კლაუდიო მონტევერდი დაიბადა კრემონაში. დანამდვილებით ცნობილია მხოლოდ მისი ნათლობის თარიღი - 1567 წლის 15 მაისი. კრემონა არის ჩრდილოეთ იტალიის ქალაქი, რომელიც დიდი ხანია ცნობილია, როგორც უნივერსიტეტი და მუსიკალური ცენტრი შესანიშნავი ეკლესიის სამლოცველოებით და უკიდურესად მაღალი ინსტრუმენტული კულტურით. მე-16-17 საუკუნეებში ცნობილი კრემონელი ოსტატების მთელი ოჯახები - ამატი, გუარნერი, სტრადივარი - ამზადებდნენ მშვილდ ინსტრუმენტებს, რომლებსაც ტოლი არ ჰქონდათ ხმის სილამაზით და სხვაგან არსად.
კომპოზიტორის მამა ექიმი იყო, მან თავადაც, ალბათ, მიიღო უნივერსიტეტის განათლება და ახალგაზრდობაში იგი განვითარდა არა მხოლოდ როგორც მუსიკოსი, რომელიც დახელოვნებული იყო სიმღერაში, ვიოლინოზე დაკვრაში, ორღანზე და სულიერი სიმღერების, მადრიგალებისა და კანზონეტების შედგენაში, არამედ როგორც მხატვარი. ძალიან ფართო მსოფლმხედველობა და ჰუმანისტური შეხედულებები. მას კომპოზიცია ასწავლა იმდროინდელმა ცნობილმა კომპოზიტორმა მარკ ანტონიო ინგენჯერნმა, რომელიც კრემონას საკათედრო ტაძრის ბენდმაისტერად მსახურობდა.
1580-იან წლებში მონტევერდი ცხოვრობდა მილანში, საიდანაც, ჰერცოგ ვინჩენცო გონზაგას მიწვევით, ის, ოცდასამი წლის, წავიდა მანტუას კარზე, როგორც მომღერალი და ვირტუოზი ვიოლინოზე. შემდგომში (1601 წლიდან) იგი გახდა გონზაგას სასამართლო კაპელმეისტერი. დოკუმენტური მასალები და, უპირველეს ყოვლისა, თავად კომპოზიტორის მიმოწერა, მეტყველებს იმაზე, რომ მისი ცხოვრება იქ სულაც არ ყოფილა ტკბილი, ის განიცდიდა პატრონების დესპოტიზმს და სიხარბეს, რომლებიც იმპერიულად და წვრილმანად ზრუნავდნენ მის საქმიანობაზე და განწირულნი იყვნენ მას. იძულებითი არსებობა. „მირჩევნია ვეხვეწო, ვიდრე კვლავ დამექვემდებარებოდე ასეთ დამცირებას“, დაწერა მოგვიანებით. მიუხედავად ამისა, სწორედ ამ რთულ პირობებში ჩამოყალიბდა მონტევერდი საბოლოოდ, როგორც სექსუალურ და გამოჩენილ ოსტატად - ნაწარმოებების შემქმნელმა, რომელმაც უკვდავყო მისი სახელი. მისი ხელოვნების დახვეწას ხელი შეუწყო ყოველდღიური მუშაობა სასამართლოს სამლოცველოსა და წმინდა ბარბარეს ეკლესიის შესანიშნავ ანსამბლებთან, უნგრეთში, ფლანდრიაში, გონზაგას პალატაში მოხეტიალე ევროპაში, გამოჩენილ თანამედროვეებთან ურთიერთობამ, რომელთა შორის იყვნენ ასეთი ბრწყინვალე მხატვრები. როგორც, მაგალითად, რუბენსი. მაგრამ მონტევერდისთვის პროგრესის განსაკუთრებით მნიშვნელოვანი ფაქტორი იყო მისი თანდაყოლილი მოკრძალება, დაუღალავი შრომა და განსაკუთრებული სიზუსტე საკუთარი კომპოზიციების მიმართ. 1580-1600-იან წლებში ლამაზი ხუთნაწილიანი მადრიგალების პირველი ხუთი წიგნი დაიწერა კრემონაში, მილანსა და მანტუაში.
ამ ჟანრის მნიშვნელობა შემოქმედებითი მეთოდისა და ოსტატის მთელი მხატვრული პიროვნების ჩამოყალიბებაში უზარმაზარი იყო. საქმე მხოლოდ ის არ არის, რომ მონტევერდის მემკვიდრეობაში მადრიგალი რაოდენობრივად დომინირებს სხვებზე (მხოლოდ ორასამდე ნაწარმოები ტასოს, მარინას, გუარინის, სტრიჯოს და სხვა პოეტების ტექსტებზე დაფუძნებული). სწორედ ეს ჟანრული სფერო იქცა მონტევერდის შემოქმედებით ლაბორატორიად, სადაც იგი ახალგაზრდობაშიც კი ახორციელებდა ყველაზე გაბედულ ინოვაციურ წამოწყებებს. რეჟიმის ქრომატიზაციისას ის ბევრად უსწრებდა მე-16 საუკუნის მადრიგალისტებს, თუმცა სუბიექტივისტურ დახვეწილობაში მოხვედრის გარეშე. მონტევერდის უზარმაზარი პროგრესული შენაძენი იყო რენესანსის პოლიფონიის ბრწყინვალედ შერწყმა და ახალი ჰომოფონიური საწყობი - სხვადასხვა ტიპის დრამატულად ინდივიდუალური მელოდია ინსტრუმენტული თანხლებით. ეს, თავად კომპოზიტორის თქმით, „მეორე პრაქტიკა“, რომელმაც სრული და ნათელი გამოხატულება ჰპოვა ხუთნაწილიან მადრიგალების მეხუთე წიგნში, გახდა გზა მხატვრის უმაღლესი ესთეტიკური მიზნის მიღწევისაკენ, ჭეშმარიტების ძიებასა და განსახიერებამდე. კაცობრიობა. ამიტომ, ვთქვათ, პალესტრინასგან განსხვავებით, თავისი რელიგიური და ესთეტიკური იდეალებით, მონტევერდი, მიუხედავად იმისა, რომ მან მოგზაურობა დაიწყო საკულტო მრავალხმიანობით, საბოლოოდ დაიმკვიდრა თავი წმინდა საერო ჟანრებში.
არაფერი მიზიდავდა მას ისე, როგორც ადამიანის შინაგანი, სულიერი სამყაროს გამოვლენა მის დრამატულ შეჯახებებსა და კონფლიქტებში გარე სამყაროსთან. მონტევერდი ტრაგიკული გეგმის კონფლიქტური დრამატურგიის ნამდვილი ფუძემდებელია. ის ადამიანთა სულების ნამდვილი მომღერალია. ის დაჟინებით იბრძოდა მუსიკის ბუნებრივი ექსპრესიულობისთვის. "ადამიანური მეტყველება ჰარმონიის პატრონია და არა მისი მსახური." მონტევერდი არის იდილიური ხელოვნების მტკიცე მოწინააღმდეგე, რომელიც არ სცილდება „კუპიდების, მარშმელოუსა და სირენების“ ხმოვან ფერწერას. და ვინაიდან მისი გმირი ტრაგიკული გმირია, მისი „მელოპოეტური ფიგურები“ გამოირჩევიან მკვეთრად დაძაბული, ხშირად დისონანსური ინტონაციის სისტემით. ბუნებრივია, რომ ეს მძლავრი დრამატული დასაწყისი, რაც უფრო შორს, მით უფრო უახლოვდებოდა კამერული ჟანრის საზღვრებს. თანდათან მონტევერდიმ განასხვავა "ჟესტების მადრიგალი" და "არაჟესტიკულის მადრიგალი".
მაგრამ უფრო ადრეც, მისმა დრამატულმა ძიებამ მიიყვანა იგი ოპერის თეატრის გზაზე, სადაც იგი მაშინვე მოქმედებდა სრულად შეიარაღებული "მეორე პრაქტიკით" პირველი მანტუას ოპერებით ორფეოსი (1607) და არიადნე (1608), რამაც მას დიდი პოპულარობა მოუტანა.
მისი „ორფეოსით“ იწყება ნამდვილი ოპერის ისტორია. ტიპიური სასამართლო წვეულებისთვის განკუთვნილი "ორფეოსი" დაწერილია ლიბრეტოზე, რომელიც აშკარად ასოცირდება ზღაპრულ პასტორალურ და მდიდრულ დეკორატიულ ინტერლუდებთან - სასამართლო ესთეტიკის ამ ტიპურ ატრიბუტებთან. მაგრამ მონტევერდის მუსიკა ჰედონისტურ ზღაპრულ პასტორალს ღრმა ფსიქოლოგიურ დრამაში აქცევს. მოჩვენებითი პასტორალი ხასიათდება ისეთი ექსპრესიული, ინდივიდუალურად უნიკალური მუსიკით, რომელიც გაჟღენთილია მგლოვიარე მადრიგალის პოეტური ატმოსფეროთი, რომ ის დღემდე მოქმედებს ჩვენზე.
"... არიადნე შეეხო იმიტომ, რომ ქალი იყო, ორფეოსი - იმიტომ, რომ ის უბრალო ადამიანია... არიადნამ გამოიწვია ჩემში ჭეშმარიტი ტანჯვა, ორფეოსთან ერთად ვლოცულობდი საწყალისთვის..." მონტევერდის არსი ასევე შეიცავს ამ განცხადებას. შემოქმედებითობა და მისი რევოლუციის მთავარი არსი ხელოვნებაში. მონტევერდის ცხოვრების განმავლობაში მუსიკის უნარის განსახიერება „ადამიანის შინაგანი სამყაროს სიმდიდრის“ შესახებ, არა მხოლოდ არ იყო გაურკვეველი ჭეშმარიტება, არამედ აღიქმებოდა როგორც რაღაც გაუგონარი, ახალი, რევოლუციური. პირველად ათასწლეულის ეპოქაში, მიწიერი ადამიანური გამოცდილება აღმოჩნდა კომპოზიტორის შემოქმედების ცენტრში ჭეშმარიტად კლასიკურ დონეზე.
ოპერის მუსიკა ორიენტირებულია ტრაგიკული გმირის შინაგანი სამყაროს გამოვლენაზე. მისი ნაწილი არაჩვეულებრივად მრავალმხრივია, მასში ერწყმის სხვადასხვა ემოციური და ექსპრესიული მიმდინარეობა და ჟანრული ხაზი. იგი ენთუზიაზმით უხმობს მშობლიურ ტყეებსა და სანაპიროებს ან გლოვობს ევრიდიკეს დაკარგვას უხელოვნებო ხალხურ სიმღერებში.
რეჩიტატიურ დიალოგებში ორფეოსის ვნებიანი გამონათქვამები იწერება იმ აღელვებული, მონტევერდის გვიანდელი გამონათქვამით, „დაბნეული“ სტილით, რომელიც მან განზრახ შეაპირისპირა ფლორენციული ოპერის ერთფეროვან რეჩიტატივს. გმირის იმიჯი, მისი შთაგონებული ხელოვნება, ბედნიერი სიყვარული და მძიმე დანაკარგი, მისი მსხვერპლშეწირვა და მიზნის მიღწევა, ტრაგიკული დასრულება და მომღერლის საბოლოო ოლიმპიური ტრიუმფი - ეს ყველაფერი პოეტურად არის განსახიერებული კონტრასტული მუსიკალური სცენების ფონზე. .
მთელ ოპერაში მელოდიური მელოდიები მიმოფანტულია გულუხვი ხელით, ყოველთვის შეესაბამება პერსონაჟების გარეგნობას და სასცენო სიტუაციებს. კომპოზიტორი არავითარ შემთხვევაში არ უგულებელყოფს მრავალხმიანობას და დროდადრო თავის მელოდიებს ელეგანტურ კონტრაპუნტულ ქსოვილში ქსოვს. მიუხედავად ამისა, ორფეოსში დომინირებს ჰომოფონიური საწყობი, რომლის პარტიტურა ფაქტიურად ანათებს ქრომატული ჰარმონიების თამამი და ძვირფასი აღმოჩენებით, ფერადი და ამავე დროს ღრმად გამართლებული დრამის ამა თუ იმ ეპიზოდის ფიგურალური და ფსიქოლოგიური შინაარსით.
ორფეოსის ორკესტრი იმ დროს უზარმაზარი იყო და ზედმეტად მრავალფეროვანი კომპოზიციითაც კი, ეს ასახავდა იმ გარდამავალ პერიოდს, როდესაც ისინი ჯერ კიდევ ბევრს უკრავდნენ რენესანსიდან და თუნდაც შუა საუკუნეებიდან მემკვიდრეობით მიღებულ ძველ ინსტრუმენტებზე, მაგრამ როდესაც უკვე გამოჩნდა ახალი ინსტრუმენტები, რომლებიც შეესაბამებოდა. ახალ ემოციურ სისტემას, საწყობს, მუსიკალურ თემებს და ექსპრესიულ შესაძლებლობებს.
„ორფეოსის“ ინსტრუმენტაცია ყოველთვის ესთეტიურად შეესაბამება მელოდიას, ჰარმონიულ ფერს, სცენურ სიტუაციას. ინსტრუმენტები, რომლებიც თან ახლავს მომღერლის მონოლოგს ქვესკნელში, მოგვაგონებს მის ოსტატურად დაკვრას ლირაზე. პასტორალურ სცენებში ფლეიტა ერთმანეთში ერწყმის მწყემსის მელოდიების უხელო მელოდიებს. ტრომბონების ღრიალი ასქელებს შიშის ატმოსფეროს, რომელიც ფარავს ბუნდოვან და ძლიერ ჰადესს. მონტევერდი ინსტრუმენტის ნამდვილი მამაა და ამ თვალსაზრისით ორფეოსი ფუნდამენტური ოპერაა. რაც შეეხება მონტევერდის მიერ მანტუაში დაწერილ მეორე საოპერო ნაწარმოებს, „არიადნეს“ (ლიბრეტო ო. რინუჩინის, რეჩიტატივები ჯ. პერის), იგი არ შემორჩენილა. გამონაკლისს წარმოადგენს ჰეროინის მსოფლიოში ცნობილი არია, რომელიც კომპოზიტორმა დატოვა ორი ვერსიით სოლო სიმღერისთვის აკომპანიმენტით და უფრო გვიანდელ ვერსიაში - ხუთხმიანი მადრიგალის სახით. ეს არია იშვიათი სილამაზისაა და სამართლიანად ითვლება ადრეული იტალიური ოპერის შედევრად.
