, აზრისა და საქმეების კეთილშობილება. მხატვრებმა პირველად შეისწავლეს ძველი ბერძნული ხელოვნება ახლად აღმოჩენილ ძეგლებზე. იდეალური, ჰარმონიული საზოგადოების გამოცხადება, მოვალეობის უპირატესობა გრძნობაზე, გონების პათოსი მე-17 და მე-18 საუკუნეების კლასიციზმის საერთო ნიშნებია. თუმცა მე-17 საუკუნის კლასიციზმი, რომელიც წარმოიშვა ეროვნული გაერთიანების საფუძველზე, განვითარდა კეთილშობილური საზოგადოების აყვავების პირობებში. XVIII საუკუნის კლასიციზმს ახასიათებს ანტიფეოდალური რევოლუციური ორიენტაცია. მიზნად ისახავდა ერის პროგრესული ძალების გაერთიანებას აბსოლუტიზმის წინააღმდეგ საბრძოლველად. საფრანგეთის ფარგლებს გარეთ კლასიციზმს არ გააჩნდა ისეთი რევოლუციური ხასიათი, როგორიც მას ჰქონდა საფრანგეთის რევოლუციის პირველ წლებში.
კლასიციზმთან ერთად, განიცდიდა მის გავლენას, რეალისტური ტენდენცია განაგრძობდა ცხოვრებას. მასში გამოკვეთილი იყო რაციონალისტური ტენდენციები: მხატვრები ცდილობდნენ ცხოვრებისეული ფენომენების განზოგადებას.
მე-18 საუკუნის მეორე ნახევარში დაიბადა სენტიმენტალიზმი გრძნობისა და ვნების კულტით, აღტაცებით ყველაფრის უბრალო, გულუბრყვილო, გულწრფელი. წარმოიშვა დაკავშირებული პრერომანტიული ტენდენცია ხელოვნებაში და გაჩნდა ინტერესი შუა საუკუნეებისა და ხალხური ხელოვნების ფორმების მიმართ. ამ მოძრაობების წარმომადგენლები ამტკიცებდნენ პიროვნების კეთილშობილური და აქტიური გრძნობების ღირებულებას, გამოავლინეს მისი კონფლიქტების დრამა გარემოსთან, აიძულა იგი ჩარეულიყო რეალურ საზოგადოებრივ საქმეებში სამართლიანობის ტრიუმფის სახელით. მათ გზა გაუხსნეს „ადამიანის გულის ცოდნისკენ და დიდი ვნების წარმოშობის, განვითარებისა და ნგრევის თვალწინ წარმოჩენის ჯადოსნურ ხელოვნებას“ (ლესინგი) და გამოხატეს აღგზნებული, პათეტიკური ხელოვნების მზარდი საჭიროება.

მე-19 საუკუნის ხელოვნება

მე-19 საუკუნის განმავლობაში კაპიტალიზმი გახდა დომინანტური ფორმაცია არა მხოლოდ ევროპაში, არამედ სხვა კონტინენტებზეც. სწორედ ამ პერიოდში მკვეთრად გამწვავდა ბრძოლა ორ კულტურას - პროგრესულ დემოკრატიულსა და რეაქციულ ბურჟუას შორის. იმდროინდელი მოწინავე იდეების გამოხატვით, მე-19 საუკუნის რეალისტურმა ხელოვნებამ დაადასტურა რეალობის ესთეტიკური ღირებულებები, განადიდა ნამდვილი ბუნების სილამაზე და მშრომელი ადამიანი. XIX საუკუნის რეალიზმი განსხვავდებოდა წინა საუკუნეებისგან იმით, რომ იგი პირდაპირ ასახავდა ხელოვნებაში ეპოქის მთავარ წინააღმდეგობებს, ადამიანთა ცხოვრების სოციალურ პირობებს. კრიტიკულმა პოზიციებმა დაადგინეს მე-19 საუკუნეში რეალისტური ხელოვნების მეთოდის საფუძველი. მისი ყველაზე თანმიმდევრული ინკარნაცია იყო კრიტიკული რეალიზმის ხელოვნება - ყველაზე ღირებული წვლილი ეპოქის მხატვრულ კულტურაში.
მე-19 საუკუნის კულტურის სხვადასხვა სფერო არათანაბრად განვითარდა. მსოფლიო ლიტერატურა (ვიქტორ ჰიუგო, ონორე ბალზაკი, ანრი სტენდალი, ფიოდორ დოსტოევსკი, ლეო ტოლსტოი), მუსიკა (იოჰან ბეთჰოვენი, ფრედერიკ შოპენი, რიჩარდ ვაგნერი) უმაღლეს სიმაღლეებს აღწევს. რაც შეეხება არქიტექტურასა და გამოყენებით ხელოვნებას, აღმავლობის შემდეგ, რომელმაც განსაზღვრა იმპერიის სტილი, ორივე ეს ხელოვნება კრიზისშია. შეიმჩნევა მონუმენტური ფორმების დაშლა, სტილისტური ერთობა, როგორც ინტეგრალური მხატვრული სისტემა, რომელიც მოიცავს ხელოვნების ყველა სახეობას. ფერწერის, გრაფიკის და ნაწილობრივ ქანდაკების დაზგური ფორმები, რომლებიც მიზიდულობენ მონუმენტური ფორმებისკენ თავიანთი საუკეთესო გამოვლინებით, იღებენ ყველაზე სრულ განვითარებას.

