თეატრის ისტორია კაცობრიობის სამყაროა. თეატრის ისტორია: თეატრალური ხელოვნების გაჩენა და განვითარება, გასართობი ფაქტები თეატრის მოკლე ისტორია

უძველესი დროიდან დაიწყო. დავუშვათ, რომ იმ დღეებში მონობა მეფობდა და განათლება არ იყო. მაგრამ ხალხმა იცოდა რა იყო თეატრი. კაცობრიობის ხანგრძლივი ისტორიის სიღრმიდან ამოსული, იგი ფესვგადგმულია უძველესი ხალხური მასობრივი რიტუალების, თამაშებისა და დღესასწაულების საიდუმლოებაში. კომიკური და ტრაგიკული ხასიათის ტრადიციული პირველადი აქტები (როგორიცაა სატურნალია, მისტერიები), რომლებიც წარმოიშვა ამის საფუძველზე, შეიცავდა დრამატულ (მითოლოგიურ დიზაინში) შეთქმულების ელემენტებს, მოიცავდა ცეკვებს, დიალოგებს, საგუნდო სიმღერებს, შენიღბვას, ნიღბებს. თანდათანობით მოხდა მოქმედებისა და რიტუალური და საკულტო საფუძვლების გამიჯვნა, ბრბოდან გმირთა გუნდის შერჩევა, მასობრივი მნიშვნელოვანი ფესტივალის ორგანიზებულ სპექტაკლად გადაქცევა. ყოველივე ამან შექმნა წინაპირობები ყველასთვის ასე საყვარელი ლიტერატურული დრამის გაჩენისთვის. მაყურებლებად და მსახიობებად იძულებითი დაყოფა გამოავლინა ამის მნიშვნელოვანი სოციალური ფუნქციები

ეს პროცესი ნათლად გამოიხატა ძველი საბერძნეთის თეატრში, რამაც უდიდესი გავლენა მოახდინა ევროპული ხელოვნების აქტიურ განვითარებაზე. ქალაქ-სახელმწიფოებში იგი გახდა საზოგადოებრივი ცხოვრების მნიშვნელოვანი ხელმძღვანელი. რა არის თეატრი ძველ საბერძნეთში? მაშინ წარმომადგენლობები იყო დიდი ეროვნული ფესტივალი. უზარმაზარ, გიგანტურ ღია ცის ქვეშ ამფითეატრებში ათიათასობით მოჯადოებული მაყურებელი შეიკრიბა. გარდა ხელმისაწვდომი პროფესიონალი მსახიობებისა, სპექტაკლის თამაში თავად მოქალაქეებსაც შეეძლოთ - უშუალოდ გუნდში მონაწილეებს. ცეკვა და მუსიკა დარჩა არსებითი, მოქმედების მთავარი ელემენტები.

რა არის თეატრი ძველ რომში? აქ სპექტაკლების უმეტესობის დადგმა უფრო აქტიურად განვითარდა, შეიცვალა სცენის ტიპიც კი, გაიზარდა პროფესიონალური თეატრალური აღჭურვილობა, წარმოიშვა სხვადასხვა ტიპის სპექტაკლები (მუსიკალური და საცეკვაო სპექტაკლები მითოლოგიურ თემებზე - პანტომიმები, რომლებმაც მიაღწიეს აყვავებას ეპოქაში. იმპერია, დარჩა V საუკუნემდე. პოპულარული თეატრალური ჟანრი).

შუა საუკუნეების ევროპულმა თეატრმა პრაქტიკულად შეწყვიტა არსებობა. უილიამ შექსპირი და რამდენიმე სხვა დრამატურგი მე-15 საუკუნეში. გააცოცხლა იგი. შემდეგ, გამონაკლისის გარეშე, სპექტაკლებში როლებს ბიჭები და მამაკაცები ასრულებდნენ. მსახიობები პირველად გამოჩნდნენ იტალიელი მოხეტიალე მსახიობების პოპულარულ ჯგუფში, რომლებიც ასრულებდნენ კომედიებს "cel arte" (პატარა კომიკური პიესები ნიღბიანი პერსონაჟების სავალდებულო მონაწილეობით).

რენესანსის ეპოქის ჰუმანისტურმა კულტურამ გააცოცხლა ძველი თეატრალური ხელოვნების ტრადიციები, გააერთიანა ისინი ხალხის ეროვნული მემკვიდრეობის მდიდარ ტრადიციებთან. ამ ეპოქის ცნობილი დრამატურგების პიესებში ისტორია გამოვლინდა ყველაზე მწვავე პოლიტიკურ და სოციალურ კონფლიქტებში.

თეატრის აღზევება დაკავშირებულია კლასიციზმის აქტიურ გავრცელებასთან, რომლის სოციალურ საფუძველს წარმოადგენს ევროპის ზოგიერთ ქვეყანაში გარკვეული აბსოლუტისტური რეჟიმის გაძლიერება. მსახიობების ამოცანა იყო შეექმნათ გმირის რთული გამოსახულება, რომელიც შინაგანი ბრძოლისა და მძიმე განსაცდელების დროს გადალახავს საკუთარ განხეთქილებას საზოგადოების მოთხოვნებსა და კერძო ინტერესებს შორის. თანამედროვე პრობლემებმა ამ პერიოდში შეიძინა როგორც აბსტრაქტული, ისე ზოგადად მნიშვნელოვანი ხასიათი. აი რა არის კლასიციზმის თეატრი.

მე-18 საუკუნის მეორე ნახევარში იგი გახდა მშფოთვარე ბურჟუაზიული განმანათლებლობის იდეების მთავარი წარმომადგენლობა. იმდროინდელი მსახიობების ხელოვნებაში, მაღალი სამოქალაქო ცნობიერება მშვენივრად იყო შერწყმული ახალი განუყოფელი პერსონაჟების შექმნის აქტიურ სურვილთან, ისტორიული ჭეშმარიტებისადმი ინტერესის გამოვლენით.

რომანტიზმი გახდა დემოკრატიული მასების მისწრაფებებისა და ჰუმანისტური იდეალების გამოხატულება. ამ ეპოქის დროშით დრამაში სერიოზული ბრძოლა გაჩაღდა ასეთი ეპიგონური კლასიციზმის წინააღმდეგ - ეროვნებისთვის, ისტორიციზმისთვის, ეროვნული იდენტობისთვის.

რეალიზმა, რომელიც მოამზადა თეატრმა, შემდეგ კი რომანტიზმმა, ღირსეული დამოუკიდებელი ფორმები შეიძინა 30-40-იან წლებში. მე-19 საუკუნე და მიაღწია თავის უმაღლეს დომინანტურ პოზიციას საუკუნის შუა წლებში.

თანამედროვე თეატრში წარმოიქმნება მრავალი სახის ხელოვნების, სოციალური პრობლემისა და ემოციების სინთეზი - ფსიქოლოგიური ანალიზი, მაღალი მორალური პრობლემები, ემოციური მდგომარეობის უშუალობა, ავთენტურობა და გროტესკი, გამოცდილება და განცალკევება, ლირიკა და სატირა. ეს ყველაფერი მოდის ყველაზე გაბედულ და მოულოდნელ კომბინაციებში. რა არის თანამედროვე თეატრი? ეს არის გამოხატული ტენდენცია, სწრაფვა გამოსახულებების გაზრდისკენ, მნიშვნელოვანი მხატვრული საშუალებების დაზოგვისა და მათი შინაარსისკენ. დღეს ასეთი ხელოვნება წარმოუდგენელია რეჟისორის გარეშე. ასევე მნიშვნელოვანია ახლა სცენოგრაფია.

თეატრს თავისი ფესვები აქვს ძველ საბერძნეთში ორი ათასწლეულის წინ. უძველესი ხელოვნება წარმოიშვა როგორც სანახაობრივი გასართობი საზოგადოებისთვის, კოსტუმირებული მსახიობების სადღესასწაულო სცენები. სპექტაკლები თავდაპირველად ემთხვეოდა დიდ დიონისეს, დიდ რელიგიურ დღესასწაულს.

ახლა თეატრი უდავოდ უფრო მეტია, ვიდრე თხის ტყავიანი მომღერალი კაცების მსვლელობა ქალაქში. იგი იქცა მაღალ ხელოვნებად, მაღალი საზოგადოების დასვენების საშუალებად, კულტურული განმანათლებლობის ადგილად. თეატრის ისტორია განვითარების მომხიბლავი პროცესია, რომელიც დღემდე გრძელდება. მკითხველს ვეუბნებით ჩვენს სტატიაში. წარმოდგენილ მასალაში ასევე ბევრ საინტერესო ფაქტს ნახავთ. მაშ ასე, დავიწყოთ.

დაწყება

ათენი ძვ.წ. V საუკუნეში. ე. თეატრალური წარმოდგენები რელიგიური დღესასწაულების განუყოფელი ნაწილი იყო. დიონისეს ქანდაკებასთან მსვლელობას თან ახლდა მხიარული გალობა და დრამატული თამაშები. შეიძლება ითქვას, რომ ათენის თეატრის ისტორია მცირე რაოდენობის დამთვალიერებლებისთვის სამოყვარულო სპექტაკლის სახით დაიწყო. თავდაპირველად მხოლოდ ტრაგედიები იდგმებოდა, კომედიების ჩვენება მოგვიანებით დაიწყო. აღსანიშნავია, რომ სპექტაკლები, როგორც წესი, მხოლოდ ერთხელ იყო ნაჩვენები. ამან ავტორებს სტიმული მისცა შეექმნათ შესაბამისი, საინტერესო ნამუშევრები. დრამატურგმა არა მხოლოდ დაწერა პიესა, ის სპექტაკლის სრულფასოვანი მონაწილე იყო, თამაშობდა რეჟისორის, კომპოზიტორის, ქორეოგრაფის და მსახიობის როლებსაც კი. ბუნებრივია, ეს იყო განსაკუთრებული ნიჭიერი ხალხი.

მაგრამ ქორეგის (გუნდის ლიდერი) გახდომისთვის დიდი ნიჭი არ იყო საჭირო. მათ მხოლოდ ფული და კავშირები სჭირდებოდათ ხელისუფლების წარმომადგენლებთან. ქორეგის მთავარი მოვალეობა იყო გადასახადების გადახდა, სრული ფინანსური მხარდაჭერა და თეატრის მხარდაჭერა. იმ დღეებში ეს იყო შეჯიბრის ადგილი, ჩორეგმა, პოეტმა და გმირმა გაიმარჯვეს. გამარჯვებულები სუროს გვირგვინით დაჯილდოვდნენ და პრიზებით დაჯილდოვდნენ. გამარჯვება მათ ჟიურის გადაწყვეტილებით მიანიჭეს.

საინტერესო ფაქტია, რომ ძველი რომაელები რეალიზმის ნამდვილი მოყვარულები იყვნენ. სპექტაკლი იდეალად ითვლებოდა, რომელშიც მსახიობი 100%-ით შეეჩვია როლს - საჭიროების შემთხვევაში, მზად უნდა ყოფილიყო სიკვდილისთვისაც კი.

იმ დროს, როდესაც პუშკინი ცოცხალი იყო, რუსეთში თეატრები მთლიანად არ იყო განთავსებული. უკანა რიგები მთელი წარმოდგენის განმავლობაში ფეხზე მდგარ ადამიანებს ეკავათ.

რუსული თეატრალური ხელოვნების ისტორიაში საეტაპო სპექტაკლი არის D.I. Fonvizin-ის "ქვეგანვითარება", რომელიც გახდა მე-18 საუკუნის ჩინოვნიკების, დიდგვაროვნების, ტიპიური პერსონაჟების დაცინვის პირველი მცდელობა. Starodum (პოზიტიური პერსონაჟი) იყო პირველი, ვინც ითამაშა მხოლოდ ზემოხსენებული დიმიტრევსკი.

1803 წელს საიმპერატორო თეატრები გაიყო. გამოჩნდა დრამატული და მუსიკალური დასი, ასევე საოპერო და ბალეტის დასები, როგორც მუსიკალური ნაწილი. რუსულ სცენაზე თამაშის ფრანგული სკოლის დომინირება XIX საუკუნემდე გაგრძელდა. სწორედ მაშინ ადგა რუსული თეატრი საბოლოოდ ფეხზე და თავისი გზით წავიდა. მიღებული გამოცდილება კარგ ბაზად იქცა და ახალი ნიჭიერი რუსი კომპოზიტორების, მსახიობების, მოცეკვავეების აღმოჩენამ თეატრი მაღალ დონეზე აიყვანა.

პ.ნ. არაპოვი იყო პირველი, ვინც აღწერა რუსული თეატრის მთელი ისტორია ერთ ენციკლოპედიაში - "რუსული თეატრის ქრონიკები". ჩნდება თეატრალური ჟურნალები და პროფესიონალი კრიტიკოსები. ამრიგად, თეატრის განვითარებამ ბიძგი მისცა, სხვა საკითხებთან ერთად, რუსულ ლიტერატურას.