1608 წელს მანტუა დატოვა მონტევერდიმ, რომელსაც დიდი ხნის განმავლობაში ამძიმებდა თავისი თანამდებობა საჰერცოგო კარზე. მან არ დაუმორჩილა ძალაუფლებისმოყვარე პატრონებს და დარჩა ამაყ, დამოუკიდებელ მხატვრად, მაღლა ეჭირა ადამიანური ხელოვნების დროშა. სამშობლოში ხანმოკლე ყოფნის შემდეგ კრემონაში, რომში, ფლორენციაში, მილანში, მონტევერდიმ 1613 წელს მიიღო მიწვევა ვენეციაში, სადაც სან მარკოს პროკურორებმა აირჩიეს იგი ამ ტაძრის გამგებლად.
ვენეციაში მონტევერდი ახალი საოპერო სკოლის სათავეში უნდა გამოსულიყო. იგი მრავალი თვალსაზრისით განსხვავდებოდა მისი წინამორბედებისგან და მათზე ბევრად უსწრებდა. ეს განპირობებული იყო სხვადასხვა ლოკალური პირობებით, სოციალური ძალების განსხვავებული ისტორიული ბალანსითა და იდეოლოგიური მიმდინარეობებით.
იმ ეპოქის ვენეცია არის ქალაქი რესპუბლიკური სისტემით, ჩამოგდებული არისტოკრატიით, მდიდარი, პოლიტიკურად ძლიერი, კულტურული ბურჟუაზიით და პაპის გაბედული ოპოზიციით. რენესანსის ვენეციელებმა შექმნეს თავიანთი ხელოვნება, უფრო საერო, უფრო მხიარული, უფრო რეალისტური, ვიდრე სადმე სხვაგან იტალიის მიწაზე. აქ, მე-16 საუკუნის ბოლოდან მოყოლებული მუსიკაში, განსაკუთრებით ფართოდ და კაშკაშა აღმოცენდა ბაროკოს პირველი თვისებები და წინამორბედები. სან კასიანოს პირველი ოპერის სახლი ვენეციაში 1637 წელს გაიხსნა.
ეს არ იყო „აკადემია“ განმანათლებლური არისტოკრატი ჰუმანისტთა ვიწრო წრისთვის, როგორც ფლორენციაში. აქ პაპს და მის სასამართლოს არ ჰქონდათ ძალაუფლება ხელოვნებაზე. იგი შეცვალა ფულის ძალამ. ვენეციელმა ბურჟუაზიამ ააშენა თეატრი საკუთარი იმიჯით და ის კომერციულ საწარმოდ იქცა. ნაღდი ფული გახდა შემოსავლის წყარო. სან კასიანოს შემდეგ ვენეციაში სხვა თეატრები გაიზარდა, სულ ათზე მეტი. გარდაუვალი კონკურენცია იყო მათ შორისაც, ბრძოლა საზოგადოებისთვის, ხელოვანებისთვის, შემოსავლისთვის. მთელმა ამ კომერციულმა და სამეწარმეო მხარემ კვალი დატოვა საოპერო და თეატრალურ ხელოვნებაზე. და ამავდროულად, პირველად გახდა დამოკიდებული ფართო საზოგადოების გემოვნებაზე. ეს აისახა მის მასშტაბზე, რეპერტუარში, დადგმაში და ბოლოს, თავად საოპერო მუსიკის სტილში.
მონტევერდის კრეატიულობა იყო კულმინაციური მომენტი და მძლავრი ფაქტორი იტალიური საოპერო ხელოვნების პროგრესში. მართალია, ვენეციას არ მოუტანა მას სრული განთავისუფლება დამოკიდებულებისგან. ის იქ ჩავიდა, როგორც რეგენტი, რომელიც ხელმძღვანელობდა სან მარკოს ვოკალურ და ინსტრუმენტულ სამლოცველოს. წერდა საკულტო მუსიკას - წირვას, ვესპერს, სულიერ კონცერტებს, მოტეტებს და ეკლესიამ, რელიგიამ გარდაუვალი გავლენა მოახდინა მასზე. ზემოთ უკვე ითქვა, რომ ბუნებით საერო ხელოვანი იყო, მან მიიღო სიკვდილი სამღვდელოებაში.
ვენეციური ოპერის თეატრის აყვავებამდე რამდენიმე წლის განმავლობაში, მონტევერდი იძულებული გახდა აქაც ემსახურა მფარველებს, თუმცა არა ისეთი ძლიერი და ყოვლისშემძლე, როგორც მილანში ან მანტუაში. მოჩენიგოსა და გრიმანის, ვენდრამინისა და ფოსკარის სასახლეები მდიდრულად იყო მორთული არა მხოლოდ ნახატებით, ქანდაკებებით, გობელენებით, არამედ მუსიკითაც. სან მარკოს სამლოცველო ხშირად ასრულებდა აქ ბურთებსა და მიღებებზე საეკლესიო მსახურებებისგან თავისუფალ დროს. პლატონის დიალოგებთან, პეტრარკის კანზონებთან, მარინას სონეტებთან ერთად, ხელოვნების მოყვარულებს მონტევერდის მადრიგალები უყვარდათ. მან არ მიატოვა ეს ჟანრი, რომელიც უყვარდა ვენეციურ პერიოდში და სწორედ მაშინ მიაღწია მასში უმაღლეს სრულყოფილებას.
მადრიგალების მეექვსე, მეშვიდე და მერვე წიგნი დაიწერა ვენეციაში, ჟანრი, რომელშიც მონტევერდი ექსპერიმენტებს ატარებდა მისი ბოლო ოპერების შექმნამდე. მაგრამ ვენეციურ მადრიგალებსაც დიდი დამოუკიდებელი მნიშვნელობა ჰქონდათ. 1838 წელს გამოჩნდა საბრძოლო და მოსიყვარულე მადრიგალების საინტერესო კოლექცია. იგი აჩვენებდა მხატვრის ღრმა ფსიქოლოგიურ დაკვირვებას; მადრიგალის მუსიკალური და პოეტური დრამატიზაცია იქ იმ დროისთვის ბოლო შესაძლო ზღვარამდე იყო მიყვანილი. ამ კოლექციაში ასევე შედის რამდენიმე ადრინდელი ნამუშევარი "უმადური ქალები" - მანტუას პერიოდის შუალედი და ცნობილი "ტანკრედისა და კლორინდას ერთჯერადი ბრძოლა" - შესანიშნავი დრამატული სცენა, რომელიც დაიწერა 1624 წელს ტასოს "იერუსალიმის გადაცემის" სიუჟეტზე. შესრულებულია თეატრალური კოსტიუმებითა და რეკვიზიტებით.
ვენეციაში ცხოვრების ოცდაათი წლის განმავლობაში, მონტევერდიმ შექმნა თავისი მუსიკალური და დრამატული ნაწარმოებების უმეტესი ნაწილი თეატრალური ან კამერული სცენაზე.
რაც შეეხება თავად ოპერებს, მონტევერდის აქვს მხოლოდ რვა მათგანი: ორფეოსი, არიადნა, ანდრომედა (მანტუასთვის), ერთი შეხედვით შეშლილი ლიკორი - ერთ-ერთი პირველი კომიკური ოპერა იტალიაში, პროზერპინის გატაცება, ენეასისა და ლავინიის ქორწილი. „ულისეს დაბრუნება სამშობლოში“ და „პოპეას კორონაცია“. ვენეციური ოპერებიდან მხოლოდ ბოლო ორია შემორჩენილი.
მონტევერდის ყველაზე მნიშვნელოვანი ნამუშევარი ვენეციური პერიოდის განმავლობაში იყო ოპერა „პოპეას კორონაცია“ (1642), რომელიც დასრულდა მის გარდაცვალებამდე ცოტა ხნით ადრე, როგორც მუსიკის ორაკული, 1643 წლის 29 ნოემბერს. ეს ოპერა, რომელიც კომპოზიტორმა შექმნა, როდესაც ის სამოცდათხუთმეტი წლის იყო, არა მხოლოდ გვირგვინდება მის შემოქმედებით გზაზე, არამედ განუზომლად მაღლა დგას ყველაფერზე, რაც გლუკამდე იყო შექმნილი ოპერის ჟანრში. ფიქრები, რამაც გამოიწვია მისი გამბედაობა და შთაგონება, მოულოდნელია ასეთ მოწინავე ასაკში. უფსკრული პოპეას კორონაციასა და მონტევერდის წინა ნამუშევრებს შორის გასაოცარი და აუხსნელია. ეს უფრო ნაკლებად ეხება თავად მუსიკას, „პოპეას“ მუსიკალური ენის სათავეს მთელი წინა, ნახევარ საუკუნეზე მეტი ხნის განმავლობაში ეძებენ. მაგრამ ოპერის ზოგადი მხატვრული გარეგნობა, უჩვეულო როგორც თავად მონტევერდის შემოქმედებისთვის, ისე ზოგადად მე -17 საუკუნის მუსიკალური თეატრისთვის, გადამწყვეტად არის განსაზღვრული სიუჟეტის ორიგინალურობითა და დრამატული დიზაინით. ცხოვრების ჭეშმარიტების განსახიერების სისრულის, რთული ადამიანური ურთიერთობების ჩვენების სიგანისა და მრავალფეროვნების, ფსიქოლოგიური კონფლიქტების ავთენტურობის, მორალური პრობლემების ფორმულირების სიმწვავის თვალსაზრისით, კომპოზიტორის არცერთი სხვა ნაწარმოები. ჩვენამდე მოხვედრილი შეიძლება შევადაროთ პოპეას კორონაციას.
კომპოზიტორმა და მისმა ნიჭიერმა ლიბრეტისტმა ფრანჩესკო ბუზენელომ ძველი რომის ისტორიიდან შეასრულეს შეთქმულება, გამოიყენეს ძველი მწერლის ტაციტუსის ქრონიკები, იმპერატორ ნერონი, რომელიც შეყვარებულია კურტიზან პოპეა საბინაზე, ტახტზე აყენებს მას, განდევნის ყოფილ იმპერატრიცა ოქტავიას და სიკვდილით დასაჯეს. ამ წამოწყების მოწინააღმდეგე, მისი მენტორი ფილოსოფოსი სენეკა.
ეს სურათი დაწერილია ფართოდ, მრავალმხრივ, დინამიურად. სცენაზე - საიმპერატორო კარზე, მისი დიდებულები, ბრძენი მრჩეველი, გვერდები, კურტიზანები, მსახურები, პრეტორიანები. პერსონაჟების მუსიკალური მახასიათებლები, ერთმანეთის საწინააღმდეგოდ, ფსიქოლოგიურად ზუსტი და ზუსტია. სწრაფ და მრავალმხრივ მოქმედებაში, ფერად და მოულოდნელ კომბინაციებში განსახიერებულია ცხოვრების სხვადასხვა გეგმები და პოლუსები, ტრაგიკული მონოლოგები - და თითქმის ბანალური სცენები ბუნებიდან; მძვინვარე ვნებები - და ფილოსოფიური ჭვრეტა; არისტოკრატული დახვეწილობა - და ხალხური ცხოვრებისა და წეს-ჩვეულებების უხელოვნება.
მონტევერდი არასოდეს ყოფილა მოდის ცენტრში, არასოდეს სარგებლობდა ისეთივე ფართო პოპულარობით, როგორიც იყო ზოგიერთი უფრო "ზომიერი" მადრიგალი მწერლებისა და მოგვიანებით "მსუბუქი" კანზონეტებისა და არიების კომპოზიტორების ხვედრი. იგი იმდენად დამოუკიდებელი იყო თავისი თანამედროვეების შეხედულებებისა და გემოვნებისგან, მათზე ბევრად უფრო ფართო მხატვრულ ფსიქოლოგიაში, რომ თანაბრად ღებულობდა ძველ, მრავალხმიან და ახალ, მონოდიურ მწერლობას.
დღეს უდავოა, რომ მონტევერდი არის „თანამედროვე მუსიკის ფუძემდებელი“. სწორედ მონტევერდის შემოქმედებაში ჩამოყალიბდა ჩვენი ეპოქისთვის დამახასიათებელი მხატვრული აზროვნების სისტემა.
მონტევერდი კლაუდიო (მონათლული 1567 წლის 15 მაისი, კრემონა - 1643 წლის 29 ნოემბერი, ვენეცია), იტალიელი კომპოზიტორი. სწავლობდა კრემონას საკათედრო ტაძრის ბანდმაისტერ მ. 1582 წელს გამოსცა 3-ხმიანი მოტეტების კრებული „მცირე სულიერი სიმღერები“ („Sacrae cantiunculae“), 1587 წელს – მადრიგალების 1-ლი კრებული (5-ხმიანი). 1590 წლიდან (ან 1591 წლიდან) მგალობელი და მევიოლისტი (შემსრულებელი ვიოლ და გამბა), 1602 წლიდან კაპელმაისტერი ჰერცოგ ვინჩენცო გონზაგას კარზე მანტუაში. 1607 წელს იქ დაიდგა მისი პირველი ოპერა „ორფეოსიც“ (ა. სტრიგიოს ლიბრეტო, ძველი ბერძნული მითის სიუჟეტის მიხედვით, ძირითადად ოვიდისა და ვერგილიუსის მიხედვით). მონტევერდის ჰერცოგის გარდაცვალების შემდეგ იგი გადავიდა ვენეციაში, 1613 წელს დაიკავა ჯგუფის მეთაურის პოსტი. მარკოზის ტაძარი, შექმნა 6 ოპერა ვენეციური ოპერის თეატრებისთვის. მადრიგალების 8 კრებულის („წიგნი“) ავტორი; გვიან მადრიგალებს, განსაკუთრებით მე-7 (1619) და მე-8 (1638) წიგნებიდან, რომლებიც უკვე მიეკუთვნება ბაროკოს ესთეტიკას, მხოლოდ პირობითად შეიძლება ეწოდოს მადრიგალები - ეს არის ფართომასშტაბიანი თეატრალური ვოკალური და ინსტრუმენტული კომპოზიციები "ტანკრედის ბრძოლა და კლორინდა“ (ტექსტი თ. ტასოს „განთავისუფლებული იერუსალიმიდან“), ბალი (მადრიგალები ცეკვებით) „უმადური ქალების ბურთი“ და „ტირისი და ქლორუსი“, დუეტები, ტერცეტები და სოლო არიები ბასო კონტინუოთი (მაგალითად, „საჩივარი ნიმფა" სოპრანოსა და მამაკაცის ტერსეტისთვის, დახურული ოპერის სცენა). 1651 წელს, სათაურით Madrigals and Canzonettes, Book 9, გამოიცა მონტევერდის სხვადასხვა წლის საერო მუსიკის კრებული (მათ შორის 11 ადრე გამოუქვეყნებელი ნაწარმოები); ყველაზე ღირებულია ტრიო "Come dolce oggi l'auretta" ("რა ნაზი ნიავია ახლა") - ერთადერთი გადარჩენილი ნომერი მისი ოპერიდან "მოპარული პროზერპინა". კომპოზიტორის სასულიერო მუსიკიდან ყველაზე ცნობილია "ნეტარი ღვთისმშობლის ვესპერსი" ("Vespro della Beata Vergine" , 1610 წ. მისი კულმინაცია არის მაგნიფიკატი); უფრო მეტიც,მონტევერდი დაწერა 3 მასა (მათ შორის "In illo tempore") და მოტეტები - ცნობილი ფსალმუნების "Dixit Dominus", "Laudate Dominum omnes gentes", "Beatus vir qui timet Dominum" და ა.შ. ტექსტებზე, ასევე ტექსტზე.ანტიფონი "Salve regina" (3 სხვადასხვა მოტეტი). 37 სულიერი კომპოზიცია შევიდა ფართომასშტაბიან კრებულში Selva morale e spirituale, რომელიც პირველად გამოიცა ვენეციაში 1640 წელს.