ეროვნული იდენტობით ნებისმიერი კაპიტალისტური ქვეყნის ხელოვნებაში გაუმჯობესებულია საერთო ნიშნები: ცხოვრების ფენომენების კრიტიკული შეფასება, აზროვნების ისტორიციზმი, ანუ სოციალური განვითარების მამოძრავებელი ძალების ღრმა ობიექტური გააზრება, როგორც წარსული ისტორიული ეტაპები, ასევე აწმყო. XIX საუკუნის ხელოვნების ერთ-ერთი მთავარი მიღწევაა ისტორიული თემების შემუშავება, რომელშიც პირველად ვლინდება არა მხოლოდ ცალკეული გმირების, არამედ ხალხის მასების როლი, უფრო კონკრეტულად კი ისტორიული გარემო. ხელახლა შექმნა. ფართოდ გამოიყენება ყველა სახის პორტრეტი, ყოველდღიური ჟანრი, პეიზაჟი გამოხატული ეროვნული ხასიათით. აყვავების დღე განიცდის სატირულ გრაფიკას.
კაპიტალიზმის გამარჯვებით დიდი ბურჟუაზია ხდება ხელოვნების რეალისტური და დემოკრატიული ტენდენციების შეზღუდვისა და ჩახშობის მთავარი დაინტერესებული ძალა. ხშირად იდევნებოდნენ ევროპული კულტურის წამყვანი მოღვაწეების კონსტბელის, გოიას, გერიკოს, დელაკრუას, დომიეს, კურბეს, მანეს შემოქმედებას. გამოფენები სავსე იყო ეგრეთ წოდებული სალონის მხატვრების, ანუ მათ, ვინც დომინანტური ადგილი ეკავა ხელოვნების სალონებში გაპრიალებული ნამუშევრებით. ბურჟუაზიული მომხმარებლების გემოვნებისა და მოთხოვნების დასაკმაყოფილებლად მათ ამუშავებდნენ ზედაპირულ აღწერილობებს, ეროტიკულ და გასართობ მოტივებს, ბოდიშის მოხდის სულს ბურჟუაზიული ფონდებისა და მილიტარიზმის მიმართ.
ჯერ კიდევ 1860-იან წლებში კარლ მარქსი აღნიშნავდა, რომ „კაპიტალისტური წარმოება მტრულია სულიერი წარმოების გარკვეული დარგების მიმართ, როგორიცაა ხელოვნება და პოეზია“. ხელოვნება ბურჟუაზიას ძირითადად აინტერესებს როგორც მომგებიანი ინვესტიცია (კოლექციები) ან როგორც ფუფუნების საგანი. რა თქმა უნდა, იყვნენ კოლექციონერები, რომლებსაც ჭეშმარიტად ესმით ხელოვნება და მისი მიზანი, მაგრამ ეს იყო რამდენიმე გამონაკლისი წესებიდან. ზოგადად, როგორც ტრენდსეტერი და ხელოვნების მთავარი მომხმარებელი, ბურჟუაზიამ ხელოვანებს ხელოვნების შეზღუდული გაგება დააკისრა. ფართომასშტაბიანი მასობრივი წარმოების განვითარებამ თავისი უპიროვნობითა და ბაზარზე დამოკიდებულებით განაპირობა შემოქმედების ჩახშობა. შრომის დანაწილება კაპიტალისტურ წარმოებაში ავითარებს ინდივიდის ცალმხრივ განვითარებას და თავად შრომას ართმევს შემოქმედებით მთლიანობას. ხელოვნებისადმი კაპიტალიზმის მტრობაზე საუბრისას, მარქსსა და ენგელსს არ ჰქონდათ მხედველობაში მხატვრული პროგრესის ზოგადი შეუძლებლობა მე-19 და მე-20 საუკუნეებში. მეცნიერული კომუნიზმის დამფუძნებლები თავიანთ ნაშრომებში ადიდებდნენ, მაგალითად, მე-19 საუკუნის კრიტიკული რეალიზმის მიღწევებს.
ხელოვნების დემოკრატიული ხაზი, რომელიც ავლენს ხალხის როლს, როგორც ისტორიის მამოძრავებელ ძალას და ადასტურებს ერის დემოკრატიული კულტურის ესთეტიკურ ღირებულებებს, გადის განვითარების მთელ რიგ ეტაპებს. პირველ ეტაპზე, 1789-1794 წლების საფრანგეთის დიდი რევოლუციიდან 1815 წლამდე (ხალხთა ეროვნულ-განმათავისუფლებელი ბრძოლის დრო ნაპოლეონის აგრესიის წინააღმდეგ), ბურჟუაზიული საზოგადოების ექსპლუატაციური არსი ჯერ კიდევ ბოლომდე არ იყო გაცნობიერებული. დემოკრატიული ხელოვნება ყალიბდება თავადაზნაურობის მხატვრული კულტურის ნარჩენებთან ბრძოლაში, ასევე ბურჟუაზიული იდეოლოგიის შეზღუდულობის გამოვლინებებთან. იმდროინდელი ხელოვნების უმაღლესი მიღწევები დაკავშირებული იყო მასების რევოლუციურ პათოსთან, რომლებსაც სჯეროდათ თავისუფლების, თანასწორობისა და ძმობის იდეალების გამარჯვების. ეს არის რევოლუციური კლასიციზმის და რომანტიკული და რეალისტური ხელოვნების დაბადება.
მეორე ეტაპი, 1815 წლიდან 1849 წლამდე, მოდის ევროპის უმეტეს ქვეყნებში კაპიტალისტური სისტემის დამყარების დროს. ამ ეტაპის მოწინავე დემოკრატიულ ხელოვნებაში ხდება გადასვლა ბურჟუაზიული საზოგადოების ექსპლუატაციური არსის მტკიცე კრიტიკაზე. ეს არის რევოლუციური რომანტიზმის უმაღლესი აყვავებისა და კრიტიკული რეალიზმის ხელოვნების ფორმირების პერიოდი.
ბურჟუაზიასა და პროლეტარიატს შორის კლასობრივი წინააღმდეგობების გამწვავებასთან ერთად, რომელიც თავის აპოგეას მიაღწია პარიზის კომუნის დროს (1871), კიდევ უფრო გამოხატულია ანტაგონიზმი რეაქციულ ბურჟუაზიულ და დემოკრატიულ კულტურებს შორის. XIX საუკუნის ბოლოს კაპიტალისტური ცხოვრების წესის კრიტიკა, როგორც ლიტერატურაში, ასევე სახვითი ხელოვნების ნაწარმოებებში, რევოლუციური პროლეტარიატის მზარდი მსოფლმხედველობის პოზიციიდან ხორციელდება.