მოსკოვის ყველაზე ცნობილი თეატრი

ბოლშოის თეატრის ისტორია იწყება 1776 წლის 28 მარტს. სწორედ ამ დღეს მოსკოვში იმპერატრიცა ეკატერინე II-მ ხელი მოაწერა "პრივილეგიას" პრინც პეტრე ურუსოვისთვის, რომელიც საშუალებას აძლევს მას შეენარჩუნებინა თეატრი ათი წლის განმავლობაში. მას თავდაპირველად პეტროვსკის თეატრი ერქვა (ქუჩის პატივსაცემად, რომელზეც შესასვლელი გადიოდა). 1805 წელს შენობა მთლიანად დაიწვა და ახალი პროექტი შექმნა არქიტექტორმა ოსიპ ბოვემ. 1820 წელს დაიწყო მშენებლობა, რომელიც 5 წელი გაგრძელდა.

აშენებული თეატრი უფრო ფართო გახდა, რის გამოც მიიღო სახელი. ეს ლამაზი, ჰარმონიული, მდიდარი შენობა მოსკოვის მაცხოვრებლებს სიამოვნებდა 1853 წლამდე, სანამ მეორე ხანძარი გაჩნდა. ამჯერად რეკონსტრუქცია არქიტექტორ ალბერტ კავოსს დაევალა. თეატრი აღადგინეს უკვე 1856 წელს. საიმპერატორო ბოლშოის თეატრი ცნობილი გახდა არა მხოლოდ რუსეთში, არამედ მსოფლიოში: მას ჰქონდა შესანიშნავი აკუსტიკა. 1917 წელს, რევოლუციის შემდეგ, სახელი შეიცვალა სახელმწიფო ბოლშოის თეატრით. დეკორაცია დაემატა საბჭოთა სიმბოლოებით.

მძიმედ დაიჭრა დიდი სამამულო ომის დროს, აიღო ბომბი. შენობა კვლავ რეკონსტრუქცია ჩაუტარდა. 1987 წლამდე შენობას მხოლოდ მცირე კოსმეტიკური რემონტი ჩაუტარდა. ახლა ბოლშოის თეატრი არის შენობა ახალი სცენით, სადაც თანამედროვე ეფექტების გამოყენებაა შესაძლებელი. ამავდროულად, მან შეინარჩუნა კლასიკური არქიტექტურის სულისკვეთება, მისი „ხელმოწერის“ აკუსტიკა, რაც მას აძლევს უფლებას ჩაითვალოს მსოფლიოს ერთ-ერთ საუკეთესო თეატრად. ეს არის ბოლშოის თეატრის ისტორია.

და ბოლოს, კიდევ ერთი, არანაკლებ საინტერესო ფაქტი. ფილმები მთლიანად ან ნაწილობრივ თეატრში: Birdman, The Disaster Artist, La La Land, The Phantom of Opera, Burlesque of a Tale, Knockout, Bumping Broadway, Black Swan, "The Puppeteer", "A საშინლად დიდი თავგადასავალი" , „შეყვარებული შექსპირი“, „მკვლელობა პატარა ქალაქში“, „ორფევრის ქვაბი“.

თეატრის ისტორია (დრამა და ამ ხელოვნების სხვა ჟანრები) განაგრძობს განვითარებას, რადგან მის მიმართ ინტერესი უცვლელი დარჩა ორი ათას წელზე მეტი ხნის განმავლობაში.

სიტყვა "თეატრი" ბერძნულიდან ითარგმნება როგორც "სპექტაკლი" და როგორც "სათვალის ადგილი".

„სპექტაკლი“, „მაყურებელი“, „ხილვა“ მონათესავე სიტყვებია, იგივე ძირი.

ანუ თეატრი არის:

• რას უყურებს მაყურებელი: სპექტაკლები, კონცერტები, სპექტაკლები (აუცილებელია სცენაზე, რათა სპექტაკლის ნახვა შეგიძლიათ აუდიტორიის ნებისმიერი ადგილიდან);
• სადაც მაყურებელი იყურება: განსაკუთრებული ადგილი, შენობა, რომელშიც თეატრალური წარმოდგენა მიმდინარეობს.

აქედან გამომდინარე, შეგიძლიათ თქვათ: "ჩვენ ვიყავით თეატრში". და თქვენ შეგიძლიათ და "ჩვენ ვუყურეთ თეატრს".

თეატრის გაჩენა

თეატრი წარმოიშვა ძველ დროში. ძველ საბერძნეთში ჩვეულებრივი მოვლენა იყო მნიშვნელოვანი მოვლენების აღნიშვნა: გაზაფხულის დაწყება, მოსავალი. ბერძნებს განსაკუთრებით უყვარდათ ღმერთი დიონისეს დღესასწაული, რომელიც განასახიერებდა ბუნების ძალებს, იძინებდა ზამთარში და კვლავ იბადებოდა მზის პირველი სხივებით.

(კომენტარი მოზრდილთათვის: დიონისეს ეს არსი ასევე დაკავშირებულია მის მეორე ჰიპოსტაზთან ყურძნისა და მეღვინეობის ღმერთის შესახებ. ყურძნის გადამუშავების, დუღილის და ამაღელვებელ სპირტად გადაქცევის მთელი პროცესიღვინო შეიძლება ჩაითვალოს დიონის სიკვდილისა და აღორძინების მეტაფორადარის.)

ეს დღესასწაული სიხარული და თავისუფლება, როცა პატიმრები გირაოს სანაცვლოდ გაათავისუფლეს, მოვალეები მარტო დარჩნენ და არავინ დააკავეს, რათა ყველამ მონაწილეობა მიეღო გართობაში,ასე უწოდეს მას „დიდი დიონისე“ და გაიმარჯვა ზამთარზე გაზაფხულის სრულ გამარჯვებაზე.

ხალხი მღეროდა სიმღერებს, იცვლიდა ტანსაცმელს, იკეთებდა ნიღბებს, ამზადებდა ფიტულებს. თავდაპირველად დღესასწაული ქალაქის მოედნებზე იმართებოდა, შემდეგ კი სპექტაკლებისთვის სპეციალური არქიტექტურული ნაგებობების აშენება დაიწყო.

თეატრის შენობა აშენდა გორაზე. ძირში იყო მრგვალი პლატფორმა - ორკესტრი, სადაც გამოდიოდნენ მომღერლები, მომღერლები, მსახიობები. ორკესტრის უკან იყო სკენა - კარავი მსახიობების ტანსაცმლის გამოსაცვლელად და რეკვიზიტებისთვის.

ზოგიერთი თეატრი მართლაც უზარმაზარი იყო და ტევადობით საკმაოდ შედარებადი იყო თანამედროვე სტადიონებთან.

ძველი ბერძნული თეატრი, რომელიც მდებარეობს ქალაქ ლარისაში, ფურურიოს მთის სამხრეთ მხარეს

ძველი ბერძნული თეატრის მსახიობები მხოლოდ მამაკაცები იყვნენ: ისინი ასრულებდნენ როგორც მამრობითი, ისე ქალის როლებს. ეს იყო ძალიან პატივსაცემი პროფესია. და ძალიან რთული. მსახიობებს სპეციალური ნიღბებით უნდა გამოსულიყვნენ (დაწვრილებით აქ), მაყურებელი ვერ ხედავდა მათ მიმიკას, ამიტომ საჭირო იყო ყველა ემოციის გადმოცემა ჟესტებით და ხმით.

და მაინც, ტრაგედიების მსახიობები სცენაზე სპეციალური სანდლებით გამოვიდნენ მაღალ პლატფორმაზე - მათ კოტურნი ეძახდნენ. ეს მაღალი სანდლები აქცევდა სიარულის ნელს, დიდებულს, ამაყს, როგორც ეს შეეფერება ტრაგედიის პერსონაჟს.

(საინტერესოა, რომ ძველ რომში კოთურნის ჩექმებს მხოლოდ ეცვათმსახიობები, რომლებიც ასახავდნენ ღმერთებს და იმპერატორებს, რათა გამოირჩეოდნენ ჩვეულებრივი ადამიანებისგან გამოსახული მსახიობებისგან.

და ამ ბმულზე შეგიძლიათ წაიკითხოთ კვლევა, რომელიც ადასტურებს კოთურნის განსხვავებულ წარმოშობას: „როდესაც ბერძენმა ტრაგიკოსმა მიიღო ღმერთის როლი, მას უნდა გადაეჭრა დილემა:<...>როგორ გადავიდეთ სცენაზე? ღმერთების კვარცხლბეკებიდან ორკესტრის მიწაზე ჩამოყვანა, კაცთან „ერთ დონეზე“ უძველეს სცენაზე დაყენება? VI-V საუკუნეების ბერძენი ძვ. ე. არ თვლიდა ამის გაკეთებას ღმერთების გამოსახულებებით. ის ძალიან მჭიდროდ იყო მათთან დაკავშირებული რელიგიის კავშირებით. მსახიობს მხოლოდ ერთი გზა დარჩა: სცენაზე გადაადგილება კვარცხლბეკთან ერთად მისი დატოვების გარეშე. ამისათვის კვარცხლბეკი ორ ნაწილად გაჭრეს და თითოეული მათგანი ფეხზე იყო მიბმული. ასე გამოიგონეს კოთურნი“.)

როგორც ვხედავთ, თეატრმა ჩვენს დრომდე მიაღწია, შეინარჩუნა ძირითადი კონცეფციები. ახლა თეატრში ვიზიტია დღესასწაული, ა მსახიობიდა ახლა უკრავსსპეციალურ საიტზე ეტაპი- ადრე მაყურებლებიცდილობს აჩვენოს მთელი გამი ემოციებიმისი პერსონაჟი.

ჰეროდეს ატიკუსის ოდეონი და აკუსტიკური დარბაზი მარიინსკის თეატრში (მარიინსკი-2 )

ძველი ბერძენი მსახიობები და სპექტაკლის "ციპოლინო" ("ტაგანკას თეატრი") მსახიობები

თეატრი დიდი სასწაულია.როგორც ერთ-ერთმა გმირმა ტოვე იანსონმა თქვა, „თეატრი არის ყველაზე მნიშვნელოვანი რამ მსოფლიოში, რადგან ის აჩვენებს, თუ როგორი უნდა იყოს ყველა და რაზე ოცნებობს იყოს - თუმცა, ბევრს არ აქვს ამის გამბედაობა - და რა. ცხოვრებაში არიან."

თეატრის ისტორია კაცობრიობის სამყაროა

ძველი საბერძნეთის თეატრი

ძველი ბერძნული დრამისა და თეატრის წარმოშობა.

საბერძნეთში დრამის გამოჩენას წინ უძღოდა ხანგრძლივი პერიოდი, რომლის დროსაც ეპოსმა, შემდეგ კი ლირიკამ, ჯერ დომინანტური ადგილი დაიკავა. ჩვენ ყველამ ვიცით ილიადასა და ოდისეის მდიდარი გმირული ეპიკური პოემები, ჰესიოდეს (ძვ. წ. VII ს.) დიდაქტიკური (სასწავლო) ეპიკური ლექსები; ეს მე-6 საუკუნის ლირიკულ პოეტთა ნაწარმოებებია. ძვ.წ.

ბერძნული დრამისა და თეატრის დაბადება დაკავშირებულია რიტუალურ თამაშებთან, რომლებიც ეძღვნებოდა სოფლის მეურნეობის მფარველ ღმერთებს: დემეტრეს, მის ქალიშვილს კორეს და დიონისეს. ძველი ბერძნული დრამის სამი ჟანრი წარმოიშვა დიონისეს საპატივცემულოდ რიტუალური თამაშებისა და სიმღერებიდან: ტრაგედია, კომედია და სატირული კომედია (დასახელებული გუნდის მიხედვით, რომელიც შედგებოდა სატირებისგან).

• ტრაგედია ასახავდა დიონისური კულტის სერიოზულ მხარეს.
• კომედია - კარნავალურ-სატირული.
• სატირული დრამა წარმოდგენილი იყო როგორც საშუალო ჟანრი. მხიარულმა თამაშმა და ბედნიერმა დასასრულმა განსაზღვრა მისი ადგილი დიონისეს პატივსაცემად არდადეგებზე: სატირული დრამა დაიდგა, როგორც ტრაგედიების პრეზენტაციის დასასრული.

უზარმაზარი იყო ტრაგიკული იდეების როლი სოციალურ-პოლიტიკურ და ეთიკურ განათლებაში. უკვე VI საუკუნის მეორე ნახევარში ძვ.წ. ტრაგედიამ მნიშვნელოვან განვითარებას მიაღწია. უძველესი ისტორია გვაუწყებს, რომ პირველი ათენელი ტრაგიკული პოეტი იყო თესპისი (ძვ. წ. VI ს.). მისი ტრაგედიის პირველი დადგმა (მისი სახელი უცნობია) მოხდა ძვ.წ. 534 წლის გაზაფხულზე. დიდი დიონისეს დღესასწაულზე. ეს წელი მსოფლიო თეატრის დაბადების წლად ითვლება.