ერთ-ერთი პირველი და უდიდესი საოპერო კომპოზიტორი მუსიკის ისტორიაში. მონტევერდის ამ ჟანრის მნიშვნელოვანი ნაწარმოებიდან (დაახლოებით 15) მთლიანად შემონახულია სამი: ორფეოსი, ულისეს დაბრუნება სამშობლოში (ლიბრეტო გ. ბადოაროს მიერ ჰომეროსის ოდისეაზე, ვენეცია, კარნავალი 1639–40) და The პოპეას კორონაცია "(ლიბრეტო G. F. Busenello-ს მიერ, ტაციტუსის ანალებისა და სხვა უძველესი წყაროების საფუძველზე, ვენეცია, კარნავალი 1642-43); ოპერიდან „არიადნე“ (ჰერცოგის სასახლე მანტუაში, 1608 წ.) შემორჩენილია მხოლოდ ცნობილი არიადნეს ლამენტო (ანუ არიადნეს გოდება).
მონტევერდის მუსიკალური ენის მთავარი მახასიათებელია გვიანი რენესანსისთვის დამახასიათებელი მიბაძვითი მრავალხმიანობისა (ხშირად ერთ ნაწარმოებში) და ჰომოფონიის, როგორც ახალი ბაროკოს ეპოქის მიღწევათა შერწყმა. მონტევერდი თავს განსაკუთრებული ემოციური სტილის შემქმნელად თვლიდა: მან აღმოაჩინა "რბილი" და "ზომიერი" სტილის მაგალითები მისი წინამორბედების ნამუშევრებში და "არასდროს იპოვა აღფრთოვანებული სტილის მაგალითები" (stile concitato). მონტევერდიმ დაიჯერარომ მუსიკას უნდა შეეძლოს ადამიანური გრძნობებისა და ვნებების (რისხვა, ლოცვა, შიში და ა.შ.) გადმოცემა, მათ შორის კონფლიქტურ ოპოზიციაში; ეს გამოიხატა მისი საოპერო პერსონაჟების მუსიკალურ მახასიათებლებში, რისთვისაც მან ინდივიდუალური ინტონაციები აღმოაჩინა. რეჩიტატივებთან და არიოზულ კონსტრუქციებთან ერთად, მისი ოპერების ვოკალურ ნაწილებში შეტანილი იქნა განვითარებული სოლო და ანსამბლის ფორმები (ორფეოსის სცენა ჯოჯოხეთის კარიბჭესთან, არიადნეს გოდება, ნერონისა და ლუკანის ვირტუოზი დუეტი პოპეას კორონაციისგან), საგუნდო სცენები. (სენეკას სცენა სტუდენტებთან ერთად Coronation Poppei"), "ორფეოსში" პირველად გამოჩნდა უვერტიურა ("ტოკატას" ორიგინალური სახელი). Harmony M. აერთიანებს მოდალობისა და ტონალობის პრინციპებს, მათ შორის ქრომატიზებულ ფორმაში. ორფეოსის პარტიტურაში, რომელიც გამოქვეყნდა 1609 წელს, ისტორიაში პირველად, ჩაწერილია ოპერის ორკესტრის კომპოზიცია; იგი აერთიანებს Basso Continuo ჯგუფის ინსტრუმენტებს და მონოფონიური ინსტრუმენტების დიდ რაოდენობას (ვიოლინოები, თუთია, საყვირები), რომლებიც მონაწილეობდნენ საორკესტრო სექციების შესრულებაში. მონტევერდი იყო ერთ-ერთი პირველი, ვინც ინსტრუმენტაციის დახმარებით გადმოსცა სხვადასხვა თეატრალური ეფექტები: მაგალითად, ოპერის ორფეოსის პასტორალურ სცენებში გამოიყენა სიმები, ფლეიტები, ლუტები, ქვესკნელის სცენებში - თუთია, ტრომბონები, რეგალი.
მონტევერდის ინოვაცია მისმა ზოგიერთმა თანამედროვემ არასწორად გაიგო. მუსიკის გავლენიანმა თეორეტიკოსმა ჯ. არტუზიმ თავის ტრაქტატში „თანამედროვე მუსიკის არასრულყოფილების შესახებ“ (ნაწილები 1–2, 1600–03) კრიტიკა მოახდინა კომპოზიტორზე (კერძოდ, მოუმზადებელი დისონანსებისა და ქრომატიზმის გაბედული გამოყენების გამო). მადრიგალების მე-5 წიგნის მოკლე წინასიტყვაობაში (1605 წ.) მონტევერდიმ უპასუხა, რომ მას „უფრო მეტი მოსაზრება აქვს თანხმოვანებსა და დისონანსებთან დაკავშირებით, ვიდრე სკოლის წესებში მოცემული“. 2 წლის შემდეგ ძმა მონტევერდი, კომპოზიტორი და ორღანისტი ჯულიო ჩეზარე მონტევერდი (1573 - დაახლ. 1630), გაფართოებულ "მე-5 წიგნში დაბეჭდილი წერილის განმარტებაში" განმარტა ძმის მუსიკალური და ესთეტიკური პოზიცია, ხოლო მან გამოიყენა ცნებები "". პირველი პრაქტიკა“ (prima pratica) და „მეორე პრაქტიკა“ (seconda pratica). მისი თქმით, „პირველი პრაქტიკისთვის“ (მის წარმომადგენლებს ასახელებენ წარსულის დიდ პოლიფონისტებს ჟოსკინ დეპრეზი, ჯ. ოკეგემიდა ა.შ.) კომპოზიციის ტექნიკის ოსტატობა მნიშვნელოვანი იყო, როგორც ასეთი და ტექსტის პრეზენტაცია არც ისე არსებითი იყო, ხოლო „მეორე პრაქტიკა“ (ნოვატორები-მადრიგალისტები დაწყებული C. de Rore და თეატრალური მუსიკის შემქმნელები) მოითხოვს, რომ მუსიკა უზენაესი იყოს ტექსტზე, რომელსაც მელოდია, ჰარმონია და რიტმი ემორჩილება. მონტევერდიმ ასევე გამოიკვეთა თავისი კომპოზიციური იდეები მადრიგალების მე-8 წიგნის წინასიტყვაობაში (1638 წ.).
მონტევერდისადმი ინტერესი აღორძინდა მე-20 საუკუნეში; მისი ნამუშევრები გამოაქვეყნეს V. d'Andy, E. კრენეკი, ჯ.ფ. მალიპიეროდა სხვა.. „ორფეოსის“ ისტორიული ჩანაწერები გააკეთეს პ.ჰინდემიტმა (1954), ა. ვენზინგერმა (1955 წ.), „პოპეას კორონაციები“ - გ.ფონ კარაიანმა (1963 წ.). „ღვთისმშობლის ვესპერსი“ (სარქვლის ჩასაბერი ინსტრუმენტების და „მგრძნობიარე“ საოპერო ვოკალის მონაწილეობით) ჩაწერილია 1966 წელს საკუთარ გამოცემაში რ.კრაფტის მიერ. 1960-იანი წლების ბოლოდან მონტევერდის მუსიკას აქტიურად ასრულებენ წარმომადგენლები ავთენტური შესრულება. მონტევერდის მადრიგალების წარმომადგენლობითი არჩევანი ანსამბლებმა შეიტანეს მათ ლაივ ალბომებში.
კლაუდიო მონტევერდი(მონტევერდი) (მონათლული დ. 15 მაისი, 1567, კრემონა - გ. 29 ნოემბერი, 1643, ვენეცია) იყო იტალიელი კომპოზიტორი. ბავშვობიდანვე მსახურობდა კრემონას საკათედრო ტაძარში მგალობლად; აქ სწავლობდა ორგანისტ M.A. Ingenieri-თან, რომლისგანაც მან მიიღო მრავალხმიანი წერის ტექნიკა (პირველ რიგში სულიერი მადრიგალების ჟანრში). 1590 წელს ის გადავიდა მანტუაში და 12 წლის განმავლობაში მსახურობდა იქ მომღერლად და მევიოლისტად, მოგვიანებით ბენდის მესვეტის თანაშემწედ. 1599 წელს გაემგზავრა ფლანდრიაში, სადაც საშუალება მიეცა გაეცნო ფლამანდური და ფრანგული მუსიკა.
თავდაპირველად მონტევერდიმ პოპულარობა მოიპოვა, როგორც კანზონეტების და განსაკუთრებით მადრიგალების - საერო და სულიერი ავტორმა. მონტევერდის ახალგაზრდული მადრიგალების პირველი სამი კრებული გამოიცა 1582-1584 წლებში. უკვე მონტევერდის ამ ადრეულ ნამუშევრებში ჩანს მაღალი მრავალხმიანი ტექნიკა. მონტევერდის სიცოცხლეში გამოიცა 4- და 5-ხმიანი მადრიგალების 10-მდე კრებული; მათგან ყველაზე მნიშვნელოვანია 1587-1619 წლებში 7 კრებულში გამოცემული 5-ხმიანი მადრიგალები. ცალკე კრებული მიეძღვნა "სიყვარული და მეომარი" მადრიგალებს (1638). მადრიგალებში მონტევერდი ბევრ სიახლეს შემოაქვს ჰარმონიისა და მრავალხმიანობის სფეროში: ნახტომები მეშვიდე და არა, მეშვიდე აკორდები, ქრომატიზმები, პარალელური მეხუთედები. მრავალხმიანობასთან ერთად მონტევერდის მადრიგალებში ჩნდება აკორდ-ჰარმონიული საწყობის თვისებები. მონტევერდი ხშირად უმატებდა ინსტრუმენტულ აკომპანიმენტს ვოკალურ ნაწილებს (კლავესინი, ლუტი).
მადრიგალებისა და კანზონეტების შედგენა მნიშვნელოვანი ეტაპი იყო მონტევერდის საოპერო მოღვაწეობისთვის მომზადების საქმეში. მნიშვნელოვანი როლი ითამაშა ასევე მონტევერდის გაცნობამ ფლორენციელი კომპოზიტორების, პირველი ოპერების ავტორების შემოქმედებასთან - პერი, კაჩინი და სხვები 1607 წელს მონტევერდიმ მიიღო ბრძანება მანტუას საჰერცოგოში თეატრალური წარმოდგენისთვის მუსიკის დაწერის შესახებ. ეს იყო მონტევერდის პირველი ოპერა „ორფეოსი“, რომელმაც მაყურებელი მითოლოგიური სიუჟეტის უჩვეულო ტრაგიკული ინტერპრეტაციით გააოცა. "ორფეოსის" შემდეგ გამოჩნდა მონტევერდის მრავალი სხვა ოპერები, რამაც განამტკიცა მისი, როგორც საოპერო კომპოზიტორის პოპულარობა (გამოქვეყნდა ვენეციაში): "არიადნე" (1608 წ.), საიდანაც ერთადერთი ცნობილი არია "არიადნის გოდება", "პროსერპინა" ( 1630), "დაბრუნებული ულისე" (1641), "პოპეას კორონაცია" (1642). მონტევერდის ყველაზე ინოვაციური ნამუშევარია "პოპეას კორონაცია", პირველად ოპერის ისტორიაში დაწერილი ჭეშმარიტ ისტორიულ სიუჟეტზე (დროის მოვლენები. ნერონი).
1613 წლიდან და სიცოცხლის ბოლომდე მონტევერდი მუშაობდა ვენეციის წმინდა მარკოზის სამლოცველოს დირექტორად. 30 წლის განმავლობაში წერდა უამრავ საეკლესიო მუსიკას; მონტევერდის ინოვაცია ვრცელდებოდა შემოქმედების ამ სფეროზე.
1637 წელს ვენეციაში, მონტევერდის უშუალო მონაწილეობით, გაიხსნა პირველი ოპერის სახლი, რომელშიც მისი ოპერებიც დაიდგა (კერძოდ, არიადნე - 1639 წ.).