მსგავსი ინფორმაცია.

ნებისმიერი ქვეყნის ისტორია თავის გამოხატულებას ხელოვნებაში პოულობს და ეს ნიმუში განსაკუთრებით მეტყველებს ფერწერის მაგალითზე. კერძოდ, ნიდერლანდების მხატვრობის მაგალითზე, რომელიც გადაურჩა რევოლუციას, რამაც დიდი გავლენა მოახდინა ოდესღაც ერთიანი სახელმწიფოს მომავალ ბედზე. რევოლუციის შედეგად XVII ს ნიდერლანდები ორ ნაწილად გაიყო: ჰოლანდიასა და ფლანდრიაში (თანამედროვე ბელგიის ტერიტორია), რომელიც დარჩა ესპანეთის მმართველობის ქვეშ.

ისტორიული ისინი განვითარდნენ სხვადასხვა გზით.ასევე კულტურული. ეს ნიშნავს, რომ შესაძლებელი გახდა ნიდერლანდური მხატვრობის ოდესღაც გავრცელებული კონცეფციის დაყოფა ჰოლანდიურ და ფლამანდურად.

ჰოლანდიური მხატვრობა

მე-17 საუკუნის ჰოლანდიის კულტურა არის დამოუკიდებლობის მოპოვებული სახელმწიფოს ტრიუმფის ცოცხალი განსახიერება. თავისუფლების გემოთი შთაგონებულმა ხელოვანებმა ამჯერად სოციალური და სულიერი განახლების პათოსით ავსეს და პირველად ყურადღება მიაქციეს გარემოცვას. - ბუნება, ადამიანის იმიჯი.ჰოლანდიური ჟანრის მხატვრები შთაგონებულნი არიან რუტინა, პატარა ყოველდღიური ეპიზოდები,რაც ჰოლანდიური რეალიზმის ერთ-ერთ დამახასიათებელ ნიშან-თვისებად იქცევა.

გარდა ამისა, ხელოვნების მთავარი მომხმარებლები გახდნენ არა მხოლოდ ელიტური ელიტის წარმომადგენლები, არამედ ვაჭრები და გლეხები. ამან ნაწილობრივ გავლენა მოახდინა ფერწერის, როგორც ინტერიერის ნივთის განვითარებაზე და ასევე ხელი შეუწყო საზოგადოების ინტერესის ზრდას ყოველდღიური ცხოვრების თემების მიმართ.