კომედიაში ბევრად უფრო, ვიდრე ტრაგედიაში, ამქვეყნიური მოტივები იყო შერეული მითოლოგიური მოტივებით, რომლებიც თანდათანობით გახდა გაბატონებული ან თუნდაც ერთადერთი, თუმცა ზოგადად კომედია მაინც დიონისესადმი მიძღვნილ ითვლებოდა. იმპროვიზირებული სცენები იყო ხალხური ფარსის თეატრის ელემენტარული ფორმა და ეწოდებოდა მიმებს (თარგმანში ნიშნავს "მიბაძვას", "რეპროდუქციას"; ამ სცენების შემსრულებლებს მიმებიც ეძახდნენ). მიმების გმირები იყვნენ ხალხური თეატრის ტრადიციული ნიღბები: სავარაუდო მეომარი, ბაზრის ქურდი, შარლატანი მეცნიერი, უბრალო ადამიანი, რომელიც ყველას აბრიყვებს და ა.შ.

ათენის თეატრი.

ძველმა ბერძნულმა თეატრალურმა ხელოვნებამ პიკს მიაღწია ძვ. ძვ.წ. ამავე დროს წერდნენ სხვა დრამატურგები, მაგრამ მათი ნაწარმოებების მხოლოდ მცირე ფრაგმენტები მოვიდა ჩვენამდე და ზოგჯერ მხოლოდ სახელები და მწირი ინფორმაცია.

ელინისტური თეატრი.

ელინიზმის ეპოქაში (ძვ. წ. VI-I სს.) კლასიკური პერიოდის ბერძნულმა თეატრმა მნიშვნელოვანი ცვლილებები განიცადა როგორც დრამატურგიის, ისე სამსახიობო, ასევე თეატრის შენობის არქიტექტურაში. ეს ცვლილებები დაკავშირებულია ახალ ისტორიულ პირობებთან. ელინისტური ეპოქის თეატრში კვლავ იდგმება კომედიები და ტრაგედიები. მაგრამ IV საუკუნის ტრაგედიებიდან. ძვ.წ. მხოლოდ მცირე ფრაგმენტებია შემორჩენილი და, როგორც ჩანს, ელინისტური ტრაგედიის მხატვრული დამსახურება დიდი არ ყოფილა. კომედიის განსასჯელად გაცილებით მეტი მონაცემია ხელმისაწვდომი, ვინაიდან ჩვენამდე მოვიდა მხოლოდ ერთი პიესა და რამდენიმე ნაწყვეტი იმ დროის უდიდესი კომიკოსის, მენანდრის სხვა პიესებიდან.

ელინისტური ეპოქის კომედიას უწოდებენ ახალ ატიკურ (ან ნეოატიკურ) კომედიას. ახალ კომედიაში სიყვარულის მოტივი დიდ როლს თამაშობს. ახალი ატიკური კომედიის ავტორებმა ფართოდ გამოიყენეს არისტოტელეს მოსწავლის თეოფრასტეს ფსიქოლოგიური თეორია, რომლის მიხედვითაც, ყველა ხასიათის თვისება ვლინდება ადამიანის გარეგნობაში და მის ქმედებებში. თეოფრასტეს ფიზიოგნომიურმა აღწერილობამ უდავოდ მოახდინა გავლენა ნიღბების დიზაინზე, რაც ეხმარებოდა მაყურებელს ამა თუ იმ პერსონაჟის ამოცნობაში. ახალ კომედიაში შესამჩნევია ევრიპიდეს გავლენა. მისი მრავალი გმირის სიახლოვე ცხოვრებასთან, მათი ემოციური გამოცდილების გამჟღავნება - ეს არის ის, რაც ახალმა კომედიამ აიღო ევრიპიდესგან.

ძველი ბერძნული თეატრის არქიტექტურა.

თავდაპირველად, სპექტაკლების ადგილი ძალიან მარტივად იყო მოწყობილი: გუნდი თავისი საგალობლებით და ცეკვებით ასრულებდა მრგვალ შეჯახებულ პლატფორმა-ორკესტრზე (ზმნიდან orheomai - „მე ვცეკვავ“), რომლის ირგვლივ იკრიბებოდა მაყურებელი. მაგრამ როდესაც თეატრალური ხელოვნება იზრდებოდა საბერძნეთის სოციალურ და კულტურულ ცხოვრებაში და რაც უფრო რთული გახდა დრამა, გაუმჯობესდა. საბერძნეთის მთიან ლანდშაფტმა აიძულა სცენისა და მაყურებლის ადგილების ყველაზე რაციონალური მოწყობა: ორკესტრი გორაკის ძირში დაიწყო განლაგება, მაყურებელი კი ფერდობზე.

ყველა ძველი ბერძნული თეატრი ღია იყო და უამრავ მაყურებელს იტევდა. მაგალითად, დიონისეს ათენის თეატრში 17000-მდე ადამიანი იტევდა, ეპიდავრუსის თეატრი - 10000-მდე. V საუკუნეში ძვ.წ. საბერძნეთში განვითარდა თეატრალური სტრუქტურის სტაბილური ტიპი, რომელიც დამახასიათებელია ანტიკურობის მთელი ეპოქისთვის. თეატრს სამი ძირითადი ნაწილი ჰქონდა: ორკესტრი, თეატრი (მაყურებლის ადგილები, ზმნიდან თეაომაი - „ვხედავ“) და სკენე (სკენე - „კარავი“, მოგვიანებით ხის ან ქვის ნაგებობა).

თეატრის ზომა განისაზღვრა ორკესტრის დიამეტრით (11-დან 30 მ-მდე), სცენა განლაგებული იყო ორკესტრის გარშემოწერილობის ტანგენციალურად. სკენე-პროსკენიის წინა კედელზე, რომელსაც ჩვეულებრივ კოლონადის სახე ჰქონდა, გამოსახული იყო ტაძრის ან სასახლის ფასადი. ჩონჩხს ესაზღვრებოდა ორი გვერდითი სტრუქტურა, რომლებსაც პარასკენიები ეძახდნენ. პარასკენი დეკორაციისა და სხვა თეატრალური ნივთების შესანახი ადგილი იყო. სცენასა და მაყურებელთა სკამებს შორის, რომლებიც წრის ნახევარზე ცოტა მეტს იკავებდნენ, იყო პაროდია-პაროდია, რომლის მეშვეობითაც მაყურებელი სპექტაკლის დაწყებამდე შედიოდა თეატრში, შემდეგ კი გუნდი და მსახიობები შედიოდნენ ორკესტრში. კლასიკური ეპოქის თეატრში მაყურებლის ყურადღება მოქმედების განვითარებაზე იყო მიმართული, პერსონაჟების ბედზე და არა გარე ეფექტებზე. ბერძნული თეატრის განლაგება კარგ მოსმენას იძლეოდა. გარდა ამისა, ზოგიერთ თეატრში მაყურებლის სკამებს შორის რეზონანსული ჭურჭელი იყო განთავსებული ხმის გასაძლიერებლად. ძველ ბერძნულ თეატრში ფარდა არ იყო, თუმცა არ არის გამორიცხული, რომ ზოგიერთ სპექტაკლში პროსცენის ზოგიერთი ნაწილი დროებით დახურული იყო მაყურებლისგან.

რომაული თეატრი

რომაული თეატრის წარმოშობა.

რომაული თეატრისა და დრამის სათავეები, ისევე როგორც საბერძნეთში, კარნავალის ელემენტებით მდიდარ რიტუალურ თამაშებს უბრუნდება. ასეთია, მაგალითად, სატურნალიას დღესასწაული, იტალიური ღვთაების სატურნის პატივსაცემად. ამ დღესასწაულის თავისებურება იყო ჩვეული სოციალური ურთიერთობების „შებრუნება“: ბატონები ცოტა ხნით „მონები“ ხდებოდნენ, მონები კი „ბატონები“.

რომაული თეატრისა და დრამის ერთ-ერთი სათავე იყო სოფლის მოსავლის ფესტივალები. შორეულ დროშიც კი, როცა რომი ლატიუმის პატარა საზოგადოება იყო, სოფლებში დღესასწაულები აღინიშნა მოსავლის დასრულებასთან დაკავშირებით. ამ დღესასწაულებზე მღეროდა მხიარული უხეში სიმღერა-ფესცენინები. როგორც საბერძნეთში, ჩვეულებრივ ასრულებდა ორი ნახევრად გუნდი, რომლებიც ცვლიდნენ ხუმრობებს, ზოგჯერ კაუსტიკური შინაარსის.

ტომობრივი სისტემის დროს წარმოშობილი ფესცენინები არსებობდნენ მომდევნო საუკუნეებშიც და, ჰორაციუსის აზრით, მათში აისახა სოციალური ბრძოლა პლებეებსა და პატრიციებს შორის. ასე წარმოიშვა სატურები (თარგმანში ნიშნავს "ნარევს"). სატურები შინაური და კომიკური ხასიათის დრამატული სცენები იყო, რომელიც მოიცავდა დიალოგს, სიმღერას, მუსიკას და ცეკვას.

კომიკური ხასიათის დრამატული წარმოდგენის კიდევ ერთი ტიპი იყო ატელანები, რომლებიც ნასესხები იყო აპენინის ნახევარკუნძულზე დასახლებული სხვა ტომებისგან, რომლებთანაც რომი უწყვეტ ომებს აწარმოებდა. ახალგაზრდები დაინტერესდნენ ამ თამაშებით და დაიწყეს მათი მოწყობა დღესასწაულებზე. ატელანში ოთხი განმეორებადი კომიკური პერსონაჟი იყო: მაკი, ბუკონი, პაპი და დოსენი. ატელანებს არ ჰქონდათ მყარი ტექსტი, ასე რომ, როდესაც ისინი შესრულდნენ, იმპროვიზაციის ფართო სივრცე გაიხსნა. მიმიც ხალხურ დრამას უბრუნდება. როგორც საბერძნეთში, მიმიკა ასახავდა სცენებს ხალხური ცხოვრებიდან და ზოგჯერ პაროდირებდა მითებს, ღმერთებსა და გმირებს კლოუნის სახით გამოჰყავდა. ამრიგად, რომში იყო დაახლოებით იგივე რიტუალური თამაშები, როგორც ძველ საბერძნეთში. მაგრამ ხალხური თეატრის განვითარება არ გასცდა დრამის სუსტ საწყისებს. ეს განპირობებულია რომაული ცხოვრების კონსერვატიული წესითა და მღვდლების ძლიერი წინააღმდეგობით. მაშასადამე, რომში არ განვითარდა დამოუკიდებელი მითოლოგია, რომელიც საბერძნეთში ხელოვნების „ნიადაგ და არსენალი“ იყო, მათ შორის დრამა.

რესპუბლიკური ეპოქის რომაული თეატრი.

რომაელებმა ბერძნებისგან ლიტერატურული დრამა დასრულებული სახით აიღეს და ლათინურად თარგმნეს, საკუთარ ცნებებსა და გემოვნებაზე მორგება. პირველი პუნიკური ომის გამარჯვებული დასრულების შემდეგ, ჩვენს წელთაღრიცხვამდე 240 წლის სადღესასწაულო თამაშებზე, გადაწყდა დრამატული წარმოდგენის მოწყობა. წარმოება დაევალა ბერძენ ლივიუს ანდრონიკეს, რომელიც რომაელი სენატორის მონობაში იმყოფებოდა, რომელმაც მას ლათინური სახელი ლივიუსი დაარქვა. განთავისუფლების შემდეგ იგი დარჩა რომში და დაიწყო ბერძნულისა და ლათინური ენის სწავლება რომაელი თავადაზნაურობის შვილებისთვის. ამ მასწავლებელმა ასევე დადგა ტრაგედია და, ალბათ, კომედიაც, რომელიც გადაამუშავა ბერძნული მოდელიდან, ან, შესაძლოა, უბრალოდ ბერძნულიდან ლათინურად თარგმნა. ამ სპექტაკლმა პირველი ბიძგი მისცა რომაული თეატრის განვითარებას.

235 წლიდან ძვ.წ დრამატურგი გნეუს ნევი იწყებს თავისი პიესების დადგმას. ნევიუსის უმცროსი თანამედროვე, ტიტუს მაკციუს პლავტი. მისი ნაშრომი ეხება იმ პერიოდს, როდესაც რომი სასოფლო-სამეურნეო თემიდან გადაიქცევა უძლიერეს სახელმწიფოდ - ჯერ აპენინის ნახევარკუნძულის, შემდეგ კი მთელი ხმელთაშუა ზღვის აუზის. პუბლიუს ტერენტიუს აფრი, რომელიც პლაუტუსის მსგავსად პალიატას ჟანრში მოღვაწეობდა, დრამატურგების მომდევნო თაობას ეკუთვნოდა. ტერენსი შეიძლება ეწოდოს ახალი ევროპული დრამის წინამორბედს. ევროპული თეატრი არაერთხელ მიუბრუნდა მის შემოქმედებას. მოლიერის შემოქმედებაში იგრძნობა მისი კომედიების „ფორმიონი“ და „ძმები“ გავლენა.