მონტევერდი შევიდა მუსიკის ისტორიაში, როგორც თავისი დროის ერთ-ერთი უდიდესი საოპერო კომპოზიტორი, გვიანი რენესანსის უდიდესი წარმომადგენელი იტალიაში. მონტევერდის მნიშვნელოვანი დამსახურებაა ოპერაში აროსული ნომრებისა და დრამატული გუნდების დანერგვა, რეჩიტატივებთან ერთად, რომლებიც ახასიათებს მისი წინამორბედების საოპერო სტილს. მონტევერდი ცდილობდა მუსიკის დაქვემდებარებას ტექსტის შინაარსს, შეექმნა პერსონაჟთა ინდივიდუალური მუსიკალური მახასიათებლები. ამაში დიდი როლი ითამაშა ჰარმონიულმა და საორკესტრო საშუალებებმა. მონტევერდიმ პირველმა შემოიტანა ოპერაში უვერტიურა, ასევე ორკესტრში ახალი ტექნიკა - სიმებიანი ინსტრუმენტების ტრემოლო და პიციკატო. ორკესტრი მონტევერდის ოპერებში საკმაო ზომას აღწევს ("ორფეოსი" - დაახლოებით 40 ინსტრუმენტი). სიმებიანი და ჩასაბერი ინსტრუმენტებთან ერთად, რომლებიც მოგვიანებით კლასიკური ორკესტრის ნაწილი გახდა, მონტევერდი იყენებდა ალტს, ლუტას, კლავესინს და ორღანს.
ოპერის გაჩენა
ოპერა (იტალ. ოპერა, ლიტ. - ნაწარმოები, ნაწარმოები, კომპოზიცია) - ერთგვარი მუსიკალური და დრამატული ნაწარმოები. ოპერა დაფუძნებულია სიტყვების, სასცენო მოქმედებისა და მუსიკის სინთეზზე. სხვადასხვა ტიპის დრამატული თეატრისგან განსხვავებით, სადაც მუსიკა ასრულებს დამხმარე, გამოყენებით ფუნქციებს, ოპერაში ის ხდება მოქმედების მთავარი მატარებელი და მამოძრავებელი ძალა. ოპერას სჭირდება ჰოლისტიკური, თანმიმდევრულად განვითარებადი მუსიკალური და დრამატული კონცეფცია. თუ ის არ არის და მუსიკა მხოლოდ თან ახლავს, ასახავს ვერბალურ ტექსტს და სცენაზე მიმდინარე მოვლენებს, მაშინ საოპერო ფორმა იშლება და ოპერის, როგორც განსაკუთრებული სახის მუსიკალური და დრამატული ხელოვნების სპეციფიკა იკარგება.
ოპერის გაჩენა იტალიაში XVI-XVII საუკუნეების მიჯნაზე. მომზადებული იყო, ერთის მხრივ, რენესანსის თეატრის ზოგიერთმა ფორმამ, რომელშიც მუსიკას მნიშვნელოვანი ადგილი დაეთმო (შესანიშნავი სასამართლო ინტერლუდი, პასტორალური დრამა, ტრაგედია გუნდებთან ერთად) და მეორე მხრივ, ფართო განვითარებით. სოლო სიმღერის იგივე ეპოქა ინსტრუმენტული აკომპანიმენტით. სწორედ ოპერაში ჰპოვა XVI საუკუნის ძიებებმა და ექსპერიმენტებმა სრული გამოხატულება. ექსპრესიული ვოკალური მონოდიის სფეროში, რომელსაც შეუძლია ადამიანის მეტყველების სხვადასხვა ნიუანსის გადმოცემა. B.V. Asafiev წერდა: ”დიდი რენესანსის მოძრაობა, რომელმაც შექმნა ”ახალი ადამიანის” ხელოვნება, გამოაცხადა უფლება თავისუფლად გამოავლინოს სულისკვეთება, ემოციები ასკეტიზმის უღლის მიღმა, გააცოცხლა ახალი სიმღერა, რომელშიც გაჟღენთილი, შესრულებული ბგერა გახდა. ადამიანის გულის ემოციური სიმდიდრის გამოხატულება მის უსაზღვრო გამოვლინებებში. მუსიკის ისტორიაში ამ ღრმა რევოლუციამ, რომელმაც შეცვალა ინტონაციის ხარისხი, ანუ შინაგანი შინაარსის, სულისკვეთების, ემოციური განწყობის გამოვლენა ადამიანის ხმით და დიალექტით, მხოლოდ საოპერო ხელოვნებას გააცოცხლებს.
საოპერო ნაწარმოების ყველაზე მნიშვნელოვანი, განუყოფელი ელემენტია სიმღერა, რომელიც გადმოსცემს ადამიანის გამოცდილების მდიდარ სპექტრს საუკეთესო ფერებში. ოპერაში ვოკალური ინტონაციების განსხვავებული სისტემის მეშვეობით ვლინდება თითოეული პერსონაჟის ინდივიდუალური გონებრივი საწყობი, გადაიცემა მისი ხასიათისა და ტემპერამენტის თავისებურებები. სხვადასხვა ინტონაციური კომპლექსების შეჯახებიდან, რომელთა ურთიერთობაც შეესაბამება დრამატული მოქმედების ძალთა ბალანსს, იბადება ოპერის, როგორც მუსიკალურ-დრამატული მთლიანობის „ინტონაციური დრამატურგია“.
კლაუდიო მონტევერდი. შემოქმედების მახასიათებლები
კლაუდიო ჯოვანი ანტონიო მონტევერდი (05/15/1567 (მონათლული) - 11/29/1643) - იტალიელი კომპოზიტორი, მუსიკოსი, მომღერალი. ბაროკოს ყველაზე მნიშვნელოვანი კომპოზიტორი, მისი ნამუშევრები ხშირად განიხილება, როგორც რევოლუციური, რაც აღნიშნავს მუსიკაში გადასვლას რენესანსიდან ბაროკოში. ის ცხოვრობდა მუსიკის დიდი ცვლილებების ეპოქაში და თავად იყო ის ადამიანი, ვინც შეცვალა იგი.
კლაუდიო მონტევერდი დაიბადა კრემონაში, აფთიაქისა და ექიმის შვილი. ის ბავშვობიდან იყო მუსიკალური ნიჭიერი და 15 წლის ასაკში უკვე გამოსცა ნამუშევრების პირველი კრებული. ამ გამოცემის წინასიტყვაობაში ის ამბობს, რომ მისი მასწავლებელი იყო მარკ "ანტონიო ინჟენიერი, კრემონას ტაძრის ბანდის მეთაური. სწავლობდა კომპოზიციას, სიმღერას, სიმებიანი ინსტრუმენტების დაკვრას. მან გამოაქვეყნა თავისი მეორე წიგნი 1583 წელს, პირველის გამოქვეყნებიდან ერთი წლის შემდეგ. იმ დროისთვის, როდესაც მან პირველი პოზიცია დაიკავა, უკვე რამდენიმე კოლექცია ჰქონდა გამოშვებული.
მეჩვიდმეტე საუკუნეში არსებობდა მუსიკის შექმნის ორი მიდგომა - ჯოვანი პიერლუიჯი და პალესტრინას მიერ შექმნილი "პირველი პრაქტიკა" ან "ანტიკური სტილი" და ახალი "მეორე პრაქტიკის" სტილი. მონტევერდი ორივე სტილში თანაბარი ოსტატობით წერდა. ის ცხოვრობდა და მუშაობდა ცვლილებების ეპოქაში, როდესაც რენესანსის მუსიკამ ადგილი დაუთმო ბაროკოს სტილს და ხელი შეუწყო ამ გადასვლას მუსიკის ყველა ასპექტის განვითარებით და გარდაქმნით.
ის იყო პირველი კომპოზიტორი, რომელმაც სრულად გააცნობიერა ახალი მუსიკალური და დრამატული ჟანრის - ოპერის შემოქმედებითი პოტენციალი. ფლორენციელი კამერატასა და ჯაკოპო პერის მიერ შექმნილი პრიმიტიული საშუალებების გამოყენებით, მან გაამდიდრა ისინი დრამატული ძალით, წარმოსახვით და ხმის სიმდიდრით. მან რეჩიტატი გადააქცია მოქნილ, ნათელ მელოდიად გრძელი და თანმიმდევრული ხაზებით. პერის არქაულ ლექსიკასთან და მეთოდებთან შედარებით, მისი ოპერები მართლაც ახალი ხელოვნებაა.
მან გამოიყენა რიტმი, დისონანსი, ინსტრუმენტული ფერები და საკვანძო ცვლა დრამატული მოქმედების წარმოსაჩენად, პერსონაჟების, განწყობებისა და ემოციების წარმოჩენის ისე, როგორც არც ერთმა მისმა წინამორბედმა და თანამედროვემ. მან მოიფიქრა სიმებიანი ინსტრუმენტების დაკვრის ინსტრუმენტული ტექნიკები - პიციკატო და ტრემოლო - საჭირო მღელვარების, ვნებისა და ემოციური დაძაბულობის შესაქმნელად. მონტევერდი იყო პირველი, ვინც გაიგო ორკესტრის როლი ოპერაში, დახატა საკუთარი ინსტრუმენტები თითოეული ნაწილისთვის, გააცნობიერა, რომ ქარი და დასარტყამი კარგია სამხედრო განწყობის გადმოსაცემად, ფლეიტა პასტორალური სცენებისთვის, ალტი და ლუტი სენტიმენტალური ეპიზოდებისთვის. დამსახურების გამო მონტევერდის უწოდეს "ოპერის წინასწარმეტყველი". თავის მადრიგალებში მონტევერდიმ შემოიღო ინსტრუმენტული აკომპანიმენტიც, რაც მას არა მხოლოდ ორნამენტად, არამედ ნაწარმოების განუყოფელ ნაწილად აქცევს.
მონტევერდი აღმოჩნდა გამომგონებელი და გაბედული კომპოზიტორი. მისმა გამოგონებებმა და ჰარმონიისა და კონტრაპუნქტის გამოყენებამ კარგად მიიღო მსმენელი, თუმცა ბევრმა კოლეგამ ის მკაცრად გააკრიტიკა. როგორც „თანამედროვე“ კომპოზიტორმა, ამავდროულად იცოდა პატივისცემა უფროსი თაობისა და მათი ტრადიციული პრინციპებისადმი. მან გამოაქვეყნა ორი სრულიად განსხვავებული ნაწარმოები ერთსა და იმავე კრებულში, "Missa in illo tempore" და "Vespro della Beata Vergine", რაც ადასტურებს, რომ ის არის მუსიკის ნამდვილი ოსტატი, რომელიც აერთიანებს სრულიად განსხვავებულ სტილებს თავის მაგიასთან და ინარჩუნებს მათ ინდივიდუალურ მახასიათებლებს. მხოლოდ გენიალურად შეიძლება გაკეთდეს.
(ორფეოსი, პოპეას კორონაცია)
3. მე-17 და მე-18 საუკუნეების ორგანული მუსიკა
4. მე-17 და მე-18 საუკუნეების კლავიერი მუსიკა
5. ვიოლინო მუსიკა. მუსიკა მე-17 და მე-18 საუკუნეების ინსტრუმენტული ანსამბლებისთვის
6. მე-17 საუკუნის ვენეციური საოპერო სკოლა
7. მე-17 და მე-18 საუკუნეების ნეოპოლიტანური საოპერო სკოლა
8. მე-17 საუკუნის ფრანგული ოპერა
მე-17 და მე-18 საუკუნეების მუსიკა
XVI-XVII საუკუნეების მიჯნაზე მრავალხმიანობამ, რომელიც დომინირებდა რენესანსის მუსიკაში, დაიწყო ჰომოფონიის დათმობა (ბერძნულიდან "homos" - "ერთი", "იგივე" და "ფონი" - "ხმა", "ხმა"). მრავალხმიანობისგან განსხვავებით, სადაც ყველა ხმა თანაბარია, ჰომოფონიურ მრავალხმიანობაში გამორჩეულია ერთი, რომელიც ასრულებს მთავარ თემას, დანარჩენი კი აკომპანიმენტის (აკომპანიმენტის) როლს ასრულებს. აკომპანემენტი, როგორც წესი, არის აკორდების (ჰარმონიების) სისტემა. აქედან მომდინარეობს მუსიკის შედგენის ახალი ხერხის სახელი - ჰომოფონიური ჰარმონიული.
შეიცვალა იდეები საეკლესიო მუსიკის შესახებ. ახლა კომპოზიტორები ცდილობდნენ არა იმდენად, რომ ადამიანმა უარი თქვა მიწიერ ვნებებზე, არამედ გამოავლინა მისი სულიერი გამოცდილების სირთულე. იყო რელიგიურ ტექსტებზე ან ნაკვეთებზე დაწერილი ნაწარმოებები, მაგრამ არ იყო განკუთვნილი ეკლესიაში სავალდებულო შესასრულებლად. (ასეთ კომპოზიციებს სულიერს უწოდებენ, ვინაიდან სიტყვა „სულიერს“ უფრო ფართო მნიშვნელობა აქვს ვიდრე „ეკლესიური“.) მე-17-18 საუკუნეების მთავარი სულიერი ჟანრები. - კანტატა და ორატორიო. საერო მუსიკის მნიშვნელობა გაიზარდა: მას უკრავდნენ სასამართლოში, არისტოკრატების სალონებში, საჯარო თეატრებში (პირველი ასეთი თეატრები მე-17 საუკუნეში გაიხსნა). იყო მუსიკალური ხელოვნების ახალი სახე - ოპერა.
ინსტრუმენტული მუსიკა ასევე გამოირჩევა ახალი ჟანრების გაჩენით, განსაკუთრებით ინსტრუმენტული კონცერტით. ვიოლინო, კლავესინი, ორღანი თანდათან გადაიქცა სოლო ინსტრუმენტებად. მათთვის დაწერილმა მუსიკამ შესაძლებელი გახადა ნიჭი გამოეჩინა არა მხოლოდ კომპოზიტორისთვის, არამედ შემსრულებლისთვისაც. უპირველეს ყოვლისა, დაფასდა ვირტუოზულობა (ტექნიკური სიძნელეებთან გამკლავების უნარი), რომელიც თანდათან გახდა ბევრი მუსიკოსისთვის თავისთავად და მხატვრული ღირებულება.
მე-17-მე-18 საუკუნეების კომპოზიტორები, როგორც წესი, არა მხოლოდ მუსიკას ქმნიდნენ, არამედ ვირტუოზიც უკრავდნენ ინსტრუმენტებზე და ეწეოდნენ პედაგოგიურ საქმიანობას. მხატვრის კეთილდღეობა დიდწილად კონკრეტულ მომხმარებელზე იყო დამოკიდებული. როგორც წესი, ყველა სერიოზული მუსიკოსი ცდილობდა ადგილის მოპოვებას ან მონარქის ან მდიდარი არისტოკრატის კარზე (აზნაურობის ბევრ წევრს ჰქონდა საკუთარი ორკესტრი ან ოპერის სახლები), ან ტაძარში. უფრო მეტიც, კომპოზიტორთა უმეტესობა ადვილად აერთიანებდა საეკლესიო მუსიკას საერო მფარველის სამსახურთან.