მე-17 საუკუნის ჰოლანდიური ხელოვნება ცნობილია ფერწერის განშტოებული ჟანრული სისტემა.

მაგალითად, ლანდშაფტის მხატვრებს შორის იყვნენ საზღვაო მხატვრები, მხატვრები, რომლებიც ასახავდნენ ბრტყელი ადგილების ან ტყის ბუჩქების ხედებს, ასევე იყვნენ ზამთრის პეიზაჟების ოსტატები ან ნახატები მთვარის შუქით; იყვნენ ჟანრის მხატვრები, რომლებიც სპეციალიზირებულნი იყვნენ გლეხების, ბურგერების ფიგურებისა და შინაური ცხოვრების სცენებზე; იყვნენ სხვადასხვა სახის ნატურმორტის ოსტატები - „საუზმე“, „დესერტები“, „მაღაზიები“.

მხატვრის მკაცრმა კონცენტრაციამ ჟანრის ერთ ქვესისტემაზე ხელი შეუწყო მთელი ჰოლანდიური მხატვრობის დეტალიზაციას და გაუმჯობესებას.

მე-17 საუკუნე მართლაც ჰოლანდიური მხატვრობის ოქროს ხანა.

მხატვრული თვისებები

მსუბუქი და დახვეწილი ფერის გრძნობადიდ როლს თამაშობენ ჰოლანდიელი მხატვრების ნახატებში.

მაგალითად, როგორც სურათებში რემბრანდტი -მხატვარი, რომელიც გახდა ჰოლანდიური მხატვრობის მთელი ეპოქის პერსონიფიკაცია. რემბრანდტს არ ეშინოდა რეალისტური დეტალები, ეწინააღმდეგება რეალობის გამოსახულების კანონებს და, შესაბამისად, თანამედროვეებს შორის ცნობილი იყო, როგორც "სიახინჯის მხატვარი".

რემბრანდტმა პირველმა ხაზი გაუსვა სინათლის თამაშირამაც მას საშუალება მისცა გამოეგონა დანარჩენისგან განსხვავებული წერის სტილი.Მიხედვით ანდრე ფელიბიენი,”...ხშირად ის მხოლოდ ფუნჯს ავრცელებდა ფართო შტრიხებს და ერთიმეორის მიყოლებით სვამდა საღებავის სქელ ფენებს, არ აძლევდა საკუთარ თავს უბედურებას ერთი ტონიდან მეორეზე უფრო რბილად და რბილ გადასვლებზე.”

"უძღები შვილის დაბრუნება", 1666-1669 წწ

იან ვერმეერი(ვერმეერი/დელფტის ვერმეერი ) - ჰარმონიის მხატვარიდა სამყაროს ხედვის სიცხადე. ცნობილია თავისი სიძლიერით წარმოსახვითი გადაწყვეტილებებიდა გამოსახულების ტენდენცია ყოველდღიური ცხოვრების პოეტური ატმოსფერო,მან განსაკუთრებული ყურადღება დაუთმო ფერადი ნიუანსი, რამაც შესაძლებელი გახადა სინათლის ჰაეროვანი სივრცის ბუნების გადმოცემა.

"ახალგაზრდა ქალი წყლის დოქით", 1660-1662 წწ

იაკობ ვან რუისდაელიდაწერა მონუმენტური პეიზაჟები ცივ ფერებშირომელიც განასახიერებდა მის დახვეწილ გრძნობას დრამატული და პირქუშიც კი სამყაროს ცვალებადობა.

"ებრაული სასაფლაო", 1657 წ

ალბერტ კაიპიცნობილია თავისი უჩვეულო ხედვით შემადგენლობალანდშაფტი - მასთან ერთად მოცემულია, როგორც წესი, დაბალი თვალსაზრისით,რომელიც საშუალებას გაძლევთ გადმოსცეთ დაკვირვებული სივრცის უკიდეგანოობა.

"ძროხები მდინარის ნაპირზე", 1650 წ

ფრანს ჰალსი (Hals/Hals) ცნობილი გამორჩეული ჟანრის და ჯგუფური პორტრეტები, რომლებიც მიმზიდველია მათი სპეციფიკიდან გამომდინარე.