იმპერიული ეპოქის რომაული თეატრი.

I საუკუნეში რომში რესპუბლიკა დაეცა. კეისრის მკვლელობისა და ანტონზე გამარჯვების შემდეგ ძვ.წ. რომში იმპერატორი გახდა ოქტავიანე, რომელმაც მოგვიანებით მიიღო საპატიო მეტსახელი ავგუსტუსი ("წმინდა"). ავგუსტუსმა კარგად იცოდა თეატრის სოციალური მნიშვნელობა და ყველანაირად შეუწყო ხელი მის განვითარებას. უპირველეს ყოვლისა, ავგუსტუსს სურდა რომაულ სცენაზე ბერძნული ტიპის ტრაგედია გაეცოცხლებინა, მისი მოქალაქეების ზნეობის გაუმჯობესებისა და აღზრდის საშუალებად მიიჩნიეს. ავგუსტუსის ამ მისწრაფებებს მხარი დაუჭირა ერთ-ერთმა გამოჩენილმა რომაელმა პოეტმა, ჰორაციუსმა და აისახა მის მეცნიერებაში პოეზიის შესახებ. თუმცა, ავგუსტუსის ყველა მცდელობა რომაულ სცენაზე სერიოზული ჟანრის აღორძინებისთვის წარუმატებელი აღმოჩნდა.

იმპერიული ეპოქის ტრაგედიიდან ჩვენამდე არაფერი ჩამოსულა, გარდა ფილოსოფოსი სენეკას ტრაგედიებისა. ლუციუს ანეი სენეკა იყო იმპერატორ ნერონის დამრიგებელი, ერთ დროს მას ეკავა უმაღლესი თანამდებობები მის დაქვემდებარებაში არსებულ სახელმწიფოში, მაგრამ შემდეგ მას ბრალი დასდეს იმპერატორის წინააღმდეგ შეთქმულებაში და ნერონის ბრძანებით თავი მოიკლა ვენების გახსნით. სენეკამ ტრაგედიების წერა სიცოცხლის ბოლო წლებში დაიწყო, როცა ნერონის დამოკიდებულება მისდამი შეიცვალა და იძულებული გახდა უფრო ფრთხილად გამოეხატა თავისი შეხედულებები არსებულ წესრიგზე.

თეატრალური წარმოდგენების ორგანიზება.

სპექტაკლები იმართებოდა რომში სხვადასხვა სახალხო დღესასწაულზე. სპექტაკლები ითამაშეს პატრიციების დღესასწაულზე, რომაულ თამაშებზე, რომელიც იმართებოდა სექტემბერში იუპიტერის, იუნოსა და მინერვას პატივსაცემად; ივლისში აპოლოს თამაშებზე. I საუკუნის შუა ხანებამდე რომში მუდმივი თეატრის შენობა არ არსებობდა. ძვ.წ. მის მშენებლობას კონსერვატიული სენატი ეწინააღმდეგებოდა. სპექტაკლისთვის ფორუმზე ჩვეულებრივ იდგმებოდა ხის პლატფორმა, კაცის სიმაღლის ნახევარი. 4-5 საფეხურისგან შემდგარი ვიწრო კიბე მიდიოდა სცენაზე, რომლის გასწვრივ მსახიობები სცენაზე ავიდნენ.

ტრაგედიაში აქცია სასახლის წინ მოხდა. კომედიებში დეკორაცია თითქმის ყოველთვის ასახავდა ქალაქის ქუჩას, რომელსაც ორი-სამი სახლის ფასადები გადაჰყურებდა და მოქმედება სახლის წინ მიმდინარეობდა. მაყურებელი სცენის წინ სკამებზე იჯდა. მაგრამ ხანდახან სენატი კრძალავდა ადგილების დაწესებას ამ დროებით თეატრებში: სპექტაკლებზე ჯდომა, სენატის აზრით, ქალურობის ნიშანი იყო. თეატრალური თამაშებისთვის აშენებული ყველა სტრუქტურა მათი დასრულებისთანავე დაინგრა.

რომის მოვლენა იყო ქვით აშენებული პირველი მუდმივი თეატრის გამოჩენა. ეს თეატრი აშენდა ჩვენს წელთაღრიცხვამდე 55 წელს. გნემ პომპეუსი დიდი და იტევდა 40 ათასამდე ადამიანს. I საუკუნის ბოლოს ძვ.წ. რომში აშენდა კიდევ ორი ​​ქვის თეატრი: ბალბას თეატრი და მარცელუსის თეატრი. ამ უკანასკნელიდან დღემდე შემორჩენილია სამ სართულად დაყოფილი გარე კედლის ნაშთები, რაც შეესაბამება სამ შიდა იარუსს.

შუა საუკუნეების თეატრი

ლიტურგიული და ნახევრად ლიტურგიკული დრამა.

საეკლესიო დრამა ადრეული შუა საუკუნეების თეატრალური ხელოვნების ერთ-ერთ ფორმად იქცა. უძველესი თეატრის ნარჩენების წინააღმდეგ ბრძოლაში, სოფლის თამაშების წინააღმდეგ, ეკლესია ცდილობდა თეატრალური პროპაგანდის ეფექტურობის გამოყენებას საკუთარი მიზნებისთვის.

უკვე მე-9 საუკუნეში მოხდა მასის თეატრალიზება, განვითარდა ეპიზოდების წაკითხვის რიტუალი ლეგენდებიდან ქრისტეს ცხოვრების შესახებ, მისი დაკრძალვისა და აღდგომის შესახებ. ამ დიალოგებიდან იბადება ადრეული ლიტურგიკული დრამა. ასეთი დრამის ორი ციკლი იყო - საშობაო, რომელიც ქრისტეს შობის შესახებ მოგვითხრობს და სააღდგომო, რომელიც მოგვითხრობს მისი აღდგომის შესახებ. საშობაო ლიტურგიკულ დრამაში ტაძრის შუაში ჯვარი დადეს, შემდეგ შავ ქსოვილში გახვეული, რაც უფლის სხეულის დაკრძალვას ნიშნავდა.

დროთა განმავლობაში ლიტურგიული დრამა უფრო რთული ხდება, „მსახიობების“ კოსტიუმები მრავალფეროვანია და „რეჟისორის მითითებები“ გამოცდისა და მოძრაობების ზუსტი მითითებით იქმნება. ყოველივე ამას თავად მღვდლები აკეთებდნენ. ლიტურგიული სპექტაკლების ორგანიზატორებმა დააგროვეს სასცენო გამოცდილება და დაიწყეს ხალხს ოსტატურად აჩვენონ ქრისტეს ამაღლება და სხვა სახარებისეული სასწაულები. ცხოვრებასთან მიახლოებით და დადგმული ეფექტების გამოყენებით, ლიტურგიკული დრამა აღარ იზიდავდა, არამედ აშორებდა მრევლს ღვთისმსახურებისგან. ჟანრის განვითარება სავსე იყო მისი თვითგანადგურებით. არ სურდათ უარი თქვან თეატრის მომსახურებაზე და ვერ გაუმკლავდნენ მას, საეკლესიო ხელისუფლებამ საეკლესიო დრამა ტაძრების სარდაფებიდან ვერანდაზე გამოიტანა. იბადება ნახევრად ლიტურგიკული დრამა. შემდეგ კი საეკლესიო თეატრი, რომელიც ფორმალურად იყო სასულიერო პირების ძალაუფლებაში, მოექცა ქალაქის ბრბოს გავლენის ქვეშ. ახლა ის უკვე კარნახობს მას თავის გემოვნებას, აიძულებს მას სპექტაკლები მისცეს ბაზრობების დღეებში და არა საეკლესიო არდადეგებზე, მთლიანად გადაერთოს მშობლიურ ენაზე, რაც გასაგებია ხალხისთვის. წარმატებებით შეშფოთებულმა საეკლესიო მსახურებმა დაიწყეს უფრო ყოველდღიური საგნების შერჩევა და ბიბლიური საგნები, რომლებიც ყოველდღიურ ინტერპრეტაციას ექვემდებარება, ნახევრად ლიტურგიკული დრამის მასალად იქცა. ბიბლიური ლეგენდები დროთა განმავლობაში ექვემდებარება პოეტურ დამუშავებას. დანერგილია ტექნიკური სიახლეებიც: საბოლოოდ მყარდება დეკორაციის ერთდროული პრინციპი, როდესაც ერთდროულად ნაჩვენებია მოქმედების რამდენიმე სცენა; ტრიუკების რაოდენობა იზრდება. თუმცა, ამ ყველაფრის მიუხედავად, საეკლესიო დრამა განაგრძობდა ეკლესიასთან მჭიდრო ურთიერთობის შენარჩუნებას. დრამა იდგმებოდა ვერანდაზე, საეკლესიო ფონდებში, მისი რეპერტუარი შედგენილი იყო სასულიერო პირების მიერ (თუმცა სპექტაკლების მონაწილეები, მღვდლებთან და საეროებთან ერთად). ასე რომ, ურთიერთგამომრიცხავი ელემენტების ახირებული შერწყმით, საეკლესიო დრამა დიდი ხნის განმავლობაში არსებობდა.

საერო დრამატურგია.

რეალისტური მიმართულების დასაწყისი

ახალი რეალისტური ტენდენციის პირველი ყლორტები უკავშირდება საფრანგეთის ქალაქ არასის ტრუვეურის (ტრუბადურის) ადამ დე ლა ჰალის (დაახლოებით 1238-1287) სახელს. დე ლა ალი გატაცებული იყო პოეზიით, მუსიკით და თეატრით. ის ცხოვრობდა პარიზში და იტალიაში (შარლ ანჟუს კარზე) და საკმაოდ ცნობილი გახდა, როგორც პოეტი, მუსიკოსი და დრამატურგი.

მე-13 საუკუნეში კომედიური ნაკადი უკვე ჩაძირული იყო სასწაული თეატრის მიერ, რომელსაც ასევე ჰქონდა ცხოვრებისეული მოვლენები, მაგრამ რელიგიაზე გადავიდა.

სასწაული.

თავად სახელი სასწაული მომდინარეობს ლათინური სიტყვიდან "სასწაული". და მართლაც, ყველა კონფლიქტი, ზოგჯერ ძალიან მკვეთრად ასახავს ცხოვრებისეულ წინააღმდეგობებს, ამ ჟანრში წყდებოდა ღვთაებრივი ძალების - წმინდა ნიკოლოზის, ღვთისმშობლის და ა.შ. თავად დრო - მე-14 საუკუნე, სავსე ომებით, სახალხო არეულობებითა და არაადამიანური ხოცვა-ჟლეტებით - ხსნის ისეთი საკამათო ჟანრის განვითარებას, როგორც სასწაულს. შემთხვევითი არ არის, რომ სასწაული, რომელიც ჩვეულებრივ იწყებოდა რეალობის დამამშვიდებელი ასახვით, ყოველთვის მთავრდებოდა კომპრომისით, მონანიების და პატიების აქტით, რაც პრაქტიკულად ნიშნავდა შერიგებას ახლახან ნაჩვენები სისასტიკით, რადგან ის თითოეულ ბოროტმოქმედში თვლიდა შესაძლო მართალს. კაცი. ეს შეეფერებოდა როგორც ბურგერულ ცნობიერებას, ასევე ეკლესიას.

საიდუმლო.

საიდუმლოების თეატრის აყვავების ხანა მე-15-16 საუკუნეებია, ქალაქების სწრაფი აყვავებისა და სოციალური წინააღმდეგობების გამწვავების დრო. ქალაქმა დიდწილად დაძლია ფეოდალური დამოკიდებულება, მაგრამ ჯერ არ მოქცეულა აბსოლუტური მონარქის მმართველობის ქვეშ. მისტერია იყო შუა საუკუნეების ქალაქისა და მისი კულტურის აყვავების გამოხატულება. იგი წარმოიშვა ეგრეთ წოდებული "მიმიკური საიდუმლოებიდან" - ურბანული მსვლელობები რელიგიური დღესასწაულების პატივსაცემად, მეფეების საზეიმო გამგზავრების საპატივცემულოდ. ამ დღესასწაულებიდან თანდათან ჩამოყალიბდა საიდუმლო პიესა შუა საუკუნეების თეატრის ადრეული გამოცდილების გამოყენებით. მისტერიების წარმოდგენები ორგანიზებული იყო არა ეკლესიის, არამედ ქალაქის სახელოსნოებისა და მუნიციპალიტეტების მიერ. ავტორები იყვნენ ახალი ტიპის ფიგურები - მეცნიერები, ღვთისმეტყველები, იურისტები, ექიმები. იმისდა მიუხედავად, რომ სპექტაკლებს ხელმძღვანელობდა ქალაქის ზედა ბურჟუაზია, საიდუმლოებები იყო მასიური გარე სამოყვარულო ხელოვნება. სპექტაკლებში ასობით ადამიანი მონაწილეობდა.