ორატორიო და კანტატა
როგორც დამოუკიდებელი მუსიკალური ჟანრი, მე-16 საუკუნეში იტალიაში ჩამოყალიბება დაიწყო ორატორიომ (იტალიური ორატორიო, გვიანდელი ლათინური ორატორიუმიდან - „სამლოცველო“). მუსიკათმცოდნეები ორატორიოს სათავეს ლიტურგიკულ დრამაში ხედავენ (იხ. სტატია „შუა საუკუნეების ევროპის თეატრი“) - თეატრალური წარმოდგენები, რომლებიც მოგვითხრობენ ბიბლიურ მოვლენებზე.
მსგავსი მოქმედებები ტაძრებშიც ხდებოდა - აქედან მოდის ჟანრის სახელი. თავიდან წმინდა წერილის ტექსტებზე იწერებოდა ორატორიები და ისინი ეკლესიაში შესასრულებლად იყო განკუთვნილი. მე-17 საუკუნეში კომპოზიტორებმა დაიწყეს ორატორიების შედგენა სულიერი შინაარსის თანამედროვე პოეტურ ტექსტებზე. ორატორიოს სტრუქტურა ახლოსაა ოპერის სტრუქტურასთან. ეს არის მთავარი ნამუშევარი სოლო მომღერლების, გუნდისა და ორკესტრისთვის, დრამატული სიუჟეტით. თუმცა, ოპერისგან განსხვავებით, ორატორიოში არ არის სასცენო მოქმედება: ის მოგვითხრობს მოვლენებზე, მაგრამ არ აჩვენებს მათ.
იტალიაში მე-17 საუკუნეში. ჩამოყალიბდა კიდევ ერთი ჟანრი - კანტატა (იტ. კანტატა, ლათ. canto- „მღერის“). ორატორიოს მსგავსად, კანტატას ჩვეულებრივ ასრულებენ სოლისტები, გუნდი და ორკესტრი, მაგრამ ის უფრო მოკლეა, ვიდრე ორატორიო. კანტატები იწერებოდა სულიერ და საერო ტექსტებზე.
იტალიის მუსიკა
მე-16 საუკუნის ბოლოს იტალიაში განვითარდა ბაროკოს ხელოვნების სტილი (um. barocco-დან - „უცნაური“, „უცნაური“). ამ სტილს ახასიათებს ექსპრესიულობა, დრამატულობა, სანახაობა, ხელოვნების სხვადასხვა სახეობის სინთეზის (კომბინაციის) სურვილი. ეს თვისებები სრულად გამოიხატა ოპერაში, რომელიც წარმოიშვა XVI-XVII საუკუნეების მიჯნაზე. ერთი ნაწარმოები აერთიანებდა მუსიკას, პოეზიას, დრამატურგიას და თეატრალურ მხატვრობას.თავდაპირველად ოპერას სხვა სახელი ჰქონდა: „დრამა მუსიკისთვის“ (it. dramma per musica); სიტყვა „ოპერა“ (იტ. ოპერა – „კომპოზიცია“) მხოლოდ XVII საუკუნის შუა ხანებში გაჩნდა. „დრამის მუსიკის“ იდეა დაიბადა ფლორენციაში, ფლორენციულ კამერატაში, მხატვრულ წრეში. წრის შეხვედრები იმართებოდა პალატაში (იტალიური კამერიდან - "ოთახი"), სახლში. 1579 წლიდან 1592 წლამდე გრაფი ჯოვანი ბარდის სახლში შეიკრიბნენ განმანათლებლები მუსიკის მოყვარულები, პოეტები, მეცნიერები. მას ასევე ესტუმრნენ პროფესიონალი მუსიკოსები - მომღერლები და კომპოზიტორები იაკოპო პერი (1561 - 1633) და ჯულიო კაჩინი (დაახლოებით 1550-1618), თეორეტიკოსი და კომპოზიტორი ვინჩენცო გალილეი (დაახლოებით 1520-1591), ცნობილი მეცნიერის გალილეის მამა.
ფლორენციული კამერატის მონაწილეები აღფრთოვანებული იყვნენ მუსიკალური ხელოვნების განვითარებით. ისინი მის მომავალს მუსიკისა და დრამის შერწყმაში ხედავდნენ: ასეთი ნაწარმოებების ტექსტები (მე-16 საუკუნის რთული საგუნდო პოლიფონიური გალობის ტექსტებისგან განსხვავებით) გასაგები გახდებოდა მსმენელისთვის.
წრის წევრებმა უძველეს თეატრში იპოვეს სიტყვებისა და მუსიკის იდეალური შეხამება: ლექსები მღეროდნენ სასიმღერო ხმით, ყოველი სიტყვა, ყოველი მარცვალი ნათლად ჟღერდა. ასე რომ, ფლორენციულ კამერას გაუჩნდა იდეა სოლო სიმღერის თანხლებით ინსტრუმენტის - მონოდიის თანხლებით (ბერძნულიდან "monos" - "ერთი" და "ოდა" - "სიმღერა"). სიმღერის ახალ სტილს რეჩიტატიური ეწოდა (იტალიური recitare-დან - „წარმოთქვა“): მუსიკა ტექსტს მიჰყვებოდა და სიმღერა იყო ერთფეროვანი რეციდივა. მუსიკალური ინტონაციები შთამბეჭდავი იყო - აქცენტი კეთდებოდა სიტყვების მკაფიო წარმოთქმაზე და არა პერსონაჟების გრძნობების გადმოცემაზე.
ადრეული ფლორენციული ოპერები ეფუძნებოდა ანტიკური მითოლოგიის სცენებს. ჩვენამდე მოღწეული ახალი ჟანრის პირველი ნაწარმოებები არის კომპოზიტორების პერის (1600) და კაჩინის (1602) ამავე სახელწოდებით "ევრიდიკე" ოპერა. ისინი შეიქმნა ორფეოსის მითის ნაკვეთზე. სიმღერას თან ახლდა ინსტრუმენტული ანსამბლი, რომელიც შედგებოდა ცემბალოს (ფორტეპიანოს წინამორბედი), ლირა, ლაიტა, გიტარა და ა.შ.
პირველი ოპერების გმირებს ბედი განაგებდა და მის ნებას მაცნეები აცხადებდნენ. აქცია დაიწყო პროლოგით, რომელშიც მღეროდა ხელოვნების სათნოება და ძალა. შემდგომი შესრულება მოიცავდა ვოკალურ ანსამბლებს (ოპერის ნომრები, სადაც რამდენიმე მონაწილე ერთდროულად მღერის), გუნდს და საცეკვაო ეპიზოდებს. მათ მონაცვლეობაზე აშენდა მუსიკალური კომპოზიცია.
ოპერამ სწრაფად დაიწყო განვითარება და უპირველეს ყოვლისა, როგორც სასამართლო მუსიკა. თავადაზნაურობა მფარველობდა ხელოვნებას და ასეთი შეშფოთება აიხსნებოდა არა მხოლოდ მშვენიერების სიყვარულით: ხელოვნების კეთილდღეობა ძალაუფლებისა და სიმდიდრის შეუცვლელ ატრიბუტად ითვლებოდა. იტალიის დიდ ქალაქებში - რომში, ფლორენციაში, ვენეციაში, ნეაპოლში - განვითარდა საკუთარი საოპერო სკოლები.
სხვადასხვა სკოლის საუკეთესო თვისებები - ყურადღება პოეტური სიტყვისადმი (ფლორენცია), მოქმედების სერიოზული სულიერი ქვეტექსტი (რომი), მონუმენტურობა (ვენეცია) - თავის შემოქმედებაში აერთიანებდა კლაუდიო მონტევერდიმ (1567-1643). კომპოზიტორი დაიბადა იტალიის ქალაქ კრემონაში, ექიმის ოჯახში. როგორც მუსიკოსი, მონტევერდი ახალგაზრდობაში განვითარდა. წერდა და ასრულებდა მადრიგალებს; უკრავდა ორღანზე, ალტზე და სხვა ინსტრუმენტებზე. მონტევერდი სწავლობდა მუსიკალურ კომპოზიციას იმ დროის ცნობილ კომპოზიტორებთან. 1590 წელს, როგორც მომღერალი და მუსიკოსი, მიიწვიეს მანტუაში, ჰერცოგ ვინჩენცო გონზაგას კარზე; მოგვიანებით იგი ხელმძღვანელობდა სასამართლოს სამლოცველოს. 1612 წელს მონტევერდიმ სამსახური დატოვა მანტუაში და 1613 წლიდან დასახლდა ვენეციაში. მონტევერდის წყალობით 1637 წელს მსოფლიოში პირველი საზოგადოებრივი ოპერის სახლი გაიხსნა ვენეციაში. იქ კომპოზიტორი ხელმძღვანელობდა სან მარკოს საკათედრო ტაძრის სამლოცველოს. სიკვდილამდე კლაუდიო მონტევერდიმ წმინდა ბრძანებები მიიღო.
პერისა და კაჩინის შემოქმედების შესწავლის შემდეგ, მონტევერდიმ შექმნა ამ ჟანრის საკუთარი ნამუშევრები. უკვე პირველ ოპერებში - „ორფეოსი“ (1607) და „არიადნე“ (1608) - კომპოზიტორმა მუსიკალური საშუალებებით შეძლო ღრმა და ვნებიანი გრძნობების გადმოცემა, დაძაბული დრამატული მოქმედების შექმნა. მონტევერდი მრავალი ოპერის ავტორია, მაგრამ შემორჩენილია მხოლოდ სამი - "ორფეოსი", "ულისეს დაბრუნება სამშობლოში" (1640; ეფუძნება ძველი ბერძნული ეპიკური პოემის "ოდისეას") და "პოპეას კორონაცია" ( 1642).
მონტევერდის ნამუშევრები ჰარმონიულად აერთიანებს მუსიკასა და ტექსტს. ოპერები დაფუძნებულია მონოლოგზე, რომელშიც ყველა სიტყვა ნათლად ჟღერს, მუსიკა კი მოქნილად და დახვეწილად გადმოსცემს განწყობის ჩრდილებს. მონოლოგები, დიალოგები და საგუნდო ეპიზოდები შეუფერხებლად მიედინება ერთმანეთში, მოქმედება ვითარდება ნელა (მონტევერდის ოპერებში სამ-ოთხი მოქმედება), მაგრამ დინამიურად. კომპოზიტორმა მნიშვნელოვანი როლი დააკისრა ორკესტრს. „ორფეოსში“, მაგალითად, მან გამოიყენა იმ დროისთვის ცნობილი თითქმის ყველა ინსტრუმენტი. საორკესტრო მუსიკა არა მხოლოდ თან ახლავს სიმღერას, არამედ თავად მოგვითხრობს სცენაზე მიმდინარე მოვლენებზე და გმირების გამოცდილებაზე. ორფეოსში პირველად გამოჩნდა უვერტიურა (ფრანგ. ouverture, ან ლათ. apertura - "გახსნა", "დასაწყისი") - ინსტრუმენტული შესავალი ძირითადი მუსიკალური ნაწარმოების შესახებ. კლაუდიო მონტევერდის ოპერებმა მნიშვნელოვანი გავლენა მოახდინა ვენეციელ კომპოზიტორებზე და საფუძველი ჩაუყარა ვენეციურ საოპერო სკოლას.
მონტევერდი წერდა არა მხოლოდ ოპერებს, არამედ სასულიერო მუსიკას, რელიგიურ და საერო მადრიგალებს. ის გახდა პირველი კომპოზიტორი, რომელიც არ დაუპირისპირდა მრავალხმიან და ჰომოფონურ მეთოდებს - მისი ოპერების საგუნდო ეპიზოდები მოიცავს მრავალხმიან ტექნიკას. მონტევერდის შემოქმედებაში ახალი შერწყმული იყო ძველთან - რენესანსის ტრადიციებთან.
XVIII საუკუნის დასაწყისისთვის. ნეაპოლში საოპერო სკოლა ჩამოყალიბდა. ამ სკოლის თავისებურებები - გაზრდილი ყურადღება სიმღერაზე, მუსიკის დომინანტური როლი. სწორედ ნეაპოლში შეიქმნა bel canto ვოკალური სტილი (იტალიური bel canto - „ლამაზი სიმღერა“). ბელ კანტო განთქმულია ხმის არაჩვეულებრივი სილამაზით, მელოდიის და ტექნიკური სრულყოფილებით. მაღალ რეგისტრში (ხმის ჟღერადობის დიაპაზონი) სიმღერა გამოირჩეოდა ტემბრის სიმსუბუქითა და გამჭვირვალობით, დაბალ რეგისტრში - ხავერდოვანი რბილობითა და სიმკვრივით. შემსრულებელს უნდა შეეძლოს ხმის ტემბრის მრავალი ელფერის რეპროდუცირება, ასევე ოსტატურად გადმოსცემდა ბგერების არაერთი სწრაფი თანმიმდევრობა, რომელიც ზედმეტად ასახავს მთავარ მელოდიას - კოლორატურას (იტ. კოლორატურა - "დეკორაცია"). განსაკუთრებული მოთხოვნა იყო ხმის ხმის თანასწორობა - ნელ მელოდიებში სუნთქვა არ უნდა ისმოდეს.
მე-18 საუკუნეში ოპერა იტალიაში მუსიკალური ხელოვნების მთავარ სახეობად იქცა, რასაც ხელი შეუწყო კონსერვატორიებში სწავლული მომღერლების მაღალმა დონემ (it. conservatorio, err lat. conserve - „მე ვიცავ“) - საგანმანათლებლო დაწესებულებები, რომლებიც ამზადებდნენ. მუსიკოსები. იმ დროისთვის იტალიური ოპერის ცენტრებში - ვენეციასა და ნეაპოლში შეიქმნა ოთხი კონსერვატორია. ჟანრის პოპულარობას ასევე ემსახურებოდა ოპერის თეატრები, რომლებიც იხსნება ქვეყნის სხვადასხვა ქალაქში, საზოგადოების ყველა სეგმენტისთვის ხელმისაწვდომი. იტალიური ოპერები იდგმებოდა ევროპის ძირითადი დედაქალაქების თეატრებში და კომპოზიტორები ავსტრიიდან, გერმანიიდან და სხვა ქვეყნებიდან წერდნენ ოპერებს იტალიური ტექსტების მიხედვით.