"ბოშა", 1628-1630 წწ

ფლამანდური მხატვრობა

ფლანდრიაში კულტურული ფონი მკვეთრად განსხვავდებოდა ჰოლანდიურისგან. ფეოდალური თავადაზნაურობა და კათოლიკური ეკლესიაკვლავ თამაშობდა მთავარ როლს ქვეყნის ცხოვრებაში, იყო ხელოვნების მთავარი მომხმარებელი . ამრიგად, ფლამანდური მხატვრობის ნამუშევრების ძირითადი ტიპები დარჩა ნახატები ციხეებისთვის, კათოლიკური ეკლესიებისთვის მდიდარი და დიდებული სამსხვერპლოების ქალაქის სახლებისთვის. უძველესი მითოლოგიის სცენები და ბიბლიური სცენები, უზარმაზარი ნატურმორტები, გამოჩენილი მომხმარებლების პორტრეტები, ბრწყინვალე დღესასწაულების გამოსახულებები მე -17 საუკუნის ფლანდრიაში ხელოვნების მთავარი ჟანრია.

ფლამანდური ბაროკოს ხელოვნება (მხიარული, მატერიალურ-სენსუალური, ბრწყინვალე ფორმების სიმრავლით) ჩამოყალიბდა იტალიური და ესპანური რენესანსის თვისებებიდან მისი ეროვნული ფერის რეფრაქციაში, რაც განსაკუთრებით გამოიხატა ფერწერაში.

ფლამანდური სიცოცხლით განსხვავებულია ფორმების მონუმენტურობა, დინამიური რიტმი და დეკორატიული სტილის ტრიუმფი.ეს განსაკუთრებით გამოიკვეთა ნაწარმოებში პიტერ პოლ რუბენსი,რომელიც ფლამანდური მხატვრობის ცენტრალური ფიგურა გახდა.

მისი სტილი ხასიათდება აყვავებულ, ნათელი იმიჯით დიდი მძიმე ფიგურები სწრაფ მოძრაობაში.რუბენსს ახასიათებს თბილი მდიდარი ფერები, სინათლისა და ჩრდილის მკვეთრი კონტრასტები, გამარჯვებული დღესასწაულის ზოგადი სული. ევგენი დელაკრუამ თქვა:

”მისი მთავარი თვისება, თუ მას ანიჭებ უპირატესობას ბევრს, - ეს არის გამჭოლი სული, ანუ გამჭოლი ცხოვრება; ამის გარეშე ვერცერთი ხელოვანი ვერ იქნება დიდი... ტიციანი და პაოლო ვერონეზემის გვერდით საშინლად მშვიდი ჩანს.

ყველაფერი, რაც მის ფუნჯში იყო, მთელი სკოლის საერთო მახასიათებელი გახდა.

„დედამიწისა და წყლის კავშირი“, 1618 წ

Ხელოვნება იაკობ ჟორდანსიიზიდავს მხიარულება, მონუმენტურობა, მაგრამ ამავე დროს გულწრფელი უშუალობით - ჟორდანსის სიყვარული იმიჯისადმი მდიდარი დღესასწაულები(ამას ადასტურებს „ლობიოს მეფის“ სიუჟეტის განმეორებითი გამეორება. სხვათა შორის, ვინც მის ღვეზელში გამომცხვარ ლობიოს იპოვა, დღესასწაულებზე ლობიოს მეფედ ირჩეოდა) და ქრისტიანული ლეგენდების გმირები, როგორც ჯანმრთელი ფლამანდიელები განასახიერებენ მე -17 საუკუნის ფლანდრიის კულტურის სული.

"ლობიოს მეფის დღესასწაული", 1655 წ

ენტონი ვან დიკი- პორტრეტის მხატვარი, რომელმაც შექმნა არისტოკრატული პორტრეტის ტიპი, სავსე საუკეთესო ფსიქოლოგიზმით, გამოხატული ყურადღება სილუეტის დინამიკაზე და პერსონაჟების ზოგად ექსპრესიულობაზე.

"ჩარლზ I-ის პორტრეტი ნადირობისას", 1635 წ

ფრანს სნაიდერსიცნობილია ნივთების სენსუალური ბუნების გამოსახატავად, რომელიც წარმოდგენილია დეკორატიული ნატურმორტების, ცხოველების ნახატების ფერადოვნებითა და მონუმენტურობით.

ხილის მაღაზია, 1620 წ

იან ბრიუგელი უმცროსი- მხატვრის პიტერ ბრიუგელ უფროსის შვილიშვილს ახსოვდა პეიზაჟისა და ყოველდღიური მხატვრობის, პეიზაჟისა და ალეგორიული მითოლოგიური საგნების ოსტატურად შერევით, ასევე მაღალი ჰორიზონტის გამო პანორამის ეფექტის ნიჭიერი გადმოცემით.