მისტერიებმა აჩვენეს სამყაროს შექმნა, ლუციფერის აჯანყება ღმერთის წინააღმდეგ, ბიბლიური სასწაულები. მისტერიამ გააფართოვა შუა საუკუნეების თეატრის თემატური დიაპაზონი, დააგროვა უზარმაზარი სასცენო გამოცდილება, რომელიც გამოიყენეს შუა საუკუნეების შემდგომმა ჟანრებმა. საიდუმლოს შემსრულებელი ქალაქელი ხალხი იყო. უზარმაზარი თეატრალური წარმოდგენის ცალკეულ ეპიზოდებს სხვადასხვა ქალაქის სახელოსნოების წარმომადგენლები ასრულებდნენ. ამავდროულად, მისტერიამ შესაძლებელი გახადა თითოეულ პროფესიას მაქსიმალურად სრულად გამოეხატა თავი. მისტერიებმა განავითარეს თეატრალური ტექნიკა, დაამტკიცეს ხალხში თეატრის გემოვნება და მოამზადეს რენესანსის დრამის ზოგიერთი მახასიათებელი. მაგრამ 1548 წლისთვის საიდუმლო საზოგადოებებს, განსაკუთრებით ფართოდ გავრცელებულ საფრანგეთში, აუკრძალეს საიდუმლოებების ჩვენება: საიდუმლო თეატრის კრიტიკული კომედიური ხაზი ძალიან ხელშესახები გახდა. გარდაცვალების მიზეზი ისიც არის, რომ მას საზოგადოების ახალი, პროგრესული ძალების მხარდაჭერა არ მიუღია.

რეფორმის მოძრაობა

ანტიფეოდალური ხასიათი

რეფორმაცია ევროპაში მე-16 საუკუნეში დაიწყო. მას ანტიფეოდალური ხასიათი ჰქონდა და ფეოდალიზმის იდეოლოგიური საყრდენის, კათოლიკური ეკლესიის წინააღმდეგ ბრძოლის სახე მიიღო.

რეფორმის მოძრაობა ადასტურებს „ღმერთთან პიროვნული ზიარების“ პრინციპს, პიროვნული სათნოების პრინციპს. მდიდარი ბურგერების ხელში მორალი იქცევა ბრძოლის იარაღად როგორც ფეოდალების, ისე ღარიბი ქალაქური მასების წინააღმდეგ. ბურჟუაზიული მსოფლმხედველობისთვის სიწმინდის მინიჭების სურვილი წარმოშობს ზნეობის თეატრს.

მორალი.

მორალმა გაათავისუფლა მორალიზაცია როგორც რელიგიური შეთქმულებისგან, ისე ყოველდღიური ყურადღების გაფანტვისგან და, იზოლირებულმა, შეიძინა სტილისტური ერთიანობა და უფრო დიდი დიდაქტიკური ორიენტაცია.

ფარსი.

კვადრატული ფარსი XV საუკუნის მეორე ნახევრიდან დამოუკიდებელ თეატრალურ ჟანრად იქცა. თუმცა მანამდე მანამდე ფარული განვითარების შორი გზა გაიარა. თავად სახელი მომდინარეობს ლათინური ფარტადან ("შევსება"). მართლაც, საიდუმლოებების ორგანიზატორები ხშირად წერდნენ: „აქ ჩადეთ ფარსი“. მხიარული კარნავალი და ხალხური სპექტაკლები წარმოშობს "სულელ კორპორაციებს" - წვრილმანი სასამართლო მოხელეთა ასოციაციას, სხვადასხვა ქალაქის ბოჰემებს, სკოლის მოსწავლეებს, სემინარიელებს. მე-15 საუკუნეში კლოუნთა საზოგადოებები მთელ ევროპაში გავრცელდა. პარიზში ოთხი დიდი ორგანიზაცია იყო და მათი ფარსული წარმოდგენების აღლუმები რეგულარულად იმართებოდა. ამ აღლუმებში დასცინოდნენ ეპისკოპოსების გამოსვლებს, მოსამართლეთა სიტყვით დავას და მეფეების ქალაქში შესვლას. ამის საპასუხოდ საერო და სულიერი ხელისუფლება ფარსერებს დევნიდა, ქალაქიდან გააძევეს, ციხეებში ჩააგდეს. ფარსი მთელი თავისი შინაარსითა და მხატვრული სტრუქტურით რეალობისკენ არის მიმართული. ის დასცინის მძარცველ ჯარისკაცებს, მწყალობელ ბერებს, ავაზაკებულ დიდებულებს, ძუნწ ვაჭრებს. მკვეთრად შესამჩნევი და გამოკვეთილი ხასიათის თვისებები ატარებს სატირულად გამოკვეთილ ცხოვრებისეულ მასალას. ფარსერებისთვის სამსახიობო ხელოვნების ძირითადი პრინციპები იყო დახასიათება, პაროდიულ კარიკატურამდე მიყვანა და დინამიზმი, რომელიც გამოხატავდა თავად შემსრულებლების აქტიურობასა და მხიარულებას. მონარქიული და საეკლესიო ხელისუფლება სულ უფრო და უფრო უტევდა ქალაქურ თავისუფალ აზროვნებას და მის ერთ-ერთ ფორმას - ფარსულ თეატრს.

ფარსმა დიდი გავლენა იქონია დასავლეთ ევროპის თეატრის შემდგომ განვითარებაზე. იტალიაში კომედია დელ არტე ფარსიდან დაიბადა; ესპანეთში - "ესპანური თეატრის მამის" ლოპე დე რუედას ნამუშევარი; ხოლო ინგლისში, ფარსის ტიპის მიხედვით, ჯონ ჰეივუდმა დაწერა თავისი ინტერლუდიები, გერმანიაში ჰანს საქსი; საფრანგეთში ფარსული ტრადიციები საზრდოობდა გენიალური მოლიერისა და დიდი შექსპირის ხელოვნებას.

სწორედ ფარსი გახდა ძველი და ახალი თეატრის დამაკავშირებელი.

ახალი თეატრი

თეატრი (ბერძნულიდან theatron - სანახაობის ადგილები, სანახაობა). თეატრის ზოგადი კონცეფცია იყოფა თეატრალური ხელოვნების ტიპებად: დრამატული თეატრი, ოპერი, ბალეტი, პანტომიმის თეატრი და ა.შ. ტერმინის წარმოშობა ძველ ბერძნულ ანტიკურ თეატრს უკავშირდება, სადაც აუდიტორიის ადგილებს ასე ეძახდნენ. თუმცა, დღეს ამ ტერმინის მნიშვნელობა უკიდურესად მრავალფეროვანია.

განმანათლებლობა აღნიშნავდა თანამედროვე კულტურაზე გადასვლის დასასრულს. ყალიბდებოდა ახალი ცხოვრების წესი და აზროვნება, რაც იმას ნიშნავს, რომ იცვლებოდა ახალი ტიპის კულტურის მხატვრული თვითშეგნებაც. სახელწოდება „განმანათლებლობა“ კარგად ახასიათებს ამ მიმდინარეობის ზოგად სულს კულტურული და სულიერი ცხოვრების სფეროში, რომელიც მიზნად ისახავს რელიგიურ თუ პოლიტიკურ ავტორიტეტებზე დამყარებული შეხედულებების ჩანაცვლებას ადამიანის გონების მოთხოვნილებებიდან გამომდინარე.

მე -18 საუკუნე მისცა მსოფლიო კულტურას ისეთი შესანიშნავი მხატვრები და თეატრის ხელოვნების თეორეტიკოსები, როგორებიც არიან შერიდანი ინგლისში, ვოლტერი, დიდრო, ბომარშე საფრანგეთში, ლესინგი, გოეთე, შილერი გერმანიაში, გოლდონი იტალიაში. გონების დომინირებამ განაპირობა ის, რომ განმანათლებლობის ხელოვნება განიცდიდა რაციონალურობას, ცხოვრების რაციონალური ანალიზი მოითხოვდა მოწესრიგებულ ფორმებს.

თუმცა, განმანათლებლებმა, რომლებიც ადამიანის იდეალს ჰარმონიულ პიროვნებაში ხედავდნენ, ვერ უგულებელყოფდნენ გრძნობის მოთხოვნებს, როცა საქმე ხელოვნებას ეხებოდა. განმანათლებლობის თეატრმა საოცრად გამოხატა როგორც შინაარსით, ასევე მეთოდით სამყაროს ახალი შეხედულება, რომელიც ეპოქის ადეკვატური იყო.

თეატრი განმანათლებლობის ხანაში ინგლისში.

მე-18 საუკუნის თეატრების მაყურებელი ბევრად უფრო დემოკრატიული გახდა. პარტერში დამონტაჟდა მარტივი სკამები ქალაქელებისთვის. რაეკი სავსე იყო მსახურებით, სტუდენტებითა და მცირე ხელოსნებით. სპექტაკლების მსვლელობისას მაყურებელი ძალიან აქტიური იყო, ანიმაციურად რეაგირებდა სცენაზე გაშვებულზე.

ამრიგად, ინგლისში განმანათლებლობის თეატრმა გააკრიტიკა წარმოშობილი ბურჟუაზიული სისტემის მანკიერებები. არსებობს თეატრის ახალი იდეოლოგიური დოქტრინა: მაყურებლის საზოგადოებრივი და მორალური განათლება. ეს დოქტრინა მშვენივრად ერგებოდა ინგლისის პურიტანულ ტრადიციებს - მომავალში პურიტანებმა შეარბილეს თავიანთი პოზიცია თეატრალურ ხელოვნებასთან დაკავშირებით და აღარ იბრძოდნენ თეატრის, როგორც ასეთის წინააღმდეგ, არამედ მისი რეფორმირებისთვის: უზნეობის აღმოფხვრა და გარდაქმნა. თეატრი სოციალურად სასარგებლო დაწესებულებად იქცა.

პურიტანი თეოლოგის ჯერემი კოლიერის ტრაქტატი არისტოკრატული თეატრის წინააღმდეგ, მოკლე მიმოხილვა ინგლისური სცენის უზნეობისა და უზნეობის შესახებ (1698), გახდა თეატრის რეფორმაციის პროგრამული დოკუმენტი. ამ ტრაქტატმა განსაზღვრა ინგლისური თეატრის ხაზგასმული მორალიზაცია და დიდაქტიზმი თითქმის მთელი მე-18 საუკუნის განმავლობაში. ამ თვალსაზრისით, ისეთი დრამატურგების ნამუშევრები, როგორიცაა ჯოზეფ ედისონი (კატო, დრამერი), რიჩარდ სტილი (მატყუარა შეყვარებული, ან ქალის მეგობრობა; უდარდელი ქმარი), სამუელ ჯონსონი (ირენი), კოლი ციბერი (უდარდელი ქმარი; ბოლო შეფასება ცოლი; გაღიზიანებული ქმარი) განვითარდა ამ გზით. ).

1731 წელს დრამატურგმა ჯორჯ ლილომ თავისი პიესის „ლონდონის ვაჭარი“ ან „ჯორჯ ბარნველის ისტორია“ წინასიტყვაობაში გამოაქვეყნა მანიფესტი ახალი ესთეტიკური პროგრამის, ბურჟუაზიული დრამის რეალისტური თეორიისთვის. ის ეწინააღმდეგება ტრაგედიის კლასობრივ შეზღუდვებს, რამაც გმირებში მხოლოდ მაღალი რანგის პიროვნებები მოიყვანა. არისტოკრატიისადმი ზიზღის დამალვის გარეშე, ის მოითხოვს, რომ ტრაგედია გახდეს ბურჟუაზიის მორალური იდეების გამტარებელი. ათი წლით ადრე, 1721 წელს, ინგლისში გამოჩნდა ანონიმური პიესა "Fatal Madness", რომელიც დაწერილი იყო წვრილბურჟუაზიული დრამის ერთ-ერთ საყვარელ თემაზე - აზარტული თამაშების დამღუპველ შედეგებზე. შემდეგ სპექტაკლი პრაქტიკულად შეუმჩნეველი დარჩა - ახალი ჟანრის დრო ჯერ არ იყო მოსული. მაგრამ ახლა ბურჟუაზიული პრობლემები აუდიტორიაში დიდი მოთხოვნა გახდა.