იტალიის მუსიკის მნიშვნელოვანი მიღწევები XVII-XVIII სს. და ინსტრუმენტული ჟანრების სფეროში. კომპოზიტორმა და ორგანისტმა გიროლამო ფრესკობალდიმ (1583-1643) ბევრი რამ გააკეთა ორგანული შემოქმედების გასავითარებლად. საეკლესიო მუსიკაში მან საფუძველი ჩაუყარა ახალ სტილს. მისი კომპოზიციები ორღანისთვის არის ფანტასტიკური (უფასო) საწყობის დეტალური კომპოზიციები. ფრესკობალდი ცნობილი გახდა მისი ვირტუოზული დაკვრით და ორღანისა და კლავირის იმპროვიზაციის ხელოვნებით. აყვავდა ვიოლინოს ხელოვნება. იმ დროისთვის ვიოლინოს წარმოების ტრადიციები განვითარდა იტალიაში.ამატი, გუარნერი, სტრადივარის ოჯახების მემკვიდრეობითმა ოსტატებმა ქალაქ კრემონადან შეიმუშავეს ვიოლინოს დიზაინი, მისი დამზადების მეთოდები, რომლებიც ღრმა საიდუმლოდ ინახებოდა და გადიოდა. თაობიდან თაობას.ამ ოსტატების მიერ დამზადებულ ინსტრუმენტებს აქვს საოცრად ლამაზი, თბილი ჟღერადობა, ადამიანის ხმის მსგავსი, პოპულარობა მოიპოვა როგორც ანსამბლმა და სოლო ინსტრუმენტმა.
რომაული ვიოლინოს სკოლის ფუძემდებელია არკანჯელო კორელი (1653-1713), კონცერტო გროსოს ჟანრის ერთ-ერთი შემქმნელი (უმ. კონცერტო გროსო - „დიდი კონცერტი“). კონცერტზე ჩვეულებრივ წარმოდგენილია სოლო ინსტრუმენტი (ან ინსტრუმენტების ჯგუფი) და ორკესტრი. "დიდი კონცერტი" აშენდა სოლო ეპიზოდების მონაცვლეობაზე და მთელი ორკესტრის ჟღერადობაზე, რომელიც მე-17 საუკუნეში კამერული და ძირითადად სიმებიანი იყო. კორელის სოლისტები ძირითადად ვიოლინო და ჩელო იყვნენ. მისი კონცერტები შედგებოდა სხვადასხვა ხასიათის ნაწილებისგან; მათი რაოდენობა თვითნებური იყო.
ვიოლინოს მუსიკის ერთ-ერთი გამორჩეული ოსტატია ანტონიო ვივალდი (1678-1741). იგი ცნობილი გახდა, როგორც ვიოლინოს ბრწყინვალე ვირტუოზი.
თანამედროვეებს იზიდავდა მისი შესრულების დრამატული სტილი, სავსე მოულოდნელი კონტრასტებით. კორელის ტრადიციების გაგრძელებით, კომპოზიტორი მუშაობდა "დიდი კონცერტის" ჟანრში. მის მიერ დაწერილი ნაწარმოებების რაოდენობა უზარმაზარია – ოთხას სამოცდათხუთმეტი კონცერტი, ორმოცი ოპერა, კანტატები და ორატორიო.
კონცერტების შექმნით, ვივალდი ცდილობდა ნათელი და უჩვეულო ბგერებისკენ. ის ურევდა სხვადასხვა საკრავის ტემბრებს, მუსიკაში ხშირად აერთიანებდა დისონანსებს (მკვეთრ ჰარმონიებს); სოლისტად მაშინდელ იშვიათ ინსტრუმენტებს ირჩევდა - ფაგოტი, მანდოლინა (ქუჩის ინსტრუმენტად ითვლებოდა). ვივალდის კონცერტები სამი ნაწილისგან შედგება, პირველი და ბოლო შესრულებულია სწრაფი ტემპით, ხოლო შუა ნელი. ვივალდის ბევრ კონცერტს აქვს პროგრამა - სათაური ან თუნდაც ლიტერატურული მიძღვნა. ციკლი "სეზონები" (1725) პროგრამული საორკესტრო მუსიკის ერთ-ერთი ადრეული მაგალითია. ამ ციკლის ოთხი კონცერტი - "გაზაფხული", "ზაფხული", "შემოდგომა", "ზამთარი" - ფერადად ხატავს ბუნების სურათებს. ვივალდიმ შეძლო მუსიკაში გადმოეცა ჩიტების სიმღერა ("გაზაფხული", პირველი ნაწილი), ჭექა-ქუხილი ("ზაფხული", მესამე ნაწილი), წვიმა ("ზამთარი", მეორე ნაწილი). ვირტუოზულობა, ტექნიკური სირთულე არ აშორებდა მსმენელს, მაგრამ ხელი შეუწყო დასამახსოვრებელი იმიჯის შექმნას. ვივალდის საკონცერტო ნამუშევარი გახდა ბაროკოს სტილის ნათელი განსახიერება ინსტრუმენტულ მუსიკაში.
ოპერასერია და ოპერაბუფა
XVIII საუკუნეში. ჩამოყალიბდა საოპერო ჟანრები, როგორიცაა ოპერა სერია (იტ. opera seria - "სერიოზული ოპერა") და operabuffa (იტ. opera buffa - "კომიკური ოპერა"). ოპერასერიამ თავი დაიმკვიდრა ალესანდრო სკარლატის (1660-1725) - ნეაპოლიტანური საოპერო სკოლის დამფუძნებლისა და უდიდესი წარმომადგენლის შემოქმედებაში. სიცოცხლის განმავლობაში მან ასზე მეტი ასეთი ნაწარმოები შექმნა. საოპერო სერიისთვის ჩვეულებრივ ირჩევდნენ მითოლოგიურ ან ისტორიულ სიუჟეტს. იგი გაიხსნა უვერტიურათ და შედგებოდა დასრულებული ნომრებისგან - არიები, რეჩიტატივები და გუნდები. მთავარ როლს დიდი არიები ასრულებდნენ; ჩვეულებრივ, ისინი შედგებოდა სამი ნაწილისგან, ხოლო მესამე იყო პირველის გამეორება. არიებში გმირები გამოხატავდნენ თავიანთ დამოკიდებულებას მიმდინარე მოვლენებთან.
არსებობდა არიების რამდენიმე სახეობა: გმირული, პათეტიკური (ვნებიანი), სამგლოვიარო და ა.შ. თითოეულისთვის გამოიყენებოდა გამომსახველობითი საშუალებების გარკვეული სპექტრი: გმირულ არიებში - გადამწყვეტი, გამომწვევი ინტონაციები, პეპი რიტმი; საჩივრებში - მოკლე, წყვეტილი მუსიკალური ფრაზები, რომლებიც აჩვენებს გმირის მღელვარებას და ა.შ. რეჩიტატივები, მცირე ზომის ფრაგმენტები ემსახურებოდა დრამატული ნარატივის გაშლას, თითქოს წინსვლას. გმირებმა განიხილეს შემდგომი მოქმედებების გეგმები, უამბეს ერთმანეთს მომხდარი მოვლენების შესახებ. რეჩიტატივები იყოფა ორ ტიპად: secco (იტალიური secco-დან - "მშრალი") - ენის სწრაფი ტრიალი კლავესინის საშუალო აკორდებზე და აკომპანიატო (It. Assotraniato - "აკომპანიმენტით") - გამომხატველი გამოთქმა ხმაზე. ორკესტრი. Secco-ს უფრო ხშირად იყენებდნენ მოქმედების გასავითარებლად, აკომპანიატო - გმირის აზრებისა და გრძნობების გადმოსაცემად. გუნდები და ვოკალური ანსამბლები კომენტარს აკეთებდნენ მომხდარზე, მაგრამ არ მიიღეს მონაწილეობა ღონისძიებებში.
აქტიური ლიების რაოდენობა დამოკიდებული იყო ნაკვეთის ტიპზე და იყო მკაცრად განსაზღვრული; იგივე ეხება პერსონაჟების ურთიერთობებს. დადგინდა სოლო ვოკალური ნომრების ტიპები და მათი ადგილი სასცენო მოქმედებაში. თითოეულ პერსონაჟს ჰქონდა საკუთარი ხმის ტემბრი: ლირიკული გმირები - სოპრანო და ტენორი, კეთილშობილი მამა ან ბოროტმოქმედი - ბარიტონი ან ბასი, ფატალური ჰეროინი - კონტრალტო.
XVIII საუკუნის შუა ხანებისთვის. აშკარა გახდა ოპერის სერიალის ნაკლოვანებები. სპექტაკლი ხშირად ემთხვეოდა სასამართლო ზეიმებს, ამიტომ ნამუშევარი ბედნიერად უნდა დასრულებულიყო, რაც ზოგჯერ წარმოუდგენლად და არაბუნებრივი ჩანდა. ხშირად ტექსტები იწერებოდა ხელოვნურად, დახვეწილი ენით. კომპოზიტორები ზოგჯერ უგულებელყოფდნენ შინაარსს და წერდნენ მუსიკას, რომელიც არ შეესაბამებოდა სიენას ან სიტუაციას; იყო ბევრი შტამპი, არასაჭირო გარე ეფექტები. მომღერლებმა აჩვენეს საკუთარი ვირტუოზულობა, მთლიანობაში არიას როლზე ფიქრის გარეშე. Operuseria-ს ეწოდა "კონცერტი კოსტიუმებში". მაყურებელი სერიოზულ ინტერესს არ ავლენდა თავად ოპერის მიმართ, მაგრამ დადიოდა სპექტაკლებზე ცნობილი მომღერლის "გვირგვინის" არიისთვის; აქციის დროს დარბაზში მაყურებლები შევიდნენ და გამოვიდნენ.
ოპერაბუფაც ნეაპოლიტანელმა ოსტატებმა შექმნეს. ასეთი ოპერის პირველი კლასიკური მაგალითია კომპოზიტორ ჯოვანი ბატისტა პერგოლესის (1710-1736) „მოახლის მსახური“ (1733). თუ საოპერო სერიალში არიები წინა პლანზეა, მაშინ ოპერის ბუფაში არის სასაუბრო დიალოგები, რომლებიც მონაცვლეობენ ვოკალურ ანსამბლებთან. ოპერბუფაში მთავარი გმირები სრულიად განსხვავებულები არიან. ეს, როგორც წესი, უბრალო ხალხია – მოსამსახურეები, გლეხები. სიუჟეტი ეფუძნებოდა გასართობ ინტრიგას ჩაცმულობით, დებილი მდიდარი მფლობელის მსახურებით მოტყუებით და ა.შ. მუსიკიდან ელეგანტური სიმსუბუქე იყო საჭირო, მოქმედებისგან - სისწრაფე.
ოპერუბუფაზე დიდი გავლენა მოახდინა იტალიელმა დრამატურგმა, ეროვნული კომედიის შემქმნელმა კარლო გოლდონმა. ამ ჟანრის ყველაზე მახვილგონივრული, ცოცხალი და ცოცხალი ნაწარმოებები შექმნეს ნეაპოლიტანელმა კომპოზიტორებმა: ნიკოლო პიჩინიმ (1728-1800) - „ჩეკინა, ანუ კარგი ქალიშვილი“ (1760); ჯოვანი პაისიელო (1740-1816) - „სევილიელი დალაქი“ (1782), „მილერი“ (1788); მომღერალი, მევიოლინე, კლავესინი და კომპოზიტორი დომენიკო ციმაროზა (1749-1801) – „საიდუმლო ქორწინება“ (1792 წ.).
სიმებიანი საკრავები
თანამედროვე სიმებიანი მშვილდი საკრავების - ვიოლინოს, ალტის, ჩელოსა და კონტრაბასის წინამორბედები არიან ალტი. ისინი გამოჩნდნენ XV საუკუნის ბოლოს - XVI საუკუნის დასაწყისში. და მალე, რბილი და ნაზი ხმის წყალობით, მათ დაიწყეს წამყვანი როლის თამაში ორკესტრებში.
თანდათან ალტი შეიცვალა ახალი, უფრო მოწინავე სიმებიანი მშვილდი ინსტრუმენტებით. მათ შექმნაზე XVI-XVII საუკუნეებში მუშაობდნენ ხელოსანთა მთელი სკოლები. მათგან ყველაზე ცნობილია ვიოლინოს შემქმნელთა დინასტიები, რომლებიც წარმოიშვა ჩრდილოეთ იტალიაში - ქალაქებში კრემონასა და ბრეშიაში.
კრემონეს სკოლის დამაარსებელია ანდრეა ამატი (დაახლოებით 1520 - დაახლოებით 1580). ნიკოლო ამატი (1596-1684), მისი შვილიშვილი, განსაკუთრებით ცნობილი იყო თავისი ხელოვნებით. მან ვიოლინოს მოწყობილობა თითქმის სრულყოფილი გახადა, ინსტრუმენტის ხმა გააძლიერა; ამავდროულად შენარჩუნებული იყო ტემბრის სირბილე და სითბო. გუარნერების ოჯახი მოღვაწეობდა კრემონაში მე-17-18 საუკუნეებში. დინასტიის დამაარსებელია ანდრეა გუარნერი (1626-1698), ნიკოლო ამატის მოწაფე. გამოჩენილმა ოსტატმა აზუზეპე გუარნერმა (1698-1744) შეიმუშავა ვიოლინოს ახალი მოდელი, რომელიც განსხვავდება ამატი ინსტრუმენტისგან.
ამათის სკოლის ტრადიციები გააგრძელა ანტონიო სტრადივარმა (1644-1737). სწავლობდა ნიკოლო ამათთან და 1667 წელს გახსნა საკუთარი ბიზნესი. სტრადივარმა, სხვა ოსტატებზე მეტად, მოახერხა ვიოლინოს ხმის მიახლოება ადამიანის ხმის ტემბრთან.
მაგინის ოჯახი ბრეჩეში მუშაობდა; საუკეთესო ვიოლინოები დაამზადა ჯოვანი მაგინმა (1580-1630 თუ 1632).