"ფლორა ლანდშაფტის ფონზე", 1600-1610 წწ

ძირითადი განსხვავებები ჰოლანდიურ და ფლამანდური ფერწერას შორის

1. ჰოლანდიაშიხდება ხელოვნების მთავარი მომხმარებელი მუშათა კლასის მოსახლეობა ფლანდრიაში - სამეფო კარზე და თავადაზნაურობაზე.
2. ნაკვეთები. სხვადასხვა კლიენტი სხვადასხვა რამეს ითხოვს. უბრალო ხალხო დაინტერესებულია ნახატებით, რომლებიც ასახავს გარემომცველ ყოველდღიურ ცხოვრებას, თავადაზნაურებს შორისმოსალოდნელია მოთხოვნადი ანტიკური და ბიბლიური სცენები, ფუფუნების დემონსტრირება.
3. წერის მანერა. დამახასიათებელი ქიაროსკუროს დახვეწილი გრძნობა ჰოლანდიური მხატვრობის თვისება ხდება.ამიერიდან ეს არის მთავარი ინსტრუმენტი, რომელიც საშუალებას გაძლევთ გააკეთილშობილოთ უსიამოვნო რეალობის იმიჯი. ფლამანდური მხატვრობაში ცენტრალური პოზიცია უკავიაბაროკოსთვის დამახასიათებელი მხატვრული გამოხატვის საშუალებები - ფორმების ბრწყინვალება, ბრწყინვალე ფერი, სიუხვე და ფუფუნება.

ჰოლანდიური და ფლამანდური მხატვრობის ეპოქის დასასრულს შეიძლება ეწოდოს მსგავსი - ფრანგული გემოვნებისა და შეხედულებების გავლენით, ჰოლანდიური და ფლამანდური ეროვნული ცნობიერება თანდათან სუსტდება და, შესაბამისად, ფლამანდური და ჰოლანდიური ფერწერის კონცეფცია ხდება ისტორიული წარსული.

მე-17 საუკუნის ჰოლანდიასა და ფლანდრიაში განვითარებულმა მოვლენებმა მსოფლიოს გამოჩენილი ავტორები და ახალი სახე მისცა მსოფლიო ფერწერის ტენდენციების ზოგად განვითარებას.

წყაროები:

1. ხელოვნების მცირე ისტორია. დასავლეთ ევროპის ხელოვნება XVII.

2. მე-17 საუკუნის ფლამანდური და ჰოლანდიური ხელოვნება. როგორც დღის მსოფლმხედველობის ორი პოლუსი // banauka.ru/6067.html.

3. რენესანსის ხელოვნების ერა ნიდერლანდებში // http://m.smallbay.ru/article/later_renaiss_niderland.html.

მე-17 საუკუნეში ჰოლანდიური ფერწერის სკოლა გახდა ერთ-ერთი წამყვანი ევროპაში. სწორედ აქ, მსოფლიო ხელოვნების ისტორიაში პირველად აღმოჩნდა, რომ გარემომცველი რეალობის ობიექტები შემოქმედებითი შთაგონებისა და მხატვრული დიზაინის წყაროდ იქცა. ამ დროის ჰოლანდიურ ხელოვნებაში დასრულდა ჟანრების მთელი სისტემის ჩამოყალიბება, რომელიც დაიწყო რენესანსში. პორტრეტებში, ყოველდღიურ ნახატებში, პეიზაჟებსა და ნატურმორტებში მხატვრები იშვიათი ოსტატობითა და სითბოთი გადმოსცემდნენ თავიანთ შთაბეჭდილებებს გარემომცველი ბუნებისა და უპრეტენზიო ცხოვრების შესახებ. ისინი ასახავდნენ ჰოლანდიის კოლექტიური იმიჯი - ახალგაზრდა რესპუბლიკა, რომელიც იცავდა თავის დამოუკიდებლობას ესპანეთთან ომში.

"ახალგაზრდა ქალბატონის დილა" 1660 ფრანს მირის უფროსი. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

მხატვრების ნახატები ყოველდღიურ თემებზე (ან ჟანრულ ნახატებზე), რომლებიც ასახავს ადამიანს ნაცნობ, ყოველდღიურ გარემოში, ასახავს ჰოლანდიური საზოგადოების სხვადასხვა კლასს მიკუთვნებული ადამიანების ცხოვრების, ქცევისა და კომუნიკაციის დამკვიდრებულ ფორმებს. ჰოლანდიელი მხატვრების ნახატები, რომლებიც შექმნილია ვაჭრების, ხელოსნების ან მდიდარი გლეხების სახლების ინტერიერის გასაფორმებლად, მცირე ზომის იყო. მხატვრებმა ფული გამოიმუშავეს ნახატების გაყიდვით, რომლებიც დახატული იყო ახლო მანძილზე დეტალური ნახვის შესაძლებლობით. ამან, თავის მხრივ, წარმოშვა წერის განსაკუთრებით ფრთხილად, დახვეწილი მანერა.