სატირული ტენდენციები დრამატურგიაში წარმატებით განავითარა ჰენრი ფილდინგმა („დონ კიხოტი ინგლისში“; „გრაბსტრიტის ოპერა, ან ცოლის ფეხსაცმელზე“; „ისტორიული კალენდარი 1736 წლისთვის“). სატირული დენონსაციის სიმკვეთრემ გამოიწვია 1737 წელს სამთავრობო კანონის გამოქვეყნება თეატრალური ცენზურის შესახებ, რომელმაც ბოლო მოუღო პოლიტიკურ სატირას. დრამატურგ-პედაგოგების ყურადღება ქცევის კომედიაზე იყო მიმართული, რამაც შესაძლებელი გახადა სოციალური სატირა მაინც. ამ პერიოდის მანერების კომედიის ყველაზე საინტერესო ნამუშევრები ეკუთვნის ოლივერ გოლდსმიტის (კარგი თანაბარი; შეცდომების ღამე) და რიჩარდ შერიდანის (კონკურენტები; სკანდალის სკოლა) კალამი.

ინგლისური მხატვრული ხელოვნების საუკეთესო წარმომადგენელი იყო ცნობილი დევიდ გარიკი (1717-1779), ჰუმანისტი და განმანათლებელი სცენაზე. მან წარმატებით შეუწყო ხელი შექსპირის დრამატურგიას, შეასრულა ჰამლეტის, ლირის და სხვათა როლები.

მე-18 საუკუნის დასასრული ინგლისში აღინიშნა ახალი ჟანრის – „კოშმარებისა და საშინელებების“ ტრაგედიის გაჩენით, რომელიც იყო ახალი ესთეტიკური ტენდენციის – რომანტიზმის წინამორბედი. ამ ჟანრის შემქმნელი იყო ჰორას უოლპოლი. მიუხედავად იმისა, რომ მას ეკუთვნის მხოლოდ ერთი პიესა - "იდუმალი დედა" (1768), რომელიც ასახავს ინცესტუალური ვნების ამბავს, მწერალს დიდი გავლენა მოახდინა პრერომანტიკულ და რომანტიკულ დრამატურგიაზე.

მე -18 საუკუნის ფრანგული თეატრი.

განმანათლებლობის ხანაში საზოგადოების დემოკრატიზაციის პროცესმა წარმოშვა ახალი დრამატული ჟანრი - წვრილბურჟუაზიული დრამა, რომლის შემქმნელები საფრანგეთში იყვნენ დ.დიდრო, მ.ჟ. სედენი, ლ.ს.მერსიე.

წვრილბურჟუაზიული დრამისა და „ცრემლიანი კომედიის“ ნაკლოვანებები დაძლეულია პ.ო. ბომარშეის კომედიებში „სევილიელი დალაქი“ (1775) და „ფიგაროს ქორწინება“ (1784), რომლებშიც მოლიერის ტრადიციები გაცოცხლდა. განახლებული ენერგიულობა და განმანათლებლობის ესთეტიკის საუკეთესო თვისებები განხორციელდა.

საგანმანათლებლო დრამატურგიის გმირული და სამოქალაქო მისწრაფებები უდიდესი ძალით გამოვლინდა საფრანგეთის ბურჟუაზიული რევოლუციის პერიოდში მე-18 საუკუნის ბოლოს. ანტიფეოდალური პათოსით გამსჭვალული M.J. Chenier-ის ტრაგედიები (“Charles IX”, 1789, “Henry VIII”, 1791, “Jean Calas”, 1791, “Kai Gracchus”, 1792), იყო რევოლუციური კლასიციზმის დრამატურგიის მაგალითი. .

საფრანგეთში, ფილოსოფოსმა-განმანათლებელმა ვოლტერმა, თავის დრამატურგიაში მიმართა სოციალურ პრობლემებს და დაგმო დესპოტიზმი, განაგრძო ტრაგედიის ჟანრის განვითარება.

ამასთან, ფრანგულ სცენაზე შენარჩუნებული იყო კომედიურ-სატირული ტრადიცია. ასე რომ, ლესაჟმა (1668-1747) კომედიაში "ტურკარე" გააკრიტიკა არა მხოლოდ დამპალი თავადაზნაურობა, არამედ მეფური ბურჟუაზიაც. მას სურდა კომედიების შექმნა მასობრივი ხალხური თეატრისთვის.

კიდევ ერთი განმანათლებელი და დრამატურგი, დენის დიდრო (1713-1784) სცენაზე იცავდა სიმართლეს და ბუნებრიობას. არაერთი პიესის გარდა („ცუდი ვაჟი“, „ოჯახის მამა“ და სხვ.) დიდრომ დაწერა ტრაქტატი „მსახიობის პარადოქსი“, სადაც მან განავითარა სამსახიობო თეორია.

ვოლტერის განმანათლებლური ტრაგედიების დადგმაში წინა პლანზე გამოვიდნენ ახალი ტიპის მსახიობები, რომლებსაც შეეძლოთ გმირული და ბრალმდებელი თემების სამოქალაქო პათოსის გამოხატვა.

საფრანგეთში განმანათლებლობის თეატრის განვითარებაში დიდი ადგილი ეკავა ბაზრობისა და ბულვარის თეატრებს. სამართლიანი თეატრის ჟანრი იყო პანტომიმა, ფარსები, მორალი, ფაშტშპილები, რომელთა სპექტაკლები ეფუძნებოდა იმპროვიზაციის ხელოვნებას. ეს იყო ხშირად სატირული სპექტაკლები, გროტესკისა და ბუფონიზმის ელემენტებით, სავსე უხეში იუმორით. ბაზრობებზე ასევე გამოდიოდნენ თოკზე მოცეკვავეები, ჟონგლერები და გაწვრთნილი ცხოველები, ცირკის მსახიობების პროტოტიპები. მათ ფართოდ გამოიყენეს პაროდია და სატირა. ამ ხელოვნების დემოკრატიულმა ბუნებამ გამოიწვია მასზე თავდასხმები პრივილეგირებული თეატრების მხრიდან.

გერმანული თეატრის ფორმირება.

ყველაზე გამოჩენილი გერმანელი მწერალი-პედაგოგი გოთოლდ-ეფრემ ლესინგი (1729-1781) იყო გერმანიის ეროვნული თეატრის ნამდვილი შემოქმედი. მან შექმნა პირველი გერმანული ეროვნული კომედია „Minna von Barnholm“, ანტიფეოდალური ტრაგედია „Emilia Galotti“ და არაერთი სხვა დრამატული ნაწარმოები. საგანმანათლებლო ტრაგედიაში ნათან ბრძენი ავტორი რელიგიური ფანატიზმის წინააღმდეგ გამოვიდა.

ცნობილ წიგნში „ჰამბურგის დრამატურგია“ ლესინგმა გამოაქვეყნა თავისი მოსაზრებები დრამის ესთეტიკისა და თეორიის შესახებ. G. E. Lessing არის სოციალური დრამის, ეროვნული კომედიისა და საგანმანათლებლო ტრაგედიის შემოქმედი, თეატრის თეორეტიკოსი, მე-18 საუკუნის გერმანულ თეატრში რეალისტური ტენდენციის ფუძემდებელი.

განმანათლებლობის იდეებმა დიდი გავლენა მოახდინა გერმანულ მსახიობობაზე, დააახლოვა იგი რეალიზმთან. ამ წლების განმავლობაში გერმანიაში ყველაზე გამორჩეული მსახიობი იყო ფრიდრიხ ლუდვიგ შრედერი (1744-1816), რომელიც დაკავშირებულია „ქარიშხლისა და სტრესის“ იდეებთან. 70-იან წლებში. მე -18 საუკუნე გერმანულ ხელოვნებაში წარმოიშვა ახალი ტენდენცია სახელწოდებით "ქარიშხლები და თავდასხმები".

ის ასახავდა ბურჟუაზიის ყველაზე მოწინავე, რევოლუციური მოაზროვნე წრეების მოძრაობას, რომლებიც ებრძოდნენ ფეოდალიზმს და აბსოლუტიზმს. ამ მიმდინარეობაში მონაწილეობდნენ უდიდესი გერმანელი პოეტები და დრამატურგები გოეთე და შილერი. 1777 წელს გაიხსნა მანჰაიმის ეროვნული თეატრი, რომელიც გახდა 80-90-იანი წლების ერთ-ერთი უდიდესი გერმანული თეატრი. მე-18 საუკუნეში მასში განვითარდა მსახიობის, რეჟისორისა და დრამატურგის A.V.Iffland-ის მოღვაწეობა. მან მანჰაიმის სცენაზე დარგა ბურჟუაზიულ-ფილისტური დრამა (საკუთარი პიესები, ასევე ა. კოტცებუეს პიესები), რამაც განსაზღვრა თეატრის შემოქმედებითი სახე.

XVIII საუკუნის ბოლოს. გერმანული თეატრის განვითარება დაკავშირებულია ვაიმარის თეატრში დიდი გერმანელი დრამატურგების ი.ვ.გოეთესა და ფ.შილერის მოღვაწეობასთან. აქ პირველად გერმანიაში დაიდგა მსოფლიო კლასიკური დრამის უდიდესი ნაწარმოებები (გოეთე, შილერი, ლესინგი, ვოლტერი და სხვები), ჩაეყარა სარეჟისორო ხელოვნების საფუძველი, მსახიობთა ანსამბლის პრინციპი დაქვემდებარებული ერთი მხატვრული. კონცეფცია განხორციელდა.

გოეთე თავის თეორიულ პროგრამაში და მხატვრულ პრაქტიკაში ადასტურებდა უძველესი ხელოვნების მკაცრ ნორმებს მონუმენტური თეატრის შექმნის პრინციპებს. სამსახიობო „ვაიმარის სკოლა“ მანჰეიმის სკოლის საპირისპირო იყო და კლასიცისტურს უახლოვდებოდა.

იტალიური თეატრი.

მიუხედავად ეკონომიკური და პოლიტიკური ჩამორჩენილობისა, იტალია გამოირჩეოდა თეატრალური ცხოვრების სიმდიდრითა და მრავალფეროვნებით. მე-18 საუკუნისთვის იტალია ფლობდა მსოფლიოში საუკეთესო მუსიკალურ თეატრს, რომელშიც გამოირჩეოდა ორი ტიპი - სერიოზული ოპერა და კომიკური ოპერა (ოპერის ბუფი). იყო თოჯინების თეატრი, ყველგან იმართებოდა კომედია დელარტის სპექტაკლები.

თუმცა დრამატული თეატრის რეფორმა დიდი ხანია მწიფდება. განმანათლებლობის ხანაში ექსპრომტი კომედია აღარ აკმაყოფილებდა იმდროინდელ მოთხოვნებს. საჭირო იყო ახალი, სერიოზული, ლიტერატურული თეატრი. ნიღბების კომედია ყოფილი სახით ვერ იარსებებდა, მაგრამ მისი მიღწევები უნდა შენარჩუნებულიყო და ფრთხილად გადაეცა ახალ თეატრში.

იტალიურ თეატრში განმანათლებლობის იდეების შეღწევას თან ახლდა ხანგრძლივი ბრძოლა ფორმალიზმთან და იდეების ნაკლებობასთან თეატრალურ სცენაზე. ნოვატორი იტალიაში იყო გამორჩეული დრამატურგი კარლო გოლდონი (1707-1793). მან შექმნა პერსონაჟების ახალი კომედია. იმპროვიზაციის ნაცვლად სპექტაკლი ლიტერატურულ ტექსტზე იყო დაფუძნებული.

მე-18 საუკუნის მეორე ნახევარი იტალიის ისტორიაში შევიდა, როგორც თეატრალური ომების დრო. მას დაუპირისპირდა აბა ჩიარი, უღიმღამო დრამატურგი და ამიტომ არ იყო საშიში, მაგრამ მისი მთავარი მოწინააღმდეგე, ნიჭით ტოლი, კარლო გოზი იყო. გოზი ნიღბების თეატრის დასაცავად მოვიდა და ამოცანები დაისახა ექსპრომტი კომედიის ტრადიციის აღორძინება. და რაღაც ეტაპზე ჩანდა, რომ მან წარმატებას მიაღწია. და მიუხედავად იმისა, რომ გოლდონიმ თავის კომედიებში იმპროვიზაციის ადგილი დატოვა და თავად გოზიმ საბოლოოდ ჩაწერა მისი თითქმის ყველა დრამატული ნაწარმოები, მათი დავა სასტიკი და უკომპრომისო იყო. ვინაიდან ორ დიდ ვენეციელს შორის დაპირისპირების მთავარი ნერვი არის მათი სოციალური პოზიციების შეუთავსებლობა, სამყაროსა და ადამიანის სხვადასხვა შეხედულებებში.

კარლო გოზი (1720-1806) იყო ნიჭიერი დრამატურგი. გოლდონის კომედიებს საკუთარი რეპერტუარით დაპირისპირების მცდელობისას გოზიმ განავითარა თეატრალური ზღაპრის ჟანრი. ეს არის მისი პიესები "სიყვარული სამი ფორთოხლისთვის", "ირმის მეფე", ცნობილი "პრინცესა ტურანდოტი", "გველი ქალი" და სხვა. მდიდარი ირონიისა და წვნიანი იუმორის წყალობით, გოზის ნიჭიერი ზღაპრები სცენაზე დღესაც წარმატებულია.