ყველაზე მაღალი რეგისტრირებული სიმებიანი მშვილდი ინსტრუმენტია ვიოლინო. მას მოსდევს ალტი, ჩელო, კონტრაბასი ხმის დიაპაზონის კლებადობით. ვიოლინოს სხეულის (ან რეზონანსული ყუთის) ფორმა ადამიანის სხეულის კონტურებს წააგავს. კორპუსს აქვს ზედა და ქვედა გემბანი (გერმანული Decke - „სახურავი“), პირველი ნაძვისგან, მეორე კი ნეკერჩხლისგან. გემბანები ემსახურება ხმის ასახვას და გაძლიერებას. ზემოდან არის რეზონატორის ხვრელები (ლათინური ასო f-ის სახით; შემთხვევითი არ არის, რომ მათ "ეფს" უწოდებენ). კისერი მიმაგრებულია სხეულზე; როგორც წესი, იგი მზადდება აბონისაგან. ეს არის გრძელი ვიწრო ფირფიტა, რომელზედაც გადაჭიმულია ოთხი სიმი. ქინძისთავები გამოიყენება სიმების დაჭიმვისა და მოსაწყობად; ისინი ასევე არიან ფრეტბორდზე.
ალტი, ჩელო და კონტრაბასი სტრუქტურით ვიოლინოს მსგავსია, მაგრამ მასზე დიდი. ალტი არც თუ ისე დიდია, მხარზე უჭირავს. ჩელო ალტიზე დიდია და დაკვრისას მუსიკოსი ზის სკამზე და ინსტრუმენტს იატაკზე, ფეხებს შორის დებს. კონტრაბასი უფრო დიდია ვიდრე ვიოლონჩელო, ამიტომ შემსრულებელს უწევს დადგეს ან იჯდეს მაღალ სკამზე, და მოათავსოს ინსტრუმენტი მის წინ. თამაშის დროს მუსიკოსი ბაფთით მიჰყავს სიმებს, რომელიც არის ხის ხელჯოხი დაჭიმული ცხენის თმით; სიმები ვიბრირებს და გამოსცემს მელოდიურ ხმას. ხმის ხარისხი დამოკიდებულია მშვილდის მოძრაობის სიჩქარეზე და ძალაზე, რომლითაც ის აჭერს სიმს. მარცხენა ხელის თითებით შემსრულებელი ამოკლებს სიმს, აჭერს მას სხვადასხვა ადგილას ფრეტბორდზე - ამ გზით ის აღწევს სხვადასხვა სიმაღლეებს. ამ ტიპის ინსტრუმენტებზე ხმის ამოღება ასევე შესაძლებელია სიმის ხის ნაწილის მშვილდის ამოღებით ან დარტყმით. მშვილდოსანი სიმების ხმა ძალიან გამომხატველია, შემსრულებელს შეუძლია მუსიკას საუკეთესო ნიუანსი მისცეს.
9. მე-17 საუკუნის ინგლისური ოპერა ოპერის „დიდო და ენეასის“ მაგალითზე.
10. Operabuffa პერგოლესის ოპერის "მოახლე-ბედია" მაგალითზე.
11. ბახის ცხოვრების შემოქმედებითი გზა
იოჰან სებასტიან ბახი არის მუსიკის ერთ-ერთი უდიდესი ფილოსოფოსი, ამაღლებული ჰუმანისტი, ღრმა ლირიკოსი.
ბახი მუსიკოსების ძველი ოჯახიდან იყო. ჰენდელისგან განსხვავებით, ის არასოდეს დატოვა გერმანია. ის თავად იყო მრავალშვილიანი ოჯახის მამა. იმდროინდელ გერმანიაში გვარი „ბახი“ სიტყვა „მუსიკოსის“ სინონიმი იყო.
ჰენდელის მსგავსად, ბახი ასრულებს გერმანული მუსიკის მთელ ეპოქას, რომელიც დაკავშირებულია ჰანს საქსის, პაჩელბელის, ბუქსტეჰუდის სახელებთან. ბახის გავლენა კომპოზიტორებზე დღემდე ვრცელდება. მისი მუსიკა დღესაც ყველგან ისმის.
ბახის ლექსები, გულწრფელად ელეგიური თუ ძალადობრივად პათეტიკური, ყოველთვის აღვიძებს საუკეთესო ადამიანურ გრძნობებს. მისი მუსიკა სერიოზული, ღრმა და ლამაზია.
ბახის სურათების სამყარო ნათელი და გონივრული სამყაროა. ინტელექტის ძალა ძალზე ძლიერია მის შემოქმედებაში.
ბახი ფუგის ბრწყინვალე ოსტატია. ფუგის პოლიფონიური ფორმა კომპოზიტორს საშუალებას აძლევს დაიპყროს ადამიანის შინაგანი სამყარო იმ წუთებში, როცა მას სხვადასხვა ფიქრები და გრძნობები აჭარბებს. ისინი ცურავდნენ ერთმანეთზე, იკრიბებიან, ფენდებიან, იშლებიან, ეხმიანებიან ერთმანეთს და ხელახლა ჩნდებიან ჰოლისტიკური ფორმით. ფუგა გვხვდება ბახის ორატორიებში, კანტატებში, მასებში, ვარიაციებში, სუიტებში, გამოგონებებში. ერთ ბნელ ფუგებთან ერთად ჩნდება რთული ორმაგი და სამმაგი ფუგა.
ნებისმიერი მათი ბახის ფუგის თემა მარცვლეულის მსგავსია, რომელიც ყვავის და ფუგაში ვითარდება. ცნობილი "კეთილგანწყობილი კლავიერის" თემები ტევადი, აშკარად გამოსახული, შინაგანი ენერგიით სავსეა. და ისინი ასევე სრულიად ლამაზები არიან.
ბახის საყვარელი ინსტრუმენტი იყო ორღანი. ბახმა მას სრულყოფილად დაეუფლა. ეს იყო ორგანი თავისი უმდიდრესი შესაძლებლობებით, რომელმაც მსმენელს უმხელდა ბახის გენიალურობის მთელი სიმდიდრე და ძალა. ბახის ორგანული ნამუშევრები შთაგონებული, ვირტუოზული, ბრწყინვალეა. ორღანისთვის მან დაწერა მრავალი პრელუდია, ფუგა და კონცერტი.
ბახის საერო ნაწარმოებები გამოირჩევა მრავალფეროვანი თემატიკით, ნათელი გამოსახულებებითა და კომპოზიტორის ინტერესების სიგანით. მათ შორისაა კონცერტები, სონატები, სუიტები და კანტატები ("ხუმრობა", "გლეხი", "ყავა").
12. ბახის ორგანული ნამუშევარი
ორგანულ მუსიკას გერმანიაში ბახის დროისთვის უკვე ჰქონდა ხანგრძლივი ტრადიცია, რომელიც განვითარდა ბახის წინამორბედების - პაჩელბელის, ბოჰმის, ბუქსტეჰუდისა და სხვა კომპოზიტორების წყალობით, რომელთაგან თითოეულმა მასზე თავისი გავლენა მოახდინა. ბახი ბევრ მათგანს პირადად იცნობდა.
სიცოცხლის განმავლობაში ბახი ცნობილი იყო, როგორც პირველი კლასის ორგანისტი, ორგანული მუსიკის მასწავლებელი და კომპოზიტორი. მუშაობდა როგორც იმ დროისთვის ტრადიციულ „თავისუფალ“ ჟანრებში, როგორიცაა პრელუდია, ფანტაზია, ტოკატა, პასაკალია, ასევე უფრო მკაცრი ფორმებით - საგუნდო პრელუდია და ფუგა. ორგანისთვის თავის ნამუშევრებში ბახმა ოსტატურად აერთიანებდა სხვადასხვა მუსიკალური სტილის თავისებურებებს, რომლებსაც მთელი ცხოვრება ეცნობოდა. კომპოზიტორზე გავლენა მოახდინა ჩრდილოეთ გერმანელი კომპოზიტორების მუსიკაზე (გეორგ ბომი, რომელსაც ბახი შეხვდა ლუნებურგში და დიტრიხ ბუქსტეჰუდე ლუბეკში) და სამხრეთ კომპოზიტორების მუსიკამ: ბახმა გადაწერა მრავალი ფრანგი და იტალიელი კომპოზიტორის ნაწარმოებები თავისთვის. გაიგოს მათი მუსიკალური ენა; მოგვიანებით მან ვივალდის ზოგიერთი ვიოლინოს კონცერტიც კი გადაიწერა ორღანისთვის. ორგანული მუსიკის ყველაზე ნაყოფიერი პერიოდის განმავლობაში (1708-1714 წწ.) იოჰან სებასტიანმა არა მხოლოდ დაწერა მრავალი წყვილი პრელუდიები და ფუგა, ტოკატა და ფუგა, არამედ შეადგინა დაუმთავრებელი ორგანული ბუკლეტი, 46 მოკლე საგუნდო პრელუდიის კრებული, რომელიც აჩვენებდა სხვადასხვა ტექნიკას. და საგუნდო თემებზე ნაწარმოებების წერის მიდგომები. ვაიმარიდან წასვლის შემდეგ ბახი ორგანისთვის ნაკლებად წერდა; თუმცა, მრავალი ცნობილი ნაწარმოები დაიწერა ვაიმარის შემდეგ (6 ტრიო სონატა, კლავიერ-იუბუნგის კრებული და 18 ლაიფციგის ქორალი). მთელი თავისი ცხოვრების განმავლობაში ბახი არა მხოლოდ ქმნიდა მუსიკას ორღანისთვის, არამედ კონსულტაციას უწევდა ინსტრუმენტების მშენებლობას, ახალი ორგანოების შემოწმებასა და რეგულირებას.
13. ბახის საფორტეპიანო მუსიკა
ბახმა ასევე დაწერა არაერთი ნაწარმოები კლავესინისთვის, რომელთაგან ბევრის დაკვრა კლავიკორდზეც შეიძლებოდა. ამ ქმნილებებიდან ბევრი წარმოადგენს ენციკლოპედიურ კრებულს, სადაც ნაჩვენებია მრავალხმიანი ნაწარმოებების შედგენის სხვადასხვა ტექნიკა და მეთოდი. ბახის კლავიერის ნამუშევრების უმეტესობა, რომელიც გამოქვეყნდა მის სიცოცხლეში, შედიოდა კრებულებში, სახელწოდებით "Clavier-Übung" ("კლავიერის ვარჯიშები").
· "კარგად განწყობილი კლავიერი" ორ ტომად, დაწერილი 1722 და 1744 წლებში, არის კრებული, რომლის თითოეული ტომი შეიცავს 24 პრელუდიას და ფუგას, თითო თითოეულ საერთო გასაღებზე. ეს ციკლი ძალიან მნიშვნელოვანი იყო ინსტრუმენტების დაკვრის სისტემებზე გადასვლასთან დაკავშირებით, რაც აადვილებს მუსიკის დაკვრას ნებისმიერი კლავიშით - პირველ რიგში, თანაბარი ტემპერამენტის თანამედროვე სისტემაზე.
· ლუქსის სამი კოლექცია: ინგლისური ლუქსი, ფრანგული ლუქსი და კლავიერის პარტიტა. თითოეული ციკლი შეიცავდა 6 ლუქს, რომლებიც აშენებულია სტანდარტული სქემის მიხედვით (allemande, courante, sarabande, gigue და არჩევითი ნაწილი ბოლო ორს შორის). ინგლისურ სუიტებში ალმანდს წინ უძღვის პრელუდია და ზუსტად ერთი მოძრაობაა სარაბანდესა და გიგას შორის; ფრანგულ ლუქსებში არჩევითი მოძრაობების რაოდენობა იზრდება და არ არის პრელუდიები. პარტიტებში სტანდარტული სქემა გაფართოვდა: დახვეწილი შესავალი ნაწილების გარდა, არის დამატებითი და არა მხოლოდ სარაბანდესა და გიგას შორის.
· გოლდბერგის ვარიაციები (დაახლოებით 1741 წ.) - მელოდია 30 ვარიაციით. ციკლს აქვს საკმაოდ რთული და უჩვეულო სტრუქტურა. ვარიაციები უფრო მეტად აგებულია თემის ტონალურ სიბრტყეზე, ვიდრე თავად მელოდიაზე.
სხვადასხვა ნაწილები, როგორიცაა უვერტიურა ფრანგულ სტილში, BWV 831, Chromatic
14. გლუკის საოპერო რეფორმა ოპერის „ორფეოსი და ევრიდიკეს“ მაგალითზე.
კრისტოფ უილიბალდ გლუკი (1714-1787) იყო გამოჩენილი საოპერო კომპოზიტორი და დრამატურგი, რომელმაც მე-18 საუკუნის მეორე ნახევარში მოახდინა იტალიური საოპერო სერიალების და ფრანგული ლირიკული ტრაგედიის რეფორმირება. ჯ.ჰაიდნისა და ვ.ა.მოცარტის ძველი თანამედროვე, მჭიდროდ დაკავშირებულია ვენის მუსიკალურ ცხოვრებასთან, კ. გლუკი ესაზღვრება ვენის კლასიკურ სკოლას.
გლუკის რეფორმა განმანათლებლობის იდეების ანარეკლი იყო. 1789 წლის საფრანგეთის რევოლუციის წინა დღეს, თეატრს მნიშვნელოვანი ამოცანა დაუდგა მაყურებლის არა გასართობი, არამედ განათლება. თუმცა ამ ამოცანას ვერც იტალიურმა ოპერა-სერიამ გაართვა თავი და ვერც ფრანგულმა „ლირიკულმა ტრაგედიამ“. ისინი ძირითადად ემორჩილებოდნენ არისტოკრატიულ გემოვნებას, რაც გამოიხატებოდა გმირული შეთქმულების გასართობ, მსუბუქ ინტერპრეტაციაში მათი სავალდებულო ბედნიერი დასასრულით და ვირტუოზული სიმღერისადმი არაზომიერი მიდრეკილებით, რამაც მთლიანად დაჩრდილა შინაარსი.
ყველაზე მოწინავე მუსიკოსები (ჰენდელი, რამო) ცდილობდნენ შეეცვალათ ტრადიციული ოპერის სახე, მაგრამ ნაწილობრივი ცვლილებები მოხდა. გლუკი გახდა პირველი კომპოზიტორი, რომელმაც შეძლო თავისი თანამედროვე ეპოქის საოპერო ხელოვნების თანხმოვანი შექმნა. მის შემოქმედებაში მითოლოგიური ოპერა, რომელიც მწვავე კრიზისს განიცდიდა, გადაიქცა ნამდვილ მუსიკალურ ტრაგედიად, აღსავსე ძლიერი ვნებებით და ავლენს ერთგულების, მოვალეობის, თავგანწირვის მზადყოფნის მაღალ იდეალებს.