ტერასის საზოგადოება. 1620 ესეის ვან დე ველდე. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

მე-17 საუკუნის განმავლობაში ჰოლანდიური ჟანრის მხატვრობამ მნიშვნელოვანი ევოლუცია განიცადა. მისი ფორმირების პერიოდში, საუკუნის დასაწყისში, გავრცელებული იყო ნაკვეთები დასვენების, ახალგაზრდა მდიდარი ჰოლანდიელების გართობის თემაზე, ან სცენები ოფიცრების ცხოვრებიდან. ასეთ ნახატებს ეძახდნენ "ბანკეტები", "საზოგადოებები", "კონცერტები". მათი მხატვრობა გამოირჩეოდა ჭრელი ფერით, ამაღლებული მხიარული ტონით. ესაიას ვან დე ველდეს ნახატი "საზოგადოება ტერასაზე" ეკუთვნის ამ სახის ნამუშევრებს.

1930-იანი წლების დასაწყისისთვის დასრულდა ჰოლანდიური ჟანრის ფერწერის ფორმირება. ხალხმრავალმა „საზოგადოებებმა“ ადგილი დაუთმეს პატარა ფიგურულ კომპოზიციებს. ადამიანის გარშემო არსებული გარემოს იმიჯმა მნიშვნელოვანი როლის შესრულება დაიწყო. იყო ჟანრული მხატვრობის დაყოფა სოციალური ხაზით: სიუჟეტები ბურჟუაზიის ცხოვრებიდან და სცენები გლეხებისა და ქალაქელი ღარიბების ცხოვრებიდან. ორივე ეს და სხვა ნახატები გამიზნული იყო ინტერიერის გასაფორმებლად.

"ბრძოლა". 1637 ადრიან ვან ოსტადე. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი მხატვარი, რომელიც მუშაობდა „გლეხურ ჟანრში“ იყო ადრიან ვან ოსტადე. შემოქმედების ადრეულ პერიოდში გლეხების გამოსახულება მის ნახატებში გამოირჩეოდა ხაზგასმული კომიკურობით, ზოგჯერ კარიკატურამდეც. ასე რომ, ნახატში "ბრძოლა", რომელიც განათებულია მკვეთრი შუქით, მებრძოლი ხალხი თითქოს არა ცოცხალი ხალხია, არამედ თოჯინები, რომელთა სახეები ნიღბებივითაა დამახინჯებული ბოროტების გრიმასებით. ცივი და თბილი ფერების დაპირისპირება, სინათლისა და ჩრდილის მკვეთრი კონტრასტი კიდევ უფრო აძლიერებს სცენის გროტესკულობის შთაბეჭდილებას.

სოფლის მუსიკოსები. 1635 ადრიან ვან დე ოსტადე 1635 ზეთი ხეზე. სახელმწიფო ერმიტაჟი

1650-იან წლებში ადრიან ოსტადეს ნახატში ცვლილება მოხდა. მხატვარი მიმართა უფრო მშვიდ საგნებს, ასახავს ადამიანს ჩვეული საქმიანობის დროს, ყველაზე ხშირად დასვენების მომენტებში. ასეთია, მაგალითად, ინტერიერის ნახატი "სოფლის მუსიკოსები". ოსტადე ოსტატურად გადმოსცემს „მუსიკოსების“ კონცენტრაციას, რომლებიც გატაცებულნი არიან თავიანთი საქმით, ასახავს ბავშვებს, რომლებიც მათ ფანჯრიდან უყურებენ ძლივს შესამჩნევი იუმორით. სინათლისა და ჩრდილის თამაშის მრავალფეროვნება და რბილობა, მომწვანო-ყავისფერი ფერის სქემა აერთიანებს ადამიანებს და მათ გარემოს ერთ მთლიანობაში.

"ზამთრის ხედი". 1640 ისააკ ვან ოსტადე. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

ადრიანის ძმა, ისააკ ვან ოსტადე, რომელიც ადრე გარდაიცვალა, ასევე მუშაობდა "გლეხურ ჟანრში". ის ასახავდა სოფლის ჰოლანდიის ცხოვრებას, რომლის ბუნებაშიც ადამიანი გრძნობდა თავს სახლში. ნახატზე "ზამთრის ხედი" წარმოდგენილია ტიპიური ჰოლანდიური პეიზაჟი, ნაცრისფერი ცა, რომელიც ძლიერად არის ჩამოკიდებული დედამიწაზე, გაყინული მდინარე, რომლის ნაპირებზე მდებარეობს სოფელი.