ტრაგედიების უდიდესი ავტორი იყო ვიტორიო ალფიერი. მის სახელს უკავშირდება იტალიური რეპერტუარის ტრაგედიის დაბადება. მან თითქმის ერთპიროვნულად შექმნა სამოქალაქო შინაარსის ტრაგედია. ვნებიანი პატრიოტი, რომელიც ოცნებობდა სამშობლოს განთავისუფლებაზე, ალფიერი ეწინააღმდეგებოდა ტირანიას. მისი ყველა ტრაგედია გამსჭვალულია თავისუფლებისთვის ბრძოლის გმირული პათოსით.

ალფიერი ამტკიცებდა, რომ ხალხმა უნდა მიიღოს თავისუფლება არისტოკრატიის ხელიდან, ამტკიცებდა ადამიანის პიროვნების თავისუფლებას, რომლის ნება მხოლოდ გონიერებასა და მოვალეობის გრძნობას ექვემდებარება. ტრაქტატში „სუვერენისა და ლიტერატურის შესახებ“ (1778-86) ალფიერიმ განსაზღვრა დრამატული პოეზიის ამოცანა, როგორც სათნოებისა და თავისუფლების სიყვარულის გრძნობების გაღვიძება. იტალიური თეატრის განვითარებას შეუწყო ხელი ალფიერის ტრაგედიებმა „საული“, „ფილიპე“, „ვირჯინია“, „ბრუტუს I“ და „ბრუტუს II“.

განმანათლებლობის დანიის თეატრი.

დანიაში პროფესიული თეატრი წარმოიშვა მე-18 საუკუნეში, მისი შექმნა გამოწვეული იყო ქვეყნის ეკონომიკური და კულტურული განვითარებით. 1722 წლის 23 სექტემბერს კოპენჰაგენში გაიხსნა თეატრი „დანიური სცენა“ სპექტაკლით „ძუნწი“, მალევე შედგა ლ.ჰოლბერგის პირველი კომედიის „The Tin Man-Politician“ პრემიერა.

1728 წელს სასამართლო წრეების წარმომადგენლებმა მიაღწიეს დანიის სცენის დახურვას. თეატრმა მუშაობა განაახლა მხოლოდ 1748 წელს (სამეფო მოედანზე მდებარე ოთახში). 1770 წელს მან მიიღო სამეფო ტიტული და შევიდა სასამართლოს სამინისტროს იურისდიქციაში. XVIII საუკუნის მეორე ნახევარში. თეატრი დგამდა სინგშპილს, ჯ. ევალდის კომედიებს, ვოლტერისა და მისი დანიელი ეპიგონების ტრაგედიებს, მაგრამ ჰოლბერგის დრამატურგია კვლავაც იყო თეატრის რეპერტუარის საფუძველი.

დანიაში განმანათლებლობის იდეების პოპულარიზაციაში გამორჩეული როლი ითამაშა J. X. Wessel-ის ნაშრომმა, ავტორი პაროდიული ტრაგედიის სიყვარული წინდების გარეშე (1772), რომელმაც გააგრძელა ჰოლბერგის ტრადიციები.

განმანათლებლობის თეატრი ერთ-ერთი ყველაზე თვალსაჩინო და მნიშვნელოვანი მოვლენაა მთელი მსოფლიო კულტურის ისტორიაში; ეს არის ევროპული თეატრალური ხელოვნების ძლიერი წყარო - ყველა დროის. ახალი თეატრი წარმოიშვა ახალგაზრდული ენერგიის მოქმედებაში ჩასმის აუცილებლობისგან. და თუ საკუთარ თავს დაუსვით კითხვა, ხელოვნების რომელ სფეროში უნდა გადმოსულიყო ეს ქმედება, ეს არის გართობის ზღვა, მაშინ პასუხი ნათელია: რა თქმა უნდა, თეატრის სფეროში.

მე-18 საუკუნეში ევროპული თეატრი გრძელი და რთული ცხოვრებით ცხოვრობდა. ესთეტიკურმა ნორმებმა, რომლებიც აბსოლუტურად ითვლებოდა, ამ დროს დაკარგეს თავისი ყოფილი მნიშვნელობა. აზრები და გემოვნება საუკუნეების განმავლობაში დაუნდობელ დაპირისპირებაშია, აუდიტორიები არაერთხელ გადაიქცა სოციალური შეტაკებების ასპარეზად. ავტორები მოქმედებდნენ როგორც პოლიტიკური ოპონენტები, რომლებმაც პირველად გაიგეს, რომ სასტიკი ბრძოლა მათ ხელოვნებაშიც შეიძლება არსებობდეს.

თეატრი, როგორც ხელოვნების ფორმა, არ არის შემონახული ისეთ მატერიალურ ძეგლებში, როგორიცაა ფერწერა და ქანდაკება, ლიტერატურისა და მუსიკის ნაწარმოებები. მაგრამ თეატრის ისტორია მოგვითხრობს წარსულის დიდ მსახიობებზე, როგორ თამაშობდნენ ისინი, თანამედროვეების რა მისწრაფებებს განასახიერებდნენ თავიანთ სპექტაკლში, დროის რა მოთხოვნებს უპასუხეს.

რუსეთის თეატრალური ცხოვრება XIX საუკუნეში.

XIX საუკუნის დასაწყისში განვითარდა რუსეთის იმპერიული თეატრების ქსელი, რომელსაც განაგებდა
„მისი საიმპერატორო უდიდებულესობის სასამართლოს სამინისტრო“. სასამართლოს ჰქონდა სამი თეატრი პეტერბურგში - ალექსანდრინსკის, მარიინსკის და მიხაილოვსკის - და ორი მოსკოვში - ბოლშოის და მალის თეატრები.

პიესების მოსვლასთან ერთად A.N. ოსტროვსკი, ი.ს. ტურგენევი, პროზა F.M. დოსტოევსკის ნეკრასოვის რეალიზმის პოეზია რუსულ კულტურაში მოვიდა.

დრამატურგიასთან ერთად შეიცვალა მსახიობობა, დაარღვია ძველი იდეები იმის შესახებ, თუ რა არის სიმართლე სცენაზე. 1859 წლის 16 ნოემბერი იყო ოსტროვსკის სპექტაკლის "ჭექა-ქუხილის" პრემიერა მალის თეატრში. სპექტაკლის ირგვლივ ქარიშხალი ატყდა. კატერინას როლის პირველი შემსრულებელი იყო მშვენიერი მსახიობი L.P. ნიკულინა - კოსიცკაია. ოსტროვსკის პიესებით სცენაზე იფეთქა რუსული ცხოვრების ელემენტი, ახალი, წვნიანი და თანამედროვე ენა. ოსტროვსკის სპექტაკლებში მალის მსახიობები ბრწყინავდნენ მთელი მომდევნო ათწლეულების განმავლობაში. გ.ნ. ფედოტოვა, მ.ნ. ერმოლოვა მალი თეატრის მშვენიერი მსახიობები არიან.

XIX საუკუნის პირველი ნახევრის რუსი მხატვრები მ. შჩეპკინი, პ.ს. მოჩალოვი, ვ.ა. კარატიგინი დარჩა შთამომავლობის მეხსიერებაში, როგორც ლეგენდის ფიგურები. შჩეპკინმა თითქმის 600 როლი შეასრულა შექსპირის, მოლიერის, გოგოლის, ოსტროვსკის და ტურგენევის პიესებში. მან ერთ-ერთმა პირველმა დაამკვიდრა რეალიზმი რუსულ თეატრში, მან შექმნა სიმართლე რუსულ სცენაზე.

მოჩალოვი შჩეპკინის ზუსტად საპირისპიროა. მან მთავარი როლები შეასრულა რუსული და დასავლური დრამის პიესებში – შექსპირის ჰამლეტში, კარლ მური შილერის დრამაში „ყაჩაღები“, ჩატსკი „ვაი ჭკუიდან“.

სპექტაკლების სპექტაკლებში რუსი მსახიობები ქმნიდნენ სურათებს, რომლებიც დაეცა თეატრალური ხელოვნების ისტორიაში. მაყურებელი აღფრთოვანებული იყო ეკატერინა სემიონოვა, ალექსეი იაკოვლევი. ეს მსახიობები მთლიანად რეინკარნაციას განიცდიდნენ წარმოდგენილ პიროვნებაში. თანდათანობით, მალის თეატრმა დაიწყო სპეციალობა დრამატულ სპექტაკლებში, ხოლო ბოლშოი ოპერასა და ბალეტში.

ბოლშოი პეტროვსკის თეატრი 1825-1853 წწ

1825 წლის 6 იანვარს ბოლშოი პეტროვსკის თეატრის გახსნა ძალიან საზეიმოდ მოეწყო. მაყურებლები, რომლებიც იმ საღამოს ახალ თეატრს ესტუმრნენ, შოკირებული იყვნენ არქიტექტურული დიზაინისა და მისი განსახიერების კეთილშობილებით, შენობის უპრეცედენტო მასშტაბით და მისი აუდიტორიის დეკორაციის სილამაზით.

მწერალი სერგეი აქსაკოვი იხსენებდა: ”ბოლშოი პეტროვსკის თეატრი, რომელიც წარმოიშვა ძველი, დამწვარი ნანგრევებიდან... გამაოცა და აღაფრთოვანა... დიდებულმა უზარმაზარმა შენობამ, რომელიც ექსკლუზიურად ეძღვნება ჩემს საყვარელ ხელოვნებას, უკვე მხოლოდ თავისი გარეგნობით მიმიყვანა მხიარულ მღელვარებაში. ..."

სპექტაკლის დაწყებამდე მაყურებელმა სცენაზე თეატრის მშენებელი ოსიპ ბოვე გამოიძახა და აპლოდისმენტებით დააჯილდოვა.

1853 წლის 11 მარტს მოღრუბლულ ყინვაგამძლე დილით, გაურკვეველი მიზეზის გამო, თეატრში ხანძარი გაჩნდა. ცეცხლმა მყისიერად მოიცვა მთელი შენობა, მაგრამ უდიდესი ძალით ცეცხლი მძვინვარებდა სცენაზე და აუდიტორიაში. „საშინელი იყო ამ გიგანტის ყურება ცეცხლზე, - აღწერს ხანძარი თვითმხილველმა. „როდესაც ის იწვა, გვეჩვენებოდა, რომ ჩვენს თვალწინ კვდებოდა ჩვენთვის ძვირფასი ადამიანი, რომელიც გვაძლევდა ყველაზე ლამაზი ფიქრებითა და გრძნობებით. ..”

მოსკოველები ცეცხლს ორი დღის განმავლობაში ებრძოდნენ, მესამე დღეს კი თეატრის შენობა რომის კოლიზეუმის ნანგრევებს დაემსგავსა. შენობის ნაშთები დაახლოებით ერთი კვირის განმავლობაში დნებოდა. მე-18 საუკუნის ბოლოდან შეგროვებული თეატრალური კოსტიუმები, შესანიშნავი სცენები, დასის არქივი, მუსიკალური ბიბლიოთეკის ნაწილი და იშვიათი მუსიკალური ინსტრუმენტები ცეცხლში შეუქცევად დაიღუპა.

პროფესორ ა.მიხაილოვის მიერ შედგენილი თეატრის ახალი შენობის პროექტი 1821 წელს იმპერატორმა ალექსანდრე I-მა დაამტკიცა და მისი მშენებლობა არქიტექტორ ოსიპ ბოვეს დაევალა.

ევროპაში ერთ-ერთი ყველაზე დიდი თეატრი აშენდა დამწვარი თეატრალური შენობის ადგილზე, მაგრამ ფასადი თეატრის მოედნისკენ იყო...

ბოლშოის თეატრი (1856-1917)

1856 წლის 20 აგვისტოს აღდგენილი დიდი თეატრი სამეფო ოჯახისა და ყველა სახელმწიფოს წარმომადგენლის თანდასწრებით გაიხსნა ვ.ბელინის ოპერით „პურიტანი“ იტალიური დასის მიერ. ამ პერიოდის მოსკოვის ბალეტი წარმატებას სანკტ-პეტერბურგში დასახლებული ფრანგი მარიუს პეტიპას ნიჭით ევალება. ქორეოგრაფი არაერთხელ ჩავიდა მოსკოვში სპექტაკლების დასადგმელად. მის მოსკოვურ ნამუშევრებს შორის ყველაზე მნიშვნელოვანი იყო ლ.მინკუსის "დონ კიხოტი", რომელიც პირველად 1869 წელს აჩვენეს. შემდგომში პეტიპამ ამ ბალეტის მოსკოვური გამოცემა პეტერბურგის სცენაზე გადაიტანა.