გლუკი რეფორმის განხორციელებას უკვე 50 წლის იუბილეზე მიუახლოვდა - მოწიფული ოპერის ოსტატი, რომელსაც დიდი გამოცდილება აქვს ევროპის სხვადასხვა საოპერო თეატრებში. მან იცხოვრა საოცარი ცხოვრებით, რომელშიც იყო ბრძოლა მუსიკოსობის უფლებისთვის, ხეტიალი და მრავალი გასტროლი, რომელიც ამდიდრებდა კომპოზიტორის მუსიკალურ შთაბეჭდილებებს, დაეხმარა საინტერესო შემოქმედებითი კონტაქტების დამყარებას და სხვადასხვა საოპერო სკოლების უკეთ გაცნობას. გლუკი ბევრს სწავლობდა: ჯერ პრაღის უნივერსიტეტის ფილოსოფიის ფაკულტეტზე, შემდეგ ცნობილ ჩეხ კომპოზიტორ ბოჰუსლავ ჩერნოგორსკისთან და იტალიაში ჯოვანი სამმარტინისთან. მან თავი გამოიჩინა არა მხოლოდ როგორც კომპოზიტორმა, არამედ როგორც ბენდმაისტერმა, მისი ოპერების რეჟისორმა და მუსიკოსმა. გლუკის ავტორიტეტი მუსიკალურ სამყაროში მისი პაპის ოქროს შურის ორდენის მინიჭებით იქნა აღიარებული (მას შემდეგ კომპოზიტორს მიენიჭა მეტსახელი, რომლითაც იგი შევიდა ისტორიაში - "კავალიერ გლუკი").
გლუკის რეფორმის საქმიანობა ორ ქალაქში - ვენასა და პარიზში მიმდინარეობდა, ამიტომ კომპოზიტორის შემოქმედებით ბიოგრაფიაში სამი პერიოდი შეიძლება გამოიყოს:
I - რეფორმამდელი - 1741 წლიდან (პირველი ოპერა - "არტაქსერქსესი") 1761 წლამდე (ბალეტი "დონ ჟუანი").
II - ვენის რეფორმისტი - 1762 წლიდან 1770 წლამდე, როდესაც შეიქმნა 3 რეფორმისტული ოპერა. ესენია ორფეოსი (1762), ალკესტე (1767) და პარიზი და ელენა (1770). (მათ გარდა დაიწერა სხვა ოპერები, რომლებიც პირდაპირ არ იყო დაკავშირებული რეფორმასთან). სამივე ოპერა ლიბრეტოზე დაწერა იტალიელმა პოეტმა რანიერი კალზაბიჯიმ, კომპოზიტორის თანამოაზრე და მუდმივი თანამშრომელი ვენაში. ვერ პოულობს სათანადო მხარდაჭერას ვენის საზოგადოებისგან, გლუკი მიდის პარიზში.
მონტევერდი მუსიკაში გრძნობებისა და თავისუფლების უფლებებს იცავს. წესების დამცველების პროტესტის მიუხედავად, ის არღვევს ბორკილებს, რომლებშიც მუსიკაა ჩახლართული და სურს, რომ ამიერიდან მხოლოდ გულის კარნახით შესრულდეს.
რ როლანდ
იტალიელი საოპერო კომპოზიტორის კ.მონტევერდის შემოქმედება ერთ-ერთი უნიკალური მოვლენაა მე-17 საუკუნის მუსიკალურ კულტურაში. ადამიანისადმი ინტერესით, ვნებებითა და ტანჯვით, მონტევერდი ნამდვილი რენესანსის მხატვარია. ვერც ერთმა იმდროინდელმა კომპოზიტორმა ვერ მოახერხა მუსიკაში ისე გამოეხატა სიცოცხლის ტრაგიკული, განცდა, მიახლოებოდა მისი სიმართლის გააზრებას, ასე გამოეჩინა ადამიანური პერსონაჟების პირველყოფილი ბუნება.
მონტევერდი ექიმის ოჯახში დაიბადა. მის მუსიკალურ სწავლას ხელმძღვანელობდა მ.ინგენიერი - გამოცდილი მუსიკოსი, კრემონას საკათედრო ტაძრის ბენდმაისტერი. მან შეიმუშავა მომავალი კომპოზიტორის პოლიფონიური ტექნიკა, გააცნო გ.პალესტრინას და ო.ლასოს საუკეთესო საგუნდო ნაწარმოებები. მოიტევერდიმ ადრე დაიწყო შედგენა. უკვე 1580-იანი წლების დასაწყისში. გამოქვეყნდა ვოკალური პოლიფონიური ნაწარმოებების პირველი კრებულები (მადრიგალები, მოტეტები, კანტატები) და ამ ათწლეულის ბოლოს იგი გახდა ცნობილი კომპოზიტორი იტალიაში, რომის სესილიას აკადემიის წევრი. 1590 წლიდან მონტევერდი მსახურობდა მანტუას ჰერცოგის სასამართლო სამლოცველოში (ჯერ ორკესტრის წევრი და მომღერალი, შემდეგ კი ჯგუფის მეისტერი). აყვავებულმა, მდიდარმა სასამართლომ ვინჩენცო გონზაგამ მიიპყრო იმ დროის საუკეთესო მხატვრული ძალები. დიდი ალბათობით, მონტევერდის შეეძლო შეხვდეს დიდ იტალიელ პოეტს ტ.ტასოს, ფლამანდიელ მხატვარს პ. რუბენსს, ცნობილი ფლორენციული კამერატის წევრებს, პირველი ოპერების ავტორებს - ჟ.პერის, ო.რინუჩინის. ჰერცოგს თან ახლდა ხშირ მოგზაურობებსა და სამხედრო ლაშქრობებში, კომპოზიტორი იმოგზაურა პრაღაში, ვენაში, ინსბრუკსა და ანტვერპენში. 1607 წლის თებერვალში მანტუაში დიდი წარმატებით დაიდგა მონტევერდის პირველი ოპერა ორფეოსი (ლიბრეტო ა. სტრიგიოს). მონტევერდიმ სასახლის დღესასწაულებისთვის განკუთვნილი პასტორალური პიესა აქცია ნამდვილ დრამად ორფეოსის ტანჯვისა და ტრაგიკული ბედის შესახებ, მისი ხელოვნების უკვდავ სილამაზეზე. (მონტევერდიმ და სტრიჯომ შეინარჩუნეს მითის დაშლის ტრაგიკული ვერსია - ორფეოსი, მიცვალებულთა სამეფოს მიტოვებით, არღვევს აკრძალვას, უკან იხედება ევრიდიკეზე და სამუდამოდ კარგავს მას.) "ორფეოსი" გამოირჩევა ადრინდელისთვის გასაკვირი საშუალებების სიმდიდრით. მუშაობა. ღრმად ლირიკული იდეის განსახიერებას ემსახურება ექსპრესიული დეკლამაცია და ფართო კანტილენა, გუნდები და ანსამბლები, ბალეტი, განვითარებული საორკესტრო ნაწილი. მონტევერდის მეორე ოპერიდან „არიადნე“ (1608 წ.) მხოლოდ ერთი სცენაა შემორჩენილი დღემდე. ეს არის ცნობილი "არიადნის გოდება" ("მოდი მოვკვდე ..."), რომელიც იყო პროტოტიპი მრავალი ლამენტო არიისთვის (საჩივრის არიები) იტალიურ ოპერაში. (არიადნის გოდება ცნობილია ორი ვერსიით - სოლო ხმისთვის და ხუთნაწილიანი მადრიგალის სახით.)
1613 წელს მონტევერდი გადავიდა ვენეციაში და სიცოცხლის ბოლომდე დარჩა კაპელმაისტერის სამსახურში წმინდა მარკოზის საკათედრო ტაძარში. ვენეციის მდიდარმა მუსიკალურმა ცხოვრებამ კომპოზიტორს ახალი შესაძლებლობები გაუხსნა. მონტევერდი წერს ოპერებს, ბალეტებს, ინტერლუდებს, მადრიგალებს, მუსიკას საეკლესიო და სასამართლო დღესასწაულებისთვის. ამ წლების ერთ-ერთი ყველაზე ორიგინალური ნამუშევარია დრამატული სცენა „ტანკრედისა და კლორინდას დუელი“, რომელიც დაფუძნებულია ტ.ტასოს ლექსიდან „განთავისუფლებული იერუსალიმის“ ტექსტზე, რომელიც აერთიანებს კითხვას (მთხრობელის ნაწილი), მსახიობობას (რეჩიტატივი). ტანკრედისა და კლორინდას ნაწილები) და ორკესტრი, რომელიც ასახავს დუელის მიმდინარეობას, ავლენს სცენის ემოციურ ბუნებას. "დუელთან" დაკავშირებით მონტევერდი წერდა კონციტატოს ახალ სტილზე (აღელვებული, აჟიტირებული), კონტრასტს უქმნიდა მას იმ დროს გაბატონებულ "რბილ, ზომიერ" სტილს.
მონტევერდის ბევრი მადრიგალი ასევე გამოირჩევა მკვეთრად გამოხატული, დრამატული ხასიათით (მადრიგალების ბოლო, მერვე კრებული, 1638, შეიქმნა ვენეციაში). მრავალხმიანი ვოკალური მუსიკის ამ ჟანრში ჩამოყალიბდა კომპოზიტორის სტილი, ხდებოდა ექსპრესიული საშუალებების შერჩევა. განსაკუთრებით ორიგინალურია მადრიგალების ჰარმონიული ენა (თამამი ტონალური შედარება, ქრომატული, დისონანსური აკორდები და სხვ.). 1630-იანი წლების ბოლოს - 40-იანი წლების დასაწყისში. მონტევერდის საოპერო შემოქმედება პიკს აღწევს ("ულისეს დაბრუნება" - 1640, "ადონისი" - 1639, "ენეასისა და ლავინიის ქორწილი" - 1641; ბოლო 2 ოპერა არ არის შემონახული).
1642 წელს ვენეციაში დაიდგა მონტევერდის მიერ პოპეას კორონაცია (ლიბრეტო ფ. ბუზინელოს მიერ, ტაციტუსის ანალების მიხედვით). 75 წლის კომპოზიტორის ბოლო ოპერა ნამდვილ მწვერვალად იქცა, მისი შემოქმედებითი გზის შედეგი. მასში მოქმედებენ კონკრეტული, რეალური ისტორიული პირები - რომის იმპერატორი ნერონი, რომელიც ცნობილია თავისი ეშმაკობითა და სისასტიკით, მისი მასწავლებელი - ფილოსოფოსი სენეკა. "კორონაციაში" ბევრი რამ გვთავაზობს ანალოგებს კომპოზიტორის ბრწყინვალე თანამედროვეს - ვ. შექსპირის ტრაგედიებთან. ვნებების გახსნილობა და სიმძაფრე, ამაღლებული და ჟანრული სცენების მკვეთრი, ჭეშმარიტად „შექსპირული“ კონტრასტი, კომედია. ასე რომ, სენეკას მოსწავლეებთან დამშვიდობება - ოაერას ტრაგიკული კულმინაცია - იცვლება გვერდისა და მოახლის მხიარული შუალედით, შემდეგ კი იწყება ნამდვილი ორგია - ნერონი და მისი მეგობრები დასცინიან მასწავლებელს, აღნიშნავენ მის სიკვდილს.
"მისი ერთადერთი კანონი არის თავად სიცოცხლე", - წერდა რ. როლანი მონტევერდის შესახებ. აღმოჩენების გამბედაობით, მონტევერდის ნამუშევარი ბევრად უსწრებდა თავის დროს. კომპოზიტორმა იწინასწარმეტყველა მუსიკალური თეატრის ძალიან შორეული მომავალი: საოპერო დრამატურგიის რეალიზმი W. A. Mozart-ის, G. Verdi, M. Mussorgsky-ის მიერ. ალბათ ამიტომ იყო მისი ნამუშევრების ბედი ასე გასაკვირი. მრავალი წლის განმავლობაში ისინი დარჩნენ დავიწყებაში და კვლავ დაუბრუნდნენ სიცოცხლეს მხოლოდ ჩვენს დროში.
ი.ოხალოვა
ექიმის შვილი და ხუთი ძმიდან უფროსი. სწავლობდა მუსიკას M.A. Ingenieri-თან. თხუთმეტი წლისამ გამოსცა სულიერი მელოდიები, 1587 წელს - მადრიგალების პირველი წიგნი. 1590 წელს მანტუას ჰერცოგის კარზე ვინჩენცო გონზაგა გახდა მევიოლისტი და მომღერალი, შემდეგ კი სამლოცველოს წინამძღოლი. თან ახლავს ჰერცოგს უნგრეთში (თურქული ლაშქრობის დროს) და ფლანდრიაში. 1595 წელს ის დაქორწინდება მომღერალ კლაუდია კატანეოზე, რომელიც მას სამ ვაჟს გაუჩენს; იგი მოკვდება 1607 წელს ორფეოსის ტრიუმფის შემდეგ. 1613 წლიდან - სამლოცველოს უფროსის უვადოდ თანამდებობა ვენეციის რესპუბლიკაში; სასულიერო მუსიკის კომპოზიცია, მადრიგალების ბოლო წიგნები, დრამატული ნაწარმოებები, ძირითადად დაკარგული. დაახლოებით 1632 წელს აიღო მღვდლობა.
მონტევერდის საოპერო შემოქმედებას აქვს ძალიან მყარი საფუძველი, არის მადრიგალების და სასულიერო მუსიკის შედგენის წინა გამოცდილების ნაყოფი, ჟანრები, რომლებშიც კრემონესმა ოსტატმა შეუდარებელ შედეგებს მიაღწია. მისი თეატრალური მოღვაწეობის ძირითადი ეტაპები - ყოველ შემთხვევაში, ჩვენამდე მოღწეულიდან გამომდინარე - ორი აშკარად გამორჩეული პერიოდია: მანტუა საუკუნის დასაწყისში და ვენეციელი, რომელიც მის შუაშია.