"პაციენტი და ექიმი." 1660 იან სტინი. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

ძმები ოსტადეების ხელოვნების ჟანრულ თემას აგრძელებდა იან სტინი, ნიჭიერი ოსტატი, რომელიც იუმორის გრძნობით ამჩნევდა თავის ნახატებში პერსონაჟების ცხოვრებისა და ურთიერთობების დამახასიათებელ დეტალებს. ნახატში "Revelers" თავად მხატვარი მხიარულად და ეშმაკურად უყურებს მაყურებელს, რომელიც იჯდა ცოლის გვერდით, რომელიც მხიარული ქეიფის შემდეგ დაიძინა. ფილმში "პაციენტი და ექიმი", გმირების სახის გამომეტყველებითა და ჟესტებით, იან სტინი ოსტატურად ამჟღავნებს წარმოსახვითი ავადმყოფობის შეთქმულებას.

"ოთახი ჰოლანდიურ სახლში". პიტერ იანსენსი. ტილო, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

XVII საუკუნის ორმოცდაათიან და სამოციან წლებში ჟანრული ნახატების თემა თანდათან ვიწროვდება. იცვლება ნახატების ფიგურული სტრუქტურა. ისინი ხდებიან უფრო მშვიდი, უფრო ინტიმური, უფრო ლირიკული ჭვრეტა, მათში ჩნდება მშვიდი აზრი. ეს ეტაპი წარმოდგენილია ისეთი მხატვრების ნამუშევრებით, როგორებიც არიან: პიტერ დე ჰუჩი, ჟერარ ტერბორხი, გაბრიელ მეცუ, პიტერ იანსენსი. მათი ნამუშევრები განასახიერებდა ჰოლანდიური ბურჟუაზიის ყოველდღიური ცხოვრების პოეტურ და გარკვეულწილად იდეალიზებულ სურათს, რომლებიც ოდესღაც იბრძოდნენ თავიანთი უფლებებისა და დამოუკიდებლობისთვის და ახლა მიაღწიეს მდგრად კეთილდღეობას. ასე რომ, პეტერ იანსენსის ინტერიერის ნახატში "ოთახი ჰოლანდიურ სახლში" მზის შუქით დატბორილი მყუდრო ოთახი გამოსახულია იატაკზე და კედლებზე მზის სხივებით, იაკობის ნახატში "მოხუცი ქალბატონი ბუხართან". Wrehl, გამოსახულია ოთახი ბუხრით ჩაძირული რბილი ბინდი. კომპოზიციის არჩევანი ორივე მხატვრის ნამუშევრებში ხაზს უსვამს ადამიანისა და მისი გარემოს ერთიანობას.

"ჭიქა ლიმონათი". 1664 ჟერარ ტერბორხი. მასპინძელი (თარგმანი ხისგან), ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

ამ წლების განმავლობაში ჰოლანდიელი ჟანრის მხატვრები პირველად ცდილობდნენ თავიანთ ნამუშევრებში აესახათ ადამიანის შინაგანი ცხოვრების სიღრმე. ყოველდღიურ ცხოვრებისეულ სიტუაციებში მათ იპოვეს შესაძლებლობა აესახათ ყველაზე დახვეწილი გამოცდილების მრავალფეროვანი სამყარო. მაგრამ, ამის დანახვა შეგიძლიათ მხოლოდ სურათის ფრთხილად და ფრთხილად შემოწმებით. ასე რომ, ჟერარდ ტერბორხის ნახატში „ჭიქა ლიმონათი“ ჟესტების, ხელების შეხების და თვალით კონტაქტის დახვეწილი ენა ავლენს გმირებს შორის გრძნობებისა და ურთიერთობების მთელ სპექტრს.

"საუზმე". 1660 გაბრიელ მეცუ. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

ობიექტური სამყარო ამ პერიოდის ჟანრულ ნახატებში დიდ როლს იწყებს. ის არა მხოლოდ ახასიათებს ადამიანის ცხოვრების მატერიალურ და ემოციურ გარემოს, არამედ გამოხატავს ადამიანის ურთიერთობის მრავალფეროვნებას გარე სამყაროსთან. საგნების სიმრავლე, მათი განლაგება, სიმბოლოთა რთული სისტემა, ისევე როგორც პერსონაჟების ჟესტები - ყველაფერი როლს ასრულებს სურათის ფიგურული სტრუქტურის შექმნაში.

„მახალისებლები“. 1660 იან სტინი. ხე, ზეთი. სახელმწიფო ერმიტაჟი

ჰოლანდიური ჟანრის მხატვრობა არ გამოირჩეოდა საგნების მრავალფეროვნებით. მხატვრები შემოიფარგლნენ მხოლოდ პერსონაჟების გარკვეული წრის და მათი პროფესიების გამოსახვით. მაგრამ, მათი დახმარებით, ჰოლანდიურმა ჟანრულმა მხატვრობამ შეძლო მე-17 საუკუნეში ადამიანის ცხოვრების წესის, ადათ-წესებისა და იდეების სანდო სურათის გადმოცემა.

პუბლიკაციის მომზადებისას გამოყენებული იქნა მასალები ღია წყაროებიდან.