საშემსრულებლო კულტურის განვითარებისთვის დიდი მნიშვნელობა ჰქონდა პ.ჩაიკოვსკის შემოქმედებას. ბოლშოის თეატრის სცენაზე შედგა კომპოზიტორის დებიუტი ოპერის მუსიკაში - "ვოევოდა" (1869) და ბალეტში - "გედების ტბა" (1877). აქ ოპერა „ევგენი ონეგინი“ (1881) მიიღო თავისი ნამდვილი დაბადება, პირველი გამოცდა დიდ სცენაზე 1879 წლის კონსერვატორიის წარმოების შემდეგ; ოპერა „მაზეპა“ (1884), კომპოზიტორის ოპერის ერთ-ერთი მწვერვალი, პირველად იხილა დღის სინათლე; ოპერის მჭედელი ვაკულას საბოლოო ვერსია, რომელმაც 1887 წლის სპექტაკლში მიიღო ახალი სახელი ჩერევიჩკი.

თეატრის ანალებში დასამახსოვრებელი წარმოდგენა იყო ი.მუსორგსკის ხალხური დრამის „ბორის გოდუნოვის“ პირველი სპექტაკლი 1888 წლის 16 დეკემბერს. ნ.რიმსკი-კორსაკოვის პირველი ოპერები იყო „თოვლის ქალწული“ (1893 წ.), რასაც მოჰყვა „შობის წინა ღამე“ (1898 წ.). იმავე 1898 წელს თეატრმა მაყურებელს პირველად აჩვენა ა.ბოროდინის ოპერა „პრინცი იგორი“, ხოლო ორი წლის შემდეგ ქორეოგრაფიული ხელოვნების მოყვარულებმა გაიცნეს ა.გლაზუნოვის ბალეტ „რაიმონდა“.

მე-19 საუკუნის ბოლოს - მე-20 საუკუნის დასაწყისის თეატრის საოპერო დასში შედის მრავალი გამოჩენილი მომღერალი. გასული წლების დიდებულ სახელებს შორის არიან ევლალია კადმინა, ანტონ ბარცალი, პაველ ხოხლოვი, ნადეჟდა სალინა, ივან გრიზუნოვი, მარგარიტა გუნოვა, ვასილი პეტროვი და სხვები. ამ წლებში თეატრის სცენაზე გამოჩნდნენ მომღერლები, რომელთა სახელები მალევე გახდა ცნობილი არა მხოლოდ რუსეთი, მაგრამ და საზღვარგარეთ - ლეონიდ სობინოვი, ფედორ ჩალიაპინი, ანტონინა ნეჟდანოვა.

ნაყოფიერი იყო მოღვაწეობა სერგეი რახმანინოვის თეატრში, მან თავი ბრწყინვალე მუსიკოსად გამოაცხადა დირიჟორის სტენდის მიღმა. რახმანინოვმა გააუმჯობესა რუსული საოპერო კლასიკის ხმის ხარისხი თეატრში. სხვათა შორის, რახმანინოვის სახელს უკავშირდება დირიჟორის კონსოლის გადატანა იმ ადგილას, სადაც ის ახლაა, სანამ დირიჟორი ორკესტრის უკან, სცენისკენ იდგა.

1899 წელს მძინარე მზეთუნახავის პრემიერა შედგა ბოლშოის თეატრში. ამ ბალეტის დადგმა, რომელმაც დაამყარა მუსიკისა და ცეკვის თანამეგობრობა რუსულ ბალეტის თეატრში, იყო მოსკოვში ხანგრძლივი და ბედნიერი მუშაობის დასაწყისი ქორეოგრაფის, ლიბრეტისტისა და მასწავლებლისთვის ალექსანდრე გორსკისთვის. მასთან მუშაობდა ნიჭიერი მხატვრების დიდი ჯგუფი - ეკატერინა გელცერი, ვერა კარალი, სოფია ფედოროვა, ალექსანდრა ბალაშოვა, ვასილი ტიხომიროვი, მიხაილ მორდკინი, დირიჟორი და კომპოზიტორი ანდრეი არენდე და სხვები. ბალეტის ახალი წარმოების დიზაინისთვის დონ კიხოტი ( 1900), გორსკიმ პირველად მოიწვია ახალგაზრდა მხატვრები კონსტანტინე კოროვინი და ალექსანდრე გოლოვინი, თეატრალური მხატვრობის მომავალი დიდი ოსტატები.

1911 წ თეატრის შენობის აღდგენის პროექტის კონკურსში ალბერტ კავოსის წარდგენილმა გეგმამ გაიმარჯვა.

კავოსმა, შეინარჩუნა ბოვეს შენობის განლაგება და მოცულობა, გაზარდა სიმაღლე, შეცვალა პროპორციები და გადააკეთა არქიტექტურული დეკორი. კერძოდ, შენობის გვერდებზე აშენდა თუჯის თხელი გალერეები ლამპრებით. თანამედროვეებმა აღნიშნეს ამ კოლონადის გარეგნობა, განსაკუთრებით ლამაზი საღამოობით, როცა მას შორიდან უყურებ და ანთებული ნათურების რიგი თითქოს ალმასის ძაფია, რომელიც გადის თეატრის გასწვრივ.

აპოლონის ალაბასტრის ჯგუფი, რომელიც ამშვენებდა ბოვეს თეატრს, ხანძრის შედეგად დაიღუპა. ახალი კავოსის შესაქმნელად მან მოიწვია ცნობილი რუსი მოქანდაკე პიოტრ კლოდტი (1805-1867), ცნობილი ოთხი საცხენოსნო ჯგუფის ავტორი სანქტ-პეტერბურგში, მდინარე ფონტანკას გაღმა ანიჩკოვის ხიდზე.

კლოდტმა შექმნა ახლა მსოფლიოში ცნობილი სკულპტურული ჯგუფი აპოლონთან ერთად. იგი ჩამოსხმული იყო ლიხტენბერგის ჰერცოგის ქარხნებში ლითონის შენადნობისგან, რომელიც დაფარული იყო წითელი სპილენძით.

აუდიტორიის რეკონსტრუქციის დროს კავოსმა დარბაზის ფორმა შეცვალა, სცენამდე შეავიწროა, ორკესტრის ორმო გააღრმავა. პარტერის სავარძლების უკან, სადაც ადრე გალერეა იყო, ამფითეატრი მოაწყო. აუდიტორიის ზომები გახდა: თითქმის თანაბარი სიღრმე და სიგანე - დაახლოებით 30 მეტრი, სიმაღლე - დაახლოებით 20 მეტრი. აუდიტორიამ დაიწყო 2000-ზე მეტი მაყურებლის განთავსება.

ამ ფორმით, ბოლშოის თეატრი დღემდე შემორჩა, მცირე შიდა და გარე რეკონსტრუქციების გარდა.

თეატრი ადამიანთა სამყაროს სასწაულია.

ნებისმიერი თანამედროვე ადამიანისთვის თეატრები დაგეგმილი კულტურული დასვენების განუყოფელი ნაწილი გახდა. და ბევრს აინტერესებს თეატრის გაჩენის ისტორია, რადგან იყო პერიოდი, როცა თეატრები არ არსებობდა? ძნელი დასამახსოვრებელია, როდის იყო ეს, რადგან პირველივე თეატრები პრიმიტიულ თემებში გამოჩნდა.

იმ შორეულ დროში ადამიანებს ჯერ კიდევ არ ესმოდათ, რატომ წვიმდა, რატომ გაცივდა მოულოდნელად და როგორ იყვნენ დამნაშავენი ყოვლისშემძლეს წინაშე, რომ მან თოვლი ან ძლიერი წვიმა გამოგზავნა. ისე რომ მათ არაფერი დაემუქროთ, ყოველი მნიშვნელოვანი მოვლენის წინ ცდილობდნენ თეატრალური ცერემონიის გამართვას. მსგავსი მოვლენების შესახებ ინფორმაციამ საშუალება მოგვცა გაგვეგო, როგორ გაჩნდა თეატრი და რატომ ექცეოდა მას ამდენი ყურადღება.

პრიმიტიულიდან თანამედროვემდე

პრიმიტიული თეატრი, რა თქმა უნდა, არ ჰგავდა თანამედროვე სპექტაკლებს. აქ საუბარი არ იყო პროფესიონალიზმზე და ნიჭზე - ადამიანები ცდილობდნენ მოვლენების თეატრალიზებას ისე, როგორც მათ გრძნობდნენ, თავიანთი სული და მთელი გამოცდილება ჩაეყარათ თითოეულ ღონისძიებაში. მათ გულწრფელად სჯეროდათ, რომ რაც უფრო ემოციურად შეეძლოთ თავიანთი ერთგულების წარმოჩენა, მით უკეთესი მოსავალი იქნებოდა, მაგალითად. ამ ყველაფერს თან ახლდა იმპროვიზირებული მუსიკა და სიმღერები.

მოგვიანებით, სადღაც III ათასწლეულში ძვ.წ. ეგვიპტეში უკვე იმართებოდა უფრო ორგანიზებული თეატრალური სცენები ხელოსნებისა და ფერმერების პატრონების შესახებ. საბერძნეთი გახდა კარნავალის სპექტაკლების დაბადების ადგილი, რომლებიც ძირითადად ღია ცის ქვეშ იმართებოდა. აქ პოპულარული იყო ხალხური თეატრები. მსახიობებს თითქმის ყოველთვის უწევდათ ნიღბების ტარება.

რენესანსი - ამ პერიოდში ძირითადად იდგმებოდა კომედიური სპექტაკლები. ისინი ქალაქის მოედნებზე დაიდგა და სპექტაკლის საყურებლად უამრავი ხალხი შეიკრიბა.

სადღაც მე-16 საუკუნის ბოლოს. - მე -17 საუკუნის დასაწყისში მსოფლიომ აღიარა ოპერა და მხოლოდ მოგვიანებით, მე -18 საუკუნის შუა ხანებისთვის გამოჩნდა ბალეტი, პირველი ოპერეტა მხოლოდ მე -19 საუკუნის შუა ხანებში გამოჩნდა.

გასული წლების პროდუქცია დღეს

მე-18-მე-19 საუკუნეების თეატრზე საუბრისას უკვე საუბარია სპექტაკლებსა და სპექტაკლებზე, რომლებშიც ნიჭიერი მსახიობები მონაწილეობდნენ. ისინი დაიდგა და თავად თეატრები რადიკალურად განსხვავდებოდნენ პრიმიტიული და რენესანსისგან. ასე რომ, მე -19 საუკუნის ბოლოდან ჩვენთან მოვიდა ბალეტის "მაკნატუნა" ბრწყინვალე წარმოდგენა. და იმ დღეებში და ახლა ყველასთვის ხელმისაწვდომი არ იყო. ეს, რა თქმა უნდა, განპირობებულია პროდუქციის დიდი და მუდმივად მზარდი პოპულარობით. თუ ადრე მხოლოდ ელიტა, კეთილშობილ ქალბატონებს და ბატონებს შეეძლოთ ისეთი ფუფუნება, როგორიც თეატრი იყო, დღეს ისინი ყველასთვის ხელმისაწვდომია. ბილეთების გარშემო აჟიოტაჟის მიუხედავად, ხალხი აგრძელებს ბილეთების შესაძენად ალტერნატიული გზების პოვნას. ასე რომ, მაგალითად, შეგიძლიათ შეუკვეთოთ ისინი ჩვენს ვებსაიტზე. ეს გიხსნით რიგებისა და გაუთვალისწინებელი უსიამოვნო სიტუაციებისგან.

დღეს თეატრმა სხვა სახე მიიღო. ის ყველა ქვეყანაში გახდა სიმბოლო და სიამაყე. არქიტექტურული ანსამბლები, დეკორატიული დიზაინი და ფართო დარბაზები, ცნობილი პოეტების, რეჟისორებისა და თეატრის შემქმნელების პორტრეტები, როგორც წესი, ყოველთვის ამშვენებს დარბაზს. თანამედროვე სცენაზე ხშირად ვხვდებით სპექტაკლებს, რომლებიც პირველად მეფის დროს დაიდგა. დიახ, მათ განიცადეს გარკვეული კორექტირება, შესაძლოა, ზოგიერთში უფრო რეალური მოვლენებიც დაინერგა და სადღაც სამხატვრო ხელმძღვანელებმა გადაწყვიტეს დაემატებინათ მუსიკალური აკომპანიმენტი, ოპერისა და ბალეტის შერწყმა. მაგრამ, მიუხედავად ამისა, ეს მაინც ადასტურებს, რომ თეატრი ყოველთვის არსებობდა წარსულში და მომავალში ის მიიპყრობს მაყურებლის ყურადღებას, თუნდაც გასული საუკუნის სპექტაკლი სცენაზე იყოს წარმოდგენილი - ეს არის ჩვენი ისტორია და ბევრისთვის. ის კულტურისა და ტრადიციების ჩამოყალიბების მნიშვნელოვანი კომპონენტია.